#teatro odiseo

[pasosdecomedia]

⚡MicroTeatro Rosario: Tincho Zaragoza • 1 Horita de stand up • Sábado 24 de Junio.

El comediante rosarino hace parte de sus actuales monólogos con materiales nuevos de su próximo (y cuarto) unipersonal.A punto de cumplir 10 años haciendo stand up presenta un show donde renueva su mirada humorística sobre distintos temas, vivencias y obsesiones. Tincho Zaragoza es comediante y coordinador de clases de stand up.Es la cara humana detrás del proyecto “Pasos de Comedia”, escuela y…

[twelvemonkeyswere]

Mi adaptación ideal de la Ilíada es una miniserie, con versiones realistas de las batallas, ropas, costumbres, y tecnología de los aqueos y troyanos, pero mezclada perfectamente con la grandeza de los dioses, criaturas, y eventos sobre naturales (que existen 100% en el universo, porque no somos cobardes).

Abrimos el primer episodio con un montaje como con cuatro personas diferentes, todas en diferentes épocas. Algún estudiante en una cafetería en el siglo xxi, leyendo para un curso; una institutriz en una casa Victoriana, a punto de educar dos niños; una adolescente en los años 70s con sus amigas, practicando declamaciones para una obra de teatro; y un señor ciego en un mercado de lo que hoy es Turquía, en el 7mo siglo AC. Alguien le da una moneda para que cante. Vemos a los tres primeros personajes abriendo un libro, y leen en voz alta lo que el último recita. "Canta, oh musa, la cólera del Pélida Aquiles..." y luego empezamos la historia.

Abarca tres temporadas porque la primera es la Ilíada, la segunda la Odisea, y la tercera la Eneida. Todos los actores son escogidos desde el inicio, y la serie se planea y se escribe para que ya sepamos bien quién es Odiseo y quién es Eneas para cuando se vuelven los protagonistas.

Y lo único que no negocio es:

Briseida tiene personalidad propia, no se enamora de nadie

el río Escamandro se levanta a pelear cuando queda atestado de cadáveres y si se nos va el presupuesto pues se nos fue

en ningún momento vemos el caballo de Troya. La primera temporada termina como el poema, y en la segunda sólo hablamos del caballo, nunca lo vemos ni en flashbacks.

Digo, para que todos tengan la experiencia que yo tuve leyendo la Iliada por primera vez jajaja.

[la-neta-del-planetaa]

EL TERROR TRASPASA LA PANTALLA

Por: Alexia Paola Pérez Morgado 

La dama de negro dramaturgia de Stephen Mallatratt y Susan Hill se presenta en el teatro Ofelia ubicado en Av. Thiers 287, Anzures, Miguel Hidalgo, 11590 Ciudad de México todos los viernes a las 20:00 horas, sábados a las 18:00 y 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas. Los actores por más de 26 años han logrado sacarle el grito a miles de espectadores. 

Me tocó asistir a la función 7294 la cual me llenó de sorpresa pues con solo dos actores en escena logran cautivar y espantar al público por más de 1 hora 45 minutos.

 La historia comienza con Arthur Kipps (Odiseo Bichir) un vendedor de seguros que quiere contar la historia que no lo ha dejado dormir por años. Busca que su historia sea conocida ante un grupo grande de personas con ayuda de John Morris (Benjamín Rivero) un exitoso director de teatro. John Morris (Benjamín Rivero) el director le dará vida al papel de Arthur Kipps (Odiseo Bichir) para que sea más creíble ante el público pues Arthur Kipps (Odiseo Bichir) no tiene la experiencia actoral que se requiere. 

A lo largo de los ensayos el director John Morris (Benjamín Rivero) cada vez más siente empatía sobre Arthur Kipps (Odiseo Bichir) por el lamentable recorrido que tuvo que pasar para encontrar a un cliente dentro de una mansión de la cual nadie le quería brindar información pues conocían la historia de la hermana de Alice Drablow quien no pudo hacerse cargo de su hijo y dio en adopción al matrimonio Drablow hasta que una noche sufrió un accidente el niño muriendo en pantanos que rodean la mansión.

 Así que la hermana de Alice Drablow se enoja y la culpa por la muerte del niño ocasionándose una profunda tristeza así que termina por suicidarse cuyo objetivo es vengar la muerte de su hijo desde una maldición, por cada persona que la mire a los ojos un niño morirá. 

Al estar completamente montada la obra John Morris (Benjamín Rivero) le agradece el empeño y la entrega a Arthur Kipps (Odiseo Bichir) pues la puesta escena está lista para ser expuesta al público. Le dice que fueron fabulosos los efectos que puso en la obra y sobre todo la actriz que contrató para interpretar a la dama de negro, cuando Arthur Kipps (Odiseo Bichir) sorprendido y temeroso le dice que él la neta del planeta no contrató a nadie y se dan cuenta que La dama de negro nuevamente hizo su aparición y va por la hija del director John Morris (Benjamín Rivero). Si bien el teatro cada vez más le apuesta al cambio gracias a directores como Rafael Perrín quien le apostó al terror.

 Realmente una hora 45 minutos se te pasan muy rápido ya que es una excelente adaptación de la versión cinematográfica La dama de negro (2012) protagonizada por Daniel Radcliffe. Una obra de excelencia actoral que se ha consagrado como una de las favoritas del público, motivo por el cual lo que originalmente sería una corta temporada se extendió a casi 26 años sin interrupción. 

La neta del planeta a pesar de no llenar la sala completamente la gente que va es suficiente para mantener la obra

[bursofia]

La ciudad de los libros

En la Biblioteca Reina Sofía dedicamos nuestro último punto de interés a las ciudades. Hemos seleccionado un conjunto de libros donde la ciudad de un modo u otro se vuelve la protagonista: ya sean obras literarias (novelas, cómic, poesía…) o estudios sobre las ciudades como fenómeno social y humano. Además, en particular, hemos querido seleccionar algunas obras literarias en las que Valladolid es el escenario fundamental.

El tema no es baladí, y es que la escritura y las ciudades, así como la creación de espacios para la conservación de esos registros escritos (que corresponde a lo que hoy denominamos archivos y bibliotecas), tienen orígenes compartidos: los primeros escritos los encontramos en las antiguas ciudades Mesopotámicas, y desde entonces han ido evolucionando y transformándose a la par a lo largo de la historia.

En la Antigua Grecia, la tradición literaria se inicia ya con Odiseo tratando, contra titanes y cíclopes, retornar a su Ítaca tras la guerra de Troya. Más tarde, los filósofos dedicaron sus escritos y reflexiones a la pólis, sometiendo a crítica la existente, tratando de discernir cómo sería la ideal. También en el teatro la vida urbana ocupa un papel clave: Arístófanes parodiando a dos expedicionarios que vuelan fuera de Atenas tratando de fundar una nueva ciudad donde vivir felices, Antígona desafiando las leyes de la pólis y otros tantos personajes expulsados de sus límites…

Dando un salto de siglos, la novela también nace y crece con el bullicio de las ciudades modernas, donde los procesos de industrialización atraerán a ingentes cantidades de población. Los escritores, deambulando por las calles, perdidos entre las masas, resguardándose en los cafés y nutriéndose en las bibliotecas que se abrían al fin al público, se afanarán por capturar ese nuevo rostro colectivo, las grandes esperanzas y las ilusiones perdidas que generaba.

Hay libros que sitúan sus ciudades en el mapa y que trazan mapas de las mismas, permitiendo descubrir recorridos e historias que de otro modo nos resultarían invisibles. Rescatan su alma, más allá de las calles y los edificios, y es que al fin y al cabo, una ciudad se compone de miles de relatos, que se tejen día a día, entre sus habitantes.

Pero al mismo tiempo los libros también transforman e influyen en la historia y la vida de las ciudades. Incluso ellos mismos erigen algunas: ciudades inventadas, soñadas, deseadas, infiernos terrenales… utopías y distopías, cuya influencia ha inspirado a su vez sin duda a proyectos urbanos y arquitectónicos, y ha dado forma a nuestras más hondas expectativas y temores respecto a las ciudades que habitamos.

Por otro lado, como se dijo respecto a los filósofos antiguos, la escritura también es lugar de detención y reflexión. Los libros nos acercan a las ciudades, pero también nos permiten tomar distancia y perspectiva. Algo más urgente que nunca ante todos los retos a los que se enfrentan hoy las urbes del mundo (la desigualdad, el cambio climático, el deterioro de los vínculos sociales…).

Así, los libros nos permiten, a través de sus páginas, recorrer ciudades, huir de la propia, y en ocasiones nos impulsan a movernos del sitio y visitarlas, o a volver sobre la misma con otros ojos (y andares), viajes que a su vez, en ocasiones, se transforman en nuevos relatos que dejan huella sobre el papel.

Podemos pensar entonces en la biblioteca, con sus estanterías rebosantes, como un territorio en que se conjugan otros muchos pertenecientes a tiempos pasados, presentes y futuros, así como posibilidades nunca cumplidas.

Decía María Zambrano que:

“una ciudad sin escritores queda vaciada de su esencia de ciudad, y aparece como un complejo aglomerado, como algo que puede cambiarse, trasmutarse o desaparecer sin que su vacío se note. Una ciudad sin escritor es un templo vacío, una plaza sin centro, o quizá con el centro desplazado y puesto al margen, esquinado, para dejar su lugar, todo el lugar, a algo cuyo nombre no está siquiera bien catalogado, algo para lo que, en realidad, no hay palabra”.

Lo mismo podríamos decir de las bibliotecas, encargadas de custodiar la memoria de una ciudad, y de otras miles, como si de una ciudad en sí misma se tratase, compuesta entre sus estantes y pasillos, liberada de fronteras espaciales y temporales, de infinitas ciudades.

Terminamos, así, con una invitación a que recorráis vuestra ciudad hasta esos espacios esenciales de la misma que son las bibliotecas y empezar, entonces, tras su puertas, el descubrimiento de otras tantas urbes por recorrer.

Texto: Alba Baro Vaquero

[kinocube]

...máis alta é a caída.

Nesta ocasión teño que poñer un letreiro ben grande e ben vermello de advertencia: agardade GRANDES SPOILERS no vídeo introdutorio deste episodio, pois o arquetipo do que imos falar esta semana sitúase habitualmente no clímax narrativo das películas, nas derradeiras escenas, no grande final. Podedes, iso si, ler o artigo sen perigo. Tratarei de evitar revelacións incómodas respecto a filmes concretos ao longo do texto.

Como mencionamos ao comezo, o arquetipo desta semana adoita materializarse, consagrarse, no clímax narrativo dunha película; mais non se limita a esta escena climática pois, para ser efectivo, ten que cociñarse a fogo lento todo o filme. Refírome a que este arquetipo está vinculado a unha tipoloxía de argumento, unha das bases principais sobre o que erguer unha trama: falamos do rise and fall, do ascenso e a caída dunha personaxe que chega ao máis alto –consegue cartos, éxito, poder ou calquera outra cousa coa que as sereas seducisen aos mariñeiros de Odiseo– para a continuación fracasar –habitualmente pola súa propia man– e perdelo absolutamente todo, ficando na miseria. O que nos leva a unha escena na que a personaxe, ao bordo da loucura, se decata da súa perda e se laia do seu destino.

Este tipo de argumento xa estaba presente nas narrativas previas á concepción do cinematógrafo. É unha das tramas narrativas, de feito, máis antigas da humanidade! O motivo? Que se trata dunha trama moi realista, tanto que é adxudicable ás vidas da meirande parte de líderes cuxa sona atravesou as primeiras civilizacións que, mediante o uso da escritura, fixaron a súa historia: Alexandre Magno, Cleopatra, Atila, Xulio César, Pericles, Nabucodonosor... a poesía épica construíu dende o comezo relatos e epopeas sobre heroes que chegan ao máis alto para perdelo todo da maneira máis cruel, case sempre polos seus propios erros, como Gilgamesh, Heracles ou Edipo. Efectivamente, o arquetipo do ascenso e a caída está imbricado no propio camiño do heroe ou monomito que serve de base a moitísimas historias, dende o Novo Testamento bíblico até Star Wars. Mais, namentres o camiño do heroe adoita transcender o momento da caída para facer resurxir ao protagonista, as historias de ascenso e caída que máis nos gustan no cinema nunca permiten ás personaxes erguerse de volta, facéndoos sucumbir sen remedio.

E ben, cando a túa personaxe é ruín, ambiciosa, sen escrúpulos, de baixa fibra moral, o seu é deixala na miseria para facer ao espectador aprender dos erros da personaxe e, en definitiva, sacar conclusións morais e ensinanzas sobre como vivir en sociedade e ser unha boa persoa. Atopamos antecedentes de ascenso e caída de personaxes negativas e perversas, ou incluso de personaxes grises que presenten características positivas canda as negativas –facendo aínda máis interesante o relato– no teatro isabelino ao que me remito constantemente nesta bitácora, no teatro de Shakespeare e os seus reis caídos en desgracia –Lear, Ricardo III, Macbeth– ou os seus heroes tráxicos –Hamlet–. E como sabemos que o cinema desborda de Macbeths e Hamlets, por suposto, o noso arquetipo mantense sempre á moda.

Logo tamén é curioso que, aparte das propostas cinematográficas que teñen claros referentes en argumentos xa coñecidos antes da invención do cinema –a historia de Cleopatra e Marco Antonio ou a de Macbeth contan con novas versións fílmicas case cada década–, o arquetipo do ascenso e caída dunha personaxe poderosa lévase ben con determinados xéneros –o noir, concretamente o cine de gangsters–, determinados cineastas –a Martin Scorsese isto dáselle de marabilla– ou actores e actrices aos que se lles da especialmente ben retratar a xente que cae dende o máis alto –Bette Davies ou Leonardo DiCaprio–. E tamén falo de actrices porque este arquetipo, ao contrario que outros que xa temos comentado, non entende de xéneros –máis que xéneros cinematográficos, claro–, de idades ou de clases sociais. Iso si, hai que ter en conta que este arquetipo tamén se utilizou para impoñer determinadas moralidades e a míudo –que non sempre– as personaxes femininas ou de clases sociais pouco privilexiadas sufrían a caída como castigo por saír das normas sociais.

Saíndo do afán moralista que pode supoñer o uso e o abuso deste arquetipo, o realmente interesante é a representación da acumulación de poder e suntuosidade que leva ás personaxes a crer na súa invulnerabilidade, sexa nunha carreira profesional, criminal, de ascenso social ou político; e o momento da caída, nunha escena patética –no seu senso orixinal, derivado do pathos que definían os gregos– na que a personaxe, a soas, remata de quebrar. Persoalmente, adoro este tipo de escenas porque non precisan palabras, diálogos, voces over ou tretas de ningún tipo para explicar o estado no que se atopa a personaxe. Cunha soa ollada ou cun silencio, apoiado no contexto da trama, sabemos perfectamente o que está a ocorrer. É a mestría da metonimia.

Ficarían máis cousas no tinteiro, como a relación deste arquetipo co cinema de gangsters americano, a Gran Depresión e o código Hays, mais imos deixar aquí o punto e final, pois non será a derradeira vez que mencionemos este arquetipo tan antigo como a arte de contarnos historias. Estade atentos porque, nesta nova tempada, estamos a trazar un camiño cara un lugar concreto.

Até o vindeiro episodio!

[vi-sios]

Manifiesto para que me mientas.

El dragón inmóvil Los cangrejos famélicos La presa El rey de espadas La contradicción constante La negligencia deliberada El otro yo El despertar sin culpa El despertar con culpa Tu abrazo/ su abrazo/ nuestro abrazo

El ajedrez antes de los dados El destino como una madeja Penélope tejiendo Penélope enredada en su madeja Y Odiseo perdido en el mar

El beso en el otro Los ojos rápidos La palabra viscosa La mentira constante El beso nuestro El no-beso El no-nuestro

La mentira como escupitajo El escupitajo como acto sexual La mentira como acto sexual El acto sexual como una mentira El acto/El teatro/la mentira

Repudiar la violencia física Amar la violencia del cambio El dejar de amar La coyuntura constante

Sólo lo inútil es bello

Una botellita de cianuro por la mañana Tu mano en el pantalón de otro La mentira como forma de vida

Sólo lo inútil es placentero

Un poco de arsénico para merendar Gozar la violencia lúdica y temer la bofetada El puñetazo La piedra que mata Repudio a David y su honda Repudio a Goliat y su fuerza "Ven a mí, y daré tu carne a las aves del cielo y a las bestias del campo" Repudio a Goliat y sus amenazas

Destroza mi cuerpo Esparce mi carne en el mar Una inyección de ricina por favor antes de acostarme junto a ti

Mírame a los ojos y deséame buenas noches.

[jeronimopalomares-stillescenas]

Teatro, memoria visual de: “Los hombres de blanco” (Dir. Jaime Meza), “La dama de negro” (Odiseo Bichir), “Cancer de olvido” (Roberto Sosa), “María Epifania” (Sonia Hernández). 

Jerónimo Palomares

Maestro en Artes Visuales por el posgrado en Artes y Diseño FAD, UNAM, Mención honorífica. Se ha especializado en el ámbito de la fotografía documental, a partir de historias que entrelazan relaciones de ficción y realidad con diversas temáticas de carácter político, antropología de las emociones,  desarrollo sustentable  y medio ambiente.  

Ha hecho foto fija para producciones de cine en el cortometraje “Escopeta”, IMCINE (Dir. Adriana Solis); y teatro en “Los hombres de blanco” (Dir. Jaime Meza), “La dama de negro” (Odiseo Bichir), “Cáncer de olvido” (Roberto Sosa), “María Epifania” (Sonia Hernández), entre otras. 

Sus series fotográficas se han publicado en diversos medios de comunicación en México, Estados Unidos de América y Latinoamérica: Fotocronografias, A cidade em metamorfose (Brasil); SUN Magazine (Estados Unidos de América); La Jornada; Milenio; Cuartoscuro; Biodiversidad, sustento y culturas (Latinoamérica); Cuadernos de Lingüística del Colegio de México; Desacatos;  Tierra adentro  y Punto de Partida.

Acreedor de la Beca Creador con Trayectoria PECDA Sonora en tres emisiones 2023-21-16 y la Beca Jóvenes creadores 2013-14, FONCA. Fue seleccionado oficialmente en la Décima Bienal Puebla de Los Ángeles 2015; obtuvo tres menciones honoríficas en la revista Punto de Partida de la UNAM y un Tercer lugar nacional en Fotografía Antropológica (INAH).

Cel: 55 35 77 73 93. 

jeromares@yahoo.com

[fueradefocomagazine]

EL ZAR + 1915 Artista invitada Lupe EN VIVO 11 DE MARZO - 19 hs HIPODROMO DE PALERMO

LANZAMIENTO DE "PURA CASUALIDAD"

PH: Toto Pons

Grabado en el 2020, es el resultado de grabaciones y desarrollo de canciones tanto a distancia como en persona, donde varios géneros encuentran su equilibrio. Desde el pop más clásico y festivo, como se percibe en "La Declaración", hasta baladas que nos hablan de amor como "Adonde Quieras". Luego, se suman “Huelga de Amor” y “Superstar”, dos temas de mucha energía con estribillos pegadizos, para luego completar el disco con canciones más experimentales e íntimas de beats.

CON UNA FRESCURA QUE LOS CARACTERIZA, EL ZAR, DÚO FORMADO POR FACUNDO CASTAÑO MONTOYA Y PABLO GIMÉNEZ, MANTIENE EL ESPÍRITU DEL POP-ROCK Y ES PARTE DE LA NUEVA OLA ACTUAL DE MÚSICA ARGENTINA EN ASCENSO 

Completan su formación con Bruno Dante en la batería, Francisco Nicholson en el bajo y Mateo Dufour en teclados y programación. Formado en Buenos Aires en el 2016 se han presentado en diversos escenarios de Buenos Aires, Córdoba, Rosario, Mar del Plata y La Plata y han formado parte de los festivales: Lollapalooza 2018, Nueva Generación Córdoba 2017 y 2019, Festival Buena Vibra 2020, Rock en Baradero y Bienal de Buenos Aires 2018. 

En el 2019 realizaron su primer gira por México con mas de 9 conciertos alrededor del país, generando una gran repercusión, compartiendo el escenario del Teatro Metropolitan de Mx con Odiseo y el Lunario del Auditorio nacional junto a Bandalos Chinos. Llevan editados dos discos Círculos (2016) y A los Amigos (2018). Durante el 2019 lanzaron dos singles Año Nuevo y Las Voces. Durante el 2020 adelantaron dos canciones de “PURA CASUALIDAD” La Declaración y Película, que tuvieron récord de escuchas en toda Latinoamérica, especialmente Argentina y México.

ENTRADAS PARA EL HIPODROMO https://www.passline.com

[berrinchesdedanthe]

Retrato de una mujer en llamas: un Odiseo que no quiere volver y una Penélope que teje para ser pintada

Prólogo: las lecturas biográficas son más destructivas que el spoiler. Luego de ver esta película, quedé conmocionado pues es una obra exquisita. Sin embargo, cometí el error de leer un artículo donde se hablaba de datos biográficos que justificaban esta propuesta. 

Las lecturas biografistas que justifican cada elemento de un texto a partir de vínculos con la vida del autor son un cáncer desde hace siglos. No obstante, luego de echar a perder mi lectura, no puedo negar la perfecta ejecución de esta pieza por parte de Sciamma.

Retrato de una mujer en llamas (2019) es una de las películas que estuvieron en Cannes (2019). Sí, ese año en el que ganó una producción surcoreana bastante efectiva. Esta película inicia como inicia The legend of Zelda: Link's Awakening...

El inicio en una playa es bastante recurrente. En este caso, la historia inicia con una Héloïse que aterriza de forma abrupta en una playa. Ella tiene una misión de lo más peculiar: terminar el retrato de una mujer pues eso sellaría el matrimonio pendiente con un hombre que solo se verá al final. Esto es muy importante: los hombres casi no aparecen en la película.

Esta idea de encapsular algo o alguien en un cuadro, el símbolo de conclusión y de compromiso recuerda mucho a lo visto en Retrato Oval de Edgar Allan Poe o bien, El retrato de Dorian Gray de Wilde. En efecto, esta película hará malabares con todos los lugares comunes y con una temática lenta y aburrida. Solo que, no es aburrida y la lentitud mantiene las ganas de que el tiempo no pase.

Esta Penélope no quiere que vuelva Odiseo

Quiero comparar la película con Odiseo pues hay muchas escenas que recuerdan este cuadro clásico. No obstante, en la historia narrada por Homero, la figura está centrada en Odiseo, su viaje y en la desesperación de Penélope. En Retrato de una mujer en llamas (2019) no hay necesidad de su regreso pero siempre está eminente. Además, la criada siempre está tejiendo. No hay huéspedes, el huésped es Marianne y logra conquistar a nuestra Penélope (Héloïse).

Por otra parte, el trabajo voyeurista de Marianne es fenomenal. Es una poética de la creación artística que nos hace recordar a una foto, una prohibida. Hace un tiempo, en un curso de la Universidad nos habían pedido fotografiar gente para usarlas en un estudio sociológico. Fue muy invasivo y retratar a alguien sin su consentimiento es muy delicado.

En la posición del artista, esta recurre a estrategias de tabula rasa y, por último, transcribe su trabajo en la noche. Penélope destejía en la noche, Marianne pinta de noche y no quiere rastros.

En su proceso, ocurre lo que se sabía y nos mantenía en tensión: se da la conexión sentimental. Pero, algo que sobresale de esto es que no hay escenas de sexualización. El erotismo se da desde los pinceles, desde la cercanía, desde los pigmentos, desde la confidencia femenina.

Otra clave de la técnica de la directora, Sciamma, se encuentra en los cuadros. Unos recuerdan a esa intromisión velazqueliana, sitúa en sus enfoques la tierra como principal elemento y, como más importante: no sobra nada.

A este elemento último, se debe agregar que no hay escenas de sexo explícito, no hay transición de pérdida en la despedida de Héloïse y Marianne. Y como destacado, su última escena es una premonición porque, hasta las visiones que tenía Penélope, las tiene Marianne.

Al final de la película, nos encontramos con un epílogo. Marianne extraña a Héloïse y se presenta como cuadro y luego, lejana en un teatro. Es que quizás, hay un antes y después del arte. Quizás, como todas las alertas de textos donde pintar arranca la magia de un algo y muy platónico, la forma y la esencia se distancian.

1:40:43 Marianne: Ven conmigo Heloise: ¿Cuándo sabremos que está listo?  Marianne: En un punto paramos. Está terminado. 

Nunca se sabe cuándo algo está concluso. Solo se abandona. En la escena citada anterior, se muestra un ars poetica. ¿Cuántas veces nos hemos preguntado por el fin de algo?

En fin, Retrato de una mujer en llamas (2019) es quizás una de las propuestas más artísticas, bellas y atropelladoras de Cannes 2019. Es una caricia a la pupila, un holocausto de oleo. #buenprovecho

[hugomaciasmacotela]

En el Majestuoso Teatro de La Paz, de la bella Capital de San Luis Potosí, los Cineastas Potosínos encabezados por Miguel Ángel Díaz, generosamente me Honraron con un Reconocimiento por mi Trayectoria Artística, iniciada en 1952. Gracias a Lalo España, Carlos Ignacio, Odiseo Bichir, Yolanda Ventura y Arturo Peniche, por sus Videos, felicitandome. https://www.instagram.com/p/B5j-BiMjEMi/?igshid=4b4mf0rwlb7m

[pasosdecomedia]

⚡MicroTeatro Rosario: Tincho Zaragoza • 1 Horita de stand up • Sábado 10 de Junio

El comediante rosarino hace parte de sus actuales monólogos con materiales nuevos de su próximo (y cuarto) unipersonal.A punto de cumplir 10 años haciendo stand up presenta un show donde renueva su mirada humorística sobre distintos temas, vivencias y obsesiones. Tincho Zaragoza es comediante y coordinador de clases de stand up.Es la cara humana detrás del proyecto “Pasos de Comedia”, escuela y…

[innuendoelemental]

La Acrópolis en tiempos de Grohl

By Xtián Murr

El rock, como la religión, erige templos: el Country BlueGrass Blues en New York y el Lee’s Palace en Toronto. El rock, que es orden y priorato, hunde bunkers y levanta cuarteles: el Cavern club en Manchester o el Robert Lang’s studio en Seattle. El rock, ese país fabuloso y sin fronteras, está cruzado de avenidas legendarias  y escudos que las resguardan: la famosa Ruta 66 hacia Los Ángeles, la carátula de Abbey road de los Beattles y el Picadilly Circus de The Doors. El rock, ese inmenso distrito con capitales psicodélicas entre las que se encuentran Liverpool, Chicago, Londres, Detroit; esa humosa arquitectura que diseña satélites y submundos como Hitsville, Roxy o Electric Lady, y que conquistó el polo norte con Metallica y asedió Cuba con los Rolling Stones, esta vez se expandió por la noche ática,  y encarnándose en el sonido de los Foo Fighters, invadió un santuario más: el Odeón de Herodes en Grecia.

De ello hace más de seis meses. Dave Grohl y su banda fueron invitados a realizar un capítulo de la popular serie itinerante Landmark’s Live in Concert, la cual se propone adecuar lugares históricos para realizar en ellos conciertos con estrellas de la música del mundo entero. En esta ocasión la agrupación actuaría en la Acrópolis de Atenas, uno de los lugares más impresionantes del planeta por los lugares emblemáticos que en ella se construyeron y la enorme relevancia histórica que tienen. Allí se encuentran el Partenón de Atenas, el Santuario de Artemisa y el Teatro de Dionisio, estandartes de la cultura griega y de la civilización humana.

La presentación de los Foo Fighters es inquietante por lo que hay delante y detrás del escenario: enfrente de la banda hay una barricada de más de diez metros, hecha de gente de carne y hueso dispuesta  a lo alto y ancho del teatro, una inmensa ola humana batiendo sus brazos torsos y melenas. Detrás de la plataforma, a espaldas de Taylor Hawkings, el baterista, se extiende un corredor que suponemos es el que comunica el Odeón de Herodes con el Teatro de Dionisio, lo cual llena el concierto de una mística bastante especial, pues en este último se representaron las obras de los más grandes dramaturgos griegos: Esquilo, Sófocles, Eurípides y Aristófanes. Los movimientos de la cámara que se acerca y se aleja por aquel corredor nos recuerda la vecindad de los espíritus, la energía del pueblo que pervive en sus escaños, la corriente de la tragedia, la revelación de la comedia. Por allí se asoma el perturbado Orestes, Agamenón sin vengar,  las Furias de mirada irritada, Antígona suplicante.

Todo en la acrópolis emite la luz de un pasado mitológico. Es como un museo viviente que hierve de historias, esplendores y cataclismos. Tocar allí, en ese teatro de 1800 años, sobre sus piedras mullidas por la civilización romana, bajo la sombra del Partenón agraviado por el cristianismo y la invasión turca, cerca de aquellos relieves donde se narra la gigantomaquia y la guerra de Troya, entre sus columnas cañoneadas por los venecianos en el siglo XVII, y gritar como lo hace Dave Grohl en el coro de Walk: “I never wanna die, I never wanna die” uniéndose a los daimones, sacerdotisas, héroes, rapsodas y poetas de la antigüedad,  genera todo un efecto sinestésico entre dos realidades aparentemente distantes: la cultura griega antigua  y el hard rock de este siglo XXI. Se fusionan, se acercan en un descubrimiento mutuo en el que no es posible discernir si la música de la banda narra la historia de esas ruinas, o son estas las que tapizan con nuevos sentidos el performance de la banda: descubres de pronto que Times like these habla de los sueños y esperanzas de Telémaco anhelante, que Walk describe la obstinación de un Jasón empecinado en llegar a su destino, que Dirty water cuenta las desazones y meditaciones de Odiseo lejos de casa, que These days recrea el diálogo entre el furioso Aquiles y un ansioso Patroclo, que My hero es un homenaje a Héctor, el domador de caballos, que Best of you es la juramentación moral de un Sísifo condenado y que Everlong es la carta que Orfeo se escribe a sí mismo antes de descender al infierno.

“How loud can we be at the Acropolis?” se pregunta Dave Grohl en determinado momento. Es la misma pregunta que tendríamos que hacernos ante cualquier reto artístico: ¿Cuánto puedo dar en esta obra? ¿Qué quedará de mí después de este libro, de este cuadro, de esta película? ¿Resistirá mi corazón o volará en mil pedazos antes de terminar? Parecen razonamientos de un alienado, de un poseído, preguntas alimentadas por el ego y la fiebre de los desibeles del rock duro. Pero también son las preguntas que trazan la frontera entre el amor por la vida y el culto a la muerte. En esta época de intervencionismo, ocupaciones militares, neonacionalismos y  muros contra el hambre y la amistad, nada mejor que quitar los cerrojos a los prejuicios y disfrutar de aquellas conquistas nunca antes logradas, proteger la antigüedad vaciando en ella lo mejor del mundo moderno. Los guerreros turcos suponían mal que las flotas venecianas no iban a descargar sus municiones contra el santuario de Atenas y fallaron. Casi lo liquidan. Y cuatrocientos años más tarde una generación de amantes de la música se deja la piel sobre esas mismas piedras que sin saberlo, estaban dispuestas desde el principio de los siglos para vibrar con las resonancias del rock’n roll.

Mira el concierto completo aquí:

[ruedapalofuego]

Notas sobre “Buen Entretenimiento” (Byung-Chul Han)

Entre las formas de entretenimiento Kant incluye el “juego de azar”, “tocar música” y “los juegos de asociación mental”, pero resulta problemático que los atribuya al ámbito de las “meras sensaciones”. El disfrute que proporcionan es “una sensación animal, es decir, corporal”. Así pues, el entretenimiento no tiene ningún acceso al conocimiento. Divierte sin ampliar el conocimiento.

El entretenimiento se produce dentro del juicio del gusto, de modo que su objeto no es ni bello ni feo. Es meramente “agradable”. 

(...)

El arte agradable solo sirve para un “entretenimiento momentáneo”. No da nada que pensar.

Kant diferencia el arte agradable del arte bello. Este último sería un arte culto. Aunque el arte bello se decanta hacia el conocimiento, en cuanto que “arte estético” tiene “como intención inmediata el sentimiento de placer”, a diferencia del “arte mecánico”, que solo busca reproducir positivamente el conocimiento. Pero el placer que proporciona el arte bello no es un “placer del disfrute”, sino de la “reflexión” o del agrado, al que antecede un juicio distanciado sobre el objeto. Por el contrario, el “arte agradable” es dominado por el disfrute. Carece de paz y distancia contemplativas, con las que sería posible un juicio.

(...)

La explicación de Kant recuerda aquella extraña glándula pineal de Descartes que ponía en conexión el cuerpo con el alma. Kant parte del supuesto de que “con todos nuestros pensamientos, al mismo tiempo, va unido armónicamente algún movimiento en los órganos del cuerpo”. De este modo, los saltos mentales imprevistos o las inesperadas desviaciones de lo habitual, que son lo que constituye el chiste, ponen los órganos corporales en “vibración”, “que favorece el restablecimiento de su equilibrio y ejerce un efecto benéfico sobre la salud”. El disfrute no viene del “enjuiciamiento de la armonía en las notas o en las ocurrencias chistosas”, sino en la conjunción armónica entre los órganos corporales.

(...)

También la risa es más que una conjunción armónica de las entrañas y el diafragma que suscita una sensación corporal de salud. La risa, que es causada por una desviación de lo habitual, restituye y afianza precisamente lo habitual. Reírse de la desviación significa al fin y al cabo que las normas se confirman. Y reírse de lo distinto siempre significa una confirmación de lo propio, de lo conocido y de lo que nos resulta familiar. Por eso el entretenimiento que divierte se produce también en un nivel cognoscitivo, es decir, en un nivel de sentido. En la risa placentera no solo intervienen el diafragma y las entrañas, sino también una interpretación, un juicio. Justamente el ejemplo kantiano del chiste muestra que, contra lo que él mismo supone, la risa representa un acontecimiento que encierra un sentido. Reírse de lo ajeno siempre implica un sentimiento de superioridad de lo propio.

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La relación de Kafka con el mundo es ante todo de miedo. El miedo hace imposible toda serenidad con el mundo. Su miedo a la muerte se irradia sobre todo. De este modo, también tiene miedo al cambio o a los viajes. La vida, que no es otra cosa que la iluminación de un cadáver, está condenada a un anquilosamiento mortal. El escritor entra en un círculo vicioso e la muerte: tiene miedo a la muerte porque no ha vivido, y no vive porque solo emplea la vida para iluminar al cadáver.

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Para Rauschenberg el arte no se define fuera del mundo, “fuera del ámbito inmanente y puramente mundano”. Su arte es un arte de la inmanencia. No se aparta del mundo. Su arte se caracteriza por una afabilidad serena, por una “ternura” con el mundo: “Cierto. El nivel siguiente es la ternura. Aunque esté pasada de moda, eso no me impide enamorarme de ella”. El arte de la inmanencia de Rauschenberg habita, corona, sublima lo cotidiano, lo efímero, lo finito. Si su arte es en general religioso, entonces se trata de una religión de la inmanencia o de la cotidianidad. Se trata de descubrir la espiritualidad de lo cotidiano, de lo discreto y de lo efímero. El artista hurga en el mundo, se vuelve amorosamente a las cosas cotidianas y narra la historia de ellas:

Me gusta la experiencia de que una camisa se altera cuando se la saca al sol o cuando uno nada con ella o cuando un perro duerme encima. Me gusta la historia de los objetos.

Rauschenberg se distancia continuamente del arte de la trascendencia y de su pathos metafísico y religioso. También le resultaría muy chocante aquella Pasión de la verdad que es típica de Barnett Newman. Según Newman, la tarea del arte consiste en sonsacarle la verdad a la nada”.

Arte significa vida. Vivir significa, y en eso Kafka sin duda tiene razón, renunciar al “autodeleite”. Se trata por tanto de evitar la repetición del yo:

No quiero que mi personalidad se vuelva nítida en la imagen. Por eso siempre tengo puesta la televisión. Y las ventanas abiertas.

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Menos ego significa más mundo. Y menos miedo significa más serenidad. La relajada relación que Rauschenberg tiene con el entretenimiento se basa también en la serenidad con el mundo:

Me gusta la televisión y siempre la tengo puesta. No me gusta cuando la gente cambia constantemente de canal e interrumpen los programas. Prefiero tragarme entero un programa malo.

Rauschenberg señalaría que el entretenimiento también forma parte del mundo, que el televisor es también una ventana al mundo y que por eso lo deja puesto, igual que deja abierta la ventana, para que pueda dar su aprobación al entretenimiento sin ya por ello sucumbir a él. Su lema es no excluir nada:

BARBARA ROSE: Realmente tienes la necesidad de verlo todo e incluirlo todo.  ROBERT RAUSCHENBERG: Creo que se trata exactamente de eso. BARBARA ROSE: Pero también está la necesidad de no excluir nada. Hay que meterlo todo. Incluir en lugar de excluir.

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La nobleza no necesitaba entretenimiento porque no hacía un trabajo regulado. Los eventos que organizaban los nobles, tales como conciertos o representaciones teatrales, eran “más bien actividades comunitarias que entretenimiento”. Si no hay trabajo regulado tampoco hay ocio. Y si no hay ocio tampoco hay entretenimiento. Según esta tesis, el entretenimiento es una actividad con la que se llena el tiempo libre. Después de todo, así es como se define el ocio. Justamente esta definición implícita del fenómeno construye su presunta facticidad histórica. Es paradójico que a la historización, que debería servir para hacer superflua la definición, le anteceda una definición. Más convincente, o por lo menos libre de contradicción, sería la tesis de que siempre hubo entretenimientos; los griegos

no solo representaban teatros, sino que, como hacían los pretendientes de Penélope, tocaban con lira música ligera; y Nausícaa se lo estaba pasando bien con sus amigas jugando a la pelota cuando la ola lanzó a Odiseo a la playa. Las monarquías medievales no solo construían monasterios, sino que también mantenían a bufones.

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El entretenimiento se eleva a un nuevo paradigma, a una nueva fórmula del mundo y del ser. Para ser, para formar parte del mundo, es necesario resultar entretenido. Solo lo que resulta entretenido es real o efectivo. Ya no es relevante la diferencia entre realidad ficticia y real, a la que aún se aferra el concepto de entretenimiento de Luhmann. La realidad misma parece ser un efecto del entretenimiento. 

Al espíritu de la Pasión podrá parecerle que la totalización del entretenimiento es una decadencia. Pero en el fondo la Pasión y el entretenimiento están hermanados. El presente estudio remite muchas veces a su convergencia oculta. No es casualidad que el artista del hambre de Kafka como personaje de la Pasión y su animal hedonista, a pesar de su diferente comprensión del ser y de la libertad, habiten en la misma jaula. Vienen a ser dos figuras que siempre se irán alternando en el mismo circo.

[ocioenlinea]

Pequeños héroes literarios

Este año FIL Niños invita a los chicos a seguir las aventuras de grandes héroes y heroínas a través del arte La Feria Internacional del Libro no sólo es el lugar de encuentro para intelectuales, literatos y amantes de las letras, también es el lugar donde la fantasía, la imaginación y la euforia se puede contagiar a los más pequeños a través de FIL Niños, un área dedicada a la literatura infantil y juvenil con una agenda llena de actividades culturales y científicas al gusto de los jóvenes. Por un lado, encontrarás el área de talleres, separada por rangos de edad que van de los 3 a los 6 años, de los 7 a los 9 años y de los 10 a los 12 años. Este año, los talleres se engloban bajo el tema Escucha el Llamado, aquel momento en el que personajes como Odiseo o Frodo se convierten en leyenda. Al lado de valientes guerreros, los chicos disfrutarán de actividades como teatro en papel, ilustración con plastilina o aprenderán sobre temas como el reciclaje, la migración, género y la tecnología.

Además, dentro del Foro FIL Niños se llevan a cabo espectáculos de distintas disciplinas. Por ejemplo, el día de hoy a las 11:00 h. la compañía enSEÑAteatro llevará a escena la obra Palabra por seña, donde se invita a los niños a hablar a través de sus manos y conocer a la comunidad sorda. Por su parte, este viernes a las 17:00 h. y el sábado a las 13:00 h. se presenta Numa, la guerrera de los vientos, sigue la historia de Numa, que aprenderá a lidiar con el violento espíritu que posee a su amigo. Bombastic y Pájaro son las propuesta de clown para este fin de semana, la primera con funciones el sábado a las 16:00 h. y el domingo a las 19:00 h. y la segunda el sábado a las 11:00 h. y el domingo a las 12:00 y 16:00 h. Finalmente, en el programa musical podremos encontrar Monstrificando la ciudad, un concierto de Danza Monstr! para que los niños bailen, jueguen y sean libres al ritmo del rock el sábado a las 12:00 h. y el domingo a las 13:00 h. mientras que la Orquesta Infantil y Juvenil Lomas del Paraíso ofrecerá un recital instrumental el viernes a las 15:00 h. y el domingo en punto de las 11:00 h. Te invitamos a darte la vuelta por FIL Niños y descubrir otras sorpresas que te esperan en sus pasillos.

Andrea Rodriguez. No. 1107. 301118

[franciscomaldo]

@DemianBichir cumple 55 años √

@DemianBichir cumple 55 años √

Demián Bichir cumple 55 años de edad. Demián Bichir Nájera nació el 1 de agosto de 1963 en Mexico City, Distrito Federal, Mexico. Estuvo casado con la actriz Lisset (1 hijo). Es hijo de la actriz Maricruz Nájera y del director de teatro Alejandro Bichir. Es hermano de los actores Bruno Bichir y Odiseo Bichir. / Fuente inf. IMDb / Wikipedia / Imagen via: Dimitrios Kambouris/ Getty Images

[fueradefocomagazine]

EL ZAR presenta su tercer su tercer trabajo discográfico “PURA CASUALIDAD”

CON UNA FRESCURA QUE LOS CARACTERIZA, EL ZAR, DÚO FORMADO POR FACUNDO CASTAÑO MONTOYA Y PABLO GIMÉNEZ, MANTIENE EL ESPÍRITU DEL POP-ROCK Y ES PARTE DE LA NUEVA OLA ACTUAL DE MÚSICA ARGENTINA EN ASCENSO.

“PURA CASUALIDAD”,  grabado en el 2020, es el resultado de grabaciones y desarrollo de canciones tanto a distancia como en persona, donde varios géneros encuentran su equilibrio. Desde el pop más clásico y festivo, como se percibe en "La Declaración", hasta baladas que nos hablan de amor como "Adonde Quieras".  Luego, se suman “Huelga de Amor” y “Superstar”, dos temas de mucha energía con estribillos pegadizos, para luego completar el disco con canciones más experimentales e íntimas de beats programados y lo-fi como “Salgo Corriendo a Buscarte” y “Película”.

El Zar, dúo integrado por Facundo Castaño Montoya y Pablo Giménez, completa su formación con Bruno Dante en la batería, Francisco Nicholson en el bajo y Mateo Dufour en teclados y programación. 

Formado en Buenos Aires en el 2016 se han presentado en diversos escenarios de Buenos Aires, Córdoba, Rosario, Mar del Plata y La Plata y han formado parte de los festivales: Lollapalooza 2018, Nueva Generación Córdoba 2017 y 2019, Festival Buena Vibra 2020, Rock en Baradero y Bienal de Buenos Aires 2018.

En el 2019 realizaron su primer gira por México con con mas de 9 conciertos alrededor del país, generando una gran repercusión, compartiendo el escenario del Teatro Metropolitan de Mx con Odiseo y el Lunario del Auditorio nacional  junto a Bandalos Chinos.

Llevan editados dos discos Círculos (2016) y A los Amigos (2018). Durante el 2019 lanzaron dos singles Año Nuevo y Las Voces.

Durante el 2020 adelantaron dos canciones de “PURA CASUALIDAD” La Declaración y Película, que tuvieron récord de escuchas en toda Latinoamérica, especialmente Argentina y México.

 FICHA TÉCNICA GRABACIÓN “PURA CASUALIDAD”

Letra y Música: Facundo Castaño Montoya / Pablo Gimenez

Producción: El Zar, Nicolás Btesh

Voz: Facundo Castaño Montoya

Guitars: Pablo Gimenez, Facundo Castaño Montoya, Iñaki Colombo

Bass: Pablo Gimenez, Iñaki Colombo en Superstar

Wurlitzer Keys: Mateo Dufour

Rhodes Keys: Iñaki Colombo

Synths: Mateo Dufour, Pablo Gimenez, Nicolás Btesh

Programaciones: El Zar, Nicolas Btesh

Drums: Bruno Dante Ferro, Maxi Sayes en Salgo Corriendo a Buscarte

Percs: Maxi Saxes

Backing Voices: Esmeralda Escalante, Nicolás Btesh, Facundo Castaño Montoya, Yago Escriva, Carolina Donati

MIX: Nicolás Btesh, Nico Cotton en La Declaración

Mastering: Javier Fracchia

Grabación: Estudio El Mar (Buenos Aires, Argentina)

+ REDES // @elzarmusica         INSTAGRAM  -  SPOTIFY  -   YOUTUBE   -   FACEBOOK

 +ESCUCHA “PURA CASUALIDAD” EN PLATAFORMAS DIGITALES

https://ditto.fm/pura-casualidad

 + VIDEOS

Superstar : https://youtu.be/bwwj3usClRw 

La Declaración : https://www.youtube.com/watch?v=dovRi_LSjzA

Película: https://www.youtube.com/watch?v=wWS84JkSEJo

  Foto por Toto Pons gentileza de Produce Crack