#芝生と園芸用品市場規模

[analysis-market-research]

芝生と園芸用品市場:規模、シェア、範囲、機会、需要、傾向、2037年

芝生と園芸用品市場は2023年に278億米ドルを超え、2036年末までに700億米ドルに達すると推定されており、2024―2036年の予測期間中に8％のCAGRで成長しています。 市場での競争優位性を獲得するため、大手メーカーは効率、堅牢性、バッテリー性能、充電容量、騒音低減の面での進歩に��力しています。GPS 対応ロボットなどの技術イノベーション。

[mxargent]

"Kill them with kindness" Wrong. CURSE OF MINATOMO NO YORITOMO

アイウエオカキクケコガギグゲゴサシスセソザジズゼゾタチツテトダ ヂ ヅ デ ドナニヌネノハヒフヘホバ ビ ブ ベ ボパ ピ プ ペ ポマミムメモヤユヨrラリルレロワヰヱヲあいうえおかきくけこさしすせそたちつてとなにぬねのはひふへほまみむめもやゆよらりるれろわゐゑを日一国会人年大十二本中長出三同時政事自行社見月分議後前民生連五発間対上部東者党地合市業内相方四定今回新場金員九入選立開手米力学問高代明実円関決子動京全目表戦経通外最言氏現理調体化田当八六約主題下首意法不来作性的要用制治度務強気小七成期公持野協取都和統以機平総加山思家話世受区領多県続進正安設保改数記院女初北午指権心界支第産結百派��教報済書府活原先共得解名交資予川向際査勝面委告軍文反元重近千考判認画海参売利組知案道信策集在件団別物側任引使求所次水半品昨論計死官増係感特情投示変打男基私各始島直両朝革価式確村提運終挙果西勢減台広容必応演電歳住争談能無再位置企真流格有疑口過局少放税検藤町常校料沢裁状工建語球営空職証土与急止送援供可役構木割聞身費付施切由説転食比難防補車優夫研収断井何南石足違消境神番規術護展態導鮮備宅害配副算視条幹独警宮究育席輸訪楽起万着乗店述残想線率病農州武声質念待試族象銀域助労例衛然早張映限親額監環験追審商葉義伝働形景落欧担好退準賞訴辺造英被株頭技低毎医復仕去姿味負閣韓渡失移差衆個門写評課末守若脳極種美岡影命含福蔵量望松非撃佐核観察整段横融型白深字答夜製票況音申様財港識注呼渉達良響阪帰針専推谷古候史天階程満敗管値歌買突兵接請器士光討路悪科攻崎督授催細効図週積丸他及湾録処省旧室憲太橋歩離岸客風紙激否周師摘材登系批郎母易健黒火戸速存花春飛殺央券赤号単盟座青破編捜竹除完降超責並療従右修捕隊危採織森競拡故館振給屋介読弁根色友苦就迎走販園具左異歴辞将秋因献厳馬愛幅休維富浜父遺彼般未塁貿講邦舞林装諸夏素亡劇河遣航抗冷模雄適婦鉄寄益込顔緊類児余禁印逆王返標換久短油妻暴輪占宣背昭廃植熱宿薬伊江清習険頼僚覚吉盛船倍均億途圧芸許皇臨踏駅署抜壊債便伸留罪停興爆陸玉源儀波創障継筋狙帯延羽努固闘精則葬乱避普散司康測豊洋静善逮婚厚喜齢囲卒迫略承浮惑崩順紀聴脱旅絶級幸岩練押軽倒了庁博城患締等��執層版老令角絡損房募曲撤裏払削密庭徒措仏績築貨志混載昇池陣我勤為血遅抑幕居染温雑招奈季困星傷永択秀著徴誌庫弾償刊像功拠香欠更秘拒刑坂刻底賛塚致抱繰服犯尾描布恐寺鈴盤息宇項喪伴遠養懸戻街巨震願絵希越契掲躍棄欲痛触邸依籍汚縮還枚属笑互複慮郵束仲栄札枠似夕恵板列露沖探逃借緩節需骨射傾届曜遊迷夢巻購揮君燃充雨閉緒跡包駐貢鹿弱却端賃折紹獲郡併草徹飲貴埼衝焦奪雇災浦暮替析預焼簡譲称肉納樹挑章臓律誘紛貸至宗促慎控贈智握照宙酒俊銭薄堂渋群銃悲秒操携奥診詰託晴撮誕侵括掛謝双孝刺到駆寝透津壁稲仮暗裂敏鳥純是飯排裕堅訳盗芝綱吸典賀扱顧弘看訟戒祉誉歓勉奏勧騒翌陽閥甲快縄片郷敬揺免既薦隣悩華泉御範隠冬徳皮哲漁杉里釈己荒貯硬妥威豪熊歯滞微隆埋症暫忠倉昼茶彦肝柱喚沿妙唱祭袋阿索誠忘襲雪筆吹訓懇浴俳童宝柄驚麻封胸娘砂李塩浩誤剤瀬趣陥斎貫仙慰賢序弟旬腕兼聖旨即洗柳舎偽較覇兆床畑慣詳毛緑尊抵脅祝礼窓柔茂犠旗距雅飾網竜詩昔繁殿濃翼牛茨潟敵魅嫌魚斉液貧敷擁衣肩圏零酸兄罰怒滅泳礎腐祖幼脚菱荷潮梅泊尽杯僕桜滑孤黄煕炎賠句寿鋼頑甘臣鎖彩摩浅励掃雲掘縦輝蓄軸巡疲稼瞬捨皆砲軟噴沈誇祥牲秩帝宏唆鳴阻泰賄撲凍堀腹菊絞乳煙縁唯膨矢耐恋塾漏紅慶猛芳懲郊剣腰炭踊幌彰棋丁冊恒眠揚冒之勇曽械倫陳憶怖犬菜耳潜珍

“kill them with kindness” Wrong. CURSE OF RA 𓀀 𓀁 𓀂 𓀃 𓀄 𓀅 𓀆 𓀇 𓀈 𓀉 𓀊 𓀋 𓀌 𓀍 𓀎 𓀏 𓀐 𓀑 𓀒 𓀓 𓀔 𓀕 𓀖 𓀗 𓀘 𓀙 𓀚 𓀛 𓀜 𓀝 𓀞 𓀟 𓀠 𓀡 𓀢 𓀣 𓀤 𓀥 𓀦 𓀧 𓀨 𓀩 𓀪 𓀫 𓀬 𓀭 𓀮 𓀯 𓀰 𓀱 𓀲 𓀳 𓀴 𓀵 𓀶 𓀷 𓀸 𓀹 𓀺 𓀻 𓀼 𓀽 𓀾 𓀿 𓁀 𓁁 𓁂 𓁃 𓁄 𓁅 𓁆 𓁇 𓁈 𓁉 𓁊 𓁋 𓁌 𓁍 𓁎 𓁏 𓁐 𓁑 𓀄 𓀅 𓀆

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【劇評】100人のアンサンブルによる水上の狂宴

パルテノン多摩×子供鉅人『夏の夜の夢』 望月　正人

〔撮影：佐藤祐紀〕

2013年から、パルテノン多摩が、多摩１キロフェス（2013〜2015年）／パルTAMAフェス（2016年〜）のために、小劇場系の劇団と組んで作り上げている市民参加型水上演劇の最新作。記録のためにも書いておくと、きらめきの池ステージでのこれまでの公演は、以下のようなラインアップである。

2013年 　PLAY on the waterシリーズ『フール・オン・ザ・ヒル』

作：ごまのはえ　演出：ウォーリー木下

2014年　柿喰う客×パルテノン多摩『たまらんファウスト』

作・演出：中屋敷法仁

2015年　ままごと×パルテノン多摩『あたらしい憲法のはなし』

作・演出：芝幸男

2016年　パルテノン多摩×FUKAIPRODUCE羽衣『愛いっぱいの愛を』

作・演出・音楽：糸井幸之介

2017年　パルテノン多摩×世田谷シルク『こいの棲む家』

作・演出・振付：堀川炎

2018年　パルテノン多摩×子供鉅人『夏の夜の夢』

作：ウィリアム・シェイクスピア　演出：益山貴司

（「多摩１キロフェス」から「パルTAMAフェス」に変更された2016年以降、パルテノン多摩の方が名義は先に来るようになったらしい）。そんなわけで、今年2018年の9月23日（土）と24日（日）に上演されたパルテノン多摩×子供鉅人による『夏の夜の夢』２日目、24日の公演を見た。

〔撮影：佐藤祐紀〕

結論から言えば、予想を遥かに超える素晴らしさだった。実のところ、さほど期待してはおらず「お義理で見に行く」くらいの気分だったため、「なめてました、ごめんなさい！！」と頭を下げたくなったほどだ。演劇やシェイクスピアに関心のある人で本作を見逃した人たちには同情の念を禁じ得ない。

ただし、詩的で流麗な台詞回しや鋭利な身体表現など「芸術的」あるいは「演技技術的」な観点から言えば、これは間違っても最高のシェイクスビアではない。そのような観点から言えば、これより優れたものはいくらでもある。

しかし、本来のシェイクスピアの芝居とは、まさしくこんな「ユルいけど楽しい」ものだったのではないか。そして後述するように、この作品によってシェイクスピア作品の本質を思いがけない形で知ることができた。この２つにより、本作は絶賛に値する。

��の上演で特に素晴らしかった点を２つ上げよう。まず１つは、きらめきの池ステージを見事に使いこなしていたこと。無駄に広く、水音で台詞がかき消され、音響も観客の集中力も拡散しがちな、あの扱いにくい空間を横縦横無尽に使い切っていたのには唖然とさせられる。

きらめきの池ステージでの上演を以前にも見ている人なら、この点を特に痛感したはずだ。これまでで最も素晴らしかったのは、FUKAIPRODUCE羽衣が『愛いっぱいの愛を』の終盤、「茜色水路」でエキストラを使って作り出した、世にも美しい光景だった。しかしそれは、最終盤のせいぜい２曲くらいだったはず。この上演では、あれに劣らないほど美しい光景が、少なくとも１時間くらいは続くのだ。FUKAIPRODUCE羽衣の公演を見た人なら、それがどれほどとんでもないことか分かるだろう。

〔撮影：佐藤祐紀〕

パルテノン多摩の上に位置するきらめきの池ステージは、多摩中央公園という「作られた自然」の中にある人工的な施設だ。周りに生い茂る木々は、昔からこの地に生えていたものではない。元々生えていた木を伐採し、代わりに日本各地から運んできた木をあらためて植えるという、グロテスクな行為から生まれたものだ。しかしそんな「作られた自然」も数十年が経つうちに、由来はどうであれ、この地に根づいた自然と化している。人工的に作られた「偽物の自然」がいつの間にか「本物の自然」に変化した土地。その中に作られた明らかに人工的な池。言わば嘘と本当が出会う土地。紛れもない嘘／偽物でありながら、人生の真実を照らし出す「演劇」というものを上演するのに、これほど似つかわしい場所があるだろうか。ましてや『夏の夜の夢』は、「森」が見せてくれる夢まぼろしの物語だ。上演される物語と背景が見事にシンクロしている。

特に素晴らしい点の２つ目。これは１つ目と密接に関係する。そもそもきらめきの池ステージを完全に使いこなすなどという離れ業がどうして可能になったのか？　答えは「100人のアンサンブル」だ（当日パンフに載っている名前を勘定したら本当に100人ピッタリいた）。「空間が広いなら出演者を増やして空間を埋め尽くしてしまえばいい」という、馬鹿馬鹿しいほど単純な発想。そんな「言うは易し行うは難し」なことを実現しているのだ。

そしてここが何よりも恐ろしい点。FUKAIPRODUCE羽衣の公演では、アンサンブルは終盤の２曲程度しか参加しなかったが、こちらは２時間の上演時間のうち少なくとも１時間40分、全員ではなくてもアンサンブルのうち誰かしらが舞台上で演技をしていたのだ！　当然その間にやるべき段取りは山のようにある。小道具も多い。歌もある。メチャクチャ体を使う。しかもステージは普通の舞台ではなく池の中だ。事前の稽古は、時間も労力も生半可なものではなかったはずだ。

〔撮影：佐藤祐紀〕

しかもこのアンサンブルは基本的に市民参加、つまり素人が主体だ。実際には、別の劇団に所属している人や大学で演劇を学んでいるような人も混じっているだろうが、いずれにせよ全員がノーギャラでの参加だ。パルテノン多摩はとんでもないブラック劇場である（笑）。

その効果は最大限に発揮された。あのきらめきの池ステージでなければ、あの100人のアンサンブルがいなければ、あの木々が背景になければ、あの月が天空に浮かんでいなければ、あの時カモやコウモリが空を飛ばなければ決してありえない、一期一会の夢のような時間が立ち現れたのだ。

そんなステージと100人のアンサンブルをフルに使いこなした増山貴司の演出力も凄い。大胆でありつつ、細かいところにはやたらと小技が効いていて笑える（その辺は出演者が自分でどんどんアイデアを出してきたのでは…と推測しているが）。

特に優れた演出は、最後の職人たちの素人芝居を、他の出演者全員が観客席に入り込んで一緒に見物し、拍手をしたり台詞を言ったりするものだ。確か新国立劇場での上演でも、オーベロンらが客席の最前列に座って芝居を眺める演出だったと思うが、100人のアンサンブルまで全員客席に入り込んでくるのは、まったく別次元の臨場感だ。それもあって、あの職人たちの素人芝居をかつてないほど楽しむことができた。と言うより、喜劇である『夏の夜の夢』で、実際に客席からあれほどの笑いが起きたのも初めてだ。

〔撮影：佐藤祐紀〕

そのような形で出演者と観客が一体になった後だけに、直後に繰りひろげられる水上での狂宴は、「ああ、この夢のような時間はもう終わりなんだ…」という切なさで涙が出そうになった。そして最後のパックの口上で実際に涙がこぼれた。『冬物語』ではない、『夏の夜の夢』でだ。そんな普通ならありえないことが起きてしまうほど、奇跡的に美しい光景だった。

その終盤を見ていくうちに、シェイクスピア作品にしばしば出てくる「芝居／人生はしょせん束の間の夢」という類の台詞が初めて実感として理解できた。あの日あの時あの場でしかありえない、も��や再現不可能な芝居。あそこにいたほんの数百人だけが共有しうる、逆に言えば、どんな言葉を弄しても見ていない人間とは共有不可能な、一夜限りの夢まぼろし。「これが演劇の本質、しかもそれは人生の本質でもあるのだ」…そのことがストレートに理解できた。

そう、この『夏の夜の夢』という他愛もない恋愛喜劇が我々の人生の映し鏡であることが、この上演を通じて初めて得心いったのだ。シェイクス��アが多くの作品で描こうとしていたのは、まさしくこのような思いなのだと。

だがこの上演には大きな問題がある。それは、水上ステージのハードルをあまりにも上げすぎてしまったことだ。あの場所を、今年と同等以上に使いこなすのは極端に難しい。感動しながらも、来年どうするのか不安になってくる。もし来年の予定がすでに決まっているとしたら、担当カンパニーの演出家は当然見に来ているはずだが、今頃頭を抱えているのではなかろうか。

また今回、アンサンブルはノーギャラだとしても、小道具や衣装でかなり予算がかかっていると思う。パル多摩改修の莫大な費用であれこれもめている最中、来年も同じ規模で開催できるのか……　あらゆる意味で不安が募る。

〔撮影：佐藤祐紀〕 なお私が子供鉅人を見たのは、今年の春に静岡のストレンジシードでやったバレーボールドラマのパロディ短篇に続いて２度目。そちらとは作風が違うと言えば違うし同じと言えば同じとも言える微妙なところ。そちらも面白かったが、口を極めて絶賛するほどではない。今回は100人のアンサンブルおよび水上ステージとの化学反応によって生まれた傑作。だから子供鉅人という劇団自体の力は、私にはまだよく分からない。これから実力を見極めていこうと思う。 これが演劇の最高峰だと言うつもりも、演劇の全てだと言うつもりもない。 しかし「これが演劇だ！」と声を大にして言うことはできる。 そんな稀有な舞台だった。 　 一夜のすばらしい夢まぼろしを見せてくれた、本作の全ての出演者と関係者に、心から感謝する。

●望月　正人（もちづき・まさと） 観劇人（主に小劇場）。東京在住。静岡市出身の縁もありSPACの公演にもしばしば出没。古典戯曲を読む会＠東京の世話人。

【公演情報】

パルテノン多摩×劇団子供鉅人 特別公演 100人シェイクスピア「夏の夜の夢」

http://www.kodomokyojin.com/midsummer/

作 ：W・シェイクスピア

演出：益山貴司

振付・ステージング：長谷川寧

振付：小山柚香

出演：劇団子供鉅人（益山寛司、キキ花香、影山徹、億なつき、ミネユキ、益山U☆G、古野陽大、うらじぬの、地道元春、益山貴司）＋１００人

日程：2018年9月15日（土）～16日（日）各日17:30開演（全2ステージ）

会場：パルテノン多摩　きらめきの池ステージ（〒206-0033 東京都多摩市落合2-35）

[hochagera]

フィクションを立ち上げるー場とその場からの解放ーライブと映像の出会い直し

フィクションを立ち上げる、ということについて考える。（『フィクションを立ち上げる』という表現は演劇界隈ではよく聞かれる言葉で、舞台を創る上でそのフィクションが客前で違和感なく（あるいは意図的に異物として）むくむくと起き上がる感覚があるかどうかでそのパフォーマンスの良し悪しが判断される。日常生活では全く意識されない感覚ですが、しかし日常においてもフィクションを扱う瞬間はたくさんある。舞台創作者はその根源的な”演じる”ことの意義を噛み締めつつフィクションが立ち上がる場、そのあり方、その行為の視点に最も興味を注ぐ。人と人が絡み、場所が絡み、時間をも絡めてある場所にフィクションが立ち上がってゆく。それが、舞台作品を創るということ。）

わたしはテント芝居を創っています。テント芝居においてフィクションとはその劇の内容であり、またはその借景と共におかれているテント構造物の存在そのものでもあり（夢遊するように突如現れ消えてゆく物質）、またその内部の空間のことでもある。テントは空間を保有している。つまり、ある環境、具体的にはある町のとある場所に”線を引くこと”が重要になる。 この点を野外劇と最も差別化していて、野外劇では一応に”その環境に馴染むこと”を重要視してきた。市街劇でも実際の街を使って演じられたわけで、私がやっていた駅前でゲリラ的に行う芝居も飲食店を循環して行う流し芝居も実際の環境を利用して行なっている。役者の身体をまずは起点に、舞台装置も美術も舞台と客席の境目すらないところから始まる。それが野外劇。 そんな野外劇から、徐々に規模を広げテント芝居に移行していく自らの活動を鑑みて、自分たちは空間に線を引くことができるだろうか、そもそも線を引く必要があるのかどうかを考えた。 ”線を引く”ということ、それはその空間は”劇場になる”ということを意味する。それは間違いなく野外ではない。たとえ野外に程近いテントという空間であったとしても、そこは劇場という���有の場所になる。芝居は劇場で上演されるのが往々にして好まれる。しかし劇場でなくとも芝居ができることは証明されている。それなのに何故、劇場を求めるのか。劇場という場所。

（”劇場”、”舞台”、つまり）”場"の捉え方。 芝居に限らず、人は集まる必要がある。家、学校、会社、公園、喫茶店、クラブ、愛好会、委員会。社会的な集団を都合よく一気に運用するために何かしらの共通項を持って集まって（集められて）個別ではなく集団で対処する。時代に応じて変革を遂げながらそのあり方は更新され続けている。いつも正解はどこにあるのかわからず、時に時代に出遅れながらその集団のあり方は変容していく。身近な血縁関係として家族の在り方は変わり、大きすぎて見えない公としての学校の在り方も変わり、公共とは何か、共有するとはどういうことか、平等に与えられているものとその土地特有のもの、その土地が誰のものなのか、そこに漂う空気やそこに差す光にまで線を引くのか。 ぎゅうぎゅうに押し詰められて次第に窮屈になってくるテリトリー。誰のものでもない場所がなくなっていく。大きな力で小さな存在をコントロールし、それは徐々に管理の性質を強め、効率が良過ぎるほどにより高度に振り分けられ、”自分たち”と”それ以外”を区別し、そこから漏れでる感情や事情には無頓着になる。これが、現代を生きている上での雑観で（”現代”だけが抱える問題なのかは不明。しかし今はこのことがより高度に、あまり気がつかないうちに蔓延しているように感じる。）、それゆえこの構図に対するカウンターアクションも方々から噴出する。テーマは”多様性”。平等に、他者を認め、共にあることを認める。 そんな心地よい場づくりが求められた。どこかから漏れ出てしまった、行き場を失った者が集まれる場所。そしてその存在を認め合う意識を得られる場所。（意識の変革こそが最大に重要で尚且つ困難なグローバル化であって、形や制度があるから解決できるものではない。白人が作った映画に黒人を出演させれば多様性が生まれるわけではない。男が配偶者を”妻”と呼んだから多様性が認められるわけではない。重要なのはその抑圧されている側の現実を知ることとそれを理解する手立てを得ることだろう。それを会得するには時間がかかる。”有意義な”時間が。自分と向き合う必要があるし、そもそもその個人が置かれている状況、経験に基づく必要があるわけで、島国の日本人に身近に感じられる多様性は欧米のそれとは全く別の内容であるはずで、それでいて半径5m以内にあることを理解するという意味においてはなんら変わらない。それ以上外のことを持ち出して理解する必要はない。）長い時間をかけて構築された集団のあり方はいつも、その”場”を設けることに始まり、そしてその”場”から解放する動きにより次第に国境を越え、人種を越え、男女の壁を越えてよりスーパーフラットにグローバル化された新たな”場”を形成する。

舞台芸術においてのその場とは”劇場”。では、”劇場”とは何か。そのルーツを野外に持つ芸能は多い。本来人前でフィクションを立ち上げるために劇場は必要なかったはずで後発的に集まる場として開発された装置が劇場であり、その劇場には、観劇にふさわしい装備が備えられ、舞台芸術は当たり前にその劇場で上演される。劇場の形式がその後の舞台のあり方を規定し、その結果、劇場の形式に乗れる舞台芸術が残り、乗れないものは力を失ってゆくことになる。集団と���て効率よく処理するための痕跡。 驚くほどに手仕事の集積である舞台芸術は効率化を図ることが難しく、維持するにはコストがかかりすぎるため公的な援助を受けることが多いし街の機能の一部として守られている劇場も多い。つまり、劇場を扱うとはそもそも公共性を扱うということであり、経済的価値を扱うことでもある。この、公共性という性格を帯びた”場”において、その劇場は効率性や経済性等の判断によってあらゆるフィクションに価値をつける（線を引く）というジレンマを内包していると言える。 劇場は空間。空間を保有している以上、その中に収められるもとそうでないものが発生してしまう。 何事も、なんらかの価値判断で淘汰されることはいささか已むを得ず、名もない芸能や辺境の芸能が消滅していくことは仕方のないことでもあるが、それが”劇場”の持っている機能の側面であると考えるとやるせない。目的と手段がてれこになっている。だが、グローバリゼーションというのはこういった芸能にも光を当てる。 人、物、コトが飛び交う現代の中で、限りなく近くなった辺境の土地の見知らぬ”フィクション”。それに触れる、異国の地の大学生など。グローバリゼーションとは創造的破壊で、スーパーフラットに情報を消費できるようになったことにより軽視される伝統と受け継がれなくなったその土地特有の価値が、一見文化的価値の破壊を及ぼしているように見えるものの、思わぬところで再発見されまた受け継がれることにも繋がっている。 国境を越え、人種を越え、男女の壁を越えてよりスーパーフラットにグローバル化された新たな”場”を形成する。 本来の意味での”劇場”とは、立派な建造物としての”人が入って鑑賞できる場所”ではない。あくまでも”フィクションを立ち上げる場所”をベースに考えるべきである。 つまり、箱がそうさせるのではなく、舞台上に上がる当事者そのものがフィクションとして立ち上がれば、そこが劇場となる。

”場”の捉えから派生して。人は、”記録”もしくは”保存”することが可能な人智を超越した技術を開発する。それが、舞台芸術においては”カメ��”ということになる。 映像の世紀は早過ぎ去りし今、当たり前に存在する映像媒体とそうでないもの。それぞれの手段はお互いにその存在を脅かしつつも食いつぶすようなことはなくそれぞれの道を辿っているように見える。演劇、映画、テレビ、ネット配信。 ”フィクションを立ち上げる場所”として、その場所からの解放が劇場やそれ以外の場所で起こっていると考える時、今、このカメラが残す映像の中にも同様の変革が起こっていると強く考えるべきである。映像（という”場”）が、従来のあり方から解放されようとしている。それが、”ライブと映像の出会い直し”によるものである。

これはコロナ禍が発端ではないものの大きく起因している。その速度を早めたとか、止むに止まれぬ状態にしたという印象。 本来ならばこれまで推移してきた舞台芸術の”場”のあり方とそこからの解放の動きが今後もゆっくりと推移するのかと思いきや、昨今の状況で地殻変動が一気に起こり、場の解放を凌駕する新たな場所作りが舞台芸術においても起きている。これまで拓かれた様々なフィクションを立ち上げる場所、そのそれぞれの道の変遷を越境して構築される新たな場。それは舞台芸術のカメラとの出会い直しによって起きている。キーワードは、新たな技術の開発によるものではなく”出会い直し”によるということ。

岡田利規”映像演劇”ー長久允”（死なない）憂国ー濱口竜介”偶然と想像”にみるフィクションを立ち上げる場所の変化。

人は集まれなくなった。かつて集まり、そこに組織ができ規格が生まれることによって秩序が保たれ、またそこからはみ出したものが別の場所に集まる離合集散を繰り返していた人が、強制的に集まれなくなった。それは、”場”を形成することができなくなった事を意味し、従来の方法が成り立たなくなったということ。それでも人は集まる方法を考えた。 舞台芸術においても、それはいくつもの実践が試されており、その多くが”カメラ”を用いて行われた。 これまで舞台芸術が”フィクションを立ち上げる場所”のために必要としてきたのは、まず舞台に上がる本人の身体。そしてそれを起点として構築される環境、多くの場合それが劇場。この場作りが実現できなくなった時、その”場”創りはカメラを用いた映像の中に求められた。 これ自体はコロナ禍が無くとも今までに起こり得ていたことで、事実、舞台作品を映像として観ることは少ないことではない。しかし、絶対的に集まることができなくなった状況下で行われるそれは、今までのそれとは全く異質のものであって、今までの思考とは別のプロセスや想いを含んでおり、”カメラ”という技術を扱う上で、その扱い方の違いと最終的に目指される”フィクションを立ち上げる場所”の意義の違いが、従来の映像が目指した場所の形成（多くは映画）のそれとは大きく異なっている。

今起こっている”ライブと映像の出会い直し”によって目指されるものは、あくまでも”映像”としての表出であるものの、しかし、その映像を作っている人たちはその映像の中身がどこでどう起こっているかという”場”を重視していたり、もしくは、映像を視聴する”場”（映画館やテレビやパソコンでは無く）を公演という舞台芸術に類似した特異な形で創出することにその創作の重きを置いている。 これが本来カメラを手に入れた人々がやってきた映像によるフィクションがもたらす場所作りとは一線を画すもので、場所作りから始まる映像を用いた新たな作法となっている。

映像は恐ろしい。カメラは恐ろしい。本来”生”（”ライブ”）である媒体を扱う舞台芸術において往々にしてカメラというものは忌み嫌うべき存在である。その技術を取り入れることは表現として別々の道を歩むということになる。”ライブ”と”映像”、これらはこれまでに別々の発展を遂げてきた。そのどちらの道にもフィクションを立ち上げる場所がある。 人は身体性の拡張として道具を生み出して使用する。道具によって人の限界を超えた力やスピードが生み出され、それをコントロールして日々生活をしている。その道具の中でも単に身体能力を拡張したものと、そうではなく（疑似的に）時空をも超越したものとで道具（や知恵）の種類が大別できると思っている。（単に肉を切ることのできる石の使用と、肉を瞬時に老朽させる火の使用との違い。またその時々の実りを採集する籠の使用と、実りを前もって準備し掌握する田畑の使用との違いなど。）そしてこれまで、この時空をも超える道具の力によって、歴史は大きく転換しその時代の価値観を揺さぶったのではないかと想像する。 舞台芸術において、その時空を超える道具とは”カメラ”である。カメラとは記録装置で目の前にあるものをそっくりそのまま記録することに使われる道具である。カメラによって人は忘れたものを呼び起こし、複製し、保存し、そして繰り返すことができる。カメラは”ライブ”とは全く違う性格を要している。 ”フィクションを立ち上げる場所”を命題に掲げて進めてきた思考ですが、その多くはその他のシーンの事象にも応用できることと感じます。 目的から手段が生まれ、そこに技術の発明が起こり袂を分かって平行線に歩んできたそれぞれの”場”創り。共存可能な今まで、氾濫する革新のもと推し進められてきたその解放の上塗り。ここから先、まだこの平行線を辿ってどこまでも見えない地平線に突っ走っていくのか。その真っ只中で今回コロナ禍が起こした一端の行き止まり。立ち止まることが求められた今、舞台芸術において新たな場作りが始まったと感じた。それが奇しくもカメラという”ライブ”が最も大切にする核心とは全く性格の異なった道具によって。でもそれは、何か今まで人が知らなかった示唆を与えてくれている。カメラは新たに発明した道具ではない。自らの目的と手段を見つめ直し、尚且つ時代の潮流に乗った今だからこそ、かつては見えなかった方法を編み出すことができている。 ”出会い直し”。人は何かを手にする。それを眺めて答えを出す。でも今、色々な場面でもう一度、新たな再会が求められているのかもしれないと思った。

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艶と硬度を備えた新しいオリジナル コーティング「ドゥレッザ ガラスコーティング」（三重県）

ドゥレッザ ガラスコーティングは東京都江戸川区、神奈川県横��市、秋田県横手市、新潟県新潟市、大阪府高槻市、愛知県名古屋市、長崎県諫早市で施工可能です。 施工の確認は東京都江戸川店か横浜店で確認をお願いします。 TEL:03-6231-4919 TEL:045-334-3033 ガラスコーティング・カーコーティング「ドゥレッザ ガラスコーティング」はエンドユーザー様の施工はもちろん取扱店も募集しております。

ドゥレッザ ガラスコーティングを一般ユーザー様にも販売します。

一般ユーザー様にも販売しますが、ドゥレッザ ガラスコーティングは低分子シランの本物のガラス成分ですので施工に自信がなければ購入を控えて頂ければと思います。 下記の画像をクリックしますと購入できます。 ・ドゥレッザ ガラスコーティングは塗装とメッキ部分の施工は可能ですが、ガラス部分や樹脂パーツ、ゴム部分には使用しないでください。 ・施工後、２４時間は雨や水に濡らさないようお願いします。 ・施工の失敗に関しては一切、責任を負いかねますので自己責任でお願いします。 取り扱い上の注意事項 ・飲用不可 ・本製品は有機溶剤ですから火気厳禁です。 ・取扱作業所には、局所排気を設けてください。 ・取扱は皮膚に触れないようにし、有機ガス用防塵マスク、防護手袋等を着用してください。 ・取扱は手洗い及びうがいを十分行ってください。 ・皮膚や作業着等に付着した場合は、水と石鹸で十分洗い落としてください。

ディーラーやガソリンスタンドとドゥレッザ ガラスコーティングの違いはこちらをクリック

柔軟性のある最高硬度７ｈ　硬く・しなやかなdurezza massimaガラスコーティング（三重県）

ディーラーガラスコーティングの硬さが２倍以上！ガラスコーティング膜厚は１０倍以上！（三重県）

通常のガラスコーティングのみの施工ですと有機物汚れや酸性雨による腐食予防には強いですが、ウォータースポットには弱いという弱点がありましたがドゥレッザ ガラスコーティングは柔軟性のある硬く・しなやかなガラスコーティングの他にシリコーンレジンコーティングという無機物汚れやシリケート固着予防がされているので雪国でも強いガラスコーティング剤です。

他社のガラスコーティング店では絶対にマネのできない硬度と撥水力！（三重県）

下記の動画は絶対に見る価値があります。新しい ガラスコーティングの硬度���テスト、オリジナル ガラスコーティング「ドゥレッザ ガラスコーティング」！ 「鉛筆硬度９ｈ 大手有名ガラスコーティング ハイ〇〇フィ〇ッシュ」とガラスコーティング「ドゥレッザ ガラスコーティング」の比較動画になります。 ドゥレッザ ガラスコーティングがスクラッチ傷に強いのは鉛筆硬度で７ｈではあるが柔軟性と耐スクラッチとの最適化が可能であり、膜厚化により微細な擦過キズに強いので傷が入りにくい。

「ドゥレッザ ガラスコーティング」の撥水力！撥水角１１０℃以上は世界ナンバーワン！（三重県）

ガラスコーティング・車 コーティングってどれも同じ？（三重県）

まずは硬さの違いもありますが、ガラスコーティングの厚さが全く違います。 上記画像の左側は通常のディーラーやエシュロン、ＧＺＯＸ（ジーゾックス）などのガラスコーティングの成分であり、右側の画像はドゥレッザ ガラスコーティングになります。 通常のガラスコーティングは硬化させても「でんぷん」の粉のようにしかなりませんが、ドゥレッザ ガラスコーティングは本物のガラスなので上記右側のようにガラスになります。 ガラスコーティングは塗装の保護なので、上記のようなガラスにならないと塗装の保護にはなりません。

Massima durezza rivestimento di vetro ドゥレッザ  ガラスコーティング（三重県）

新しいガラスコーティング剤： 低分子シラン ドゥレッザ ガラスコーティングとは

従来のガラスコーティングとは違う硬く、しなやかな最強無機質ガラスコーティング ガラスだから硬いのは当たり前、衝撃や湾曲などのストレスによるひび割れが発生しにくい柔軟性を持たせました。 柔軟性が（硬いだけより）耐傷性を高めます。また、酸化劣化しないことと合わせ、将来の剥がれ、ひび割れ等の弊害に対する心配ををゼロにします。 ドゥレッザ  ガラスコーティングは単一成分９８％の高密度ガラスコーティングです。限りなく無機質に近いコーティング剤ですが２％のアルコキシドを混合する事により３～４ミクロンの甲膜厚を実現しました。また硬度７ｈの高度を持ちながら高膜厚のコーティング剤でもあり非常にバランスのとれた撥水角１００℃を超えた撥水性ガラスコーティング剤です。

Hard-supple　硬く・しなやか

衝撃や湾曲などのストレスによるひび割れが発生しにくいガラスコーティングでは最高硬度の７ｈ！ セラミックガラスコーティングのように９ｈなど硬さが増すほどクラックが発生しやすくなります。 このため弊社のガラスコーティング剤では、多少の柔軟性を持たせて、あえて鉛筆硬度9Hとはせずに7H前後に調整して、クラックの発生を防いでいます。 ※ペルヒドロポリシラザンは高硬度９ｈであるが、クラック発生を防ぐため膜厚は薄く、意外にも微細な擦過キズにも弱く、膜厚をあげるために何層にもコーティングを施工すると剥離する。 ディーラーガラスコーティングは殆どがオルガノポリシロキサンを使用しており高分子の為、定着性が粘着テープのような定着性の為、柔軟性はあるが硬度が３ｈ位しかなく耐久性も実際は１年半位。 弊社ガラスコーティングは低分子シランガラスコーティングの為、高硬度７ｈ～８ｈであるが柔軟性があるためクラックしづらく、また、低分子のため塗装面の微細な凹凸に浸透しやすく、強靭な密着力が違う。 　

High hardness flexibility 3D　高硬度柔軟性3Dネットワーク構造被膜

従来の３Ｄネットワーク構造被膜ですと硬度５ｈで耐久性は１年半ぐらいでしたが、低分子シランは硬度７ｈ以上で長期耐久を実現しました。

No machine quality moths La scan the membrane　無 機 質 ガ ラ ス 被 膜

無機ガラス主鎖+有機官能基側鎖構造：酸による腐⾷や撥水・低撥水にもかかわらず無機汚れ（ウォータースポット・イオンデポジット）固着し難い。 低分子のため高濃度無溶剤化により高密度化ができる。このため汚れがつきにくく、汚れを落としやすい皮膜を形成できる。 従来のガラスコーティングは塗装色により撥水や親水の選択が必要であったが撥水角も１００℃以上でもウォータースポット・イオンデポジットも低減できます。 有機質ヨゴレと結合しにくいので、ピッチ・タールなどの油類、無視やのフン・あか、チリやホコリなどが付着しにくく、水洗いで簡単に落とせる。 耐紫外線性、耐熱性、耐油性、耐水性、耐薬品性が高く塗装面を強靭に期間保護する。

Thickness　ガラスコーティング剤膜厚（三重県）

低分子だから実現できる１層塗りでも３μ以上　多層でも２０μも可能。 通常のガラスコーティングですと、高分子ペルヒドロポリシラザンですと硬度が９ｈにはできますが、１μ以下なのでクラックしやすく、オルガノポリシロキサンは硬度も膜厚もない。硬度９ｈを高膜厚にすると柔軟性がないため劣化します。

Quality　ガラスコーティング クオリティー（三重県）

ドゥレッザ  ガラスコーティングは外国製原料ではなく、現在世界最高の機能や性能と安定した品質を誇る日本製低分子シランを原料として、自動車塗装や建築内外装向けのガラスコーティング剤として求められる「耐久性・防汚性・施工性・光沢美観・メンテナンス性」を追求。 アルコール系溶媒なので、塗装面・人体・環境に優しい。

Price  ガラスコーティング価格（三重県）

今現在のガラスコーティングの相場は硬さに高硬度になればなるほど金額も上がっていきます。 ハイモースコートやセラミックガラスコーティングなどはお店によってことなりますが、１５万円以上２０万円以上の高額な金額になりますが、弊社は中間コストを省略することで安く提供することに成功しました。 硬度７ｈ以上のガラスコーティングではお求めやすい金額になりました。

ドゥレッザ  ガラスコーティングを塗ったプロテクションフィルムを指��曲げても、ひび割れしません。

通常のガラスコーティングですと、数μでもここまで曲げるとひび割れしますが、ドゥレッザ  ガラスコーティングは低分子の為、膜厚が厚く、そして硬くても衝撃や湾曲などのストレスにも強い。

※今現在、コーティングの硬さは最高硬度で７ｈが最高です。 7ｈと言えど完璧ではありません、たまにセラミックガラスコーティングなどの９ｈガラスコーティングも存在しますが、研究者のなかでは車の湾曲に塗れる９ｈはないそうです。 例として、メガネのレンズは７ｈでアイフォン（携帯電話）の表面は９ｈ？なのでしょうか。 この両者を道路などに落とした場合メガネは割れませんが、アイフォンは表面レンズがバキバキに割れ、よく割れたアイフォンをそのまま使用してるのをよく目にします。 なぜ、９ｈのほうが硬いのに割れるのか？ 今現在の技術で劣化しない９ｈがでればノーベル賞ものだからです。 メガネが割れないのはある程度柔軟性を持たせた７ｈなので劣化しないのでしょう。

ガラスコーティングの硬度とクラック（三重県）

硬度が硬いほど良いと言われるガラスコーティング商品やサービスがありますが、ガラスコーティングは化学合成品であるため、被膜の硬さが増すほどに脆く壊れやすくなり、「クラック」と呼ばれる微細なひび割れ損傷が発生しやすくなります。

クラックは硬化の過程や使用中の物理的化学的刺激などより発生し、見た目の「クスミ・濁り」になったり、「被膜が剥がれ落ちやすくなる」ことの弊害の原因になります。

今の技術で作ることができるガラスコーティング（非晶質ガラス）は、鉛筆硬度9H程度が最高硬度となりますが、コップや窓ガラスなどの厚みのあるものと比べて、ミクロン（μm）単位の被膜では硬さゆえの脆さの影響が大きくなります。 クラック発生を回避するためには、少し粘り気を持たせる必要があり、6H～8H程度の硬度が最適であると考えます。

ガラスコーティングの膜厚と硬度（三重県）

膜厚はある程度厚い方が良いと思います。しかし硬度が同じ場合被膜が厚くなるほどクラックが発生しやすくなりますので、上記のような若干の粘り気のある6H～8H程度のガラスコーティングでは2～4μm前後の膜厚が、微細な傷からの保護という意味でもバランスが良いのではないかと考えます。

硬度が同じ場合は、膜厚が厚くなるほどクラックが発生しやすくなるため、硬度9H程度のガラスコーティングでは0.5μm～1μm程度の薄い膜にしないと、クラックの発生が問題になります。 このように余りにも薄い被膜では、摩耗や微細傷も塗装まで達してしまう可能性が高まります。

ドゥレッザ ガラスコーティング施工例（三重県）

ガラスコーティング・カーコーティング  ご来店の多いエリア：（三重県）

【三重県】津市、四日市市、伊勢市、松阪市、桑名市、上野市、鈴鹿市、名張市、尾鷲市、亀山市、鳥羽市、熊野市、久居市、御薗村

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※画像をクリックしてください。 DUREZZA(ドゥレッザ) コーティング剤 鉄粉除去剤 車 DUREZZA(ドゥレッザ) アイアンカット500ml 三重県（みえけん）は、日本の都道府県の一つで、日本最大の半島である紀伊半島の東側に位置する。��庁所在地は県中部の津市。 概要 海、山の豊富な自然に恵まれ、農業・漁業が盛んである。また江戸時代（御伊勢参り）から現在（F1日本グランプリや、8耐など）に至るまで、観光を産業として成り立たせている。 北勢、伊賀、中勢、南勢（伊勢志摩）、東紀州の5地域で構成されている。江戸時代から、お伊勢参り（お蔭参り）の名で知られる伊勢神宮を擁する地域として発展した。令制国では、伊勢国・志摩国・伊賀国の全域と、紀伊国（当初は熊野国）の一部、計4国より構成される。包括する旧律令国の数は、5国��包括している兵庫県に次ぐものである。 全ての都道府県との比較において平均的な順位であり、人口は22番目、面積は25番目、人口密度は23番目である。経済力については名古屋圏の一部である北勢地域を抱える事から上位の県であり、1人当たりの GDP の県民経済計算は5位から15位の間の高水準で推移している。本県内で最大の人口を有する市町村は四日市市の約31万人で、国から特例市に指定されている。一方、県庁所在地である津市の人口は、約16万人であり一時は県庁所在地のなかで人口が一番少なかったが、平成の大合併に伴った合併後の人口は約28万人となった。本県は東紀州を中心に過疎地域があるほか、津市や松阪市の一部も過疎地域に指定されている。三重県の総人口は約180万人であり、熊本県、鹿児島県、岡山県等と同規模であるが、本県はこれらの県と比較して人口が突出した都市は存在せず、中規模の複数の都市に人口が比較的分散していることが窺える。 三重県の北中部は中京工業地帯であり、主要企業が多い。四日市市では自動販売機が年間で約12万台生産されており、自動販売機の生産量が全国で最も多い。また、石油化学コンビナートの四日市コンビナートは、四大公害病の一つである四日市ぜんそくの原因となり問題になったが、現在は法整備や汚染防止技術向上などの対策が格段に進み、工業地帯周辺の大気状態は良好になっている。亀山市にはカメヤマローソク（本社は大阪市に移転）や、三重県のハイテク企業誘致策により建設されたシャープ亀山工場がある。なお、三重県はローソクの生産量と鍵の生産量が全国一である。 伊勢神宮や伊賀上野、二見浦、世界遺産の熊野古道などの観光地やナガシマスパーランド、なばなの里、志摩スペイン村、鈴鹿サーキットなどのテーマパークがある。特に伊勢・志摩地区は観光地としても名高い。本県は地理的に、近畿圏と中京圏の中間に位置しているため、両地域からの観光客が多い。なお、伊勢・志摩地区にも路線を有する近畿日本鉄道（近鉄）は大阪や名古屋から伊勢・志摩地区への観光客に向けた企画乗車券を販売するなど誘客に務めている。 方言は三重弁が話されており、その中でも伊勢弁・伊賀弁・志摩弁・紀州弁に分けることができる。三重弁は近畿方言に属しており、大部分の地域が京阪式アクセントまたはその変種である。三重県は特に北部において、愛知県と経済面・物流面での関係が深いが、方言は揖斐川を境界として愛知県・岐阜県との間に大きな違いがある。揖斐川の東側に位置する桑名市長島町および桑名郡木曽岬町は東京式アクセントで、愛知県と同じ方言圏に属している。 三重県は、滋賀県、福井県、岐阜県とともに「日本まんなか共和国」を設立し、知事サミットや文化交流事業などを行っている。 名古屋名物になっている天むすは元々は三重県発祥のものである。他に、ひつまぶしも三重発祥との説がある（大阪発祥説もある）。 地理・地域 三重県は南北の長さは約180km、東西の幅は108kmと、非常に細長い形をしているため、地形も、伊勢平野をはじめとする平野部から、山脈、青山高原などの高地、盆地、低地など様々な地形を有する。伊勢湾から松阪市飯高町にかけて中央構造線が通っており、飯高町月出では大規模な露頭が見つかっている。2002年に「月出の中央構造線」として国の天然記念物に指定された。2007年には、長野県大鹿村とともに日本の地質百選「中央構造線（月出）」に選定された。 東 - 伊勢平野が広がっており、海岸には、リアス式海岸と七里御浜がある。伊勢湾と熊野灘が開けている。 西 - 鈴鹿山脈・信楽山地・台高山脈および紀伊山地を隔てて、滋賀県、京都府、奈良県、和歌山県と接する。但し奈良県との県境は険しい山々に阻まれた地域が多く直接的な往来ができない自治体が多い（松阪市→川上村、紀北町→上北山村、熊野市→十津川村など）。また、京都府との県境は僅か3km程しかなく県境部は関西本線や国道163号が通っているがどちらもローカル線で往来はあまり便利ではない。布引山地の西側には、上野盆地が広がる。 南 - 熊野川を境に、和歌山県と接している。 北 - 養老山地と木曽三川を境に、岐阜県や愛知県と接している。 地域区分 三重県の地域区分 ■伊賀 / ■北勢 / ■中勢 / ■東紀州 / ■南勢（伊勢志摩） 県庁は、三重県を北勢、伊賀、中勢、南勢、東紀州の5つの地域に区分している。 自治体は、以下の14市7郡15町（29市町）がある。「町」の読み方は全て「ちょう」である。2006年1月10日の紀宝町と鵜殿村の合併により、本県内から村がなくなった。 北勢 旧伊勢国北部に当たる地域で、国道1号の沿線。鈴鹿川の流域で、緑茶の大産地として有名である。 四日市以 江戸時代には東海道（現在の国道1号）の沿線であった。江戸時代には東海道の架橋が禁止されており、かつ洪水も多かったため、木曽三川を越えた尾張国への往来は今程の多さではなかった。しかし、明治以後に架橋が進められて以降は、名古屋の影響も強く受けている。 いなべ市 桑名市 四日市市 桑名郡 - 木曽岬町 員弁郡 - 東員町 三重郡 - 菰野町、朝日町、川越町 鈴鹿亀山地域[編集] ホンダの鈴鹿市や、シャープと古河電気工業の亀山市での工業集積が著しい。名阪国道の物流が大きい。古代には椿大神社や伊勢国府が置かれるなど、重要拠点であり続けた。 鈴鹿市 亀山市 伊賀 旧伊賀国に当たる上野盆地の一帯で、名阪国道や国道163号および国道165号の沿線。伊賀市と名張市のこと。 木津川流域で、布引山地や加太峠よりも西側に位置する地域。北部は、名阪国道が通り、大阪と名古屋のちょうど中間に位置し、双方へ車で1時間半で到達できることから、1980年代以降、同国道沿いに工場立地が集中している。南部は、近鉄大阪線が通り、沿線の名張市は1970年代から大阪のベッドタウンとして機能し、人口は増加の一途をたどっていたが、近年は都心回帰の影響で人口は減少傾向にある。 伊賀市 名張市 中勢 旧伊勢国中部に当たる地域で、国道23号の沿線。津市には県庁があり商工業が集積しているが、元来鉄道が津市中心部を迂回しており、さらにモータリゼーションの流れの中、大型ショッピングセンターの郊外への進出、同時に中心部からの撤退などで中心商店街は寂れた。しかし、「アスト津」と呼ばれる高さ94mの高層ビルが津駅前に完成して以来、再び活性化しつつある。津と松阪の両市から、中部国際空港への高速船でのアクセスがある。 津市（県庁所在地） 松阪市 多気郡 - 多気町、明和町、大台町 なお、松阪市と多気郡を南勢地域に入れる場合もある。 南勢 旧伊勢国南部に当たる地域と旧志摩国の総称で、志摩を省略せず「南勢志摩」と呼ぶ場合がある。観光ガイドでは「伊勢志摩」と呼ばれることが多く、大部分が伊勢志摩国立公園に指定されている。国道23号の沿線。 伊勢神宮や二見浦といった大観光地を抱えており、真珠の養殖でも有名である。 伊勢市 鳥羽市 志摩市 度会郡 - 玉城町、度会町、大紀町、南伊勢町 東紀州 紀伊国牟婁郡（当初の熊野国）、当初は度会県、後に三重県となった地域。東紀州、熊野、牟婁と呼ばれることも多い。国道42号の沿線。 日本では屋久島と並ぶ多雨地帯として知られ、熊野古道の伊勢路南部である。 尾鷲市 熊野市 北牟婁郡 - 紀北町 南牟婁郡 - 御浜町、紀宝町 三重県の名称の由来 ヤマトタケルが東方遠征を終えて尾津前（尾津浜）（桑名市）から能褒野（亀山市）へ向かう途中の三重郡（四日市市）で、『古事記』に｢『吾が足は三重の勾がりの如くして甚だ疲れたり』とのりたまいき。故、其地を號けて三重と謂ふ」とあることに由来するとされている。 経済・産業 農業 伊勢茶 - 緑茶の栽培面積、生産量、生産額は、静岡県、鹿児島県に次いで全国第3位。『京都産』とされている抹茶は、実際には京都市が産地ではなく、大半が三重県で生産されていて、それを宇治市で製茶していることが多い。伊勢茶も、行政支援の対象製品として三重ブランドに認定されている。 米 - 伊勢平野を抱えているため、米の栽培も盛んである。 蜜柑 - 東紀州では栽培が盛んである。 畜産 松阪牛 - 松阪市近郊で生産される和牛。日本を代表する高級肉として有名。 伊賀牛 - 伊賀地方で生産される和牛 加茂牛 - 鳥羽市加茂地区で生産される肉牛 酪農 大内山牛乳 - 大紀町（旧大内山村）を中心に三重県内広域で生産。 水産業 真珠 - 飛鳥・奈良時代は鮑玉（あわびだま : アワビにできる天然真珠）と阿古屋貝の真珠。昭和になり阿古屋貝の真円真珠養殖が有名になる。 伊勢えび アワビ - 万葉集にも登場 カツオ - 奈良時代に遡ることができる 小女子（こおなご） - 津市の白塚町や河芸町で盛ん。いわゆる「ちりめん」である。 トラフグ - あのりふぐ 青のり - 主な生産地は英虞湾、的矢湾、伊勢湾など ヒジキ - 主な生産地は志摩半島。加工は伊勢市など。伊勢ヒジキなどの名称で販売され、三重ブランドとして行政支援の対象になっている。 カキ - 主な生産地は英虞湾、的矢湾、鳥羽湾など。的矢かき、浦村かきがブランド化している。 マンボウ - 主な生産地は東紀州 林業 檜 - 主に東紀州地域 杉 - 主に奥伊勢地域 工業 都道府県別工業製品出荷額9位[18]であり、東海地方の工業に貢献している。 四日市市の石油化学コンビナート群の四日市コンビナート -日本高度経済成長の象徴。公害で悪名を轟かせたが、現在は克服している。四日市コンビナートは三重県経済を支える拠点である。 本田技研工業鈴鹿製作所（鈴鹿市）、トヨタ車体（いなべ市）を中心に、輸送用機器の製造品出荷額が最も多い。 津市のジャパン マリンユナイテッドは造船を中心に、JFEエンジニアリングは横浜ベイブリッジや本四連絡橋,地元青山高原の風車群など、数々の鉄鋼製品を出荷している。 2000年（平成12年）以降、東芝（四日市市）、富士通（桑名市）の半導体工場、シャープの液晶工場（亀山市、多気町）に大規模投資が行われ、電子デバイス関連の製造品出荷額が急伸している。三重県も三重クリスタルバレー構想・三重シリコンバレー構想を掲げ、行政面から工場誘致を進めている。 大阪市と名古屋市の中間に位置し、名阪国道が通っている伊賀地方北部には、企業の生産拠点・物流拠点としての工場と工業団地が点在している。 教育 大学 国立 三重大学 県立 三重県立看護大学 私立 皇學館大学 四日市大学 四日市看護医療大学 三重中京大学 （2013年12月18日閉学[20]） 鈴鹿大学 鈴鹿医療科学大学 短期大学 国立 三重大学医療技術短期大学部 公立 津市立三重短期大学 私立 高田短期大学 鈴鹿大学短期大学部 四日市大学短期大学部 高等専門学校 国立 鳥羽商船高等専門学校 鈴鹿工業高等専門学校 私立 近畿大学工業高等専門学校 特別支援学校 国立 三重大学教育学部附属特別支援学校 ガラスコーティング四日市 ガラスコーティング津市 ガラスコーティング伊勢市 ガラスコーティング松阪市 ガラスコーティング桑名市 ガラスコーティング鈴鹿市

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【劇評】【レポート】どこにもない演劇のまち、西和賀：東北の湖畔の町で見た演劇の風景

第26回  銀河ホール地域演劇祭（2018/09/01-09/02） 片山　幹生

〔西和賀町文化創造館銀河ホールの空撮。手前は錦秋湖〕

岩手県と秋田県の県境、奥羽山脈のただ中にある西和賀町は人口5000人ほどの小さな町だ。この町には客席300ほどの公営の劇場、西和賀町文化創造館  銀河ホールがある。この劇場では1993年の開館以来、毎年地域演劇祭が開催されている。第26回銀河ホール地域演劇祭は2018年9月1日（土）と2日（日）に開催され、4団体4作品が上演された。今回上演された4作品はすべて宮沢賢治の作品だった。本稿ではこの4作品の舞台評のほか、銀河ホールというユニークな地方公共劇場の活動と地域演劇祭の様子について紹介していきたい。

劇団あしぶえ『セロ弾きのゴーシュ』

〔劇団あしぶえ『セロ弾きのゴーシュ』〕

銀河ホール地域演劇祭の最初の演目は、島根県松江市の公設民営劇場〈しいの実シアター〉を拠点する劇団あしぶえの『セロ弾きのゴーシュ』だった。あしぶえは2016年に創設50年を迎えた長い活動歴を持つ劇団だ。『セロ弾きのゴーシュ』はあしぶえが28年にわたって上演し続けている劇団の最重要レパートリーであり、アメリカ、カナダの演劇祭でいくつかの賞を受賞している。

『セロ弾きのゴーシュ』の筋立てはごくシンプルなものだ。しかしあしぶえの公演ではそのシンプルな物語が、ミニマルな舞台美術とストイックな演出によって、さらに研ぎ澄まされたものになっていた。徹底的に磨き抜かれた鉱物の結晶のような美しさを持つ舞台だった。張り詰めた緊張感が最初から最後まで維持され、冗長さはまったく感じられない。

自尊心を徹底的に打ち砕かれ、絶望で自暴自棄の状態に陥りそうになりながら、ぎりぎりのところでゴーシュは破滅への転落をまぬがれた。夜中にゴーシュの家にやってきた何匹かの動物の前で演奏することで、ゴーシュのセロは上達し、自尊心を回復する。次の演奏会でゴーシュはそれまで自分を罵倒していた指揮者から賞賛を受ける。彼はそれまで自分がどれほど傷ついていたことさえ気がついていなかった。演奏会が終了し、帰宅して一人になったときになってはじめて、ゴーシュは自分を絶望の淵から救い出してくれた動物たちの無償の優しさに気づく。

劇の最後で彼の口から漏れる感謝の言葉の真実に、私は強く心打たれた。

俳優の表現のあらゆるディテールにまで注意が払われていることが感じとることができた舞台だった。きびしくコントールされた俳優の演技は、ゴーシュの情念の動きを精密に、ダイナミックに描き出している。ゴーシュの絶望ともがき、いらだちが、舞台から豊かなニュアンスとともにまっすぐ観客席に伝わってくる。ゴーシュ役の俳優の演技にひきこまれ、観客の多くはゴーシュの重苦しさを共有していたに違いない。

なぜゴーシュが動物たちの出会いによって停滞から抜け出せすことができたのか、動物たちはなぜゴーシュの家にやってきたのか、そしてゴーシュが最初にやってきた猫に対して謝罪しなかったのはなぜなのか。いくつもの「なぜ？」に対する回答はあしぶえの舞台でも宙ぶらりんのまま提示されない。『セロ弾きのゴーシュ』はハッピーエンドの物語だろうか。ゴーシュに感情移入していた観客は、ゴーシュの演奏の成功にカタルシスは感じた者もいるだろう。終幕のゴーシュは確かに絶望からの解放を味わっていた。しかしその解放感は愚かで未熟な自分へのいくばくかの悔恨を伴っている。彼は喜びよりは、深い虚脱���をあのとき味わっていたのではないだろうか。そんなことを感じさせる演出だった。

物語を舞台化するにあたって、雑多な情報を持つ俳優の身体や舞台空間が、作品を過剰に説明的なものにし、そのノイズによって語りの持っていた本質的な魅力を損なってしまうことがままある。あしぶえの『セロ弾きのゴーシュ』は、これとは逆だ。俳優の存在と舞台空間の抽象性が、物語の純度をさらに高め、作品に内在する象徴性を際立たせることに成功している。ほぼ唯一の具象的美術であるチェロの存在が、この舞台ではなんと雄弁なことか。28年に渡る上演のなかでテクストと真摯に向かい合ってきたからこそ、到達することができた表現の逆説だろう。強くて美しい舞台だった。（9月1日14時開演＠銀河ホール）

劇団田中直樹と仲間たち『水仙月の四日』

〔劇団田中直樹と仲間たち『水仙月の四月』〕

地域演劇祭、二本目は西和賀在住の〈田中直樹と仲間たち〉による『水仙月の四日』を見た。この公演は田中ひとりよって語り、演じられる人形芝居だった。

田中直樹はもともとは地元の劇団ぶどう座に所属していたが、考え方の違いからぶどう座を離れ、ソロで公演を行っていると聞いた。会場は銀河ホールに隣接するＵホール。Uホールの建物は円錐形のとんがり屋根と赤い壁の可愛らしい建物で一階は図書館になっている。二階のＵホールは円形平面で、リハーサル室・会議室として利用されている場所とのこと。観客は床に座って見るが、今回の公演では後ろの壁際に何脚かパイプ椅子が用意されていた。

『水仙月の四日』は吹雪の一夜を雪原でやり過ごす少年の話だ。舞台が始まる前に田中から、タイトルの「水仙月」と作品冒頭で出てくる「カリメラ」という語についての説明がある。これらの語はいずれもは宮沢賢治の造語で、水仙月は2月から3月の雪深く寒い時期、「カリメラ」は「赤砂糖を一つまみ入れて、それからザラメを一つまみ入れる。水をたして、あとはくつくつくつと煮る」とテクストにあるので、おそらく「キャラメル」を指す。

『水仙月の四日』は日本有数の豪雪地帯であるこの付近の人々にとっては、とりわけその情景がはっきりと思い浮かぶ作品に違いない。田中直樹は赤いケット（毛布）をかぶった少年とその少年を見守る雪童子を15センチほどの小さな人形に演じさせた。これに対して吹雪のアレゴリーである雪狼は人間の顔と同じくらいの大きさの仮面、そして大吹雪のアレゴリーの雪婆は人間をすっぽり覆い尽くす大きさの紙製の面で表現していた。雪婆が登場する場面では照明が暗くなり、蛍光ライトで雪婆の巨大な顔が白く照らし出される。小さい子供たちは狭い舞台を走り回る雪狼と雪婆を怖がっていた。

少年と雪童子を小型の人形にしたことで、白くて厳しい大自然に翻弄される人間の様子が強調された。また白い美術のなかでの少年の着た鮮やかな赤のケットの色彩の対比も印象的だった。小品だが配慮のいきとどいた工夫の数々によって、大人の観客も子供の観客も異世界に誘う、優れた演出の公演だった。人形と紙製の大きなオブジェ、紙吹雪といった材料はこの作品の上演を考えると定番的な素材だが、そのスペクタクルが作り出す幻想は、宮沢賢治の物語を冗語的に説明するのではなく、その語りの美しさをより印象的に引き立てるものになっていた。（9月1日15時半開演＠Ｕホール）

栗田桃子（文学座）ソロ朗読劇『銀河鉄道の夜』

〔栗田桃子（文学座）ソロ朗読劇『銀河鉄道の夜』〕

銀河ホール地域演劇祭の二日目（9/2）の最初の演目は、文学座の栗田桃子によるソロ朗読劇『銀河鉄道の夜』だった。

会場は銀河ホール。舞台にはいくつものキャンドルが並べられ、中央に椅子が一脚置かれている。背景には静止画の映像が映し出される。栗田はときおり、椅子を立ったり、座ったり、あるいは歩き回ったりしながら、声色で人物を演じ分けて朗読する。

動きもスマートだし、朗読も達者ではあるが、その動作や声色の変化がことごとく定型的で、テクストに書いてあることをそのまま冗語的、説明的になぞっているに過ぎない。テクストの記述に反射的に反応するような中途半端な工夫は、かえってテクストの世界を矮小化し、観客が世界に入り込むことを妨げてしまう。あれなら座ったまま普通に読んだほうがまだ聞き手の想像力を刺激することができるだろう。広い間口の舞台で栗田の芝居が空回りしていた。栗田桃子という魅力的な女優を使った朗読劇がこんなありさまなのはいかにももったいない。演出家あるいは演者の作品に対する思い入れや独自の解釈などを感じとることができない退屈な朗読劇だった。「朗読劇ってこんなものだろう」という演出家の作品に対する取り組みの甘さを感じてしまう。

演出の単調さと照明の暗さで、五分もすると猛烈な眠気の波が襲いかかってくた。私の周囲の観客にも観客も落ちていた人がかなりいた。公演後のアフタートークで宮沢賢治記念館の学芸員と演出の西本由香の話があったが、このアフタトークでも西本の話ははなはだ曖昧模糊としていて、学芸員の語る興味深いエピソードとの対比で、演出家の作品への関心の薄さが露わになっていた。（9月2日14時開演＠銀河ホール）

劇団ぶどう座『植物医師』＠ぶどう座稽古場

〔劇団ぶどう座『植物医師』〕

銀河ホール地域演劇祭で最後に見た演目は、この地を拠点に1950年以降活動を続けているぶどう座の『植物医師』だった。これは他の上演作品のような翻案ではなく、宮沢賢治の書いた短編戯曲の上演だ。私はこの戯曲を読んだことがなかったし、上演を見たことがなかった。ぶどう座は、近年は主宰の川村光夫が高齢（現在96歳）のため実質的に引退状態で、かつてと比べると活動力が大幅に衰えているという話を聞いていたのが、この『植物医師』の公演はその衰退ぶりを感じさせない充実した内容の公演だった。

〔ぶどう座稽古場〕

公演会場は1960年代に建てられたというぶどう座の稽古場である。まさに芝居小屋といった風情の公演会場に、芝居が始まる前から心が浮き立つ。稽古場は北上線の踏切のすぐそばに、踏切の番小屋のように建っている。舞台の間口は6メートルくらいか。舞台奥の壁はさまざまな色の大きな布で覆われている。客席は板間平面と三、四段の段状、詰めれば40人ぐらいは座れると思う。

芝居の始まる前に、劇のオープニングで歌われる宮沢賢治作詞の《花巻農学校精神歌》の練習があった。観客もこの歌を一緒に歌うようにうながされる。これは楽しい趣向だった。

『植物医師』は上演時間30分ほどの小篇だ。岩手のとある村に《植物医師》を名乗る人物が引っ越してきて、植物病院を開業する。しかしこの植物医師の専門家としての知識はどうもいい加減なもののようで、いかにもうさんくさい人物だ。開業した植物病院に村人たちが次々とやってきて、枯れてしまった稲の治療法を訪ねる。植物医師はでまかせのいい加減な対処法を村人たちに伝え、お金を取る。いんちき治療法で易々とお金を稼いだ植物医師だが、彼の処方では稲の被害は収まるどころか、ますます拡大していく。村人たちが医院に戻ってきて植物医師を詰問する。植物医師は口舌でなんとかそれらの非難を丸め込もうとするが、最後には言い返す言葉もなくなり、村人たちの怒りの言葉にうなだれてしまう。善良でお人好しの村人たちはうなだれた植物医師を見て、彼に同情しはじめる。そして先ほどまでの怒りを収め、植物医師を許すのだ。その許しの言葉は、植物医師にとっては怒りにまかせた批判の言葉よりもはるかに重く感じられた。植物医師はますます打ちひしがれてしまう。

〔ぶどう座稽古場内部〕

村人たちが入れ替わり立ち替わり植物医師のもとを訪れ、アドバイスを求める場面では、民話によく見られる同種のやりとりの反復とそのエスカレートが、笑いの効果を作り出している。岩手弁のユーモラスな響きがさらに場面の喜劇性を高めていた。不正に対する怒りと非難よりも、不正に行った人間への大らかな優しさと許しこそが力を持つという宮沢賢治らしい倫理が結末で提示されるが、最後の場面の急転が作り出すドラマの力強さと素朴さに心打たれた。村人たちの許しのことばが発せられるたびに、かがんだ体がどんどん下がり、苦悶と戸惑いの表情が深くなっていく演出と演技は見事だった。

芝居小屋の雰囲気もこの作品の上演にいかにもふさわしいものだった。まさに岩手で岩手の人たちによって演じられることによって、この『植物医師』はいっそう味わい深い作品となっていた。この地でのぶどう座の活動の歴史が染みついた稽古場で、この作品を見られて本当によかった。

終演後には稽古場内で打ち上げがあり、私も短い時間ではあったが、出演メンバーとぶどう座の旧メンバーの方々と座を囲んだ。『植物医師』は主宰の川村光夫演出でもかつて公演をおこなったが、それは27年前のことだと言う。今回の公演の演出を担当した菊池啓二さんに「今回の上演は川村さんの演出を蹈襲したものなのですか？」と聞くと「いや、前の上演はもうだいぶ昔の話で、私も見ていないし。まあ川村風にはやりました（笑）」と仰っていた。

今回のキャストには二十歳台の青年も二名参加していた。彼らは昨年から活動を始めた銀河ホール演劇部の部員だと言う。銀河ホール演劇部は、アートコーディネイターの小堀陽平氏の主導で昨年から活動を始めたサークルだ。小堀さんは「ぶどう座の表現は、この地域の人たちの身体と言葉、感覚に根ざしたものなので、銀河ホールで演劇部を作って活動をはじめましたが、外からやってきた僕たちが作る演劇が、ぶどう座を引き継ぐものにはなり得ないように思うのです。やはりぶどう座は土地の人が継承していくものだと考えています」というようなことを言っていたが、実際に公演を見るとそれが実感できる。

地域演劇祭の締めくくりでこの公演を見、そして短い時間ながらぶどう座の人たちと交流の時間を得ることがでいたのは私にとってはとても有意義なことだった。（9月2日17時開演＠ぶどう座稽古場）

地域演劇祭と西和賀町文化創造館　銀河ホールの活動

〔銀河ホール（後側）とUホール（手前側）〕

西和賀町文化創造館　銀河ホールのことを私が知ったのは二年ほど前のことだ。この劇場が、年に一度の地域演劇祭のみならず、地域に根ざした様々な演劇活動を積極的に行っていること、この地を本拠とする60年以上の伝統を持つぶどう座という劇団があること、劇場の活動の軸となっているのが東京出身で日芸OBのまだ若い青年であることなどを知ったことで好奇心をかき立てられ、いつか訪ねてみたいと思っていた劇場だった。演劇は都市のものという固定観念があった私にとって、東北の山間にある��さな劇場で多彩な演劇活動が行われていることが驚くべきことのように思えたのだ。

銀河ホールはJR北上線ほっとゆだ駅から歩いて数分のところにある。ほっとゆだ駅は北上駅から50分ほど。東京駅から北上駅までは東北新幹線で2時間半から3時間かかるので、東京からだと4時間ぐらいで銀河ホールに行くことができる。地図からの印象より案外近く感じられる。

〔北上線ほっとゆだ駅。駅舎に公衆温泉が附属している〕

西和賀町文化創造館は、銀河ホールのある本館とUホールの別館からなっている。約三百席の銀河ホールの客席はゆったりとしていて、舞台までの距離も遠くない。暖かみのある落ち着いた木製の内装で、芝居を楽しむには理想的な空間だ。劇場の背景に広がるダム湖、錦秋湖の風景が美しい。錦秋湖の湖畔には、野外ステージもあった。

〔銀河ホールの裏手にある野外湖畔ステージ。後ろは錦秋湖〕

人口5000人程度の自治体でこんな立派な公共劇場を持っているところはそんなにないのではないだろうか。西和賀町で演劇が特権的な文化活動になっているのは、この町で60年以上活動を続ける劇団ぶどう座の存在に負うところが大きい。ぶどう座は川村光夫という優れた演劇人のもと、地域演劇の担い手として充実した活動を行い、戦後日本演劇史に重要な足跡を残した。このぶどう座の活動実績があったからこそ、銀河ホールという公共劇場の建設が可能になったのだ。

西和賀町文化創造館（当時はゆだ文化創造館）は1993年に開催された〈第8回国民文化祭いわて’93 〉の会場として建設された。この国民文化祭を兼ねたかたちで〈第1回銀河ホール地域演劇祭〉が行われ、以後、地域文化祭は毎年秋に開催されている。当時、湯田町（2005年に沢内村と合併して西和賀町となる）の役場の職員で、この劇場運営の中核だった新田満氏に話をうかがったのだが、開館から2000年代半ばまでの銀河ホールの活動は目覚ましいものがある。毎年の地域演劇祭の開催のほか、町民を対象とした演劇学校、小中学校での音楽劇制作、行政的区画を超えた高齢者による演劇公演、そしてロシアとアメリカの演劇人を招聘し三週間にわたって行われた大規模な国際的演劇交流事業など、地方の小さな町の公共劇場としては驚異的な活動を展開していく。

しかしこの初期の黄金時代は、こうした活動に熱意をもって取り組んできたキーパーソンの退職とともに終焉を迎える。地域劇団として銀河ホールの活動に大きな影響を持っていたと思われるぶどう座も、主宰の川村光夫の高齢化とともに、活動力が低下していった。おそらく湯田町が沢内村との合併で西和賀町となり、役所内の組織にも大きな改編があった2005年以降、銀河ホールの活動は停滞期に入ったように思われる。

〔銀河ホール内部〕

西和賀が演劇のまちとして再活性化しはじめるのは2011年以降のことだ。きっかけは2012年以降現在まで継続的に行われている《ギンガク》という学生演劇合宿事業だ。この事業の立ち上げで中心的な役割を果たしたのが、当時、日芸の大学院生だった小堀陽平さんだ。今回の滞在では小堀さんからも彼と西和賀町との関わり、銀河ホールの活動について話を聞いた。

彼は2014年以降、地域おこし協力隊の一員として西和賀町に移住し、《ギンガク》の活動のみならず、銀河ホールを核としたさまざまな演劇事業を企画・遂行していく。地域おこし協力隊の3年の任期が終了した2017年度以降、西和賀町は「銀河ホール　アートコーディネーター」という職を小堀さんに用意し、彼は西和賀の嘱託職員として採用された。町の彼に対する信頼と期待の大きさがうかがわれる。

アートコーディネイターとして彼が担当する業務は文化事業全般に関わるものだが、演劇に関わる事業としては、地域演劇祭のほか、学生演劇の合宿《ギンガク》、小中学校での公演・ワークショップ、高校演劇アワード、地域中学への演劇指導、銀河ホール「演劇部」の活動、そして貸し館業務など多岐にわたっている。今後やりたい事業としては、シニア演劇、温泉・観光と組み合わせたイベント、アーティスト・イン・レジデンスなどを挙げていた。

ほっとゆだ駅から銀河ホールにかけての道に「どこにもない演劇のまちをつくろう」と書かれたのぼりが立ち並んでいるが、町外からこの町にやってきた地域おこし協力隊の青年たちがもたらす刺激によって、西和賀は演劇のまちとして新たな一歩を踏み出そうとしている。

第26回銀河ホール地域演劇祭

2018年9月1日（土）- 9月2日（日）

会場：西和賀町文化創造館（銀河ホール・Ｕホール）／劇団ぶどう座稽古場

主催：銀河ホール地域演劇祭実行委員会

後援：西和賀町観光協会・西和賀町芸術文化協会・西和賀町教育委員会

総合舞台監督：内山勉

テクニカルスタッフ：アクト・ディヴァイス

宣伝美術：髙野由茉　小堀陽平

特別協力（記録撮影）：森山紗莉

劇団あしぶえ／島根『セロ弾きのゴーシュ』

9月1日（土） 14:00～＠銀河ホール

出演：松浦 優海、門脇 礼子、上田 郁子、有田 美由樹、伊達 生、有田 美由樹、門脇 礼子、原田 雅史、上田 郁子、川村 真美、牛尾 光希、岩田 和大

演出：園山 土筆

舞台／照明：稲田 道則、岡本 敦、門脇 礼子、長見 好高、原田 雅史

音響：福井 健吾　前村 晴奈

小道具：上田 郁子

衣装：有田 美由樹　川村 真美

制作：前村 晴奈

劇団田中直樹と仲間たち／西和賀『水仙月の四日』

9月1日（土） 15:30～ 　総入替え2回上演＠Uホール

出演：田中 直樹、田中 宏樹

演出／美術：田中 直樹

照明：小堀 陽平（銀河ホール）

雪布操作：田中 真理子

協力：湯田ドライブイン

栗田桃子（文学座）ソロ朗読劇／東京『銀河鉄道の夜』

9月2日（日）14:00〜＠銀河ホール

出演：栗田 桃子（文学座）

演出：西本 由香（文学座）

照明：賀澤 礼子（文学座）

映像・音響：西本 由香（文学座）

美術：米澤 純（Jun's Light Candles）

劇団ぶどう座／西和賀『植物医師』

出演：真嶋 実、池田 慣作、菊池 啓二、高橋 節子、高橋 守、三浦 勇太

演出：菊池 啓二

舞台美術：内山 勉、新井 真紀

音響／照明：真嶋 陽

小道具：髙野 由茉

●片山　幹生（かたやま・みきお）1967年生まれ。兵庫県神戸市出身、東京都練馬区在住。WLスタッフ。フランス語教員、中世フランス文学、フランス演劇研究者。古典戯曲を読む会＠東京の世話人。

[hochagera]

帰り道総括

いつも公演から数カ月がたつと、前回の公演を自然と振り返りたくなる。今回もそんな欲求に駆られて、前作『帰り道』の総括をいたします。

—————————— 野外人形劇団のらぼう 夜の短い物語「帰り道」

2019年10月1日（火）- 14日（日） 毎晩20時開演（内容30分程） あがたの森公園 投げ銭制

出演　前田斜め/成田明加/白鳥達也 表題曲　水野安実と5レモネーズ「帰り道」 ――――――――――

まずは曲の紹介 　本作品は、”水野安実と5レモネーズ”の「帰り道」という曲を表題曲として起用し制作されました。この楽曲は現在、7インチレコードとなって発売中（MARKING RECORDS｜〒390-0811 長野県松本市中央3-12-8｜にて取り扱い）（https://www.instagram.com/p/B9--CK5hOmj/?igshid=dgisahyzi2r9）。さらにはbandcampにてネット販売もしているようです。（https://mizunoami.bandcamp.com/album/-） 　ご興味ある方、また『帰り道』の公演にお越し下さった方は是非お楽しみください。聞くと確かによみがえるあの時の情景が愉しく、心地が良いです。

では総括、

曲から始まったプロジェクト 　今回の作品作りの発端は、のらぼうとしてはそろそろ人形を使って作品を、ひいては巨大人形を使っての作品を作りたいと考えていたところ、別のアプローチから既存の曲を使って芝居が作れないかという提案があった。それが”水野安実と5レモネーズ”の「帰り道」。劇団としてはそろそろ本格的に人形に手を染めていかないと名前だけで体裁を取り繕っていてはかたじけない、と考えていただけでそれ以外に制約はほとんど無かったため、ちょうどいいというかタイミング的にも問題なかったため作品作りに”曲”の命題がつき進行していくことになった。

　そして更にもうひとつ重要だったことは、今回、この「帰り道」という曲のMVをものらぼうの創作でもって制作することになったのだ。この曲はもともと7インチレコードとしてリリース、そして配信が予定されていたためその機会に合わせて今回制作する芝居を映像化したものなどをベースにMVを制作することが目論まれた。つまり曲、そこからの芝居、そしてMVというつながりで付随した作品作りが行われることになったのである。今回はその芝居作りの総括。

　なお、MVに関しては残念ながら制作が滞っている。どうしても芝居の後にMVを仕上げようとすると、芝居の存在に引っ張られてしまいのらぼうのMVになってしまいかねない。それでいてもともとそのつもりで創作してきていたので題材を軌道変更するのは難しい。また、芝居の旨味と映像の旨味は別種であるという基本を改めて目の当たりにし、思考を凝らしたものの満足のいく結果には至らず、大変申し訳ないながらも当初の予定には間に合わずMVの公開は見送られた。

あがたの森公園にて公演 　今回の芝居のスタイルは、お馴染みの野外演劇スタイルである。松本に来てからわたくし前田斜めはこのスタイルでしか創作していないし、基本的に何かやるときはいつも野外がセットで考えるようにもう思考回路がそういうふうにできている。『野外演劇』とか『大道芸』だとか当てはめる枠はいくらかあるのだろうけれど野外演劇というほど大それたものじゃないし、大道芸というほど芸に長けたものでもない。もっと野生的な衝動で外に駆り出されているといった方が近い。単に、光が好きで風が好きで雨も好きでそれを感じていたいから、ただそれだけ。最近は「ストリート」や「路上」といってまとめられた方がしっくり来ている。なんにせよ、野外はのらぼうにとっても一番最初の衝動なのでありどんな作品ももれなく野外での公演をベースに検討される。 　そんな中、今回は松本市のみぞおち（?）辺りに位置するあがたの森公園を公演地に選んだ。これまで自主公演は行ったことのない場所だったが、過去十数年前には全国各地のテント芝居など、野外演劇隆盛期ともいえる時代のその先鋭的集団がいくつも訪れ公演を行っていたと伝え聞いている。ここでの市の公園緑地課との交渉は難航することが予想されたが、今回のような持ち運びスタイルでの小規模開催の場合は苦慮することなく借りられた。まさに夜の短い物語スタイルともいうべき30分程の短い演劇を、客席なし、照明なし、舞台なしで行うということが体現できただけでも功績は大きい。大変に自由度は高いし、これくらいの時間なら立ちっぱなしでもお客さんに苦痛を強いらせない。だいいち座りたくなったら��々見繕って座ることができるし、今回は後述する”移動”が劇中に挟まっていたこともあって立ちっぱなしで30分という印象は薄かったのではないかと勝手に想像している。さらにはこれも後述するように、台詞が一切ない芝居だったことも効果は大きい。台詞がないために聞き取ろうとする必要がない。だから各々眺めたい距離で好き好きに観劇することができる。よく観たければ近くに場所を移せばいいし、なんとなく遠くからぼんやり眺めるということも今回の芝居では相性が良かったように思う。そんな情景をお客さんが個々に選択できるというのは有意義な体験であったのではないか。そんな要因がバランス良く取れた芝居だったように思う。

　さらにこのあがたの森公園というのがまた良くできた公園である。実は次回作（2020.4月現在）もあがたの森公園にて公演しようと考えているのだが下見に行くたびに発見が絶えない。松本市市街地に位置する公園で規模としては一般的な都市にひとつはある中央公園と言うべく大きさの公園であるが、印象としては井之頭公園を彷彿とさせる鬱蒼と覆いかぶさる広大な敷地を想起する。そこは踏み入れると樹木の歴史にタイムスリップし迷い込めば1時間は優に抜け出すことができない錯覚を起こさせるが実際はそんなことはない。意識して歩いてしまえばなんのこともない規模の公園なのだが、どうしたわけか毎回誘われてしまうのだ。さらに敷地内の区分けでもデザインが行き届いておりそれも素晴らしい。令和ではおおよそ体感できない古を醸し出すヒマラヤスギの大木並木や旧制高校校舎の大正ロマンを思わせる木造建築、中世ヨーロッパを知りもしないのに感じさせる中庭、どこまでも続くはずがないのに続いているように見える芝生の広場、かと思ったら日本庭園風の池や松、そして現代アートと化した水のないプール、丘より小高い小さい丘、など。まだまだ余すことなくこの公園を使用したくなる魅力の詰まった小宇宙、それがあがたの森公園なのである。距離も抜群にいい。今後ものらぼうとしては親身にこの公園と付き合っていきたいと考えている。 　なお、上演時間が20時と設定されたのは、平日休日問わずお客さんが来やすい時間でもあり、なにしろ出演者が各々の仕事を終えて集まれる時間、そして公園内にまばらに散歩する人や帰宅する人がいる時間として設定された。これは概ね想定通りであった。

人形先行で作った内容 　まさにこの芝居の主役であり名実ともにデカい存在に間違いなかったのが人形ーサミュエルである。身長3m50cm程ある72歳のおじいさんで、ひとり佇み、ステッキ片手に公園を散歩している。 　今回の芝居はこの巨大人形を使う、ということがもっとも大きく掲げられた命題であった。しかし、その時はまだ巨大人形は存在していない。当たり前のことだが、作らなきゃいけない。そして作ってみてみなければその人形を使った芝居についてなんて考えられない。だからカレンダーを眺めて、ある時から人形の制作のみに舵を切ることにした。それまでは曲を聴きながら、芝居の内容を考えつつ、人形のディティールなども考えていたのだが、そんな悠長なことしてる暇などない、拉致あかない。脚本の完成を待っていては人形の完成が危ぶまれる。脚本などあとだ！というひとり強制連行で次の日から人形制作に取り掛かった。この決断があとあと功をそうした。やはり人形制作というものは時間がかかるし、ましてや初めて、更には規格外の巨大人形ともなると単純に足の長さ、手の長さ、首、頭などわからないこと、やってみて初めて気がつくことのオンパレードで予想よりもはるかに難航し時間がかかり、また、予算も大きく跳ね上がった。結果として人形の大まかな部分はわたし斜めが制作し、衣装や色塗りといったところを女性チームが制作した。真夏の倉庫でラジオから流れる甲子園を聴きながら、次第に形作られる骨格に衣装や帽子などの装飾品も加わり、えてして愛おしい風合いのサミュエル人形は完成した。芝居の内容はこの完成した人形を元に作られていくことになる。

　この人形は、立てる、歩ける、座れる、見れる（首が動かせる）、触れる（手を動かせる）、握れる、などなど、できることを列挙していった。当たり前にできそうなことでも操作性からやり辛いこともある。だからできないことは無理してやらない。もしも先に脚本を仕上げていたら無理が生じて苦悩していたかもしれないけれど、この人形でできることのみを構成していったことにより、そういった不具合は発生しなかった。そうして列挙されたサミュエルの動きから抜粋してそれぞれをつなぎ合わせてゆきひとつの流れの作品になった。だから特別な物語はなかった、と考えている。何か物語の進展や変化を提示することなく佇むということを肯定した芝居になったのではないか。 　ひとつだけ、この人形は巨大ではあるものの『歩ける』ということだけは最初から大前提に掲げて制作していた。世の中には色々な手法で作られ操作される人形があるわけだけれども、実際は浮いていたり、歩いているように見えて水平移動しているだけだったりと様々だが、サミュエルは補助や土台となる台座は必要だったものの『歩ける』ということだけは最初から念頭に置いき、実際1人が人形の足元に搭乗する形で両足を操作し、しっかりと地に足をつけ、足音も鳴らせて歩くことのできる人形に仕上がった。 ※ここではロワイヤルドリュクスの巨大人形の影響を大きく受けている。その作品もさることながら作品の展開の仕方や町との関係性が大変興味深い。造船が盛んな港町でその溶接技術を活かし、職人や町そのものを巻き込んだ作品を仕上げようと始まったプロジェクトだとか。5年に1度くらいのペースで作品が発表されその規格外の大きさ、規模、技巧、人員を有した作品は完全に唯一無二。 https://www.youtube.com/watch?v=qtXyXVVssQ4 （久シブリニ映像見マシタケド比較対象ニナリマセンネ。。。コンナスバラシイセカイヲアリガトウ。。。）

芝居中に人形とともに歩いて移動 　これはもともと構想に入れてた部分ではあるが、個人的に観劇中に移動を要するとか、何かしら強制的にお客さんに強いるということには良い印象を持っていなかったので、作品の構想が固まってくるうちに後回しにされ、結果的には本番前に公園内を練り歩く通称パレードと称されて準備されていた。なんとなく30分ばかし練り歩いて所定の場所までやってきてそこで公演をやればいいのではないか？というような魂胆。しかしそれが本番の前日か前々日？のゲネで大きく変更してしまった。作品の途中で、突如として人形が立ち上がってお客さんを引き連れて歩くことができるのではないか？というイメージが湧いたのであるが、これその時とっても重要なことと思われた。

　芝居でもなんでも、何か物事を始める時の発端はいつでも入射角というのを重要に考える。地平線上に沿うように物事を出現させるのか、それとも逆行させたりせき止めたりするように物事を出現させるのか。今回の芝居ではこの入射角は非常に滑らかである必要があった。つまり、日常のあがたの森公園のその先の延長線上に劇世界がある必要があった。その”いざない”として今回の芝居では”歩く”ということが効果を発揮したと思っている。”歩く”ことが公演の前の時間に別物としてなんとなく行われるよりも、劇中にお客さんとともに確実に行われることで日常の上を歩いているはずが、いつの間にか劇世界にのめり込んで行く、さっきまでの”眺める”、”観る”という行為よりもはっきりと一緒に劇世界を体験することができたのではないか。そのことが今回の芝居の中で邪魔にならなかった要因は、まずあがたの森公園のロケーションが素晴らしかったこと。そしてその規模とサミュエル人形の大きさがマッチしたこと、さらにサミュエル人形の歩くという行為のみにおいても足音や見上げる表情など愉しむに足る時間を演出できたこと、などがあるのではないか。これなかなか人間だけの芝居ではやるのに勇気がでない。できる、のだろうとは思うけれども本作品においては巨大人形であるサミュエルの魅力が十分に発揮されてこそ成り立ったシーンであった。演っている方としてもただ歩いているだけなのに、今まで体験したことのない印象深い���ーンであった。 　実際に本番で歩いたのと同じ距離を歩いてみると途方もなく短く感じる。1分もあれば十分に歩いて来れる距離を、作品では10分間かけて人形とともに歩いた。 ※ここでは「老いと演劇」Oibokkeshiの”徘徊演劇”を参照した。もともとメンバーの成田明加発案で”歩く”というものがあり、紹介されたのが徘徊演劇であった。この公演自体に立ち会ったことはないけれど、そのスタイルに大きく惹かれる。しかしこの作品の場合は台詞がある。一体どうやってまともているのだろうか。しかしこんな形式でも作品が作れるとするならば、と想像するとまだまだやれる面白そうなことはごまんとあり、まさしく宝庫である。これだから路上はやめられない。 https://youtu.be/GbseDpRNza4

台詞がなかった 　今回の芝居は台詞なしで約30分間が構成された。それによってももたらされた効果や語ることができたことがあるということを、忘れたくない。 　音楽家やダンサー、舞踏家の先輩方諸氏の作品に触れる度自分としてはどうであろうかと考えることがしばしばあり、芝居では台詞語りを多く用いることにやるせなさを感じたりもしていた。同じ時間芸術であるとして、どうして彼らは言葉がなくても表現が成立するのかということを頭でっかちに考えてみたりした。

　いつだって衝動とそのカウンターの繰り返しで創作活動は行われるけれど、言葉ではない表現は常に憧れている部分でもあるし、それでいて、”言葉で語る”ということは僕たちが持っている身体や表情、その他の技術や小道具や音響、照明、美術といった芝居をする上で舞台上に当たり前に持っている術の一つに過ぎないのだと理解すべきだ。だからつまり、語る時は大抵の場合言葉に頼ってしまうけれど、必ずしも言葉を使って語る必要に迫られなくていい。その他の要素と鑑みて、動くか道具を使うか音楽を使うか、それとも言葉を使うのか、舞台であるがゆえに選択は様々ある。そのことが少しだけ垣間見えた公演であった。 　かつてアウトサイダーアートを目の当たりにして感銘を受けた少年であった私であったが、その時も似たような感慨があった。いわゆるアウトサイダーと呼ばれる人たちがいて、その人たちはよき事業所や介助者、そして自分にあった手法に巡り合った場合、怒涛の勢いで嬉々として数々の作品を世に送り出している。彼らは、日々創作活動に打ち込んでいる、というわけではなくもっともっと初期衝動的なエネルギーを保ち続けて結晶化し、それが結果として作品に結びつき世に送り出されている。だからつまりアウトサイダーというものは、初期衝動という点では誰しもがそうなりうる可能性を平等に秘めているわけであり、しかしそのことを知ってしまってはいけないし、そこに甲乙がついたり、その存在を世の中が発見してしまってはアウトサイダーとしての定義を失ってしまうのでややこしいのだけれど、ここではそのことは一旦置いておいて、そのアウトサイダーと呼ばれる人たちの言ってしまえば『無駄』とも捉えうるような、あくなきまでの探究心とその行動に自分の『持っているものと持っていないもの』というものに関して考える機会があった。

　どうして彼らはここまで闇雲に夢中になってとある行動（例えばひたすらに布を縫ったり、木を掘ったり、鉛筆がなくなるまで紙に擦り付けて絵を描いたり）を続けることができるのか。僕は芝居なんてものをしているものだから、それは少なくともひとつの衝動では成り立たないし、どんなに小規模でやろうとしても自分以外の要素の力が必要だし、なおかつ複数人でやる場合は他者への理解や信頼がなければ成り立たない。そんなどうにもこうにも初期衝動とは遠いところで戦っているのに、果たしてどうしてその衝動を保っていられようか。で、今回は台詞があるのか、ないのか、なんてことに命題を置いたりしてあーでもないこーでもないと頭を悩ませており、そのこと自身が煩わしくてし���うがないのだが、この生きてく上での性ともいうべきしょうもない秩序に自分で自分を苦しめて、アウトサイダーのことを羨ましく思ったりした時期もあった。しかしそこで例えば自分で自分の持っている技をひとつ置いて、つまり自分自身を拘束してやれることを削り舞台上に上がろうとすると、それはそれであざとく白々しく映る。潔くない。健康的でない。だってアウトサーダーになろうとしてやることを削ったって（つまり『言葉を使わない』とか）、そんなアプローチをしようとした時点で残念ながらアウトライダーにはなれないのだから。アウトサイダーそんなこと考えていない。だから違うのだ。セリフがあるなしとかではないのだ。五体満足に、そして言語を有して生まれたこの存在と環境を存分に発揮して余すことなく全てをぶつけてもってして、やっと表現というものは成り立つのである。結果としてそれがある分野においてはアウトサイダーたるかもしれず、行き過ぎて専門になったり時代次第では大衆になったりする。しかしそんなこと発端のプレイヤーが考えるには及ばないのであり周りが判断すればいい。ただひたすらに闇雲に邁進する姿に憧れたのではなかったか。だから金輪際、今回の作品で僕たちは言葉を使わなかったというのではなく、無言を使った、という風に理解したい。そう考えると、台詞を有さなかったことの意義が見えてくる。無言を貫いたことで作品としては眺める人それぞれの捉え方の幅が広がり、見続けても見飽きない、また何度見ても耐えうる、そんな作品になったのではないかと思い返す。実際何度も足を運んでくれる人は多かったし、会期中必ず訪れる仕事帰りのサラリーマン風のおじさまも印象的な存在だった。もちろん子どもや外国人にも受け入れられた。この無言であるがゆえに伝えられることがあるということは今後忘れてしまいがちなことでもあるので肝に銘じたい。言葉は常に持っている。でもその効果に適切に照らし合わせて使ってもいいし使わなくてもいい。

　そして最後に、この芝居は終始言葉がない言葉がないと言っておきながら、よく考えたらあるではないか。最後に流れる表題曲にだけは言葉があるではないかと気が付いた。これは明らかにそこにいた全員が耳にする作品中唯一こちらから提示する言葉であって、曲がここで浮き彫りになって立ち現れる。はっと聞き入る、そんなこともできるのかと改めて言葉を発露するということの意義深さを感じられた瞬間であった。

※写真は全てdig-earth yohei ito撮影

[theatrum-wl]

【アンケート企画】 「2018年の3本」

WLでは読者のみなさんから2018年に見た舞台作品の中で印象に残った3本を、その理由などを書いたコメントとあわせて募るアンケートを実施しました。WLスタート以来毎年行っているこの企画、4回目の今回は17名の方にご参加いただきました。掲載は到着順です。

まなぶ（司書） ・北海道余市紅志高等学校『おにぎり』（サントミューゼ） ・志賀澤子『ROSE ローズ』（シアターΧ） ・スペースノットブランク『舞台らしき舞台されど舞台』（カフェムリウイ） 『おにぎり』高校演劇を観始めて1年半くらいたつが、初めて全国大会に参加することができた。何回も反芻してもう一度観たいのは『おにぎり』で、野球部員が黙々とおにぎりを握るあの静けさをまた体験したい。と思ったら東京学芸大が再演するそうなのでたのしみ。で、高校生たちのうち何人が演劇/観劇を続けるのだろう。 『ROSE ローズ』3回鑑賞して、演者だけでなく観客としての私自身の変化を定点観測的に感じることができた。安すぎる価格設定や毎回のアフタートークなど、シアターΧの取り組みは素晴らしいと思う。両国門天ホールを含めて両国によく通った一年だった。再演文化の定着は私も希望したい。 『舞台らしき舞台されど舞台』信頼があるからこそ演者や観客に負荷をかけることができる。せんがわ劇場演劇コンクールや高松アーティスト・イン・レジデンスへの参加など、積極的に外に出ようとする姿勢が創作の源泉になっているのだと思う。（年間観劇本数：83）

中西理（演劇舞踊評論） ・劇団ホエイ『郷愁の丘ロマントピア』（こまばアゴラ劇場） ・青年団『日本文学盛衰史』（吉祥寺シアター） ・範宙遊泳『＃禁じられた遊び』（吉祥寺シアター） 山田百次（青年団演出部、劇団ホエイ）の劇作家・演出家・俳優としての八面六臂の活躍ぶりには凄いものがあった。作・演出・出演を兼ねる劇団ホエイでは北海道三部作の完結編として夕張の炭鉱町に生きた男たちの群像をみごとに描き出した「郷愁の丘ロマントピア」を上演した。俳優として出演したオフィスコットーネ「山の声」も忘れがたい名演であった。青年団はこの山田を代表に演出部の作家たちの群雄割拠の活動が目立ったが、平田オリザの新作「日本文学盛衰史」も明治の文学者たちの生き様を現代と重ね合わせた傑作。青年団以外では範宙遊泳の山本卓卓も引き続き存在感を見せた。（年間観劇本数：250）

野呂  瑠美子（一観客） ・東京ハンバーグ『夜明け前、私たちは立ち上がる』（シアターサンモール） ・ナショナル・シアター・ライヴ『Young Marx』（TOHOシネマズ日本橋） ・西瓜糖『レバア』（テアトルBONBON） 過疎化している貧乏な地域が狙われるという鉄則通り、標的の町となった三重県芦浜原発の、地元有志による37年に渡る白紙撤回闘争の有様が、懐かしい伊勢弁とともに心に滲みた「夜明け前、私たちは立ち上がる」。札びらで頬を撫でられて、次々と屈服していく人々や、それでも闘志をかきたててピケを張りに行く人々の姿が沖縄やフクシマと重なった。また、西瓜糖「レバア」も敗戦後の日本人のたくましさや惨めさをリアルに描き、半壊した洋館など舞台美術も役者の演技も秀逸。イギリスの舞台はどれを見ても水準が高く、俳優の層の厚さ、舞台美術、斬新な演出など、どれをとっても素晴らしいものが多いが、「Young Marx」は舞台装置と場面転換の妙、俳優たちの名演で、深刻な話を明るくコメディタッチで描き、最初から最後まで楽しめた。（年間観劇本数：70）

kiki（地方公務員） ・iaku『粛々と運針』（こまばアゴラ劇場） ・青年団リンク やしゃご『上空に光る』（アトリエ春風舎） ・MCR『櫻井さん』（OFF・OFFシアター） 自分の好みが変わったことを気づかされる3本。それぞれに、人が生きていく中で出会う行き場のない想いを鮮やかに切り取っていた。 粛々と運針：題材・構成・演出・俳優等がとてもよく噛み合って、芝居というものの面白さってこういうことだよなぁ、と思わせられた。 上空に光る：正解なんかない、それぞれの抱えたものは抱えたままで、それでも生きていくしかない人々の物語。特定の状況を丁重に描きながら、その中に普遍的なものが息づいていた。 櫻井さん：変な奴ばかり出てくるのに、どうしてこんなに刺さるんだろう。声を立てて笑ってるのに、いたたまれないくらい遣る瀬ない。ヒリヒリするほど酷い話なのに、登場人物たちへ向ける眼差しはどこかやさしい。この奇妙な物語を観ることができてよかった。（年間観劇本数：139）

青木  克敏（地方公務員） ・iaku『逢いにいくの、雨だけど』 ・iaku『梨の礫の梨』 ・オーケストラ・アンサンブル金沢『ペリアスとメザリンド』 iakuの横山拓也さんの活躍、そして深化が著しかった。3作品全て横山作品としたいぐらいでしたが、8月に上演されたボルドー国立歌劇場との共同プロダクションが素晴らしかったので。（年間観劇本数：40）

北村  紗衣（研究者） ・東宝『おもろい女』(シアタークリエ) ・『ヴェニスの商人』(ユタ・シェイクスピア・フェスティヴァル) ・ナショナル・シアター・ライヴ『ジュリアス・シーザー』 舞台を撮って映画館で上映するという形式がどんどん力を増しているように感じます。（年間観劇本数：118 ）

矢作  勝義（劇場プロデューサー） ・mizhen『溶けない世界と』（日暮里d-倉庫） ・スペースノットブランク『ネイティブ』（せんがわ劇場） ・iaku『逢いにいくの、雨だけど』（三鷹市芸術文化センター星のホール） 今年の3本は、さらなる活躍が期待される3つのカンパニーの作品を選びました。並びは観劇順。mizuhenの作・演出の藤原佳奈は世界を切り取る独特な視点の面白さが秀逸。スペースノットブランクの小野彩加と中澤陽はオリジナリティーに溢れ、今後どのような作品を見せてくれるか楽しみ。特に小野さんの身体能力の高さは注目。iakuの横山拓也は、繊細かつ緻密に物語を紡ぎ出し、三鷹の大きな空間を生かした美術と演出により、iakuの作品の可能性をさらに広げた。 もちろん、先行世代も素晴らしい作品を上演した一年でした。穂の国とよはし芸術劇場で上演された糸井幸之介と木ノ下裕一による「とよはしの街の物語」、桑原裕子によるKAKUTA「ねこはしる」をはじめ、岡田利規、長田育恵、金山寿甲、柴幸男、詩森ろば、高木登、谷賢一、タニノクロウ、中村暢明、野木萌木、藤田貴大などのアーティスト達の2019年が楽しみです。（年間観劇本数：169）

和哉  遊柘 （観客） ・ヨーロッパ企画『サマータイムマシン・ワンスモア』（本多劇場） ・TEAM NACS『PARAMUSHIR～信じ続けた士魂の旗を掲げて』（森ノ宮ピロティホール、赤坂ACTシアターほか) ・くによし組『ケレン・ヘラー』(王子小劇場） ・精緻で巧みでそして何より面白い。前作より登場人物が増えたのに魅力が増してるのはマジックとしか言い様がない。傑作。 ・このカンパニーで今できるベストの公演かつ演出家として森崎博之の持ち味のエモーショナルさ・ダイナミックさが遺憾無く発揮されている。 ・切実で突き刺さる物語とその疾走感もいい上に、二人一役の必然性のある演出もぴったり嵌っていた。 他、次点で、ブラボーカンパニー『タイトル未定2018』『サムシング・ロッテン！』は、ほぼ同時期に福田雄一が関わる作品で双子のような作品でセットとして観ても面白い。 今年は良作は多数あったが傑作は少ない印象で物足りないのが正直なところ。また中～大劇場規模の演出が出来る演出家やその規模の客席を埋められる人材不足が目に付く。中～大規模の舞台を観る身としては、早急に見直しをお願いしたい。特に演出家は急務では。（年間観劇本数：103 ）

薙野  信喜（無職） ・ヨーロッパ企画『サマータイムマシン・ワンスモア』（西鉄ホール） ・フィリップ・ドゥクフレ／DCA『新作短編集（2017）―Nouvelles Pièces Courtes』(北九州芸術劇場) ・KERA•MAP『修道女たち』（北九州芸術劇場） 2018年もいい舞台が九州で観られたのはありがたかった。選んだ3本以外にも、二兎社「ザ・空気 ver.2 誰も書いてはならぬ」、「老いと演劇-OiBokkeShi《オイ・ボッケ・シ》の活動から学ぶ「人生100年時代」の生き方！」、中村敦夫一人芝居「朗読劇 線量計が鳴る」、SPAC「寿歌」などのすばらしい舞台が多かった。九州の劇団では､ 最新旧型機クロックアップ・サイリックス「上下左右」、go to・Theちゃぶ台「愛の讃歌」がおもしろかった。九州で作られた、北九州芸術劇場プロデュース「彼の地Ⅱ」、ニコちゃんの会「走れ！メロス。」も楽しめた。（年間観劇本数：129）

町田  博治（会社役員） ・静岡県立三島北高校演劇部『またね。』（山梨県立県民文化ホール） ・青年団『日本文学盛衰史』（吉祥寺シアター） ・モメラス『反復と循環に付随するぼんやりの冒険』（北千住 BUoY）  3作品を選ぶのはかなり難しい。初見の作品を選ばせていただいたが、再演の作品にも、SPAC『マハーバーラタ』、iaku『粛々と運針』、劇団こふく劇場『ただいま』など素晴らしい作品が多くあった。今年の3作品以外にも、ホエイ『郷愁の丘ロマントピア』、千葉県立松戸高校『Time After Time　(「インディアンサマー」より)、iaku『人の気も知らないで』、『逢いに行くの、雨だけど』、うさぎストライプ『空想科学Ⅱ』など素晴しかった。 『またね。』高校生達の葛藤を深く掘り下げた見事な脚本と演技で魅せられた。女性、女子高生だから書けた女子同士の関係性や友達関係が崩れたあとの女子の葛藤を、受験を柱に深く掘り下げた見事な作品。 『日本文学盛衰史』日本文学と演劇への青年団からのエール。 『反復と循環に付随するぼんやりの冒険』これぞ演劇。観終わったあとの高揚感が凄かった。役者の演技も出色だった。（年間観劇本数：316）

りいちろ (会社員） ・マームとジプシー『BEACH』（VACANT） ・iaku 『逢いにいくの、雨だけど』（三鷹市芸術文化センター星のホール） ・マコンドープロデュース『空と東京タワーの隣の隣』（下北沢 スターダスト） 3本は演劇だから受け取りうる、言葉に為しえない細微で立体的な記憶の感触に深く染められた舞台。 演劇だからということでは、シリアルナンバーや劇団チョコレートケーキなどの作品たちが編む世界観にも心揺さぶられた。長田育恵戯曲達の強さと確かさにも痺れる。RoMT『ギャンブラーの為の終活入門』、MCR『親展』、サカサマナコ『静かな欠片』なども圧巻だった。 モダンスイマーズ、シリアルナンバー、MCR、泣かないで、毒きのこちゃんなどによる過去作品群の再演があり、回顧ではなく作り手の踏み出しと感じることがとても豊かに思える。qui-co、月刊根本宗子、くによし組、ピヨピヨレボリューション、キュイ、mizhen、第２７班、アナログスイッチ、牡丹茶房、日本のラジオ、肋骨蜜柑同好会、劇団普通、遠吠え、やみ・あがりシアター、ワワフラミンゴ、書ききれない程多くの作り手たちの企てや進化が心強く思えた一年でもあった。（年間観劇本数：330）

片山  幹生（WLスタッフ） ・ゲッコーパレード『リンドバークたちの飛行』（早稲田大学演劇博物館） ・ゴールド・アーツ・クラブ『病は気から』（彩の国さいたま芸術劇場 大ホール） ・iaku『逢いにいくの、雨だけど』（三鷹市芸術文化センター星のホール） ゲッコーパレード『リンドバークたちの飛行』は2018年に見たなかで最も印象的な舞台だった。早稲田大学演劇博物館という空間の特性を十全に利用した見事な演出。リンドバークを引き受けた河原舞は観客たちをかの地への旅へと誘う魅力的なパイロットとなった。彼女の身体と声が伝えるリンドバークのことばに観客はさまざまな隠喩を読み取ったはずだ。ノゾエ征爾演出の『病は気から』は数百人の素人老人俳優のエネルギーに満ちた驚異的な規模と発想のモリエール劇だった。今年はiaku／横山拓也の年だった。アクロバティックでスリリングなせりふのやり取りのなかから生まれるドラマの豊かさが横山戯曲の魅力だ。上演作品はいずれもせりふ劇の面白さを堪能することができる傑作だったが、ここでは彼のこれまでの劇作術の成果が集約されたような『逢いにいくの、雨だけど』を特に挙げておきたい。（年間観劇本数： 118）

中村  奏太（プロデューサー） ・高松桜井高校演劇部『わたしの星』（綾歌総合文化会館アイレックス 大ホール） ・OM-2『ハムレットマシーン』（d-倉庫） ・青年団『銀河鉄道の夜』（さいたま市 プラザノース ホール） 今年は高松桜井の『わたしの星』が圧倒的だった。二年前、同校が初演版の『わたしの星』を上演したときも３本に挙げた。今回は代替わりをし、再演版の『わたしの星』を上演。人間の美しさ、一瞬の煌めきが世界に広がり、鼓動のように心に響く60分。驚くほどのクオリティだった。 OM-2『ハムレットマシーン』は、テキストでしか読んだことのなかったこの作品世界の深さ、広がりを体感できた。 青年団『銀河鉄道の夜』は、広い舞台に立ち上がる美しい世界と、ジョバンニ役の井上みなみの好演により、心が宇宙と一つになった風景が見えた。 2018年は、演劇の時間のなかで、世界の広さを体感できる作品に特に心を動かされた。（年間観劇本数：200 ）

でんない  いっこう（自由業） ・パルコプロデュース『チルドレン』（さいたま芸術劇場 大ホール） ・新国立劇場『スカイライト』（新国立劇場 小劇場） ・風姿花伝プロデュース『女中たち〉』（シアター風姿花伝） 意識はなかったが３人のみの芝居に充分に惹かれた。決して内向きになる訳ではない。①は”心の痛み”が人を動かし、②は”生きるということ”の違いを出し、③は”嫉みの愛情”の結末。それぞれが社会、教育、権力などについて考えさせられる。他には台詞の面白さで『忘れる日本人』一人芝居の凄さで『FULLY  COMITTED』老いの日常で『うん、さようなら』正義の歪さで『わたし、と戦争』国が人を殺す戦争以外の死で『善悪の彼岸』を挙げたい。（年間観劇本数：58）

森岡  実穂（大学教員） ・KJプランニングス『ザ・モニュメント　記念碑』（プロト・シアター） ・世田谷パブリックシアター『岸 リトラル』（世田谷パブリックシアター） ・パルコプロデュース『豊饒の海』（シアターコクーン） 順番は上演順で、演劇・ダンスのみからの選択。小劇場の上演からは川口典成演出、コリーン・ワグナー『ザ・モニュメント』（翻訳：神保良介）。娘を奪われた母親（西田夏奈子）の、理性を超えた「忘却」への抵抗があまりに強烈で、2018年はほかの作品を観てこの作品を思い出すことが何度もあった。外国戯曲上演の中では上村聡史演出、ワジディ・ムワワド『岸 リトラル』（翻訳：藤井慎太郎）。これも豊かなイメージで喪と記憶、残された者たちの生が語られた。ムワワドの作品はぜひ今後も紹介してほしい。世田谷パブリックシアターでは森新太郎演出『The Silver Tassie 銀杯』など、他では難しそうな翻訳戯曲を積極的に上演してくれてありがたい。日本で書かれた戯曲上演では、素晴らしい役者陣を揃えて壮大な物語を美しい構造で語ったマックス・ウェブスター演出、長田育恵『豊饒の海』。長田は『海越えの花たち』も素晴らしかった。（年間観劇本数：50 ）

今井  克佳（大学教員） ・渡辺源四郎商店×(一社)おきなわ芸術文化の箱『ハイサイせば～Hello-Goodbye～』（こまばアゴラ劇場） ・こふく劇場『ただいま』（こまばアゴラ劇場） ・地点＋空間現代『グッド・バイ』（吉祥寺シアター） 多くの優れた演目、記憶に残る舞台を2018年も見ることができた。大劇場や高額の演目および新劇系統にももちろん優れた上演がたくさんあったが、サイトの特質上避けて、小劇場中心に選んでみたところこの三本となった。いずれもやや前衛的な演出傾向のある演目となった。『はいさいせば』はウチナーグチと津軽方言という発想が印象深く、『ただいま』は古典芸能の道具立てで展開していく家族ドラマのスタイルが興味深い。『グッド・バイ』地点と空間現代の共演のレベルが一つ上がり、言葉と音楽と身体が一体化したパフォーマンスを楽しんだ。また出演俳優の力量も三本とも優れていた。いずれも東京で鑑賞したが、発信地は、青森、沖縄、京都、宮崎と全て地方である。演劇における周縁（地方）の力を再認識するとともに、うち二本が上演されたこまばアゴラ劇場が果たしてきた役割の重要性にも思いが至る。（年間観劇本数：118）

小泉 うめ（観劇人・WLスタッフ） ・なかないで、毒きのこちゃん『やっぱり!おれたちにあすはないっすネ』（ザ・スズナリ） ・制作「山口ちはる」プロデュース『恋愛監獄』（小劇場 楽園） ・地蔵中毒『「淫乱和尚の水色腹筋地獄」改め「西口直結！阿闍梨餅展示ブース」』（王子スタジオ1） 選んだ3団体はいずれも驚異的なペースで創作を続けており、また単に多産というだけでなくどれもが秀作揃いで団体を選んでから作品を選ぶのもまた大変だった。なかないで、毒きのこちゃんのこの作品は地方公共劇場のプログラムディレクターに是非知って欲しい。この3団体は2019年も継続して活躍が期待できると思う。2018年を概して言えば、遅筆騒動が多く、またそれを扱った作品も多かった。それが理由とは感じていないが、新作戯曲に目を見張るものが少ない。これは2019年に更に期待したい。（年間観劇本数：365）