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Página Musical N° 216. Franz Schubert. Marche Militaire N° 1.

Agregar la palabra ”militar” a un concepto hace que éste pierda todo su sentido. Es así como la justicia militar no es justicia y la música militar no es música.

Georges Clemenceau.

Estimados amigos:

Georges Clemenceau fue todo un personaje: médico, periodista y político francés. Como periodista y líder de la izquierda parlamentaria y luego de la derecha nacionalista, fue uno de los hombres más influyentes de la política francesa de fines del siglo XIX. Durante su segundo mandato como primer ministro (1917-1919), lideró el esfuerzo de guerra que condujo a Francia al triunfo sobre las potencias del Eje Roma Berlín, y desempeñó un papel esencial en las conversaciones de paz que concluyeron en el Tratado de Versalles después de la primera guerra mundial, consagrándose como una de las figuras más relevantes de la política de su tiempo. Pero uno no puede renunciar a su naturaleza y la frase del inicio destila el típico sarcasmo bastante común en los franceses.

Aunque entretenida, no comparto la afirmación y la joyita que les presento hoy me viene como anillo al dedo para desmentirla. Se trata de la Marche Militaire N° 1 de Franz Schubert.

No se trata del paso lento de las marchas militares prusianas a las que estamos acostumbrados en Chile, cuyo ritmo pausado es indispensable para  el “paso regular” (paso de ganso). Tampoco es ese ritmo a mata caballo propia de las marchas americanas. Es un ritmo más natural del caminar normalmente cuando uno no está paseando sino que cuando uno se dirige de un lugar a otro.

Asimismo, a diferencia de la mayoría de las marchas que repiten una tras otra distintas estrofas en las que cambian sólo la letra y no la melodía (A-A-A), en esta marcha nos encontramos en que, de las tres estrofas, la primera y la última son iguales y no así la del medio, la que se sale del molde con una melodía diferente (A-B-A).

Pero lo que hace a esta marcha una joyita musical es la genialidad del compositor, cuya creatividad y calidad melódica es infinita. No obstante estar concebida con un aire militar, habremos de entender que se presta más para ceremonias que para celebraciones de victorias o para arengar a las tropas antes de un combate. En todo caso es una hermosura.

La versión original fue compuesta para piano a cuatro manos pero la que les ofrezco hoy es orquestada, no sé por quién, pero es hermosísima.

Espero que dispongan de 05:30 minutos y disfruten de esta maravilla:

Que tengan un buen fin  de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 215. Verdi. Rigoletto. Caro Nome (aria de Gilda).

El alma que hablar puede con los ojos, también puede besar con la mirada.

Gustavo Adolfo Bécquer

Estimados amigos:

Entre una Gran Ópera y una sinfonía me quedo con esta última. En mi humilde opinión, salvo contadas excepciones, a las óperas les falta una continuidad musical y el hilo conductor habitualmente es el texto. Prefiero una sinfonía clásica o romántica, incluso un concierto para instrumento solista y orquesta aunque dure más de una hora (las óperas suelen durar más que esto). Con todo, la ópera, al estar  parcelada, permite rescatar pequeños trozos, ya sean arias, coros, dúos, etc., de corta duración, algunos de los cuales son bellísimos. Hoy les presento uno de ellos que es una verdadera joyita musical.

Se trata del aria para soprano “Caro Nome” (Nombre Querido) de la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi. No me voy a explayar en el argumento de la ópera. Baste saber con que sus palabras no dejan duda del amor de la joven Gilda (el personaje, no tanto la soprano) hacia el «pobre estudiante» y así lo manifiesta en cada frase donde piensa en ese primer amor. Desconoce que, tras su querido «Gualtier Maldé», está el mujeriego Duque de Mantua.

Como a los cantantes líricos rara vez se les entiende lo que dices, situación que se da especialmente con las soprano, más abajo encontrarán el  texto original y su correspondiente traducción:

GILDA

Gualtier Maldè nome di lui sì amato, Ti scolpisci nel core innamorato Caro nome che il mio cor Festi primo palpitar, Le delizie dell’amor Mi dei sempre rammentar! Col pensiero il mio desir A te sempre volerà, E fin l’ultimo sospir, Caro nome, tuo sarà.

              GILDA

Gualtier Maldé….¡Nombre mi amado quédate grabado en mi corazón enamorado! ¡Nombre querido que por primera vez ha hecho palpitar mi corazón, y que me recordará siempre las delicias del amor! Mi deseo volará siempre hacia ti, y mi último suspiro, nombre querido, será para ti.

Espero que se tomen unos breves  05:34 minutos y que disfruten de esta joyita musical:

Que tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 214. Edward Grieg. Suite Lírica. Marcha de los Trolls.

He llegado a la conclusión que la política es un asunto demasiado serio para dejárselo a los políticos.

Charles de Gaulle

Estimados amigos:

              Probablemente debido a mi origen francés por parte de padre y madre, desde mi más tierna infancia siempre tuve mi vista en Europa pero nunca en Escandinavia, países que veía como fríos y oscuros, de poca trascendencia. Pero todo cambió cuando me casé hace más de 40 años con una rucia cuyo padre era noruego y mi mujer heredó su impronta vikinga. Me ha llevado ya cuatro veces a Noruega y, si Dios me da fuerza y salud, no faltará una quinta. El país es magnífico y su gente… si hasta sonríen mientras caminan por la calle.

              Y no están para nada alejados del arte de la mejor calidad: en la literatura tienen a Henrik Ibsen, en la pintura a Edvard Münch, en la música a Edvard Grieg, y muchos más. Pero quería llegar a Grieg. Éste, al igual que muchos músicos románticos, recurrió al folklore local para inspiración de sus obras, cuyo es el caso de su “Piezas Líricas”, una colección de 66 piezas cortas para piano solo. Fueron publicadas en 10 volúmenes y cuatro de las seis piezas del Libro V, Op. 54, fueron orquestadas por el propio Grieg  bajo el título de Suite Lírica.

              En la joyita musical que les ofrezco hoy podrán apreciar que Grieg no sólo recurría a melodías folklóricas sino que también a la mitología local. Esta recurre a los Trolls, personajes mitológicos escandinavos. Bastante difíciles de describir, generalmente en Dinamarca y Suecia son personajes salvajes, astutos, más parecidos a hombres, que viven bajo tierra en colinas o montículos, inclinados al robo y el rapto de humanos que, en el caso de los infantes, eran sustituidos por niños cambiados. En cambio en Noruega un Troll es un enorme gigante bastante bruto, feo, con  cola y nariz y orejas grandes, que puede llegar a ser violento de improviso. Estos troles no son malos por naturaleza, sino primitivos e incomprendidos. Sus fechorías se deben a una combinación de rasgos humanos básicos y comunes, sumados a la ignorancia e inteligencia limitada pero nunca con maldad. Incluso Grieg les agrega algo de ingenuidad.

              Espero que dispongan de cortos 03:36 minutos para disfrutar de esta versión orquestal:

     Que tengan un buen y reparador fin de semana,

              Francisco Sève Allamand            

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Página Musical N° 213. Arvo Pärt. Spiegel im Spiegel

La vida es maravillosa si no se le tiene miedo.

Charles Chaplin

Estimados amigos:

No sé cómo, por qué casualidad ni por qué juego del destino o de algún Troll juguetón, pero caí sin darme cuenta en la joyita musical que les presento hoy. Se trata de Spiegel im Spiegel (Espejo en el Espejo), una composición de Avro Pärt, un compositor estonio, moderno y actualmente vigente. Nada más lejos de mis clásicos predilectos. Sin embargo, esta obra es una maravilla, me fascinó, así como también la interpretación que les acompaño. Es fantástica.

Se trata de música minimalista para piano y cello (originalmente para piano y violín). La mano derecha, cual metrónomo, toca tres notas negras ascendentes sin cesar,  cual metrónomo. Es un verdadero  ostinato (obstinado) rítmico-melódico, una secuencia de notas que se repite casi exactamente en cada compás.  Por su parte, la mano izquierda toca notas sincopadas con aquellas del cello que lleva una melodía solo en base a escalas que se repiten en forma ascendente y descendente, como un espejo que se refleja en otro y vice versa. Poco … bueno.

Muy minimalista será esta composición, la que a primera vista no tiene ninguna dificultad técnica. Pero si la tiene y mucha. El pianista tiene que tener la precisión rítmica de un reloj, sin embargo, a esta capacidad técnica debe agregar una gran sensibilidad de manera de no sonar como una caja de música. Por su parte, el cello debe lograr una gran profundidad y una afinación de excepción, de manera de no sonar como un gato.

Espero que se den 10:20 minutos para disfrutar de esta maravilla que a mi me dejó sin palabras:

Que tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 212.- Mozart. Las Bodas de Fígaro. Canzonetta sull'aria.

No hay virtud tan fuerte que pueda estar segura contra la tentación.

Immanuel Kant

Estimados amigos:

              La joyita musical de hoy es una clara demostración de cómo, en la Europa de finales del siglo XVIII, las culturas muy distintas de los diferentes países tenían vasos comunicantes de tremenda importancia. Esta aria se encuentra dentro de la ópera bufa de Mozart “Las Bodas de Fígaro”, la que se basa en la comedia en 5 actos del dramaturgo francés Beaumarchais. La trama se desarrolla en España y su autor, Mozart, que era austríaco, estimaba que el italiano era el idioma más adecuado para el bel canto, encargó al italiano Lorenzo da Ponte el libreto, justamente en italiano. España, Francia, Italia y Austria se combinan en esta obra maestra.

              No es el momento ni el lugar para narrar la trama de la ópera en cuestión. Basta por ahora con saber que la condesa Almaviva, dudosa de la fidelidad de su marido el conde, le dicta a Susana, la prometida de Fígaro, una carta invitándolo esa tarde a un bosquecillo de pinos. El texto de la carta es “ ‘Qué suave brisa esta tarde soplará bajo los pinos del bosquecillo.’ Y él ya el resto entenderá.”

              Aquí caben, al menos, dos reflexiones. La primera de carácter netamente humana: es prácticamente imposible que entre dos varones, se de esta complicidad para urdir esta sutil trampa. Los varones,  creo, somos mucho más burdos y menos ocurrentes.

La segunda, musical. Las soprano tenían tal fama de gritonas y de distorsionar los textos con tal de lucirse, que Rossini escribió un “aria para dos gatos” (Página Musical N° 8 de 28/abr/2014. Si la quieren me la piden), justamente para dos sopranos, en la que se mofa de ellas puesto que el único texto es “miau”. No es el caso de esta joyita. La partitura es deliciosamente melódica y las intérpretes se complementan de una forma excepcional, con la misma complicidad que insinúa el texto.

              Espero que en 03:53 minutos disfruten de esta verdadera joyita musical:

          Que tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 211. Telemann. Concierto Trompeta en Re Mayor. 1er Movimiento Adagio

El político se convierte en estadista cuando comienza a pensar en las próximas generaciones y no en las próximas elecciones.

Winston Churchill

              Estimados amigos:

              Llama la atención que en pleno Barroco Tardío, la década de 1680 nos diera, en Alemania, a tres genios musicales, tanto por la calidad de sus creaciones, cuanto por su cantidad. Veamos: Georg Philipp Telemann ( 1681 – 1767 ), Johann Sebastian Bach ( 1685 – 1750 ) y Georg Friedrich Händel ( 1685 – 1759 ). Cuál de los tres más portentoso y cuál de los tres más prolífico. Aunque en fama Bach y Händel superan a Telemann, éste no se queda atrás en la cantidad y calidad de sus composiciones. Según el libro Guinness, es considerado el compositor más prolífico de la historia de la música, con más de 3.000 composiciones de su autoría. Desconozco su relación con Händel, quien se había instalado en Inglaterra, pero era el padrino de Carl Philipp Emanuel Bach, hijo del gran Johann Sebastian.

              Dentro de tal cúmulo de composiciones, he elegido para la página de hoy una joyita de marca mayor. Se trata del primer movimiento (Adagio) del concierto para trompeta en Re Mayor, en una versión de Maurice André que es magistral: tempo adecuado, con intensidades sutiles que logran moderar el a veces estridente sonido de la trompeta.

              Recordemos que cada nota tiene sus armónicos, es decir que cuando se toca una nota, hay un tono fundamental que se escucha, pero hay otros tonos que también produce el instrumento que se acoplan al tono fundamental y lo enriquecen, pero el oído humano no los distingue. Mientras menos armónicos produzca, como en el órgano de tubos, más opaco el sonido; mientras más armónicos produzca, más brillante, como en la trompeta, de ahí la dificultad de obtener con este instrumento, históricamente usado para fanfarrias, música militar y órdenes militares en combate, un sonido amable y aterciopelado como el que consigue el intérprete de esta versión.

              Pero sin más, espero que se den 2:38 minutos para gozar de esta tremenda joyita musical:

Que tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 210. Bach. Aire para la cuarta cuerda

Quien canta reza dos veces.

J.S. Bach

Queridos amigos:

              En casa de mis padres fui iniciado a temprana edad a escuchar música clásica. Más precisamente clásica y romántica de orquesta. En ésta, especialmente en la romántica, disfrutaba de los elocuentes “silencios”, de los cuales Beethoven era un verdadero genio. Es así es que tomé una cierta distancia de la música de J.S. Bach, de ritmo preciso y mecánico, con profusión de corcheas y semicorcheas, en cuyas obras, si bien es cierto que abundan los silencios de algunos instrumentos, rara vez, por no decir ninguna, el silencio incluye al conjunto de instrumentos en su totalidad y, por lo general, llena de ornamentos. En ese entonces yo asimilaba la música de Bach con el sonido de una máquina de coser (ticaticaticaticatica…).

              Pero estando en París en el año 1970, en casa de mi tía Monique Sève, luego de escucharme tamaño despropósito, sin decir una palabra se levantó de su asiento y, al poco rato, escucho una música maravillosa: era el Coral Jesús Alegría del Hombre, justamente de Bach, con lo  que sin decir una sola palabra echó abajo toda mi torpe argumentación... aprendí de golpe a disfrutar de la música de Bach (este Coral se los presenté en mi Página N° 22 de 25-jul-14).

              La joyita musical que les ofrezco hoy es, justamente, una maravilla que prescinde de todas esas semicorcheas y presenta una melodía profunda que habla directamente al alma, con el cantus firmus en un violín solista y armonizado por una íntima orquesta de cuerdas. Es el Aire, segundo movimiento de la Suite Orquestal N° 3 en Re Mayor. Es el nombre genérico que se da a cualquier trozo musical a una sola voz, en este caso la de un violín.

              A fines del siglo XIX, un violinista hizo una transcripción para violín y piano, modificando la tonalidad de Re Mayor a Do Mayor, de manera que el violista pudiera  interpretar la obra solamente con la cuarta cuerda, la más grave y justamente afinada en Sol. Ha sido utilizada en innumerables oportunidades para un sinfín de objetivos de manera que, seguramente la reconocerán y la disfrutarán en 05:44 minutos:

Que tengan un buen fin de semana,

              Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 209. Wagner. Lohengrin. Preludio acto III.

Contener el primer impulso no es difícil; lo difícil es contenerse después de haber sucumbido al primer impulso.

Séneca

Estimados amigos:

Nadie ha causado tanto daño al prestigio de un compositor como Adolf Hitler a Richard Wagner, daño que, sin duda, fue involuntario. Resultó que el primero amaba, con su característico fanatismo, la música del segundo, lo que llevó a que el inconsciente colectivo los asociara. Craso error. La música de Wagner es fantástica y el hecho de que Hitler la amara es sólo demostración de que no hay nada perfecto, ni siquiera perfectamente malo. No se le puede achacar a Hitler mala intención al amar la música de Wagner… es un sentimiento que muchos compartimos, lo que no nos hace ni nazi ni racista ni nada que se le parezca.

              La otra mancha que Hitler le hizo a Wagner fue asimilar los textos de sus óperas con la superioridad de la raza aria,  derivada de la mitología alemana. Nada más lejos de la realidad. Wagner era un estudioso de todas las mitologías, entre las cuales la vikinga. De ahí sus famosas Valquirias, personajes menores que bajaban del cielo vikingo a recoger a los soldados caídos en combate para llevarlos al Walhalla y atenderlos, entre otras cosas,  con hidromiel.

              La página musical de hoy tiene su origen en una obra teatral del siglo IV en Francia (El Caballero del Cisne).

              Un joven es encantado por una hechicera, convirtiéndolo en un cisne. La hermana del joven encantado es acusada de haber matado a su hermano para quedarse con toda la herencia de su padre. En el momento en que va a recibir su condena (de muerte), se pregunta por alguien que defienda su honor. Aparece un caballero (Lohengrin) en una barca que era tirada por un cisne. El caballero defiende el honor de la joven y con ello se gana su mano. Lo único que el caballero le pide es que nunca le pregunte por su procedencia y nombre. La joven cae en la tentación por culpa de la hechicera y le pregunta al caballero su procedencia y nombre. El caballero revela que es protector del Santo Grial, libera al cisne de su encanto y se marcha del pueblo, pues al revelar su identidad una ley divina lo obliga a regresar a cuidar el Santo Grial. (Wikipedia).

              La joyita que les presento hoy es el Preludio del acto III de la ópera Lohengrin que antecede la famosa marcha nupcial que se toca en cuanto matrimonio hay. La energía de la música, especialmente de los bronces, es de una alegría fantástica que aviva cualquier entusiasmo frente al magno evento de la entrada a la cámara nupcial y del final, en que las cosas vuelven a su orden natural, obviando naturalmente el lamentable episodio final de la separación de los esposos.

              Espero que en 03:00 minutos disfruten de esta maravilla:

Que tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 208. Jean-Baptiste Lully. Le Carrousel du Roi

La mujer es para el hombre un horizonte donde se unen el cielo y la tierra.

Ludwig Börne.

Estimados amigos:

              No tengo clara cuál es la relación de ideas que hice, pero pensando que hoy se celebra el día de la mujer y que a la señora de un querido amigo le fascinan los carruseles, me acordé de esta joyita musical que les ofrezco hoy.

              ¿Cuál es el origen de este juego y de dónde deriva su nombre?

              Durante las cruzadas, al parecer, los árabes inventaron un método de entrenamiento para su caballería ligera,  invento que rápidamente fue asimilado por los europeos, consistente en caballeros de madera montados, suspendidos en vigas soportadas por una columna central, los que eran movidos por fuerza humana o animal, y el entrenamiento consistía en atacarlos con lanzas y espadas de madera. De ahí que “carrusel” derivaría del término napolitano garolsello, que significa pequeña batalla.

              En Francia el cuento es un poco distinto. El Carrousel es un  espectáculo ecuestre importado justamente de Italia, el que vino a reemplazar a los torneos, prohibidos por Catalina de Médicis tras la muerte accidental en uno de ellos de su marido el rey Enrique II en 1559.

El rey Luis XIV, aprovechando en nacimiento de Luis su primogénito, y con el objeto de impresionar no sólo a la nobleza sino que a todo el pueblo de París, organizó un Carrousel tremendamente fastuoso que, duró dos días, en los jardines de las Tuillerías, a partir de lo que hoy, justamente se llama la Place du Carrousel, frente a la pirámide de cristal del Louvre y donde está emplazado el Arc de Triomphe du Carrousel.  Fue la última gran fiesta de esta naturaleza realizada en París puesto que las posteriores lo fueron en Versailles. El Rey encabezaba la cuadrilla de los romanos y vestía una tenida de general romano de oro y plata, reforzando así su imagen de Rey Sol. De  ahí que otra teoría del nombre derivaría de las palabras latinas Carrus- carro y solis-sol.

Pues bien, la música no pudo estar ausente. Para estos efectos el rey hizo el encargo a Jean Baptiste Lully, italiano que llegó a Francia a los 10 años de edad y culminó su carrera musical siendo nombrado Superintendente de la Música de Su Majestad.

Para esta ocasión, Lully, haciéndose cargo de la extravagancia y fastuosidad que pretendía el rey, para el inicio de las fiestas compone una fanfarria, esto es, una pieza corta de gran energía y brillo, tocada por una banda de instrumentos de la familia de los bronces y, en este caso se le suman oboes y percusión. Es un logro perfecto de alegría, entusiasmo y júbilo ante  la tremenda expectativa que prometen estos juegos ecuestres en los que el protagonista es el propio Rey.

Espero que en 03:12 minutos disfruten de esta joyita musical:

Que tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 207. Tchaikovsky. Obertura 1812.

El coraje no es tener la fuerza para seguir; es seguir cuando no tienes fuerza.

Napoleón Bonaparte

Estimados amigos:

              Quienes han seguido mis Páginas Musicales desde hace algún tiempo, se habrán percatado que las joyitas que les ofrezco duran más o menos 5 minutos, con dos excepciones: la página N° 1, que contenía el Triple Concierto y la Fantasía para piano coro y orquesta, ambos de Beethoven, y la página N°  113, con el Concierto N° 5 para piano y orquesta, también de Beethoven. Pero toda la semana he tenido en la cabeza una obra que me ha perseguido a toda hora y, a pesar de durar 16 minutos y no 5, la compartiré con ustedes. Se trata de la Obertura 1812, de Piotr Ilich Tchaikovsky.

              Es una joyita musical que me entró en el alma en mi más tierna infancia y la aprendí a escuchar gracias a mi hermano mayor, Juan, quien ponía en el tocadiscos cuatro pequeños discos 45 rpm de color rojo obscuro, cantidad necesaria para contener la obra completa. En el reverso estaba el Capriccio Italiano, del mismo autor.

              El nombre de la Joya Musical que les ofrezco hoy no es antojadizo. Recordarán que Napoleón Bonaparte invadió Rusia con resultados fulminantemente exitosos al comienzo de la campaña, la que a fin de cuentas resultó en un desastre, incluyendo el famoso incendio de Moscú. Esto ocurrió en 1812 y para su conmemoración, se le encargó a nuestro compositor una obra para celebrar la victoria de Rusia. De ahí su nombre. El resultado de la composición fue notable, con al menos dos particularidades que frecuentemente se pasan por alto.

              La primera de ellas es la orquestación. Un querido amigo, Harald Börger (Q.E.P.D.) me advirtió hace muchísimos años que son tres los hitos que cambiaron sustancialmente la orquestación sinfónica: Beethoven, Tchaikovsky y Ravel. La orquestación de esta partitura es notable, con una orquesta tremenda, la que incluye, además, coro, campanas y cañones, si, 16 cañonazos al final de la obra.

              La otra particularidad es la capacidad descriptiva. Escuchar esta obra es como escuchar un relato hablado:

              La obra comienza con una melodía religiosa, rememorando el hecho que la invasión napoleónica fue informada al pueblo a través de las iglesias en los servicios religiosos, melodía que va tomando fuerza en la medida que la nefasta noticia se expande. En el minuto 02:42 entra el pánico en la población al avizorarse las primeras topas invasoras, pánico que se extiende como reguero de pólvora, mientras las fuerzas rusas se preparan para el combate. En el minuto 04:00 ambos ejércitos están frente a frente. En el minuto 04:17 comienza el movimiento para el enfrentamiento y la melodía de La Marsellesa indica el triunfo de los franceses. Una triste melodía popular rusa le sigue indicando la retirada de los invadidos dejando la tierra asolada. En el minuto 05:13 se describe la persecución de las fuerzas rusas por parte de los franceses y en el minuto 05: 47 se produce un nuevo enfrentamiento, esta vez una gran batalla. Nuevamente la Marsellesa indica el triunfo de los invasores. En el minuto 07:05, el compositor describe  la  desolación más absoluta en el que fuera el campo de batalla, de manera tal que parte  el alma. En el minuto 08:48 introduce una canción folclórica rusa indicando que los invadidos no se han rendido y siguen con ánimo de luchar. En el minuto 09:23, las tropas, esta vez a las puertas de Moscú, se aprestan y entran combate y nuevamente la Marsellesa indica la victoria francesa. En el minuto 10:55 otra vez describe el campo asolado después de la batalla. En el minuto 11:46 los franceses se preparan para dar el golpe de gracia y ocupar Moscú, pero se encuentran con una ciudad incendiada (sus construcciones eran en su mayoría de madera) y con fuerte resistencia, lo que es descrito con una triunfante Marsellesa que se va debilitando a lo largo del combate entre los cañonazos que recibe, hasta que en el minuto 13:35 desaparece la Marsellesa y, sobre el tema inicial de la obra, sobresale el himno ruso Dios Salve al Zar, resaltando esta victoria, además, con cañonazos y repique de campanas. Culmina la obra con un ataque final de los rusos.

              No es  un relato estrictamente histórico pero es magnífico.

              Francamente espero que se den el tiempo de disfrutar de esta verdadera joya musical en 16:10 minutos:

  Que tengan un hermoso fin de semana,

              Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 206. Christoph von Gluck. Orfeo y Eurídice. La Danza de los Espíritus Benditos.

La música calma a las bestias.

Anónimo

              Estimados amigos:

              Antes de entrar en materia, un par de palabras acerca de la frase de hoy. Tiene su origen en la Grecia antigua. Según la leyenda Orfeo era hijo del dios Apolo y de Calíope, la musa de la poesía narrativa. Se decía que con el sonido que obtenía de la lira (habría aumentado el número de cuerdas de este instrumento de 7 a 9) y con la belleza de su voz, lograba calmar a las bestias más feroces.

              Me acuerdo que siendo niño, leí un texto referido a unos exploradores belgas que, en África, a principios del siglo pasado, en un momento dado se encontraron rodeados por unos aborígenes de actitud sumamente agresiva. Ante la amenaza y sin posibilidad alguna de defenderse, uno de los exploradores tomó la iniciativa de darle cuerda a un fonógrafo que llevaban y puso un disco con música de Bach. Santo remedio… los aborígenes quedaron pasmados y su actitud agresiva desapareció mientras escuchaban maravillados el sonido del fonógrafo. La música les salvó la vida.

              La joyita que les presento hoy no es de Bach sino que de Christoph von Gluck. Es música de la ópera Orfeo y Eurídice, en el momento en que Orfeo se interna en el Hades en busca de su Eurídice, que le  ha sido arrebatada por la muerte, y se encuentra con los espíritus benditos. Es una pequeña sección instrumental del acto segundo, soporte de un breve ballet. Pero lo más notable de esta versión es la capacidad interpretativa de Jean Pierre Rampal en su calidad de solista en su flauta traversa. Obviamente, va mucho más allá de lo escrito en la partitura y logra una profundidad única, transmitiendo sentimientos indescriptibles.

              Curiosamente, no obstante estar catalogada entre las maderas por ser este su material de origen, la mayoría de las flautas traversas modernas son de metal. Las mejores son de plata. Sin embargo la flauta de Jean Pierre Rampal era de oro. Tuve la suerte, hace muchísimos años, de asistir a un concierto de este virtuoso en el Teatro Pedro de Valdivia y me sorprendió que lograba un sonido redondo y melodioso, nunca estridente. Es justamente lo que podrán apreciar en esta joyita musical que les ofrezco en los siguientes 03:44 minutos:

Que disfruten y tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 205. Antonín Dvořák. Danza Eslava N° 2.

Más mueven los ejemplos que las buenas palabras.

Séneca

Estimados amigos:

              Ya nos referimos en páginas anteriores a que diversos compositores, especialmente en el Romanticismo, recurrieron a melodías del folclor como inspiración. Así lo hicieron, entre otros, Beethoven, Chopin y Brahms. Beethoven compuso sus Danzas Alemanas, Chopin sus Polonesas y Brahms sus Danzas Húngaras. Pero Dvořák no se limitó geográficamente como los anteriores … compuso sus Danzas Eslavas.

              Actualmente, lo que en términos territoriales y culturales no difiere mayormente de lo que era en tiempos de nuestro compositor, los países de lenguas de origen eslavo son, al norte, Republica Checa, Eslovaquia, Polonia, Ucrania y Rusia, y por el sur Eslovenia, Croacia, Bosnia y Herzegovina, Serbia y Bulgaria. Entre ambos, un corredor de por  medio constituido por Rumania, Hungría y Austria, que va desde en Mar Negro hasta el resto de Europa Occidental. Como podemos apreciar, la fuente de inspiración  a la que recurrió Dvořák es mucho mayor que la de sus antecesores.

Estas Danzas Eslavas constituyen unas de las primeras obras de Antonín Dvořák y, dubitativo en cómo enfrentarlas, utilizó como modelo las Danzas Húngaras de Brahms. Sin embargo, a diferencia de este último, quien se sirvió en varias oportunidades de melodías húngaras, nuestro compositor se limitó a usar los distintos ritmos del folclore eslavo en melodías originales de su autoría.

              La Joyita Musical que les ofrezco hoy es una Dumka, una balada Ucraniana que se anuncia de carácter lento, pensativo y melancólico. En el minuto 02:04 hay un  cambio de ritmo hacia algo más épico y misterioso, el que se desarrolla hasta volver a su ritmo y melodía iniciales a contar del minuto 03:55.

              No quiero dejar pasar la oportunidad de recordarles que, no obstante que las flautas traversas son de metal, incluso plata y oro, están consideradas en la familia de las maderas. Originalmente eran de madera y aún en la actualidad se fabrican de este noble material, como podrán apreciar claramente en el minuto 02:43.

              La música de esta página creo que es una verdadera joyita musical, que espero disfruten en cortos 05:30 minutos:

Que tengan un buen fin de semana,

Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 204. Ruperto Chapí. Zarzuela El Tambor de Granaderos. Obertura.

El tedio, fruto de la triste falta de curiosidad.

Charles Baudelaire

Estimados amigos

              En una reunión en casa de amigos había una pareja que se ufanaba de su reciente viaje a Europa. Hablaban maravillas de Madrid, Barcelona, Granada y otras ciudades de España. Después de un largo rato, no faltó el francés (yo) que les preguntó cuándo habían pasado a Europa, haciéndose eco del dicho que reza “Europa termina en los Pirineos”. Era una broma, pesada pero broma a fin de cuentas.

              Es que la historia en cierta manera avala el dicho. Los árabes musulmanes ocuparon la Península Ibérica por casi 800 años, desde +- el año 711, cuando comenzó la conquista del territorio de España y Portugal, hasta 1492, año en el que los Reyes Católicos anexan Granada a la Corona de Castilla y expulsan definitivamente a los moros de la Península Ibérica. Con este antecedente, sería tratar de tapar el sol con un dedo tratar de negar la influencia árabe en la cultura española. Y no sólo la española sino que de toda Europa … nos trajeron el álgebra, la astronomía, la numeración arábica, dentro de la cual el número cero con sus inconmensurables consecuencias, el papel, la pólvora y un largo etc.

              Así como el Imperio Romano se expandió en forma importante desde que asumió Augusto César y Roma dejó de ser una República y entraba en plena decadencia, en mi opinión, algo similar pasó con la cultura árabe con la llegada de Mahoma y el Islam. Pero ese es otro cuento.

              En la actualidad, España está plenamente integrada a Europa, no obstante mantener su identidad y cultura propia. En la mal llamada música clásica,  por ejemplo, tenemos grandes compositores que han sido inspirados por ritmos de origen árabe pero también los tenemos de inspiración netamente europea. Bien sabemos que la ópera no es un género musical en el que los compositores españoles se destaquen, sin embargo, tienen la Zarzuela, una forma de música teatral que se caracteriza por contener partes instrumentales, partes vocales (solistas y coros) y partes habladas. Asimilable a la Opéra – Comique francesa aunque muy anterior a ésta, no se trata de un drama y es mucho más liviana tanto en los libretos como en su música.

              La joyita musical que les presento hoy corresponde a la obertura de la zarzuela El Tambor de Granaderos, del compositor Ruperto Chapi compuesta estrenada en 1894 y no  obstante pertenecer a este género musical y netamente española, su ritmo festivo, melodías y armonías pertenece a la típica música europea.

              Espero que dispongan de 05:16 minutos y que disfruten de esta joyita musical :

  Que tengan un buen fin de semana,

              Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 203. Johannes Brahms. Danza Húngara N° 5

El artista es mediocre cuando razona en lugar de sentir.

Gustave Le Bon

              Queridos amigos

              Permítanme llevarlos al final de la década de 1960 y comienzos de la década de 1970. Época intensa en muchas actividades, al menos en Chile se ponía de moda la música folklórica y, aprovechándose de ésta, muchos artistas la usaron para inspirarse en nuevas composiciones que llamaron neo folclore. Guardando las proporciones, algo así pasó en Europa en la segunda mitad del siglo XIX, ya en plena revolución industrial, habiendo cambiado ésta completamente a la sociedad europea. Los conciertos ya no eran sólo para la nobleza sino que los acaudalados nuevos burgueses, así como los empresarios y sus familias comenzaron a asistir a los conciertos

              Es así que los músicos ya no eran empleados de un noble con la obligación de componer lo que éste le encargaba sino que, a cambio de esta inseguridad económica, se tomaron la libertad de componer lo que les parecía. En este orden de ideas, con la sensibilidad propia de su naturaleza, con frecuencia se rebelaban ante esta industrialización de casi todo y, añorando la paz de la vida sencilla que aún se mantenía en las aldeas, las miraban como fuente de inspiración. Tanto es así, que muchas veces recurrieron a melodías tradicionales y folclóricas en las que inspiraron sus composiciones. Ejemplos de esto son las Danzas Alemanas de Mozart, de Beethoven, de Schubert, así como las Danzas Húngaras de Johannes Brahms, las que traen un interesante aire gitano.

              Brahms compuso 21 Danzas Húngaras. Él estimaba que esta música no era propia sino que recopilada, de manera que siempre se opuso a que se incluyeran en algún catálogo junto con las obras de su autoría. Las compuso todas para piano a cuatro mano, algunas de las cuales transcribió para piano solo y otras para orquesta.

              La joyita que les ofrezco hoy es la Danza Húngara N° 5, en transcripción para orquesta de Antonin Dvorak, otro genio musical, alguna de cuyas obras ya tendremos la oportunidad de escuchar, al margen de la que les presenté en mi página 95.

              Espero que en breves  2:31 minutos disfruten de esta joyita musical:

Que tengan un buen fin de semana,

              Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 202. Franz von Souppé. Caballería Ligera. Obertura.

Lo mejor de la vida son las ilusiones de la vida.

Honoré de Balzac

Estimados amigos:

              Ya pasaron las fiestas de fin de año, con toda su nostalgia y sus ritos y el nuevo año está en curso, con todos sus temores e ilusiones. Esto me trajo a la memoria la joyita musical que les presento hoy. Se trata de la Obertura de la opereta de Franz von Souppé llamada Caballería Ligera. Si bien es cierto que esta obra se desarrolla entre intrigas de corte y que el nombre corresponde a una compañía de ballet en el libreto, no es menos cierto que esta música retrata perfectamente lo que es una unidad militar de esta naturaleza.

              A diferencia de la Caballería Pesada que habitualmente era blindada y entraba en directo combate con el enemigo, la Caballería Ligera estaba débilmente protegida y armada, destacándose por su velocidad, muy útiles en misiones de reconocimiento, emboscadas y asaltos sorpresivos cortos y de gran energía, de manera de causar el mayor daño y retirarse antes que el enemigo se recuperara del desconcierto.

              La obra comienza con un toque de alerta del clarín (trompeta en este caso) toque que cierran los bronces. Sigue una repetición del tema por parte de los bronces ahora llamando a agrupar las tropas, cosa que hacen y al minuto 01:51 empiezan a ordenarse rápidamente. Al minuto 02:26 empiezan a evolucionar al galope corto y se  preparan y forman para iniciar su misión. Al minuto 03:38, las tropas están formadas, listas y esperan tranquilas la orden de actuar, con un silencio enorme que es puesto en evidencia con un solo del clarinete y luego con el conjunto de las cuerdas. En el minuto 05:24 las trompetas, a las que se suman los demás bronces, indican el inicio de la marcha repitiendo el tema del galope corto, culminando así con la salida de las tropas.

              El cuento del párrafo anterior no tiene que ver con nada y es solamente de mi cosecha, pero lo encuentro entretenido y muy ad-hoc con un comienzo de año, en el que es bueno encontrarse liviano, ligero y con ánimo de ser ágiles en lo que nos entretiene y nos interesa. Son mis deseos para todos ustedes en este año que ya comenzó.

              Espero que en 06:48 minutos disfruten de esta joyita musical:

      Que tengan un buen fin de semana,

              Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 201. Gabriel Fauré. Cantique de Jean Racine.

La verdad puede más que la razón.

Sófocles

Estimados amigos:

              No es fácil encontrar música de Navidad de calidad que no esté manoseada y sobreexpuesta. Sin embargo, sí hay música que, sin proponérselo tal vez, transmite algunos de los valores que encarnan esta festividad religiosa. A fin de cuentas, son valores de nuestra humanidad. Más aún cuando brotan del alma de un joven adulto de 19 años, con toda la energía y convencimiento propios de esa edad. Es la joyita que elegí para hoy, en vísperas de esta Navidad.

              Se trata del “Cántico de Jean Racine”, con letra de Jean Racine, uno de los grandes dramaturgos del clasicismo francés (1639 – 1699), quien hizo una paráfrasis de un himno del Breviario Romano. Siglos después, Gabriel Fauré  tomaría este texto en 1865 para musicalizarlo en forma magistral.

              Si bien es cierto que no es música de Navidad, la paz que irradia es insuperable, valor fundamental en estas fechas en torno a la Navidad. Más aún que es no una obra para solista instrumental ni vocal sino que para coro, incluyendo así a toda la humanidad.

              Espero que dispongan de 05:00 minutos de recogimiento y disfruten en su fuero íntimo de esta joyita musical:

 Que tengan una feliz Navidad,

              Francisco Sève Allamand

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Página Musical N° 200. Schubert - Liszt. Ave María.

La música es un arte que está fuera de los límites de la razón, lo mismo puede decirse que está por debajo como que se encuentra por encima de ella.

Pío Baroja

              Estimados amigos

              Todos, cual más cual menos, conocemos el famoso Ave María de Franz Schubert. Se le canta en cuanta ceremonia religiosa se ha inventado y es un himno ceremonial por excelencia. Con distintos arreglos, letras e idiomas es un verdadero hit de la música católica. Pero su origen jamás tuvo esa pretensión. Veamos. El compositor de esta verdadera joya fue Franz Schubert, un joven músico austríaco que vivió en Viena a la sombra de Beethoven, por lo que en vida, nunca se estrenó alguna de sus magníficas obras orquestales. Compositor romántico, fue un adelantado de la canción moderna, siendo enorme su producción de Lieder, canciones breves sobre innumerables temas.

              Y aquí nace, justamente este famoso Ave María. Schubert compuso un ciclo de canciones llamado La Dama del Lago, ambientado en las Altas Tierras de Escocia, entre las luchas delos clanes escoceses,  basado en un poema épico de Walter Scott. Es en estas circunstancias que la hija de un jefe de un clan rebelde refugiado en las montañas,  le canta una súplica a la Virgen implorando su ayuda frente al enemigo, en el evento que el clan de su padre sea derrotado y arrojados por los acantilados. Este Lied es el que da origen a la joyita de hoy, cuya letra no tiene nada que ver con la liturgia religiosa.

              Nadie sabe para quién trabaja y, así como esta bella canción fue apropiada por la religión, otro genio compositor se apropió también de ella escribiendo una página memorable, haciendo suya la música y olvidándose totalmente del texto, todo lo cual pone aún más en relieve la genialidad de ambos músicos. Me refiero a Franz Liszt. En el original, Schubert encarga al piano el acompañamiento de la canción (hay arreglos para orquesta y de todo tipo), el que cumple con su cometido con una interminable sucesión de breves acordes, pero siempre sometidos a la melodía de la canción, la que, a su vez, está condicionada a la letra. No es lo que sucede con la versión de Liszt, en que si también comienza con estos acordes, la música es un todo en la que el piano se abastece a si mismo en función de la melodía y su desarrollo, pasando a hermosos arpegios que soportan el cantus firmus, para evolucionar a un acompañamiento de escalas brillantes y volver a los acordes iniciales, para cerrar con unas hermosas y suaves escalas.

              Espero que dispongan de unos breves 05:16 minutos y disfruten esta maravilla:

  Que tengan un buen fin de semana,

              Francisco Sève Allamand