cloudbusterscloud

[cloudbusterscloud]

“Andromeda” — Weyes Blood.

Una de mis cosas favoritas de la vida es cuando descubro que a un artista que me gusta le gusta un artista que me gusta.

Hace poco terminé de leer una compilación de cuentos de Flannery O'Connor, exponente, junto con el buen William Faulkner y la buena Carson McCullers, del southern gothic que me gusta tanto. Se me hizo increíble, pero bastante difícil de digerir. ¿Será que nadie es bueno en la literatura de O'Connor? ¿Será que nadie en general es bueno en América? Incluso en los últimos dos cuentos tuve que hacer fuerza en el estómago para seguir leyendo.

O'Connor primariamente fue cuentista pero también tiene dos novelas, una de ellas se llama Wise Blood. Justo en estos días me enteré que Natalie Mering, que va por la vida haciéndose llamar Weyes Blood pronuncia su pseudónimo como wise blood (no «weyes» as in «no sean weyes») y es por ese libro. Genial, ¿No? Me la imagino en su cuarto bajo el agua leyendo southern gothic. 

Sin embargo, a pesar de esa influencia directa, sus letras se me hacen menos oscuras que las de O’Connor. Su voz me recuerda muchísimo a la de Joni Mitchell e incluso hay una canción que me suena a Philip Glass, la de Movies. Es probable que para estas alturas de la vida ya hayan escuchado Titanic Rising, que salió el año pasado y fue bastante bien recibido, pero si no, o si quieren volverlo a hacer, les dejo este video de una sesión de KEXP que me obsesiona bastante.

D.

[cloudbusterscloud]

“Happy” — Mitski.

¿Qué es la felicidad para ustedes? ¿Y el amor? Si estos sentimientos fueran personas, ¿cómo creen que los tratarían?

La letra de “Liquid Days” de Philip Glass la escribió en los 80s nuestro buen David Byrne (del que ya hemos escrito aquí previamente). Me fascina porque entre otras cosas, hace una alegoría del amor. Escribe de éste como si fuera una persona, un ser humano que se comporta como el amor lo haría: “Love smiles gently and crosses its legs”. “We are old friends. I offer love a beer”.

Cuando escuché “Happy” de Mitski, me fascinó exactamente por lo mismo. “Happy came to visit me, he bought cookies on the way”. Solo que, como Mitski y su tendencia de hacer todo tóxico y/o triste, Happy, al final, es un douchebag. En esta historia la felicidad llega, tiene sexo con ella y luego se va sin avisar. A veces, la verdad, siento que así es la felicidad. Que te hace creer que está ahí, que la mereces y cuando confías, simplemente se va y te deja un mugrero en la cocina. “Happiness fucks you.” in fact, es lo que dijo Mitski cuando salió el disco.

Musicalmente tiene un gran inicio, una gran distorsión de guitarra, un gran solo de saxofón.

Y el video, necesitamos hablar de este video por favor. Lleno de referencias a Wong Kar Wai, está ambientado en los 50s y trata de una relación entre una mujer de origen asiático y un hombre americano, también por consiguiente, de los estándares de belleza eurocentrista. Recordemos que Mitski es americana de ascendencia japonesa y en ese disco no es la primera vez que toca el tema (Your Best American Girl, el otro single de Puberty 2, trata precisamente de esto, quizá luego escriba aquí del album completo). Y bueno, tiene el mejor plot twist que he visto en mucho tiempo.

Y en fin, quizá la felicidad nos joda, quizá no es permanente. Pero en definitivo, joyas así nos hacen los días más felices.

D.

[cloudbusterscloud]

Pitchfork Classic

Pitchfork nunca ha sido santo de mi devoción. Perdón por la expresión tan señora, pero es la primera que se me vino a la mente cuando escribí el título del post. Seriously, Pitchfork? Pensaría la D. de hace 10, 12 años.

Así que tenía que aclararlo. Y qué mejor expresión que aquella. Porque hace 10, 12 años las reseñas de esa revista influían en mucho del consumo musical no solo de mis conocidos, sino de los medios menos... ¿mediáticos? Blogs locales, nacionales, vaya. Y al igual, oferta-demanda, influían en las bandas que iban a tocar en el país. Y yo lo odiaba.

Pero bueno, también hace 10, 12 años yo era una adolescente, llena de ira y ganas de ser diferente. Así que si todos se declaraban fans de Arcade Fire, yo era la primera en decir que ni eran tan buenos y que por supuesto, los odiaba. Buenas épocas, lo mejor es que terminaron.

Una vez superada esa etapa, me encuentro en mi adultez un sábado por la noche viendo videos en Youtube, porque estos son los mejores años de mi vida, dicen. Y me encuentro con Pitchfork Classic, una serie de documentales de, obviamente, la revista homónima, que se enfocan en la historia de ciertos discos que consideran clásicos. Lo curioso es que sólo hay cuatro episodios, los cuales hablan, cada uno, de los siguientes discos: Souvlaki de Slowdive, If You're Feeling Sinister de Belle & Sebastian, The Soft Bulletin de The Flaming Lips y The Lonesome Crowded West de Modest Mouse.

Primero, me saltó a la vista que la mitad de la selección de lo que ellos consideran clásicos son dos de mis discos favoritos de dos de mis bandas favoritas, Slowdive y Belle. Incluso las he mencionado aquí. ¿A dónde se fue toda mi teen anger? Estoy más influenciada por Pitchfork de lo que esperaba.

Sin tanto más, les dejo el video de Souvlaki. Vale la pena, si no son fans de Slowdive puede que empiecen a serlo, y si ya lo son, puede que aprendan una que otra cosa nueva.

D.

[cloudbusterscloud]

Sugaree.

¿Cómo llegamos de Elizabeth Cotten a Jenny Lewis? ¿Quién fue Sugaree?

Estas y más preguntas no las resolveremos en este post, pero sí aprovecharemos para darle una revisada a esta bonita canción y sus diferentes versiones. “Shake Sugaree" es una canción escrita por Elizabeth “Libba” Cotten, grandiosa y legendaria compositora de blues, la cuál entre otras cosas, se hizo famosa por su manera particular de sostener la guitarra: al revés, ya que era zurda. Una especie de serendipia musical (à la Tony Iommy, el iron man).

La primera vez que escuché esa canción me maravillé por la que creí inocente voz de Cotten, pero no, D., estabas bien mal. Una rápida lectura me hizo saber que la que canta es Brenda Evans, nieta de Cotten y quien tenía en ese entonces 12 años.

Escuchen conmigo.

“Shake Sugaree” — Elizabeth Cotten. (1967)

La abuela decía que su nieta la escribió, y la nieta que el coro era autoría de su abuela. De la letra hay mil teorías en internet: 1. se dice que shake it simplemente se refiere a bailar, o 2. que a tirar los dados, y 3. que sugaree hace referencia a la tribu Shoccoree, o 4. que es un nombre de cariño, o que por última, 5. es una canción de niños y que quizá no tenga tanto sentido.

La canción ha sido covereada por diferentes músicos a lo largo de los años, desde Bob Dylan en recurrentes conciertos del 96 y 97, hasta Mary Lou Lord el año siguiente, a la cual con su dulcísima voz y la siempre reconocible guitarra de su entonces pareja, Elliott Smith, le queda lindísima.

“Shake Sugaree” (Elizabeth Cotten cover) — Mary Lou Lord. (1998)

Pero creo que nos adelantamos un buen. Retrocediendo a la década de los 70s, apenas cinco añitos después que Cotten, Jerry Garcia, el guitarrista de la mítica banda Grateful Dead sacó su primer disco de solista y recurrió a su lyricist (¿Existe término en español para esa palabra?) de toda la vida en la banda, Robert Hunter. Cabe destacar que intentar hablar de Grateful Dead es entrar en un terreno peligroso, ya que éstos gozan y gozaron de una fanbase bien consolidada y sinceramente, no creo que ningún dato que yo pueda dar, vaya a hacer un aporte que no podamos conseguir en Wikipedia.

El caso es que Garcia aclaraba que no era un cover de Cotten, que incluso su canción originalmente se llamaba “Stingaree”, una especie de mantarraya, la cual por fonética terminó siendo Sugaree. Pero luego salió con que sí, sí conocía el de las Cotten y que de ahí sacó el “shake it, shake it”. Y su séquito de fans tenían la teoría incluso de que Sugaree era una prostituta, a la que él le pedía “Just don't tell them that you know me”.

Teorías más, teorías menos, Garcia hace bien su trabajo y este es un tema ejemplar. Aquí podemos escuchar:

“Sugaree” — Jerry Garcia. (1972)

Y finalmente, en la actualidad, que es a donde quería llegar (pero lo que iba a ser la introducción terminó siendo el core del post). Sugaree en versión folk actual. A cargo de Matthew Houck, más conocido como Phosphorescent, y con la voz de la grandiosa Jenny Lewis (también conocida por su carrera como vocalista de Rilo Kiley) como acompañante. Decidieron colaborar para el album Day of the Dead, el cual se creó para juntar fondos para la ONG Red Hot Organization, la cual se dedica a crear conciencia acerca del VIH y el SIDA. Debo también mencionar que todo este disco además de tener un gran propósito, es un tributo a Grateful Dead, y encontramos otras versiones muy interesantes por grupos igual de interesantes, como The War on Drugs, Angel Olsen, Wilco y The National, por mencionar algunos.

La versión de Phosphorescent y Lewis tiene un ritmo un tanto más rápido, y la voz de Matthew queda bastante bien. Lo único que me hubiera gustado es que la de Jenny se escuchara un poco más. En fin, sin más aquí está:

“Sugaree” — Phosphorescent, Jenny Lewis & Friends. (2016)

¿Cuál es su favorita?

D.

[cloudbusterscloud]

“Vivir así es morir de amor” — Camilo Sesto, La Casa Azul.

Hace unos días Camilo Sesto cumplió 72 años y su conocida «Vivir así es morir de amor», 40. Aunque el hombre es español, si nacieron en los late 80s y early 90s de madres mexicanas, es probable que hayan crecido escuchándole.

Yo lo hice y te culpo a ti madre, y a ti Camilo de ser tan dramática, ¿Cómo es que «por amor tengo el alma herida»? ¿Cómo es que una niña de 5 años puede crecer sana escuchando eso? Maldita sea. (pero bueno, ese tema es aparte, porque siendo la ocasión de mencionarlo, yo siento que voy a joder a mis hijos del futuro con tanto The Smiths).

La Casa Azul, por otra parte, es una de esas bandas que solo son una persona, pero qué persona! El también español Guille Milkyway es el encargado de orquestar ese grupo tan curioso que combina música pop twee, alegre y bailable con letras llenas de drama y desamor.

Así que si había alguien perfecto para remezclar esta canción, era Guille. Denle una oída, no importa si están tristes, si están alegres, si están despechados, de todas funciona. De esas pocas que podría jurar, les harían llorar y bailar a la vez y eso estaría bien.

D.

[cloudbusterscloud]

Yann Tiersen @ Conjunto de Artes Escénicas (GDL) — 08.07.2018

Creo que mis pocos textos aquí empiezan pidiendo disculpas. Un mal hábito que me han dicho, necesito erradicar. Pero mientras trabajo en ello, ahí va la disculpa de este texto: perdón por hacerlo tan personal.

Pero para mí la importancia de la música no radica en planos tan técnicos, no tengo el conocimiento de tocar un instrumento. Lo que tengo, en cambio, son los sentimientos. Y las vivencias. Y las asociaciones. Y los contextos. En eso se basa gran parte de mi apreciación musical.

No es la primera vez que veo a Yann Tiersen. Por ahí de mayo de 2014 fue la primera vez que lo vi, en CDMX en el Teatro de la Ciudad. 

Este domingo estaba programado a las 6:30 pm. Pero eran las 6:30 pm y no salía. «Una tormenta, de esas que se resuelven en 10 minutos», fue la explicación que se nos dio. Los conciertos en teatros suelen tener más formalidad, primera, segunda llamada. Que apagues el celular. Y suelen tener puntualidad. Así que Yann Tiersen salió tarde, no supimos realmente por qué. Pero me gustó la explicación.

Procedió en un ambiente bastante oscuro y callado, a tocar canciones del EUSA, su último disco. Como suele ser común, venía acompañado de su banda y tocó todo lo que sabe tocar: piano, guitarra, violín, toy piano. Después del encore, vinieron canciones más populares. La valse de monstres, La dispute. Segundo encore y cerró con Sur le fil.

Y bueno, acá va la parte por la que empecé pidiendo disculpas: este concierto fue especial para mí, porque además de bien hecho, cuando yo era joven, soñaba con verlo en vivo. Me frustraba que la idea de que tocara en Monterrey, mi ciudad natal, era una lejana fantasía. La primera vez que vino al país, tuve que lidiar con la frustración de no tener el dinero para ir a verlo y la vez que lo pude ver fue hasta 2014 y fue como cumplir un sueño. Así que, cuando anunció este tour, vi que las fechas eran en CDMX, Guadalajara y Monterrey. No podía creerlo. Yann en mi ciudad, solo tomaría unos minutos salir de mi casa para verlo. 

La vida da muchas vueltas y cuando anunció yo no tenía idea que iba a dejar de vivir en Monterrey. Me mudé a Guadalajara. Llegué a la ciudad la semana cuando él tocaba. Y fue mi primer concierto en Guadalajara. Espero el primero de muchos, espero seguirlos reseñando aquí.

D.

[cloudbusterscloud]

David Byrne @ Auditorio Pabellón M (MTY) — 05.04.2018

David Byrne vino a Monterrey y es una de las mejores cosas que le ha pasado a la ciudad. Al menos musicalmente hablando. Al menos en los últimos años.

Porque además de ser el ex vocalista de Talking Heads, una de las bandas más relevantes del new wave, su trabajo ha abarcado también el escribir, el dirigir, el producir. Siempre ha estado dispuesto a colaborar con gran variedad de músicos de diferentes géneros, y nunca ha sido indiferente a temas como la política, la justicia social, la movilidad sustentable. Básicamente todo lo hace muy bien él, como dice mi Juanga, ser muy bueno es su virtud.

Así que, en la ciudad que año tras año agota las entradas de los festivales con las mismas 5 a 10 bandas, me parecía difícil que se vendieran suficientes entradas para este concierto (aún no supero la cancelación de Dead Can Dance en 2012, perdón). Incluso en una temporada se anunció un 2x1 en boletos («ya valió madres» recuerdo haber pensado), pero al final sí sucedió la presentación, con una cantidad muy aceptable de asistentes.

Y vaya presentación, acercándose más a performance artístico, combinando todo eso que él sabe hacer bien. Se nota que su interés en temas sociales es genuino, entre sus músicos encontramos personas queer, mujeres, personas de color, pretty fly for a white guy.

En su repertorio no solo se encontraron grandes éxitos de los Talking Heads (no podía faltar la entrañable This Must Be the Place, momento favorito de muchos asistentes), sino highlights de su carrera de solista, y bastante contenido del nuevo disco. 

Lo más destacable, me pareció, fue el cierre con un cover de la grandiosa Janelle Monáe y del colectivo Wondaland, Hell You Talmbout, la cual es una canción de protesta que grita los nombres de personas afroamericanas que han sido víctimas de la violencia racial. Al principio no podía lograr entender qué estaba pasando, ya que no conocía la canción original. Entendía que estaban mencionando nombres de personas latinas, sí, pero no podía lograr una relación. «Son los estudiantes de Ayotzinapa», dijo la amiga de una amiga, pero yo había escuchado nombres de mujeres también. Al final del concierto me acerqué al escenario a tomar lo que creí era el setlist, para darme cuenta que era el listado de nombres que Byrne y sus músicos habían gritado: activistas, periodistas y también estudiantes de Ayotzinapa, todos mexicanos, asesinados. 

Creo que ha sido uno de los momentos más políticos que he visto en un concierto, y considero que un artista contemporáneo (como lo es un músico) no puede permanecer indiferente al mundo que lo rodea. Ojalá muchos sigan su ejemplo, larga vida a David Byrne.

D.

[cloudbusterscloud]

Sleep @ Festival NRMAL (CDMX) — 03.03.2018

Primero que nada me quiero disculpar con A., la otra persona que escribe en Cloudbusters, por escribir sobre una banda de stoner rock. 

Porque si la psicodelia de los 60s tuvo dos hijos, digamos uno fue el progresivo: el chico que siempre sacaba 10 en la escuela y que se portaba bien sin que se lo pidieran, y el otro fue el stoner, ese que no es tan brillante y que se tira al vicio, pero que para sorpresa de unos, es bastante bueno en las disciplinas creativas. Y bueno, a mi me toca escribir de eso.

Puede que me esté proyectando, puede que no. Puede que Sleep sea una banda seminal de los 90s, puede que no. Pero lo que sí les puedo asegurar es que es que si la vida les presenta la oportunidad de verlos en vivo, deberían aprovechar y juzgar por sí mismos.

Yo lo hice, y no me arrepiento. El Festival NRMAL es en teoría un gran momento del año para conocer propuestas frescas en música de distintos géneros, pero en la realidad es un festival hipster, con asistentes hipsters, y música lo-fi tirándole a mal hecha (sí, te estoy viendo a ti Mac DeMarco), así que la presencia de Sleep no encajaba del todo. Pero en eso radica el encanto de este festival, en sus contrastes (aún recuerdo haber asistido a una de sus ediciones en Monterrey, por allá del 2013, donde estuvieron tanto Twin Shadow como Brujería). Sin embargo, Sleep se ha ganado un status de banda de culto entre sus fans, así que esto, aunado al hecho de que es la primera vez que se presentan en el país, la modernidad del evento no sería un impedimento para que asistieran. Y lo hicieron.

Ya llegado el día, era muy fácil distinguir a los que iban exclusivamente a ver a Sleep. Aquellas cabelleras largas en cabezas masculinas, tatuajes y t-shirts negras de bandas, pertenecientes a ávidos weedians reunidos frente a un escenario con amplificadores Orange, indicaron el spot donde iba a presentarse la banda, más que cualquier otra señalética que el NRMAL hubiera podido colocar.

Y durante una hora, entre un montón de humo que provenía no sólo de la ambientación del escenario, la banda encabezada por Al Cisneros interpretó cinco de sus canciones más icónicas, incluyendo la grandiosa Dragonaut, perteneciente a su disco de 1993, Holy Mountain. Todo fue exactamente como se esperaba: psicodélico, agresivo, hipnótico. No hay duda de que esos tres músicos saben lo que hacen.

La única frustración compartida por los asistentes fue que, por la naturaleza del festival, la presentación estaba anunciada para durar solamente hora, lo cual se cumplió. Pero fue una gran hora, un buen preview para buscar presenciar un concierto en solitario de esta banda, con su equipo de sonorización completo  y un setlist de más larga duración.

D.

[cloudbusterscloud]

"Help the Aged" — Pulp.

Un día te levantas y ya no tienes 17.

Un día esas canciones que a los 17 se te hacían tan lejanas, cobran sentido. In the meantime we try, try to forget that nothing lasts forever.

D. 

[cloudbusterscloud]

2017

Ya se acabó el primer trimestre del 2018, y acá apenas va un listado de lo que considero los mejores discos del año pasado, porque la impuntualidad me representa.

Puede que sea subjetivo. Es más, es subjetivo. Y bonus: no fue planeado, pero resulta que pude ver presentaciones de esos tres discos en vivo. Así que tenemos 3 discos + 3 mini reseñas de conciertos del 2017. Comenzamos.

"Damage and Joy" — The Jesus and Mary Chain

Al escuchar este disco lo primero que pensé fue: The JAMC se lleva de encuentro a todas esas banditas que han intentado hacer noise estos últimos años. 

Aunque ciertamente con este disco no inventaron el hilo negro, les puedo decir algo: no necesitan hacerlo porque con el Psychocandy lo hicieron hace años (les digo, la lista no es objetiva, soy fan, perdóname A.). Estos hermanitos ya están en sus 50s y siguen haciendo las cosas bien. Leí un montón de malos recibimientos para este álbum, entre tantas muchas cosas, se quejaban los que saben, de 1. Haber esperando tanto de entre un disco a otro (19 años pasaron desde Munki y algunas de estas canciones ya existían aunque fuera a manera de demos) y 2. De las excesivas colaboraciones con voces femeninas, pero para mí dieron en el clavo. Porque Munki me tuvo sin cuidado, y porque las voces son de las cosas que más me gusta apreciar en la música, y eligieron entre ellas a Isobel Campbell, ex Belle & Sebastian.

Y así, entre esa mezcla, podemos disfrutar de un disco que a una simple escucha podría ser un rock alternativo del equis, pero que tiene sus momentos, entre ellos Amputation. Una pieza de las que uno agradece la espera.

The Jesus and Mary Chain @ Lucerna Music Bar (Praga) — 13.10.2017

The Jesus and Mary Chain han venido 2 veces a México, una en 2015 y otra en 2008, pero ninguna de esas veces se me había podido hacer. Resultó que los vi en octubre en Praga, en un venue llamado Lucerna, con Cold Cave como teloneros.

Alguna vez esta banda cosechó la fama de romper tímpanos, y de hacer destrozos en el escenario. Esa alguna vez debió ser en sus veintes. Ya lo mencioné porque es necesario, los hermanos Reid están en sus late fifties. Y no es justificación porque no la necesitan. Hasta eso, siguen sorprendiendo. Sólo que de una manera distinta, madura: la voz de Jim en vivo es impecable, sigue teniendo estilo, todos los miembros están sincronizados.

Y sé que esta cuenta no es guía de viajes, pero para ponernos en contexto: Lucerna Music Bar es un venue pequeñito, como lo dice su nombre, es un bar. No cabrán ni 1000 personas. Pero está dedicado desde su concepción a inicios del siglo XX a los espectáculos musicales de distintos géneros, por lo cual la acústica fue de la misma manera, sorprendentemente buena. Algo muy difícil de lograr para una banda de este estilo.

"Slowdive" — Slowdive

A diferencia de The JAMC, a ellos la crítica no les resintió habernos hecho esperar tanto de un disco a otro, porque a su criterio esa espera valió la pena. Y bueno, para mí también. 

22 años pasaron desde Pygmalion, el último release de esta banda fundamental para el shoegaze: pasó Mojave 3, pasó la un poco desapercibida carrera folskie de Neil Halstead, pasó un épico retorno a los escenarios en el Primavera del 2014. 22 años es una vida. Y de repente, Star Roving. Esas distorsiones de guitarra, esas voces como ecos, nostalgia pura. Como si el tiempo no hubiera pasado.

Mi favorita del disco: Sugar for the Pill.

Slowdive @ Huxley Neue Welt (Berlin) — 03.10.2017

Slowdive ha venido una sola vez a México, el año pasado. (o sea 2016, porque este post debió haber salido en 2017). Y por razones de la vida tuve que vender mi boleto, al igual que por razones de la vida me pude reivindicar y verlos en Berlín, en un venue llamado Huxleys Neue Welt.

Cabe destacar: este concierto fue sold out pero aún así se sentía algo vacío. No sé si es por mis raíces que mi mente aclama de las bandas interacciones con el público (Un «cómo están?» hubiera estado bueno, Neil!), y del público coros, gritos e invasión del espacio personal, cosa que los alemanes no son dados a dar. 

Pero dejando a un lado eso, la banda crea una atmósfera envolvente, no solo con su música sino con el resto de los visuales y la iluminación en adición. Rachel desafina algo en vivo, pero no tanto para hacerlo una mala experiencia. El setlist no deja nada a deber, todos los hits del nuevo disco son interpretados. Sin embargo para mí, los momentos más grandes fueron Dagger, en la cuál se creó un momento íntimo, y When the Sun Hits, canción que me vuela la cabeza y en mi opinión es la mejor de ellos. Hace unos años había abandonado la idea de ver esa canción en concierto y ¿Qué tal? Son buenas épocas para estar vivo.

"Sleep Well Beast" — The National

En tiempos de Trump, y de una gran tensión México-Estados Unidos, es imposible que un disco tan político pase desapercibido.

A pesar que desde que escuché Boxer y The National se distinguió para mí de las otras bandas de indie rock por la preciosa voz de Matt Berninger y por pertenecer al mítico sello 4AD, realmente nunca fui fan (y ahora me condeno, porque vuelvo a escuchar ese disco, y qué joya).

Entonces llegó Sleep Well Beast, con una consistente identidad creada por la renombrada agencia de branding Pentagram y Day I Die como single, y aquí me tienen. Entre letras tristes, y música bonita, uno de mis discos favoritos del año.

Mi favorita del disco: The System Only Dreams in Total Darkness

The National @ Pepsi Center WTC (CDMX) — 23.01.2018

Un día antes de que ganaran el Grammy con el mejor disco de música alternativa, vinieron a México a dar una presentación esperadísima desde hacía unos meses.

Algo tienen los conciertos en Ciudad de México y es que se caracterizan porque la gente no respeta el espacio personal del otro, y además los asistentes no escatiman en gritos de emoción y en corear las canciones. Siempre creí que cuando decían los artistas «Gracias México, son el mejor público que hemos tenido» era algo que le decían a todos los públicos, pero al parecer los mexicanos sí nos caracterizamos por nuestra pasión.

Berninger y el resto de la banda son un encanto, su presentación es increíble en vivo, su interacción con el público igual, con todo y sus chamarras choteadas de Mexico is the shit, se puede percibir su autenticidad. En definitiva uno de esos conciertos donde todos salimos sonrientes.

D. 

[cloudbusterscloud]

"All My Little Words" — The Magnetic Fields.

Cuando Stephin Merritt decidió publicar 69 Love Songs, el más memorable disco de The Magnetic Fields, aclaró que no eran canciones de amor, sino canciones cuyo hilo conductor era el amor.

Y aquí tenemos la más memorable de esas no-canciones de amor.

El rechazo, la frustración del amor no correspondido, son sensaciones que muy pocos no han vivido. Conforme pasan los años me he dado cuenta que también me ha tocado estar del otro lado, de ser esa persona unboyfriendable.

Ya sea de un lado o del otro, qué forma tan bella de plasmarlo, Stephin Merritt.

D. 

[cloudbusterscloud]

Jens Lekman @ Paper Tiger (San Antonio) — 12.02.2018

Cuando Jens Lekman anunció su tour del 2018, todos nos emocionamos porque incluyó México. Es la primera vez que viene al país. 

Toca mañana, Día de San Valentín. En el tour también incluía un show en San Antonio, Texas dos días antes. Así que por un precio mucho más barato y una distancia mucho más corta, me decidí por ir a ese. Y aunque aún falta la comparativa de mis amigos capitalinos que mañana lo ven en Sala Corona, yo siento que mejor decisión no pude haber tomado.

   Paper Tiger es un espacio pequeño con una atmósfera muy cool. El escenario: una especie de cochera, pero con un audio bastante bien logrado. Y no soy precisamente hábil para calcular cantidades de personas, pero sí estoy segura de que a 100 no llegábamos.

El telonero fue Peter Oren, un músico americano relativamente desconocido, pero con composiciones folk y una voz sorprendentemente buenas. El show que ofreció Lekman fue acústico: sólo él, una guitarra y ocasionalmente un sampler. Como buen exponente del baroque pop, su música tiene muchos arreglos e instrumentos, se presta para que lo acompañe una back up band, o si me ponen a pedir, un cuarteto de cuerdas. Sinceramente espero poder verlo algún día en una presentación de esa manera.

Pero no me malinterpreten: su presentación acústica no deja lugar para decepción alguna. En vivo su voz es tan buena como en estudio. Abrió con la épica And I Remember Every Kiss, de su disco del 2007 Night Falls Over Kortedala, procedió mayoritariamente con canciones del Life Will See You Now, su más reciente disco y el que viene a presentar. Entre canción y canción, contó un montón de anécdotas simpáticas haciendo reír a todos los asistentes: desde cómo fue sacar su visa de trabajo para poder tocar en Estados Unidos, hasta otros detalles de la historia de A Postcard to Nina, canción con la que cerró y que además es mi favorita de él.

Así, la naturaleza del show, el tamaño del espacio, la cantidad de asistentes, y el carisma de Lekman en conjunto, fueron factores que jugaron para hacer de éste un show íntimo y agradable, una gran analogía de su música.

D.

[cloudbusterscloud]

Mis favoritos del 2017.

Este post representa sólo mi opinión (A). Falta la de la otra entidad administrativa de este blog, D.

Sin orden particular, aquí les presento mis discos favoritos del año. Hay hipervínculos. Quisiera añadir que los siguientes artistas sacaron discos este año que no estuvieron a la altura de lo que esperaba de ellos: Kendrick Lamar, St. Vincent, Colin Stetson, Björk, Spoon, Goldfrapp, U2, Arcade Fire. 

Cada vez me convenzo más de que nadie realmente lee lo que uno escribe en estas listas, así que mis palabras estarán limitadas. Si el azar dicta que algo te llame la atención, lo abras y te guste, supongamos que estaba destinado para ti. Si no, supongamos que de algo te pierdes.

Hampshire and Foat - Galaxies Like Grains of Sand

Qué bonito es lo bonito. Tal vez mi disco favorito del año. Los paisajes sónicos que este par logró en "Galaxies... “ no pertenecen al mundo del jazz, sino a otra cosa sublime que no sé cómo llamar. A las pruebas me remito con “End Song”.

Chelsea Wolfe - Hiss Spun

Chelsea Wolfe, en mi opinión una de las mejores compositoras del momento, lo ha logrado de nuevo, pero con un sonido más pesado que nunca. Esta es música profundamente emotiva; basta escuchar la canción abridora para sentir que todo está perdido en esta vida.

Laetitia Sadier Source Ensemble - Find Me Finding You

La vibra de este disco es magnífica: calmada y reconfortante. Laetitia se armó de nuevos músicos, que aportaron una capa extra a su paleta sónica, y nos regaló... ¿tal vez el mejor disco de su carrera solista? Quién sabe, pero qué bonito es. Aquí un gran ejemplo.

Steven Wilson - To The Bone

Como guitarrista, me fascina que Steven Wilson haya tomado una Fender para este disco. El sonido metálico y no-saturado de su Telecaster se manifiesta en todo el disco; perfecta herramienta para las canciones modernas y concisas que conforman este disco. Mi favorita es “The Same Asylum as Before” - ese riff super vigorizante después del segundo coro no tiene precio.

Juana Molina - Halo

La primera vez que topé con esta argentina, me pregunté “¿qué demonios es esto que acabo de escuchar?”. Ni siquiera puedo definir la música que contiene este disco usando un calificativo que no sea “experimental”. Sin duda, de lo mejor que Latinoamérica ofrece en este momento en cuestión musical. Juzga tú, si estás leyendo esto, y ojalá te des la oportunidad de descubrir a esta gran artista.

Kamasi Washington - Harmony of Difference

A Kamasi Washington hay que agradecerle el inyectar un aire fresco al jazz en Norteamérica (aunque es difícil definir qué es lo que lo hace diferente a todos sus predecesores). Su disco del año pasado da suficiente música para una década, pero se agradece este EP que continúa en la misma vena melódica y expresionista. Gran cerradora, por cierto.

Ibeyi - Ash

Estas hermanas van a ser muy populares pronto. Al menos entre los hipsters, que todavía no las han descubierto (creo). Este es un disco de pop con un sabor muy refinado. La música se apoya en beats electrónicos y algo de percusión afro-cubana; los bajos electrónicos son profundos, la producción minimalista y las voces excelentes. En esta canción toca saxofón el mismo Kamasi Washington.

Brian Eno - Reflection

Eno presenta (¿por qué no?), una composición generativa que inició en enero y tuvo una iteración diferente cada estación del año, pero que siempre se mantuvo más recargada a frecuencias medias y bajas, precisamente muy aptas para la reflexión. Para experimentar magia generativa hay que tener la carísima aplicación de iPhone. Si uno no la tiene, puede conformarse con las versiones grabadas.

Ryuichi Sakamoto - async

Este compositor pasó recientemente por un momento pesado -cáncer- y es evidente en este disco. Hermoso, sí, pero invadido de un sentimiento que seguramente sólo aquellos que ven la muerte de cerca pueden expresar. Ejemplo.

Roger Waters - Is This the Life We Really Want?

Debería quedar claro con esto que Roger Waters no es un acto de nostalgia. A sus setenta y algo, este señor permanece tan crítico ante la realidad como siempre. No se muerde la lengua al decir lo que piensa, y lo acompaña esta vez con la música más poderosa que ha creado en décadas. Bastante piano.

U2 - The Joshua Tree (Edición del 30 aniversario)

Este es uno de los mejores discos en la historia de la humanidad. Con esta edición especial se presenta una gran oportunidad para recordar y revivir, así como para escuchar cosas interesantes como esta y, mi favorita, la nueva mezcla de “Red Hill Mining Town”.

Radiohead - OKNOTOK

Para terminar, hablando de ediciones de aniversario, tenemos esta del cumpleaños no. 20 del OK Computer. Las 3 canciones inéditas que aparecen en esta entrega son en general buenas, pero los arreglos de guitarra y cuerdas en “Man of War” la convierten, en mi opinión, en la pieza más valiosa. Gracias, Radiohead.

Y hasta aquí. Ciao.

A.

[cloudbusterscloud]

“The Tourist” — Clap Your Hands Say Yeah.

Clap Your Hands Say Yeah es una de esas bandas que surgió cuando el boom del indie pop (si ya sé, qué feo término). Por allá del 2005, ganaron relevancia con su disco homónimo, particularmente con el tema de The Skin of My Yellow Country Teeth, que se convirtió en un hit (moderado para el pop, grande para el indie).

Y ya.

Después de eso, no mucho. Un par de discos en mi opinión intrascendentales. Pasó una década, luego un par de años más, de repente ¡doce años! Y boom: una joya. The Tourist es el nuevo disco de esta banda liderada por Alec Ounsworth, que ahora se compone sólo de Alec Ounsworth. Y este disco él lo compuso, lo grabó y lo tocó. Todo. Él solo. Pero a pesar de que Alec tiene algunas grabaciones como solista, prefirió sacar este trabajo como Clap Your Hands. Algo así como Andrew Eldritch con los Sisters of Mercy, o como Jacobs by Marc Jacobs for Marc by Marc Jacobs in collaboration with Marc Jacobs for Marc...

Las letras son el resultado de algunos momentos oscuros de su vida (soy fan de ese tipo de escrituras) y la música abandonó mucho el sonido que antes tenía, for good: estoy agradecida de que dejó por la paz los berridos, que en su lugar se encuentra una voz compuesta por capas suaves, mejor controlada y que la música que acompaña esa voz tiene un bassline que resulta adictivo, pero que aún así no niega su bandera de pop: pop que es relajante y en ocasiones puede llegar a ser atmosférico, para una muestra, Down (is were I want to be). 

Y hay más puntos altos aquí, por ejemplo, The Pilot, que es mi canción favorita y la que le da el título al disco con la línea But can I get up to be the tourist? Or am I the pilot? Cuando la escuché la primera vez pensé que estaba oyendo alguna banda de twee perdida de los 80s, mal etiquetada como Clap Your Hands Say Yeah.

Pero no, ningún error. Alec, you're doing amazing sweetie.

D.

[cloudbusterscloud]

La parte misteriosa del Heroes.

Considero que lo que realmente separa a David Bowie de otros tantos otros músicos no es haber traído el cabello rojo y maquillarse como alien por un par de años, sino haber sido un compositor arriesgado que tuvo las agallas de introducir, con buen resultado, elementos experimentales en discos de música popular.

Ahora que el disco Heroes cumple 40 años, quiero viajar a través de las últimas canciones de esta grabación para ilustrar mi punto. Si estás leyendo esto y te da curiosidad conocer un lado experimental de Bowie, haz click aquí. Está configurado para que arranque justo en nuestro punto de partida.

____________________________

Suena “V-2 Schneider”, canción cuyo nombre hace referencia a Florian Schneider de Kraftwerk, banda que influenció a Bowie y a muchos otros en aquellos días de finales de los 70s. Este disco se grabó en los estudios Hansa Ton de Berlín, a donde Bowie se mudó para rehabilitarse física y espiritualmente. Pero ya se va terminando la pieza, estamos a punto de hundirnos en las profundidades... 

Sense of Doubt

Esta pieza me hace pensar en la zona abisal del mar, a donde ya no llega la luz. Suena una melodía descendente de piano, y le contesta un sonido sintético de cuerdas y metales (¿un mellotron acaso?), mientras varios sonidos ambientales contribuyen a la atmósfera pesada de la pieza. Este disco fue compuesto por Bowie en colaboración con Brian Eno, padre de la música ambient, cuya influencia es muy evidente en canciones como esta. El colaborar con este otro cerebro visionario habla claramente de las ganas que Bowie tenía de hacer algo nuevo.

Los últimos sonidos de esta canción nos llevan de la mano hacia la siguiente pieza.

Moss Garden

Si “Sense of Doubt” nos sumerge en las profundidades del mar, "Moss Garden” nos trae de vuelta a la superficie. Es inevitable sentir una vibra oriental, ya que entre las capas de sintetizadores suena un koto, instrumento tradicional japonés. Es el tipo de pieza que yo pondría si fuese maestro de yoga; ¿a poco no es sencillo visualizar, como dice el título, un jardín de musgo de atmósfera apacible? Posiblemente esta sensación de paz interna era la misma que Bowie buscaba tras su época de drogadicción severa de mediados de los 70s.

El mismo sonido que nos introdujo a esta canción nos aleja de ella para llevarnos a un último paisaje sónico.

Neuköln

Nunca he ido, pero en Berlín hay un barrio llamado “Neukölln” que desde hace varias décadas alberga un gran número de inmigrantes, muchos de ellos turcos. Bowie vivía cerca de allí, y durante esta etapa hizo algunas referencias a la cultura turca, que seguramente le atraía. 

Una de estas referencias fue la manera en que tocó el saxofón en esta pieza. La escala que está tocando está compuesta de intervalos que no son comunes en la música occidental, pero bastante utilizados en la música del mundo árabe. Este saxofón poco a poco va perdiendo el apoyo de los otros instrumentos, hasta que queda solo, haciendo notas que más que música, parecen un lamento. 

¿Esto habrá sido un recurso musical para terminar la pieza, o estará haciendo referencia a la situación del inmigrante turco en Alemania?

The Secret Life of Arabia

Tras varios minutos de música ambient, más de uno puede olvidar que estaba escuchando un disco de David Bowie. Al iniciar esta canción, uno siente que está despertando de un sueño muy largo para encontrarse en la Arabia mística de los cuentos antiguos. 

Esta es por mucho mi pieza favorita del disco. Inicia con un ritmo juguetón que, gracias a un patrón algo irregular de batería, no termina de concretar el groove. El bajo se divierte mientras tanto, jugando con todas las notas que le es posible meter en la escala. Y entonces, tras la misteriosa línea 

“You must see the movie, the sand in my eyes I walk through a desert song when the heroine dies”

inicia un coda donde todo cobra sentido.

Esta sección final comienza con la batería y el piano tomando un patrón estable, dándole a la canción un sentimiento muy dinámico y hasta bailable (¡hay aplausos!). Al fondo, una melodía fantasmal va cobrando fuerza, ¡y el bajo es imparable! ¡denle un premio a esa línea de bajo! No se detiene, creando una melodía en su propio derecho, saltando de una nota a otra, pero manteniendo magistralmente la cohesión de la pieza.

Unas barras después, un pandero le da un sentimiento más acelerado al patrón que los demás instrumentos han estado construyendo... y entonces emerge la guitarra de Robert Fripp. Santo dios. Aquella melodía fantasmal que había estado en el fondo surge con toda su fuerza, otorgando la capa final a la canción. No hay lugar para nada más aquí. Todo está consumado, y en su lugar perfecto. 

Justo cuando la canción tenía poco de haber llegado a su clímax, Bowie manda a los músicos a bajarle a la intensidad con un “shhh...”. Estos obedecen. La música de este gran disco comienza a reducir su volumen, despidiéndose. Antes de irse por completo, aún escuchamos a David lanzar un último “Never here, never seen - Secret life, ever green”.

A.

[cloudbusterscloud]

“Parsec” - Stereolab.

Me gustan todas las canciones del disco Dots and Loops desde que un buen amigo me recomendó escucharlo. El álbum está a días de cumplir 20 años de haber sido lanzado, pero no tengo ganas ni tiempo de narrar un viaje a través de una hora de música, así que mejor me enfoco en una de las canciones de esta grabación que más me prenden, “Parsec”.

Un pársec es una unidad de medida que equivale a aproximadamente 3 años luz. La estrella más cercana a la Tierra (además del Sol) está a poquito más de un pársec de distancia. Esto no tiene nada que ver con la canción (¿o sí?) ni es útil saberlo (o quién sabe), pero quería mencionarlo.

En cuanto a la canción, lo primero que me llamó la atención es lo primero que uno escucha al darle play: ese ritmo drum-n-bass-esco en 5/8 que se siente como debe sentirse el primer café del día para aquellos que disfrutan de esa bebida. He escuchado grabaciones en vivo de esta canción, y no es lo mismo. Sólo la versión de estudio tiene esa fuerza en el ritmo, producto de alguna mezcla entre instrumentos de percusión reales, probablemente una caja de ritmos y seguramente procesamiento de estas dos fuentes.

A mí, que siempre he disfrutado mucho de los tiempos menos ortodoxos en las canciones, me encanta que la canción esté en 5/8 (normalmente una canción está en tiempo de 4/4). Si no la has escuchado, en el minuto 1:56 hay una sección que juega genialmente con el sentimiento asimétrico de la composición: el teclado y las voces se quedan en 5/8, mientras las percusiones se callan y dejan sólo un pulso estable en 4/4, dando inmediatamente un sentimiento bailable a la música, pero aún un poco extraño, debido al desfase entre sección rítmica y sección melódica. Sin embargo, si hacemos una operación de mínimo común múltiplo, nos damos cuenta de que 5/8 y 4/4 comparten un múltiplo no muy lejano (40/8 = 20/4, o sea, 8 vueltas de teclado equivalen a 5 vueltas de la percusión), y por eso esta sección da la ilusión de entrar y salir de sincronía. ¡Qué buena idea! ¿Habrá sido a propósito?

Pero basta de números y de palabras. Pongo aquí esta gran canción de esta gran banda. ¡Que viva Stereolab! ¡Que viva el disco Dots and Loops! ¡Que vivan los aniversarios no. 20! ¡Que viva este blog!

A.