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"Dada no significa nada"

Cena dadaísta, 1920.

Fue un movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica en 1915, caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que lxs artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando un anti-arte, mediante el cual pretendían negar el orden establecido para abrir nuevos caminos artísticos todavía no explorados y producir nuevos enfoques y que alcanzaba para ellxs la categoría de modo de vida. 

Marcel Janco, Cabaret Voltaire

La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones nacionales de los diferentes países en conflicto (francesas y alemanas, música rusa), jazz y exposiciones de arte. El nombre del lugar evocaba al filósofo francés François Voltaire (1694-1778), considerado en su época un intelectual iconoclasta y revolucionario.

Exposición dadaísta, 1920.

Quienes formaban parte fueron, en su mayoría, un grupo de intelectuales que pusieron de moda el sinsentido. Sus poemas no hacían caso a la razón sino al azar. Entonces, establecieron una forma literaria que consistía en recortar palabras de un artículo de prensa, meterlas en una bolsa y luego agitarla. De esta manera, las palabras se sacaban y pegaban en un papel en el orden en que salían.

En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó la publicación del periódico Dadá.

Póster del Matinée Dadá, enero de 1923.

La obra de teatro Corazón de Gas de Tzara, presentada en Paris, acabó en batalla campal, y con ello, el cierre del Cabaret Voltaire.

Tristan Tzara (1896-1963)

Fue un poeta y artista del performance, que nació en Rumania, uno de los fundadores y considerado el padre del movimiento Dadaísta.

Vingt cinq poèmes (veintincinco poemas), 1918, Hans (Jean) Arp; Autor: Tristán Tzara; Editorial: J. Heuberger, Zurich, Suiza, para Collection Dada

Uno de los primeros libros importantes del movimiento dadaísta antisistema, fue fruto de la colaboración entre el pintor y escultor franco-alemán Jean Arp y Tristan Tzara. Para este proyecto, Arp creó una serie de diez xilografías abstractas en blanco y negro como complemento visual a los poemas nihilistas de Tzara, que rechazaban la idea de que la vida tuviera sentido.

Hugo Ball (1886-1927)

Fue un dramaturgo, autor, escritor y poeta alemán. Considerado (también) como el padre y una de las figuras principales del movimiento.

Ball estudió sociología y filosofía en las universidades de Múnich y Heidelberg, en 1910 se trasladó a Berlín para convertirse en productor teatral y actor.

En 1913, conoce a su compañera y pareja, la artista Emmy Hennings, con quien se casaría más tarde.

Abandonó Alemania durante la Primera Guerra Mundial y se trasladó a Suiza (país neutral). En Zúrich, junto a Hennings, fundó el Cabaret Voltaire, donde se reunía con Tzara, Marcel Janco, Richard Huelsenbeck y Hans Arp entre otros para leer poesía en público, ofrecer conciertos, realizar acciones y acontecimientos (antecesores del performance) y obras teatrales, además de discutir sobre temas políticos. Su ideología (política) comulgaba con el anarquismo y renegaba de cualquier tipo de nacionalismo.

Ball redactó en 1916 el Manifiesto inaugural de la primera velada dadá.

Ball rechazó el uso de la palabra y el lenguaje mismo (principal herramienta del poeta para realizar sus obras), pues lo consideraba alienado e incapaz de producir significación en la sociedad capitalista. En este sentido, acuñó el término "Lautgedichte", "Lautpoesie" o "Lautsprache" que se traduce como poesía sonora. Inventa la “anti-poesía”, versos sin palabras, en forma de protesta en contra del uso que le daba el periodismo al lenguaje.

Karawane, 1916.

Interpretado en el Cabaret Voltaire, Karawane es el primer poema fonético/sonoro de la historia del dadaísmo, consistente en articulaciones de fonemas e interjecciones carentes de significado. Influyó en corrientes literarias como el letrismo o la poesía beatnik.

Karawane, 1917 (publicado en 1920).

La versión impresa se publicó posteriormente en el Dada Almanach (Almanaque Dada).

El diseño tipográfico y textual de la versión impresa de Karawane subraya las características de caos y anarquía, pero es simple, fácil de leer y reproducir.

Emmy Hennings (1885-1948)

Fue mucho más que la musa de unos cuantos poetas, expresionistas y dadaístas. Fue toda una artista alemana polifacética: cantante de cabarets, poeta, novelista, actriz, bailarina, marionetista, cofundadora y participante del Cabaret Voltaire. Siendo la gran estrella, su largo repertorio comprendía canciones populares danesas, parisinas y berlinesas, baladas chinas, cantos folklóricos, sus propios poemas y los escritos por otros dadaístas.

Emmy Hennings como mujer araña, 1915.

La información, antes de conocer a Ball, es poca, pero se sabe que pasó un tiempo en prisión, que su obra poética había sido publicada en revistas de izquierda y había publicado una colección de poemas breves titulados Eter. También aparece como artista del Cabaret Simplizissimus de Múnich.

Emmy Hennings y su marioneta dada, 1916.

Una vez cerrado el Cabaret Voltaire, Hennings y Ball siguieron colaborando artísticamente, actuando en hoteles y pequeños teatros donde Emmy actuaba y hacia marionetas. En 1916 juntos crearon el duo artístico Arabella, donde Hennings bailaba la música que Ball componía.

Tras la inauguración en 1917 de la Galería Dadá, Hennings y Ball abandonaron el movimiento y se instalaron en el pueblo de Agnuzzo en el cantón del Tesino (Suiza).

En 1919 ve la luz su novela Cárcel, que narra su estadia en prisión.

Hanna Höch (1889-1978)

Fue una artista plástica y fotógrafa alemana, una de las artistas más influyentes en el movimiento dadá.

Inició sus estudios en una escuela de niñas, en Berlín. Al ser la mayor, a los 15 años dejó sus estudios y volvió a su ciudad natal, Gotha, para cuidar de sus hermanas, lo que le hizo darse cuenta del machismo y la misoginia de la sociedad en la que vivía.

En 1912, se mudó a Berlín, para continuar con sus estudios en la  Academia de las Artes de Berlín. El comienzo de la Primera Guerra Mundial, la hizo volver a su ciudad natal. Durante la guerra, fue parte de la Cruz Roja, tomando otro breve descanso en sus estudios.

En 1915, volvió a Berlín, para retomar sus estudios y conoce a Raoul Hausmann, uno de los artistas destacados en el movimiento dadaístas en Berlín. Hausmann la incluyó en su circulo dadaísta y fue su amante (él estaba casado con otra mujer). Hannah no solo fue una de las pocas mujeres involucradas, sino que también fue la primera mujer que se interesó por el dadaísmo.

Dada Review, 1919.

Hausmann no la tomaba en serio y casi le rechazó en su participación en la Primera Feria Internacional Dadá de 1920 en Berlín.

Hausmann no quería dejar a su esposa, pero Höch sí quería tener hijos y formar una familia con él, quedó embarazada de él dos veces, pero tuvo que abortar. En 1920, tras sus 4bortos, creó su obra más conocida “Corte con cuchillo de cocina a través de la barriga cervecera de la República de Weimar”.

Corte con cuchillo de cocina a través de la barriga cervecera de la República de Weimar, 1919. Expuesta hasta 1920 en la galería Otto Burchard en la primera Dada-Messe (Feria Dada).

Terminó su relación con Raoul Hausmann y, en 1926, empezó una nueva relación con la escritora y lingüista holandesa Mathilda “Til” Brugmann, a quien conoció gracias a Kurt Schiwitters. Se mudó a La Haya, Holanda, para vivir con ella y tuvieron una relación de 9 años. Por lo que se le considera una mujer bis3xual.

Retrato de Hanna Höch y Til Brugmann, fotografiado por Raul Hausmann, 1931.

Terminaron separándose, muy probablemente, porque era peligroso vivir de manera abierta siendo homosexual por la persecusión naz1.

Die Braut (Pandora) (La novia (Pandora)), 1927.

Höch destacaba por su aspecto masculino y su pelo extremadamente corto, lo cual no encajaba en con el canon de belleza de la sociedad de aquella época. Su arte trataba constantemente temas de rareza, s3xualidad y expresión de género, por lo que es considerada una activista importante para el movimiento feminista. Criticó a la sociedad, plasmándolo en un mundo fragmentado en sus collages o fotomontajes. Hizo hincapié en un mundo fragmentado, colapsado por la guerra y las crisis económicas.

Botas de siete leguas, 1933.

En 1933, tras la toma del poder del partido n4zi, mientras los demás dadaístas decidieron exiliarse, ella siguió viviendo en Berlín. Durante esta etapa, empezó a crear obras que criticaban al naz1smo.

En 1937, una de sus obras se presentó en la exposición legendaria del Arte Degenerado de Hitler. A consecuencia, sufrió la prohibición del gobierno naz1, por lo que tuvo que exponer en el extranjero.

Durante la Segunda Guerra Mundial vivía en una casa con un jardín grande en el cual tuvo que esconder sus obras y las otrxs dadaístas por la censura del n4zismo. Gracias a ello, en la actualidad tenemos acceso a muchas obras dadaístas.

A partir de los años 40, se centró más en los fotomontajes a color basándose en temas como androginia y amor lésb1co.

La eternamente femenina II, 1967.

Kurt Schwitters (1887-1948)

Fue un artista alemán, pintor, escultor, poeta y diseñador gráfico.

«La Gran Guerra ha terminado, en cierto modo el mundo está en ruinas, así pues, recojo sus fragmentos, construyo una nueva realidad».

Una de las aportaciones más influyentes fueron sus collages y assemblages hechos con materiales de desecho (tras la Primera Guerra Mundial), que denominaría Merz y que acuñó como término para definir su propio Dada.

El Hannover Merzbau de Kurt Schwitters. Foto de Wilhelm Redemann, 1933.

En 1923, Kurt comenzó a convertir las habitaciones de su casa en Hannover (Alemania). Primero era una “Columna Merz en estructura Merz” con cavidades donde coloca desde boletos de transporte hasta los más inesperados materiales encontrados en la calle, incluyendo pertenencias de varixs artistas de la época (un mechón de cabello, la punta de una corbata, un trozo de uña, un lápiz de dibujo, una dentadura postiza y hasta un frasco con orina). La columna siguió creciendo hasta convertise en una obra en sí misma.

Lamentablemente, en 1943, fue destruida por un borbardeo del bando aliado (conformado por E.U., Reino Unido, China y la entonces Unión Soviética), lo único que quedó fue el registro fotográfico de Wilhelm Redemann.

Es considerada un importante antecedente de la instalación.

Visitante en la reconstrucción de Merzbau del Museo Sprengel. Fotografía © 2011 André Homan

A partir de 1993, el Museo Sprengel de Hannover contiene el Archivo Kurt Schwitters, alberga cartas y relatos de amistades, familiares, incluyendo a curadores y directores del MoMA (con quienes tenía una gran relación). Estos escritos ayudaron a tener un mejor panorama del cómo Schwitters fue construyendo el Merzbau, incluidos los métodos y hasta el olor de las habitaciones.

En el Museo Sprengel también se puede ver una reconstrucción de la sala principal de Merzbau, realizada entre 1981 y 1983 por Peter Bissegger, quien se basó en las fotografías de Redemann así como de las cartas de archivo de Kurt.

"Hoy día sé perfectamente que las explicaciones no permiten comprender una obra de arte; tienen un mero valor histórico o dadaísta. Mis explicaciones son en última instancia, un documento sobre la inexplicabilidad de la obra de arte”*

Ursonate, 1932.

Escrito entre 1922 y 1932, el origen de la obra está en el poema-cartel Fmsbw (1918) de Raoul Hausmann, Schwitters toma la primera línea de la obra (Fmsbwetäzäu), para crear una especie de “retrato sonoro de Raoul Hausmann”.

Estrenada el 14 de febrero de 1925 en casa de la editora Irmgard Kiepenheuer en Postdam.

Schwitters descompone el lenguaje en sílabas y luego las vuelve a ensamblar para crear un nuevo significado "irracional". Compuesta en una sonata (una introducción y 4 partes/movimientos).

Kurt escribió que normalmente dura 35 minutos, pero no siempre va a sonar y durar igual pues está sujeta a la persona que lo interprete, convirtiendo este poema en un acontecimiento (como diría John Cage).

Publicado por: Mel G.V. (@punkandj3rk)

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𝐏𝐢𝐞𝐫𝐫𝐞 𝐒𝐜𝐡𝐚𝐞𝐟𝐟𝐞𝐫 (1910-1995)

Nacido en Nancy, Francia, fue un compositor, escritor, teórico e ingeniero, considerado el creador de la música concreta (musique concrète).

Formado como ingeniero, Schaeffer comenzó a trabajar en 1946 en la Office de Radiodiffusion Télévision Française de París (ORTF). Allí dispuso de todo el soporte técnico para iniciar sus investigaciones en cuanto a la manipulación y edición de sonidos pregrabados.

Recibió influencias de Luigi Russolo y los Manifiestos Futuristas.

Etude aux chemins de fer, 1948

Cinq études de bruits (Cinco estudios de ruidos) es una colección de composiciones musicales de Schaeffer. Los cinco estudios se compusieron en 1948 y son las primeras piezas de musique concrète.

Étude aux chemins de fer (trenes)​

Étude aux Torniquetes (partes superiores de juguete e instrumentos de percusión)​

Étude violette (Sonidos de piano grabado para Schaeffer por Boulez)

Étude noire (Sonidos de piano grabado para Schaeffer por Boulez)

Étude pathétique (Cacerolas de salsa, barcas de canal, canto, discurso, armónica, piano)

Las obras se estrenaron en una emisión radiofónica el 5 de octubre de 1948, titulada Concert de bruits (Concierto de ruido).

Schaeffer desarrolló una práctica estética que estaba centrada en torno al uso del sonido como recurso primario para la composición y enfatizaba la importancia del juego en la creación de música. Destacó la importancia de jugar (usando sus palabras, jeu) en la creación musical. La idea de Schaeffer de jeu viene del verbo francés jouer, que tiene un doble significado, como el verbo inglés play; jugar y también tocar un instrumento musical.

Pierre Henry (1927-2017)

En 1946, conoció al compositor y percusionista Pierre Henry, en los estudios de Radio y Televisión Francesa (RTF), en el entonces llamado Club d'essai, Henry también se sentía atraído por las nuevas formas de producir música. En 1950, juntos compusieron una de las obras más emblemáticas de la “música concreta”: “Symphonie pour un homme seul” (Sinfonía para un solo hombre). Esta composición se basa en el tratamiento de la grabación de distintos sonidos vocales, que no necesariamente son cantados, sino que incluye tanto texto hablado como el sonido de la respiración, la risa u otros.

De esta unión, junto al ingeniero Jacques Poullin, surgió la fundación del Groupe de Recherche de Musique Concrète (GRMC, "Grupo de Investigación de Música Concreta") en 1951.

Pierre Schaeffer y el equipo GRM en el Centro Bourdan de París, 1972.

Junto con el Estudio WDR en Alemania, el GRM/GRMC fue uno de los primeros estudios de las sonoridades y la electronica.

En 1958, Schaeffer creó un nuevo colectivo llamado Groupe de Recherches Musicales (GRM) (Grupo de Investigaciones Musicales).

Schaeffer había tomado prestado el término acusmático de Pitágoras y lo definía como: "acusmático, adjetivo: que se refiere a un sonido que uno oye sin observar las causas tras el mismo" (Schaeffer 1966, 91).

La música clásica (o seria, o perdurable) comienza como una abstracción, una notación musical sobre un papel u otro medio, para ser tocada más tarde. La música concreta lucha por empezar por los sonidos "concretos" (grabados directamente en cinta), experimentar con ellos, y abstraerlos para incluirlos en una composición musical.

Un objeto sonoro se caracteriza por el hecho de utilizar sonidos naturales grabados por un micrófono y posteriormente tratados para construir una pieza musical. Ligado a la aparición de dispositivos que permitieron la descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (en un principio analógico, como la cinta, posteriormente digital, como el CD) con el fin de tratar este sonido de manera separada y manipularlo cortándolo, pegándolo, superponiéndolo (jugando con él) y finalmente combinando los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva como una partitura auditiva.

La música concreta marcó el comienzo de la música electrónica, en la que equipos electrónicos o computadoras se utilizan como generadores de sonidos para posteriormente modificarlos, manipularlos y combinarlos.

En 1966, Schaeffer publicó el libro Traité des objets musicaux (Tratado de objetos musicales) que representó la culminación de cerca de 20 años de investigación en el campo de la música concreta. Junto a esta publicación un conjunto de grabaciones de sonido fueron producidas, tituladas Le solfège de l'objet sonore (El solfeo del objeto sonoro), para ofrecer ejemplos de los conceptos sobre los que versaba el tratado.

Pierre Schaeffer en el phonogène: Un reproductor de cintas controlado por teclado de varias velocidades.

En 1968 fue nombrado profesor asociado de composición electroacústica en el Conservatorio de París. Su método de enseñanza, que tenía como objetivo "descondicionar el oído" para facilitar una nueva percepción del mundo de los sonidos, se complementaba con trabajos prácticos, realizados bajo la supervisión de Guy Reibel.

Publicado por Mel G.V. (@punkandj3rk)

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FLUXUS

Fue un movimiento internacional (Norteamérica, Europa y Asia) de artistas, poetas y músicxs con un impulso compartido de integrar el arte y la vida, bajo el objetivo de recrear la experiencia artística de modo alternativo y liberatorio. Se autoproclamó como el antiarte.

George Maciunas, Fluxus Manifiesto, 1963.

Pretende la interdisciplinaridad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. Varios de lxs artistas que participaron del movimento Fluxus han sido pionerxs en la utilización de video y los aparatos de TV en sus obras, dando comienzo al video arte, los videos objetos, las video performances, el happenig y las instalaciones. La estética interdisciplinaria Fluxus une influencias tan diversas como el Zen, la ciencia y la vida cotidiana para ponerlas al servicio del uso poético.

Intermedia es un término utilizado a mediados de los años 60 por el artista Dick Higgins para describir varias actividades artísticas interdisciplinarias que ocurren dentro de las obras de arte que existen entre géneros artísticos, la vida misma y los medios tecnológicos, entre otras cosas.

(Folleto publicitario del festival)

La primera manifestación colectiva «Fluxus Internationale Festspiele» tuvo lugar en Wiesbaden, en septiembre de 1962.

(Participación de Nam June Paik en el festival)

 Algunxs artistas que formaron parte son: George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, Charlotte Moorman, Robert Filliou, Yoko Ono, Dick Higgins, Robert Morris, Alison Knowles, George Brecht, Shigeko Kubota, Ben Vautier, Ray Johnson, La Monte Young, Allan Kaprow, entre otrxs.

George Maciunas, Burglary Flux Kit, 1971

George Maciunas (1931-1978)

Artista, empresario y galerista estadounidense de origen lituano. Miembro fundador de Fluxus.

Happy Flux Year, 1965

U.S.A. Surpasses All the Genocide Records!, 1966

Yoko Ono (1933-)

Artista, cantante y música japonesa.

Painting for the Burial, 1961

Cut Piece, 1964

https://www.instagram.com/yokoono/?hl=es

Dick Higgins (1938-1998)

Artista, compositor, teórico del arte, poeta, editor, grabador estadounidense y cofundador de Fluxus.

Danger Music Number Seventeen, 1962

Danger Music No.2 (Performance at Fluxus Internationale Festspiele Neuester Musik), 1962.

Alison Knowles (1933-)

Artista estadounidense reconocida por ser una de las principales creadoras dentro del colectivo Fluxus.​

Proposition #2: Make a Salad, 1962.

Shoreline, 2008

Ben Vautier (1935-2024)

Artista italiano, crítico de arte, poeta, fotógrafo, pintor, decorador y editor de libros.

Art Is Ego, 1971

Geste: Me Cacher Sous un Drap au Milieu d'une Place Publique, 1971

Shigeko Kubota (1937-2015)

Artista japonesa pionera de video arte, performances e instalaciones.

Nude descending a staircase, 1976

Pintura de v4gina , 1965

Nam June Paik (1932-2006)

Compositor y videoartista surcoreano. Reconocido como el "Padre del Videoarte".

TV Buddha, 1974

Li Tai Po, 1987.

Publicado por Mel G. V. (@punkandj3rk)

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Futurismo italiano (1909)

"Afirmamos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza: la belleza de la velocidad... un coche de carreras rugiente, que parece que corre sobre metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia."

El futurismo fue una vanguardia que buscó romper con la tradición y cuestionó el pasado de la historia del arte, los elementos principales fueron: la poesía, el valor, la audacia y la revolución, pues se glorificó la guerra y la violencia, pero también se enalteció la velocidad y el movimiento.

De izquierda a derecha: Russolo, Carrà, Marinetti, Boccioni y Severini en París para la Inauguración de la primera exposición de 1912.

Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944)

Marinetti fue un poeta, escritor y teórico del arte italiano. Escribió el Manifiesto Futurista, publicado el 20 de febrero de 1909 en el periódico francés Le Figaro, ya que París era el centro del arte en ese momento.

Luigi Russolo (1885-1947)

Fue un pintor y compositor italiano. Escribió el Manifiesto de los pintores futuristas italianos y en 1910 lo firma, junto a Boccioni, Carrà, Severini y Balla.

En el siglo XIX, con la creación de las máquinas, nació el ruido. Es así que Russolo se interesa por las nuevas sonoridades creadas a partir de la industrialización y por ende, de las ciudades estruendosas.

En 1913, escribe el Manifiesto El arte de los ruidos, en él, Russolo expone el cómo las personas se han acostumbrado a la velocidad, estridencia y energía de su paisaje sonoro urbano, y predice que van a influenciar en la instrumentación y composición musical.

"Intonarumori", 1914.

Los Intonarumori son dispositivos para la producción de sonidos mediante un amplio espectro de modulación, sonidos rítmicos similares a los realizados por máquinas, pero sin imitar o reproducirlo.

Umberto Boccioni (1882-1916)

Fue un pintor y escultor italiano.

"Formas únicas de continuidad en el espacio", 1913.

Carlo Carrà (1881-1966)

"Funeral del anarquista Galli", 1911.

Fue un pintor italiano.

Gino Severini (1883-1966)

"Tren blindado en acción", 1915.

Fue un pintor italiano.

Giacomo Balla (1871-1958)

"Dinamismo de un perro con correa", 1912.

Fue un pintor y escultor italiano.

En 1915, firma, junto a Depero, el Manifiesto Recontrucción Futurista del Universo. En él se extendieron los principios del futurismo a todos los aspectos de la vida diaria.

Fortunato Depero (1892-1960)

Fue un pintor, escultor, escenógrafo, arquitecto, escritor y diseñador gráfico italiano.

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Marcel Duchamp (1887-1968)

Nacido en Francia, fue artista y ajedrecista.

"Rueda de bicicleta", 1913

Es un objeto encontrado (o ready-made), sacado de su contexto para cambiarle su funcionalidad y transformarlo en una obra de arte.

"Erratum Musical", 1913.

Es una partitura para tres voces derivada del procedimiento del azar.

Duchamp compuso esta pieza vocal con sus dos hermanas, Yvonne y Magdeleine, ambas músicas. Sacaron al azar veinticinco notas de un sombrero que iban desde el fa debajo del do central hasta el fa agudo. Luego, las notas se registraron en la partitura según la secuencia del dibujo. Las tres partes vocales de Erratum Musical están marcadas en secuencia como “Yvonne”, “Magdeleine” y “Marcel”

"Fuente", 1917

Obra que se puede considerar una broma o un dispositivo para pensar, pues demostró que cualquier objeto de la vida cotidiana puede ser una obra de arte si el artista así lo decide y lo sitúa en otro contexto (en este caso, en una galería o museo).

"La novia desnudada por sus solteros, o El gran vidrio", 1915-1923.

Mezclando el azar, pero también complejos estudios de perspectiva, geometría y matemáticas, y un laborioso trabajo artesanal, "El gran vidrio" fue construyéndose paso a paso pero nunca llegaría a estar acabado… hasta que en un traslado se rompió en pedazos. Fue entonces cuando Duchamp dio por concluida la obra al ver las maravillosas grietas que se habían formado a modo de tentáculos.

"La caja verde", 1934

Contiene noventa y cuatro reproducciones de fotografías, dibujos y notas, fechados entre 1911 y 1915.

Entre 1935 y 1940, creó una edición de lujo de veinte cajas, cada una en un estuche de cuero marrón, pero con ligeras variaciones en el diseño y el contenido. Durante los años 1950 y 1960, se creó una edición posterior que constaba de seis series diferentes; en ellas se eliminó la maleta, se utilizaron telas de diferentes colores para la cubierta y se modificó el número de elementos en el interior.

Contiene obras como:

"Desnudo bajando una escalera n°2"

La idea del cuerpo humano como una máquina de movimiento es meramente futurista. Poco después de estas piezas, Duchamp comienza con su período dadá con sus ready-mades.

Explicación, elemento por elemento, de la obra "La novia desnuda por sus solteros"

"L.H.O.O.Q.", 1919

A una tarjeta postal con una reproducción de la obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, Duchamp le dibujó con lápiz un bigote y una perilla, y le puso el título "L. H. O. O. Q." (que en francés significa "Elle a chaud au cul")

Las cajas de Duchamp, junto con su Mona Lisa alterada, abordan el tráfico cada vez mayor de reproducciones en los museos y cuestionan la importancia relativa de la obra de arte "original".

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R. Murray Schafer (1933-2021)

Nacido en Sarnia, Canadá, fue compositor, escritor, educador y ambientalista.

El trabajo de Schafer resulta fundamental para concebir la idea de una experiencia de la escucha como parte de un ambiente o “ecología acústica”.

Schafer nos propone que existen sonidos referenciales que tendrían que estar protegidos y catalogados como parte de la flora o la fauna de un ecosistema, ya que el impacto de la presencia humana ha modificado los entornos sonoros del mundo.

Sin embargo, también existen sonidos que forman parte del entorno cultural de una comunidad, ya que representan la experiencia colectiva de un grupo de personas, que comparten un territorio, una historia y un sentido de pertenencia. Los sonidos también hablan de las personas, de su pasado, su presente y su futuro.

El paisaje sonoro (soundscape) es una categoría que integra todos los sonidos que forman parte de un entorno y se conciben tres elementos fundamentales para definirlo, el keynote o tono, que se refiere a los sonidos de fondo y es la base de todo paisaje sonoro. La señal sonora o sound signal integra los sonidos generales del entorno como el ladrido de un perro o la alarma de un reloj, estas señales aportan capas de profundidad y son elementos que permiten dar forma al paisaje; finalmente y quizás el más importante, el soundmark o sonido referencial. Esta marca sonora es considerada como el punto de referencia o hito que le da carácter a un lugar, por ejemplo la letanía que reproducen las camionetas que ofrecen servicios de compra venta de colchones, refrigeradores, estufas y muebles viejos en la Ciudad de México, si bien es probable que este servicio se ofrezca en otros lugares del mundo, el famoso sonsonete publicitario es un acontecimiento endémico de las las calles de la CDMX, un soundmark chilango.

"Sounds Unseen: An exhibition of musical manuscripts and sound sculpture", 1970

Schafer también acuñó el término esquizofonía (schizophonia) en 1969, para aludir a la fisura abierta entre un sonido original y su reproducción en otro tiempo y lugar. Este concepto proviene de la invención de equipos electroacústicos para la transmisión del sonido, lo que significaba que cualquier sonido podía ser grabado y enviado a cualquier parte del mundo. Originalmente, eso no era posible, ya que cada sonido era original y solo podía escucharse una vez. La esquizofonía es la separación de este sonido nativo y su grabación; y el término se centra en los efectos perjudiciales de esto para los individuos y las sociedades en general.

"Hemos separado el sonido del creador del sonido. Los sonidos han sido arrancados de sus cuencas naturales y se les ha dado una existencia amplificada e independiente. El sonido vocal, por ejemplo, ya no está atado a un agujero en la cabeza, sino que es libre de emitir desde cualquier lugar del paisaje"

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Pauline Oliveros (1932-2016)

Nacida en Houston, Texas (Estados Unidos), fue una artista sonora, compositora, acordeonista, figura importante en la experimentación sonora y de la música electrónica de los años 60.

Fue miembro fundador del San Francisco Tape Music Center en la década de 1960, y se desempeñó como su directora.

Su formación instrumental incluyó acordeón y corno francés. Con su acordeón tocó un repertorio diverso que incluía música clásica, barroca, popular y étnica.

La cisterna Dan Harpole en Fort Worden, Washington fue construida con la intención de reservar agua para combatir los posibles incendios que podrían ser provocados por cualquier ataque aéreo durante la Segunda Guerra Mundial. Esta enorme bóveda subterránea tiene la capacidad de albergar cerca de 8 millones de litros de agua, y lo más importante, tiene la extraordinaria característica de generar 45 segundos de reverberación.

En palabras simples, la reverberación es el tiempo que tarda un sonido en desaparecer en un espacio.

En 1989, Oliveros junto con los músicos Stuart Dempster y Panaiotis descendieron a la cisterna con un tubo, una manguera de jardín, un trombón y un acordeón para para realizar una grabación que pudiera llevar la reverberación hasta los límites. El resultado de ese acontecimiento sonoro germinó en el concepto “Deep Listening”

El Deep Listening explora las diferencias entre oír y escuchar. Oliveros consideraba que el sonido no sólo eran las vibraciones audibles del aire que nos rodea, sino la totalidad de muchas energías vibratorias en todo el universo.

Este libro es producto de años de investigación en el campo del sonido y la escucha. Aquí Oliveros desarrolla con precisión el concepto de Deep Listening (Escucha Profunda) y su práctica, que consiste en ejercicios de meditación y experimentación sonora para enfocar la atención en un sonido y a su vez captar todos los sonidos circundantes de nuestro paisaje sonoro.

"Escucha todo el tiempo, y sé consciente cuando no lo estés haciendo".

En 1985, Pauline Oliveros funda The Center for Deep Listening ubicado en Nueva York, que se dedica a organizar workshops y retiros de escucha profunda.

Bye bye butterfly (1967) es una deconstrucción de la obra de Puccini, Madame Butterfly, y que Pauline realizó en una sola improvisación de casi 10 minutos.

"Se trata de una pequeña despedida a la música del siglo 19 pero también al sistema moralista de esa época y su opresión institucionalizada sobre el sexo femenino."

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John Cage (1912-1992)

Nacido en Los Ángeles, California, (Estados Unidos), Cage fue compositor, teórico musical, artista y filosofo.

Influenciado por: Arnold Schöenberg, Marshall McLuhan, Daisetsu Teitaro Suzuki, Henry David Thoreau, Marcel Duchamp, James Joyce.

A finales de 1951, Cage visitó por primera vez una cámara anecoica en la Universidad de Harvard: un espacio diseñado para aislar cualquier onda sonora, ya que sus muros impiden que el sonido se refleje y genere un eco (como sucedería en cualquier lugar). En lugar de encontrarse en un silencio absoluto, Cage percibió dos sonidos: uno agudo y otro grave, que en realidad se trataban de su sistema nervioso y circulatorio respectivamente.

En 1953, escribe 4'33'' (cuatro minutos y treinta y tres segundos), una obra donde el interprete guarda silencio y no toca ningún instrumento. A lo largo de la presentación (la cual integra tres movimientos de aparente silencio), la sala de conciertos se llenará de abucheos, risas incómodas e increpaciones del público.

Para Cage, este suceso, un “acontecimiento” reivindica el silencio como experiencia sonora enlazada con la vida, precediendo a las mismas reflexiones sobre el arte/vida, que lxs Fluxus se harán varios años después.

Una de las aportaciones de Cage, a raíz de esta pieza, es dejar de concebir el silencio como contrario al sonido y el ruido como antagónico a lo musical, sino como opuestos complementarios.

"Fontana Mix", compuesta en 1958 y presentada en Roma en 1959

Su partitura se compone de 10 hojas y 12 transparencias, con diferentes símbolos gráficos (malla reticular, puntos, líneas, etc.), con 17 minutos disponibles, es una pieza que puede ser interpretada en diferente duración.

Cage compuso otras obras utilizando el material de Fontana Mix, entre ellas: Water Walk, Sounds of Venice, Aria, Theatre Piece, and WBAI.

"Water Walk" es un performance presentado en 1960 en el programa de televisión I've Got A Secret.

Sitio oficial del artista: http://johncage.org/

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Cartografías Sonoras

Lxs alumnxs de ambos turnos del taller de Arte Sonoro, periodo 2025-1 realizaron una cartografía sonora

Gente Sonora (turno matutino):

Trazado

Proceso

Título

Nombrado

Gente Sonora con su mapa

Mapa

Fuga Sonora (turno vepertino):

Bocetaje

Proceso

Ellxs

Pintado

Montaje

Fuga Sonora con su mapa

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¡Bienvenidx!

El Laboratorio de Investigación de las Sonoridades y la Escucha o L.i.S.E, es un espacio que sucede dentro de la asignatura Arte Sonoro de la Licenciatura en Artes Visuales de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. El L.i.S.E. propone desde la escucha, generar diálogos entre las dinámicas de la investigación artística y los estudios sonoros. El laboratorio propone la perspectiva del sonido como dispositivo, es decir, una herramienta transversal transdisciplinaria que en su encuentro con el pensamiento artístico y otros saberes, posibilita la generación de conocimiento.

Esta asignatura busca los procedimientos para estructurar, interpretar y crear obras artísticas a través de las sonoridades y la escucha, así como generar los recursos y medios necesarios para su elaboración. El laboratorio pretende sentar los fundamentos de la investigación-producción a partir de un enfoque centrado en las posibilidades del sonido como medio para proponer diálogos desde una perspectiva artística contemporánea. Esta asignatura busca problematizar las posibilidades polisémicas del sonido desde una reflexión intermedial que se apoya en la escultura, el dibujo y el performance, entre otras, además de que se nutre de otras disciplinas como la historia, la arquitectura y los estudios culturales; de tal forma que integra distintos saberes, categorías y conceptos para generar una experiencia de conocimiento.

El Arte Sonoro elude categorías, sin embargo integra y cruza saberes para generar nuevas posibilidades expresivas; con esto en mente el trabajo dentro del laboratorio parte de lo que se conoce como estudios del sonido o sound studies, un campo de estudios que desde la transdisciplina atraviesa los conceptos del sonido y de la escucha, en su encuentro con la cultura y su posterior desarrollo de la mano de las tecnologías, los medios y los formatos. Los estudios del sonido también analizan las prácticas sonoras, así como los discursos e instituciones que las describen. De manera que el diálogo entre los estudios sonoros y las artes plásticas y visuales gira alrededor de temas fundamentales de las disciplinas artísticas pero que de manera ampliada, propone reflexiones sobre el mundo.

A partir de una práctica pedagógica horizontal, el L.i.S.E. fomenta el debate y la discusión en grupo, propone la escucha como la herramienta fundamental para comprender el entorno, encontrarnos y pensar las artes desde el sonido. El Laboratorio de Investigación de las Sonoridades y la Escucha es un espacio de intercambio, de vínculo y respeto que desde sus inicios ha buscado permanentemente entre sus egresados el desarrollo de una red colaborativa y de apoyo que busca en la creación, la gestión, la investigación y la docencia, vehículos para una reflexión artística sonora. También ha sido la incubadora de diversos proyecto como el colectivo artístico “CNTE” o Sindicato del sonido e investigaciones expandidas, las producción radiofónicas “Apolacmeztli”, creada durante la pandemia de Covid-19 y la obra de ficción sonora “Santiago 2063”, así como “Deriva Sonora” inspirada en la pieza City Links de Maryanne Amacher. 

Práctica

Escucha Profunda