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The Blue Side of Jazz - Joe Pass (2006)

Joe Pass - The Blue Side of Jazz (2006 documentary)

https://www.youtube.com/watch?v=J5wOdikpRu8

Jazz sheet music download.

00:00 blues 01:18 "hello fellow guitarists" 03:12 ending a tune 05:38 12 bar blues 06:18 V ↔ I 06:53 half step above I (♯I ~ V) 07:58 half step above IV (♯IV ~ I) 08:42 half step below I (bI7 → I) more specifically (bI13b9 → I) 10:00 “On the guitar, a lot of playing is with forms and continuity” 10:37 half step above IV (♯IV → IV), here using ♯IV13 11:19 half step above IV (♯IV → IV), but changing the root to the b5 (which is the I) 11:56 IV → IV♯dim (IV♯dim ~ (bI13b9) 13:22 turnaround: C9 B7 E7 Am11 D7 G7 (keeping a common tone—the note D) 14:28 12 bar blues (basic) 15:02 12 bar blues (with more subs) 15:58 12 bar blues (with other voicings) — many good voicings 17:32 turnaround 18:06 the importance of continuity in chordal improvisation 21:20 12 bar blues (with voice leading and pedal tones) 22:52 “I'm using a lot of the same grips, they're bar forms. They're chords that all guitar players learn and know” 23:53 12 bar blues 24:20 dom7 ↔ m7 25:10 +examples 25:33 the importance of common tones (in changes) 26:47 “Always count 1, 2, 3, 4. I don't know why” 😂 26:53 12 bar blues 27:07 moving chords down chromatically (C13 B13 Bb13/E A13) 27:46 “you can always move chords either chromatically or through a cycle” 28:35 variation (moving down chromatically) 29:30 12 bar blues (with many 251s), 50s/60s style 30:27 same above 30:57 blues 50s style 31:55 alternative version 33:14 again 33:52 pinky chordal movement (I IV V anchored in I) 34:12 don't do things that break the flow of music 34:47 most guitar greats use mainly simple barred forms 36:09 lines that come from simple forms 37:06 “don't play any chords with four fingers that you can play with two or one” 41:52 another blues variation 42:27 using diminished chords as dom7 chords 43:01 another blues 45:50 Joe checking why his lick wasn't working 49:59 another blues Read the full article

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Philip Glass: les 100 musiciens les plus inspirants de tous les temps

Philip Glass: les 100 musiciens les plus inspirants de tous les temps Please, subscribe to our Library. Thank you! Téléchargement des meilleures partitions dans notre bibliothèque. Philip Glass - Metamorphosis | complét METAMORPHOSIS ONE - Philip Glass (with sheet music) Philip Glass bio

Philip Glass: les 100 musiciens les plus inspirants de tous les temps

Philip Glass (né le 31 janvier 1937 à Baltimore, Maryland, États-Unis) est un compositeur américain de musique instrumentale, vocale et lyrique innovante, qui a diversement utilisé des éléments minimalistes, atonaux et non occidentaux, dans son travail.

Philip Glass a étudié la flûte dans son enfance et s'est inscrit à l'âge de 15 ans à l'Université de Chicago, où il a étudié les mathématiques et la philosophie et a obtenu son diplôme en 1956. Son intérêt pour la musique atonale l'a amené à étudier la composition à la Juilliard School of Music (M.S., 1962 ) à New York, puis à Paris pour étudier avec Nadia Boulanger. Sa rencontre là-bas avec le sitariste indien Ravi Shankar a influencé de manière décisive le style de composition de Glass, et il a temporairement abandonné des qualités formelles traditionnelles telles que l'harmonie, tempo et mélodie dans sa musique. Au lieu de cela, il a commencé à créer des pièces d'ensemble dans un style monotone et répétitif, ces œuvres consistaient en une série de rythmes syncopés ingénieusement contractés ou prolongés dans une structure diatonique stable. Une telle musique minimaliste, jouée par un petit ensemble utilisant un clavier et des instruments à vent amplifiés électroniquement, a valu à Glass un public restreint, mais enthousiaste à New York à la fin des années 1960. L'opéra Einstein on the Beach (1976) de Philip Glass, composé en collaboration avec Robert Wilson, lui a valu un succès plus large ; ce travail a montré un regain d'intérêt pour les éléments harmoniques occidentaux classiques, bien que son intérêt pour les changements rythmiques et mélodiques surprenants soit resté le moteur de l'œuvre élément le plus dramatique. L'opéra Satyagraha (1980) de Glass était une représentation plus authentiquement « opératique » des incidents de la jeunesse de Mohandas K. Gandhi. Dans cette œuvre, la répétition bourdonnante de séquences d'accords symétriques atteint un pouvoir obsédant et hypnotique bien accordé aux thèmes religio-spirituels du livret, adapté de l'écriture hindoue la Bhagavadgītā. L'opéra The Voyage (1992) a eu des critiques mitigées, mais le fait qu'il ait été commandé par le New York Metropolitan Opera (pour commémorer le 500e anniversaire de l'arrivée de Christophe Colomb dans les Amériques) a confirmé l'acceptation croissante de Glass par la musique classique. établissement.

Philip Glass - Metamorphosis | complét

https://www.youtube.com/watch?v=M73x3O7dhmg&t=7s "Metamorphosis One" – 00:00 "Metamorphosis Two" – 06:54 "Metamorphosis Three" – 13:59 "Metamorphosis Four" – 19:09 "Metamorphosis Five" – 26:29 'Metamorphosis' (1988), fait référence à la nouvelle de 1915 La Métamorphose de Franz Kafka et s'en inspire. Alors que toutes les pièces ont été écrites en 1988, certaines ont été écrites pour une mise en scène de Metamorphosis, tandis que d'autres étaient pour un film documentaire intitulé The Thin Blue Line réalisé par Errol Morris. 'Metamorphosis One' est joué dans un épisode de Battlestar Galactica par Kara 'Starbuck' Thrace. Dans le récit, son père a composé et interprété la pièce. Il est également joué dans la finale de la série Person of Interest, Return 0. 'Metamorphosis Two' a constitué la base de l'un des principaux thèmes musicaux du film The Hours. C'est aussi la chanson que le groupe de rock américain Pearl Jam utilise comme musique d'introduction aux concerts.

METAMORPHOSIS ONE - Philip Glass (with sheet music)

https://vimeo.com/474699463

Philip Glass bio

Il est né en 1937 et a grandi à Baltimore. Il a étudié à l'Université de Chicago, à la Juilliard School et à Aspen avec Darius Milhaud. Se trouvant insatisfait d'une grande partie de ce qui passait alors pour la musique moderne, il s'installe en Europe, où il étudie avec la légendaire pédagogue Nadia Boulanger (qui a également enseigné à Aaron Copland, Virgil Thomson et Quincy Jones) et travaille en étroite collaboration avec le virtuose du sitar et compositeur Ravi. Shankar. Il est retourné à New York en 1967 et a formé le Philip Glass Ensemble - sept musiciens jouant des claviers et une variété de bois, amplifiés et alimentés par une table de mixage. Le nouveau style musical que Glass développait a finalement été surnommé «minimalisme». Glass lui-même n'a jamais aimé le terme et a préféré parler de lui comme d'un compositeur de « musique aux structures répétitives ». Une grande partie de ses premiers travaux était basée sur la réitération prolongée de fragments mélodiques brefs et élégants qui se tissaient dans et hors d'une tapisserie sonore. Ou, pour le dire autrement, il plongeait l'auditeur dans une sorte de météo sonore qui se tord, tourne, entoure, se développe. Il n'y a rien de « minimaliste » dans sa production. Au cours des 25 dernières années, Glass a composé plus de vingt-cinq opéras, petits et grands ; douze symphonies, treize concertos; des bandes sonores de films allant de nouvelles partitions pour les classiques stylisés de Jean Cocteau au documentaire d'Errol Morris sur l'ancien secrétaire à la Défense Robert McNamara; neuf quatuors à cordes ; un nombre croissant d'œuvres pour piano solo et orgue. Il a collaboré avec Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma et Doris Lessing, entre autres. Il présente des conférences, des ateliers et des performances de clavier solo dans le monde entier et continue de se produire régulièrement avec le Philip Glass Ensemble. Read the full article

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John Mayall - The Laws Must Change (Music Scene, 1970)

John Mayall - The Laws Must Change (Music Scene, 1970) Sheet Music

https://www.youtube.com/watch?v=UzmqxTBaNyI Singer, harmonica player, guitarist, organist, songwriter, and bandleader John Mayall was born Nov. 29 1933 in Macclesfield, Cheshire, England. A major force in the blues world since he formed the first version of the Bluesbreakers in 1963, Mayall has utilized everyone from Eric Clapton to Blue Mitchell in his projects.

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100 Progressive Studies, Op.139 – Carl Czerny (No. 16 to 20) sheet music, Noten

100 Progressive Studies, Op.139 – Carl Czerny (No. 16 to 20) sheet music, Noten

https://dai.ly/x8fvc30

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Symphonie Nr. 6 in h-Moll, Op. 74 (Pathetisch) – Tschaikowsky (Thema – Leichtes Klaviersolo)

Symphonie Nr. 6 in h-Moll, Op. 74 (Pathetisch) – Tschaikowsky (Thema – Leichtes Klaviersolo)

https://vimeo.com/755624167

Kurze Biographie von P.I. Tschaikowsky

Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky wurde 1840 geboren und starb 1893. Er ist ein russischer Komponist und der Sohn seiner künstlerischen Epoche, der Romantik. Er beschäftigte sich mit vielen Genres: Sinfonien, Opern, Balletten, Instrumentalmusik, Kammermusik und Liederzyklen. Unter diesen Werken ragen zweifellos seine Ballette heraus. Er schuf zahlreiche Werke, die heute zum Repertoire gehören: Schwanensee, Dornröschen, Der Nussknacker. Im symphonischen Aspekt stehen seine Sinfonien, insbesondere die letzten drei, von der vierten bis zur sechsten. In der Konzertmusik heben wir sein erstes Klavierkonzert oder sein Violinkonzert hervor. Zu seinen Opern gehört natürlich Eugen Onegin. PI. Tschaikowsky wurde in eine bürgerliche Familie hineingeboren. Schon in jungen Jahren zeigte er ein frühreifes Talent für Musik. Seine Eltern erkannten dies und meldeten ihn im Alter von 5 Jahren zum Klavierunterricht an. Drei Jahre später konnte er besser vom Blatt lesen als sein eigener Lehrer. Später rieten ihm seine Eltern jedoch davon ab, als sie sahen, dass sein Sohn eine Musikkarriere einschlagen würde. Als es an der Zeit war zu studieren, drängten sie Tschaikowsky, Jura zu studieren, mit der Absicht, dass er Beamter werden würde, was der bürgerliche Wunsch der Familie war. Im Alter von 14 Jahren stirbt seine Mutter an Cholera, eine Tatsache, die bei dem jungen Privatdetektiv ein Trauma hervorruft. Tschaikowsky. Trotz seines Jurastudiums aufgrund der elterlichen Verpflichtung bleibt Tschaikowsky mit der Musikwelt seiner Heimatstadt St. Petersburg in Kontakt. Nach seinem Abschluss begann er im Alter von 19 Jahren, Musiktheoriekurse bei Professoren der Russischen Musikgesellschaft wie Zaremba oder Rubinstein zu besuchen. Kurz darauf beschloss er, seine Karriere als Beamter aufzugeben und sich ganz der Musik zu widmen. Ab 1867, im Alter von 27 Jahren, begann er regelmäßig zu komponieren, seine Werke wurden prompt uraufgeführt und in das Repertoire aufgenommen. Allerdings bescherte ihm sein Ruhm Eifersuchtsprobleme mit anderen Musikern und Komponisten. Darüber hinaus hat P.I. Tschaikowsky begann, seine Homosexualität in Frage zu stellen. In einer Gesellschaft, in der Homosexualität eindeutig stigmatisiert war, war es für einen Komponisten seines Ruhms nicht einfach, sie zu verinnerlichen. Zu dieser Zeit beschließt Tschaikowsky, einen Studenten seiner Komposition zu heiraten. Die Ehe scheitert völlig und der Komponist gerät in eine tiefe Depression. Er beschließt, Moskau zu verlassen und beginnt damit seine jahrelange Pilgerreise. Dank der finanziellen Unterstützung einer Mäzenin, Nadezhda von Meck, reist er unter anderem durch Europa, Deutschland und Frankreich sowie durch das ländliche Russland. 1884 reiste er müde vom Reisen und kehrte nach Russland zurück, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 1893 blieb. Zu dieser Zeit genoss er trotz seiner emotionalen Probleme (vor allem aufgrund seiner Sexualität) große öffentliche und kritische Anerkennung. Tschaikowskys Musik Tschaikowskys Musik repräsentiert Russlands Verbindung zur westlichen Tradition der Romantik. Zur Zeit Tschaikowskys etablierte Russland seine Identität als Land. Eine Gruppe von Komponisten, die sogenannte Fünfergruppe, befürwortete die Schaffung authentisch russischer Musik, also Musik ohne Bezug zur klassischen europäischen Tradition, ohne Bezug zu Komponisten wie Beethoven, Brahms oder Wagner. Diese Gruppe wollte Musik, die eher aus den Quellen der russischen Folklore als aus der tonal-harmonischen Musik des Westens schöpfte. Tschaikowsky identifiziert sich nicht mit dieser Position und tatsächlich ist sein Verhältnis zu dieser Gruppe zwiespältig, geprägt von Ablehnung und Anerkennung zugleich. Während seiner Pilgerjahre kam Tschaikowsky mit der Musik von Brahms, Beethoven und anderen Komponisten seiner Zeit in Kontakt. Er kennt diese Musik aus erster Hand und integriert sie in seinen Stil. Es stellt den am stärksten verwestlichten Zweig der romantischen russischen Musik dar. Das soll nicht heißen, dass Tschaikowsky russische Musik überhaupt ablehnt; vielmehr verwendet er viel Volksmusik. Denken Sie daran, dass er einen Teil seiner Pilgerjahre im ländlichen Russland verbringt. Aus technischerer Sicht kann man sagen, dass Tschaikowsky ein großer Experimentator war. Einige Autoren sahen in ihm einen Komponisten, der alle Aspekte der Komposition außer der Form beherrschte. Aber das ist nicht wahr. Er führte formale Innovationen ein, die in vielen seiner Werke zu sehen sind, darunter auch in der Sechsten Symphonie. PI. Tschaikowsky verwendete unregelmäßige und ungewöhnliche Taktarten (siehe den zweiten Satz der Sexte im 5/4-Takt); er verwendete das Metrum auf sehr ausdrucksstarke Weise; seine Art der Harmonisierung ist kühn und zu seiner Zeit innovativ; sein Sinn für Orchesterfarben ist äußerst originell und inspirierte andere Komponisten der nächsten Generation (denken Sie an Strawinsky und seine frühen Ballette); seine melodischen Fähigkeiten sind erstaunlich (siehe melodische Analyse unten). Die Entstehung der Symphonie „Pathétique“ Die Sechste Symphonie entstand Anfang 1893. Es ist bekannt, dass Tschaikowsky einen ersten Entwurf zerrissen hatte, sich aber geschworen hatte, „dass ich dieses Mal durch Willenskraft fertig werden würde“. Im Oktober 1893 liefert er die erste Fassung ab und beginnt mit der Vorbereitung der Fassung für zwei Klaviere. Der Titel, den Tschaikowsky Pathétique vorschlägt, legt nahe, dass hinter der Symphonie ein Programm steckt. Der Komponist hält jedoch das Geheimnis dieses Programms aufrecht. Es handelt sich eindeutig um eine Symphonie, die mehrere Lesungen zulässt. Einige Autoren betrachten es als Ventil für ihre unterdrückte Homosexualität. Offenbar hatte Tschaikowsky eine platonische Beziehung zu niemand geringerem als seinem Neffen Bob, dem Widmungsträger der Symphonie. Die Sinnlichkeit, die die Symphonie ausstrahlt, wurde als Sublimierung dieser verbotenen Liebe interpretiert. Es ist niemandem entgangen, dass es in der Symphonie um das Thema Schicksal geht (hier bedeutet das Wort pathétique Emotion und nicht Spott). Die Symphonie scheint die Vorstellung zu fördern, dass wir das Schicksal irgendwie, vielleicht im Rahmen unseres Einfallsreichtums, herausfordern oder sogar darauf wetten können. Wir schwanken zwischen einem klaren Verständnis unseres Schicksals, wie in den Verzweiflungsthemen des vierten Satzes, und blindem Optimismus, wie im Marsch des dritten Satzes, bis hin zu tiefem Mitgefühl für unsere Lage, wie im Thema des Trostes. Die Uraufführung der Symphonie fand nicht die Resonanz, die Tschaikowsky erwartet hatte. Es herrschte eine Art Ratlosigkeit zwischen der Öffentlichkeit und den Kritikern. Sie verstanden seine Bedeutung nicht, vielleicht waren seine formalen Neuerungen (eine Symphonie, die in einem klagenden Adagio endet?) übertrieben. Wenige Tage später stirbt Tschaikowsky an Cholera, weil er ungekochtes Wasser getrunken hat. Es gibt Spekulationen darüber, ob er Selbstmord begangen hat oder sein Leben auf einen Trunk mit dem Schicksal gesetzt hat. Als die Symphonie das nächste Mal gespielt wurde, war sie ein voller Erfolg. Es scheint, dass das Publikum die Symphonie nach seinem Tod verstanden hat. Read the full article

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Nicholas Britell (b. 1980) Succession (Piano Solo arr. sheet music)

Nicholas Britell - Succession HBO TV Series (Piano Solo arr.) sheet music Nicholas Britell (born 1980) Best Sheet Music download from our Library. Please, subscribe to our Library. Thank you!FilmographyAs performer As composer Television

Nicholas Britell - Succession HBO TV Series (Piano Solo arr.) sheet music

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Nicholas Britell (born 1980)

Nicholas Britell (born October 17, 1980) is an American film and television composer. He has received numerous accolades including a Emmy Award as well as nominations for three Academy Awards, and a Grammy Award. He has received Academy Award nominations for Best Original Score for Barry Jenkins' Moonlight (2016) and If Beale Street Could Talk (2018), and Adam McKay's Don't Look Up (2021). He also scored McKay's The Big Short (2015), and Vice (2018). He is also known for scoring Battle of the Sexes (2017), Cruella (2021), and She Said (2022). The HBO original series Succession (2018–2023) marked Britell's entry into television. Britell scored all four seasons, earning the Emmy Award for Outstanding Original Main Title Theme Music in 2019. His score for the second and third season in Succession each earned Primetime Emmy Award for Outstanding Music Composition for a Series nominations in 2020 and 2022. His score for The Underground Railroad was nominated for the Primetime Emmy Award for Outstanding Music Composition for a Limited or Anthology Series, Movie or Special in 2021. His works, as described by Soraya McDonald of Film Comment, "seem to organically straddle accessibility and sophistication in a way that goes beyond the typical programming of a big-city pops orchestra…That might have something to do with the fact that Britell has long had one foot in the world of hip-hop and another in the world of classical music."

Nicholas Britell is a Steinway Artist and a Creative Associate of the Juilliard School. In December 2018, it was announced that Britell would be a part of Esa-Pekka Salonen's newly formed creative collective "brain trust" as Salonen takes the reins as music director of the San Francisco Symphony. Filmography As performer Year Title Director 2008 Eve Natalie Portman As composer Film Year Title Director 2008 New York, I Love You Natalie Portman 2012 Haiti: Where Did the Money Go Michele Mitchell Gimme the Loot Adam Leon 2013 12 Years a Slave (additional music by) Steve McQueen 2015 The Seventh Fire Jack Pettibone Riccobono A Tale of Love and Darkness Natalie Portman The Big Short Adam McKay 2016 Free State of Jones Gary Ross Moonlight Barry Jenkins Tramps Adam Leon 2017 Battle of the Sexes Jonathan Dayton and Valerie Faris 2018 If Beale Street Could Talk Barry Jenkins Vice Adam McKay 2019 The King David Michôd 2021 Cruella Craig Gillespie Italian Studies Adam Leon Don't Look Up Adam McKay 2022 Carmen Benjamin Millepied She Said Maria Schrader Television Year Title Notes 2018–2023 Succession 29 episodes 2021 The Underground Railroad 10 episodes Ziwe Theme music by 2022 Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty 10 episodes Andor 12 episodes Read the full article

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Oscar Peterson LIVE In '63, '64, '65 (Jazz Icons)

Oscar Peterson LIVE In '63, '64, '65 (Jazz Icons) Personnel: Tracklisting: Sweden (1963) Denmark (1964) Finland (1965) Jazz sheet music download. Please, subscribe to our Library. Thank you!

Oscar Peterson LIVE In '63, '64, '65 (Jazz Icons)

https://www.youtube.com/watch?v=_JrIcoFcnjE

Personnel:

Oscar Peterson: piano Ray Brown: bass Ed Thigpen: drums Roy Eldridge: trumpet (Sweden) Clark Terry: trumpet, flugelhorn, vocals (Finland).

Tracklisting:

(please, note some small parts have been deleted to avoid copyright issues with YouTube) Sweden (1963) 01. Reunion Blues 02. Satin Doll (partially deleted) 03. But Not For Me 04. It Ain't Necessarily So 05. Chicago (That Toddling Town) Denmark (1964) 06. Soon 07. On Green Dolphin Street (partially deleted) 08. Bags' Groove 09. Tonight 10. C-Jam Blues 11. Hymn To Freedom (partially deleted) Finland (1965) 12. Yours Is My Heart Alone 13. Mack The Knife 14. Blues For Smedley 15. Misty 16. Mumbles

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"Desafinado" by Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça and Jon Hendricks

Desafinado - Antonio Carlos Jobim & Joe Henderson (HQ) Please, subscribe to our Library. Thank you! Best Sheet Music download from our Library.Form and Melody Text Setting Harmony Conclusions Source Jobim's Sheet Music download.

Desafinado - Antonio Carlos Jobim & Joe Henderson (HQ)

https://www.youtube.com/watch?v=vMLo05EGuBw There has been a healthy dose of Latin songs that have made their way into the Great American Songbook—after all—Central America and South America are every bit as "American" as the United States. Among the composers of Latin jazz standards, the inimitable guitarist/composer, Antonio Carlos Jobim (1927-1994), stands tall. Jobim composed a great many enduring songs that jazz musicians have latched onto as essential Great American Songbook gems. Newton Mendonça wrote the original Portuguese lyrics, after which the vocalese master, Jon Hendricks (b. 1921), created an English version. The resulting work is an interesting study in both lyrics and music. The Portuguese word "desafinado" essentially means "out of tune," which justifies Jobim's pointed use of dissonant intervals and non-diatonic melody notes. The pathway followed by the song explores various tonal centers in search of consonance, and the lyricists beautifully captured this essence. Form and Melody The form of this song departs from the common AABA and ABAB, thirty-two bar forms. The eight-bar A theme (measures 1-8) is comprised of two four-bar phrases, each mostly stepwise (walking up a perfect fourth) and shaped like a double arc, ending on the flat 5 of the V/V chord in m. 3 and on the flat 5 of the iii7(b5) chord in m. 7). A is followed by an eight-bar B theme (mm. 9-16). B can also be divided into two phrases, and begins with a quick interval of an ascending seventh starting on an offbeat, which leads directly into a descending line, first stepwise, then involving leaps that highlight dissonances. The A theme reappears in the next eight bars (mm. 17-24) before a C theme (reminiscent of B for only the first bar) serves as a transition into a new key a major third higher than tonic (mm. 25-32). A new section begins (D at mm. 33-40) and is melodically characterized by a major second stepping back and forth between scale degrees 5 and 6 in the new key, after which a transposition of the new melody motif (the E theme, up a minor third from the D theme) carries the song to the original dominant (V) to bring the listener back to the A theme in the tonic key. This A statement ends a bit differently, creating an arc of energy at the apex of the second phrase, so it is called A' (A-prime). This modification of A is often a very useful songwriting strategy, as it creates interest and variation, bringing the song around to a fresh ending having a touch of new material. This new material begins with a four-bar phrase of descending stepwise melodic sequences ("We're bound to get in tune again before too long,") which connect to another eight-bar melodic group characterized by tonal repetition of the tonic pitch. Jobim utilized a type of cadential extension here, creating a twelve-bar final theme instead of the expected eight. This final twelve bar segment resembles a coda or "tail" built right into the piece (F theme). When one steps back, one can see that Jobim utilized a loose sonata form here—ABAC represents the Exposition, D and E are the Development (a transitional section), A' clearly represents the Recapitulation (return of A) and the F theme functions as an obvious coda.

Jobim's use of motives plays a strong role in this melody's originality, as does his playing with dissonant tones outside the diatonic scale. Predominant motives include the opening four steps up the diatonic major scale in the very first bar. This melodic and rhythmic motive appears in both forward and retrograde varieties (retrograde in m. 9, with variation at m. 13, then retrograde in sequence with a downward step progression at mm. 57-58). A second motive Jobim employs is the rocking whole step, first cleverly introduced at m. 29 ("like the bossa nova, love should swing."). He features this motive in the last four bars of the first major section of the piece, anticipating and announcing the next large section's primary motive. At mm. 33-48 (the D theme), Jobim combines both motives in an alternating, smoothly flowing pattern, showing his mastery of creating motivic and melodic unity. Hendricks mirrors the more consonant music in this section by using text reminiscent of bygone happy times ("We used to harmonize two souls in perfect time..."). The motive in the final twelve bars, a repeated tonic pitch, successfully makes the composer's point of finally attaining concordance (there is nothing more concordant than a unison pitch) following a melody peppered with dissonant leaps and unexpected tonal shifts. Hendricks' response here reinforces the music with an idealized text depicting two hearts and souls at last abiding in perfect harmony. Text Setting As acknowledged above, the lyrics for "Desafinado" were originally in Portuguese, and these are still performed today. Whenever a writer is faced with the challenge of re-setting a text from another language to existing music, there are several important considerations. First, one must comprehend the difference between a translation and a transliteration. A translation represents the precise meaning of a text in another language. A transliteration merely fits the music into a new language's pattern of declamation—it may have little or nothing to do with the original text's meaning. A competent lyricist will have a full understanding of the original text's translation before attempting a new transliteration into another language. Some transliterations respect the original text as well as convey the general meaning and theme of the composer's and lyricist's intent. Other transliterations seem to start with a clean slate and find alternate ways to convey a composer's intent (that seems to be the case here with Hendricks' lyrics). Either way, tastefully setting the text in a manner that suits the singer and preserves the integrity of both music and lyrics becomes the goal. When studying a word-by-word translation of this original text, one quickly discovers that the Portuguese song's theme is about a singer feeling hurt by her lover's disapproval of her out-of-tune singing. She chastises him for not remembering that even those who sing out of tune have fragile hearts. By contrast, Hendricks' lyric approach changes the focus of the song to describe two people whose dissonant hearts must be made consonant for love to thrive. Regardless of the version preferred, a comparison of these two very different perspectives lends itself to a deeper understanding of the music and how it can be interpreted. Two lyricists may set the same piece of music using completely different paradigms. In this case, Mendonça spoke from a literal point of view regarding the dissonance expressed in the song title, while Hendricks spoke from a figurative, metaphorical standpoint. Harmony Jobim's initial harmonic move (between the first and second chords of the piece) immediately sets the tone for a theme of dissonance throughout the song. He moves from a casual I chord to a V7(b5)/V—in no way providing smooth harmony or easy voice leading. He then mollifies the harshness by turning that chord into a minor chord over the same root and moves through a ii7-V7 progression which leads to a surprising vi7(b5), reflecting the previous b5 chord. The melody notes here are those dissonant b5s and b9s. His B theme starts with ii7 and proceeds through a circle of dominant chords, but does not find its way back to the V of tonic before he interjects a dissonant major 7th built on the b9 immediately preceding a turnback progression (V7-I) to return to A. Jobim's unexpected harmonic shifts effectively create the dissonant tension illuminated in the text. The C theme combines the two motives previously described and shifts the harmony from I to III. Not coincidentally, Hendricks' lyrics beautifully reflect the harmony at this juncture: "Seems to me you've changed the tune we used to sing..." At the D theme, Jobim utilizes a chromatically ascending bass from I-dim7/ii-ii-V7 followed by a typical I-vi-ii-V7 before modulating up a third and repeating the chromatic ascent (in the new key). He then transforms the V7 chord of that new key into a minor ii of the original tonic, moves to a non-diatonic, flat vii chord (Hendricks again catches this, and writes "slightly out of tune" in the measure containing this "wrong" chord) before landing on a V7/V-V7-I progression that returns to the A theme. Harmonically the song assumes a ii-V7-iii(b5)-VI7-ii shape at the point where A digresses to become A' (m. 55, "sing a song of loving"). In the four-bar transition (mm. 57-60) that opens the F theme, the harmony passes through an unusual juxtaposition of ii-iv6-I ("we're bound to get in tune again before too long...") before extending a cadence via a roundabout V7/V-bVII7-V7/V which finally makes its way to ii-V7-I in the tonic key. Conclusions "Desafinado" takes the idea of wordpainting (reflecting textual meanings in music) to a new level in so many ways, and yet, one could argue the reverse if the music were composed first (that the lyricists served as obsequious handmaidens of the music). Either way, both Jobim and Hendricks showed their cleverness by creating a piece of music in which the wedding of music and text are readily apparent in the way the text parallels non-diatonic, melodic pitch choices, dissonant harmonic tension, and the third-related, leaping tonics that wander throughout the A-B-A-C-D-E-A'-F (sonata) form this unusual piece exhibits. The enduring renown of this piece is remarkable, given its fascinating complexity, and yet, Jobim was careful to balance complexity whenever it occurred with something relatively simple, thereby maintaining the song's accessibility and relevance for generations of listeners. For example, when the melody was challenging and non-diatonic, he tended toward complementing it with more traditional, gentle-on-the-ear harmonies, never seeking to completely confound those performing or listening to the song. Similarly, when the harmony explored new territory, the melody tended to be motivic and, therefore, familiar. Such exquisite balance between complexity and simplicity, light and dark, dynamic and static, and dissonance and consonance, appears to be ever present in so many wonderful works that make up the Great American Songbook.

Source

Jobim's Sheet Music download.

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Mozart Grieg: Piano Sonata no 16, K. 545 arr. for 2 pianos (sheet music, Noten)

Mozart Grieg Piano Sonata no 16, K. 545 arrangement for two pianos with sheet music, Noten

https://www.youtube.com/watch?v=7IfHeQ66GkE

On 27 May 1877 Edvard Grieg wrote to his publisher: "During the winter I have been engaged on a task that I found particularly interesting - adding a free, second piano to several of Mozart's sonatas. The work was intended in the first instance for teaching purposes, but by chance found its way into the concert hall, where the whole thing sounded surprisingly good." Grieg himself went some way towards preempting potential protests by insisting that his arrangements were intended for teaching. Such a line of argument obliges to examine the customs of the time - an age in which the gramophone was barely a glint in its investor's eye and there was no opportunity to hear and follow interpretations at second hand. As a result, it was common practice around 1880 for piano teachers to accompany their pupils on a second piano, either to ensure the correct tempo or, perhaps, to make the soloist's solitary existence somewhat less intolerable... Read the full article

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Oblivion, by Astor Piazzolla for Cello and piano arr. (partitura, sheet music)

Oblivion (Astor Piazzolla) for Cello and piano arr. (partitura, sheet music)

https://vimeo.com/504110828

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Rachmaninow D minor Sonata Op 28 II Lento Zoltán Kocsis (Noten)

Rachmaninow D minor Sonata Op 28 II Lento Zoltán Kocsis, Noten, with sheet music Bester Notendownload aus unserer Bibliothek. Please, subscribe to our Library. Thank you!Background Composition Reception Best Sheet Music download from our Library.

Rachmaninow D minor Sonata Op 28 II Lento Zoltán Kocsis, Noten, with sheet music

https://www.youtube.com/watch?v=X4YtSGrxwrM

Piano Sonata No. 1 in D minor, Op. 28, is a piano sonata by Sergei Rachmaninow, completed in 1908. It is the first of three "Dresden pieces", along with Symphony No. 2 and part of an opera, which were composed in the quiet city of Dresden, Germany. It was originally inspired by Goethe's tragic play Faust; although Rachmaninow abandoned the idea soon after beginning composition, traces of this influence can still be found. After numerous revisions and substantial cuts made at the advice of his colleagues, he completed it on April 11, 1908. Konstantin Igumnov gave the premiere in Moscow on October 17, 1908. It received a lukewarm response there, and remains one of the least performed of Rachmaninow's works. It has three movements, and takes about 35 minutes to perform. The sonata is structured like a typical Classical sonata, with fast movements surrounding a slower, more tender second movement. The movements feature sprawling themes and ambitious climaxes within their own structure, all the while building towards a prodigious culmination. Although this first sonata is a substantial and comprehensive work, its successor, Piano Sonata No. 2 (Op. 36), written five years later, became the better regarded of the two. Nonetheless, it, too, was given serious cuts and opinions are mixed about those. Background In November 1906, Rachmaninow, with his wife and daughter, moved to Dresden primarily to compose a second symphony to diffuse the critical failure of his first symphony, but also to escape the distractions of Moscow. There they lived a quiet life, as he wrote in a letter, "We live here like hermits: we see nobody, we know nobody, and we go nowhere. I work a great deal," but even without distraction he had considerable difficulty in composing his first piano sonata, especially concerning its form. The original idea for it was to be a program sonata based on the main characters of the tragic play Faust by Johann Wolfgang von Goethe: Faust, Gretchen, and Mephistopheles, and indeed it nearly parallels Franz Liszt's own Faust Symphony which is made of three movements which reflect those characters. However, the idea was abandoned shortly after composition began, although the theme is still clear in the final version. Rachmaninow enlisted the help of Nikita Morozov, one of his classmates from Anton Arensky's class back in the Moscow Conservatory, to discuss how the sonata rondo form applied to his sprawling work. At this time he was invited, along with Alexander Glazunov, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Scriabin, and Feodor Chaliapin, to a concert in Paris the following spring held by Sergei Diaghilev to soothe France–Russia relations, although Diaghilev hated his music. Begrudgingly, Rachmaninow decided to attend only for the money, since he would have preferred to spend time on this and his Symphony No. 2 (his opera project, Monna Vanna, had been dropped). Writing to Morozov before he left in May 1907, he expressed his doubt in the musicality of the sonata and deprecated its length, even though at this time he had completed only the second movement. On returning to his Ivanovka estate from the Paris concert, he stopped in Moscow to perform an early version of the sonata to contemporaries Nikolai Medtner, Georgy Catoire, Konstantin Igumnov, and Lev Conus. With their input, he shortened the original 45-minute-long piece to around 35 minutes. He completed the work on April 11, 1908. Igumnov gave the premiere of the sonata on October 17, 1908, in Moscow, and he gave the first performance of the work in Berlin and Leipzig as well, although Rachmaninow missed all three of these performances. Composition Movement 1. The piece is structured as a typical sonata in the Classical period: the first movement is a long Allegro moderato (moderately quick), the second a Lento (very slow), and the third an Allegro molto (very fast). - Allegro moderato (in D minor, ends in D major) The substantial first movement Allegro moderato presents most of the thematic material and motifs revisited in the later movements. Juxtaposed in the intro is a motif revisited throughout the movement: a quiet, questioning fifth answered by a defiant authentic cadence, followed by a solemn chord progression. This densely thematic expression is taken to represent the turmoil of Faust's mind. The movement closes quietly in D major. - Lento (in F major) In key, the movement pretends to start in D major before settling in the home key of F major. Although the shortest in length and performance time, the second movement Lento provides technical difficulty in following long melodic lines, navigating multiple overlapping voices, and coherently performing the detailed climax, which includes a small cadenza. - Allegro molto (in D minor) Ending the sonata is the furious third movement Allegro molto. Lacking significant thematic content, the movement serves rather to exploit the piano's character, not without expense of sonority. The very first measures of the first movement are revisited, and then dissolves into the enormous climax, a tour de force replete with full-bodied chords typical of Rachmaninow, which decisively ends the piece in D minor. Reception Rachmaninow played early versions of the piece to Oskar von Riesemann (who later became his biographer), who did not like it. Konstantin Igumnov expressed interest upon first hearing it in Moscow, and following his suggestion Rachmaninow cut about 110 bars. The sonata had a mediocre evaluation after Igumnov's premiere in Moscow. Nikolai Rimsky-Korsakov had died several months previously, and the burden of heading Russian classical music had fallen on this all-Rachmaninow programme of October 17, 1908. Although the concert, which also included Rachmaninow's Variations on a Theme of Chopin (Op. 22, 1903), was "filled to overflowing", one critic called the sonata dry and repetitive, however redeeming the interesting details and innovative structures were. Lee-Ann Nelson, via her 2006 dissertation, noted that Rachmaninow's revisions are always cuts, with the material simply excised and discarded. The hypothesis is that the frequency of negative responses to many of his pieces, not just the response to the first symphony, led to a deep insecurity, particularly with regard to length. The musicologists Efstratiou and Martyn argued against, for instance, the cuts made to the second sonata on a formal basis. Unlike other pieces, such as the second piano sonata and the fourth piano concerto, no uncut version of this piece is currently known to be extant. Today, the sonata remains less well-known than Rachmaninow's second sonata, and is not as frequently performed or recorded. Champions of the work tend to be pianists renowned for their large repertoire. It has been recorded by Eteri Andjaparidze, Vladimir Ashkenazy, Boris Berezovsky, Idil Biret, Sergio Fiorentino, Leslie Howard, Ruth Laredo, Valentina Lisitsa, Nikolai Lugansky, Olli Mustonen, John Ogdon, Michael Ponti, Santiago Rodriguez, Alexander Romanovsky, Howard Shelley, Daniil Trifonov, Xiayin Wang, and Alexis Weissenberg. Lugansky performs the piece regularly. Read the full article

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Scott Joplin - Bethena - A Concert Waltz (piano sheet music, Noten, partition, partitura, spartito)

Scott Joplin - Bethena - A Concert Waltz (piano sheet music, Noten, partition, partitura, spartito)

https://www.youtube.com/watch?v=Q8818SVte-c

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Milonga del Angel, Astor Piazzolla, solo piano arrangement

Milonga del Angel, Astor Piazzolla, solo piano arrangement

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Gladiator - Now we are free (piano solo Noten) Hans Zimmer

Gladiator - Now we are free (piano solo Noten) Hans Zimmer - sheet music

https://www.youtube.com/watch?v=QYHCvp7LPQ0 Hans Florian Zimmer (12. September 1957) ist ein deutscher Filmmusikkomponist und Plattenproduzent. Zimmers Werke zeichnen sich durch die Integration elektronischer Musikklänge mit traditionellen Orchesterarrangements aus. Seit den 1980er Jahren hat er Musik für über 150 Filme komponiert. Zu seinen Werken gehören „Der König der Löwen“, für den er 1995 den Oscar für die beste Originalmusik gewann, die „Fluch der Karibik“-Reihe, „Interstellar“, „Gladiator“, „Crimson Tide“, „Inception“, „Dunkirk“ und „The Dark Knight Trilogy“. Er hat vier Grammy Awards, drei Classical BRIT Awards, zwei Golden Globes und einen Academy Award erhalten. Er wurde auch in die Liste der Top 100 lebenden Genies aufgenommen, die vom Daily Telegraph veröffentlicht wurde. Zimmer verbrachte den ersten Teil seiner Karriere im Vereinigten Königreich, bevor er in die Vereinigten Staaten zog. Er ist Leiter der Filmmusikabteilung der DreamWorks Studios und arbeitet über die von ihm gegründete Firma Remote Control Productions, früher bekannt als Media Ventures, mit anderen Komponisten zusammen. Sein Studio in Santa Monica, Kalifornien, verfügt über eine umfangreiche Auswahl an Computergeräten und Tastaturen, sodass Demoversionen von Filmmusiken schnell erstellt werden können. Zimmer hat an mehreren Projekten mit Regisseuren wie Ridley Scott, Ron Howard, Gore Verbinski, Michael Bay, Guy Ritchie und Christopher Nolan zusammengearbeitet.

Zimmer hat über hundert Soundtracks und Filmmusiken komponiert und produziert. Davon wurden etwa 50 Soundtracks und Songs für Preise nominiert. Auf einen Oscar (Der König der Löwen), vier Satellite Awards (The Thin Red Line, Gladiator, The Last Samurai, Inception), zwei Golden Globe Awards (The Lion King, Gladiator), vier Grammy Awards (zwei Preise für The Lion King). , Crimson Tide, The Dark Knight), drei Saturn Awards (The Dark Knight, Inception, Interstellar), zwei Annie Awards (Kung Fu Panda, Secrets of the Furious Five) und ein WAFCA Award (Inception)). Zimmer hat eine Reihe von Ehrungen und Auszeichnungen erhalten, darunter den Lifetime Achievement Award in Film Composition vom National Board of Review, den Frederick Loewe Award 2003 beim Palm Springs International Film Festival, den Henry Mancini Award for Lifetime Achievement von ASCAP und Richard von BMI Kirk Award für sein Lebenswerk im Jahr 1996. Im Dezember 2010 erhielt Zimmer einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame. Er widmete die Auszeichnung seinem Publizisten und langjährigen Freund Ronni Chasen, der im Vormonat in Beverly Hills erschossen worden war. Im Jahr 2016 war Zimmer einer der ersten Gewinner der Stephen Hawking Medal for Science Communication. Im November 2017 erhielt ein von den polnischen Astronomen Michal Kusiak und Michal Zolnowski entdeckter Hauptgürtel-Asteroid (495253) 2013 OC8 den Namen Hanszimmer. Seit 2018 erhielt Zimmer elf Oscar-Nominierungen für seine Arbeit, darunter einen Sieg bei der 67. Oscar-Verleihung für den Film „Der König der Löwen“ aus dem Jahr 1994. Am 2. Oktober 2018 erhielt Zimmer das Verdienstkreuz der Bundesrepublik Deutschland. Im Jahr 2019 wurde Zimmer als Disney-Legende aufgenommen. Gladiator (Film 2000) mit Noten Gladiator ist ein britisch-amerikanisches historisches Drama aus dem Jahr 2000, bei dem Ridley Scott Regie führte und das von David Franzoni, John Logan und William Nicholson geschrieben wurde. Der Film wurde von DreamWorks Pictures und Universal Pictures koproduziert und veröffentlicht. Darin sind Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Ralf Möller, Oliver Reed (in seiner letzten Rolle), Djimon Hounsou, Derek Jacobi, John Shrapnel und Richard Harris zu sehen. Crowe porträtiert den römischen General Maximus Decimus Meridius, der verraten wird, als Commodus, der ehrgeizige Sohn von Kaiser Marcus Aurelius, seinen Vater ermordet und den Thron bestieg. Als Sklave degradiert, wird Maximus zum Gladiator und steigt in der Arena auf, um die Morde an seiner Familie und seinem Kaiser zu rächen. Inspiriert durch Daniel P. Mannix‘ Buch Those About to Die aus dem Jahr 1958 (früher mit dem Titel The Way of the Gladiator betitelt), wurde das ursprünglich von Franzoni geschriebene Drehbuch des Films von DreamWorks erworben und Ridley Scott mit der Regie des Films beauftragt. Die Hauptdreharbeiten begannen im Januar 1999, bevor das Drehbuch fertiggestellt war, und endeten im Mai desselben Jahres mit den Szenen aus dem antiken Rom, die über einen Zeitraum von neunzehn Wochen in Fort Ricasoli, Malta, gedreht wurden. Die computergenerierten Bildeffekte des Films wurden von der britischen Postproduktionsfirma The Mill erstellt, die auch ein digitales Body-Double für die verbleibenden Szenen mit Reeds Charakter Proximo erstellte, da Reed während der Produktion an einem Herzinfarkt starb. Gladiator wurde am 1. Mai 2000 in Los Angeles uraufgeführt und kam am 5. Mai in den Vereinigten Staaten und am 11. Mai im Vereinigten Königreich in die Kinos. Der Film erhielt allgemein positive Kritiken von Kritikern, mit Lob für die Schauspielerei (insbesondere die von Crowe und Phoenix). Aufführungen), Scotts Regie, Visuals, Drehbuch, Actionsequenzen, Musikpartitur und die Produktionswerte. Es war ein Kassenerfolg, der in den Vereinigten Staaten 187,7 Millionen US-Dollar einspielte und weltweit 457 Millionen US-Dollar einspielte, was ihn zum zweithöchsten Einspielergebnis des Jahres 2000 machte. Der Film gewann mehrere Auszeichnungen, darunter fünf Oscars bei der 73. Oscarverleihung: Bester Film, Bester Hauptdarsteller für Crowe, Bestes Kostümdesign, Bester Ton und Beste visuelle Effekte. Außerdem erhielt er bei den 54. British Academy Film Awards vier BAFTA Awards für den besten Film, die beste Kamera, das beste Produktionsdesign und den besten Schnitt. Seit seiner Veröffentlichung wird „Gladiator“ auch dafür verantwortlich gemacht, das Schwert-und-Sandalen-Genre neu erfunden und das Interesse an Unterhaltung rund um die antike griechische und antike römische Kultur wie die Fernsehserie „Rom“ neu entfacht zu haben. Die Oscar-nominierte Partitur wurde von Hans Zimmer und Lisa Gerrard komponiert und von Gavin Greenaway dirigiert. Zimmer hatte ursprünglich geplant, die israelische Sängerin Ofra Haza für die Partitur zu engagieren, nachdem er bereits mit ihr in „Der Prinz von Ägypten“ zusammengearbeitet hatte. Da Haza jedoch Ende Februar 2000 starb, bevor sie überhaupt Aufnahmen machen konnte, wurde stattdessen Gerrard ausgewählt. Lisa Gerrards Gesang ähnelt ihrer eigenen Arbeit an der Partitur von The Insider. Es wurde festgestellt, dass die Musik für viele der Kampfszenen Gustav Holsts „Mars: Der Kriegsbringer“ ähnelt, und im Juni 2006 verklagte die Holst-Stiftung Hans Zimmer wegen angeblicher Kopie des Werks des verstorbenen Holst. Eine weitere große musikalische Ähnlichkeit besteht in der Szene von Commodus‘ triumphalem Einzug in Rom, begleitet von Musik, die deutlich an zwei Abschnitte – das Präludium zum Rheingold und Siegfrieds Trauermarsch aus der Götterdämmerung – aus Richard Wagners Ring des Nibelungen erinnert. Am 27. Februar 2001, fast ein Jahr nach der Veröffentlichung des ersten Soundtracks, produzierte Decca Gladiator: More Music From the Motion Picture. Dann, am 5. September 2005, produzierte Decca Gladiator: Special Anniversary Edition, ein Zwei-CD-Paket, das beide oben genannten Veröffentlichungen enthielt. Ein Teil der Musik aus dem Film wurde in den NFL-Playoffs im Januar 2003 vor Werbeunterbrechungen und vor und nach der Halbzeitpause gespielt. Im Jahr 2003 veröffentlichte Luciano Pavarotti eine Aufnahme von sich selbst, in der er ein Lied aus dem Film sang, und sagte, er bereue es, ein Angebot, für den Soundtrack mitzuwirken, abgelehnt zu haben. Read the full article

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Jazz Riffs for Piano - Modal Jazz

Jazz Riffs for Piano - Modal Jazz (useful jazz phrases for soloing) sheet music, Noten, partition

https://youtu.be/vbJU0XfaTRI

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Stranger Things Main Theme - Piano solo arr. (sheet music, Noten, film music)

Stranger Things Main Theme - Piano solo arr. (sheet music, Noten, partition, partitura, spartito) Film Music

https://youtu.be/ZY0B6rtbqa8

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Blue Moon (Jazz Play Along Aebersold Vol. 70 "Killer Joe" Easy impro sheet music, Noten, partition)

Blue Moon (Jazz Play Along Aebersold Vol. 70 "Killer Joe" Easy impro sheet music, Noten, partition)

https://www.youtube.com/watch?v=cqIOkCrqwPo

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