#logotipo de la franquicia

[teknomagic]

Ha ocurrido otra vez

Me he picado con una cosa y el resultado es un post largo.

Veréis, alguien en Mastodon se quejaba de que su profesor de animación desprecia el anime. Que dices, pero vamos a ver criatura, ¿cómo puede alguien que se dedica profesionalmente a la animación, aunque sea a la parte de docencia, o incluso precisamente porque se dedican a la docencia, ningunear la producción de un país que literalmente ha cambiado el medio en los últimos treinta años? ¿Estamos tontos o qué?

Total, que un comentario de dos líneas escasas en una red social sobre un hecho relativamente común a la par que molesto me ha motivado lo suficiente como para juntar una lista rápida de, básicamente, la filmografía que pondría yo en clase si mi vida hubiese tomado otro rumbo y me hubiese especializado en animación durante la carrera en vez de salir corriendo en segundo la primera semana por una serie de razones*.

Sigo por aquí abajo, la lista tiene videos de ejemplo y hay spoilers, claro:

Esta lista está hecha específicamente para que estudiantes de animación puedan imprimirla, enrollar los folios y darle en la cabeza con ellos a ese profesor que dice que el anime es una mierda. Si además queréis ver las obras considero personalmente que son una flipada todas, especialmente desde el punto de vista técnico.

No he puesto los títulos más obvios porque para decirle a alguien que vea Akira y Cowboy Bebop o que se mire los otros trabajos de sus respectivos directores no hace falta que os haga una lista.

El gato con botas (Kimio Yabuki - Toei, 1969)

Kimio Yabuki dirige una de las películas icónicas de Toei, cuyo logotipo aún incluye al personaje del gato con botas. Vale la pena verla aunque fuese solo por el referente cultural.

Belladonna of sadness (Eiichi Yamamoto - Mushi Production, 1973)

este largo de animación adulta experimental sobre sexo, violencia y pactos con el diablo se ha convertido en una película de culto. Me parece muy interesante especialmente a nivel técnico (la animación es limitadísima y está llena de metáforas visuales y demás), aunque os prevengo de que os vais a encontrar los 70 como si os los tirasen con una manguera de alta presión a la cara.

El castillo de Cagliostro  (Hayao Miyazaki Tokyo Movie Shinsa, 1979)

 Con la película de Lupin de Miyazaki tacho dos casillas al mismo tiempo; Miyazaki dirige una película de la popularísima franquicia de Lupin III y una de las más recordadas (aunque a nivel personal recomiendo mucho también La conspiración del clan Fuma).

Take the train X (Rintaro – Madhouse,1987)

una fábula moderna dirigida y escrita por Rintaro. Normalmente cuando se habla de este director se nombran otros títulos, pero en este OVA como que se le ve más suelto que cuando ha trabajado en franquicias ajenas. Si Belladonna es los 70, Take the train X es los 90 nivel catálogo vintage de Esprit.

Crusher Joe: The OVAs y Crusher Joe: The movie (Toshifumi Takizawa - Studio Nue, 1989 / Yoshizaku Yasuhiko - Studio Nue, 1983)

la película la recomiendo principalmente por el estilo gráfico y concretamente porque me flipa como hicieron las explosiones; además pienso que Crusher Joe influenció bastante en estética y temas a Cowboy Bebop (que no está en la lista porque considero que no hace falta, cómo va a estar nadie metido en animación sin conocer Cowboy Bebop).

Record of Lodoss War ( Hirotsugu Kawasaki/Akinori Nagaoka - Madhouse, 1990)

la primera serie de OVAs de la lista y es por una razón: para que veáis el mérito que tiene mover los diseños de personaje de Nobuteru Yuuki. Luego aparte es una obra importante por varias razones, como su impacto en la fantasía épica y la comunidad de juegos de rol tanto en su país de origen como luego en occidente por ejemplo.

Utena la chica revolucionaria: Apocalipsis adolescente (Be Papas -  J.C. Staff, 1999)

la serie por sí misma ya entraría en la lista solo por la enorme influencia que ha tenido en la animación occidental reciente, pero es que además la película es técnicamente estupenda (la serie está bien pero tuvo menos presupuesto y se nota bastante, una pena).

Ghost in the shell 2: Innocence (Mamoru Oshii – Production I.G. 2004)

lo normal cuando se nombra a Oshii en entornos en los que ya se sabe algo de animación es recomendar Angel’s egg o Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer, pero aquí voy a ser una básica porque el Oshii de GitS: Innocence es el más reconocible (ved las otras dos si tenéis oportunidad también).

BUENO ESTE POST VA A TENER SEGUNDA PARTE NO SABÍA LO DE LA LIMITACIÓN DE URL POR PUBLICACIÓN

*las razones son que el profesor del segundo curso lo empezó con un ejercicio práctico obligatorio increíblemente machista y racista y me piré de la clase.

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¿Cuál es el significado del logotipo de los Dallas Mavericks?

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¿Cuál es el significado del logotipo de los Dallas Mavericks?

Historia del logotipo de los Dallas Mavericks

El logotipo de los Dallas Mavericks es un símbolo icónico que representa a uno de los equipos de baloncesto más reconocidos de la NBA. Desde su creación, ha experimentado varias evoluciones que reflejan la historia y la identidad del equipo.

El primer logotipo de los Dallas Mavericks fue introducido en 1980 y presentaba a un vaquero montando a caballo, simbolizando la cultura del oeste de Texas. En 2001, se realizó una actualización del logotipo para darle un aspecto más moderno y estilizado, incorporando la imagen de un caballo en un círculo con el nombre del equipo en la parte superior.

En 2017, los Dallas Mavericks presentaron su logotipo actual, el cual conserva la esencia del caballo como elemento central, pero con un diseño más limpio y contemporáneo. El caballo se representa de manera estilizada y dinámica, simbolizando la fuerza, la velocidad y la determinación del equipo en la cancha.

El logotipo de los Dallas Mavericks es un elemento fundamental en la identidad visual del equipo, siendo reconocido y apreciado por los aficionados en todo el mundo. A lo largo de los años, ha evolucionado para reflejar la historia y los valores de la franquicia, convirtiéndose en un símbolo de orgullo y pasión para jugadores y seguidores por igual.

Diseño del logotipo de los Dallas Mavericks

El logotipo de los Dallas Mavericks es un emblema icónico que representa la identidad y el espíritu del equipo de baloncesto de la NBA. Diseñado con cuidado y atención al detalle, el logo captura la esencia de la ciudad de Dallas y la pasión por el baloncesto.

El diseño del logotipo incorpora varios elementos clave que lo hacen reconocible al instante. En el centro del logo se encuentra un caballo marino estilizado, que simboliza la fuerza, la elegancia y el movimiento dinámico del juego. El caballo marino está envuelto en un círculo con las palabras "Dallas Mavericks" escritas en letras audaces y modernas, que destacan la identidad del equipo y su conexión con la ciudad.

Los colores del logotipo también desempeñan un papel importante en su diseño. El azul marino y el plateado predominantes representan la determinación, la confianza y la grandeza del equipo, mientras que el blanco aporta un toque de frescura y claridad. Estos colores se combinan de manera armoniosa para crear una imagen poderosa y distintiva que se destaca en cualquier contexto.

Además del logotipo principal, los Dallas Mavericks también cuentan con una variedad de logotipos secundarios y variaciones que se utilizan en diferentes contextos y aplicaciones. Estos incluyen versiones simplificadas del caballo marino, así como variaciones en los colores y la tipografía para adaptarse a diferentes fondos y formatos.

En resumen, el diseño del logotipo de los Dallas Mavericks es un ejemplo impresionante de cómo el arte y el diseño pueden fusionarse para crear una imagen poderosa y memorable. Desde su introducción, ha llegado a simbolizar no solo al equipo de baloncesto, sino también la ciudad de Dallas y su legado en el mundo del deporte.

Evolución del logotipo de los Dallas Mavericks

Los Dallas Mavericks, equipo de baloncesto de la NBA con sede en Dallas, Texas, han experimentado una interesante evolución en su logotipo a lo largo de los años. Desde su fundación en 1980, el equipo ha pasado por varios cambios en su imagen corporativa, reflejando así su evolución en la liga.

El primer logotipo de los Mavericks presentaba a un vaquero driblando un balón de baloncesto, con los colores azul, blanco y verde como protagonistas. Con el paso de los años, este diseño ha ido adaptándose a las tendencias y necesidades del mercado, evolucionando hacia un enfoque más moderno y estilizado.

En 2001, los Mavericks introdujeron un nuevo logotipo que enfatizaba la inicial "M" con un diseño más simplificado y contemporáneo. Este cambio reflejaba la creciente relevancia del equipo en la liga y su búsqueda de una identidad visual más sólida.

Finalmente, en 2017, los Dallas Mavericks presentaron su logotipo actual, que combina elementos clásicos con un toque actual. El diseño incorpora una "M" estilizada junto a un caballo en movimiento, simbolizando la fuerza y ​​la determinación del equipo en la cancha.

La evolución del logotipo de los Dallas Mavericks no solo refleja los cambios estéticos, sino también la evolución de la franquicia en la NBA y su relevancia en la cultura del baloncesto profesional.

Elementos del logotipo de los Dallas Mavericks

Los Dallas Mavericks, equipo de baloncesto de la NBA con sede en Dallas, Texas, cuentan con un logotipo distintivo que representa la identidad y la historia del equipo. El logotipo de los Mavericks se compone de varios elementos que lo hacen reconocible en todo el mundo.

Uno de los elementos principales del logotipo de los Dallas Mavericks es la letra "M" estilizada, que representa la inicial del nombre del equipo. Esta letra está adornada con un sombrero de vaquero, haciendo alusión a la cultura y tradiciones del estado de Texas. Además, la estrella solitaria en la parte superior de la "M" simboliza el orgullo y la individualidad del equipo.

Otro elemento destacado del logotipo de los Mavericks es el color azul, que es el color principal del equipo y que está presente en todas sus equipaciones y material de branding. El azul representa la confianza, la determinación y la lealtad del equipo y sus seguidores.

Además, el logotipo de los Dallas Mavericks incluye una pelota de baloncesto en el centro, recordando la pasión y el enfoque del equipo en el deporte del baloncesto. Este elemento es fundamental para identificar al equipo como parte de la NBA y del mundo del deporte profesional.

En resumen, los elementos del logotipo de los Dallas Mavericks reflejan la identidad, la historia y los valores del equipo, convirtiéndolo en un símbolo reconocible para los aficionados y seguidores en todo el mundo.

Influencia cultural del logotipo de los Dallas Mavericks

El logotipo de los Dallas Mavericks es un claro ejemplo de influencia cultural en el mundo del deporte y más específicamente en la NBA. Diseñado en 2001 por Rodney Richardson, el logotipo presenta la cabeza de un toro con un sombrero de vaquero, haciendo alusión a la historia y la herencia del estado de Texas. Esta representación no sólo refleja la identidad del equipo, sino que también se ha convertido en un símbolo reconocible a nivel mundial.

La elección de un toro como imagen principal del logotipo se relaciona con la idea de fuerza, determinación y coraje, características que los Dallas Mavericks buscan transmitir en la cancha. Además, el sombrero de vaquero añade un toque distintivo y auténtico que resalta la conexión del equipo con la cultura texana.

A lo largo de los años, el logotipo de los Dallas Mavericks ha trascendido las fronteras de la NBA para convertirse en un ícono cultural. Ha sido reproducido en una amplia variedad de productos, desde gorras y camisetas hasta accesorios y artículos de decoración para el hogar. Incluso ha inspirado a diseñadores y artistas a crear reinterpretaciones y versiones personalizadas que demuestran su impacto en la estética contemporánea.

En definitiva, el logotipo de los Dallas Mavericks es mucho más que una marca deportiva, es un símbolo de la identidad texana y un ejemplo de cómo el diseño puede trascender su función original para convertirse en una expresión cultural relevante y significativa.

[partidosdeportugal]

¿Cuál es el significado detrás del logo de los 76ers de Filadelfia?

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¿Cuál es el significado detrás del logo de los 76ers de Filadelfia?

Historia del logo de los 76ers de Filadelfia

El logo de los 76ers de Filadelfia es un símbolo icónico en el mundo del baloncesto. La historia de este logo se remonta a los inicios del equipo en 1946, cuando eran conocidos como Syracuse Nationals. En aquel entonces, el logo consistía en las letras "SN" entrelazadas en un círculo.

Sin embargo, en 1963 el equipo se trasladó a Filadelfia y adoptó el nombre de Philadelphia 76ers en honor al año en que se firmó la Declaración de Independencia de los Estados Unidos. Fue en este momento que se diseñó el famoso logo en el que se ve a un águila agarrando un balón de baloncesto.

A lo largo de los años, el logo ha sufrido pequeñas modificaciones para modernizarse y adaptarse a las tendencias del diseño gráfico. En 1997, se introdujo una paleta de colores más vibrante y en 2009 se renovó la tipografía que acompaña al águila. Estos cambios han mantenido fresca la imagen del equipo, sin perder la esencia y la historia que representa.

Hoy en día, el logo de los 76ers de Filadelfia es reconocido en todo el mundo como un emblema del baloncesto profesional y es un símbolo de orgullo para los aficionados del equipo. Su diseño atemporal y su rica historia lo convierten en uno de los logos más emblemáticos de la NBA.

Diseño del logo de los 76ers de Filadelfia

Los Philadelphia 76ers, uno de los equipos más emblemáticos de la NBA, cuentan con un logo icónico que ha evolucionado a lo largo de los años. El diseño actual del logo de los 76ers de Filadelfia refleja la historia y la identidad de la franquicia de baloncesto.

El logo de los 76ers presenta el número "76" en alusión al año de la independencia de Estados Unidos, 1776, combinado con una estrella de cinco puntas, símbolo de orgullo y patriotismo. Estos elementos se encuentran en un círculo que representa la unión y la eternidad, transmitiendo la idea de un equipo sólido y persistente a lo largo del tiempo.

Los colores del logo, rojo, azul y blanco, son los colores tradicionales de los Estados Unidos y reflejan la pasión y el compromiso de la ciudad de Filadelfia con su equipo de baloncesto. La tipografía utilizada en la palabra "Sixers" es fuerte y audaz, transmitiendo determinación y fuerza, cualidades indispensables en el deporte de alto rendimiento.

En resumen, el diseño del logo de los 76ers de Filadelfia es un símbolo de la historia, la identidad y la pasión por el baloncesto en la ciudad de Filadelfia. A través de sus elementos visuales y colores, el logo representa valores como la unidad, la tradición y el compromiso, convirtiéndolo en un emblema reconocido en todo el mundo del baloncesto.

Simbología del logo de los 76ers de Filadelfia

El logo de los 76ers de Filadelfia es una pieza única de simbología que representa la historia y la identidad del equipo de baloncesto. El diseño icónico del logotipo combina elementos tradicionales con un toque moderno que lo distingue de otros equipos de la NBA.

El principal elemento del logo de los 76ers es la campana de la Libertad, un símbolo histórico de la ciudad de Filadelfia y de la lucha por la independencia de Estados Unidos. La campana de la Libertad representa los valores de libertad, democracia y resistencia, que son fundamentales en la identidad del equipo y en la historia de la ciudad.

Además de la campana de la Libertad, el logo de los 76ers también incluye el número "76" en referencia al año 1776, cuando se firmó la Declaración de Independencia de Estados Unidos en Filadelfia. Este número es un recordatorio constante de la historia y los valores patrióticos del equipo.

En resumen, el logo de los 76ers de Filadelfia es mucho más que un simple diseño gráfico, es un símbolo de la historia, la identidad y los valores del equipo y de la ciudad que representan. Cada elemento del logo tiene un significado profundo que conecta al equipo con su comunidad y su legado histórico.

Evolución del logo de los 76ers de Filadelfia

Los Philadelphia 76ers, un equipo icónico de la NBA, han experimentado a lo largo de los años una interesante evolución en su logo. Desde su fundación en 1946, el equipo ha pasado por varios cambios en su imagen visual, reflejando tanto la historia del equipo como las tendencias de diseño de cada época.

El primer logo de los 76ers presentaba el número 76 en rojo sobre un balón de baloncesto, mostrando los colores tradicionales del equipo: rojo, blanco y azul. A lo largo de los años, el logo ha sufrido diversas transformaciones, incorporando elementos como las campanas de la Libertad, un símbolo icónico de la ciudad de Filadelfia, y detalles más modernos y estilizados.

Uno de los logros más notables en la evolución del logo de los 76ers fue la introducción del logo actual en 1997. Este diseño presenta un balón de baloncesto con el número 76 entrelazado en un círculo, creando una imagen más contemporánea y dinámica. Los colores también han sido actualizados, con un tono más brillante de azul y rojo, lo que refleja la energía y la pasión que el equipo transmite en la cancha.

En conclusión, la evolución del logo de los 76ers de Filadelfia es un reflejo de la historia y la evolución del equipo a lo largo de los años. Cada diseño ha aportado su propio estilo y personalidad, manteniendo siempre la esencia y el orgullo de representar a una de las ciudades más deportivas de Estados Unidos.

Significado detrás del logo de los 76ers de Filadelfia

Los Philadelphia 76ers, uno de los equipos más emblemáticos de la NBA, tiene un logo que va más allá de lo que se ve a simple vista. El diseño del logo de los 76ers de Filadelfia tiene un significado profundo y representa la historia y la identidad del equipo.

El logo de los 76ers presenta el número "76" en azul, rojo y blanco, los colores tradicionales del equipo. El número "76" hace referencia al año 1776, el año en que se firmó la Declaración de Independencia de los Estados Unidos en Filadelfia, ciudad de la cual el equipo toma su nombre. Este detalle simboliza el orgullo y la conexión del equipo con la historia de Estados Unidos.

Además, el logo también incluye trece estrellas por encima del número "76", representando las trece colonias originales que se unieron para formar los Estados Unidos de América. Estas estrellas son un recordatorio de los valores de unidad, libertad e independencia que son fundamentales tanto para la historia del país como para la identidad del equipo.

En resumen, el logo de los 76ers de Filadelfia es mucho más que un simple diseño, es un símbolo de historia, orgullo y valores compartidos. Cada vez que los jugadores y aficionados ven este logo, recuerdan la importancia de la independencia y la unidad, tanto en la cancha como fuera de ella.

[cibertexto2023]

Cine y videojuegos: ¿Convergencia medial?

Al empezar a evolucionar las tecnologías, la academia teorizó sobre distintas posibilidades de desarrollo del mundo mediático digital. De las propuestas que se ofrecieron, destacan la ideas de Henry Jenkins sobre la revolución digital y la convergencia medial.

Henry Jenkins (2013)

En primer lugar, la llamada revolución digital planteaba que los medios de comunicación antiguos serían desplazados por los medios nuevos, quedando los primeros obsoletos y sin uso. Por su parte, la convergencia, también referida como evolución (en contraste a revolución), afirmaba que los nuevos medios empezarían a relacionarse de forma más compleja e interconectada con los medios antiguos. (Jenkins)

Tal como se observa en la realidad actual, el paradigma que se impuso fue el de la convergencia mediática. Los medios interactúan entre sí, complejizando las relaciones entre aquellos y los usuarios, generando mezclas tan especiales como lo es la del cine y los videojuegos.

En "Convergence Culture" Jenkins relata su paso por la New Orleans Media Experience, un festival de medios internacional que gira en torno a mesas de discusión y presentaciones.

Poster New Orleans Media Experience (2003)

Una de las mesas redondas, se centró en la relación que existe entre los videojuegos y los medios tradicionales.

"Los magnates del cine veían cada vez mas los videojuegos no simplemente como un medio de estampar el logotipo de la franquicia en algún producto secundario, sino también como un medio de expandir la experiencia de contar historias."

Se comprende así, que el interés de la industria cinematográfica en los videojuegos no tiene una fundamentación meramente económica, sino que de desarrollo del impulso creativo que comprende el cine en sí mismo. De acuerdo a Jenkins, los cineastas "querían utilizar los videojuegos para explorar ideas que no tenían cabida en películas de dos horas", generando una especie de expansión de la narrativa desde el mundo cinematográfico hacia el de los videojuegos.

Esta invasión del cine al mundo de los videojuegos no se limitó solo a la narrativa, sino que también a las estéticas visuales provenientes del cine. Los cineastas, según plantea Jenkins, tenían sus propias y originales ideas sobre las interacciones creativas que se podrían plasmar en los videojuegos; sabían quienes eran los diseñadores con mayor capacidad creativa y les proponían colaboración en su trabajo.

De aquí que podemos establecer como primer argumento la existencia de una convergencia mediática entre el cine y los videojuegos; comprendiendo como no se desplazan el uno al otro sino que se complementan, intersectan y desarrollan en manera conjunta y mucho más compleja.

[sonyclasica]

KENSHI YONEZU

“TSUKI WO MITEITA - MOONGAZING” DE FINAL FANTASY XVI

La estrella global del J-pop KENSHI YONEZU ha anunciado que su nuevo tema "TSUKI WO MITEITA - MOONGAZING" será el tema oficial de FINAL FANTASY XVI, el esperadísimo nuevo videojuego y decimosexta entrega de la emblemática franquicia de Square Enix.

Mira el teaser del juego AQUÍ

Anunciada originalmente en directo durante la emisión de vídeo State of Play de Sony Interactive Entertainment, la noticia se reveló junto con un vídeo teaser del nuevo juego en el que aparece un fragmento del tema de Yonezu que puede escucharse sobre las secuencias de la historia del juego y las presentaciones de los nuevos personajes. Kenshi Yonezu, gran aficionado y ávido jugador de la franquicia, escribió "Tsuki Wo Miteita - Moongazing" específicamente para el nuevo videojuego, que se estrenará el jueves 22 de junio para las consolas PlayStation®5.

Sobre el tema, KENSHI YONEZU dice: "Las palabras no pueden expresar el impacto que Final Fantasy ha tenido en mi vida. Nunca pensé ni imaginé que alguna vez recibiría una oportunidad como esta. Escribí la canción especialmente para este juego. Gracias."

"Cuando me enteré de que íbamos a poder trabajar con Yonezu, no solo me sorprendí, sino que me alegré muchísimo", añade NAOKI YOSHIDA, productor de Final Fantasy XVI. "Soy un gran admirador del trabajo de Yonezu, y sé que siente pasión por crear música que tenga eco en todas las generaciones, así que estaba seguro de que sería capaz de captar el mundo, la historia y los temas de FFXVI. No es solo un artista increíble, sino también un ávido jugador y un fan de FF, ¡así que esperad con impaciencia su nuevo tema!"

Además de anunciar su nuevo tema, Yonezu ha desvelado una serie de fotos inéditas, que juntas componen una historia visual que plasma la atmósfera sublime del tema. Las fotos fueron tomadas por el videógrafo, director de cine y fotógrafo Tomokazu Yamada, que produjo el videoclip de Yonezu para su single revelación "Lemon", que recientemente alcanzó los 800 millones de visitas, así como el videoclip de su último single "LADY".

SOBRE KENSHI YONEZU

Tras publicar una serie de temas de Vocaloid bajo el apodo de Hachi, Kenshi Yonezu destacó entre la multitud con notables resultados. Más tarde, en 2012, comenzó a publicar material con su nombre real, Kenshi Yonezu. Desde entonces ha obtenido un amplio reconocimiento como creador polifacético, no solo por su música, sino también por sus ilustraciones de portadas de discos y sus producciones musicales.

 El videoclip de su gran éxito, "Lemon", sigue siendo el videoclip más visto en Japón. La canción encabezó las listas de fin de año de Billboard Japón durante 2 años consecutivos, dejando su huella en la historia de la música, nacional e internacionalmente. Su álbum, STRAY SHEEP, publicado en 2020, vendió más de 2 millones de unidades. Yonezu siguió implicado y productivo con excelentes resultados durante toda la pandemia. Actuó en un concierto virtual organizado por el juego en línea Fortnite, colaboró a nivel global con UNIQLO en su colección UT, fue galardonado con un Premio AAC y al Mejor Nuevo Artista, con el Premio del Departamento de Arte del Ministerio de Educación, Cultura, Deporte, Ciencia y Tecnología, y fue incluido en la lista de Forbes 100 Estrellas Digitales Asiáticas, entre otros logros.

"KICK BACK", el tema de apertura de la serie de anime Chainsaw Man, entró en el Top 50 Global de Spotify, la primera vez que lo hace un artista japonés. Kenshi Yonezu sigue creciendo, demostrando que no es solo una estrella en su país, sino un artista con una dinámica presencia internacional.

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FINAL FANTASY, SQUARE ENIX y sus respectivos logotipos son marcas comerciales o marcas registradas de Square Enix Holdings Co., Ltd.

[apsny-news]

Disney presenta su drástico plan de ahorro y despide a 7.000 empleados en todo el mundo

/ Programas / Economía Primera modificación: 09/02/2023 – 18:50 05:21 ARCHIVO – En esta foto de archivo del 8 de agosto de 2017, el logotipo de The Walt Disney Co. aparece en una pantalla sobre el piso de la Bolsa de Valores de Nueva York. Disney está trabajando en las secuelas de sus franquicias “Toy Story”, “Frozen” y “Zootopia” a medida que la compañía se concentra más en las marcas que…

[inicialove]

El registro de marca, un activo para tu empresa

El registro de marca, un activo para tu empresa

El registro de marca es una medida que todo emprendedor debe tomar si desea proteger los productos o servicios que ofrece; la marca es el sello de identidad de éstos y con el que los clientes te reconocen en el mercado.

De acuerdo con la Asociación Americana de Marketing, una marca “es un nombre, un término, una señal, un diseño, un símbolo o una combinación de alguno de ellos, que los identifica como productos y/o servicios de una empresa y los diferencia de los competidores”. La marca, además, es el elemento principal en las campañas de marketing que tienen como objetivo posicionar a productos y servicios en los primeros lugares de ranking de un sector determinado y, en consecuencia, en la percepción y fidelidad del consumidor. La marca, entonces, es el distintivo que te diferencia de tus competidores, aunque estos manejen productos o servicios similares, te protege contra actos de piratería y te facilita otorgar licencias de uso de marca o franquicias, convirténdose en un activo para tu empresa. 

En nuestro país, el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI) es el encargado de realizar el registro de marca, que te da derecho al uso exclusivo durante 10 años en todo el territorio nacional.  Para realizar el trámite, lo primero es revisar el Servicio de Consulta Externa sobre Información de Marcas (Marcanet) para checar que no haya registros parecidos previos. El trámite puede realizarse en línea, de manera presencial, por buzón en línea o por correo o mensajería especializada.

Cumplidos todos  los requisitos, la entrega del título de marca que valida que eres el único que puede explotar los derechos de los productos y/o servicios de que se trata, tarda aproximadamente seis meses; una vez expedido nadie podrá usar el  nombre ni la imagen de tus productos o servicios; si lo hace, deberá de afrontar medidas legales, como el pago de una multa por uso indebido.  

Conforme al artículo 88º de la Ley Federal de Protección a la Propiedad Industrial, en México  existen cuatro tipos de registro de marcas y cada uno tiene que ver con la presentación del producto:

Nominativa: Sólo contiene texto o números y sus respectivos signos de puntuación. Permite identificar a los productos o servicios por medio del uso de letras, palabras o números; por ejemplo: Coca Cola.

 Innominada: Se compone sólo de un diseño -una imagen, un gráfico o un logotipo- sin letras, palabras o números; permite el reconocimiento del producto de una forma visual, como la marca Nike.

Tridimensional: presenta e identifica sus productos por medio de envases o empaques y es lo que diferencia la marca de cualquier otra, tomando en cuenta lo ancho, alto y el fondo del volumen; por ejemplo, la forma de chocolates Kisses.

Mixta: se da cuando se combinan elementos de las otras tres: figuras, palabras e incluso un elemento tridimensional;  por ejemplo Burger King.

Si deseas proteger tu marca a nivel internacional, debes apegarte al “Protocolo de Madrid”, útil para presentar una solicitud en las naciones que son parte  de este sistema, entre ellas Estados Unidos, Australia, Japón, China, Rusia y desde 2004 la Unión Europea. Si quieres que te ayudemos a registrar tu marca contáctanos: hola@inicialove.com y 5532351026

[nomadasdigital]

Durante la escena de apertura de The Bad Batch, la nueva serie animada ambientada durante el surgimiento del Imperio, el logo de The Clone Wars arde en llamas. Una promesa de algo nuevo, el logotipo explica claramente qué es The Bad Batch.

Como dijeron Jennifer Corbett (productora y escritora principal) y Brad Rau (productor) durante una rueda de prensa antes del estreno del 4 de mayo, este programa es un sucesor espiritual y también una secuela directa de The Clone Wars. El comienzo de la nueva serie se basa en la escala épica del final de la serie The Clone Wars. Pero si bien la acción y el corazón están ahí en el papel, los personajes de archivo y una trama demasiado sencilla arrastran el estreno de 70 minutos.

Los cinco personajes de Bad Batch, liderados por el clon de élite Hunter, nunca encajan del todo. Como muchos otros aspectos de la tecnología en Star Wars, la clonación no es una ciencia exacta, y Clone Force 99 son "desviados" o "defectuosos" según sobre quién está hablando, pero son muy buenos en su trabajo de luchar en nombre de la República. Pero cuando la República hace la transición al Imperio, se les pide de inmediato que comiencen a realizar trabajos más complicados, como cazar rebeldes, mientras que normalmente luchan contra los droides. Como era de esperar, los clones cambian de bando y, por supuesto, terminan teniendo que luchar para salir de su base de operaciones. Una joven clon llamada Omega los ayuda, y el escenario está listo para el resto de la temporada, que tendrá al menos 14 episodios.

El gurú de Star Wars Dave Filoni se une a la escritora de Star Wars Resistance Jennifer Corbett en el lado creativo. Su pedigrí en la entrega de historias para el programa animado y su experiencia en la Marina de los EE. UU. La convierten en una guía ideal para esta historia de guerra. Como ciencia ficción militar, The Bad Batch es útil, con la acción creativa y las tonterías típicas de The Clone Wars. El enfoque de la franquicia hacia la animación siempre está mejorando, lo que en este primer episodio largo se manifiesta principalmente en una nieve impresionante y un divertido efecto de profundidad de campo. Las esquinas afiladas de la armadura contrastan muy bien con las luces suaves y borrosas en los fondos desenfocados.

En lo que respecta a la trama, es bastante simple, lo que nos deja con ganas de profundizar en algunas de las secciones más importantes, pero no estoy seguro de si en realidad son declaraciones. The Bad Batch ve que los otros clones se vuelven contra los Jedi durante la Orden 66, pero por la misma razón que sus otros "defectos" los hacen más fuertes, los chips inhibidores que deberían lavarles el cerebro de acuerdo con los deseos del Emperador no funcionan. Eligen dejar vivir a los Jedi. Moff Tarkin ve su rebeldía como una buena oportunidad para demostrar que el Ejército Clon ya no es efectivo. Después de todo, los reclutas aparentemente serían más baratos. Pero después de que Bad Batch descubre los verdaderos colores de Tarkin, desertan para siempre.

Es genial ver que se produce esta transición. ¿En qué se convierten los clones después de la guerra? Es una pregunta que los fans incondicionales de Star Wars podrían responder (no todos se convierten en soldados de asalto, y no todos los soldados de asalto son clones), pero no la habíamos visto tan directamente en la pantalla antes. Sería bueno si The Bad Batch aborda algunas de las preguntas prácticas en torno a eso.

Mientras tanto, Tarkin está claramente dispuesto a derramar sangre civil de una forma en que los generales Jedi no lo estaban, reemplazando a los clones criados para la guerra con voluntarios humanos. Como muchas otras historias de Star Wars ambientadas durante la era de la Precuela, la elección de Bad Batch presenta una decisión moral sin respuestas correctas. La "buena" opción aquí sería mantener un status quo en el que decenas de miles de personas nacen únicamente para pelear guerras con droides, que, aunque técnicamente son soldados enemigos, también son inteligentes. Y aunque en general podemos perdernos en la fantasía de la camaradería militar aquí, el hecho de que a otros clones no les gusten hace que lo que exactamente está luchando Bad Batch sea aún más confuso. Tal vez se trate de darle a este escuadrón una nueva causa en la que creen fuera del imperio definitivamente malo.

O tal vez el hecho de que es difícil distinguir las políticas de la República de las del Imperio es el punto. Así fue como cayó la República después de todo: gradualmente.

Los ritmos de personajes más fuertes implican que los personajes aprendan a confiar entre sí de nuevas formas. Los poderes del líder del equipo Hunter son "sentidos mejorados", aunque eso no se muestra mucho. Comienza a desconfiar del francotirador del equipo Crosshair cuando este se vuelve demasiado ansioso por seguir su siniestra misión según las reglas. Sus argumentos eran más convincentes antes de que se introdujera el chip inhibidor: aunque sabemos que encaja con la tradición, desanima un poco la historia para que la motivación principal del antagonista sea "le lavaron el cerebro", y no estaba seguro de cuánto el programa estaba dispuesto a culparlo o absolverlo. De cualquier manera, no hemos visto lo último de Crosshair.

The Bad Batch ni siquiera puede confiar en los kaminoanos, sus creadores y administradores de su hogar. El que mejor muestra esto es el equipo pesado Wrecker. Su tendencia a gritar por hacer explotar cosas en general nos parece más molesta que divertida, pero hacia la mitad del episodio extendido agrega patetismo sin alejarse de esta caracterización amplia. Wrecker no está programado, insiste. Le gusta lo que le gusta. Su determinación de aferrarse a un sentido de sí mismo como una persona con libre albedrío se siente como lo que está en juego del espectáculo. Es una sección del episodio que rápidamente regresa a la acción divertida y tonta, pero por un momento llega a algo más serio y aterrador. La determinación de Wrecker de aferrarse a su individualidad muestra exactamente lo que Tarkin más odia de los clones. Irónicamente, en opinión de Tarkin, necesita soldados de asalto que puedan ser aún más manejables.

Desafortunadamente, los momentos más importantes de este tema se socavan al repetir información que la audiencia ya conoce. Si has visto The Clone Wars, probablemente sepas sobre el descubrimiento de Cincos de los chips inhibidores y cómo Ahsoka ayudó a Rex a eliminar el suyo. Pero momentos como el anterior venden el hecho de que los clones se sorprenderían al saber la verdad sobre su nuevo Imperio.

El nuevo miembro del grupo es Omega, una joven clon adolescente presentado como sustituto de la audiencia y misterio. (También es un ejemplo particularmente notable de cómo el Imperio está blanqueando los clones; los que están más lejos de la plantilla de Jango Fett tienen la piel más clara). Es una gran fanática de Bad Batch porque, como ellos, es un clon alterado. Está implícito que nunca antes había podido hacerse amiga de otros humanos, por lo que tiene sentido que se aferre a los otros clones únicos en su órbita. Su cariño por ellos a veces se lee como un guión de cuánto se supone que la audiencia está adulando a los miembros del escuadrón, pero el programa nunca muestra el mundo desde su perspectiva. Sin embargo, creemos que en general es una introducción menos discordante que la de Ahsoka, quien se convirtió en un gran personaje a medida que se involucró más con el resto de la saga. También es un "esperar y ver" con Omega.

Somos un poco cautelosos de que la serie se apresure a repetir el juego de manos con Rey, presentando un personaje como un punto de vista y un misterio al mismo tiempo. 

En cuanto a conectarnos con otros personajes de Star Wars para los que tenemos respuestas, The Bad Batch anuncia instantáneamente que este será un episodio con muchos cameos, y ... ¿está bien? Ahora que no están siendo tan tímidos al respecto como lo fue Rebels, es muy divertido ver a Saw Gerrera y un joven Kanan Jarrus. (Incluso si el último cameo contradice instantáneamente el cómic de trasfondo de Kanan lanzado por Marvel hace unos años).

Cuando se introdujeron los Bad Batch en The Clone Wars, los encontramos un poco  aburridos, sus poderes de figura de acción no eran más convincentes que los clones y Jedi que ya teníamos. Todavía parecen una elección extraña para protagonistas de un show cuando personajes como Ahsoka están operando al mismo tiempo. Más que The Clone Wars, The Bad Batch se siente como un corte profundo, una historia completa que puede tener dificultades para mantener a los fans. Si bien las comparaciones entre el lote y la relación de Omega con Din Djarin y Grogu son inevitables, este no es The Mandalorian en términos de contenido o accesibilidad.

[superlawyerbros-blog]

LA IMPORTANCIA DE PROTEGER MI MARCA

Fotografía con Pixabay License. Fotografía tomada por mcmurryjulie.

A diferencia de la industria de los países anglosajones y europeos, la industria latinoamericana no tiene mucha costumbre de registrar y proteger la marca corporativa o individual de sus proyectos -no todos en general-, ya sea por considerarlo un paso innecesario o porque al bastar la creación del nombre y logotipo de su proyecto y la publicación en alguna red social consideran que es prueba suficiente de su protección, existencia y propiedad. Sin embargo, la realidad no se dibuja de una manera tan simple.

Si bien es cierto que nada ni nadie nos obliga a realizar el registro de una marca para su protección, esta es una práctica que todo emprendedor debe de tener en cuenta y con la que debe familiarizarse, pues es la marca la identidad y presencia en el mercado del proyecto que iremos realizando o de nuestra persona como ente corporativo -ejemplos, el caso de streamer Ninja, el sonido de bienvenida de Netflix o el músico Paul McCartney-. Una marca, es entonces, nuestra carta de presentación en el mundo comercial; pero el registro de una marca ante la entidad competente también constituye una protección de esta ante acciones legales para el caso en que terceros infrinjan su uso.

Entonces, ¿qué sucede si no registramos nuestra marca? Terceros inescrupulosos podrían registrarla a su nombre para su uso en la comercialización de sus propios productos -sean del mismo rubro o no-, e incluso tomar acciones legales contras nosotros por utilizar la marca registrada y prohibirnos que continuemos con su uso. Otro de los puntos discutibles es el aspecto de la confusión sobre la marca, pues si nos percatamos de la existencia de otro corporativo o persona que lleva una marca con la misma denominación que nuestro proyecto o marca personal, se podría aprovechar de nuestra reputación y de las relaciones que se ha creado con el público; o, en lo contrario, si ellos ni tienen una buena reputación en el mercado, podríamos vernos afectados para con el publico consumidor y en general, generándonos -en cualquiera de los dos casos- cuantiosas pérdidas económicas.

Por otro lado -y en un aspecto positivo-, tener nuestra marca registrada podría ayudarnos con nuestros procesos de expansión internacional, ya sea que busquemos una presencia más estable a nivel global o desarrollar franquicias para conquistar ciertos mercados.

Tengamos en mente que el registro de marca es una inversión a futuro, es nuestra presencia estable en el mercado y es uno de los activos que más valoraremos con el desarrollo de nuestros proyectos; y si bien existen diversos tipos de marca, al igual que clasificaciones, tenemos una puerta abierta para futuras discusiones y aprendizaje.

[recklessrpg]

tanzie brigitte schultz ahora es parte de reckless.

   perderse es fácil, crecer tal vez no tanto. pero aún así los jóvenes se las ingenian para sortear cada obstáculo que la adolescencia y temprana adultez les reparte en cada esquina. eso sí, entre muchas aventuras.

   bienvenida, barbie !!! queremos agradecerte una vez más por elegirnos. esperamos que pases un buen rato al lado de nosotras y que cumplamos cada una de tus expectativas, ¡pues nos encontramos a tus órdenes para lo que necesites! a partir de ahora cuentas con 24 horas para dejarnos saber la cuenta de tanzie. que disfrutes la experiencia reckless !!!

OOC.

Nombre, seudónimo o apodo: Barbie c:

Edad: 20+.

País o zona horaria: México y GMT-7, creooo.

Nivel de conexión esperado: Podré dedicarle tiempo al roleplay, en una escala del 1 al 10, considero un 7 a causa de que me sentido un poco mal estos días, debido al estrés que me ha provocado la escuela, ah.

Faceclaim: Shay Mitchell.

Triggers: Enfermedades terminales, abusos sexuales y temas que involucran temas sexuales con menores de edad.

¿Algo que agregar?: ¡Me gustó mucho la temática del rp! c:

IC.

Nombre completo: Tanzie Brigitte Schultz.

Edad y fecha de nacimiento: 25 años de edad. Nació el 2 de marzo de 1994.

Nacionalidad: Estadounidense.

Descripción psicológica (puede ser en ítems o redactada en un pequeño párrafo):

Positivos: Ingeniosa, observadora, persistente y responsable.

Negativos: Altanera, ególatra, vanidosa y posesiva.

Historia (puede ser en ítems o redactada en párrafos):

Es hija de Howard Schultz, un empresario estadounidense, presidente y consejero delegado de Starbucks Coffee Company, una franquicia con una particular filosofía de los negocios que cuenta con más de 10.000 establecimientos en todo el mundo.

Howard Schultz era el mayor de tres hermanos de una familia de clase media baja. Cursó estudios en el Canarsie High School y, con un gran esfuerzo económico por parte de sus padres, pudo licenciarse en comunicaciones por la Northern Michigan University. Al poco de terminar los estudios, comenzó su carrera profesional como aprendiz en el departamento de ventas de Xerox. Más tarde se incorporó a Hammarsplast, una empresa dedicada a los componentes plásticos subsidiaria de la sueca Perstorp, de la que llegaría a ser vicepresidente.

Starbucks había nacido en 1971 en el histórico mercado de Pike Place en Seattle, Washington, como una pequeña tienda de venta de cafés de importación, un negocio difícil en un país poco acostumbrado al consumo de este producto.

Transformando radicalmente la tienda de Seattle, Schultz sentó entonces las bases de lo que muy pronto se convertiría en todo un imperio. Por un lado, incorporó una serie de productos más al gusto de la tradición europea (capuchinos, mocas, lattes, macchiatos) y, por otro, apostó por dotar al local de una identidad propia. Así, pensó y diseñó un interior que cautivara al público por su proximidad y su sensación de “segundo hogar”. La decoración, el mobiliario, el color, incluso la música, tenían la función de hacer de una simple cafetería un lugar en que la gente se sintiera como en casa.

En 2007 Starbucks era uno de los principales proveedores y tostadores de café del mundo, ofrecía cafés de América Latina, África y Asia-Pacífico, contaba con más de 10.000 establecimientos alrededor del globo (América del Norte, Latinoamérica, Europa, Oriente Medio, Asía y Pacífico) y tenía más de 140.000 empleados en nómina. Su facturación superaba los 9.400 millones de dólares. En 2008 el logotipo de Starbucks tenía previsto extenderse a nuevos mercados: Argentina, Bulgaria, Colombia, Hungría, India, Marruecos, Polonia, Portugal, Serbia y Sudáfrica. Su fortuna personal se cifra en 6.000 millones de euros, está casado con la diseñadora de interiores Sheri Kersch, su compañera desde 1978.

Tanzie Brigitte Schultz es una chica hermosa de tan solo veinticinco años. Creció siendo la consentida de sus padres y por lo tanto, recibió todos los lujos que cualquier persona desearía tener y se educó en los mejores colegios de Estados Unidos. Siempre estuvo al lado de su madre y por lo tanto, ella le enseñó todo lo que sabe acerca de cómo comportarse en una sociedad elitista; sin embargo, su padre se la pasaba continuamente inmerso del mundo de la moda dejando a un lado a su cónyuge y única primogénita. Tanzie suele reprocharle las ausencias que ha tenido en los momentos más importantes de su vida cuando se le da la oportunidad, puesto que detesta sentirse ignorada y con la falta de una figura paterna dentro de su vida.

En cuanto a su personalidad, es una romántica sin remedio, pero este lado sensible contrasta fuertemente con su tendencia a ser maliciosa y controladora. Le gusta hacer de cuenta que su vida es una película y es vanidosa, utiliza su encanto, dinero, y status social para obtener lo que desea. Es una persona sumamente competitiva, extrovertida, orgullosa, perfeccionista, posesiva y con ese toque de sarcasmo que en ocasiones puede llegar a ser un tanto molesto. A veces, puede llegar a ser bastante cariñosa, pero únicamente sí te ganas su cariño, lo que nadie sabe es que le da miedo demostrar sus sentimientos. ¿Qué hay de su autoestima? !Le sobra!, adora ver sus virtudes y sus defectos los ignora como si no existieran. ¿Enojada?, !Oh no!, nunca la hagas enojar porque puede transformarse en una persona totalmente insoportable. Es directa y no le gusta andar con rodeos, no le gusta estar en una relación seria porque eso la lleva a sentirse como propiedad única de alguien. Detesta que le den ordenes, que la contradigan y que algo no le salga como lo había planeado, es risueña, le gusta llamar la atención y le encanta el mundo de la moda tanto como a sus padres.

En la actualidad, estudia arte dramático en Los Ángeles en una academia que se basa en la filosofía de “aprender haciendo”, combinado con las mejores prácticas de la industria, permitiendo a los estudiantes invertir más horas en el hecho productivo y creativo de sus proyectos. El resultado final es más fructífero que en otras escuelas de cine en el mundo. En otra palabras, la escuela de cine ha sido diseñada para una nueva generación de cineastas, guionistas, actores, productores y animadores que comparten una pasión por el cine y quieren aprender haciendo sus propios proyectos en un programa intensivo con el objetivo de ponerse manos a la obra. Los diferentes programas de esta escuela comparten una creencia que combina instrucción en clase por galardonados cineastas, con una intensa exploración del medio a través de prácticas de trabajo. Para la escuela, la práctica resulta el auténtico aprendizaje. Así mismo, con ayuda de su padre abrió una franquicia de Starbucks en el lugar que reside, encargándose de la administración de esta.

Sufre de trastorno bipolar, una afección mental en la cual una persona tiene cambios marcados o extremos en el estado de ánimo. Los períodos de sentirse triste o deprimido pueden alternar con períodos de sentirse muy feliz y activo o malhumorado e irritable. La causa exacta se desconoce, pero se presenta con mayor frecuencia en parientes de personas que padecen dicho trastorno. En la mayoría de las personas con trastorno bipolar, no hay una causa clara para los períodos (episodios) de extrema felicidad y mucha actividad o energía (manías) o de depresión y baja actividad o energía (depresión). Los siguientes factores pueden desencadenar un episodio maníaco: Parto, medicinas como antidepresivos o esteroides, períodos de no poder dormir (insomnio) y consumo de drogas psicoactivas. En la actualidad acude constantemente al médico y a los fármacos para evitar desencadenar un episodio.

[arielmcorg]

Infinity Ward anuncia oficialmente Call of Duty Modern Warfare 2

Infinity Ward anuncia oficialmente Call of Duty Modern Warfare 2

Activision Blizzard y el desarrollador Infinity Ward revelaron que Call of Duty: Modern Warfare 2 será la próxima entrada principal en la franquicia de larga duración. El título de Call of Duty de este año llevará a los jugadores de vuelta al lado de Modern Warfare de la franquicia. El anuncio no solo confirma el título, sino que también revela el tratamiento del logotipo del próximo…

[inventiba]

Google “secuestró millones de clientes y pedidos” de restaurantes, dice demanda

Google está siendo demandado por un grupo de restaurantes de Florida que alega que la compañía de tecnología ha estado configurando páginas no autorizadas para capturar pedidos de alimentos en lugar de dirigirlos al sitio del restaurante.

Google utiliza tácticas de "cebo y cambio" para que los clientes realicen pedidos para llevar o para llevar a través de "páginas web nuevas, no autorizadas y con marcas engañosas", según la demanda, presentada en nombre de Left Field Holdings, una empresa de restaurantes que administra Lime. Franquicias Fresh Mexican Grill. En esas páginas, a los clientes se les solicita con botones grandes que ordenen con empresas de entrega de alimentos como GrubHub, DoorDash o Seamless.

“Google nunca se molestó en obtener el permiso de los restaurantes para vender sus productos en línea”, dice la demanda. “Google diseñó a propósito sus sitios web para que al usuario le parezca que el restaurante los ofrece, los patrocina y los aprueba, cuando no es así, una táctica, sin duda, empleada por Google para aumentar los pedidos y los clics”.

En una declaración a Ars, Google cuestionó "las representaciones erróneas de nuestro producto" y dijo que se defendería de la demanda. “Nuestro objetivo es conectar a los clientes con los restaurantes en los que quieren pedir comida y facilitarles que lo hagan a través del botón 'Pedir en línea'”, dijo a Ars el portavoz José Castañeda. “Proporcionamos herramientas para que los comerciantes indiquen si admiten pedidos en línea o prefieren un proveedor específico, incluido su propio sitio web de pedidos. No recibimos ninguna compensación por pedidos o integraciones con esta función”.

Adquisición de Google

El botón "Pedir en línea" parece ser el resultado de una adquisición de Google conocida como "La aplicación de pedidos", un sitio que originalmente se comercializó para restaurantes. “La aplicación de pedidos es una plataforma de pedidos en línea, impulsada por Google y diseñada específicamente para restaurantes para ayudar a los clientes a realizar pedidos de manera más fluida desde el perfil comercial de Google”, dice la página de Salesforce del producto. Si bien The Ordering App se configuró inicialmente para tomar un porcentaje de las ventas, Google lo renunció "para ayudar a apoyar a los restaurantes afectados durante la pandemia de COVID-19".

No está claro cuándo la aplicación de pedidos o el botón "Pedir en línea" cambiaron de táctica o si alguna vez lo hicieron; hay muy poca información sobre la adquisición o el producto que es público, pero la demanda alega que en algún momento Google decidió comercializarlo para alimentos. empresas de reparto en lugar de restaurantes.

Antes de que apareciera el botón "Pedir en línea", las páginas de resultados de búsqueda de Google para consultas de restaurantes se parecían a muchas otras: una lista de resultados orgánicos acompañados de anuncios de texto. Luego, en 2019, Google comenzó a implementar el nuevo botón, que aparece de manera destacada en lo que la compañía llama el Perfil comercial, una recopilación de información sobre una empresa que aparece junto a los resultados de búsqueda.

Cuando los usuarios hacen clic en el botón "Ordenar en línea", son dirigidos a una página que en muchos casos contiene grandes enlaces a empresas de entrega de alimentos, con sus logotipos completos. El propio sitio del restaurante también tiene un enlace, aunque es un botón pequeño y genérico de "sitio web". En algunos casos, Google proporciona una interfaz para armar un pedido, completa con precios y descripciones de los elementos del menú. Las empresas que han completado la configuración de "Pedido en línea" con Google también pueden dirigir a los clientes a sus propios servicios de pedidos en línea. Sin embargo, debido a que los sitios de pedidos de muchos restaurantes están a cargo de terceros, es posible que esos enlaces no contengan el nombre de un restaurante. En el caso de Cambridge, Massachusetts, cafe Flour Bakery, por ejemplo, la opción de ordenar directamente aparece como “thelevelup.com”.

Si los restaurantes no han completado la configuración, Google parece crear una página de todos modos. No está claro cómo sucede eso, aunque es posible que la aparición de un restaurante en una aplicación de entrega sea lo que lo desencadene. Sin embargo, eso no siempre es una señal de una relación comercial entre el restaurante y la empresa de entrega de alimentos. Muchas empresas de entrega de alimentos han sido demandadas por agregar restaurantes sin su consentimiento.

“El botón de 'Ordenar en línea' de Google conduce a una tienda en línea no autorizada, propiedad y controlada por Google, en la que los consumidores pueden realizar pedidos de los productos del restaurante, todo bajo el nombre comercial del restaurante”, dice la demanda. “Google destaca el nombre comercial del restaurante en la parte superior de la página, arriba de la dirección y el menú del restaurante, para dar al usuario la clara impresión de que la tienda y los productos están autorizados y patrocinados por el restaurante, cuando no lo están”.

Tarifas de la aplicación de entrega de alimentos

Si el restaurante tiene una relación con la empresa de entrega de alimentos, se le cobra una tarifa. Estas tarifas pueden ser tan altas, del 15 al 30 por ciento en muchos casos, que el restaurante no tiene ninguna esperanza de obtener ganancias del pedido. “La motivación de un restaurante para asociarse con un Proveedor de entrega casi nunca es obtener ganancias de los pedidos recibidos del Proveedor de entrega”, dice la denuncia. "Más bien, el objetivo habitual de un restaurante es captar nuevos clientes que luego pueden hacer pedidos con el restaurante fuera de las costosas plataformas de los proveedores de entrega".

Pero, dice la demanda, debido a la forma en que está diseñada la función "Pedido en línea" de Google, limita las posibilidades de que los restaurantes tomen pedidos directamente.

Dada la cantidad de restaurantes en los EE. UU., los abogados que representan a Left Field Holdings están solicitando una demanda colectiva y dicen que creen que hay "decenas de miles" de posibles demandantes. “Desde el lanzamiento de su Storefront no autorizado, Google ha secuestrado millones de clientes y pedidos”, alega la demanda.

FUENTE.

[ghostbusters-ellegado]

'Ghostbusters: Afterlife': fecha de lanzamiento, tráiler, trama, elenco y todo lo que sabemos hasta ahora

Han pasado más de cinco años desde que vimos ese logotipo familiar con la barra roja sobre un fantasma de dibujos animados y sentimos la nostalgia muy específica del tema musical de los Cazafantasmas . El reinicio de 2016 de la comedia clásica de 1984 reinventó al equipo de lucha de fantasmas como todas las mujeres, dando a las encantadoras estrellas Kate McKinnon , Kristen Wiig , Melissa McCarthy y Leslie Jones la oportunidad de salvar al mundo con los mismos monos icónicos que Bill Murray , Dan Aykroyd. , Harold Ramis y Ernie Hudsonusaba décadas antes para enfrentarse a sus propios ghouls. Si bien la adaptación contó con cameos de algunas de las estrellas originales, fue una clara ruptura con la visión tradicional, una ruptura que, tal vez como era de esperar, polarizó entre la base de fans de la película del 84.

Ahora es 2021, y el estribillo '¿a quién vas a llamar?' una vez más está configurado para ser respondido. Esta vez, la producción creativa de la película se queda más cerca de casa. Como en el hogar. La nueva entrega, Ghostbusters: Afterlife será dirigida por Jason Reitman , el hijo de Ivan Reitman , el director de la película original de Ghostbusters . Además, Ivan Reitman actuará como productor. Cazafantasmas: otra vida no es un reinicio del original ni una secuela de la última entrega. En cambio, una vez más traerá de vuelta algunas de las caras más queridas y familiares de la franquicia mientras avanza el concepto hacia una nueva narrativa claramente contemporánea. Desde su equipo creativo hasta su audiencia multigeneracional y su base de fans, los espectadores deben esperar que la película evoque un agarre sentimental poco común.

Primero, mira el tráiler de Ghostbusters: Afterlife :

Si aún no estaba entusiasmado con los superpoderes nostálgicos de la próxima película, lo estará después de ver este avance. Lo tiene todo: demonios contemporáneos, nuevos misterios, Stay Puft Marshmallow Men animados y Finn Wolfhard luchando contra otra entidad paranormal.

¿De qué se tratará 'Ghostbusters: Afterlife'?

Por lo que parece, esta reinvención no será una repetición de la misma trama con diferentes personajes, y no continuará con ninguno de los hilos establecidos por el reinicio de 2016. En cambio, la historia retoma en el presente con una madre soltera ( Carrie Coon ) y sus dos hijos (Finn Wolfhard y Mckenna Grace ) siendo desalojados de su casa. Sin otras opciones, la familia se muda a la ruinosa casa de campo en Oklahoma que les dejó el difunto abuelo de los niños.

Cuando la familia llega allí, se enteran de que la pequeña ciudad ha sido escenario de frecuentes e inexplicables terremotos. Estos terremotos, no entendidos en términos científicos por nadie que los estudie, despiertan el interés de los niños y, mientras trabajan para comprender las condiciones de su nuevo hogar, descubren su propio linaje.

Resulta que su abuelo les estaba guardando algo más que un edificio antiguo. Los niños son los descendientes del Dr. Egon Spengler ( Harold Ramis ) de la tripulación original de los Cazafantasmas , un grupo cuyo legado ha caído en la oscuridad desde entonces. Depende de la nueva generación descubrir los misterios del pasado y utilizar el equipo antiguo para hacer frente a la crisis sobrenatural que azota a su pequeña ciudad de Oklahoma. El tráiler tiene un tono nostálgico, entretejiendo el audio de la película original con actores jóvenes y contemporáneos que se preparan para tomar la antorcha de la amada comedia espeluznante que es su herencia.

¿Quién protagonizará 'Ghostbusters: Afterlife'?

Cualquiera que siga la franquicia Stranger Things no se sorprenderá de que Finn Wolfhard haya sido elegido para el papel del nieto de un antiguo cazafantasmas, ya que ha demostrado encajar perfectamente en esta marca particular de aventuras sobrenaturales de los años 80. McKenna Grace, a quien los espectadores reconocerán de The Haunting of Hill House y Malignant , interpretará a la hermana y compañera de Wolfhard para descubrir los misterios del pasado de su familia y cómo esta información puede utilizarse para impactar el presente.

La película también está programada para presentar a Paul Rudd , quien es otra elección natural, ya que sería perdonado por pensar que no ha envejecido un solo año desde 1984. El elenco principal incluye a otros recién llegados al universo de los Cazafantasmas , incluido Logan Kim , anteriormente. visto en Home Movie: The Princess Bride , una nueva versión de The Princess Bride filmada en capítulos separados durante la cuarentena, y Celeste O'Connor , quien interpretó a Paloma Davis en Selah and the Spades .

Además de estos nuevos niños, y el siempre joven Paul Rudd, los fanáticos estarán encantados con la dedicación de la película para rendir homenaje a los personajes, actores y temas fundadores de la historia. Con este fin, Ghostbusters: Afterlife contará con los miembros del elenco original Bill Murray como el Dr. Peter Venkman, Dan Aykroyd como el Dr. Raymond Stantz, Ernie Hudson como el Dr. Winston Zeddmore, Sigourney Weaver como Dana Barrett y Annie Potts como Janine Melnitz.

Desde que Harold Ramis, cuyo personaje original del Dr. Egon Spengler es el punto de inflexión paterno entre los niños y el legado de los Cazafantasmas, falleció en 2014, aparecerá en la película a través de imágenes de archivo y fotos que fueron tomadas de ambos Cazafantasmas (1984). ) y Cazafantasmas II (1989). La yuxtaposición de estas representaciones separadas del elenco original configura la película para ser una combinación poética de un elogio y una nueva vida para el equipo, asegurando que el destino sufrido por los Cazafantasmas en el universo ficticio de Afterlife nunca sucederá en el mundo real. mundo. No hay posibilidad de olvidar al equipo de héroes de lo paranormal vestidos de conserjería mientras haya otra generación de personas para responder a la llamada.

¿Cuál es la fecha de lanzamiento de 'Ghostbusters: Afterlife'?

Como cualquier fan de los Cazafantasmas te dirá, ha sido un largo camino hasta este lanzamiento. Además del reinicio de 2016, ha habido una asombrosa falta de contenido de Cazafantasmas desde los años 80 con trampas en el camino que retrasan la tercera secuela.

Esta nueva iteración es una verdadera alineación de las estrellas; obtuvo la aprobación y el apoyo de todos los miembros del elenco originales vivos, se creará de acuerdo con la visión artística de Reitman y también avanzará hacia el avance de la película hacia la próxima generación a través de un elenco diversificado y una narrativa renovada que plantea preguntas de cómo utilizamos el conocimiento de nuestros antepasados ​​para combatir la devastación social generalizada.

Si bien la película tuvo un lanzamiento suave (sin previo aviso) en CinemaCon el 23 de agosto de 2021, su fecha de lanzamiento en los Estados Unidos ha sufrido varios retrasos debido a COVID. Originalmente programado para salir el 10 de julio de 2020, la película se trasladó primero al 5 de marzo de 2021 y luego al 11 de noviembre de 2021, antes de ser aplazada una vez más al 19 de noviembre de 2021. Si bien todos estos retrasos y contratiempos no fueron planeados. , el estreno de la película coincidiendo con el Día de Acción de Gracias se siente fortuito. Centrándose en temas de familia, linaje y un intento saludable de respetar los orígenes y la visión fundacional de un género, Ghostbusters: Afterlife será la visualización perfecta para la temporada navideña.

Es importante tener en cuenta que la película se lanzará exclusivamente en salas de cine, por lo que los fanáticos que se apegan a las plataformas de transmisión en casa tendrán que esperar más antes de que esté disponible en la pantalla pequeña.

¿Qué pasa con Stay Puft Marshmallow Man?

Sí, el infame Marshmallow Man está regresando.

Hay una escena en el tráiler que muestra a Paul Rudd caminando por el pasillo de una tienda de comestibles y viendo a docenas de pequeños e individuales Stay Puft Marshmallow Men que se animan, se despiertan y comienzan a salir de sus paquetes de plástico. Puede que este no sea el elemento más importante a incluir, pero tampoco es la reliquia más importante para llevar adelante en esta nueva imaginación de la historia.

[ultraequipo6]

An Icy Green

Nombre del producto y marca: El nombre de nuestro producto se llama “An Icy Green” por lo que nuestra marca se llama “El Pequeño Iglú”.

Logotipo:

Eslogan:

Congela y dale sabor a tus momentos estudiando con “An Icy Green”.

  Misión: Somos “An Icy Green” y nuestra misión para esta microempresa es dar un mejor cambio en la vida académica de todos los estudiantes, ya que nuestro objetivo es lograr que deje de ser difícil tener un buen rendimiento académico y el memorizar cosas. De igual forma, lograr que las personas que estudian logren tener las vitaminas y minerales necesarias para que poco a poco logren un cambio en su vida académica.

Materia de desarrollo

Modelo CANVAS:

Prototipo:

Infografía:

Comercial de “An Icy Green”: https://www.facebook.com/anicy.green/videos/5609556392420123/

Pagina oficial: https://www.facebook.com/anicy.green

Franquicias y fuentes de finciamiento: