#alberto cavalcanti

[diana-andraste]

Alberto Cavalcanti, Rien que les heures, 1926

[audiemurphy1945]

Went the Day Well?(1942)

[weirdlookindog]

Dead of Night (1945) - British Quad

[imago-memoria]

Rien que les heures (1926) - Alberto Cavalcanti 

[solmaspuro]

rein que les heure 1926

[davidhudson]

Alberto Cavalcanti, February 6, 1897 – August 23, 1982.

[onenakedfarmer]

Currently Watching [HorrorFest 2022 Edition]

DEAD OF NIGHT Alberto Cavalcanti Charles Chrichton Basil Dearden Robert Hamer UK, 1945

[hellostarrynightblr]

every 1940s movie watched (28 - ∞)

Dead of Night (1945) dir. Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden, Robert Hamer

You're dead? How about a nice cup of tea?

[byneddiedingo]

Cedric Hardwicke and Sally Ann Howes in The Life and Adventures of Nicholas Nickleby (Alberto Cavalcanti, 1947) Cast: Derek Bond, Cedric Hardwicke, Bernard Miles, Sally Ann Howes, Alfred Drayton, Aubrey Woods, Stanley Holloway, Jill Balcon, Mary Merrall, Athene Seyler, Sybil Thorndike, Fay Compton, Cathleen Nesbitt, James Hayter. Screenplay: John Dighton, based on a novel by Charles Dickens. Cinematography: Gordon Dines. Art direction: Michael Relph. Film editing: Leslie Norman. Music: Lord Berners. Forgettable and rather plodding version of the Dickens novel, kept alive only by some good actors doing their thing well.

[spectaculardistractions]

During the war and post-war years, British movies were well aware that services life, for all its exasperations, had a unity of purpose, and a meaningful togetherness, sadly lacking in peacetime Civvy Street (vide They Made Me a Fugitive, and one of the more likeable overtones in The Intruder). A formula worked with sympathetic, if, eventually, ill-directed, earnestness, was the 'omnibus' genre.

Raymond Durgnat, A Mirror for England

[bwallure]

DEAD OF NIGHT (1945) dir. Alberto Cavalcanti, Robert Hamer, Charles Crichton, Basil Dearden

[nitrateglow]

Halloween 2023 marathon: 6-8

La Llorona (dir. Ramon Peon, 1933)

Dr. Ricardo de Acuna and his wife Ana are celebrating their son Juan's fourth birthday. Ricardo's aged father is not so pleased about it though because he is convinced their family has long been cursed. Years ago, Ricardo's older brother was murdered on his fourth birthday, so the old man is convinced the same fate will befall Juan. A skeptical rationalist, Ricardo isn't worried, but little does he know there is a shadowy figure lurking about the house intent on snatching up his son. And what of reports of seemingly supernatural murders accompanied by the wailing of La Llorona, the ghost of a wronged woman who murdered her own child in spiteful rage-- a ghost whose story happens to be connected to Ricardo's family.

I first heard about La Llorona from the Haunted Blowfish YouTube channel. As far as can be known, it is the first Mexican horror talkie. The story is inspired by the legend of La Llorona, or the Wailing Woman. There are many variations of this tale, but the gist is that a woman murders her children in a rage (usually to spite an unfaithful husband or lover) and then is doomed to eternally mourn them. This legend has inspired several horror movies over the years, though this is the only one of them that I've seen.

La Llorona has some genuinely creepy moments. The sound of the titular ghost's cries are eerie and the lore behind the curse is fascinating. You can detect a lot of influence from Universal horrors like Paul Leni's The Cat and the Canary and Tod Browning's Dracula: the modern characters scoffing at the gothic horrors of the past, the house with secret passages, a cloaked criminal popping up undetected, etc. I also liked the film's connections to Mexican history, particularly to La Malinche and the conquistador period.

That being said, this is a movie where the parts are more satisfying than the whole. It's extremely slow-paced and not in a tense, slow-burn way. Some scenes go on way too long to no purpose, like when the camera lingers on kids stuffing their faces at Juan's birthday party. There are two major flashback sequences-- the first is fine because it occurs earlier in the movie and establishes the lore behind the family curse, but the second occurs so late in the game that it gives the movie the sense that it's stopping and starting, lurching along. That's the sequence that draws the connections to La Malinche, but its placement just feels awkward.

If you're a horror buff, this should definitely be on your radar. Its historical importance is immeasurable and even though it has its flaws, it still has some spooky scenes and an old-school gothic vibe I will never not love.

Dead of Night (dir. Alberto Cavalcanti, Charles Critchon, and Basil Dearden, 1945)

Architect Walter is invited to the country for a job. He encounters several other people in the country house-- and is surprised that he recognizes them all from a reoccurring nightmare he has-- a nightmare that happens to take place in that very country house. The other guests find this perfectly strange and end up sharing their own encounters with the supernatural and the unexplained.

This was another film I first heard about from Haunted Blowfish (both this movie and La Llorona were featured on his 100 Years of Horror series, which I highly recommend). It's an early example of a horror anthology with a particularly strong frame story. In fact, the frame story is the creepiest part of the whole movie, but more on that later.

All of the stories are really good, not a bad one in the lot. While the final tale with a killer dummy is the most celebrated, it wasn't my favorite. I loved the Christmas one, an understated little ghost story that reminded me a bit of The Innocents, and the mirror story, which actually creeped me out quite a bit. The mirror one involves a woman who buys her fiance an antique mirror, but anytime he looks into the glass, he sees a dark, sinister bedroom completely unlike the chamber he's standing in. It turns out the mirror has a sordid tragedy associated with it and the soul of the previous owner begins to overtake the woman's fiance until matters get deadly.

But the most chilling thing of all is the frame story, which takes on elements of ontological terror. I was genuinely surprised by the ending. If you haven't seen Dead of Night, I don't want to spoil it, but just know it gets really trippy, almost verging on science-fiction with its final twist.

Highly recommended!

PS I kept thinking to myself that the actor playing the architect in the frame story looked super familiar. It turns out he played Bob Cratchit in the Alastair Sim Christmas Carol!!

The Bird with the Crystal Plummage (dir. Dario Argento, 1970)

American writer Sam is vacationing in Italy with his British model girlfriend Julia when he witnesses a woman struggling with a mysterious man in black. The woman is stabbed and Sam is just able to contact the police in time to save her. However, the killer is still on the loose, striking down young, beautiful women. Sam and Julia aid the police in their investigation, only to become targets themselves.

I've been watching more giallo lately-- if you're unaware of what that is, the term refers to a cycle of Italian horror movies from the 60s and 70s that combined crime, Hitchcockian thrills, and exploitation elements into a stylish, dreamlike genre. Dario Argento is one of the giallo masters. I'd seen his Suspiria and his Phantom of the Opera (in which the Phantom is raised by telepathic rats... yes, that is a movie that exists, and a movie I enjoy enough to own on bluray, heaven help me). The Bird with the Crystal Plummage was Argento's directorial debut and it's a strong one at that.

This is a good example of what I think of as a "vibe movie." I wasn't too invested in the specifics of the mystery of the killer, but Sam and Julia are likable characters and there's a weird hangout vibe to the scenes where they're just going over theories and evidence in their messy apartment. Aesthetically, this is a great time capsule showing the transition of the late 60s into the 1970s. There's oddball humor scenes and some scary moments, like when Julia realizes the killer is outside her door and she does everything she can to keep herself secure. I was shouting at the screen during that scene, something I only do if a movie has me by the throat.

On a not that related note, it was weird for me to see Tony Musante as the hero. I'll always associate him with The Incident, a really tense 1967 thriller in which he plays one of the nastiest thugs in cinema history. Seeing him as a good guy is just surreal after he scarred me for life in that earlier movie.

Anyways, this is a good one, stylish and entertaining. You can catch it on Freevee.

[weirdlookindog]

Dead of Night (1945)

[reviewsnaosolicitados]

[Repost] A Viagem: 25 30 anos da novela que marcou época

Este artigo foi publicado originalmente no Revue, mas o Kiko do foguete fez o favor de descontinuar o serviço.

Fatos, curiosidades e minhas opiniões sobre a trama de Ivani Ribeiro

Em 1994, particularmente em abril, mais especificamente dia 11 estreava na TV Globo a novela de espiritismo mais freestyle da TV brasileira.

Produzida a toque de caixa por conta do atraso de uma novela que seria exibida às 19h, A Viagem começou com uma frente de 20 capítulos, o que explica os cenários questionáveis e sucessivos erros de produção, direção e texto.

Reprodução Observatório da TV UOL

O mais curioso é que a novela não é original, mas adaptação da novela homônima que foi exibida em 1975 pela TV Tupi que por sinal é da mesma autora, Ivani Ribeiro:

Abertura da Novela ''A Viagem'' Tv Tupi 1975 CEDOC Tv Tupi

Contexto: Anos 90

Os anos 90 era uma coisa de doido. Uma república recém democratizada que tinha sua cultura frequentemente censurada, fez dos anos 90 sua década mais louca no Brasil.

De apresentadoras infantis com roupas minúsculas:

Reprodução Pinterest

À sushi erótico:

Reprodução Natelinha UOL

No meio disso tudo teve a novela A Viagem, que hoje não seria recomendada pra menores de 12 anos e olha lá.

Enredo e início da novela

Logo de início marca o mote principal da trama: Alexandre (Guilherme Fontes), um badboy coxinha vai assaltar uma repartição pública e acaba matando Waldemiro (Nildo Parente) que apareceu no mesmo momento. Pra quem pouco se lembra da obra (como eu que tinha poucas lembranças) acha que já ali o Alexandre seria morto, mas ele fica foragido por uns capítulos.

As cenas de ação dos primeiros capítulos são intensas até, mas deixam a desejar. Alexandre então tenta se esconder na casa de sua mãe, mas seu irmão Raul (Miguel Falabella) - que ao decorrer da novela se mostra um dos personagens mais escrotos da história - e o seu cunhado Téo (Maurício Mattar) acabam denunciando o rebelde sem causa. Alexandre fica então indo e voltando da prisão por várias tentativas de fuga, até cair num presídio e de lá só saindo morto (sua morte, por sinal, é muito mal feita, assim como outras ao decorrer da trama).

O primeiro grande relacionamento abusivo que se exibe é o de Alexandre e Lisa (Andréa Beltrão), que poderia ser melhor escrito, especialmente quando ela ia visitá-lo na prisão e ele chegava a abusar dela. As visitas do irmão e cunhado eram péssimas também, com diálogos cafonas e repetições de cenas (que é uma das características da trama que eu trato mais pra frente).

Dinah (Christiane Torloni), sua irmã é a que mais passa a mão na cabeça de Alexandre. Um relacionamento estranho, onde ela relativiza as mortes que seu irmão causou (sim, no plural, pois em um dos capítulos é dito que Alexandre também causou a morte de uma menina que depois não é mais informado, nem mesmo no seu julgamento).

Otávio (Antônio Fagundes) é um advogado que acaba trabalhando como promotor no caso do assassinato do funcionário da repartição pública que era amigo dele. Ele quem ajuda na sentença de condenação do Alexandre. Curioso que na novela Otávio diz que vai cuidar dos filhos do morto, fica uns capítulos com as crianças e depois elas não aparecem mais.

Tempos depois de sua condenação, Alexandre se suicida, mas a cena é tão corrida que você fica meio perdido. Ele aproveita uma rebelião pra ir até a enfermaria e causa uma overdose de remédios da farmácia.

O médico médium Alberto (Cláudio Cavalcanti) transita em todos os núcleos, nem parece médico, pois até espíritas usam a vestimenta branca, então meio que dá elas por elas. Não fosse o estetoscópio você não diria que ele era médico. Muitas cenas de seus monólogos mediúnicos são de texto fraco, ainda que na época tenha ajudado muitas pessoas.

Reprodução Memória Globo

Aliás, por se tratar de uma novela que fala de vida após a morte e trazer parte dos preceitos do espiritismo, você até se engana que a novela retrata de forma fiel à doutrina, porém falha miseravelmente.

Mais pra segunda parte da novela, quando o casal principal Otávio e Dinah estão mortos, eles são ensinados pelos espíritos elevados sobre astrologia. Eu até cheguei a fazer uma pesquisa superficial e não encontrei nada a favor da astrologia dentro do espiritismo.

Por falar nas mortes de Otávio e Dinah, as cenas foram também anticlímax total. O primeiro morreu de acidente de carro, promovido por Alexandre que possuiu (ou influenciou) o motorista do caminhão que bateu no carro de Otávio. Muito antes disso acontecer, Otávio sabia que iria morrer de uma doença misteriosa, mas Alexandre acabou por antecipar a tragédia.

Os efeitos especiais da novela poderiam ser considerados defeitos de tão ruins. Claro que a época não ajudava, pois a Globo ainda engatinhava nos efeitos especiais, dignos dos episódios de Chaves (que foram gravados na década de 70).

Otávio mesmo, quando morreu, aparecia deitado nitidamente num fundo verde, saindo da cena do acidente e indo para um campo cheio de flores. Eles poderiam ter feito um daqueles efeitos de sobreposição de imagem onde parece que a alma sai do corpo pra daí sim entrar no fundo verde.

Já Dinah morreu no abraço de sua sobrinha Bia (Fernanda Rodrigues), depois de encontrar a menina que havia sumido (durante este período demais coisas acontecem que esta trama fica em segundo plano, fazendo até com que pareça que eles tinham esquecido da menina). Aqui a direção perdeu uma oportunidade de ouro de mostrar o desfalecimento de Dinah no mundo carnal e acordar assustado em Nosso Lar (termo usado por Chico Xavier pra designar o Paraíso cristão).

Reprodução Gshow

Tramas paralelas

Temos ainda as tramas em paralelo, como a da Carmem (Suzy Rêgo) e o Mascarado (Breno Moroni) que por vezes é confundido por pessoas ruins, mulheres e homossexual, até descobrirem que ele era alguém do passado dela que tinha sumido quando iriam se casar. No final da trama ele se mostra uma pessoa ruim mesmo, pois acabou por abandonar ela mais uma vez, pois tinha problemas com sua aparência por conta do acidente grave que levou seus pais.

Carmem é amiga de Lisa, que foi namorada do Alexandre, que depois se apaixonou pelo Téo formando outro casal abusivo e chato. Téo sofria influência do Alexandre que o possuía, mas ninguém desconfiava pelas palavras que o Téo dizia que algo de errado ele tinha. Téo acabou sendo hospitalizado e tratado com problemas mentais, o que eu fico imaginando o quão fora prejudicial pra quem na vida real tinha problemas mentais na época e sofriam preconceito, inclusive os que sofrem esquizofrenia.

Reprodução UOL

Personagens femininas no geral em A Viagem sofrem muito, de machismo a coisas bem sinistras como abuso sexual, que muitas vezes foi tratado com certo romantismo. Como foi o caso do Zeca (Irving São Paulo) que abusou e engravidou a personagem Sofia (Roberta Índio Brasil), uma moça recatada e do lar que era menor de idade (16 anos). Mas também tem o relacionamento de Tato (Felipe Martins), filho de Otávio, com Bia, filha de Estela (Lucinha Lins), irmã de Dinah.

Bia tinha apenas 14 ANOS e namora com o Tato que tinha por volta dos 20 ANOS. E tudo é naturalizado na novela, de novo, anos 90.

Teve uma cena terrível também abuso sexual (que não deveria ter acontecido) onde Estela, meio que sequestrada pelo ex Ismael (Jonas Bloch), é abusada sexualmente por ele. Cena horrível, que mesmo não mostrando o ato em si, já dá um nó no estômago. Lembrando, anos 90, a novela passava às 19h e tinha sido programada para passar às 18h.

Além de cenas de crianças tomando bebidas alcoólicas na maior naturalidade, machismo, e só não rola racismo direto pois não personagens negros principais na trama, mas exerciam papéis que reforçavam o racismo estrutural (entre presos e empregados domésticos).

Os idosos eram os piores personagens de A Viagem, até parece que as autoras tinham algo contra os idosos, pois todos eram chatos. No final da novela mesmo, a personagem Vovó (Selma Salmir) vivia sendo trancada no armário, que até acaba sendo simbólico, pois ela era bem homofóbica com seu neto, o Padilha (Renato Rabelo) que no começo parecia que seria um personagem gay, mas voltaram atrás no meio da novela e no final fica dúbio quando ele apresenta “seu amigo” modelo.

Uma das características de A Viagem é ter várias cenas que nunca existiram, nunca foram filmadas, mas são narradas pelos personagens, algumas que até pareciam importantes terem sido filmadas.

Existe o curioso do caso da personagem que nem existiu e morreu, como a esposa de Okida (Carlos Takeshi) que ganhou conhecimento do público do meio pro final da novela, mas ela morreu num acidente com o irmão do Okida, Kazuo (David Y. W. Pond), sem muitas explicações. Okida também acabou ganhando um filho, o Nori.

Reprodução Filmow

Os erros de continuidade são intermináveis, o que mais foi simbólico pra mim foram os que aconteceram repetidamente, como quando Carmem conta que descobriu a identidade do mascarado para o pessoal da locadora de vídeos e em capítulos posteriores a cena se repete como se não tivesse acontecido.

É possível que a audiência tenha interferido demais na novela, pois alguns personagens se perdem no caminho. E se torna mais estranho, pois a Globo liderava de longe, apesar de ser zebra (uma novela que nem estava programada para o horário e foi feita às pressas) a novela batia 50 pontos de audiência. Eu cheguei a achar que o sucesso de Castelo Rá Tim Bum na mesma época tinha incomodado a novela, tanto que no final o cabelo da Christiane Torloni parece idêntico do Nino do castelo, horrível.

Trilha Sonora

A trilha sonora é um caso à parte. Tem a trilha de abertura que é icônica de Roupa Nova, mas que você acaba enjoando. Tem o caso da música “I’m your puppet” de Elton John e Paul Young que é usada pelo casal Lisa e Téo, que fica bem esquisita se você perceber que a letra diz e relacionar com o personagem Téo:

Reprodução Letras

Se você maratonar a novela, corre o risco de desistir pelo excesso de uso das trilhas, mas se passar da metade acaba se acostumando. Curioso mesmo é a música “Mais uma de Amor (geme geme)” da Blitz que era adaptada para todas as situações, sejam elas drama, comédia, romance, tensão…

Reprodução Globoplay

O arrependimento de Alexandre, por exemplo, que já no Nosso Lar pediu para ver Waldomiro e pedir perdão por ter o matado. A cena não aconteceu (como muitas outras), sendo somente narrada por outros personagens. Alexandre também não se desculpou com o Otávio, nem mesmo uma cena de abraço que poderia simbolizar esta evolução. Alexandre ainda teve a possibilidade de escolher reencarnar e opta por voltar pro mesmo núcleo.

Ainda que muitas vezes seja questionável, as almas de Otávio e Dinah aparentemente eram gêmeas, o que é uma pena eles terem desperdiçado a chance de ter feito o casamento dos dois em vida, que faria muita diferença no enredo, mesmo que sem fugir da história final.

Falecidos

Muitos dos atores que fizeram A Viagem já fizeram realmente A Viagem, mas o caso que mais me chamou a atenção foi de Chris Pitsch (Bárbara na novela), que faleceu no ano seguinte em decorrência de problemas no coração. Ela tinha apenas 24 anos.

Reprodução Jornal Extra

Demais atores que já faleceram (atualização até 2021):

Tânia Scher

Claudio Cavalcanti

Irving São Paulo

John Herbert

Mara Manzan

Maria Alves

Nilton Parente

Leina Krespi 

Yara Cortes

Selma Salmir

Caio Junqueira

Nair Bello

Eduardo Galvão (vítima de COVID)

Carlos Kroeber

Cláudio Corrêa e Castro

Gésio Amadeu (vítima de COVID)

Leina Krespi

Antônio Pompêo

Ivan Cândido

Rejane Goulart

Lafayette Galvão

Cláudio Mamberti 

A novela tem MUITAS falhas, mas ainda assim marcou época e história na TV brasileira.

Porém merecia um reboot de respeito, corrigindo muitos erros e fazendo jus à história tão mal contada, mas que tem potencial.

Quem sabe quando completar 30 anos?

[Até o momento dessa repostagem, não há nenhuma confirmação de um remake]

[nogueira-em-cultivo]

Reticências – tempo e espaço em Yara Tupynambá e Anna Bella Geiger

"Pode a arte ser um espaço de experimentação do tempo, uma linguagem na qual ele encontra sua materialização?"

(Texto inicial - a curadoria: Karina Lie, Anna Amorim e Isabela Parucker a partir do acervo da Caixa)

Reticências começa a expor os trabalhos e conceitos em torno da obra de Yara Tupynambá e Anna Bella Geiger a partir de uma contextualização do que as curadoras apreendem e buscam abordar a partir de “tempo” e “espaço”, mas também gostaria de compreender que a exposição começa a partir dessa provocação presente no texto curatorial. Em outras entradas são indicadas acepções sobre cronotopia – o lugar no tempo –, sobre cartografia temporal e ainda sobre a necessidade de temporalizar para compreender o tempo, de modo que saímos do conceito abstrato e tratamos de periodizações, durações – passado, presente, futuro.

Cria-se, assim como ao tempo que precisa da mensuração para ser inteligível à consciência, um espaço para que as obras e suas artífices sejam também recebidas pela audiência. Ainda, propõe-se um vocabulário comum para que “tempo” e “espaço” sejam percebidos nas produções expostas. E, ainda que precisemos de um código comum para essa troca – entre artistas, curadoria e audiência – gostaria de oferecer também uma provocação:

Precisamos de uma circunscrição de fato? Ao associarmos os trabalhos de Yara Tupynambá e Anna Bella Geiger às direções textuais da curadoria, amplia-se ou restringe-se a percepção desses conceitos em seus processos criativos? E as outras obras, como elas ressaltam a produção desses nomes centrais na exposição?

Por exemplo, tenho a impressão de que a calcografia sem título (1965) de Anna Geiger diz ou pode dizer mais sobre espaço do que a curadoria nos propõe fazer ler nas associações textuais e relações diretas que busca traçar a partir dos trabalhos da artista em Fase Lunar e seu contexto relacionado às fotografias, descartadas pela Nasa, da paisagem lunar.

Algo semelhante se dá ainda pela busca de relação no recorte, que creio como pouco frutuoso, que aproxima “espaço” e “corpo” ao expor os trabalhos de Pietrina Checcacci, Jacira Moura Ribeiro e Di Cavalcanti. Na busca por tal aproximação, acabamos por pouco explorar as possibilidades de Geiger assim como por não explorar o suficiente com relação ao corpo, que me parece não ser a melhor lente para observar a obra da artista ou essa parcela exposta.

Essa mesma lente é prescrita pela curadoria ao apontar para o rosto e o retrato, seja pela fotografia de João Roberto Ripper ou pela associação quase que literal com o poema Retrato de Cecília Meirelles. É causada uma sensação de pouca margem para leitura de “tempo” e “espaço” ou o que a audiência mesma poderia associar a partir destes.

O digo com relação ao espaço, mas ainda ao tempo, pois um movimento irmão é o que ocorre com relação à obra, de Yara Tupinambá, Os antepassados – sobre poema de Carlos Drummond de Andrade (1960),cuja leitura proposta indica uma relação quase que direta entre “ausência”, “passado” e “morte” a partir de uma cadeira vazia e sua pretensa ligação ao saudosismo em um retrato familiar.

Tal correspondência negligencia elementos – inclusive de espaço – nas outras peças da artista que poderiam se pensar de modo mais onírico ao pautar a aplicação difusa das personagens em suas pinturas, as traduções entre literatura e pintura, ou mesmo o sujeito angélico em Lira 33 (1971). Mas se pensamos a relação entre “tempo” e família, a proximidade mesma entre Os antepassados e Pioneira Fumiko (Thais Kimura, 2001) tem suas chances suprimidas pelo direcionamento dado.

Retomando, porém, a provocação proposta pelas curadoras quanto à arte como espaço para o tempo, sua experimentação e materialização, gostaria por fim de indicar as seguintes relações que mais me intrigaram:

Quanto tempo se passou entre Alberto da Veiga e Yara Tupinambá?

Aqui pouco importa a distância temporal, eu diria. Para a composição desse quadro em que se juntam as obras de Alberto e Yara qual é o papel do tempo? Como a paisagem estabelecida nas flores do primeiro, impacta na posição e leitura das personagens seguidas nas obras da segunda? O quão mais velhas são essas flores do que as nenúfares daquelas seguradas em Lira 33?

Estas duas peças de Yara me parecem ter um potencial de abordar a mesma saudade ou memória pretendida no texto curatorial sem fechar-se nessa possibilidade, ao mesmo tempo em que elementos objetivos como composição, cor e forma associam-se de Veiga a Tupinambá para traçar paralelos mais instigantes do que a convicção destinada à cadeira vazia de Os Antepassados.

Yara compõe e faz uso da cor pintando um espaço onde o tempo soa menos cronológico do que aquele que se expressa em Veiga. Assim, a posição da Moça mineira entre os outros elementos, o horizonte enviesado e a relação entre saturação e esmaecimento em Lira 33 podem ser disparadores de leituras mais abrangentes sobre “tempo” e “espaço”.

Entre Geiger e Ostrower, um lúcido pensamento sobre o espaço em si

Neste quadro vemos oito gravuras sendo as três últimas (à direita) de Fayga Ostrower que, além de artista plástica, tem premente atuação como teórica e professora no campo das artes, Anna Bella mesma foi sua aluna. É óbvia a vastidão da produção teórica de Fayga, porém creio que não seja redutor indicar que boa parte de seu pensamento se dedica à composição como elemento visual e, assim, também a pensar “espaço”.

Colocando juntas, então, as obras de Geiger e Ostrower, temos exemplos elucidativos de como a composição é defisiva para definições de fluxo, peso/densidade, transparência etc. em uma obra e que tudo isso se dá no próprio espaço. Neste caso, da gravura, do papel, mas também aquele que se compartilha entre obra e audiência e é mediado pelo primeiro, o suporte.

Ao priorizar uma “cartografia do tempo” e ainda buscar explorar corpo/retrato como espaço em outras obras, me parece que a exposição perde a oportunidade de contemplar esse aprofundamento no caractere elementar do “espaço” e seus usos nas peças de Anna Geiger expostas na ocasião e na “arte” como ser “um espaço de experimentação do tempo, uma linguagem na qual ele encontra sua materialização”.