venusnavarro
Blog Personal
🎨Arte Moderno y Contemporaneo 🎨
22 posts
Don't wanna be here? Send us removal request.
Last Seen Blogs
psanandsstuff
PS Anand
smallbcarly
sbc
fundieshaderoom
Fundie Shade Room
kaladinsspear
Stoners Lyceum
Text
Considerado como uno de los padres del impresionismo:
Camille Pissarro
Pintó la vida rural francesa, en concreto los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre.
Tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.
0 notes
Text
Un gran ejemplo de artista atemporal es
Van Gogh
Aunque no obtuvo reconocimiento en vida, su impacto en el arte moderno es innegable. Sus innovadoras técnicas artísticas y su enfoque en la expresión personal influyeron en generaciones de artistas posteriores. Sus pinturas han inspirado películas, libros e incluso piezas de moda.
Fue la encarnación de un artista torturado e incomprendido. El reconocimiento de su obra comenzó un año después de su muerte.
0 notes
Text
¿Qué significa el termino Atemporal?
Muchas veces se dice que una persona es “atemporal” cuando su legado se mantiene vigente aún con el paso del tiempo.
Actualmente , aun tenemos como referencia al arte de periodos pasados.
Pero no solo avarca el arte , tambien puede pasar en vestimenta y maquinas industriales.
0 notes
Text
Bauhaus
Este estudio e investigación sobre la Bauhaus proporcionado por DW, comenzando me hace admirar y tenerlos como un ejemplo de lo que es atreverse a implementar un movimiento artístico a pesar de no ser algo nunca antes visto.
Este estudio me resonó como algo ya investigado anteriormente con respecto al futuro y el modernismo, siempre teniendo en cuenta que por más moderna que sea una creación, siempre tiene que ser funcional para las personas, cosa a la que estoy muy de acuerdo, por que lo moderno no debería ser algo para que reemplace al ser humano, si no que funcione como complemento de ayuda y facilidad para ciertas labores.
Al principio del documental fácilmente pensé que el movimiento Bauhaus más que nada se refería a diseños de muebles y artefactos con medidas adaptadas al cuerpo humano obviamente, sin dejar de lado el diseño, pero a medida que pasaban los minutos le encontré todo el sentido a la palabra Bauhaus a la que definen como “bau” qué significa construir y “haus”, qué significa casa.
Tampoco quiero dejar sin relevancia como adaptaron este movimiento a la caligrafía a la que su diseñador le dio el nombre de “aman” que fue acogido como parte de la ciudad de la que se inspiro en el nombre , la ciudad Amán en Jordania, el diseño va concorde al modernismo y constante cambio que tiene este lugar.
Y si me voy siguiendo mis pensamientos, también vería como casa el cuerpo humano ¿Por qué digo esto? porque el concepto de Bauhaus también abarca la ropa, aunque implementando de forma diferente conlleva toda la estética que tendría un mueble, un artefacto de comida o una casa sus bases son las mismas, que sea simple, limpio, funcional y a la vez moderno.
Este estilo, aunque creado en el año 1919 en Alemania, hizo que se redefiniera la vida cotidiana en algo más simple, limpio y agradable, entendería completamente que no sea el gusto de muchas personas que están acostumbradas a diseños recargados, este estilo va más allá de lo estético en mis propias palabras, este estilo genera un poco de paz y calma después de llegar de las calles, lugares con mucha carga de colores, bullicio y publicidad, ver y poder entrar a un lugar con este estilo presente sería un cambio drástico por el simple hecho que llegarías a un lugar donde todo tiene una función o lógica y todo se complementa con colores que reflejan lo mismo. Simplemente nada falta y nada sobra.
0 notes
Text
LUCIEN FREUD ( 8 de diciembre de 1922 -20 de julio de 2011)
De Berlín, Alemania, considerado el maestro por excelencia del retrato realista moderno, también se le denominaba a su arte como Realismo intenso, era conocido por su enfoque hiperrealista de la pintura.
Es famoso por sus dibujos de desnudos: mujeres gordas que muestran un desparramo de sus miembros, hombres que descubren sus genitales. También las figuras que dibuja llevan su sello, aparecen con venas hinchadas y deformes. L. Freud describe e inmortaliza en sus dibujos la degradación del cuerpo y su decadencia.
En sus propias palabras:
Siempre quise crear drama en mis imágenes, por eso pinto personas. Son las personas las que han aportado dramatismo a las imágenes desde el principio. Los gestos humanos más simples cuentan historias.
Retrato de Sue Tilley, una trabajadora social que pesaba 125 kilos y posó sin ropa tumbada en un sofá del taller del pintor.
Además de numerosos autorretratos, Freud pintó a conocidos y a miembros de su familia, como su madre o sus hijas Bella y Esther, y excepcionalmente a famosos como la reina Isabel II o la modelo Kate Moss.
1 note
·
View note
Text
Biografia resumida de:
RENE MAGRITTE (21 de noviembre de 1898-15 de agosto de 1967)
Fue un pintor surrealista cuyas obras, a diferencia de las de otros artistas adscritos al mismo movimiento, no tenían una inspiración totalmente onírica.
Aporta al surrealismo un ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y espíritu de debate.
Golconda-pintado en el año 1953
La obra del artista belga filtraba la realidad consiguiendo, por un lado, imágenes sorprendentes e ingeniosas, y por otro, el cuestionamiento mismo de esa realidad.
En sus propias palabras: "Para mí la idea de un cuadro es la concepción de una o varias cosas que pueden hacerse visibles mediante mi pintura… La idea no es visible en el cuadro: una idea no puede verse con los ojos".
Mediante su técnica de colocar objetos familiares y triviales, como sombreros de jugador de bolos, tubos e incluso rocas en contextos insólitos, Magritte evoca el misterio y la locura para desafiar la percepción.
En sus cuadros es muy habitual ver juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones además, Magritte manipulaba imágenes cotidianas como un juego con el que explorar los límites de la percepción.
0 notes
Text
Biografía resumida
PAUL DELVAUX (23 de septiembre de 1897-
20 de julio de 1994 )(96 años)
Fue uno de los principales representantes del surrealismo en Bélgica.
La obra de Delvaux destaca por su unidad estilística. El realismo verista de sus obras nos remonta a un mundo onírico, con seres tan aislados y ensimismados, que parecen sonámbulos. Son figuras cuyos ojos no comunican nada, que parecen mirarse a sí mismas y que se sitúan generalmente en escenarios nocturnos.
-La Venus durmiente- pintura de 1944
La técnica de Delvaux es precisa y seca. Su academicismo, voluntariamente anacrónico, acentúa por su falsa ingenuidad el erotismo latente en sus obras. En ellas se representan cuerpos femeninos estereotipados, mudos y estáticos dentro de un marco estrictamente definido, al que a veces se añade una penumbra misteriosa e inquietante, un hombre vestido (tal vez el doble del artista) que les ignora o les mira impasible.
A mediados de la década de 1930, Delvaux descubrió el surrealismo a través de la obra de René Magritte y la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, sintió la «libertad de transgredir la lógica racionalista» a la que hasta entonces se había sentido ligado.
0 notes
Text
La quinta del sordo
Se trata de un conjunto de 14 pinturas al óleo elaboradas directamente sobre las paredes de dos salas de la quinta, el comedor en la planta baja y el gabinete en el primer piso.
En representación de lo que fue el hogar de Goya:
Maqueta construida entre 1828 y 1830, en el Museo de Historia de Madrid.
0 notes
Text
Las Pinturas Negras manifiestan una visión parcial de la España de los años veinte del siglo XIX, de la visión del descontento, de lo irracional, de un visionario que se adelantó a su tiempo. Goya estaba planteando soluciones expresivas propias del romanticismo, del impresionismo y del expresionismo, el carácter excepcional lo convierte en una excepción, dentro del panorama artístico español de su época.
0 notes
Text
Ahora , teniendo las publicaciones anteriores en cuenta puedo adentrarme al tema principal.
¿Por qué tanta oscuridad en el arte de Goya?
Al principio se podria decir que rondaba con este estilo por los encargos que le hacian, pero al final de su vida la serie de las Pinturas Negras se ha apuntado que era como consecuencia de problemas en su salud.
Y parte de todas estas afectaciones fueron debido a la utilización del color blanco albayalde.
Goya decidió exiliarse en Burdeos decepcionado y temeroso de la política absolutista de Fernando VII.
En 1815 y a pesar de haber superado el proceso de depuración por parte de Fernando VII, el Rey lo reemplaza como primer pintor de cámara por Vicente López. Sin duda debía ser la señal inequívoca del desencanto del artista, que había anhelado a lo largo de toda su vida conquistar la corte, su desencanto de la vida política lo llevó a aislarse en su mundo interior, que era irracional, lleno de fantasmas.
Los últimos estudios nos dicen que la sordera y las repetidas crisis que tuvo a lo largo de su vida, fueron debidas a la utilización del color blanco albayalde. Desde que Goya se instaló en Madrid en 1775, el color que con más frecuencia utilizó fue el blanco. Es sabido que Goya gustaba de preparar él mismo los colores, de majar los minerales en su propio estudio, el blanco albayalde se ha descubierto que tiene una alta proporción de plomo, la inhalación del plomo produce envenenamiento, y la sintomatología que presentaba Goya en sus sucesivas crisis coincide con la del envenenamiento por inhalación de plomo.
0 notes
Text
Siguiendo con el tema de el Blanco Abayalde, leyendo sobre este tema encontre una fotografía de una lata que contenia este pigmento.
Lata de “Dutch Boy”, pintura elaborada a base de blanco de plomo como pigmento y aceite de linaza.
Utilizada en el siglo XVIII, se usaban para repintar los cascos y los pisos de los barcos de la Marina Real inglesa, para impermeabilizar las maderas y limitar la infestación de gusanos de mar.
Desde 1978 en Estados Unidos se ha prohibido la venta de pinturas que contuviesen más de 90 partes por millón de plomo, y restricciones similares rigen en diferentes países.
0 notes
Text
Antes de escribir sobre un pintor al cual admiro, quiero primero escribir sobre el cual posiblemente sea la razón del final de sus días.
Blanco Albayalde
Fue el único blanco utilizado en las pinturas de caballete europeas hasta el siglo XIX, cuando su contenido venenoso de plomo restringió su fabricación y venta como pigmento de artista.
El blanco de plomo es el de secado más rápido de todos los blancos debido a la acción de secado del pigmento de plomo sobre el aceite.
Según registros, esta era la forma de obtener este color:
Fundición de plomo metálico en forma de hebillas finas y corroído con ácido acético en presencia de dióxido de carbono. Esto se hacía colocándolos sobre ollas con un poco de vinagre (que contiene ácido acético). Éstos se apilaban y se cubrían con una mezcla de estiércol en descomposición y corteza de curtidor, que suministraba el dióxido de carbono, y se dejaban durante seis a catorce semanas, momento en el que el plomo azul-gris se había corroído en blanco de plomo.
Las vasijas de barro se llevaban a una mesa de separación, donde al rasparlas y golpearlas se eliminaba el blanco de plomo de las hebillas. Uno de los beneficios del proceso fue que no fue necesario secar la pasta del compuesto de plomo, eliminando su agua. Todo lo que se necesitaba era moler la pasta con aceite de linaza, y el blanco de plomo tomaba el aceite y eliminaba el agua residual, para dar la correspondiente pintura en aceite.
0 notes
Text
Obra personal para proyecto universitario
Título de la obra: La Traición
Luego exponer sobre dos grandes pintores de cubismo, Fernand Leger y Filippo Tommaso Marinetti, quise ponerme a prueba con este boceto de lo que sería mi obra.
Inspirada en la situación actual que afecta de manera enorme al medio ambiente, presento “La Traición” la mujer como representación a lo que nosotros llamamos como “la madre naturaleza” teniendo la inocencia y el amor hacia el hombre confiando ciegamente en él, por eso a ella la presento de espaldas hacia el hombre, y por otra parte, el hombre que sabiendo el daño que le hace a la madre naturaleza, muestra su tristeza y la ataca por la espalda. Como último punto, las flores amarillas, las agregué como una representación espiritual sobre la lealtad, la inteligencia y la sabiduría.
-Pintado con lapices de colores sobre papel de 160gm.
1 note
·
View note
Text
“ Un nuevo mundo requiere de una creatividad que organice el caos.”
Esa era la mentalidad de:
Fernand Léger
Resumiendo un poco su vida:
Pintor francés
Destacado en el Cubismo
Pintor de vanguardia en la primera mitad del siglo 20.
Sus pinturas se basan en las maquinas, la industria y la vida urbana.
Lo asocian como alguien que se adelanto al fururismo, al Art-deco y al Pop- Art.
Muralista , escultor , escenografo y también manifestando su arte en vitrales.
0 notes
Text
Filippo Tommaso Marinetti y su escrito que cambio su vida y el de muchas personas, dandoles una perspectiva direfente tanto al arte y a la poesia.
El Manifiesto Futurista
El Futurismo surge en un periodo de gran efervescencia como un movimiento revolucionario cuya finalidad era renovar todas las formas artísticas de manera coherente con las innovaciones tecnológicas e industriales que se estaban perfilando.
El Futurismo reflejaba la velocidad, la tecnología, la juventud y la violencia , cosas que vemos en el automóvil, el avión y, en general, la ciudad industrial. Había que romper con las tradiciones del pasado para concentrarse en el dinámico presente.
Esto era parte de lo que se expresa en el manifiesto de Marinetti.
Escrito a finales de 1908 y publicado en 1909 en Le Figaro de Francia.
0 notes