#iconos de famosos

[jedivoodoochile]

Dian Hanson, en una antología del género Pin Up para Taschen, lo definió como "Una imagen provocativa pero nunca explícita de una mujer atractiva, creada específicamente para ser exhibida públicamente en un entorno masculino".

Y ella es el icono Pin Up más famoso de la historia. Mucho antes del #MeToo, siempre intentó mantener su independencia, rechazando ofertas, hasta del mismísimo Howard Hughes, que tenía un equipo para llamarla y acosarla.

Bettie Page nació un 22 de Abril de 1923 en Nashville.

Tuvo una infancia difícil, sin afectos, ni dinero, varias mudanzas y abusos.

Su padre era un alcohólico y su madre una mujer casi analfabeta.

Vivían en medio de la pobreza, y la única isla de esa realidad, era alguna escapada al cine, donde sus ojos infantiles veían como verdaderas hadas, a esas actrices, siempre bellas y perfectas.

Pero cuando la pantalla se apagaba, también lo hacían sus sueños.

De regreso al hogar, cocinaba, limpiaba y ayudaba en las tareas a sus hermanos.

Siempre preparaba alguna actuación, donde bailaba y reía todo el tiempo.

Ella y sus hermanos fueron separados por los servicios sociales y alojados en orfanatos.

Fue muy buena alumna de instituto, donde conoció a Billy Neal, un compañero con el que se casó, poco antes de que él sea movilizado por el Ejército en la II GM.

Obtuvo una Licenciatura en Artes en la Universidad de Peabody, en Tennessee, y comenzó a trabajar como profesora. Pero no funcionó.

Recordaba años más tarde que "No podía controlar a mis alumnos, sobre todo a los chicos".

Bettie en 1945 se traslada a NYC, donde trabaja como secretaria, mientras recibía clases de interpretación. Consiguió una audición en la 20th Century Fox, pero su prueba de cámara fue mal manejada y no fue aceptada.

Neal regresó de la guerra en 1947, y comenzó un bucle de violencia verbal y física en la relación.

Aún amenazada de muerte, Betty lo abandona.

Caminando por la playa de Coney Island sin rumbo, conoció a Jerry Tibbs, un policía de NY y fotógrafo aficionado, que la invitó a su estudio para una potencial sesión de fotos como modelo Pin Up.

El estilo había nacido en los 40', donde las imágenes de esas chicas aparecieron en sensuales calendarios y postales, y sus dibujos desde tanques, hasta barcos y aviones.

Fue Tibbs quién le sugirió un flequillo, que ya no la abandonaría.

El éxito fue inmediato. Su imagen comenzó a aparecer en muchas revistas como Stare, Gaze, Vue, Titter, Beauty Parade, o Eyeful entre otras, y muy pronto se convirtió en la modelo preferida de los clubes de fotografía, apareciendo en garages, talleres, gasolineras y habitaciones.

Poco después conoció a los hermanos Irving y Paula Klaw, propietarios de Movie Star News, una pequeña productora de cine.

Así, en tres cortos casi amateurs, y filmados en 16 mm, Striporama, Varietease y Teaserama, Bettie apareció en filmes de una naif temática BDSM.

Lo que verdaderamente la distingue de las demás pin-up, era que nunca dejó de ser ella misma.

Tenía una candidez en la expresión y una alegría natural de chica sana, que la alejaba de todo el maniqueísmo del género.

Actuaba, no era, y siempre dominaba la situación.

Pero su consagración llegaría cuando Bunny Yeager, la fotografía para un póster de la edición de Enero de 1955 de la revista Playboy que la convirtió en una de las playmates más famosas de todos los tiempos.

Pero todo terminó en la Nochebuena de 1958.

Bettie se sentí­a tan sola, que decidió entrar en una iglesia bautista de Key West. Vio una luz de neón en forma de cruz, mientras estaba tumbada a la orilla de mar. Se habí­a mudado a Florida, tras fracasar su segundo matrimonio y sufrir una crisis nerviosa.

"El Señor me llevó de la mano, y perdonó mis pecados", declaró.

Así, dejó la vida pública, y comenzó a predicar, siguiendo al Pastor Billy Graham.

En su conversión, hasta llegó al África,

donde fue misionera en Angola.

Luego, ya en la década de los 70', sufrió graves problemas mentales, una inestabilidad que obligaron a internarla en un instituto psiquiátrico.

Estuvo con algunos intervalos, bajo tratamiento en el Patton State Hospital de San Bernardino hasta 1992. Al salir vivía de las ayudas públicas.

Hugh Heffner salió a su rescate y gestionó sus derechos de imagen, y a partir de entonces, ella comenzó a recibir regalías por la comercialización de todo tipo de productos con sus fotografías, como camisetas, tazas, carteles, libros, y varias producciones cinematográficas sobre su vida, y pudo pasar sus últimos años sin necesidades.

Falleció en Diciembre del 2008.

Símbolo de la Cultura Pop y la revolución sexual de los 60' y 70', enfrentó el puritanismo y se convirtió en la más legendaria de las Pin Ups, con un espíritu libre y colmado de belleza.

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[jartita-me-teneis]

Reeditado.

La Historia Oculta de Blancanieves: Ese famoso Cuento, que Casualmente Nació de la Vida Real.

Los cuentos de hadas pueden parecer fantasiosos, pero algunos tienen profundas raíces en la vida real. Tal es el caso de Blancanieves, una historia que ha fascinado a tantas generaciones. ¿Pero sabías que la trama, está inspirada en la vida de María Sofía Margarita Catalina Von Erthal, una princesa alemana del siglo XVIII?

Adentrémonos en este curioso enigma, para descubrir cómo una princesa en Lohr, (Alemania), se convirtió en el icono mundial que conocemos hoy como Blancanieves.

Nacida en 1729 en la ciudad alemana de Lohr, María Sofía no vivió una vida de cuento de hadas. Estuvo afectada por la viruela en su infancia, esa enfermedad la dejó parcialmente ciega. A los 12 años, en 1741, sufre otro golpe emocional: la muerte de su madre. Su padre, el príncipe Philipp Christoph von Erthal, se casó de nuevo dos años después con Claudia Elisabeth María von Venningen, la condesa de Reichenstein, que se convirtió en su “madrastra malvada.”

Lohr, la ciudad donde se crió María Sofía, era muy famosa por la manufactura de espejos de calidad excepcional. Claudia Elisabeth, la madrastra, era la dueña de un espejo especialmente intrigante: se trataba de un “espejo parlante” que producía un efecto de eco al hablar delante de él.

Este especial elemento, se conserva incluso hoy día en el castillo familiar, y se cree que inspiró al famoso espejo que consultaba la Reina Malvada del cuento.

María Sofía, era adorada por las personas humildes de su pueblo, especialmente los trabajadores de las minas cercanas. Estas minas, diseñadas en terrenos blandos y peligrosos, requerían trabajadores de baja estatura, incluidos niños.

El vestuario de estos mineros, (largos abrigos y gorros), posiblemente inspiró la apariencia de los siete enanos que aparecen en el cuento y que todos conocemos.

Contrario a esa historia que ha llegado hasta nosotros, María Sofía nunca fue víctima de una manzana envenenada. Pues falleció a una edad temprana, alrededor de los 21 años, debido a una enfermedad no especificada que la mantuvo postrada en cama. Aunque no tuvo un ataúd de cristal, en su funeral los trabajadores del pueblo cubrieron su ataúd con pequeños fragmentos de cristal, como una muestra de cariño y afecto.

Pero fue la perfecta habilidad narrativa de los Hermanos Grima, la que transformó la vida de María Sofía en el Cuento de Blancanieves, que ha capturado toda la imaginación del mundo.

No obstante, la base de la historia estuvo siempre allí, en la vida y las experiencias de una joven princesa alemana, que fue muy querida y siempre recordada por su comunidad.

Blancanieves es mucho más que un personaje de ficción; es un legado que captura las complejidades de la vida real. Su historia, aunque embellecida por la gran imaginación de los narradores, se fundamenta en una realidad, que es tanto trágica como hermosa.

Así, la famosa leyenda de Blancanieves se convierte en un fascinante mosaico, donde la historia y la mitología, se entrelazan de manera real e inolvidable.

[joseandrestabarnia]

MILAGRO DE JORGE SOBRE EL GRAGÓN FINALES DEL SIGLO XV - PRINCIPIOS DEL XVI Tamaño - 110,5 x 79 Material - madera, yeso Técnica: témpera Número de inventario - Inv.15258 Recibido del Museo Histórico del Estado. 1930

“El milagro de Jorge sobre el dragón” es uno de los temas más populares de la pintura rusa antigua. En la hagiografía bizantina se incluía en el círculo de los milagros de la vida del gran mártir, mientras que en las ediciones eslavas se solía clasificar como un milagro póstumo. La historia de este milagro se conoce en varias ediciones, que se diferencian entre sí en pequeños detalles. Todos cuentan la historia de cómo el santo salvó a los habitantes de cierta ciudad de una serpiente-dragón que devoraba a hombres y mujeres jóvenes, en el mismo momento en que ya se disponían a sacrificar a la hija del gobernante al monstruo. La ciudad en sí tiene varios nombres en las fuentes: Lasia, Laosia, Ebal, etc. y, en consecuencia, su ubicación se indica de diferentes maneras: cerca de Laodicea siria o cerca de Berit (Beirut).

El icono publicado pertenece a una breve versión iconográfica, a la que sólo se le añade un detalle adicional: un ángel que coloca una corona de mártir en la cabeza del guerrero (este motivo tradicional de la coronación de los mártires se vuelve especialmente popular en el arte ruso del siglo XVI. y alcanza su culminación en el famoso icono “Bendito el ejército del Rey Celestial"). George sostiene las riendas del caballo blanco con su mano izquierda y con su derecha mata a la serpiente que sale del lago. La majestuosa figura del santo está llena de poder y fuerza. Su postura tranquila y helada parece más adecuada para la oración que para la batalla (el único detalle dinámico de la composición es el ondeante manto rojo del santo). El pintor de iconos parecía representar al gran mártir en el momento de su conversión a Cristo, a la que seguiría la derrota decisiva del dragón.

El diseño exquisito, la forma suave y fluida de la pintura personal, así como el color del icono, que combina el rojo brillante con sutiles tonos de azul y verde, son típicos de la pintura de iconos de Moscú de la primera mitad del siglo XVI.

Información e imagen de la web de la Galería Tretyakov.

[visioncomunsubjetiva]

I Love NY. Un icono de casi 50 años Corría el año 1977 cuando Milton Glaser recibió el encargo de diseñar un símbolo que permitiera promocionar el turismo en la Gran Manzana. Eran años difíciles, en los que la ciudad atravesaba una grave crisis financiera y registraba un alarmante índice de criminalidad. En contraposición a este turbio contexto nació el famoso I Love NY. El emblema era perfecto. Limpio, amable, sencillo. Inmediatamente, el estilo pop y desenfadado del nuevo icono no tardó en quedarse grabado en el imaginario colectivo. I Love NY es uno de los mejores ejemplos de marca de ciudad existentes hoy. Ha sido el símbolo de la ciudad durante casi 50 años, como un emblema querido por los propios neoyorquinos y visitantes foráneos. ¿Por qué cambiarlo entonces? Si funciona, ¿por qué cambiarlo? Las autoridades de Nueva York han decidido llevar a cabo una nueva campaña que busca impulsar el turismo en la Gran Manzana después de tres complicados años de pandemia. Y para ello, se ha visto en la tesitura de tener que sustituir el icónico emblema diseñado por Milton Glaser, I Love NY. En realidad, no es un cambio radical. Más bien se trata de una modificación del logotipo original de Glaser. Una evolución de lo individual —yo— a lo colectivo —nosotros—. El objetivo principal es hacer una campaña de movilización a todas aquellas personas que aman Nueva York para dar a conocer lo que hace única a esta ciudad y revitalizarla en todos los sentidos. Sistema de emojis La comunicación gráfica de la campaña se apoya en el uso de los emojis. Dado el carácter internacional de una ciudad, con cientos de idiomas, se ha considerado que estos símbolos internacionales son entendidos en cualquier tipo de cultura. La agencia independiente Founders Agency se ha desarrollado una colección de emoticonos representativos de la ciudad. Un proceso abierto, ya que permite que crear nuevos emojis según las solicitudes de los ciudadanos. ¿Te gusto el cambio o la adaptación? #iloveNY #IloveNYC #WeLoveNYC #miltonglaser @welovenyc #design @comunklam #logo (en NYC) https://www.instagram.com/p/CqSFzrDu2od/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[220730]

80s & 90s

Este género de música estuvo marcado por la gran popularidad de grandes discos de famosos artistas actualmente. Han pasado varios años desde su lanzamiento pero sigue siendo un éxito en plataformas grandes como lo son las redes sociales. La gran influencia que tuvieron en el pasado se ve reflejado hoy en día.

Artistas conocidos

Michael Jackson

Grupo ABBA

Hombres G

Grupo Wham!

George Michael

Madonna

[ir-egipto-travel]

EL MONASTERIO DE SANTA CATALINA

El monasterio de Santa Catalina, del siglo V, es el monasterio cristiano más antiguo del mundo que sigue siéndolo desde su creación.

Pertenece a la Iglesia Ortodoxa Oriental y es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Está situado en el Sinaí, al pie del Monte Horeb, llamado, principalmente por los musulmanes, Monte de Moisés (Gebel Musa) que también lo consideran sagrado.

Allí es donde Moisés recibió las Tablas de la Ley (los 10 Mandamientos) según el Antiguo Testamento.

La región es sagrada para las tres grandes religiones del mundo: el cristianismo, el Islam y el judaísmo.

El profeta Mohamed (Mahoma) estuvo alojado allí cuando era perseguido por sus enemigos y por ello escribió un documento que está en el monasterio, por el que decía que tenía que éste debía ser protegido.

Gracias a este documento y a la mezquita fatimí que se construyó en el interior de sus muros, el monasterio perduró a la dominación musulmana de la región.

En el monasterio se puede ver la zarza que, según la Biblia, ardía sin quemarse mientras Dios le hablaba a Moisés diciendo que sacara al pueblo de Israel de Egipto; también el pozo donde Moisés conoció a su esposa.

Su biblioteca, la más antigua del mundo, posee iconos antiguos y 4.500 manuscritos, entre los que se encuentran las copias griegas más antiguas del Nuevo Testamento, el famoso Codex sinaiticus y Codex syriacus; desde 2008 se están digitalizando en un difícil proceso.

#iregipto #egyptpassion #mbplanet #Egiptoparati #viajes #visitas #escapadas #cruceros #egipto #turismo #sinaí

[halconnoticias]

Brillan joyas de Cartier en Museo Jumex

Uno de los museos más famosos de la capital mexicana albergó por tiempo limitado la lujosa y exclusiva colección de joyas diseñadas por Maison Cartier para la actriz María Félix.  

La Doña portando un collar de serpiente diseñado por Cartier. Foto: Vogue México.

Por: Mariana César. Mayo 15, 2023. 12: 15 pm hrs.

Ciudad de México, Méx.- El pasado domingo 14 de mayo se llevó a cabo en las instalaciones del Museo Jumex la clausura de su glamurosa exposición gratuita El diseño de Cartier: Un legado vivo, la cual, ofreció al público un recorrido histórico sobre la Maison Cartier a través de una extensa selección de sus joyas más icónicas.

La exposición, inaugurada en marzo del presente año, ofreció a los visitantes del recinto la oportunidad de conocer más de 160 piezas nunca antes vistas de la legendaria Colección Cartier, compuesta en su mayoría por relojes, collares, dijes y objetos decorativos.

Las especialistas encargadas del proyecto, Ana Elena Mallet y Frida Escobedo, lograron desglosar a la perfección el testimonio cultural que han tenido las piezas de la exclusiva firma francesa de joyas, capturando así, su verdadera relevancia e impacto histórico.

El diseño de Cartier: Un legado vivo, se dividió en cinco secciones temáticas para exponer su historia. Dichas secciones se titularon: los primeros años y el nacimiento de un estilo, la curiosidad universal, el gusto de Jeanne Toussaint, la forma de medir el tiempo y portar la belleza y, el papel de María Félix con los íconos de la elegancia.

Vista general de la sección La curiosidad universal. Fotografía: Museo Jumex.

Desde su fundación en 1847, la Maison Cartier se convirtió en una de las fábricas joyeras más importantes del mundo, lo cual, le concedió la dicha de recibir encargos especiales de personalidades distintivas de la época. Entre las piezas más emblemáticas de la casa, se encuentran las famosas tiaras de diamantes realizadas para la realeza británica y los extravagantes collares de la primera actriz mexicana, María Félix.

Además de ser reconocida por su talento en la actuación, La Doña fue catalogada como un icono mundial de la moda por su estilo tan innovador y refinado, el cual radicaba en dos componentes: trajes elegantes de falda para vestir y joyas ostentosas. De su extensa y costosa colección de accesorios, destacan dos: el collar de serpiente de platino, oro blanco y oro amarillo (elaborado con 2437 diamantes) y el deslumbrante collar de cocodrilos fabricado con oro e incrustaciones de 1023 diamantes amarillos, 1060 esmeraldas y dos rubíes.

Ambos collares fueron presentados al público por primera vez en la aclamada exposición El diseño de Cartier: Un legado vivo, motivo suficiente para que gran parte de los visitantes se interesaran en asistir al evento patrocinado por la casa de joyería francesa. En agradecimiento por el espléndido recibimiento de la colección, Cartier sorprendió al público mexicano con la exhibición exclusiva de la línea de broches y brazaletes con temática felina que diseñó en la década de los sesenta para María bonita.

Collar de serpiente elaborado por Cartier. Fotografía: Hola!

Después de su primera presentación hace 24 años en el Palacio de Bellas Artes, la exposición de las joyas de Cartier se convirtió en la más visitada del Museo Jumex durante su primera temporada del 2023. Marcando así, el triunfal regreso de la prestigiosa Maison a México.  

[zileiray]

Jackson Pollock

Jackson Pollock más conocido como Pollock, es un pintor estadounidense. Pollock es un famoso pintor revolucionario con su técnica de “dripping” (goteo). Esta técnica le permitió explorar el movimiento de la pintura y crear composiciones caóticas y dinámicas.

El estilo de Pollock se caracterizó por la ausencia de formas reconocibles. Sus obras se convirtieron en un símbolo del arte moderno. Pollock experimento con diferentes técnicas y materiales. Pero la técnica de goteo se volvió icónica y dejo una marca en el mundo del arte.

El documental de Pollock, es una película biográfica centrada en la vida del Jackson Pollock, desde sus inicios como artista desconocido hasta convertirse en una figura importante para el arte moderno.

 Las obras mas conocidas de Pollock que han dejado una marca en la historia del arte, entre estas están las siguientes tres:

La primera obra de las mas famosas de Pollock es NO. 5, 1948. Es considerada un icono del expresionismo abstracto.

La segunda obra de las más famosas es Lavender Mist; es otro ejemplo representativo del estilo de goteo de Pollock.

La tercera obra pintada en el 1950 es Autumm Rhythm numero 30. Es una obra muestra una colección de salpicadas y goteos de pintura de diversos colores.

En conclusión, como pudimos ver en el documental la vida de Jackson Pollock fue una montaña rusa de triunfos, desafíos y lucha personales. En el arte Pollock dejó un legado incomparable. Con su innovación con la técnica del goteo y salpicadas de pintura, Pollock marco un cambio en cómo se debía de ver la pintura.

[nievesmorena]

Es el icono Pin Up más famoso de la historia.

Bettie Mae Page fue una modelo pin-up estadounidense.

Bettie Page nació un 22 de Abril de 1923 en Nashville

Conocida como " la reina del Pin-up". ​ ​ Se hizo famosa en la década de los 50 por sus fotos fetiches y pin-up.​​ Su aspecto, con su cabello negro y su flequillo, ha influido a muchos artistas.​Fue una de las playmates del año para la revista Playboy.

Siempre intentó mantener su independencia, rechazando ofertas, hasta del mismísimo Howard Hughes, que tenía un equipo para llamarla y acosarla.

Tuvo una infancia difícil, sin afectos, ni dinero, varias mudanzas y abusos.

Obtuvo una Licenciatura en Artes en la Universidad de Peabody, en Tennessee, y comenzó a trabajar como profesora. Pero no funcionó. Recordaba años más tarde que "No podía controlar a mis alumnos, sobre todo a los chicos".

Los 40' son la edad dorada del Pin-Up. Los soldados están en la guerra y todos desean tener sensuales calendarios y postales con los dibujos o las fotos de esas chicas. E incluso aviones, tanques y camiones militares lucen en sus puertas sus imágenes.

Betti en 1945 se traslada a NYC, donde trabaja como secretaria, mientras recibía clases de interpretación. Consiguió una audición en la 20th Century Fox, pero su prueba de cámara fue mal manejada y no fue aceptada.

En 1950 cuando paseaba por Coney Island, conoció a Jerry Tibbs, un policía que en sus ratos libres se dedica a la fotografia "artística", y uno de los primeros en retrararla.

El éxito fue inmediato. Su imagen comenzó a aparecer en muchas revistas como Stare, Gaze, Vue, Titter, Beauty Parade, o Eyeful entre otras, y sus fotografías pronto aparecieron en garages, talleres, gasolineras y habitaciones.

Pero su consagración llegaría cuando Bunny Yeager, la fotografía para un póster de la edición de Enero de 1955 de la revista Playboy que la convirtió en una de las playmates más famosas de todos los tiempos.

Pero todo terminó en la Nochebuena de 1957. Luego de un llamado espiritual, dejó la vida pública.

En su conversión, intentó irse a África como misionera, pero no se lo permitieron por estar divorciada. Luego, ya en la década de los 70, sufrió graves problemas mentales (Esquizofrenia), que obligaron a internarla en un instituto psiquiátrico.

Estuvo con algunos intervalos, bajo tratamiento en el Patton State Hospital de San Bernardino hasta 1992. Al salir vivía de las ayudas públicas.

Hugh Heffner salió a su rescate y comenzó a gestionar los derechos de imagen, por los que ella nunca había cobrado, y pudo pasar sus últimos años sin necesidades.

Falleció en Diciembre del 2008.

Símbolo de la Cultura Pop y la revolución sexual de los 60' y 70', enfrentó el puritanismo y se convirtió en la más legendaria de las Pin Ups, un espíritu libre y colmado de belleza.

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[phdvida]

Lo siento por los devotos

Hace unos días, la noche de jueves santo, en la sobremesa de una agradable cena, lancé una broma, con la alegría y la ligereza que dan unas copas de vino, y al hacerlo generé una apasionada reacción de protesta y enfado. Pude presenciar un ejemplo de física aplicada, pude sentir con sorpresa una versión mejorada de la tercera ley de Newton, para toda burlesca acción hay una enojada reacción.

He de admitir que no desconocía la sensibilidad animalista de la persona a quién iban dirigidas mis pullas; es decir, sabía que quizá estaba tocándole las narices, pero era parte de la gracia (al menos eso pensaba yo). Por lo tanto, conocía el riesgo, pero no supe calcular su potencia.

Lo que acabo de relatar lo he vivido otras veces, y sé que, si por alguna casualidad, alguien está leyendo estas letras también lo habrá vivido. Haces una broma, sin mala intención, si mucha al menos, y alguien o algunos montan en cólera y entonces se destroza la armonía y el buen rollo. Yo no sé cómo lo gestionan otras personas, pero a mi primero me cabrea y luego me hace pensar, me pregunto si habré sido yo el insensible, o quizá ellos habrán sido los inflexibles, fanáticos con la piel muy fina, que tendrían que hacérselo mirar. En caliente son estos últimos pensamientos los que suelen imponerse, pero cuando llega la fría calma, entonces ya no lo tengo tan claro. En cualquier caso, tras la apasionada noche, dado el cariño, aniquilar las asperezas y alcanzar la conciliación fue lo único que tuvo sentido, sin más vueltas, sin importarme encontrar luz en el oscuro y eterno dilema.

Sin embargo, días después, con un café matutino, me topé en Twitter la polémica de TV3 y la Virgen del Rocío. Navegué y encontré a periodistas y tertulianos, a políticos y a tuiteros anónimos y vulgares, todos opinando sobre el tema, arrojándose los mismos argumentos (con más o menos vehemencia) que días antes yo tuve que afrontar, ya saben, insensibilidad y mala fe, frente a sensibilidad y mucha fe.

Y volví a buscar donde se escondía la verdad. ¿Dónde están los límites del humor?

Entre todos los comentarios, el que hallé más ilustrativo fue el siguiente: un famoso tertuliano justificaba, tras comentar lo divertido que le resultó el asunto, que la Virgen ya no era sólo de los creyentes, que había pasado a ser un icono pop, y que, dado estos cambios, pues que lo sentía por los devotos, que es una forma de decir que se jodan, pero es lo que hay. Esta última frase refleja la clave, no hay que perderse en difusas justificaciones, al final todo es más sencillo. Porque más allá de que no entendía cuando algo pasa a ser de unos u otros, o cuando cambia su significado, y menos aún que cuando estos cambios ocurren, ya sea en la realidad o en la imaginación, se justifique la mofa, lo que realmente me resultó revelador fue “lo siento por lo devotos”, hay encontré algo de claridad, que aumenta al escribir y me lleva a la siguiente idea.   

No hay límites en el humor, hay límites en las personas. En los que lanzan la burla y en los que la reciben.

Podemos ser más o menos conscientes de los límites y actuar en consecuencia.

Por lo que, quién se atreve a parodiar (lo que suele implicar ridiculizar y banalizar) y al hacerlo genera, junto a las risas, dolor y enfado, entonces, podrá regodearse y amparase en los alegres acólitos mientras lo siente por los vilipendiados, sin sentirlo, algo que suelen hacer los abusones, los prepotentes o los cobardes, o bien, al percibir su negativo efecto lo sienta de verdad, tenga el valor de mostrarlo y encontrar la sonrisa, sin duda mucho más difícil.

En mi opinión, con corazón e ingenio todo humor tiene sentido, nunca ha de faltar, hemos de agradecerlo y aprender a disfrutarlo, pero si falta uno de estos elementos se puede transformar en maldad, y en el peor de los casos, sin los dos, no tener ni puta gracia.

Nos puede pasar a todos.

“Humor es posiblemente una palabra; la uso constantemente. Estoy loco por ella y algún día averiguaré su significado”.

Groucho Marx

[afranciscomiradiezblr-blog]

La incombustible Madonna y el paso del Tiempo 1991

Robert Matthew Van Winkle, conocido a nivel mundial como Vanilla Ice es cantante de rap, bailarín y actor originario de Texas. Su carrera comenzó en 1989 con el lanzamiento de su primer disco «Hooked» y luego con su segundo álbum «To The Extreme» (1990) que contenía el single «Ice Ice Baby» por el que se hizo mundialmente conocido y que ha vendido más de 20 millones de copias.

Vanilla Ice, además de ser uno de los raperos blancos más reconocidos de principios de los noventas, se hizo famoso también por haber transitado un fugaz pero mediático romance con Madonna. Se dice que se conocieron y que comenzaron a salir, escondidos de la prensa a mediados de 1991. Fueron descubiertos juntos por primera vez cuando fueron a ver el film «Frankie and Johnny» y luego se visitaron en los sets de filmación en Evansville cuando él estaba filmando «Cool and Ice» y ella «A League of their Own». Ya para mayo de ese año, se los pudo ver muy juntos y casi confirmando su relación durante la fiesta de estreno del film «Truth or Dare». Desde entonces, los rumores de una relación sentimental entre ambos fueron creciendo y ninguno de ellos se encargó de negarlo.

Madonna Louise Ciccone​, conocida simplemente como Madonna, es una cantante, bailarina, compositora, actriz, empresaria e icono estadounidense. Madonna pasó su infancia en Bay City y en 1978 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza contemporánea.

[malditainconstancia]

Encajar los golpes y seguir

Siempre he pensado que Sylvester Stallone es uno de los cineastas más infravalorados que ha dado la industria del cine. Su forma de hablar tan particular, producida por una parálisis facial, y ese exceso de testosterona exhibido en buena parte de su filmografía han menospreciado al guionista, director y actor de extensa carrera que pasará a la historia por haber encarnado a dos iconos del celuloide, John Rambo y, en especial, Rocky Balboa.  

Lo dijo el mismo “Sly”, que ya anda camino de los ochenta, el feliz día en que recogió su Globo de Oro por “Creed”, donde volvió a interpretar al boxeador de Philadelphia. “Es el mejor amigo imaginario que jamás he tenido”. Vive Dios que a él le debe sus mayores éxitos desde que lo encarnó en los 70, sin que eso desmerezca interpretaciones notables en otras películas.

“Ni tú ni yo ni nadie golpea más fuerte que la vida. Pero no importa lo fuerte que golpeas, sino lo fuerte que encajes los golpes y sigas avanzando”. Quien haya visto “Rocky Balboa”, la sexta entrega de la saga que dio una segunda juventud al personaje, recordará esta frase que el púgil, ya retirado, viudo y propietario de un restaurante, dice a su único hijo, que quiere convencerle de que no dispute un combate de exhibición. En el vídeo del post podéis ver la secuencia completa.

La frase, la película, Stallone y su alter ego Rocky crean un todo indisoluble que transmite la misma enseñanza, que es cómo crecernos ante la adversidad y que el esfuerzo y el sacrificio marcan el camino a la victoria, por improbable que parezca.

Stallone vivía en un cuchitril cuando se mudó a California en busca de su sueño. La habitación en la que vivía era tan pequeña que tenía que elegir entre abrir la ventana o la puerta y hasta se vio obligado a vender a su perro para subsistir, según él mismo ha contado. Con un bagaje de dos o tres papeles de poca monta y seiscientos dólares en la cuenta, la necesidad hizo que se centrase en el único objetivo de escribir y hacia ello enfocó todos sus propósitos. Eran relatos triviales, pero fueron forjándole como contador de historias.

Un día fue a un combate de boxeo, a priori de final predecible porque enfrentaba al campeonísimo Muhammad Ali con un boxeador del montón, Chuck Wepner. Tuvo así la oportunidad de ver en directo cómo el “donnadie” cristalizaba su vida entera en el momento en que tumbaba al más grande de todos los tiempos; y entender que así habría de pasar a la posteridad, como el tío que aguantó quince asaltos al número uno y hasta llegó a sentarle en la lona.

Fue esto lo que catalizó la idea de “Rocky", cuyo guión escribió en tres días. Un púgil del montón, matón a tiempo parcial para un mafioso local, que vivía en un cuchitril apestoso y a quien le ofrecen la oportunidad de su vida: enfrentarse al campeonísimo Apollo Creed.

Con el guión finalizado, a Stallone le tocó librar otro combate, el de los despachos, hasta que dos avispados productores, Irwin Winkler y Robert Chartoff, le compraron la idea con la condición de que un actor famoso, y no un desconocido, protagonizase la película. Stallone porfió hasta convencerles e ignoró incluso una mejora de la oferta porque sabía que, como su personaje, "his whole life was a-million-to-one shot".

Así es como funciona esto. La vida es una prueba continua, tanto en lo personal como en lo profesional, y los golpes llegan muchas veces sin avisar. Nos tocará ser fuertes porque sabemos que el mundo no está sólo pintado del color del arcoiris y de bellos amaneceres y si dejas que te aplaste, no dejará que te levantes.

Encajar los golpes y seguir avanzando, no queda otra. Y trabajar con esfuerzo e ilusión para que surja nuestra oportunidad.  

Ramón Avilés

[ancientoriginses]

La principal plaza pública de la ciudad italiana de Venecia es la Plaza de San Marcos. En torno a esta plaza se pueden contemplar los edificios y monumentos más reconocibles de Venecia. El más famoso es la Basílica de San Marcos con su emblemático campanario, icono de la ciudad. Al ser San Marcos el santo patrón de la ciudad, no resulta extraño que muchos de los edificios públicos de Venecia lleven su nombre. Otro edificio con el nombre del santo patrón es la Biblioteca Nacional Marciana.

[tonylema]

Música Pop

La canción pop es además exitosa sencillamente como pop, es un género de melodía conocida que tuvo su origen a fines de los años 1950 como una forma igual a la del clásico pop, en mezcla con otros géneros musicales que estaban de moda en ese instante.

MUSICAS MAS ESCUCHADAS ESTA SEMANA:

Según Spotify:

Las canciones de música Pop mas escuchadas esta semana son:

1. Bad Habit

2. Romantic Homicide 

3. Me Porto Bonito 

4. Shut Down

5. Tití Me Preguntó

EL REY DEL POP

Michael Joseph Jackson

Michael Jackson, en su totalidad Michael Joseph Jackson o Michael Joe Jackson, surgió el 29 de agosto de 1958 ; falleció el 25 de junio de 2009 en California, vocalista y danzante de Estados Unidos quien ha sido el artista más distinguido de todo el mundo. Criado en Gary, Indiana, en  las familias musicales de la época, Michael Jackson era el más chico y talentoso de 5 hermanos a quienes su papá, Joseph, conformó en un deslumbrante conjunto de estrellas infantiles conocido como los Jackson 5.

LA REINA DEL POP

Madonna Louise Ciccone

Es una cantante, compositora y actriz estadounidense. Conocida como la "Reina del pop", Madonna se destaca por su continua reinvención y versatilidad en la producción musical, la composición de canciones y la presentación visual. Ha empujado los límites de la expresión artística en la música convencional.

Canción Pop mas odiada

“Baby”, Justin Bieber (2010)

El video, perteneciente al álbum My World 2.0 de Justin Bieber, tiene 2 millones 700 likes ,pero lo contrario son sus 4 millones 400 dislikes. “Sobre gustos no hay nada escrito, pero hay algunos que merecen palos” dice el refrán. Resulta curioso y bastante interesante para la industria, resulta interesante ver que un simple video musical causa millones de personas que no le gusta su música y uno no sabe cuanto tuvo que pasar para llegas hasta eso.

Canción Pop mas querida y con mas likes

“Despacito”, Luis Fonsi (2017)

Es una canción del cantante puertorriqueño Luis Fonsi con el que colaboró el  cantante Daddy Yankee como el sencillo principal de su álbum que se lanzó en enero del 2017 a través del sello Universal Music Latin Entertainment, la canción escrita por Luis Fonsi, Erika Ender y Daddy Yankee, producida por Mauricio Rengifo . Una versión remix con el cantante famoso Justin Bieber , lo que ayudó a mejorar la canción en las listas de éxitos, actualmente la canción sigue recibiendo miles de vistas por día y se ha convertido en un icono de latinoamérica.

[juanochoadj]

Every moment has its story. Every story has its moment /// Todo momento tiene su historia. Toda historia tiene su momento Agradecido con @larutadelguateque por la invitación a ser parte de su circuito de fiesta, a mi hermanita del colegio @chika.gege primero por un bonito reencuentro de muchísimos años y segundo por pensar en mi y colocarme a cargo de la musicalización junto a @slopquinterodj_ con quién también compartí reencuentro después de 5 años, cuando vivíamos en la ciudad de Quito, Ecuador... Repetimos esa misma agradable experiencia y divertirnos colocando está música que tanto amamos. La carga emocional de este día fue suprema, en primer lugar tocar en un sitio tan icono de la ciudad que me vio nacer (La Esquina Madrices de la Plaza Bolivar de la ciudad capital de Venezuela, Caracas) esa misma calle donde estuvo por tantos años el famoso El Rincón Musical, una discotienda de los abuelos mis primos-hermanos dónde jugamos de niños, corriendo entre pasillos, depósitos, y oficina llenos de Vinyles, Cassettes, y excelente música, el sitio donde realmente se inicia mi contacto con la música, para años después ser desde ahí la idea e impulso inicial de uno de los negocios de mis padres, la discotienda Girasonido J.C.O.M... jamás llegué a pensar que la vida me diera la oportunidad de colocar música en este lugar de tantas historias personal, el mismo pasaje peatonal para llegar a la primera oficina de Papá... PD: La música siempre regalando agradables y especiales momentos . #Dj #Producer #MúsicaInteligente #TooMuchMusic #DjLife #LifeStyle #Socialmedia #Caracas #Venezuela #DistritoCapital #Caracas #LaRutaDelGuateque #ConnectingPeople #Minimal #DeepHouse #DeepTech #MelodicHouse #MelodicTechno #Techno #TechHouse #Rave #TechnoParty #PartyTime (en Plaza Bolivar, Caracas Venezuela) https://www.instagram.com/p/ClOQdNduN2b/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[joseandrestabarnia]

Vrubel Mijaíl (1856-1910)

LA PRINCESA CISNE

1900

Tamaño - 142,5 x 93,5

Material - lona

Técnica - óleo

Número de inventario - Zh-42

Regalo MK Morozova en 1917 (colección de M.A. y M.K. Morozov)

La princesa cisne fue escrita por Mikhail Vrubel durante su trabajo en el diseño artístico de la ópera de Nikolai Rimsky-Korsakov basada en el cuento de hadas de Alexander Pushkin El cuento del zar Saltan. El papel de la Princesa Cisne fue creado especialmente para la esposa del artista, la cantante de ópera Nadezhda Zabela-Vrubel.

El maestro completó el trabajo de la pintura en la primavera de 1900, y fue adquirida casi de inmediato por el famoso coleccionista Mikhail Morozov. El estreno de la ópera de Rimsky-Korsakov "The Tale of Tsar Saltan" tuvo lugar el 21 de octubre (2 de noviembre) de 1900, el público aceptó con entusiasmo la producción. Nadezhda Zabela-Vrubel le escribió a su hermana: "... Misha fue muy distinguida en el escenario de "Saltan", e incluso sus terribles enemigos: los periodistas dicen que el paisaje es hermoso, y los simpatizantes descubren directamente que dijo una nueva palabra en este género, y todo este tiempo tanta velocidad: en dos semanas y media todo estaba escrito.

Captada por Mikhail Vrubel en el cuadro, la fabulosa imagen de la “Princesa Cisne” pertenece inseparablemente al mundo figurativo de su creadora. Su estructura cristalina multifacética contiene rasgos del personaje principal del cuento de hadas de Pushkin, encarnado en el escenario por su musa Nadezhda Zabela-Vrubel. Al mismo tiempo, carece de ilustratividad condicional. Con la princesa del cuento de hadas, sólo se le relaciona por un sutil eco entre la edad de oro del romanticismo y el neorromanticismo, reconvertido en la antigua mitología rusa. Esta obra combina los principales rasgos plásticos y estéticos del método creativo del maestro. Su lenguaje artístico, nacido del estrecho entrecruzamiento de diferentes tradiciones del arte pictórico, era nuevo para su época. Solo Vrubel pudo captar la dualidad de la imagen de la doncella pájaro en el momento de su transformación, cuando lo real se encuentra con lo fantástico.

El artista poseía la habilidad de representar un aspecto místico especial, que adquirió al comienzo de su carrera, trabajando en las imágenes de los santos de la Iglesia de San Cirilo en Kiev. Los ojos expresivos de la Princesa Cisne, llenos de un misterio inexplicable, son ejecutados por el artista con el mismo sentimiento profundo que los ojos del boceto del icono “La Madre de Dios” (1884). Con un dominio perfecto del dibujo académico, Vrubel representó hábilmente la materia natural de una tela ingrávida que envuelve la figura de la princesa y el brillo de las piedras preciosas que enmarcan su tocado. La textura ligera, musical y rítmica de las alas que caen del cisne, construida sobre contrastes tonales, la envuelve con un halo brillante y radiante de un milagro de transformación completado. Más tarde, el maestro utilizará un motivo sonoro similar de un ligero "susurro" de alas en la obra "Serafines de seis alas (Azrael)" (1904).

Por primera vez, la pintura "La princesa cisne" de Mikhail Vrubel de la colección de Mikhail Morozov se presentó en 1901 en la exposición "36 artistas". En 1910 legó a la Galería Tretyakov.

Información e imagen de la web de la Galería Tretyakov.