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[espeliculando]

Puntuación: ⭐⭐ y media sobre 5.

Fácil

Quizás demasiado fácil.

por @mgarsos

La primera propuesta en solitario de Anna R. Costa para Movistar+ se estanca en un quiero y no puedo rodeado de polémica. Basada en la novela “Lectura fácil” de Cristina Morales, “Fácil” no logra ser una adaptación exitosa. Pero como buena historia que es, funciona pese al tono rebajado y el blanqueado del que ya avisó Morales. Una serie que acierta en el tempo y el ritmo de cada uno de sus apenas 5 capítulos de 30 minutos de duración. Su reparto reabre el eterno debate, ¿puede alguien sin diversidad funcional, interpretar a alguien con esta característica? Según Costa, tras mucho documentarse, era algo “imposible”. Un “imposible” al que ya desafió con mucho más éxito Javier Fesser en “Campeones”, pero que tristemente si vemos reflejado en “Fácil”, una serie en la que solo una de las cuatro actrices tiene realmente una discapacidad. Debates aparte, el personaje más chirriante es sin duda Marga, interpretada por Natalia De Molina, que aunque pone todo de su parte, se pasa de vueltas, sobre todo, en sus escenas en solitario. Pasa algo similar con Nati, empieza siendo estridente y forzada, pero según avanza el metraje, Anna Castillo evoluciona a un personaje real y lleno de ese contrapunto de humor, tan eficaz en la ecuación. Las menciones especiales en este caso, son sin duda para Coria Castillo con su entrañable y manipulable Ángeles y Anna Marchessi con su divertida, decidida y empoderada Patri. Me hubiese gustado destacar su fotografía o su música, pero ninguna de ellas es sobresaliente. Como ya es habitual en estos productos para plataformas, toda la factura es correcta, pero nada es deslumbrante. Aunque tiene algún que otro plano interesante dentro de los “flashbacks” de Nati (Anna Castillo). Podríamos decir que “Fácil” es una serie sencilla, de ver y comprender. Que posee una base interesante, que se diluye en una mala adaptación. Una historia con potencial, que por falta de riesgo y errores de aquí y allá, no consigue atraparnos. Aunque es lo suficientemente rápida, fresca y humorística para cuando te apetece ver algo fácil, sin más.

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Puntuación: ⭐⭐⭐⭐ sobre 5.

The Playlist

¿Qué hacen ellos qué no hagamos nosotros?

Por @mgarsos

Una interesante visión, desde los diferentes puntos de vista de todos los actores implicados, en la historia del gigante del streaming musical. Inteligentemente contada, utiliza para ello estrategias menos usuales pero que ya hemos podido ver en otras series como “Falsas Identidades”. Consigue así, una visión holistica en la que lo sabes todo y al mismo tiempo nada. Su guión, genialmente escrito, posee un buen ritmo, la tensión y la intriga correcta.

Se percibe bastante coral, todos tienen su momento y su protagonismo, pero ninguno sobresale ni se solapan, estamos ante un reparto bastante equilibrado, cuyas actuaciones de calidad miran por el bien común de la serie. Destacaría a Gizem Erdogam (Petra), Janice Kavander (Bobbie T.), Edvin Endre (Daniel Ek), Christian Hillborg (Martin), Joel Lützow(Andreas) y Ulf Stenberg (Per Sundin). Cabe una mención especial tanto para Ella Rappich (Shophia) como para Sofia Karemyr (Steffi).

También está cuidada estéticamente, al igual que la aplicación, no solo es rápida y útil sino visualmente bonita. Aunque ciertamente, se hecha en falta que tome un poco más de riesgo en la fotografía o la música.

En definitiva “The Playlist” es una buena historia, contada con alto grado de acierto e inteligencia, en la que el reparto rema al unísono para sumar y cumple visualmente. ¿Qué hacen ellos qué no hagamos nosotros? Lo que ellos hacen lo desconozco, pero lo que hacéis vosotros es muy sencillo, para empezar, un "biopic" de alta calidad.

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Las de la última fila

Puntuación: ⭐⭐⭐⭐4 de 5 estrellas.

Las últimas serán las primeras en hacerte reír y llorar.

Por M. Garsós.

“Las de la última fila” es de esas series redentoras que te alegran un mal día, pero que al mismo tiempo te tocan la fibra y gastas pañuelos como si no hubiera un mañana. Divertida, con su justo toque de humor negro. Cruda, pero al mismo tiempo tierna y entrañable. Gira entorno a la dura adversidad del cancer afrontada desde la fortaleza de la amistad fraterna. Una premisa que “a priori” pese a tratar una realidad dolorosa, nos puede parecer simple o incluso laxa, pero nada más lejos de su realidad intimista, humana y compleja.

Con su guión nos pasa algo similar, extraordinariamente escrito, reboza de naturalidad y ligereza, aunque es igualmente profundo e intenso. Funciona tanto en el “gag” como en el drama y juega con la multiperspectiva sirviéndose a modo de “Macguffin” tanto de los “flashback” como de los “flash-forward”, consiguiendo así que el espectador dude sutilmente. Utiliza también inteligentemente, la revelación final, para mantener la tensión e interés, en el relato tanto del contexto como de los personajes.

Unas actrices con química, en una serie más coral que nunca, caras no tan conocidas como Itsaso Arana (Sara), Mónica Miranda (Alma), María Rodríguez Soto (Carol) y Godeliv Van den Brandt (Olga), pero con gran talento, que en ningún momento son eclipsadas por otras más en la palestra como Macarena García (Pilu) o Mariona Terés (Leo). Todas suman, dan el do de pecho y eso lo notamos los espectadores. Caben menciones especiales para Carmen Machi (Charo Peña), Javier Rey (David) y Michelle Jenner(Paloma “Palo”). Y como no, no pasamos por alto el cameo de Rigoberta Bandini, inspiración importante para el creador de la serie.

Grabada entre Cádiz y Madrid, nos permite disfrutar de algunos de los maravillosos enclaves gaditanos. Aunque en general, el diseño de producción aprueba, tampoco es para tanto, como ya ha pasado con otros productos de plataforma, es austero pero resultón. De igual forma su fotografía tampoco nos resulta excesivamente vanguardista, eso si, los recursos de los planos cortos son efectivos y cumplen su cometido intimista. La música genialmente escogida mixtura de maravilla con la acción.

Podríamos decir que “Las de la última fila” es una oportunidad en potencia. Una de esas series de premisa sencilla pero profundas enseñanzas y valores. Aderezada con unas interpretaciones llenas de presencia, una presencia que trasciende la pantalla. Escrita y dirigida con mucho mimo, convirtiéndose así en una pieza de la que Sánchez Arévalo ha de estar orgulloso. Y con la que aprendemos una dura pero esperanzadora lección, la más humilde de todas “Esto también pasará”.

TRAILER OFICIAL

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La escribimos y ya vemos

#UnaPutaPasada  por M. Garsós.

Los poquísimos y cercanos Espeliculadores que nos siguen asiduamente, aquellos que les sabemos ya más amigos que followers, conocen a la perfección la inactividad que venimos arrastrando desde hace ya más de un año. Y cierto es, que este parón repentino, tiene su origen en que “Espeliculando” comparte con “La Llamada” la humildad de ser un proyecto que nació para algo pequeño, pero que pretende mediante la honestidad, la frescura, la originalidad y el tesón, llegar muy alto.

“Más vale poco y bueno que mucho y malo” dicen algunos, y llevan razón, porque tras trece meses sin experimentar la necesidad de escribir, el pasado viernes 29 de septiembre de 2017, Espeliculando sintió “La Llamada” imperiosa e irrefrenable de contar tan grata experiencia. Si amigos, ese es el verbo preciso, sentir; porque esta cinta que ya en su primera semana ocupaba el quinto puesto en el ranking de taquilla (ecartelera.com), y ostentaba el mejor promedio por copia de toda la cartelera (elblogdecineespanol.com) “se te mete por dentro” y ya no puedes parar de verla.

Nacida de unos actores venidos a menos, al amparo de una promesa de triunfo de uno de sus directores, Javier Ambrossi, hacia una de sus actrices, Belén Cuesta, se gestó “La Llamada”. Primero como una humilde obra de teatro, que contratada para cuatro funciones en el hall del Teatro Lara, pasó a las tablas de este mismo, multiplicando funciones por años. Y tras el teatro, gracias a la frase premonitoria de uno de sus productores Enrique López Lavigne, mientras arrasaba con todo el merchandising de la obra, llego la adaptación al cine y con ella esta magnífica opera prima.

Y de la noche a la mañana a directores venidos a más, pasaron “Los Javis”. Javier Calvo a quien conocemos de su papel entrañable como Fer en “Física o Química”, es la parte Loca, desordenada y pop, mientras que Ambrossi es el equilibrio para Calvo. Pareja en la vida real, en el teatro y ahora en el cine, debutan con su primera película, y no se les ha dado nada mal.

Con una adaptación de guión que ya querrían muchos veteranos, al metraje no le falta ni sobra nada. Un chiste para cada situación y una situación para cada chiste. La dosis justa de drama adolescente que ni aburre ni empalaga, despertares religiosos y sexuales, todo ello enmarcado en un canto al valor y a la libertad de ser honesto y consecuente con lo que cada cual cree y siente.

Seguros y cómodos con la cámara, clavan los primeros planos que son muchos e interesantes, los planos cerrados son su debilidad, según Ambrossi como contrapunto al general del teatro; quieren que sus actrices brillen. Pero deslumbran igual en los planos abiertos, con los que contextualizan de manera impecable el espacio y la magnanimidad de lo acontecido ahí ¡Que se aparece Dios señores! Todo esto mano a mano con uno de los mejores directores de fotografía que podemos encontrarnos hoy por hoy en el panorama audiovisual nacional, Migue Amoedo, responsable de grandes obras de arte como son “Vis a Vis”, “El Ministerio del Tiempo”, “La Casa de Papel”, “La Novia” y ahora “La Llamada”.

Apenas un par de fallos de racord, una vocalización errónea de Macarena García y una escena de clara improvisación que puede chirriar o aportar frescura según el espectador decida, terminan los defectos de la cinta.

Llegamos por fin a un reparto en el que el peso principal es femenino, ¡Gracias Javis!. Macarena García (Blancanieves) y Anna Castillo (El Olivo) recientes ganadoras de premios Goya, y Belén Cuesta y Gracia Olayo para las que sobran las presentaciones, son las cuatro actrices sobre las que pivota la acción de esta obra coral. Se les nota frescura, naturalidad y decisión, y no es de extrañar, han tenido tiempo, cuatro años para grabarse a fuego cada uno de los personajes escritos cuasi a medida para ellas. Pero a su vez tiempo para desaprenderlos, y volver a los orígenes, a lo simple y esencial con motivo de esta adaptación impecable. Entre ellas se conocen, hay amistad y clima distendido dentro y fuera de campo, el espectador lo nota y conecta al instante.

Macarena es María Casado y conforma la parte espiritual de esta dicotomía. De Macarena García solo tenemos palabras de agradecimiento, agradecimiento porque en el momento más dulce de su carrera, haya decidido apostar por lo auténtico, por lo que le pedían las tripas porque “Mientras quede una mariposa en el estómago habrá que defenderla.” Agradecerle que Haya visto la perfección en el texto, y haya decidido interiorizarlo sin apenas adornarlo. Y por último aplaudir que cante a la vez que interpreta, con una voz desgarradora en un directo que deja al espectador con los pelos de punta.

Anna Castillo aunque no empezó en el hall sino en las tablas del Lara, es el claro ejemplo de que “Los Javis” de alguna manera ya la tenían en mente para ser Susana, aunque ellos no lo supiesen. Castillo es garra, desparpajo e improvisación sin igual. Unido a la locura, el valor y la lealtad de Susana hacen del binomio actriz - personaje el cóctel perfecto. Susana es terrenal y visceral, y en ese campamento algo y alguien cambia su vida para siempre. Lo mismo siente Anna Castillo, que esta película que pasó de quimera a realidad le ha cambiado la vida “ha sido una alegría, una responsabilidad tremenda y un lujazo"

Para alegría la nuestra con Belén Cuesta, tras tu papel en “Kiki El Amor se Hace” nos enamoraste. Cuanto talento para la comedia y la improvisación. Deseando estamos ver esas escenas en las que cuatro minutos se convierten en quince sin dar el “corten” Y aunque el personaje dude, nosotros seguimos firmes en la fe de que contagiarás, a través de la gran pantalla tu alegría con la Hermana Milagros, para que los espectadores no perdamos definitivamente el norte.

Ahora o Nunca es el momento para contaros el lujazo que es tener en este film a Gracia Olayo. Sor Bernarda su personaje es la veterana voz de la experiencia, esa hermana de firmes convicciones pero que nota a cada paso el desfase con las nuevas generaciones, es por decirlo de otra manera la antítesis de Milagros. A Olayo se le notan las tablas a cada frase, maneja a la perfección los silencios y con muy poco nos cuenta muchísimo. Los pequeños gags son su punto fuerte y su actuación la garantía de la carcajada asegurada.

No estaríamos siendo justos si en este apartado no incluyéramos mención especial a Esty Quesada, más conocida por su canal de You Tube “Soy Una Pringada”. Un ser de luz como la denominan “Los Javis”, que hace de sí misma en “La Llamada” dando voz a toda una generación.

María Isabel Díaz, Secun De La Rosa, Víctor Elías y alguna intervención de Llum Barrera completan el cuadro actoral de esta película, todos y cada uno de ellos haciendo una magnifica labor defendiendo a sus secundarios y aportándole textura al metraje.

¿Y Dios? Pues vestido de lentejuelas al más puro estilo Las Vegas, encarnado Maravillosamente por Richard Collins-Moore, nos muestra su maravillosa voz de barítono cantando por Whitney Houston, y nos demuestra que muchos de los puntos de inflexión humorísticos de la película caen de la mano de Dios.

En cuanto a diseño de producción “Los Javis” han conseguido hilar fino, y aprovechar de la mejor forma posible los recursos. Sin olvidarnos de que es un film de bajo presupuesto, el resultado a nivel de vestuario, decorados y localizaciones se denota austero pero resultón.

Por último la banda sonora, un buen regalo que nos hace Leiva y nos pone en pie delante del asiento para cantar su tema principal. Lo completan las demás canciones de la película, que nos llevan a conocer también a los personajes a través de la música que escuchan, muestran y esconden.

Ya no quedan dudas de que “La Llamada” es un fenómeno, generacional o no aún no lo sabemos, pero para muchos es toda una nueva religión. Una religión en la que los #Llamaders son fieles seguidores de una filosofía en la que como dijo Ambrosi “reafirmarse sin demonizar a nadie” Por nuestra parte solo nos queda sentarnos, clavar la pajita en nuestro refresco, preparar nuestro cucurucho de palomitas y esperar a que “La Llamada” nos inunde de su magia inexplicable y de ese encanto que surge de lo más sencillo y honesto, con las luces apagadas y las piernas abiertas.

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Cuerpo de Élite “Lanzando disparos al aire”

Un claro ejemplo de “Salir el tiro por la culata” por M. Garsós.

A la hora de escribir las críticas para este blog, suelo comenzar analizando los logros de la película en taquilla, las primeras impresiones sobre el público y un breve vaticinio de lo que le depara su paso por la cartelera. Pero esta vez será diferente, y con el beneplácito de todos los Espeliculadores,  me dispondré a hacer una crítica más salida “de las tripas” más informal,  distendida y narrativa, sin caer en el excesivo rigor analítico que me caracteriza.

Sé que la pregunta inmediata que sacude vuestros cerebros es ¿por qué?, por qué he decidido tomarme esta licencia en esta película en concreto. Y la respuesta es francamente sencilla, es muy difícil criticar a grandes actores a los que admiras solo por el simple hecho de que hayan coincidido todos en esta “Crónica De Una Muerte Anunciada”.

Me pierde el actual cine Español,  eso debo reconocerlo, pero tampoco podemos negar que la comedia es su gran asignatura pendiente. Ya nos lo demostraron otros títulos como Primos, Gordos, Anacleto agente secreto o Incidencias entre otras. Pero pese a todo esto, una vez más el editor de los trailers me conquistó, fue amor a primera vista. Un flechazo tan fuerte lo de “Cuerpo De Élite” con un elenco tan completo como era Silvia Abril, María León o Jordi Sánchez entre otros, que no cabía otra opción que rendirme a sus encantos y  acudir a las salas sin falta. Y así lo hice, compré mi entrada, colaborando a engrosar los datos apabullantes de recaudación que  consiguen este tipo de cintas.

Ya en la sala cerré de un plumazo todas mis redes sociales y puse el móvil en silencio, evitando así la tentación de ojear las críticas a la frase que pronuncia María León en el filme sobre las mujeres de Coria del Río. Por fin comenzó, y desde el minuto uno se podía mascar la tragedia.

Lo primero en lo que centré mi atención (puede que por deformación profesional) fue en el chabacano diseño de producción. El equipo dirigido por Curru Garrabal nos brinda unos exteriores muy genéricos sin excesiva gracia, unos sets que rezumaban a cartón piedra y en general un atrezzo bastante cutre. Por ende y siguiendo la lógica de lo meramente visual,  que es lo primero en conquistarte,  el vestuario se podría definir en una simple palabra “aburrido”. Meras camisetas en gamas de color negro, gris y azul con un bordado al centro del pecho, sin aprovechar ni un ápice el juego que aporta el tema militar, créeme Clara Bilbao, puedes mejorarlo. Cierto que es una comedia y en este género lo austero puede aparentar resultón,  pero la línea que lo separa del esperpento es muy delgada y en este caso ya la habían traspasado con creces.

Según iba avanzando el metraje podías vislumbrar el escaso riesgo tomado, cortesía de Angel Iguácel, en lo que a dirección fotográfica se refiere, con una iluminación de serie española barata, y un encuadre y composición que te hacían caer rápidamente en el bostezo. Así que para no distraer a los demás espectadores con mis ronquidos empecé a fijarme en “El Guión” y maldita la hora. Ay, los guiones, otra asignatura para septiembre Valor y Garrido, pero a pesar del tedio seguí ahondando en el. Leguaje xenófobo, homófobo, misógino y despectivo y los chistes sexistas y nacionalistas  me quitaron las ganas una vez más de continuar analizándolo. En conclusión humor fácil y guión mediocre.  Y al guión parco, lineal e incongruente hay que añadirle el debut del director del filme Joaquín Mazón, quien deja patente que no ha superado su etapa de director de series,  ya que dirige la cinta como tal.

Con todo este panorama,  lo único que me alentaba a no abandonar la sala era por un lado el precio de la entrada y por otro el trabajo de actores de raza venidos de series que nada deben envidiar a esta película. Y que por suerte o por desgracia como ya nos contaba ABC “son presa de la falta de un guión chisposo, muy dado a la banalidad y al chiste facilón y escasamente ingenioso”.

En cuanto a la música, grandes temas de grupos musicales españoles de los 80 son los que amenizan las escenas más acertadas y graciosas tanto del comienzo como del final de la película. Los demás arreglos musicales de la mano de Ortiz Gimeno no merecen reseña alguna.

Y llegó el final de “Cuerpo de Élite” y aun me queda por mencionar a los simpáticos chicos/as de “Twin Pines” que aun no siendo los mejores efectos visuales me conquistaron con el nombre de su empresa.

Según iban avanzando los créditos, que siempre miro hasta el final, y amenizados  por un gran tema como es “I Need a Hero” de Bonni Tayler pensaba en como concluir esta crítica y solo se me ocurría una frase simple y directa “Siempre nos quedará Kiki”.

VER TRAILER AQUÍ

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Pronósticos falaces para “La Bruja”

Una película gestada para morir en la hoguera.  Por M. Garsós.

De un tiempo a esta parte,  se torna habitual  las ocasiones en las que como espectador, ves truncadas las infladas expectativas de un filme. Puedes atisbar tras un denso telón de marketing, bien medido y calibrado, la catástrofe de cinta que puede llegar a ser. Pero el ser humano en su inmensa necesidad de creer, espera. Espera a esa “premier”, a ese primer visionado para los medios, tras el cual solo existen elogios, lo que nuevamente te lleva a sospechar. Aun así confías en esa serie de “profesionales” venidos a menos,  que la han visto antes que tú,  que la califican de magnánima, de sublime, de  punto de inflexión de un género como es el de terror. Y compras tu entrada, entras en la sala con tu caja de palomitas, empieza la película y desde el minuto uno lo hueles; decepción, fracaso absoluto.

Este primer párrafo podría ilustrar perfectamente la experiencia del visionado de “La Bruja”, la última película de Robert Eggers. Estrenada en España en 2016 tras recibir el premio a Mejor Director en el Festival de Sundance, se presentaba como una de las favoritas en la cartelera. Levantó expectación gracias al talento de los editores de trailers y a las redes sociales,  pero a la hora de la verdad,  tras su segundo fin de semana en los cines españoles había perdido el 51% de los espectadores (fuente Factoría de Cine), todo un dato para la reflexión.

Bajando a la Crítica más puramente cinematográfica hemos de tomar como punto de partida el guión.

Deficiente y monótono, escrito por el mismo director del filme y basado según él nos apunta al final de la cinta en: cuentos, testimonios y folclore popular. Nos damos de bruces con un guión cojo, cuyos ingredientes principales son las florituras, los pensamientos profundos e intelectualismos excesivos, aderezados con un fuerte componente religioso y psicoanalítico. Con este panorama tenemos ante nosotros la receta perfecta del aburrimiento más profundo.

Seguidamente los actores, que consiguen como siempre hacernos menos tedioso un guión parco y austero, aunque de donde no hay poco se puede sacar. Cabe destacar la gran sorpresa de la película, William, el padre, interpretado por Ralph Ineson. Desarrolla un personaje rico en matices con presencia y peso desde el minuto uno y va “in crescendo” hasta estallar minutos antes del final,  en una escena donde clama a Dios para que salve a sus hijos de sus pecados. Si Ineson va de menos a más en la película,  Thomasin, la hija,  (Anya Taylor Joy) cuyo papel es protagonista, a pesar del aspecto coral que nos presenta el guión, va en sentido contrario, perdiendo a cada segundo de metraje importancia actoral,  para finalizar con dos secuencias muy forzadas. Cabe destacar también el quiero y no puedo de Caleb, el hijo,  a cargo de Harvey Scrimshaw, aun así sigue teniendo un papel mucho más interesante que Taylor Joy. La madre Katherine (Kate Dickie) tiene un papel testimonial frente al del Padre y los otros tres pequeños unas apariciones muy secundarias. Podría decirse que en conjunto han salvado muy bien la situación.

En cuanto a la fotografía de la película a cargo de Jarin Blaschke, destacamos una gran cantidad de planos generales y medios, manteniendo  una posición muy cómoda y sin arriesgar. Como planos intrigantes y dignos de mínima mención señalamos  el contrapicado de la familia orando frente a su nueva andadura y el plano frontal en el que la madre de Thomasin yace sin vida sobre la hija. Como último apunte y con el modo humor negro en posición “on”, el juego lumínico que utiliza Blaschke fruto de un estudio “in situ” en una verdadera casa del siglo XVII, es el principal causante de que la película sea un cuadro realista tras otro, llegando al máximo apogeo, con su particular ready - made macabro de “El Ángelus” de Millet.

El diseño de producción y vestuario son una vez más el bote salvavidas de una cinta nefasta. Unas cuidadas localizaciones, unos sets impecables y un vestuario cuasi auténtico nos ayudan a imbuirnos del espíritu colono del siglo XVII. Le quedamos agradecidos infinitamente a Craig Lathrop por hacernos viajar a través de esos mundos recreados palmo a palmo sin casi modificaciones desde 1630. De igual forma nos llena de esperanza todo el estudio, el mimo y el cuidado de cada prenda diseñada y confeccionada a mano a partir de Lino y Lana por un equipo capitaneado por Linda Muir. Aún quedan esperanzas en el séptimo arte.

Finalmente el diseño de sonido y su banda sonora. Impactante en el tráiler pero muy minimalista en el metraje. El extremado refinamiento del compositor Mark Korven, estudioso especialmente de la música de dicha época,  hace que su esfuerzo por mantener un equilibrio entre el puro sonido natural mezclado con instrumentos insólitos y voces experimentales, se quede en un plano excesivamente epitelial. La mesura juega esta vez en su contra y no ayuda para nada a “La Bruja”

Muchas más son las aristas que desde espeliculando podríamos sacarle a “La Bruja” pero en post de la contención,  reflexionemos. Puede que los equivocados seamos nosotros y no los que dicen que “La Bruja” sea un antes y un después dentro del género de terror. Porque sin lugar a dudas marca un hito, sí,  un hito histórico como la peor película del género después de “El Bosque”. Aunque no vamos a ser nosotros con esta crítica quienes  la califiquemos, recordando las palabras de nuestro gran amigo Iker solo diremos “El mundo del libro como el mundo del arte es incontrolable.  Da igual la figura que uno sea, que salga por todas las televisiones,  que le hagan toda la publicidad del mundo. El público que es soberano, ustedes que saben, conectan o no conectan.” El público ha hablado y con su posibilidad de decidir si acudir o no a las salas  han  sacado a “La Bruja” de la cartelera por la puerta de atrás, para espeliculando, la mejor y más sincera crítica posible.

TRAILER DE LA PELÍCULA AQUÍ

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“Palmeras En La Nieve” y actores en el fango.

Han trascurrido ya más de tres meses desde el estreno en las salas de “Palmeras En La Nieve” pero “Espeliculando” nunca olvida una crítica merecida,  aunque sintiéndolo mucho  es hoy y no antes cuando dará a luz. El tan esperado film de Fernando González Molina,  echó a rodar por una pendiente, muchísimo antes del día de su estreno,  una pequeña bola de nieve, que fue engordando poco a poco,  con altas pretensiones de superproducción, para terminar siendo aplastada por un guión inconexo y unas interpretaciones autómatas y distantes. Estoica  en la taquilla,  aguantando gracias al fenómeno inexplicable denominado Mario Casas, la película basada en la novela homónima de Luz Gabás  nos propone un viaje épico lleno de amor, aventuras, acción y secretos por descubrir.  Y una vez más González Molina de la mano de Sergio G. Sánchez consigue lo imposible,  convertir una odisea apasionante con atisbos de gustar a un amplio público en “Los Viajes de Gulliver”. Centrándonos en la adaptación, a Sergio G. Sánchez no le hubiese venido mal recordar las palabras de Van der Rohe “menos es más” a la hora de escribir el guión. Le hubiese ahorrado de esta forma el excesivo trabajo mental que debe realizar el espectador a la hora de seguir el hilo argumental y hubiese ganado fuerza y realismo. Si a todo esto le sumamos  los planos bucólicos para el relleno y el excesivo tiempo de metraje,  casi tres horas, tenemos el antídoto perfecto para el insomnio. Viendo el lado positivo la adaptación de guión de Sanchez,  es un buen comienzo para plantear una serie de varias temporadas,  desde “Espeliculando” les damos gratis el consejo. Qué decir del elenco, desde la más humilde opinión de la que escribe tengo que felicitar y dar las gracias encarecidamente a Bisila (Berta Vazquez), por ayudarme a soportar el supor que en muchos momentos te provoca la cinta. En cuanto a su partener Kilian (Mario Casas), sufre  un constante “dejà vu” desde “Fuga de cerebros” y “3MSC”,  no se ha desprendido de su pose de malote, o niño ejemplar encogido de hombros. Posturas y mañas que Casas arrastra y de las que no puede o no quiere deshacerse. Tampoco muestran señas de excesivo talento las apariciones de Clarence (Adriana Ugarte), Julia (Macarena García), Antón (Emilio Gutiérrez Caba) entre otros, mostrándose distantes y quedándose en la superficie de los personajes. Tampoco vamos a olvidar que todo este sarao es fruto en parte de la dirección de González Molina que se encuentra más perdido que un “Tom-Tom”. La Banda sonora compuesta en esta ocasión por Pablo Alborán,  nos recuerdan que tiempos pasados fueron mejores, donde este chico con un talento innato no necesitaba más que una guitarra para enamorarnos y no mil y un arreglos digitales, perdiendo de una manera definitiva su autenticidad gracias a los tejemanejes de la vil industria. Finalmente es sin lugar a dudas el trabajo de diseño de producción lo que le sirve de salvavidas a “Palmeras En La Nieve”. Decorados y sets increíbles, y una ambientación propia y autentica de la Guinea Española de los años 50 y 60. De la mano de Antón Laguna viajamos automáticamente a Fernando Poo. Cabe destacar las escenas grabadas en Gran Canaria (Islas Canarias) el set de Finca Sampaka (En la localización de la Finca de Osorio) un terreno montañoso de Laurisilva propia del periodo terciario, que gracias a todo el equipo artístico se convierte en un rincón más de África. Sin más que destacar que el exquisito trabajo de vestuario y arte que desembocó en un merecidísimo galardón a la mejor dirección artística en la pasada gala de Los Goya, nos despedimos con el agridulce sabor de ver el gran globo de pretensiones que teníamos para  esta película deshinchado, en una superproducción venida a menos.

TRAILER DE “PALMERAS EN LA NIEVE”

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“Los odiosos ocho” lapsus largos e insufribles

El viernes 15 de enero de 2016 se estrenaba en los cines españoles  la esperada cinta de Quentin Tarantino “Los Odiosos Ocho”.  Solo el fin de semana de su estreno alcanzó la cifra de 1,7 millones de euros, desbancando a otros dos estrenos “Palmeras en la nieve” con 1,3 millones de euros y “Star Wars, El Despertar De La Fuerza” que se hizo con un muy  respetado millón de euros. Pese a este éxito en taquilla, que desde “Espeliculando” le suponemos a que, cualquier flime de Tarantino es de obligado visionado para cualquier seguidor de su obra, “Los Odiosos Ocho” nos ha dejado un agridulce sabor de boca. El último western de Tarantino,  director que hasta hoy  nos había brindado título tras título, a cada cual mejor que el anterior, presenta una serie de fallos a nivel de guión, los cuales resuelve con múltiples giros argumentales que mantienen la tensión en el espectador. Todo esto en un director como él,  cuya base para el desarrollo de la película y los personaje es el dialogo,  deja al descubierto una pérdida de frescura,  desde nuestro punto de vista,  fruto del peso que supone sacar adelante un éxito tras otro. La película se desarrolla en muy pocos decorados y localizaciones dos exteriores en campo nevado, y el interior de la mercería, pero como es de esperar,  Tarantino cuida cada detalle del diseño de producción, haciendo de cada estancia o lugar un verdadero viaje al pasado. Todo esto se ve combinado con su don  innato para saber dónde, cómo y cuándo tiene que posicionar la cámara. Tanto el cuidado de los escenarios,  como su destreza a la hora de rodar unidos a las trampas argumentales que ya apuntábamos anteriormente, salvan al filme de estrellar al público en el tedio. Acostumbrado a los excesos, como veíamos en “Django Desencadenado”  pero comedido en esta,  “Los Odiosos Ocho” se queda en muchas partes,  de dialogo sobre todo,  en un quiero y no puedo. Aunque bien es verdad que lo contrarresta casi llegado el final con visceralidad bien medida. Otro punto positivo es por un lado, otro gran fuerte del director,  su construcción de los personajes, de los cuales cabe destacar bajo nuestro punto de vista,  la impecable interpretación de  Samuel L. Jackson y Jennifer Jason Leigh,  esta última quién pone gran carga de humor (ácido casi siempre)  en la cinta. La música compuesta en este caso por Ennio Morricone va directa y efectiva y ayuda bastante a centra la atención en esos momento de lapsus que ya os contábamos. En definitiva no podemos obviar que además de los contras que son pocos,  es entretenida y una buena película y aunque agradeceríamos que Tarantino se dejase de Quentin en la próxima, le agradecemos encarecidamente sus excéntricas y divertidas matanzas.

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“La Chica Danesa” 4 nominaciones y un calzo bajo una pata.

El esperado filme “La Chica Danesa” llegó con fuerza a las pantallas españolas el pasado viernes 15 de enero de 2016. Al contrario que en Estados Unidos donde  la película no está teniendo el éxito esperado en taquilla, en España ha llenado salas ya pasados tres días desde su estreno.  Gran parte de la expectación que suscita en el público español, es el resultado de meses de profundo bombardeo de spoilers, bien medidos, desde la propia distribuidora, sus nada más y nada menos que cuatro nominaciones a los Oscars y  la curiosidad y el morbo que aún suscitan según qué temas en esta nuestra sociedad contemporánea. La coproducción Américo-Anglo-Germana,  protagonizada por Eddie Redmayne, alabado por el público y la Academia tras su trabajo en “La Teoría Del Todo” creó altas expectativas, que posteriormente quedaron ensombrecidas, en este su más reciente trabajo. Un guión muy anodino y poco hilado, resuelto siempre en un plano epitelial, pero lleno de pompo y boato absurdo,  sin ahondar en el complejo entramado de sentimientos, dudas y dicotomías del protagonista, tal y como nos tiene acostumbrados Lucinda Coxon . Los esfuerzos de Redmayne por dar profundidad a su personaje no se ven recompensados en gran parte por lo comentado anteriormente. Aunque no sería justo hacer recaer todo el peso sobre el libreto.  En palabras del actor “Tom es un amigo, ha visto casi todo mi trabajo en el teatro, conoce mis mañas, mis trucos, sabe cómo evitarlos. Podemos ser muy sinceros, y eso nos permite ir al grano.” Puede que éste conocimiento previo del actor y ésta facilidad por “ir al grano” por parte del director,  sea una de las claves por las que el personaje no aborda holísticamente la situación y se queda en la superficie de Lili Elbe. El espectador recurre a momentos de esperanza en las escenas no verbales, las cuales levantan el tempo y el carácter de la cinta por segundos, para posteriormente quedarse en nada. Por el contrario el personaje de Gerda interpretado por  Alicia Vikander  va in-crescendo desde el minuto uno del filme. Gerda toma conciencia de lo que le acontece a su marido, ve como poco a poco su matrimonio de deshincha, intentando paliarlo de cualquiera de las maneras, para finalmente aceptarlo estoicamente desde el infinito amor que le profesa. Toda esta amalgama de contradicciones con su marido y ella misma, aparte de su apetecible faceta de artista y mujer sensible y humana  a la par que  luchadora, hace que su trasfondo sea mucho más rico en matices, superando por momentos  al protagonista. De lo cual extraemos que esa nominación a Mejor Actriz De Reparto tiene más papeletas de convertirse en premio que la nominación a Mejor Actor Principal. El resto del elenco exceptuando a Ben Whishaw pasa prácticamente desapercibidos, teniendo este también un papel muy secundario. En cuanto al plano más técnico su director Tom Hopper apuesta por lo seguro, planos muy cerrados sin muchas florituras y una iluminación extremadamente cuidada utilizando mucho la ventana y la luz cálida de velas y quinqués en interiores.   La música de la película puede ser descrita muy brevemente como ese complemento correcto para mantener la tensión de la escena, algo que en ciertas partes los espectadores agradecemos muchísimo a su compositor Alexandre Desplat De lo que si puede presumir sin duda “La Chica Danesa” es de una cuidada escenografía, que en algunos interiores con una estética art decó le da la chispa necesaria y en otros como la casa de Einar y Gerda en Dinamarca, no hace más que reafirmar la austeridad del guión. En cuanto a las localizaciones ocurre lo mismo. Cabe destacar el laborioso trabajo del equipo de arte para poder disfrutar de las réplicas de cuadros y bocetos realizados por Gerda. Se agradece también que  los protagonistas “pintores y artistas” se vean  en la película “pintando” y no “haciendo como que pintan”, como suele suceder en películas que rondan este oficio. Por todo esto damos por merecidísima  la tercera nominación a los Oscars como Mejor  Diseño De Producción. Muy de la mano de esta tercera nominación nos llega la cuarta,  al Mejor Diseño De Vestuario. Realizado por el lanzaroteño  Paco Delgado con dilatada experiencia en superproducciones, afronta este difícil reto y nos explica que "cuánto más sabes, cuánta más experiencia tienes, más difícil resulta vestir a la gente", porque, "cuando empiezas, eres inconsciente, no tienes miedo a equivocarte".  Lanas, linos y algodón son los textiles predominantes cuando la acción transcurre en Copenhague, mientras que en París se utilizan tejidos más delicados, como chifones de seda. Sus diseños nos transportan desde la fría Dinamarca al París de los felices años 20. A pesar de sus temores Delgado puede estar orgulloso, ya que ha conseguido con creces una metamorfosis veraz del personaje principal y un exquisito diseño con toque vintage para Gerda. Por último pero no menos importante es  eso a lo que Espeliculando  ha denominado “calzo bajo una pata” y que con total seguridad es lo que salva a esta película. El peso de que por suerte o por desgracia toda la acción pivota sobre una historia real.

TRAILER https://www.youtube.com/watch?v=ENiuBpdrnZ8