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Transporte a la abstracción a través del arte-terapia: Alivio mental, creatividad y Margaret Naumburg

                                                                             Por: Wilmari Vélez Feliciano

     La población es testigo de los problemas patológicos que enfrenta la niñez, adolescencia, adultez y vejez en el mundo. Como todo, el arte terapia guarda su propia esencia. Los materiales grafico-plásticos-como la pintura, el dibujo, la escultura, la fotografía e instalaciones- son intermediarios entre el individuo que la experimenta como en el arte-terapeuta. Esta tiene consigo, un punto de enfoque que impulsa a la persona tratada a producir imágenes y objetos a través de cada medio, con el propósito de crear conciencia y el desarrollo de restauración a sus propios problemas psicológicos, e incluso, impulsa al individuo a encontrarse a sí mismo a través de la habilidad que puede ser generada por su persona. Esta crea una capacidad de creatividad y capacitación de comunicar a través de imágenes lo que no pueden a través de palabras. Cada individuo, logra capturar en las imágenes la vivencia y cotidianidad que enfrentan o enfrentaron en algún momento de sus vidas. No obstante, dan significados a experiencias personales a través de cada textura, color u otro medio gráfico logrando descubrir su propio ente. 

      Dicha terapia, no requiere poseer una técnica, ni conocimiento artístico, ya que la producción de dichas imágenes esutilizada para reintegrar los problemas enfrentados por el individuo y lograr desarrollarse con la sociedad. Asimismo, incita al individuo a desplegar su propio arte, sin la necesidad de regirse por cánones establecidos, pues existe un nivel de libertad a la experimentación abstracta pictórica. Por otra parte, cabe mencionar, que el arte-terapia a su vez, se convierte en un medio que crea deseo de crecimiento personal en el individuo, y estambién considerada como una de las terapias creativas, a través de la cual se logra obtener un arte abstracto que logra posicionarse e integrarse a la museología.

     En el siglo XXI, lamuseología trae consigo -como propósito-el interés de unificación de sectores sociales adversos y desligados a los museos.Por lo tanto, la reciprocidad entre dichas disciplinas, puedelucrar de gran manera su práctica. La correlación entre arte-terapia y museología,facilita la ampliación de indagación e invención al campo, con el ingenio de nuevas técnicas y enfoques metodológicos que comprometan la asistencia de un públicoabundante y un incremento social a través del arte. El museo Unicaja Peinado de Ronda en Joaquin España, busca nuevas metodologías acondicionadas a los diferentes niveles formativos y enfocados a apoyar a colectivos con necesidades especiales. Nos muestra una exposición de obras, las cuales fueron llevadas a cabo en talleres de arte-terapia, dirigidos a individuos con discapacidad mental (fig. 1).

fig.1

     El arte-terapia proviene de los Estados Unidos, y surgió en la década de los 30 por medio de Margaret Naumburg, Edith Kramer y Florence, pero fue Naumburg de las primeras personas que utilizoel término de arte-terapia como una profesión. Naumburg (fig. 2), fue una psicoanalista, artista y educadora neoyorquina. Esta centra su trabajo en la teoría de Freud, el simbolismo de Jung e ideas de psiquiatría de Harry Stack, por lo que pudo obtener un resultado que causo conmoción en ella y esto fue la eficaz alocución simbólica y expresiva en las obras de sus estudiantes (fig. 3). Por lo tanto, es un nuevo lenguaje de arte, que por dentro desea salir, pero que por fuera se cohíbe al que dirá una sociedad llena de tabúes. Según Naumburg, “el proceso de terapia artística se basa en reconocer que los sentimientos y pensamientos más fundamentales del hombre, derivados del inconsciente, alcanzan expresión a través de imágenes y no de palabras”. No pasando por alto, su libro publicado en el 1928 y titulado TheChild and theWorld(fig.4), fue uno de los primeros libros del uso terapéutico de expresión gráfica y uno de sus últimos lo fue, AnIntroduction to Art Therapypublicado en el año 1966 (fig.5).

fig. 2

fig.3

fig.4

fig.5

     En conclusión, el arte-terapia nos lleva a entender el éxito de alcanzar expresiones y responder al subconsciente mediante imágenes y no palabras. El arte-terapia conecta al individuo con su propio yo, y lo encamina a experimentar el arte a través de su propia conciencia, donde solo hay espacio para la creatividad que conecta mediante sentimientos catapultados dentro del artista que vive en su interior e interpreta en sus obras, pero que a su vez le hace rencontrarse y auto-evaluarse, para restaurar al artista que vive en él o ella. Una abstracción retenida que siempre pensó era una imposibilidad por falta de talento o aptitud y conocimiento. Incluso, por señalamientos de la sociedad sobre su manera de pensar, no solo a un tipo de arte, sino al artista incomprendido que expresa sus sentimientos mediante una obra. Debe ser Puerto Rico, uno más en la lista de la práctica al arte-terapia, pues la pasión al arte y problemas latentes que enfrenta la sociedad se convertirían en un solo ente y pasarían a ser un nuevo tipo de arte en el país.

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La admiración divina hecha carne

                                                                                           Por: Krismarie Soto

     El arte es un medio de expresión muy variado que ha girado en torno a diversos medios y temas a través de toda su existencia. En la actualidad, una de las formas másrápidas de reproducir imágenes expresivas se realiza a través de la captura fotográfica. Dentro de este campo, existe una joven fotógrafa que ha centrado sus imágenes alrededorde la figura de la mujery el papel protagónico que ésta ocupa en la sociedad actual y en la historia de la humanidad. Este tema ha sido uno de los más utilizados desde la prehistoria. No obstante, su modo de representación,con respecto a sus proporciones ideales y los estándares de bellezas de las mismas, ha sido uno muy cambiante, y justo ésta línea es la que sigue lamencionada artista.

     Zhang Jingna, es una de las fotógrafas más flamantesdel siglo XXI. Ésta joven china de veintiséis años, proveniente de una familia de deportistas, comenzó en este medio artístico a la edad de dieciocho años, cuando por primera vez tomó una cámara en sus manos. Sus imágenes han causado un gran impacto en la sociedad y el mundo comercial, motivo por el cual sus obras han sido alagadas pordiversascompañías reconocidas a nivel internacional. Empresas como Mercedes Benz y MontBlanc, le han brindado la oportunidad de participar en la creación de campañas de promoción para las mismas. Asimismo, la artista, quien actualmente se encuentra trabajando como fotógrafa de modas en Nueva York, ha logrado presentar sus creaciones en diversas revistas de modas, especialmente para mujeres, de los Estados Unidos.No obstante, no todo su trabajo se enfoca en la promociones, pues ella también captura imágenes como parte de su pasatiempo. 

     Jingna realizó exposiciones de fotografías basadas en un tema específico. Una de sus series más exitosas lo fue Mother Chronicles en la cual presentó el tema del arte de la fantasía, mostrando a través de la misma un tributo a todo lo que la había inspirado a realizar este viaje artístico. Dentro de esta serie se encuentra la obra Ascend (2013). Esta foto presenta a una mujer sumergidaen aguas profundas. Esto se puede identificar debido a la tonalidad azul obscuro en la que se muestra el agua. La mujer de cabello color cobrizo, porta un vestido largo de color blanco. Ésta se encuentra en el centro de la composición, asumiendo una posición erguida en la que se muestra de perfil, y la cabeza se encuentra inclinada hacia atrás. En esta imagen, la mujer se encuentra con sus brazos estendidos. Estas descripciones antes mencionadas nospermiten observar a esta mujer tal como si fuera un ser divino ascendiendo desde las aguas. Cabe denotar que esta interpretación se ve reforzada por la posición de la luz, la cual se refleja directamente en su rostro y brazos.

Ascend de Zhang Jingna

     Erines el título de otra foto tomada en el año 2013 y presentada en mencionada serie. En esta foto nuevamente se observa a la mujer como personaje principal cuyo nombre esproveniente de Irlanda, y significa fertilidad. Éstase encuentra de pie y en posición frontal; sus expresiones sugieren sutileza. La fémina porta un vestido marrón claro, similar a la vestimenta griega. Ésta se encuentra sujetando su vestido con la mano izquierda, y con la derecha sostiene un incensario, el cual simboliza una renovación diaria. Alrededor de su cabeza se percibe como una aureola dorada, la cual solo se muestra mediante una estrecha línea. La combinación de estas características nos hace interpretar que esta mujer es una divinidad, la diosa de la fertilidad, la cual con su incensario busca realizar una renovación o cambio en todas aquellas mujeres que no han podido ser madres y acuden a ella para un milagro. Asimismo, esto nos hace recurrir al personaje de María la Vírgen, quien siendo una mujer fértil quedó embarazada en una forma sobrehumana y, eventualmente se convirtió en un ser divino y de acuerdo con el catolicismo, se quedó para continuar intercediendo en la vida diaria de cada persona que le crea. El fondo de la imagen es un de color verde obscuro, en el cual se observa un patrón desemejante, que de acuerdo con la interpretación prescrita, sugiere el aturdimiento y los rechazos que el personaje bíblicosufrió.

Erines de Zhang Jingna

     La mayor parte de las fotografías tomadas por Jingna, utiliza a la mujer como modelos. Ello, junto con el trasfondo de la de joven artista, nos conduce a considerar que la fotógrafa, a través de sus imágenes intenta plasmar el feminismo. Como mencionamos la artista proviene de una familia de atletas, actividad la cual no permite que las mujeres se vean de forma muy femenina.Por tanto, es importante destacar que este medio artístico fue uno de los primeros en los que se le comenzó a dar participación a la mujeres, no sólo para que fungieran como modelos, sino también para ejercieran esta tarea como labor profesional. Es por estas razones que considero que esta mujer decidió ejercer la labor fotográfica. 

     En todas y cada una de las fotografías presentadas se puede apreciar diversas características, físicas y emocionales,que hacen reconocer la belleza de una mujer. Considero que todas las imágenes captadas por la joven artistas, muestran su admiración a la mujer y la forma en cómo estas mujeres siendo humanas logran realizar obras casi sobrenatural y todo ello gracias a la sensibilidad que solo las féminas, instintivamente, proyectan a la humanidad.

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EL ARTE PUERTORRIQUENO DE LAS MUÑECAS De Asia a Puerto Rico

                                                                                             Por: Ashley Reyes                                   

     Las muñecas, como manifestación artística, normalmente no se le dedica mucha atención en nuestros tiempos; sin embargo, las reconocidas “ball-jointed dolls” se han vuelto muy populares alrededor del mundo. Su fabricación tiene como objetivo propósitos artísticos y no como juguetes. Sus tamaños se extienden desde las cuatro pulgadas hasta los dos pies de altura al igual que varían desde figuras de niños, féminas y masculinas. Estas muñecas son hechas de resina o porcelana, pero lo que las hace únicas es el hecho de que se pintan a mano, todo desde su maquillaje hasta sus decoraciones corporales, por lo cual son completamente personalizadas. Sus articulaciones son intercambiables y flexibles e incluso sus ojos se pueden intercambiar. Estas muñecas y su estilo provienen en su mayoría de Asia, China o Corea, y a pesar de su relativo alto costo su fama se ha expandido alrededor del mundo e incluso hasta en nuestra isla de Puerto Rico. En la isla encontramos varios coleccionistas y artistas dedicados a este arte y he tenido la dicha de pintar algunas de estas muñecas. Ha sido una experiencia diferente a cualquier estilo de arte que he experimentado. Las mismas se maquillan con lápices de acuarela y pasteles e incluso se puede utilizar el método de ‘airbrushing’. Es un trabajo que hay que tomar mucha precaución, ya que estas son muy frágiles. 

     Como mencionamos, el interés hacia este estilo de arte ha crecido en Puerto Rico y nos encontramos con varios artistas dedicados al mismo. Ubicados en nuestro pueblo de Arecibo se encuentran los artistas Gamalier Bravo y su esposa Aiis Roman, juntos se dedican al diseño y a la fabricación completa de estas muñecas. En unión crearon su negocio conocido como Forgotten Hearts donde venden una variedad de muñecas a un público no solo local, sino que también internacional a través de sus páginas de internet. Gamalier Bravo es artista gráfico, ilustrador y se dedica a hacer el diseño de las mismas. Luego de su diseño, ambos toman el trabajo de pintarlas y adicionalmente coser la ropa especialmente para ellas, al igual que también las confeccionan con diferentes accesorios y zapatos. Gamalier Bravo menciona en una entrevista como ambos se complementan uno al otro, ya que cada uno tiene diferentes talentos para aportar a su fabricación. Sus creaciones se pueden encontrar en su página Forgotten Hearts y en las redes sociales, como en su página de eBay.

     Las muñecas son muy variadas debido a los distintos diseños de los artistas y compañías que las fabrican, es interesante notar las diferentes características y estilos que estas muñecas se distinguen entre sí. Forgotten Hearts se centra en una temática fantasiosa y sus muñecas tienen un aura de delicadeza y fantasía. Sus diseños varían desde ángeles, sirenas hasta criaturas mitológicas y fantasiosas. El costo de estas muñecas varía desde cientos a miles de dólares debido a sus materiales, trabajos y tiempo que toma para fabricarlas. Aiis y Gamalier han sido muy exitosos con sus creaciones y han sido reconocidos mundialmente, al igual que su trabajo ha sido publicado en varias revistas. Ambos expresan que se sienten satisfechos de poder realizar esta labor artística y poder vivir de ella, ya que es algo difícil para un artista en la actualidad. Es un arte diferente, del cual no se conoce mucho en la isla y es interesante saber que tenemos artistas puertorriqueños dedicados al mismo.

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Art Walk: el encuentro artístico para toda la comunidad

                                                                                               Por: Nicole Pérez

     El arte, se encuentra a la redonda de una plaza pública del área oeste. A la distancia escuchas la música típica puertorriqueña al pasar por las mesas llenas de obras creativas. Cada jueves en la plaza municipal del pueblo de Rincón, se organizan un sin número de artesanos y artistas locales presentando su talento artístico hacia la comunidad. Durante la puesta del sol, el evento le trae vida a la plaza desde las 6:00 de la tarde hasta las 10:00 de la noche, mostrando un laberinto de carpas, mesas y creaciones, donde descubres joyas artísticas únicas de talentosos artistas en este gran evento que se lleva a cabotodos los jueves durante todo el año. 

      Art Walk, surgió como una iniciativa para colaborar con la comunidad de comerciantes y artesanos locales, donde luego tomó su propio giro festivo para que los jóvenes y adultos compartieran de este noble suceso. Se fomentaun ambiente cultural, que une la música nativa y el arte en un manifiesto de buenas vibras. “Para que tenga éxito, no puede ser de temporada, tiene que ser todo el tiempo” dijo la organizadora Vanessa Rodríguez al periódico Índice.  Es una actividad versátil, donde cada semana encontramos nuevos artistas exhibiendo una variedad de obras de artes, las cuales se distribuyen entre pinturas, esculturas y artículos para todo tipo de ocasión. Lo más notable, es descubrir que muchos artistas comparten el tema particular del mar, debido a la localización de este festival, reflejando ese ambiente de la naturaleza costera como un símbolo comunitario. Nos encontramos en un lugar turístico donde la naturaleza de las olas playeras influye acentuadamente a los artistas locales en sus obras y reflejan cierto orgullo nacional.  No todos los artistas se limitan a este estilo temático, sino que también encontramos una variedad de estilos individuales que incluyen influencias animadas, indígenas y diversidad de movimientos culturales. “Hay cambios todas las semanas, siempre hay algo nuevo”, aseguró la organizadora de este evento, ya que todos los jueves los artesanos y artistas emergentes lucen sus obras nuevas al público. Al expandir el conocimiento sobre este evento, llega mayor cantidad de artistas y comerciantes, extranjeros y locales, para presentar su arte y mercancías a los visitantes. Es un evento que no se puede perder de vista. Una magnífica experiencia por vivir, y un ejemplo para que los municipios exhorten la formación artística y turística de la isla, que de igual manera al promover la cultura puertorriqueña crea trabajos locales. 

     Eventos como este, ayudan a crear concientización sobre el arte y la armonía social en nuestra isla. Da espacio a que las personas puedan admirar y llevarse un pedazo de identidad cultural, conmoviendo e inspirando a jóvenes y adultos a desarrollar una gran cantidad de creatividad laboral. En mi opinión, cada pueblo deberían permitir en sus plazas públicas una expansión de este evento; una simbiosis cultural entre el público y la comunidad artística.  

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El Babadook

                                                                                             Por: Louis Pedraja

     Siendo una persona aficionado por el género del horror dentro del ámbito literario y cinematográfico, soy uno que reconoce lo escaso que es la originalidad dentro de este campo tan explotado por el océano fílmico de las últimas décadas. Muy recientemente me enteré de este curioso film australiano titulado El Babadook; dentro de los círculos del horror ha causado un gran interés por el resurgimiento de la “originalidad” que contiene y se considera como un aliento de aire fresco dentro del horror. Por naturaleza quedé muy interesado al leer brevemente sobre su trama. El film está escrito y dirigido por la australiana Jennifer Kent, lo cuál fue su primer proyecto respaldado con un gran presupuesto. El Babadook es basado en el cortometraje llamado Monster, y es un reflejo de su inmensa pasión por el género del horror, que hasta ahora no ha tenido directrices sofisticadas de renombre. 

     La película no pierde tiempo en brindar sus intenciones a la luz, en vez de insultar la inteligencia del espectador guiándonos con planos secuenciales introductorios. Nos demuestra con una simple escena corta y escalofriante el fondo de la protagonista. Una madre que tuvo la desfortuna de presenciar la muerte de su esposo en un choque automotriz cuando iban de camino para dar a luz a su hijo en el hospital y que ahora vive una vida desbalanceada tratando de criar a su hijo y trabajando en una casa de retiro. 

     Vemos cómo la paciencia de Amelia es retada una y otra vez por su hijo que demuestra un comportamiento hiperactivo y retante ante la autoridad, combinado con el hecho de que Samuel piensa que hay un monstruo en su closet y requiere constante atención de su madre. Esto le causa múltiples problemas en la escuela y con sus amistades, a tal punto de que nadie quiere tener ningún tipo de relación con el hijo. Samuel es todo lo que Amelia tiene en este mundo, lo que hace su sentido maternal más interesante. Pero lo mismo no se puede decir de Samuel, que exhibe un afán por su padre que nunca conoció, creando una manifestación de materia muerta encontrada en el sótano de su casa con pertenencias viejas que han sido guardadas como un recuerdo que desea ser olvidado pero no abandonado. La ausencia de la compañía de un hombre es evidente en la vida de Amelia que observa con un rostro de esperanza y deseo a su vecina, una anciana soltera que vivió una vida larga con su esposo y pasa su tiempo viendo televisión en un estado contento y calmado. Pero todo cambia cuando en su casa, Samuel encuentra un libro extraño de niños lleno de imágenes y rimas espeluznantes que cuenta el destino de todo el que lo lee. 

     El apasionamiento cinematográfico es evidente gracias a las tomas excepcionales de la directora Jennifer Kent. Utilizando las técnicas de editaje para presentar el paso del tiempo, Kent  lo logra hacer de tal manera que nos sirve no solo como un método informativo para el desarrollo de un personaje, sino como otro elemento de horror. El uso de filtros opacos crea un ambiente ausente de color y alegría, que es indicativo del estado emocional de Amelia. Su dirección hacia los actores es un triunfo en sí mismo, donde la actriz Essie Davis logra una representación ejemplar de una manera natural. El sonido no es necesario para dejarnos saber que es una madre en el  borde de perder la sanidad por todo el peso que recae sobre sus hombros. El joven actor Noah Wiseman nos hace arrepentir de nuestro comportamiento inadecuado cuando éramos niños. 

     En fin, El Babadook tiene la receta perfecta para ser una película de horror de calidad, pero cae víctima de querer ser algo que no tenía intención, clasificándose como horror psicológico.  Me da tristeza ver cómo el tono de la película se desenvuelve genéricamente como el resto de otros filmes de horror incorporando ingredientes pertenecientes a películas de posesión y casas embrujadas. Me pregunto si estas decisiones fueron tomadas por miedo de que no se hubiese considerado como “horror” por no tener los elementos clichés tanto visto en el género. Se traiciona a sí misma al no decidir que quiere ser y termina siendo una ambigüedad que echa a un lado las insinuaciones de todas las pistas que cuidadosamente decoran el diálogo y las imágenes.      Jennifer Kent completa su visión con El Babadook y es exitosa en crear un ambiente inmersivo y escalofriante de horror que no depende de la violencia ni los sonidos fuertes para asustar. Considerando la escasez de películas buenas de horror El Babadook es una interesante adición a la lista de este año y es una que merece ser vista.

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Vida muerta

                                                                    Por: Francisco J. Pagán Morales

      La naturaleza ha sufrido muchas injusticias desde la deforestación hasta el uso excesivo e innecesario de recursos, pero aun así después de su muerte se ha encontrado una nueva manera de traer los árboles a la vida por medio del arte. Desde hace mucho se han discutido sus méritos, su validez y su necesidad, los árboles pasan a peor vida por nuestras propias demandas. El artista japonés Yuken Teruya, natural de Okinawa, ha dado comienzo a una simplicidad que se ha pasado desapercibido por muchos. Mientras las personas buscan ser tan originales e innovadoras este artista ha logrado esto con menos esfuerzo. Las creaciones de Yuken Teruya se basan en convertir productos de papel, cartón y otros productos reproducidos de árboles en obras de arte representando lo que una vez fueron. Mientras se desechan miles de hojas de papel, periódicos, tubos de papel higiénico, el artista Teruya recicla estos mismos para crear obras de arte, donde corta en ellos la forma de un árbol y luego desprende la parte recortada con la silueta del mismo. Probablemente este sea el nivel de ironía más grande que haya encontrado hasta el día de hoy.

      La gran mayoría de sus obras son hechas con papel de regalo con una variedad extensa de colores y diseños que ayuda a llamar la atención del espectador. Los colores como el verde menta hacen que la obra no solo se vea hermosa sino fácil de ver, sin tener que abrumar la vista del mismo. La misma es colocada horizontalmente y la parte de la portada es cortada para crear lo que será el árbol. Se cortan varios agujeros para mayor visión. Una vez que se colocan debajo de la luz el interior se convierte en el nuevo hogar del árbol. Colores pasteles en los interiores hacen que este se vea como un bosque mágico que place al observar. En las exposiciones se presentan estas obras mágicas con una cantidad de luz que refleja muy bien el interior y le dan vida propia. 

      Las obras creadas con tubos de cartón de papel higiénico no serán tan coloridas como las obras previamente mencionadas, pero no le tienen nada que envidiar. Los tubos son cortados para crear las siluetas de los arboles pero esta vez se exponen al exterior. Una sola de estas obras no suena como algo impresionante pero el artista Teruya no se conforma con solo uno sino prefiere hacer múltiples y tenerlos en un conjunto. De esta manera un árbol previamente visto ya no es solo uno sino un bosque en miniatura ocasionalmente reflejado en una pared o también tendidos verticalmente con varios tubos de cartón colgados por cordones. El uso de la luz también juega un papel muy importante cuando se trata de estas obras. Por último, sus obras con papel de periódico tienen un nivel de simplicidad como ningún otro. Toma un periódico que tenga fotos de plantas, las corta y las levanta delicadamente hasta que estén completamente verticales. En varias ocasiones hay una cantidad considerable de plantas protuberando del periódico, tanto así que ver esto se siente como ver un jardín miniatura. A diferencia de las demás obras esta no depende mucho de la luz y no requiere un nivel de trabajo tan tedioso, pero no deja de verse elegante en su propia manera.

      Con sus obras, Yuken Teruya demuestra que la belleza no necesita ser elaborada sino que también puede encontrarse en la simplicidad misma. Estas obras parecerán muy simples para muchos y tal vez opinen que no se requiere talento para lograrlo. Tal vez sea cierto pero no hace que estas obras sean menos válidas como obras de arte pues su ejecución es excelente. Algunas personas verán estas mismas como arte, otras como algún tipo de protesta por el ambiente y dirán que es propaganda ambiental, todo siempre será relativo en el mundo del arte y se convertirá en lo que la gente decida. Nunca esta demás apreciarlo principalmente como arte y dejar que la imaginación de un artista interactúe con la de nosotros por medio de sus obras.

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Un interés expuesto por la mano artística

                                                                                         Por: Xavier Martinez

     Estamos viviendo en una era sostenida por una amplia gama de adicciones. Tales adicciones, pueden ser a la tecnología, al juego, a la bebida o a la comida. Muchos dicen que comer es el mejor placer que existe,y siendo el placer un foco de explotación capitalista, vemos como algunas grandes compañíasde comida chatarra, explotarán este juego de placeres débiles. Un juego peligroso donde uno de los caminos puede dirigirse a la intoxicación, a través de los infamesingredientes fantasmas en una “comida rápida” fabricada en lugares antihigiénicos y laboratorios de proteínas falsas, donde crean pollo sintético con sabor a cartón. Controversia, ya que la comida rápida no significa tener que comer en cuestión de minutos, sino que acelera tu lapso de tiempo en la tierra. Mc Donald’s acortando vidas desde el 1940. 

     Una franquicia llena de secretos, Jake & Dinos Chapman en su instalación,The Sum of all Evil (2012 – 2013) - dentro de cuatro vitrinas de fibra de vidrio de dimensiones215 x 128.7 x 249.8 cm- representan la crítica social a lo que nosotros conocemos como McDonald’s,ya que el mismo se ha establecido en un poder jerárquico sobre la sociedad. Los hermanos Chapman, hacen un trabajo que pone a prueba los estereotipos culturales a través de la historia, integrando una críticairónica y un humor surrealistico para cuestionar el status de iconografías hegemónicas. La obra es un trabajo que se enfoca en lo descriptivo sobre lo imaginativo, en donde recopila los posibles peores males que existen. 

     En la primera vitrina, se encuentra la figura de Ronald McDonald representado como un pescador melancólico, en un muelle algo deteriorado donde sus piernas cuelgan sobre un lago lleno de cadáveres. En esta sección, se puede interpretar que Ronald busca pescar nuevos consumidores para que luego formen parte de ese lago de la muerte. En otra sección, encontramos un establecimiento quemado junto con Ronald crucificado enfrente, como posible interpretación de que el propio Ronald hubiese creado su propia cruz. Una tercera sección, contiene varias figuras de él acribillando personas como símbolo de opresión y controlsocial.

     No solo somos testigos de estos abusos en la sociedad contemporánea, sino que en esta próxima vitrina, se puede ver que desde hace mucho se ha cometido este tipo de injusticia. En esta sección, tenemos una edificación de piedra con fachada alusiva a la conocida serie televisiva animada “TheFlinstones” o “Los Picapiedra”, especialmente evidente  en los autos frente al edificio, aparentemente hechos de madera y piedra. El mensaje oculto es que desde los principios del establecimiento, demuestra un tipo de dominancia donde se afectan los niños, ya que el dibujo animado forma parte de la cultura popular y los niños al ver que forma parte de esta vitrina pueden crear asociaciones. Por otra parte, el establecimiento les da un tipo de recompensa a los niños por comer allí, ya sean los juguetes del cofre mágico u otras cosas. Por este medio, la franquicia compra los niños para así ganar clientela. Por último, nos encontramos con unos Ronalds en una especie de hoguera, donde se puede ver, que están matando a algunas personas, las cuales aparentan ser clientes del establecimiento. 

     Quiere decir, que los hermanos Chapman tratan de enseñar el verdadero propósito del restaurante de comida rápida a través de su obra. Es increíble como un interés capitalista puede dirigirse de esa manera hacia la sociedad, pisoteándolas, humillándolas y esclavizándolas.  Es injusto, y Jack y Dinos se encargan de abrir los ojos a la sociedad. Es un llamado para la lucha del bienestar del ser humano y la salud. Así que hay que observar cada pieza detenidamente para poder fijarnos en los diminutos detalles que no se ven a simple vista.

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El arte, la arma del Boricua

                                                                                              Por: Luis A. Laboy       El surgimiento del grabado durante el renacimiento de Italia en el 1500,revolucionó por siempre los campos del saber y el mundo del arte.  Este cambio se puede ver siglos más tarde en Puerto Rico,el cual tiene una rica historia y cultura alrededor del grabado.  Este medio en sus inicios, fue usado para propaganda política y económica antes de ser aplicada como arte independiente.  Uno de los enfoques que muchos artistas gráficospuertorriqueños le dieron a su arte, fue la crítica política.  El arte gráfico,desarrollo un papel en la educación del paísatravés de la División de Educación de la Comunidad, también conocido como DivEdCo, la cual fue fundada el 1949.  Esta empleaba artistas para crear una serie de programas educativoscomo carteles, películas y folletos que se utilizaban para difundir los mensajesque ayudarían a fomentar un sentido de comunidad y apoderamiento entre los más necesitados.Carlos Raquel Rivera, quien perteneció a DivEdCo, ha sido una de las grandes influencias históricas y artísticas para el país de Puerto Rico.      Carlos Raquel Rivera,fue pintor, ilustrador, grabador y artista gráfico puertorriqueño.  Llevo a cabo su formación en la Academia de Arte Edna Coll de Santurce.  A inicios de la década de los cincuenta, Rivera decide abandonar su país natal para completar su formación. Termina en Nueva York donde se une a la Liga de estudiantes de Arte (Art Students League) durante varios meses.  Al terminar sus estudios, vuelve a  Puerto Rico donde ejerce en diversos talleres su oficio de ilustrador, cartelista y diseñador. Rivera era un hombre de convicciones políticas independentistas muy fuertes, las cuales podemos ver en muchas de sus piezas.  A pesar de las estrictas leyes en contra de la propagación de ideas independentistas de la época, Rivera fue capaz de expresar estas a través de su arte y grupos como el DivEdCo.   Un ejemplo de su rebeldía la podemos ver en su grabado Huracán del norte (1955), un linóleo negro impresosobre  papel blanco.  Esta pieza, ganadora del Premio de las Naciones en la Primera Bienal Mexicana de 1958, presenta una figura central, cuya cara es una calavera, la cual sujeta un bolso con una apertura de la cual caen moneda y billetes.  Es una figura que incomoda a la vista, pero el espectador siente el mismo incomodo por las figuras de personas que vuelan a su lado, las cuales se sujetan a esta criatura, tratando de llegar a ese bolso y su contenido.  Estas figuras no presentan en sus rostros miedo, si no una melancolía y una triste resignación,como si no tuvieran más remedio.  Cualquiera puede apreciar esta pieza por su excelenteejecución de la técnica, donde a pesar de la paleta policromática, se logra una transiciónexcelente de tonos en los pliegues de la ropa, las telas y hasta las texturas de los cuerpos.  También podemos observar el movimiento de las líneas, cuyaejecución limpia y exacta crea un movimiento de la composición donde da vida a estas figuras que vuelan en el cielo.  A pesar de todo esto, con un poco de conocimiento sobre la historia de Puerto Rico durante la época del 1955,  podemos apreciar mejor la temática que aquí se presenta.  Lo que el artista alude, es a la pobreza que era común en muchos sectores de la isla, como podemos ver al fondo de esta pieza.  Muchos ciudadanos pasaban necesidades debido al gran control de las empresas americanas en el país, que tomaba ventaja de las necesidades de la clase trabajadora para explotarlos.  En esta pieza, lo que estamos observando,es la indignación de Rivera a ese sufrimiento de su país, a manos de esas empresas que explotan los necesitados, dandoles muy poco a cambio.       El Huracán del norte (1955) de Carlos Raquel Rivera, es inquietantemente bello.  La técnica se puede apreciar por cualquier artista,  por la dedicación y atención a detalles en una técnica que lentamente está muriendo hoy día.  Para todo puertorriqueño, es un recordatorio del sufrimiento de nuestro pueblo y nos hace pensar si verdaderamente hemos llegado más lejos hoy día del sufrimiento que Rivera veía en su isla.  

Huracán del norte (1955) de Carlos Raquel Rivera

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¡Puedo tocar la obra! La búsqueda del significado de la obra

                                                                                           Por: Valerie Galarza

     Considerar tocar una obra de arte siempre ha sido un reto para el espectador. Esa idea de poder palpar lo que vemos y no creemos, nos resulta interesante; y más el hecho, de que al tocarla podemos romper esa barrera que separa nuestro entorno de la obra. Aclarando en primera, que no toda obra fue concebida por el artista para ser apreciada por nuestras manos, encontramos aquellas que fueron pensadas para tener una interacción con el público. 

     Este es el caso de la obra del artista francés Marcel Duchamp, la cual se titula Rueda de bicicleta sobre un taburete (1913). La simpleza de su título describe la obra y al verla creemos que es solo eso – inserte aquí la típica frase: “cualquiera puede hacer esto” –. Se nos alborota la mente de pesar que un artista tan reconocido haya tenido la vaga idea de mostrar una obra como esta. Sin embargo, sin percatarnos Duchamp ha captado en nosotros toda la atención y ese es el objetivo principal de la obra. A manera de humor este artista quiere demostrar que las obras escultóricas que se habían realizado antes de este no son un objeto sagrado y que su creador no es tampoco un todo poderoso, al contrario, pretende sacar al arte del pedestal de donde se encuentra, rompiendo con la idea tradicional del arte y del artista.

Rueda de bicicleta sobre un taburete (1913) de Marcel Duchamp

     Sus obras, las que denominó con el término de “ready-made”, son objetos ya prefabricados que fueron levemente manipulados y descontextualizados. Con estos, demuestra sus ideales radicales que tienen la intención de hacer que el espectador le busque otro sentido a las cosas, para que descubra arte en los objetos cotidianos. Y esto no termina aquí, pues para que la obra para cumplir su fin debe ser manipulada por el público. 

     Asimismo, al tocar la obra el espectador entra en un tipo de diálogo con la obra, es un contacto directo que nos permite observar, manejar y descubrir las extraordinarios formas que se crean a partir del movimiento de rotación de un eje circular como un homenaje a la máquina. 

     La controversia de esto – si es que la hay – reside en que si usted le interesa ir al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), lugar donde se encuentra la Rueda de bicicleta sobre un taburete, para no tan solo ver la obra sino también tocarla podría tener serios problemas con la ley. Puesto que no se le permite tener ningún contacto con la misma; esta fue colocada sobre un panel que separa al espectador de la obra. Se tiene la idea de que la obra es un objeto histórico intocable que se debe preservar para siempre, lo cual no toma en consideración el verdadero significado que en principio el artista le brindó a la obra, y que en resumidas cuentas es una paradoja de lo que el mismo Duchamp quería exponer y que ahora el museo no toma en deferencia, – la crítica de la visualización de la obra como un objeto sagrado –. 

     Sin embargo, para otros artistas el panorama cambia, y por ende sus obras no corren con la misma suerte. Esto lo vemos en la obra del artista estadounidense Carl André, que lleva el nombre de Altstadt Copper Square (1967). Esta obra es la suma de veinte lozas, que como una tabla de ajedrez, han sido colocadas en el piso; y usted dirá, “¿y qué tiene de interesante esto?”. Esta obra nace bajo la premisa del arte minimalista, que tiene como objetivo reducir las cosas hasta llegar a la esencia, buscando la sencillez, alejándose de la representación y apostando por la realidad del objeto. Al igual que en la obra de Duchamp, André utiliza materiales prefabricados y necesita de la interacción del público para que la obra obtenga su finalidad. 

Altstadt Copper Square (1967) de Carl André

     No obstante, añadiéndole un tono innovador y a la vez efímero; el artista rompe con la idea tradicional de arte, pues la obra en vez de estar tendida en la pared, está colocada en el piso. Imagínese lo caótico que sería entrar a un museo y ver que no hay nada colocado en la pared y que a diferencia encontramos lo que podría ser la emulación de un alfombrado. En esta ocasión el artista quiere apropiarse del espacio del espectador para que este comparta su entorno con la obra. Así, logra que la obra forme parte de nuestra realidad y que nosotros seamos parte de esta. Por esta razón, al colocarnos y caminar sobre él, percibimos la esencia y la realidad de objeto, y aún más mostramos la importancia del paso del tiempo. 

     Son  las obras y las intenciones de estos artistas lo que nos hacen reconsiderar y recapacitar sobre lo que es el arte. Estos nos incitan a ponernos en su lugar para descubrir y darle valor a las cosas cotidianas que nos rodean.  

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Peaceful repose of madness

                                                                                                Por: Luis A. Laboy

     Destruction and madness hold a particular beauty that Polish artist Zdislav Beksinski incorporates into his art.  Like so much of his art, he incorporates the jarring and the sublime to create hauntingly breathtaking images that are awe inspiring; one such example being Untitled.  Beksinski had no formal training as an artist and had a great disinterest for fame or publicity, keeping his work rather private and personal, going as far to burn some pieces stating that they were too personal or did not satisfy him.  He also did not care about any interpretations that the art community had of his art; therefore, he left most of his work untitled and even uncatalogued in any way, which adds to that sense of mystery his art invokes.

Untitled de Zdislav Beksinski

      In this oil painting we can observe a fragmented human figure from its side, which seems to be in the act of firing blows and walking, displaying two heads, one overlapping the other.  One of these heads has a calm expression that almost seems joyful while the one behind it expresses sadness or horror. This piece can result enigmatic, but when compared with Umberto Boccioni's The Charge of the Lancers (1915) we can see how Futurism has influenced Beksinski’s piece.  Boccioni's piece depicts a line of lance men on horseback charging towards the enemy line. Some of Futurism’s common themes, which we can clearly see in Boccioni's piece, such as: the attempt to emulate movement and depicting and glorifying war and violence, can also be appreciated in Beksinski's figure, most notably in the movement of its arms and blood soaked fists. Along with these elements and the rucksack the character carries, which seems full of unidentifiable equipment, it is easy to imagine this person as a soldier partaking in warfare.  It’s also important to note the two faces, one of which is horrified by these actions and another that revels and enjoys this violence he is a part of. These previous traits serve as other examples of the influence of Futurism. The color palette of the figure, the emotion it expresses, the use of practical and even lighting and also the use of textures in the character’s garments and other surfaces reminds us of a late Baroque style. Beksinski employs all the aforementioned techniques to invoke a deeper sense of realism and mystery, which are elements that Futurism lacks. 

The Charge of the Lancers (1915) de Umberto Boccioni

      Beksinski‘s work can be taken as a critique and satire of war made all the more ironic by using elements of an avant-guard movement known for its glorification of warfare and man as a machine of war.  This piece can also be seen as a tribute to his homeland and the role the Polish played in World War II, as part of the allied forces and the atrocious casualties they endured at the hands of the Axis powers.  Beksinski’s art stands as an enigma, allowing his audience to think as much or as little as they want of his art.  This piece can provoke deep thoughts and reflections on war and man’s role in his own destruction; but can also be simply appreciated by its odd composition and choice of colors that call out like a conundrum we are unable to decipher.  

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Punto débil de la constante dicotomía

                                                                                 Por: Wilmari Vélez Feliciano

     El elemento menos formal hace resaltar las expresiones más sorprendentes en el contenido de la imagen. La fotografía Migrant Mother, California [1936] (Fig.1) de  la fotógrafa Dorothea Lange, quien se convierte en la fotógrafa documental por excelencia, ya que tiene una fuerte preocupación por su pueblo y sensibilidad hacia su dignidad. Dicha obra muestra a una mujer de 32 años, Florence Owens y sus hijos. La misma fue tomada entre febrero y marzo del mismo año en Nipomo, obteniendo tanta popularidad que resulto con él envió de ayudas a dichas zonas. Vemos la triste expresión de una madre hambrienta y algo desesperada, con sus hijos recostados sobre sus hombros, con las cabezas mirando hacia tras, esquivando la cámara, siendo ella la única que nos mira. La mujer estuvo viviendo con sus hijos de las aves que los mismos mataban y de las verduras congeladas de los campos de sus alrededores. Sus ropas desgastadas, las líneas de expresión, el lenguaje corporal y sus rostros sucios, marcan la constante dicotomía del diario vivir.Dicha fotografía con excelente manejo de tonos blancos y negros, fue tomada con una cámara Graflex y sus negativos originales son de 4x5. Esta fotografía fue catalogada como una de las mejores por la comunidad.  Dicha cámara se posiciona en el mundo del arte con un gran impacto, pues las mismas fueron utilizadas por los primeros fotógrafos de arte en el Siglo 20 para apoyar su uso y crear obras de arte.  En el 1930, la FSA – Farm Security Administration- empleó a varios fotógrafos para documentar los efectos de la Gran Depresión en la población de América y dicha fotografía se convirtió en un icono de la resistencia frente a la adversidad.     

Fig.1

     Desde mi perspectiva, la fotografía es una casual, pues no solo capta la imagen, sino que también la captura en el momento preciso cautivando de manera espectacular el patrón de líneas en el marco del visor. Se nota una temática clara, con una resolución exquisita que nos permite apreciar cada detalle dentro de la imagen, tanto a los objetos como a las personas. Se observa la fluidez de equilibrio estático de fuerzas en cada línea vertical dentro del contexto.   Cabe mencionar y destacar el rol del artista como un ser emocional y pensante.

     Por su parte,  Jack Delano al igual que Lange formo parte de la decisión de la FSA, de reunir un archivo foto documental sobre la gran depresión. En su fotografía, Family in slum area known as El Machuelitto, in Ponce, Puerto Rico [1941] (Fig. 2) , realizada en blanco y negro. Este fotógrafo trata de capturar a las personas más que como imágenes, como seres humanos, porque son una parte importante de lo que él ha estado tratando de comunicar. Vemos a una dama sentada sobre unas escaleras con sus tres hijos, de los cuales uno está en sus piernas sentado. No nos mira en ningún momento, su mirada está enfocada en el horizonte, buscando escapar de la cotidianidad y necesidad. No obstante, aunque ambas fotos pertenecen a distintos periodos, se basan en un mismo contexto.En conclusión, las similitudes entre ambos fotógrafos son una virtud,ya que su objetivo principal es entablar una conexión con los sujetos y verlos como personas, y no como el foco de una imagen perfecta que será la sensación ante un público, más bien buscan humanizar a la sociedad a través de una fotografía llena de sentimiento y sensibilidad.

Fig. 2

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Espacio reprimido

                                                                      Por: Krismarie Soto Corchado

     Baruch Vergara, artista y profesor de la Universidad de Puerto Rico Recinto de Mayagüez,a través de sus obras realiza representaciones figurativas y abstractas del ser humano.  Éste en una de sus composiciones titulada Kriptón (2007). Pinta en acrílico sobre tela, un fondo plano de color morado obscuro. Sobre esta base, se comienza a observar una clara influencia del precursor del “ActionPainting”, Jackson Pollock, ya que en la misma se comienza a realizar un chorreado de pintura roja, crema, blanco, gris claro y amarillo claro. Sobre esto, se observan unas manchas traslúcidas de color blanco, las cuales aparentar estar realizadas con aerosol. Al observarlo todo en conjunto, podemos interpretar que eso es el espacio, aunque no está representado tal y como lo percibimos en las fotos aeroespaciales. No obstante, entre ese espacio desconocido, se encuentra una diminuta marca azul, la cual distinguimos cuando nos acercamos a la imagen. Esta no es más que una representación animada de “Superman”, el cual con su trajeazul, rojo y amarillo, y su reconocido escudo “S” estilizado en su pecho, aparenta estar volando en ese espacio infinito, en busca de algún rastro de su planeta de origen llamado -como el título de esta obra-Kriptón. Con esta representación figurativa del personaje animado, podemos concluir, que el artista tomó como referencia elementos utilizados en el “Pop Art”,pues dicho movimiento artístico tomaba figuras de los comics para transmitir nuevas ideas.

Kriptón (2007) de Baruch Vergara

Number 8(1949) de Jackson Pollock

     Por mi parte, considero que esta obra no es más que un experimento del artista, en el cual buscaba apartar de sí unos sentimientos reprimidos -como una respuesta a su ansiedad-, mediante el expresionismo abstracto. Esto lo podemos concluir, por la utilización de los colores. El color morado nos brinda una sensación de profundidad y soledad, tal y como si se sintiera ahogado en un espacio infinito. Por otro lado, la utilización del color rojo nos transmite una energía o fuerza que podría ser el coraje del artista por alguna situación vivida. Pese a lo antes mencionado, los destellos color blanco mostrados en la obra, el área tonal de donde sale el Superman y la posición en que se encuentra el mismo, nos permiten discurrir que justo en el momento en el que el artista realizó esta obra, estaba comenzado a manejar su situación, hallando un poco de estabilidad y control que le permitirían superarse.

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BIENVENIDA!

Hace 10 años, un grupo de estudiantes de Crítica de Arte- bajo la dirección e inspiración de la Dra. Laura-Bravo se embarcaron hacia nuevos mares con el lanzamiento de la primera revista estudiantil de nuestro recinto dedicada a la crítica de arte, CIENTO XXI. La misma fue descrita por la Dra. Bravo como “un laboratorio de ideas, donde a diario se cocinan la imaginación y el talento, y donde hierven el esfuerzo y la inquietud artística.” Todos aquellos que tuvimos el honor de colaborar en CIENTO XXI, recordamos con alegre nostalgia las incontables horas dedicadas a calar un lugar en la historia de la crítica en Puerto Rico. 

Con el pasar de los años, el concepto de la revista fue evolucionando, adaptándose al siempre cambiante ritmo de la vida, hasta desembocar en su faceta digital, la cual le provee un mayor potencial de difusión y alcance. Como colaboradora de la primera edición de CIENTO XXI y actual profesora del curso de Crítica de Arte estos pasados 2 años, le he brindado la oportunidad a los estudiantes de convertir este proyecto en suyo, comenzando con el blog ArtePraxisel pasado año. Este semestre, dentro de nuestro propio laboratorio de ideas ha nacido ArtBit(s), un concepto innovador, resultado del compromiso colectivo de un grupo de estudiantes pioneros comprometidos con cargar la antorcha de una nueva generación de críticos de arte. Reconocemos el rol vital del crítico de arte como intermediario entre el artista, su creación, la audiencia y la experiencia estética; por lo cual este nuevo colectivo está habilitado a contribuir activamente a su renacimiento actual y desarrollo. Invitamos a todos nuestros lectores a comentar en las distintas colaboraciones, a ser parte de nuestra creciente comunidad, ya que estas reseñas no tienen una intención dogmática; por el contrario, buscan incitar discusiones críticas por parte de sus lectores como base para la construcción de nuevas concepciones sobre las relaciones entre la creación artística y su interacción con nuestras sensibilidades.

¡Bienvenidos todos y todas a la primera edición de ArtBit(s)!

Prof. Karla F. Torres Avilés Profesora a cargo del curso ARTE 4312- Historia de la Crítica de Arte

Nota aclaratoria: La Universidad de Puerto Rico, ni sus afiliados, se hacen responsables de las opiniones emitidas en este blog. Las reseñas incluidas en este proyecto han sido arbitradas por la profesora encargada del curso en cuanto a formato. No obstante, por fidelidad al espíritu libre indómito de la crítica del arte, se ha respetado el derecho de libertad de expresión de los estudiantes participantes del colectivo, siempre y cuando sigan las normas establecidas del curso en cuanto a tolerancia y respeto. 

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INTEGRANDO EL ARTE AL MUNDO DEL INTERNET: La tecnología y el arte en Alice X. Zhang

                                                                                   Por: Ashley K. Reyes

       En la modernidad nos vemos rodeados por la tecnología, ya sea en nuestros celulares, el internet y las computadoras. El arte también ha encontrado su lugar en ella y ha convertido la manera en que se esparce alrededor del mundo, ya que como seres humanos somos capaces de llevar el arte a la par con todas las novedades. AliceX. Zhang es una artista estadounidense de 27 años de edad. Esta lleva alrededor de seis años publicando su arte a través de las redes sociales, como lo son por ejemplo, las páginas web: Devian Art, Tumblr, Facebook, entre otras. Ahora, lo interesante sobre esta artista no es solo como ha tomado ventaja sobre la herramienta de las redes sociales, sino que su medio artístico es completamente digital.

       El estilo artístico de Zhang, aunque digital, se asimila mucho a la pintura. Sus trabajos se distinguen por proveer una peculiar ilusión de textura,que no se ve a menudo en el arte digital. En su producción podemos identificar influencias expresionistas y referencias al estilo característico del postimpresionista Vincent Van Gogh. Sus piezas se caracterizan por la utilización de colores brillantes, en ocasiones de manera aparentemente arbitraria.

       Lo que ha catapultado a Alice X. Zhangal éxito, no ha sido solo su evidente talento y su peculiar estilo en el medio digital, sino que podemos argumentar que es su temática. La mayoría de sus trabajos son lo que se conoce como ‘fanart’, trabajos basados en personajes populares de series o películas, pero hechos al propio estilo del artista, un homenaje especial de parte de una fanatizada especial. El ‘fanart’ es un género que se ha vuelto muy conocido en los últimos años, y aunque ciertamente no ha escapado de las críticas en torno a su debatible originalidad, ha calado su lugar entre la popularidad juvenil. Es prudente señalar,que la artista además de sus trabajos ‘fan art’, ella crea su  propio trabajo original, aunque este no es tan llamativo para su audiencia como el ‘fanart’. Entonces, esto ha ayudado a la popularidad de Alice y a que su audiencia sea en su mayoría jóvenes adultos.

       Por consecuente, vemos como la tecnología ha ayudado a esta artista y también a muchos otros de nuestra generación a poder salir adelante con su trabajo, de adquirir reconocimiento y popularidad en un mundo cada vez más competitivo e implacable. Zhangha sabido aprovechar estas plataformas gratuitas de difusión de información a nivel global y ha creado su propio negocio a través de la red de venta de copias de sus obras, así como accesorios impresos con sus trabajos,como estuches para celulares y computadores, entre otros. La tecnología ha facilitado la universalidad del arte, no hay que restringirnos a nuestro país para distribuir nuestras obras y raramente se le presta atención a la nacionalidad de estos artistas que conocemos a través de las redes. Es posible argumentar, que la globalización ha transmutado el mercado del arte y poco a poco ha de transformar el sistema del arte en donde una nueva generación dictará el nuevo paradigma, el próximo paso en esta evolución.

       Otra ventaja que tenemos en la red, y que Zhang utiliza, es la tecnología de ‘livestream’ en la cual puedes enseñar a tus seguidores como haces tu trabajo en vivo, a través del video. De esta manera se produce una estrecha relación entre los seguidores y el artista, ya que ellos pueden ver el proceso del trabajo, algo que en el pasado no se podía dar. Se integra a la audiencia como espectadores no tan solo del producto final, sino del proceso creativo. También pueden apreciar que el trabajo digital, al contrario de lo que se cree, no es un proceso fácil y básico, sino que es un método complejo que requiere no tan sólo un buen ojo artístico, sino que exige un nivel de conocimiento técnico abrumador.

       En conclusión, podemos ver como la tecnología es una gran herramienta para el artista moderno y a la cual se le puede sacar mucho provecho. Ha creado nuevos géneros, estilos, procesos y técnicas las cuales tienen sus propias ventajas. Ahora el arte es accesible alrededor del mundo y desde tu hogar puedes darte a conocer a personas y otros artistas con facilidad. Es algo que debemos aprovechar los artistas para nuestro desarrollo artístico, mientras luchamos y nos adaptamos al nuevo sistema del arte global cibernético.

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EL ARTE EN UN MUNDO APOCALÍPTICO Y LAS RAZONES POR ESTAR

                                                                                   Por: Louis Pedraja

       Alfonso Cuarón, guionista y director responsable de filmes como:Y Tu Mama También, Children of Men y Gravity, ganador de un premio Óscar por mejor director, y asimismo siendo el primer director mejicano en lograrlo. Cuarón, es un director que ha desarrollado su propio lenguaje visual, uno que está lleno de metáforas a través de imágenes que hablan más que una escena con mil palabras. Ejemplos de esto lo vemos, en la película de Children of Men, donde tenemos un ambiente apocalíptico que se ha formado por la inhabilidad de la mujer para poder procrear, un fenómeno que se esparce en toda la humanidad y forma un caos global luego de varios años sin cura. La película se sitúa en Inglaterra, y desde el comienzo vemos como el contraste opaco rodea el campo visual, creando una atmósfera depresiva que carece de colores vivos y que sirve de reflejo del estado emocional de la población.

       A través de la película, vemos a Theo, el protagonista que se mueve por la ciudad para cumplir con sus objetivos y mover la trama, pero Cuarón aprovecha esta exposición de la ciudad y utiliza el fondo visual como una oportunidad para que el espectador analice algunas de las acciones tomadas por los personajes. En una de las escenas introductorias,nos encontramos con Theo llegando a la casa de su primo para conseguir unos permisos de viaje. Es aquí donde podemos observar varias obras de arte que hoy día tienen un gran significado cultural e histórico. Al llegar el coche a la entrada, vemos el muro que contiene el grafiti deCopsKissing por Banksy.

       Una característica típica de Banksy, es transmitir una crítica social al público. En este caso,el mensaje del grafiti es el desafío a la autoridad y la debilidad de los impulsos humanos, una prefiguración que se desenvuelve al continuar la trama.

       En el comedor está la pintura de Guernica por Pablo Picasso.

       Una composición aterradora de imágenes sin patrón geométrico, desmembradas, acompañadas de una expresión facial agonizante e impactante. Picasso nos demuestra el bombardeo de la ciudad de Guernica durante la Guerra Civil Española, y con su estilo surrealista protesta la injusticia y crueldad de la guerra

       Por último, tenemos la más significativa y más reconocida, la escultura de David por Miguel Ángel.

       Una obra maestra que trasciende las generaciones, sin perder significado, ni valor histórico. Llamativo es el cuerpo físico heroico, típico del arte greco-romano, pero este David se distingue de los otros porque nos traza un mapa que nos ayuda a observar el detalle. Comenzando con una fuerte mirada hacia su izquierda,que contiene un enfoque feroz al contemplar a Goliath que se acerca. Este estado tenso, se refuerza con el increíble detalle a la musculatura y las venas de los brazos, que nos hace realizar que David se está preparando para atacar.

       Lo más impactante, viene siendo la razón por las que estas obras tan reconocidas están en la casa de un individuo y no en los museos a los que pertenecen. Cuando vivimos en una situación sin tener esperanza de un futuro para la humanidad, hay que preguntarnos quesería de estos tesoros culturales. En la escena donde vemos la estatua de David, Theo se ríe de la colección de arte y le dice a su primo cuestionando sus hábitos colectivos: “en 100 años no quedará nadie para ver esto”. Si consideramos esto, que el arte solo tiene valor cuando es visto, entonces podemos asumir que la historian o tiene valor para los que la escriben, ya que su función solo le servirá a una futura generación. Esto es un pensamiento erróneo, nuestro sentido de preservación es responsable de hacernos actuar en los momentos adecuados y es claro que las preferencias de un individuo son únicas, pero en cada uno de nosotros existe algo que le da importancia a la historia de una cultura o algún objeto en general. Esta evidencia se puede encontrar en las acciones tomadas por aficionados que han arriesgado sus vidas para salvar obras de arte o artefactos con significado histórico en tiempos de inestabilidad política y guerra. Más reciente, sucedido en Syria donde el grupo terrorista ISIS ha destruido artefactos arqueológicos fechados alrededor del 2500 AEC.

       En fin, podemos ver este sentido de perseverancia con la historia cultural como un deseo de querer preservar la mejor evidencia que existe de nosotros, más bien, un testamento de las mejores cualidades del ser humano; El Arte.

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LAS ARTES Y LAS CIENCIAS EN UN SOLO SENTIR

                                                                      Por: Wilmari Vélez Feliciano

       Tras una nube de ideas, y muchísimas preguntas, las ciencias y las artes fueron mi método de inspiración. Es su contenido y en muchas ocasiones la relación entre ambas la que me impulsa a presentarles al gran artista y científico Santiago Ramón y Cajal  [1852-1934] (fig. 1), conocido por pocos en el ámbito artístico, pero admirado por los que le conocen. Su exposición Paisajes neuronales me impulsó a un sentimiento de admiración y curiosidad. Su relación con el arte es lo suficientemente potencial y exquisita como para pasarla por alto. Cajal fue un médico español especializado en histología, anatomía patológica, también humanista y científico. Fue fundador de la teoría llamada “Doctrina de la neurona” la cual está basada en que el tejido cerebral está compuesto por células individuales. Cajal contaba con dotes artísticos, los cuales aplicaba a sus teorías, pues al igual que la ciencia, amaba el arte y es por eso, que todo lo que observaba en el microscopio lo ilustraba en sus dibujos tal cual los veía. Que mejor manera que llevar lo que nos permite a los seres humanos a lograr tanto, como lo es el sistema nervioso, al mundo artístico, con una capacidad de certeza tan concentrada y una habilidad tan apetecible al ojo. Lograba capturar la complejidad de las texturas de una región del sistema nervioso al papel de manera muy detallada, precisa y fluida, más bien lograba enamorar al espectador, pues dibujaba con gran astucia y presentaba una imagen creíble ante los ojos del que la apreciaba.

Fig. 1

       Hoy día sus dibujos sobre el sistema nervioso son apreciados en el Instituto Cervantes de Nueva York, en donde se exponen junto a muchísimas obras de diferentes científicos. La exposición, Paisajes neuronales: Homenaje a Santiago Ramón y Cajal, muestra la evolución del sistema nervioso. Cabe mencionar, que en el año 1906 Cajal ganó el premio Nobel de medicina y Fisiología, el cual venía acompañado con un total de 50 imágenes realizadas con la técnica de vanguardia por científicos de todo el mundo. Esta fue producida por CosmoCaixa. Es sorprendente como logra esta unión entre artes y ciencia, al nivel de que muchos científicos se sienten atraídos por su técnica de llevar al papel lo que pueden capturar sus ojos y hacerles entender a los espectadores como se ve el sistema nervioso a través de su propia visión, como si los espectadores vieran a través de sus ojos. Al apreciar la obra, nos sentimos como si estuviéramos mirando por el microscopio, como si fuera una laminilla en tamaño aumentado. El investigador De Felipe es uno de esos que les da ese valor único a los dibujos de Cajal y los aprecia por su antigüedad y dificultad para tener acceso a ellos y pasa a catalogar su exposición como un homenaje emotivo.

       Cajal utilizó una amplia diversidad de técnicas dentro de lo que fue su pintura. Dibujaba a diario y experimentó con acuarela y lápiz. Es por esto que se le considera un pintor prolífico. En su obra fig. 33 (fig. 2) muestra un esquema de la estructura de la retina. En la obra se aprecia de manera muy clara la presencia de conos y bastoncillos, los cuales se encargan de discernir los colores y el blanco y negro. Asimismo, se aprecia la presencia de neuronas ganglionares y dipolares, y células pigmentarías. Se observa su obra realizada sobre papel sepia con diseños a lápiz. Esta obra es muy importante dentro de sus obras, ya que nos muestra ese sistema de la visión por el cual se rige no solo él, sino todo aquel que utiliza su visión para conseguir una explicación a la belleza de apreciar, ya sea algo a través de un microscopio o el contorno de imágenes para realizar una obra de calidad. Un sistema muy esencial e importante de conocer.

Fig. 2

       En conclusión, Santiago Ramón y Cajal además de científico es una pieza muy importante en el ámbito artístico, pues fue un eslabón de una gran cadena que en muchas ocasiones difería en algunos temas, pero que se compenetraba a la vez con ellos. Su impacto en otros científicos fue increíble, pues muchos de ellos pasaron a ver sus investigaciones como interpretaciones artísticas y no como copias exactas de las preparaciones. Kölliker fue uno de esos impactados con el trabajo de Cajal y dijo: “Los resultados obtenidos por usted son tan bellos que pienso emprender inmediatamente, ajustándome a la técnica de usted, una serie de trabajos de confirmación. Le he descubierto a usted y deseo divulgar en Alemania mi conocimiento”. Cajal cautiva mi espíritu científico artístico y logra enamorarme de su tan hermoso e impecable trabajo con las artes.

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CAPTURA EDUCATIVA

                                                                         Por: Krismarie Soto Corchado

       En la sociedad puertorriqueña actual, existe un gran debate sobre quién, cómo, y en dónde se deben enseñar los valores. Esto, ha conllevado a que se realicen una serie de manifestaciones en la cuales se muestra el apoyo y/o descontento de la población “boricua”. No obstante, hace años atrás, cuando el Departamento de Educación decidió eliminarlos cursos de Bellas Artes de las escuelas públicas del país, no se realizó ninguna expresión a favor o en contra de la misma. ¿Será que la enseñanza de valores morales tiene más importancia que la educación artística? ¿Acaso el arte no fomenta la sensibilidad humana?

       La educación artística es un tema que nos concierne a todos, pues es un modo de expresión mediante el cual plasmamos y reflexionamos, para la historia, nuestras ideas, sentimientos, innovaciones, e incluso sucesos que de una manera u otra impactan nuestras vidas. Es importante reconocer que el arte no sólo incluye los medios tradicionales como los son la música, la danza, el dibujo, la pintura, la escultura y el grabado, sino que también constituye una actividad que todos realizamos en el siglo XXI, la fotografía. Como comprenderemos, la tecnología ha evolucionado enormemente, motivo por el cual hoy por hoy, todas o la mayor parte de las personas poseen un teléfono inteligente o una cámara digital con la cual documentan, a diario, cada una de las actividades o eventos que realizan u observan. Debido a esto, la captura de fotos puede conformar un elemento muy efectivo para la educación escolar.

       La fotografía es un medio visual que se puede aplicar en cualquier materia. Esta permite que los alumnos puedan educarse de una forma más amena, al tiempo en que desarrollan sus destrezas para emitir juicios críticos, y aumentan sus capacidades imaginativas y lingüísticas. Sin embargo, antes de que este medio artístico se pueda poner en práctica, es necesario que se eduquen a los alumnos sobre el tema, brindándoles un curso o taller sobre el mismo.  

       El “Taller de Fotoperiodismo” de Puerto Rico es una organización sin fines de lucro que brinda orientaciones educativas a alumnos de escuelas públicas entre las edades de siete a quince años, con el propósito de fomentar el uso de herramientas tecnológicas como estrategia de enseñanza. La misma, además de aleccionar temas relacionados a la fotografía, ofrece talleres especiales de actuación, baile, música y deportes. Complementario a lo mencionado, esta organización brinda a los estudiantes la oportunidad de publicar escritos y fotografías en su revista titulada Apertura (Imagen 1 y 2). Jorllianis Marrero Courvertir, una niña de tan sólo ocho años de edad, es un ejemplo de aprendizaje de estos talleres. La misma capturó una foto estético evaluativa (Imagen 3) en San Juan. Ésta fue tomada desde el suelo, motivo por el cual se perciben las baldosas de las carreteras, y al fondo se observa un edificio antiguo de la capital. La gracia de la foto reside en la forma en que se obtuvo la imagen, lo que permitió que se realizara su publicación en la edición de 2011 en Apertura.

Imagen 1

 Imagen 2

Imagen 3

      No cabe duda en que la aplicación de este y otros métodos artísticos fomentan el desarrollo y aprendizaje de los alumnos, a la vez que promueven la sensibilidad. Empero, estos talleres no deberían ser sólo un programa extracurricular, más bien debería convertirse en una estrategia de enseñanza la cual abarque el tema profundamente; como un curso semestral. Luego de ello sería más factible que los educadores de las diversas disciplinas se integren a esta práctica, la cual es una económica, permitiendo el crecimiento integral del individuo.

 Para más información de la organización visite: http://www.tallerdefotoperiodismo.com/