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PATSY CLINE

Fue de las grandes leyendas del country, gran exponente del Sonido Nashville, una mujer cuya voz le dio una personalidad única a uno de los géneros más populares de la música de Estados Unidos. Se hizo famosa gracias a su tono emocionalmente expresivo y voz de contralto. Y como ocurrió con muchas de las estrellas del rock, su vida pública fue intensa y breve, con demasiados accidentes.

Nació como Virginia Patterson Hensley en Winchester, Virginia, un 8 de Septiembre de 1932.

Comenzó cantando en clubs nocturnos cuando era adolescente, con los trajes de que ella misma diseñaba y su madre cosía amorosamente. Cline era el apellido de su primer marido Gerald Cline, con quién se casó a los 21 años en 1953 y del que se divorció en 1957.

En 1955 encontró su segundo mánager Bill Peer, su mejor aliado. Él le consiguió un contrato con el sello 4-Star y le cambió el nombre de Virginia a Patsy. Con “Walkin After Midnight” se convirtió en la primera cantante country en conseguir un éxito tanto en las listas de country como en las de pop.

Su aparición en la televisión cantando esa canción consiguió darle la fama que anhelaba. Cambió sus trajes de vaquera por vestidos de cóctel y tacones altos.

En 1961 Patsy sufrió un grave accidente de tráfico que estuvo a punto de costarle la vida. Tres meses después ya estaba de nuevo en marcha. Fue entonces cuando le llegó a sus manos "Crazy" escrita por Willie Nelson y que Patsy hizo suya al instante. En diciembre de 1962 logró ser la primera mujer de música country en presentarse de manera estelar en un show de Las Vegas.

Tenía 30 años cuando el avión en el que viajaba se desplomó en la localidad de Camden, Tennessee un 5 de Marzo de 1963.

Hollywood no puedo resistirse a su desdichada vida y en 1985 se estrenó Sweet Dreams, la fantasiosa película con Jessica Lange como protagonista y Ed Harris como el marido de la cantante.

Diez años después de su muerte se convirtió en la primera solista femenina en ingresar al Salón de la Fama del Country. Además tres de sus temas “Sweet Dreams” “Leavin’ On Your Mind” y “Faded Love”, se convirtieron en éxitos radiales en emisoras de música country. En 1999 fue votada n° 11 en el especial de VH1, las 100 Mejores Mujeres en el Rock n Roll.

Fuentes: culturacolectiva.com, udiscovermusic.com, blogs.elpais.com y ‘Mujeres del Rock’ de Anabel Vélez.

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Brenda Lee

Aunque Brenda Lee no fue precisamente considerada una artista de country o rockabilly, se la recuerda más como ídolo pop adolescente, no hay duda que sus primeros años estuvieron ligados al rock n roll. Su a veces aniñada voz le dio un aspecto original a su música que la diferenciaba del resto de sus compañeras.

Nació como Brenda Mae Tarpley el 11 de Diciembre de 1944 en Atlanta, Georgia. Con 5 años ganó su primer concurso y cantaba habitualmente en la radio local. Dos años después ya participaba regularmente en programas de televisión. Fue toda una estrella infantil.

Pero su gran momento llegó en 1956 cuando firmó con Decca Records y publicó sus primeros éxitos, entre ellos ‘’One Step" y “Sweet Nothings" , este le otorgó el reconocimiento y aceptación del público, llegando al N° 4 en el top 40.

Sería el primero de muchos éxitos en los que supo equilibrar sus temas entre el country, pop y rockabilly. Muchos de ellos estuvieron bañados por el rock, canciones como ‘Dynamite’, ‘Little Jonah’ o ‘Rock the Bop’. Su fama crecía rápidamente y al abrirse al público internacional, sobre todo en Europa, fue cuestionada por estar aún en etapa adolescente, sin embargo su éxito continuó y las ventas se multiplicaron.

Tuvo 47 éxitos en los Estados Unidos durante la década de 1960, un número superado solo por Elvis Presley, Ray Charles y The Beatles en esa década.

Aunque sus éxitos continuaron, no tuvieron la intensidad de Sweet Nothings. Volvió a grabar con Owen Bradley y empezó una carrera centrada en el country que le brindaría éxito durante los 70s y 80s.

A lo largo de su carrera Brenda Lee ha conseguido obtener casi todos los premios musicales existentes hasta el momento excepto el Grammy, a pesar de haber estado nominada en numerosas ocasiones. Actualmente es la artista que más premios Edison de la Música (el equivalente holandés de los premios Grammy) ha recolectado, cinco en su caso.

Es miembro del Salón de la Fama del Rock’n'Roll, del Rockabilly y del Country; y a día de hoy es una de las artistas femeninas que más discos ha vendido en la historia de la música.

En 1999, Brenda fue diagnosticada con quistes en sus cuerdas vocales. Ante una cirugía que puede dañar permanentemente sus cuerdas vocales, Brenda eligió tomarse un tiempo libre y descansar. Aunque no está curado, el daño se ha detenido. Todavía casada con su amado Ronnie y con sus hijos cerca, Brenda continúa cantando con entusiasmo para el público de todo el mundo.

A sus 75 años sigue dando giras y participando en multitud de galas. Mientras, sus canciones siguen siendo incluidas en bandas sonoras de cine, televisión y en campañas de publicidad de todo el mundo.

Fuentes: mujeresbacanas.com, es.famousbirthdays.co, last.fm, es.swashvillage.org y ‘Mujeres del Rock’ de Anabel Vélez.

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Janis Martin

Nació como Janis Darlene Martin en Sutherlin, Virginia el 27 de marzo de 1940. Conocida popularmente como la Elvis femenina; tuvo una carrera intermitente.

Su padre y su tío eran músicos aficionados, no es de extrañar que a los 6 años la pequeña Janis ya supiera tocar la guitarra. A los 8 años quedó segunda en un concurso local de canción, lo cual la animó para presentarse a todos los eventos de este tipo en los siguientes dos años, ganándolos todos.

Aquello la llevó, a los 11 años, a participar en importantes festivales y emisiones de radio. Cantaba un estilo mezcla de Bluegrass y R&B, y versiones de otros artistas, pero su gran momento llegó cuando dos compositores le pidieron que cantar su tema rockabilly “Will You, Willyum", en el festival Old Dominiom en 1955, para ver la reacción del público. El resultado fue tan espectacular que Janis firmó contrato con la multinacional RCA con solo 15 años. Janis y la propia discográfica, que acababa de contratar a Elvis Presley, vieron clara la jugada: había hueco para una Elvis femenina. Hasta el propio Rey del rock and roll entró en el juego, dándole su bendición.

Editó discos como “Drugstore rock'n roll", “Oooby dooby", “Love me to pieces" y “My boy Elvis". Durante un tiempo funcionó: en 1956, fue considerada la cantante más prometedora por la revista Billboard. Pero la industria del entretenimiento no sabía realmente qué hacer con ella: la colocaban en giras country, donde buena parte del público rechazaba los nuevos ritmos. Fue un problema común a otras Elvis femeninas, como Wanda Jackson o Bonnie Lou; sólo la moderada Brenda Lee logró desarrollar una carrera larga.

Janis intentó huir del rol de la mera copia de Elvis que le habían impuesto haciendo giras de música country, grabando temas más cercanos a este género, como “Love Me To Pieces" o temas románticos como “Love and Kisses".

Por otro lado se había casado, ocultándolo a la discográfica. Pero cuando quedó embarazada la mentira no se sostenía y RCA le terminó el contrato aunque había grabado para ellos 30 espléndidas canciones para la Historia. Fichó por el sello Palette, donde grabó 2 singles, “Here Today and Gone Tomorrow Love" en 1960, y “Cry Guitar" en 1961 pero no se vendieron bien.

Desde entonces alternó su vida familiar con retornos al mundo de la música con su grupo The Variations y trabajando como directora de un club de country en Virginia. A finales del siglo XX la cantante Rosie Flores la sacó de su letargo convenciéndola de que en Europa era un mito y que fuese a cantar allí o por Estados Unidos. Y así lo hizo prácticamente hasta el día de su muerte, ocurrida en Carolina del Norte, consecuencia de un cáncer a los 77 años.

Fun Fact: uno de los discos más buscados y valorados por los coleccionistas es “Janis & Elvis" editado en Sudéfrica en 1959 y retirado del mercado a los pocos días de salir por exigencia del Coronel Parker, el mánager de Elvis.

Fuentes: elpais.com, ‘Mujeres del Rock’ de Anabel Vélez, diccionariorocker.blogspot.com

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Anita O'Day

También conocida como la Jezabel del Jazz, fue de una de las voces más importantes del jazz en su época. Debido a su estilo tradicional, que oscila entre el swing y el bop; con un gran sentido innato de la improvisación y del ritmo. Su voz era ligeramente grave y siempre suave.

Nació como Anita Belle Colton en 1919 en chicago, y a los 15 años empezó a participar en concursos como bailarina y cantante. Tras varias experiencias fallidas en distintas orquestas, su original estilo vocal fraseado le permitió entrar a la orquesta de Gene Krupa en 1941, hasta fichar para Verve en 1954.

Fue entonces cuando adoptó el nombre artístico que le acompañaría hasta el fin de sus días.

"Me pareció que era un nombre muy enrollado porque, en el argot O’Day significa dinero, que era lo que yo esperaba hacer" comentó la artista.

No fue hasta 1955 cuando O’Day lanzó su primer disco en solitario ‘Anita’ (o This Is Anita) y su carrera despegó. Tocaba en grandes festivales de jazz junto a Louis Armstrong y Thelonious Monk. Sus 14 discos para la discográfica Verve durante los cincuentas y sesentas la convirtieron en una de las vocalistas más distintivas, seguidas y exitosas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald.

Por lo demás, la vida personal de Anita era un torbellino sin fin de drogas, alcohol, matrimonios, abortos y divorcios. En 1947 fue arrestada por primera vez por posesión de marihuana. Cinco años más tarde fue nuevamente detenida y pasó una temporada entre rejas.

La heroína acabó pasándole factura y en 1967 tuvo que detener su carrera. Se sometió a rehabilitación gracias a la cual pudo continuar con su carrera, regresando a los escenarios en el Festival de Jazz de Berlín de 1970. Grabando una varios discos de estudio y en vivo, la mayoría grabados en Japón y algunos publicados por su propio sello discográfico, Emily Records.

Tras pasar varios años controlando su adicción a las drogas, O'Day quizás no sea tan reconocida como Billie Holiday, pero las comparaciones entre ambas son evidentes. Y no sólo por su forma de cantar, sino por su vida personal. Ambas pasaron por un infierno de adicciones a las drogas y al alcohol y unas relaciones con los hombres bastante "convulsas". Ambas tuvieron problemas con la justicia y pasaron una temporada "a la sombra".

Pero al igual que Holiday, la voz y el talento de Anita O'Day se elevan por encima de sus problemas personales y quedan reflejados en los cerca de 80 discos de una larga trayectoria en la que ha compartido escenario o estudios de grabación con gente de la talla de Louis Armstrong, Gene Krupa o Stan Kenton.

Falleció el 23 de noviembre de 2006 en la ciudad de Los Ángeles, a los 87 años, a causa de un infarto.

Fuentes: ‘Mujeres en La Música’ de Anabel Vélez’, elpais.com es.linkfang.org lavozdelanrazote.com Wikipedia.org y last.fm.

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Wanda Jackson

Jackson es considerada como la primera cantante de Rock and Roll de la historia, comenzando su carrera en 1954 y extendiéndola por más de 60 años. Conocida y recordada como la "Reina del Rockabilly".

Nació el 20 de octubre de 1937 en un poblado de Oklahoma. Su padre era un músico de pasatiempo y fue quien le enseñó a tocar la guitarra y la motivó a estudiar piano. Mientras que su madre conseguía empleos temporales para sostener a la familia.

A los catorce años ganó un concurso que le abrió un espacio para cantar en la radio. Su ídolo de la música country, Hank Thompson, la escuchó y la invitó a acompañarlo en el escenario. Su primer éxito fue “You can’t have my love”. A su corta edad, la voz de Wanda, gruesa y rasposa, ya era difícil de olvidar.

En sus primeras presentaciones, Jackson salió al escenario con el típico traje de cantante country: faldas largas y holgadas, camisas y botas vaqueras. A ella no le gustaba el look, pues sentía que no le favorecía, al ser baja de estatura. Su madre comenzó a confeccionarle vestuarios a la medida, que redujeron el largo y ancho de las faldas, hasta dejarlas con forma de lápiz, acentuando la cintura y la cadera de la cantante. Ella fue quien definió el estilo de Rockabilly que muchas adolescentes comenzaron a imitar.

Salía al escenario en la misma gira que Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash y Buddy Holly. Cuentan que a Cash le imponía tanto que era incapaz de llamar a la puerta de su camerino.

Por su parte Elvis admiraba a Wanda y la persuadió de dejar el country por el blues y el rock and roll.

“Era un gran amigo, nos llevábamos muy bien y nos divertíamos mucho durante y después de los conciertos. Una vez me dio su anillo y lo llevé en una cadena alrededor del cuello. Fui su chica durante un tiempo. Pero lo más importante que hizo Elvis por mí fue enseñarme aquella nueva música del rock'n'roll, si no fuese por él no lo habría intentado” expresó en una entrevista.

Dueña de una voz explosiva, Wanda Jackson logró un gran éxito en Europa, Australia y Asia. Es en este último continente con su canción "Fujiyama Mama" -la que trata sobre las bombas nucleares que lanzó EEUU- alcanzó el número uno en Japón.

Era como si el rock hubiera estado esperando por su voz rasposa, a los 23 años firmó un contrato con Capital Records, lanzando en 1958 su tema más reconocido "Let's Have a Party"

Aunque alcanzó a llegar a las listas de popularidad, e incluso a superar a Elvis Presley, mantenerse en los rankings dominados por hombres como Dean Martin, Jerry Lee Lewis y Sam Cooke, era muy difícil.

Wanda sirvió como inspiración para muchas cantantes del género, entre ellas Cyndi Lauper: “viniendo de una banda como Blue Angel y siendo la única mujer, te fijas en otras compañeras: en el country, Patsy Cline, Loretta Lynn, Dolly Parton… pero Wanda Jackson era rockera, como yo; por eso la escuché y aprendí tanto de ella”, y cuando la conoció le dijo: "Estoy tan feliz de conocerte porque ayudaste a todas las chicas en este negocio"

Adele reconoció la influencia de Jackson en su música: “un mundo nuevo de inspiración se abrió para mí cuando una amiga me descubrió a Wanda Jackson. Me enganché a un disco suyo de grandes éxitos; me encantaba su estilo fresco y descarado. Es la versión femenina de Elvis. Es sexual, no se avergüenza de sí misma”

En 2009 Jackson entró al Salón de la Fama del Rock and Roll y sus canciones siguen poniendo a bailar a cualquiera. En marzo de 2019 anunció su retirada de los escenarios por "salud y seguridad".

Fuentes: emol.com los40.com farodevigo.com gatopardo.com elpaís.com y ‘Mujeres Del Rock’ de Anabel Vélez.

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Ruth Brown

Brown se convirtió en la pionera del Rhythm and Blues, siendo una de las primeras mujeres en incursionar en dichoso ritmo, fue una de las primeras voces negras en cantar este estilo, pero siempre mantuvo su esencia que la dirigió a convertirse en la reina de Rhythm and Blues.

Ruth Weston nació en Virginia, Portsmouth, el 30 de enero de 1928, era la mayor de 7 hermanos. Su padre era el predicador de una iglesia del barrio donde vivían y dirigía el coro. Solía saltarse las clases de música, por lo que no aprendió a leer partituras. Lo que nunca dejaba de hacer era cantar y escuchar la ‘música del diablo’.

Su padre odiaba ese género y no quería hablar ni escuchar sobre el tema, por esa razón a Ruth le tenían prohibido escuchar el blues. Este tipo de música era estigmatizado tanto por la comunidad blanca como por la religiosidad negra, era considerado el pecado mismo. Lo que su padre no sabía era que ya Ruth tenía una fascinación y afinidad hacia el Blues que más adelante fue su vocación.

A los 17 años, debido a las constantes peleas familiares por el mismo tema del blues se fugó de casa y se casó con el trompetista Jimmy Brown. Siguió cantando en bares y clubes, luego de un tiempo la hermana de Cab Calloway, Blanche, le ofreció una oportunidad y la llevó a cantar en un bar con una buena reputación llamado Crystal Cavern. Pero a causa de un accidente automovilístico mientras ella se trasladaba a New York hacia las disqueras Atlantic Records, estuvo hospitalizada durante más de 7 meses, Ruth no logró presentarse en la disquera para una prueba discográfica. Luego de un tiempo los dueños de Atlantic Records viajaron desde New York a verla cantar en un club.

La seductora voz de Brown brillaba incandescente en sus éxitos con Atlantic 'Teardrops From My Eyes', 'I'll Wait for You' y 'I Know' en 1951. En el 53 triunfó con '(Mama) He Treats Your Daughter Mean'. En 1954 volvería a estar arriba con 'Mambo Baby'. Por esta época, empezaría a ser conocida como Miss Rhythm y como 'la chica con la lágrima en la voz'.

Con 16 discos en el Top 10 (cinco de los cuales llegaron al nº1) se convirtió en la artista más popular de Atlantic, ganándose la discográfica el merecido nombre de 'La Casa que Levantó Ruth'. Cuando la discográfica perdió interés en el R&B, Ruth se marchó a regañadientes.

Durante una década se ganó la vida fuera de la música. A la cual regresó en los 70s, convirtiéndose en la protagonista del musical de Broadway ‘Black And Blue’ y empezó su pelea contra Atlantic por los derechos de sus canciones. Tras 9 años de lucha incansable, recuperó lo que le pertenecía y fundó la Rythm and Blues Foundation, que perseguía luchar por los derechos de los músicos afroamericanos. Fue fuente de inspiración para muchas mujeres de raza negra.

Fue una gran activista de los derechos civiles, que solía cantar frecuentemente en el sur contra la segregación. A pesar de las constantes amenazas contra su vida que recibía. Fue ganadora del Premio Pioneer por la excelente labor que ejercía con su fundación en 1989, también fue nombrada como La Reina del Rhythm and Blues en el 2003 cuando entró al Rock and Roll Hall Of Fame.

Debido a una intervención que se le realizó en octubre del 2006, en la cual se presentaron algunas complicaciones quedó padeciendo de Apoplejía funcional, la cual la debilitó. Y en Noviembre 17 del mismo año sufrió un ataque al corazón del cual no logró recuperarse. Murió en Las Vegas a sus 72 años.

Fuentes: last.fm horadelrecreo.com musica.nexos.com.mx y ‘Mujeres del Rock’ de Anabel Vélez.

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Etta James

Nació como Jamesetta Hawkins el 25 de enero de 1938, y como tantas otras intérpretes, comenzó probando con el góspel en una iglesia de su barrio para ir aproximándose, al blues y luego al R&B del momento. Era una mujer de carácter y todo lo que cantaba sonaba a conocido y a verdad.

En la errática carrera de James llegó a cantar con los Rolling Stones, y Mick Jagger dice imitarla en sus poses y maquillajes. Beyoncé la interpretó en la película Cadillac Records junto a Adrien Brody y Jeffrey Wright. Adele a los 13 años compró un disco de Etta y fue lo que la llevó a cantar.

A los 5 años, Jamesetta era conocida como prodigio del Góspel, ganando fama cantando en la iglesia y en la radio. A los 12 se mudó a San Francisco, comenzando a trabajar para el director de orquesta Johnny Otis. 4 años después, en 1954, se mudó a L.A. para grabar The Wallflower con la banda de Otis.

Ese fue el año en que Jamesetta se convirtió en Etta James, y en 1955 despegó su carrera en solitario con éxitos como Good Rockin Daddy.

Después de firmar con Chess Records en 1960, la carrera de James comenzó a despegar. Sus éxitos incluían duetos con su pareja, Harvey Fuqua, como la balada "All I Could Do Was Cry", alcanzando lo más alto de las listas de R&B.

Pero los talentos de James no estaban reservados para baladas románticas, en 1962 grabó "Something’s Got a Hold on Me" con tonos góspel en 1962. En 1963 un vibrante disco en directo, Etta James Rocks the House, grabado en el New Era Club de Nashville.

Continuó trabajando con Chess Records a través de los 60s y principios de los 70s, su álbum de 1973, Etta James, obtuvo una nominación a los Grammys, en parte por su creativa combinación de rock y funk.

Tristemente, la adicción a la heroína afectó su vida personal y profesional, pero a pesar de ello, continuó haciendo nuevos álbumes. Fue introducida al salón de la fama del rock n roll en 1993.

Con movimientos surgentes y actitud pícara, James continuó presentando y grabando bastante bien en los 90s. Siempre conmovedora, su extraordinaria voz fue recibida muy bien en sus más recientes álbumes, incluyendo Blue Gardenia, que llegó al tope de la lista de Jazz de Billboard.

En 2003, James se sometió a un bypass gástrico y perdió más de 90kg. La dramática bajada de peso tuvo un impacto en su voz, “puedo cantar más grabe, más alto y más fuerte” explicó.

El mismo año, james publicó Let’s Roll, con el que ganó el Grammy por mejor álbum contemporáneo de blues. Su Siguiente álbum, Blues to the Bone, le trajo su 3er Grammy, esta vez por álbum tradicional de blues. En 2006, James publicó el álbum All The Way, el cual incluía covers de canciones de Prince, Marvin Gaye y James Brown.

Cuando entró en sus 70s, James comenzó a tener problemas de salud. Fue hospitalizada en 2010 por una infección sanguínea. Más adelante se supo que la cantante sufría de demencia y estaba recibiendo tratamiento por leucemia.

James lanzó su último álbum, The Dreamer, en noviembre 2011. El disco contenía odas al alcohol y al tabaco, aparte de una insospechada versión de Welcome to the jungle, de Guns ‘N’ Roses. Unas semanas después el doctor de James anunció que la cantante estaba enferma terminal y que “está en las últimas etapas de leucemia. También fue diagnosticada por demencia y hepatitis c”

James falleció en su casa en Riverside, el 20 de enero de 2012. Hasta el día de hoy es considerada una de las cantantes más dinámicas de la historia.

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Ella Fitzgerald

La llamada ‘Primera Dama de La Canción’ Nació en Virginia en 1917 y tuvo una infancia difícil. Cuando tenía 15 años su madre murió atropellada, por lo que quedó al cuidado del novio de su madre, quien abusó sistemáticamente de ella. Todas estas tragedias la transformaron en una adolescente conflictiva que se escapaba de clases y fue detenida por la policía en diversas ocasiones. La internaron en un reformatorio, del que trató de escapar varias veces, hasta que finalmente se trasladó donde un tío en Nueva York, mientras vivía en un reformatorio.

El 21 de noviembre de 1934, cuando tenía sólo 17 años, se presentó en el Teatro Apollo de Nueva York y ganó el concurso Amateur Night Shows, donde se presentaría como bailarina pero cuando salió al escenario y vio a toda la gente tuvo un ataque de nervios y entonces trató de cantar. Así consiguió entrar en la orquesta de Chick Webb. Durante esa etapa alcanzó la fama con su versión de la canción de cuna "A Tisket a Tasket".

Luego de que Webb muriera en 1939, Ella dirigió la banda durante un par de años, pero en 1941 lanzó su carrera de solista y ahí comenzó a lucir su talento en todo su esplendor, acercándose al jazz. Su voz poseía un excepcional rango vocal de tres octavas; sobresalía también la claridad de su vocalización y su capacidad de improvisación, su repertorio pasó por el blues, swing, bossa nova, samba, góspel, calypso, y pop, pero sobre todo en el bebop y luego en el scat. Así, se consagró así como la reina del jazz.

Cuando en 1955 fichó por Verve, se le animó a reinterpretar los grandes clásicos del cancionero popular estadounidense, y fueron los que la hicieron realmente famosa.

Su dura infancia la había marcado. Era una persona tímida que apenas se relacionaba con la gente. Entre concierto y concierto, prefería permanecer en su camerino. Pero Ella se transformaba en el escenario.

Buena prueba de ello fue su divertida versión de “Mack the Knife”. La cantante divertida se le olvidó la letra y se la inventó mientras improvisaba. Supo usar la voz como un instrumento más, modularla, trabajarla y convertirla en algo impresionante. Citando populares canciones y artistas, mezclado con su famoso e icónico scat. Ganó 2 premios Grammys por esta presentación.

Su forma de cantar acercó el bop a nuevas audiencias y la convirtió en pionera de un estilo de cantar muy determinado a grandes capacidades vocales. En 1957 además se convirtió en la primera cantante afroamericana en actuar en el famoso Copacabana de NY.

Al contrario de sus compañeras, la vida de Fitzgerald fue mucho menos corroída por la prensa. Quizás por su timidez, se mantuvo alejada de los focos, también se mantuvo alejada de las drogas y las vidas turbulentas. Una de las grandes voces de la historia del jazz y de la música en general.

Se hizo muy buena amiga de Marilyn Monroe, quién la ayudó a presentarse en el Mocambo, un local de moda en Virginia, en el que solían presentar artistas como Sinatra, y todo Hollywood solía estar presente. Pero no querían contratar a Ella, su música no encajaba con el estilo del club y el hecho de que fuera negra tampoco ayudaba. Aunque con anterioridad hubiesen presentado estrellas de color como Eartha Kitt o Dorothy Dandridge. Sin embargo, Marilyn quería que presentara ahí.

La actriz tomó el teléfono y llamó al duelo de la sala, ésta avaló a Fitzgerald y prometió al dueño del lugar que cada vez que fura el Mombaco, ella estaría en primera fila. Monroe era la mayor Estrella de Hollywood, y la mejor publicidad posible para cualquier local. El dueño aceptó el trato con Monroe, un trato que cambió la carrera de Fitzgerald.

Sus grabaciones para Capitol entre 1967 y 1970 quizás no son perfectas como sus anteriores trabajos, lo que sí es cierto es que Fitzgerald nunca paró de actuar en directo y a plena capacidad vocal. Semana tras semana y sin descanso, se subía al escenario casi hasta la extenuación.

A los 68 años Ella Fitzgerald comenzó con serios problemas de salud que la fueron alejando de los escenarios. Problemas respiratorios, insuficiencia cardíaca congestiva ​y agotamiento. La diabetes le provocó la amputación de sus dos piernas y afectó su vista. Sus últimos días los pasó en su mansión de Beverly Hills, donde murió el 15 de junio de 1996, a los 79 años. Ganó 14 premios Grammy, incluyendo el premio a la trayectoria, y fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos.

Antes de Ella el trabajo del vocalista era cantar las letras, no era considerado un músico. Fitzgerald cambió eso, probó que los vocalistas eran capaces del mismo nivel de habilidad artística que el resto de los miembros de las bandas.

Fundó la Ella Fitzgerald Charitable Fundation en 1993, dedicada a las artes y a jóvenes en problemas.

Fuentes: ‘Mujeres Del Rock’ de Anabel Vélez, vídeos de ‘Jazz Night in America’ y ‘Grunge’ en Youtube. Mujeresbacanas.com, cultura.gob.ar, cadenaser.com

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Billie Holiday

‘Lady Day’ nació un 7 de abril de 1915, como Eleanora Fagan en Filadelfia, hija del guitarrista Clarence Holiday de 16 y Sadie Fagan de 18. Negra, pobre y sin estudios, su madre se vio obligada a trabajar a distintos puntos del país mientras su pequeña hija, Eleanora Fagan, en ese entonces quedaba a cargo de familiares, conocidos o vecinos, quienes, como es de esperar, se ocupaban de ella poco y mal. Sería uno de estos, un tal Wilbert Roch, quien la violaría cuando contaba solo diez años, aunque un jurado racista la consideraría culpable a ella, no se sabe muy bien de qué, a su agresor solo lo condenarían por 3 meses. A los 12 ya trabajaba de lo que podía. Un par de años después se dedicó a la prostitución. Hasta que a los 16 se reencontró con su madre y empezó a servir las mesas en un local nocturno en el que su madre hacía la limpieza. Eleonor logró ser todo lo feliz que las circunstancias le permitían, gracias a una antigua gramola de la que emergía la prodigiosa música de Louis Armstrong y Bassie Smith. Ellos serían su ‘salvación’. La joven aspirante canturreaba y bailaba al son de la misma mientras hacía camas y limpiaba retretes. En 1932, desesperada por dinero, Holiday con 16 años de edad, decidió recorrer las calles de Harlem para conseguir algo de dinero.

“en busca de trabajo llegué a un club manejado por Jerry Preston, le dije que era una bailarina, me dijo que bailara. Lo intenté y dijo que no servía. Le dije que podía cantar… En la esquina había un tipo tocando el piano, comenzó a tocar ‘Trav´lin’ y canté. Todos se voltearon a verme… todos comenzaron a llorar” comentó la cantante.

En 1935 debuta en el prestigioso teatro Apollo (meca de la música afroamericana), y poco después aparece en un cortometraje junto al gran Duke Ellington. Billie actúa con diferentes bandas, en una de las que conocerá al que sería su mejor amigo, el malogrado Lester Young, quién la bautizaría con el sobrenombre de Lady Day. Una ilusionada Billie protagoniza giras y logra actuar junto a los grandes, entre los que se encuentra su admirado Louis Armstrong. La canción con la que más se le asimila es "Strange Fruit", la misma que en 1999 Time Magazine nombró la canción del siglo. Se trataba de una canción de protesta contra un linchamiento a dos hombres afroamericanos por supremacistas blancos, originalmente fue escrito como un poema por Abel Meropol. La vida amorosa de Billie es tan promiscua como tortuosa. Confiada de encontrar el amor verdadero, se casa en dos ocasiones: en 1941 con el trompetista Jimmy Monroe y en 1957 con el mafioso Louis McKay. Ambos matrimonios fracasan. Consumida por las drogas y alcoholizada, graba sin embargo Lady Satin, con la que demuestra que su voz ronca y madura continúa siendo bella. Pero la vida de Billie se apaga. El 17 de julio de 1959, la cantante, arrestada por consumo de drogas, yace en una cama del hospital de Nueva York víctima de la cirrosis. Junto a ella se encuentra solo su perro. La muerte la sorprende y Lady Day no puede hacerle frente, tiene solo 44 años. En 1956 había aparecido su autobiografía, Lady Sings The Blues, que en 1972 sería llevada a la gran pantalla por el cineasta Sidney J Furie; Diana Ross interpretó en la película a la mítica cantante. Su particular timbre de voz y su libertad rítmica hicieron de ella una de las cantantes más personales e influyentes del mundo del jazz; de hecho, a menudo es señalada como una de las mejores intérpretes de la historia del género, junto a Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. Sin embargo, Billie Holiday no supo asimilar el éxito: consumidora habitual de drogas y alcohol, poco a poco entró en un proceso de decadencia artística, al que se sumó una desafortunada vida sentimental que la condujo a una profunda depresión. La película del 2021, "The United States vs. Billie Holiday" protagonizada por Andra Day (nominada a Mejor Actriz en los Premios de la Academia) trata, entre varias cosas, sobre Strange Fruit y su impacto en los Estados Unidos en los años 40s. INSTAGRAM COLECCIÓN MUJERES EN LA MÚSICA

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Memphis Minnie

Elizabeth Douglas nació en 1897 en un entorno rural cerca de Memphis. Fue una cantante, compositora y guitarrista de Blues cuya carrera se desarrolló los años 20 hasta los 50s, durante la cual grabó unas 200 canciones, algo tremendamente inusual para una mujer.

Entre sus trabajos destacan ‘Moaning the Blues’ ‘Bumble Bee’ ‘When the Levee Breaks’ y ‘Me and ‘My Chauffeur Blues’. Ésta última habla sobre una mujer que lleva las riendas de su vida. Y si deja a un hombre conducir, es simplemente porque es su chófer.

Considerada una gran artista y una influencia para muchos es una injusticia que su nombre no suene más veces y más alto. Fue una de las mujeres más populares en la historia del blues, por no decir la mejor de todas.

Aprendió a tocar el banjo a los 7 años, influenciada por las bandas a las que se escapaba a ver en Memphis; cuatro años después obtuvo su primera guitarra con la que empezó a buscarse la vida por las calles de Memphis, ya que la alternativa por una chica de su edad era el trabajo físico en una granja o labores domésticas, opciones que no entraban en sus planes vitales. A los 13 años se escapó y se unió a un circo como guitarrista y cantante.

Pronto acabó en la mítica Beale Street, pieza clave de la historia del blues, tocando en las calles y en los parques para sobrevivir, se curtió en la vida dura del músico y absorbió la esencia del blues. Pronto dio el santo a Chicago, donde se ganó el respeto de sus compañeros del blues.

En 1929 Elizabeth se casa el guitarrista Joe McCoy; un día mientras ambos están tocando en una barbería un agente discográfico de Columbia Records les ficha para una sesión en New York.

La primera sesión contiene ‘Bumble Bee’ uno de los temas más populares de su carrera. Es a partir de su trabajo en Columbia cuando usa su nombre artístico Memphis Minnie.

Joe y Minnie se establecieron en Chicago a principios de 1930, grabaron juntos y por separado, a mediados de la década el matrimonio se separó a la vez que la actividad musical de Minnie se fue incrementando.

Entre los años 30 y 40, ella fue una de las grandes del género, además de ser muy competitiva como guitarrista. Venció incluso al gran Muddy Waters en un concurso de guitarra. Era extraño que una mujer fuese considerada al mismo nivel que la mayoría de los hombres que dominaban el género. Pero Memphis Minnie era excepcional.

A finales de los 40s el interés por sus grabaciones decae y la tendencia de los clubs es el jump blues, mientras que la industria discográfica en los 50s va tornando progresivamente al Rock n Roll.

Su música ha influenciado no solo a innumerables guitarristas del blues, también del rock. La importancia de su estilo a la guitarra es debe a su forma innovadora y rítmica de tocar el instrumento. Sus letras autobiográficas hablaban de una mujer real y fuerte. Una mujer única.

La primera edición del Salón de la Fama del Jazz la incluyó entre sus primeros miembros a una mujer, Memphis Minnie. A diferencia del Salón de la Fama del Rock.

Muchas de sus canciones se popularizaron gracias a artistas convencionales más adelante como es el caso de ‘When the Levee Breaks’ grabada por Led Zeppelin en 1971 y ‘Chauffeur Blues’ por Jefferson Airplane.

Se retiró en 1950, después de sufrir una apoplejía. Y pasaría sus últimos años cuidando su salud y tocando para si. Falleció el 6 de Agosto 1973 después de su tercera apoplejía.

Fue sepultada en una tumba sin nombre, y no sería hasta 1996 que el cementerio New Hope Baptist Church le levantaría una lápida.

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Fuentes: stringsfield.com, ‘Mujeres del Rock’ de Anabel Vélez, vídeos de Escuela de Blues, Truefire y Diana Chittester en YouTube. Secondhandsongs.com y drfrankensguitar.com.

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Sister Rosetta Tharpe

-Apodada La Madrina del Rock n Roll, fue una de las mujeres pioneras en la historia de la música al llevar los textos religiosos y el sonido del góspel más allá de la iglesia a lugares populares donde su canto y acordes se transformaron en el sonido precursor del Rock N Roll.

-Hay muchas disputas si Chuck Berry o Little Richard fueron los verdaderos inventores, pero Sister Tharpe fue anterior a ellos. Rosetta componía hits anteriores al desenfreno del rock and roll, entre 1944 y 1945 cuando Chuck Berry estaba encarcelado y Richard era un estudiante de secundaria.

-Fue Rosetta la madre que parió el rock, que pasó de la iglesia a los escenarios, tocando una mezcla de soul con rock. Su música no sólo los influyó a ellos, sino que a Johnny Cash, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Bob Dylan.

-Rosetta Nubin nació el 20 de marzo de 1915 en Arkansas. Su relación con la música comenzó gracias a que su madre cantaba en un grupo de góspel de la Iglesia: aprendió a cantar y a tocar la guitarra al mismo tiempo que aprendió a hablar y a caminar.

-A los 4 años Rosetta ya acompañaba a su madre, Mama Bell, con la guitarra en los cantos de la iglesia. En 1934 se mudaron a Chicago, donde Rosetta, de 19 años, conoció al pastor Thomas Tharpe y al poco tiempo se casaron.

-Cada vez se hizo más famosa tocando en eventos públicos que no sólo atraían a los religiosos sino que a al público general. Tras su éxito en Chicago se mudó a Nueva York en 1938, donde se comenzó a llamar Sister Rosetta Tharpe. Aquí grabó sus primeros temas como “Rock me” o “the Man and I”, los que fueron éxitos instantáneos. Ya manejaba algún nivel de fama, pero no sabía que era tanto: miles de personas se acercaron para verla cantar en su casamiento.

-El matrimonio de Rosetta con el pastor Tharpe no duró mucho. Ella mantenía una relación con la cantante Marie Knight. Por su entorno religioso era impensable que ese amor saliera del clóset. Después de un par de años de matrimonio con Tharpe, se divorciaron. Rosetta se quedó con el apellido porque era más llamativo que el suyo. En 1945, con 30 años grabó “Rock Me”, el verdadero primer tema de rock and roll de la historia; de hecho fue la primera en tocar la guitarra con la boca.

-Su gran talento para cantar y tocar la guitarra, en una mezcla de soul con rock la llevaron a escenarios de todo el mundo en la década de los 30 y 40 gritando amén con los acordes del demonio.

-Nadie más salvaje tocando la guitarra que Sister Rosetta, que además tenía la voz tan excelente como Aretha Franklin y otras grandes del blues y jazz. Era una intérprete experimentada que podía cautivar a cualquier público con su poderosa voz y rasgueo fenomenal.

-Sin embargo, tal vez a causa de su religiosidad o su raza o su sexo, la hermana Tharpe ha permanecido mucho tiempo en el anonimato.

-Se fue de gira con Marie Knight (juntas habían grabado ‘Up Above My Head’ con gran éxito) tocando en bares y pubs. A los nuevos seguidores les resultaba demasiado religiosa y los más antiguos le criticaban sacar el góspel de la iglesia. Para contentarlos grabó un disco todo góspel ‘Strange Things Happening Every Day’ y un año después se convirtió en el primer tema góspel que llegó al top 10 de las listas de R&B.

-En 1951 se casó con su agente, Russell Morrison y 25 mil personas pagaron para verla cantar a la ceremonia-show. Después de eso su carrera se detuvo y volvió al góspel.

-En 1964 hubo un renacimiento del folk y Rosetta, fue contratada para la gira ‘Folk Blues and Gospel Caravan’ en Inglaterra. Dio un famoso concierto en una estación de ferrocarril abandonada que fue transmitido a nivel nacional. Así volvió la exposición pública.

-En 1970, durante una gira por Europa con Muddy Waters, debido a una diabetes tuvo que volver a EEUU y le tuvieron que amputar una pierna. Siguió tocando hasta que en 1973 murió en plena sesión de grabación en Filadelfia de un accidente cerebrovascular a los 58 años. El funeral fue pequeño. Su gran amor Marie Knight fue quien eligió la ropa con la que fue enterrada. Su tumba nunca tuvo lápida.

-Su legado no sólo se explica por haber llevado el góspel a círculo populares, sino que además por ser una mujer afroamericana que tocaba excepcionalmente la guitarra eléctrica mientras cantaba blues y rock en pleno desarrollo de los movimientos de los derechos civiles de la población negra en Estados Unidos entre los 30 y 60.

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Información de: cosecharoja.org mujeresbakanas.com gladyspalmera.com y ‘mujeres del rock’ de Anabel Vélez

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Ma Rainey

-Rainey fue clave para la autonomía femenina negra, siendo la primera mujer en hacerse estrella gracias al Blues. Su voz no era para nada dulce, La belleza de esta estaba en su aspereza y lo sombrío. Pronto entró en contacto con grandes nombres como Sidney Bechet, Joe Oliver y Louis Armstrong. Se hizo famosa por su poderosa voz y un estilo distintivo de “gemido” de canto, así como por sus letras fuertes, a veces arriesgadas.

-Nacida como Gertrude Pridgett en 1886. Debutó en los escenarios a los 14 en un talent show en su ciudad, Columbus. Su apodo le llegó cuando a los 18 se casó con William “Pa” Rainey, lo más lógico es que ella fuera “Ma” Rainey.

-A pesar de llevar toda la vida sobre los escenarios, nunca había grabado un disco antes de fichar con Paramount Records, y entre 1923 y 1928 grabó más de 100 canciones de las cuales escribió alrededor de 38. En este periodo grabó con Louis Armstrong y ambos lanzaron varias grabaciones, incluida una de sus piezas más famosas llamada, "See See Rider". Esta fue una letra poderosa que ha resistido la prueba del tiempo y ha sido interpretada por decenas de cantantes famosos desde entonces, incluidos Elvis Presley y The Animals.

-Ma Rainey era una artista llamativa. Aunque no era una mujer convencionalmente atractiva: llevaba una pluma de avestruz, tenía los dientes dorados que brillaban cuando cantaba y llevaba monedas de oro en el cuello. Sin embargo, lo que más capturó la atención de la audiencia fue su voz, que por todos los aspectos era enorme e imponente.

Thomas A. Dorsey describía en el libro The Rise of Gospel Blues, “Cuando comenzaba a cantar, el oro en sus dientes brillaba. Ella era el centro de las miradas. Los espectadores, se balanceaban, se mecían, gemían y gemían, mientras sentían el Blues con ella“.

-A diferencia de muchos otros músicos de Blues, Rainey ganó una reputación como profesional en el escenario y en los negocios. Según Mayo Williams, ‘Ma Rainey era una astuta mujer de negocios. Nunca intentamos engañarla’

-La popularidad de Rainey disminuyó durante la década de 1930 cuando el Blues estaba mucho menos de moda, y después de la muerte de su madre y su hermana, Rainey se retiró del negocio de la música en 1935 y volvió a Georgia.

-Durante los siguientes años, ella dedicó su tiempo para atender dos teatros, así como actividades en la Friendship Baptist Church. Rainey murió en Roma, el 22 de diciembre de 1939 a los 53 años. Se forjó en la historia como la “madre del blues” contra la opresión de las primeras décadas del siglo XX en EE.UU. Sumida en el olvido, en 1939, su certificado de defunción decía: “Ama de casa”.

-Alice Walker consideró la música de Ma Rainey como un modelo cultural de la feminidad afroamericana cuando escribió la novela ganadora del Premio Pulitzer, The Color Purple. Novela que fue llevada a la gran pantalla por Steven Spielberg en 1985.

-El 2020, Netflix estrenó "Ma Rainey's Black Bottom" un biopic musical, con Viola Davis como Ma Rainey y Chadwick Boseman como Levee Green, actuación por la que ganó un Globo de Oro a Mejor Actor este 2021.

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Fuentes: clarin.com, culturablues.com y ‘Mujeres del Rock’ de Anabel Vélez.

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Bienvenid@s!!

Mujeres en la Música es una sección que comenzó en mi círculo cercano con el objetivo de compartir las historias de todas esas mujeres que han sido opacadas en la historia de la música.

Iré subiendo los artículos que ya he compartido en mis RRSS (disponibles en contacto ) junto con contenido extra.

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“Las mujeres son anarquistas y revolucionarias naturales, porque siempre han ciudadanas de segunda clase y han tenido que abrirse su propio camino”.

–Kim Gordon (Sonic Youth), en su autobiografía “Girl in a Band”

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