#Bienal de Valencia

[12endigital]

El pintor de Sant Joan Alfonso Sánchez seleccionado en la Bienal de Valencia

La VI edición de la Bienal de Valencia que se desarrolla en diferentes espacios culturales y museos de la ciudad de Valencia entre los meses de noviembre y diciembre, ha seleccionado al pintor Alfonso Sánchez para participar en la exposición del Museo de la Ciudad perteneciente a dicho evento. El artista alicantino presentará en la Bienal, uno de los  eventos culturales más prestigiosos de la…

[manuelhmompo]

MANUEL HERNÁNDEZ MOMPÓ (VALENCIA, 1927- MADRID, 1992) ”VINALESA MEDITERRÁNEA” SERIGRAFIA (76x57) 156/200

GALERIA D´ARTS (Valencia)

https://pt.todocoleccion.net/arte-serigrafias/manuel-hernandez-mompo-valencia-1927-1992-vinalesa-mediterranea-serigrafia-76-x57-156-200~x461544197

1.500€

Empezó a frecuentar la Escuela de Artes y Oficios de Valencia con trece años de edad, aunque comenzó sus estudios oficialmente en 1943, obteniendo en 1948 una beca para la Residencia de Pintores de Granada.

Realizó su primera exposición individual en la Galería Mateu de Valencia en 1951. El año 1954 se trasladó a París, desplazándose posteriormente a la Academia Española de Bellas Artes de Roma y a Holanda. Su obra, basada en la interpretación de paisajes y temas urbanos, va tomando una mayor libertad influenciada por las corrientes abstractas y el informalismo.

Fue una de las más destacadas figuras de la generación española de los años cincuenta vinculada a la abstracción. Sin pertenecer a ningún grupo ni adscribirse a ningún estilo, comenzó investigando en el ámbito de la figuración, evolucionó hacia el arte abstracto y acabó encontrando un lenguaje propio.

En 1958 obtuvo una beca de la Fundación Juan March, dedicándose al estudio de las técnicas del mosaico. De regreso a España, se instaló en Madrid, donde vivió desde entonces alternando estancias entre Ibiza y Mallorca. En la década de los cincuenta su obra se centra básicamente en la técnica del guache y del óleo sobre papel, con una temática popular de escenas de calles y fiestas populares, que, paulatinamente, irá sufriendo un proceso de disolución de la forma, llevándole hacia una pintura abstracta con sugerencias figurativas.

Desde sus años de formación acusa la influencia de la luz, propia de la escuela de pintores levantinos. Esta luz mediterránea queda plasmada en sus telas a través del predominio del blanco y tonos muy luminosos, que alternan con obras en la gama de los grises.

En 1968 es seleccionado para la Bienal de Venecia donde obtiene el Premio de la Unesco. En los años setenta, centra sus investigaciones sobre la luz y el color en el metacrilato, para adentrarse, en 1981, en el ámbito de la escultura, realizando unas planchas metálicas dobladas que mantienen la huella del blanco y el gris de sus obras anteriores.

En 1984 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1992 el Ministerio de Cultura español le concede, a título póstumo, la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes. A lo largo de su carrera realizó un gran número de exposiciones individuales y colectivas y su obra se encuentra representada en numerosos museos: Museo Reina Sofia de Madrid, Museo de Bellas Artes de Valencia, IVAM, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo Sevilla, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca o el Museo de Arte Moderno de Gotemburgo.

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[itsnicolasvalencia]

Nicolás Valencia será parte del 15º CONGRESO Internacional de Arquitectura de Panamá este sábado 27 de enero a las 15:00.

Nicolás Valencia, premiado con el Premio Joven Arquitecto 2022 por el Colegio de Arquitectos de Chile, es un destacado arquitecto, escritor y editor. Se centra en promover y discutir la arquitectura latinoamericana. Co-fundador de Redes IAAC y profesor en el instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña, ha participado en bienales y contribuido a la creación de libros clave en la arquitectura.

Su extenso currículum incluye roles en Archdaily, dirección de competiciones y la fundación de iniciativas como Comunicar Arquitectura. Como conferencista, ha llevado su experiencia a países, consolidándose como una figura influyente internacional.

Conoce más de TRANSVERSAL.

[visionescontemporaneas]

Del 10 de noviembre de 2023 a febrero del 2024

VC#033 CABELLO/CARCELLER

Cabello/Carceller, parten de la instalación, la performance, el vídeo, la escritura y el dibujo para cuestionar los modos hegemónicos de representación en las prácticas visuales y ofrecer alternativas críticas. La construcción social de la identidad y las políticas sexuales y de género atraviesan toda su trayectoria. Sus proyectos son de carácter colaborativo, incorporando así voces minorizadas.

Trabajan conjuntamente desde el año 1992. Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, Matadero-Madrid, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, IVAM de Valencia, en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, Azkuna-Zentroa de Bilbao y en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de Ciudad de México.

Asimismo, han llevado a cabo comisariado de exposiciones y son autoras de varias publicaciones. Su obra se encuentra en colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Fundación La Caixa de Barcelona o el MACBA de Barcelona. Están representadas por las galerías Elba Benítez de Madrid y Joan Prats de Barcelona. En 2015 representaron al pabellón español de la Bienal de Venecia convirtiéndose en referente dentro de las prácticas artísticas contemporáneas a nivel internacional. Este año participan en la 35 Bienal de São Paulo.

OBRAS

MicroCinema: Actos 1—3. Casting: James Dean (Rebelde sin causa). Sonido. Color. Vídeo DV (4:3) 2004. 32’50’’ Ejercicios de poder. Casos: Liam Neeson (La lista de Schindler). Fred MacMurray, Jack Lemmon (El Apartamento). Sonido. B/N.  Vídeo DV (4:3) 2005. 8’15’’ After Apocalypse Now: Martin Sheen (The Soldier). Sonido. Color. Vídeo DV (16:9)  2006-7. 9’54’’

A/O (Caso Céspedes). Sonido. Color. Digital. 2009-10. 14.39’’

Movimientos para una manifestación en solitario. Sin Sonido. Color. Digital. 2021. 6’

El 10 de noviembre con motivo de la inauguración del Visiones Contemporáneas dedicado a Cabello/Carceller, habrá un encuentro con les artistes a las 19h en La Cocina del DA2, con entrada libre.

[annamoreno]

NOW

*2023 - 2025 Recipient of the Artist Basis Grant - Mondriaan Fonds (NL) 

30 November 2024 - 5 February 2025 Selected for BIAM (Biennal Art Amposta, ES)

26 November 2024 - 23 February 2025 VEGAP Propuestas 2023, Centro Conde Duque (Madrid, ES)

25 October - 24 November 2024 FOCUS Section - duo exhibition with Bernardo Zanotta for the TEA Bienal Contemporánea (Tenerife Espacio de las Artes, Santa Cruz de Tenerife, Canary Islands, ES). Opening and artists’ talk, October 25th at 12pm.

5 -14 July 2024 Participation at Eufònic Festival (Terres de l’Ebre, ES)

7 June - 2 August 2024 Desiring Assemblage at House of Chappaz (Valencia, ES) With: Carlos Sáez, Diego Del Pozo Barriuso, Fito Conesa, Michael Roy, Manu Arregui, Miguel Ángel Gaüeca, Anna Moreno, Carles Congost, Álvaro Perdices, Brice Dellsperger, Cabello/carceller, Francesc Ruiz, Itziar Barrio, James Bidgood, Juan Carlos Martínez, Lou Fauroux, Moisés Mahiques, Pepe Miralles Curated by Eduardo García Nieto.

January - June 2024 Residency at Hangar.org (Barcelona, ES)

7th May 2024 Screening of The Hague Trilogy at Cineteca Matadero (Madrid, ES) under the program “Asi son las cosas”, curated by Marta Ramos Yzquierdo

02–04, 09–11 February 2024 Art Central Rotterdam XL - Rotterdam (NL) Curated by Marijn Bril

26 October 2023 - 14 January 2024 La dirección en la que el desorden crece - Casa de los Morlanes, Zaragoza (ES). Curated by Rodrigo Ramos and Antonio de Clemente, with:  Anna Moreno, Carlos Sáez, Eugenio Ampudia, EVRU, Zush, Porta - EVRU (prev Zush) , Momu & No Es, Ovidi Benet, Toplap

20 - 22 October 2023 Limassol Art Walks. Limassol, Cyprus Curated by Kiki Petratou

5 - 8 October 2023 Swab - Art Fair, Barcelona. With House of Chappaz (ES)

4 October 2023 Abitare La Vacanza, publication launch. Triennale Milano (IT)

29 - 30 September & 1st October 2023 AROUND video - Art Fair, Brussels. With Joey Ramone Gallery (NL) and House of Chappaz (ES).

20 September 2023 - 7 January 2024 Catarsis - Curated by Alicia Ventura. Espai d’Art Contemporani es Castell (Valencia)

28th June - September 2023 COSTA PARAÍSO - Solo show at House of Chappaz (basement), Barcelona.

20th - 23rd May 2023 Art Brussels - Solo booth with Joey Ramone Gallery (NL) and House of Chappaz (ES). List of works available at: Artsy

15th April - 6th July 2023 COSTA PARAÍSO - Solo show at Joey Ramone Gallery, Rotterdam.

April 2023 Abitare la Vacanza - Residency in Sardinia, in the context of Abitare la Vacanza, architecture festival curated by Emanuele Piccardo

22nd - 26th February 2023 ARCO Madrid - booth with Joey Ramone Gallery (NL) and House of Chappaz (ES)

[xformas]

Publicado por Dostercios Editorial, ‘XFORMAS: Conversaciones y reflexiones periféricas sobre arquitectura’ es el libro doble de los arquitectos chilenos Nicolás Valencia, Fabiola González y Yair Estay, cofundadores de X Formas de Hacer Arquitectura (#XFORMAS).

Tras siete ediciones y conversaciones en Chile, Ecuador y Costa Rica, además de 24 invitados y su participación en la Bienal de Arquitectura de Chile 2019, la publicación reúne, mezcla, desmenuza y reflexiona en torno a las principales temáticas surgidas en las seis sesiones de #XFORMAS, un espacio itinerante de conversación con arquitectas y arquitectos latinoamericanos que han construido su carrera sin necesidad de edificar edificios.

La publicación doble también cuenta con ensayos escritos por la crítica salvadoreña/española Ethel Baraona (dpr-barcelona), el arquitecto chileno Fernando Portal, y los propios fundadores de #XFORMAS, quienes ahondan temas que cruzan el proyecto, como el feminismo, el estado de la formación académica, la capacidad crítica del diseño y los referentes televisivos en el layout espacial del proyecto.

Obten XFORMAS en Dostercios Editorial.

[htca1]

CASA ENTRE LA PINADA

Autores: Fran Silvestre Arquitectos (Arquitectura) y Alfaro Hofmann (Interiorismo)

Localización: Paterna, Valencia

Superficie: 722m2

Realización: 2016

Francisco Silvestre es un arquitecto valenciano, nacido en 1976, es una gran revelación y reconocido. Se graduó en la universidad politécnica de Valencia.

En 2013 ganó el premio de Mejor Estudios de Arquitectura de la Comunidad Valenciana.  Y el premio XIII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo en 2016.

Su gran inspiración es el famoso arquitecto portugues Álvaro Siza. Tras pasar unos años en Portugal y encontrar su estilo arquitectónico propio, abrió un estudio de arquitectura en 2005  “Fran Silvestre Arquitectos” y actualmente se encuentra fusionado con el hijo del escultor Andrés Alfaro.

Este estudio de  arquitectura tiene en cuenta varios factores como la modulación, la cantidad de luz, de manera que dan lugar a edificios innovadores tecnológicamente y dándole un toque de pureza.

El proyecto de la casa es dar una nueva forma y uniforme. La casa original está formada por la unión de varias intervenciones de diferentes épocas. La casa pertenecía a la misma familia durante generaciones y uno de los principales objetivos de la rehabilitación era conservar la estructura y que cada lugar de la casa reformada a lo largo del tiempo no perdiera su esencia histórica.

La historia de este lugar emplea nuevos volúmenes para las nuevas partes del programa. Se proporciona así un espacio que contiene las zonas de ocio, manteniendo así la escala de la edificación que se presenta como una suerte de agregación de pequeñas piezas, que dibuja patios y acota las zonas, como lo hace la arquitectura tradicional mediterránea.

El interior respeta el sistema de seminiveles produciendo una gran diversidad espacial con estancias con una gran variedad de dimensiones y alturas. Conservando la estructura original y los recuerdos que conlleva. La vivienda inicial se aloja en el interior del mobiliario con la misma tonalidad gris que los troncos de alguna de las especies que habitan el jardín.

“La casa se teje tanto entre los árboles como entre los buenos recuerdos que viven en esta pinada.” 

Bibliografía:

"Casa Entre La Pinada / Fran Silvestre Arquitectos" 28 sep 2016. ArchDaily en Español. Accedido el 27 Sep 2022. <https://www.archdaily.cl/cl/796070/casa-entre-la-pinada-fran-silvestre-arquitectos>

Casa entre la pinada por Fran Silvestre Arquitectos | Sobre Arquitectura y más | Desde 1<https://www.metalocus.es/es/noticias/casa-entre-la-pinada-por-fran-silvestre-arquitectos#:~:text=Ubicada%20en%20Paterna%2C%20Valencia%2C%20esta,y%20los%20recuerdos%20que%20conlleva>

Equipo de comunicación - Lobo Studio. (2021, 23 febrero). ✅ Fran Silvestre, todo lo que debes saber sobre su obra. Lobo Studio - Renders arquitectura, Renders 360 y Animaciones 3D. Recuperado 27 de septiembre de 2022, de

<✅ Fran Silvestre, todo lo que debes saber sobre su obra. (lobostudio.es)>

Casa entre la pinada de Fran Silvestre y Alfaro Hofmann. (2016, 26 septiembre). Interiores Minimalistas. Recuperado 27 de septiembre de 2022, de <https://interioresminimalistas.com/2016/09/26/casa-entre-la-pinada-de-fran-silvestre-y-alfaro-hofmann/>

Revista: Diseño Interior. (1991). Globus-Comunicación.

[htca2]

CASA LUDE

Obra: Casa LUDE.

Arquitectos: Francisco Leiva Ivorra y Martín López Robles (Grupo Aranea).

Ubicación: Cehegín  (Murcia).

Cronología: 2011.

Breve biografía del autor:

Francisco Leiva, actualmente profesor de la ETSA de Valencia, fundó el Grupo Aranea, en 1998 junto a Marta García Chico, ingeniera agrónoma especializada en paisajismo.. Desde los inicios, la intencionalidad del estudio era contactar con profesionales de diferentes ámbitos, con la intención de que aporten desde diferentes mundos a proyectos en las más diversas ubicaciones posibles.

El estudio ha sido galardonado numerosas veces, nacional e internacionalmente, desde premios de reconocimiento hasta primeros puestos en concursos de arquitectura.

Entre sus obras podemos destacar “On Site. New Architecture in Spain” expuesta de forma permanente en el MoMa de Nueva York ó “Unfinished” León de Oro de la Bienal de Venecia en 2016, entre otros.

Descripción de la obra y su contexto cultural:

El músico Juan Antonio Ludeña, conocido como LUDE, quería construir su vivienda, sobre la de su madre y su hermana en un entorno céntrico de la ciudad. Aprovechando que el proyecto debía ser en altura y su situación céntrica, los arquitectos, proyectaron un espacio de dos alturas, sobre una losa que vuela ligeramente sobre las dos viviendas inferiores y soporta una estructura metálica ligera, permitiendo de esta forma, extender el espacio.

El espacio se diferencia de lo habitual en el vecindario, al abrirse de forma indirecta y ser aparentemente cerrado al exterior, ya que consideramos lo habitual como las aperturas directamente en las fachadas.

A nivel formal, el espacio se configura como una circulación fluida generada mediante las incisiones, perforaciones y depresiones de planos de un volumen aparentemente macizo que permiten direccionar la vista hacia el vecindario y el entorno natural que rodea la población. La cubierta se deprime en un punto generando un balcón con unas gradas que permiten el acceso a la parte elevada de la misma, añadiendo este espacio extra a la vivienda, que da la sensación de estar en completo contacto con el exterior debido a una barandilla minimalista.

Bibliografía:

López Cotelo, Victor. 2015. Arquitectura Viva (176). Homegrafts. Six Iberian Case Studies. Páginas 20 - 23.

Casa Lude. Autor Anónimo.  On Diseño (326). Viviendas Unifamiliares. 2012. Páginas 52 - 59.

Francisco Leiva Ivorra. Proyectos Arquitectónicos UA. Consultado el 5/10/2022: https://proyectosarquitectonicos.ua.es/faculty/francisco-leiva-ivorra/

Grupo Aranea. Casa LUDE, Cehegín. HI Arquitectura. Consultado el 5/10/2022: http://hicarquitectura.com/2011/02/grupo-aranea-casa-lude-cehegin/

[gonzalezpiris]

Reincarnated — Valencia, 2017. Obra para Ciutat Vella Oberta (CVO - Bienal de Arte de València)

[pacabooks]

pacabooks en ALMA GRÁFICA

Feria de Edición de Arte. 14-16 junio 2019

Plaza de Trascorrales, Oviedo.

[stand pacabooks: Muestra de proyectos y ediciones realizadas en el marco de PACA_Proyectos Artísticos Casa Antonino]

Alma Gráfica en fb

publicaciones que llevamos a la feria ALMA GRÁFICA:

Werde!, Libro de artista (obra única) de Virginia López. 2019

Objetos ((eco)). Arqueología de los afectos. Proyecto “Habitantes Paisajistas” 2018. Libro de artista coral. Colección del museo Villa Romana de Veranes, Biblioteca de Museos Arqueológicos de Gijón: CÓDIGO ID. FD0001 /Obra gráfica. Fondos DOMUS.

Revista Creadores de paisajes 1. 2014-2015

Eingedenken/Recordación. Trabajar para comer, edición especial (box) y catálogo sencillo. Texto razonado de la exposición de Griselda Coro Niembro. 2016-2017

Desde lo mínimo, Nika López. Edición especial. Texto de Juan Llano Borbolla. (proyecto de residencia artística en PACA, 2017)

Cotidianas + La memoria del pan. Libro de artista de Daniel Franco y Virginia López. 2017.

Artista invitada: Dianora Pérez. Maquetas de Libro de Vida y El Libro Rojo

Ponencia/ Encuentro:

Libros en resistencia. Los libros de Dianora Pérez, entre el archivo y el monumento.

Editar y hacer libros de arte es también un acto de resistencia generador de comunidad. Virginia López presenta PACAbooks (proyecto editorial independiente realizado en el marco de PACA_Proyectos Artísticos Casa Antonino.) Dianora Pérez, artista venezolana actualmente en residencia en PACA gracias a la colaboración de la Fundación Sala Mendoza (Caracas) y de la Embajada de España en Venezuela, nos hablará de la editorial “PERversiones”, libros para desmemoriados, libros del compromiso en los que la víctima es sujeto histórico.

* Dianora Pérez

PACA_Artist In Residence 3-26 junio 2019

BIO

Caracas, 1981. Profesora Artes Plásticas en UPEL – IPC, Caracas, 2008. Actualmente cursante del Doctorado en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe en la misma casa de estudios. Magister en Artes Plásticas, UPEL-IPC, Caracas, 2015. En 2014 realiza estudios de Edición de la UCV, Caracas, Venezuela, y entre los años 2012 y 2015 realiza algunos talleres con el Maestro Nelson Garrido, Juan Toro, Majob Parabavis, Nancy Urosa, entre otros. 

Inicia su carrera expositiva en el 2002.Entre sus muestras individuales más recientes se mencionan PERversiones Fundación Sala Mendoza, Caracas, 2018; Despotismo Ilustrado, Caracas-Barquisimeto 2018; y entre las últimas muestras colectivas se encuentra Arte y sociedad, jóvenes creadores venezolanos Caracas – Venezuela, 2018; Edición Premio Mendoza #14. Caracas – Venezuela, 2016 -2017; 10 Edición Salón Octubre Joven. Museo de Valencia – Venezuela, 2016; 3ra Bienal de gráfica en homenaje a Alirio Palacios. Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez. Caracas, 2016; 40° Nacional de Arte Aragua. Edo. Aragua – Venezuela 2015 – 2016. Ha sido merecedora de: Mención Honorifica, en Edición Premio Mendoza #14, Caracas, 2017; Premio en la categoría Libro de Artista en la 3ra Bienal de gráfica en homenaje a Alirio Palacios Caracas, 2017; Ganadora del XX Salón Jóvenes con FIA, Maracaibo, 2017, Ganadora del premio Goethe Institut Caracas, Salón Arte y Sociedad, Carcas 2018, Ganadora de la Mención Artista Emergente Embajada de España otorgada en Edición Premio Mendoza #15 Caracas, 2019.

*Pacabooks es un proyecto editorial independiente de la artista Virginia López, realizado en el marco de PACA_Proyectos Artísticos Casa Antonino (Artist Run Space).Desde PACAbooks se editan: revistas, fanzines, catálogos y libros de artista, relacionados con los proyectos desarrollados por PACA y con las obras, investigaciones y procesos llevados a cabo por las/los artistas en residencia.

 https://virginialopezvl.wixsite.com/pacabooks

[pacaproyectosartisticos]

Encuentro con Dianora Pérez-Escuela de Arte de Oviedo

5 junio 2019

miércoles 5 junio 2019. 12.40h Salón de Actos Escuela de Arte de Oviedo. Encuentro Abierto al público.

https://www.facebook.com/events/2321307997937141/

El Premio Eugenio Mendoza es una de las plataformas de arte contemporáneo de mayor reconocimiento en Venezuela, orientado a respaldar el talento emergente y a confrontar e impulsar la creación y la reflexión en torno a las inquietudes visuales, formales y discursivas de los jóvenes creadores. Este año 2019 PACA colabora con la Fundación gracias al apoyo de la Embajada de España en Venezuela, que ofrece la mención Artista Emergente de la Embajada de España, galardón que contempla una residencia de tres semanas en nuestro espacio, además de una muestra de proyecto en la Sala Mendoza el próximo año. El galardón ha sido otorgado a la artista DIANORA PÉREZ por su obra “Defunciones comprobadas”, proyecto finalista en el Premio Mendoza, seleccionado por Patricia Hambrona. https://www.fundacionsalamendoza.com/dianora-perez

Dianora Pérez realizará su residencia artística en PACA durante el mes de junio. Para poder conocer mejor su obra, procesos de creación y contextos de trabajo, con un especial foco en los libros de artista (con los que Dianora ha obtenido numerosos reconocimientos y premios), hemos organizado, gracias a la colaboración de la Escuela de Arte de Oviedo, un encuentro abierto al público el próximo 5 de junio 2019. Les esperamos!

http://pacaproyectosartisticos.com/dianora-perez-2019/ https://www.escueladearte.com/

Dianora Pérez PACA_Artist In Residence | 3-26 junio 2019 BIO Caracas, 1981. Profesora Artes Plásticas en UPEL – IPC, Caracas, 2008. Actualmente cursante del Doctorado en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe en la misma casa de estudios. Magister en Artes Plásticas, UPEL-IPC, Caracas, 2015. En 2014 realiza estudios de Edición de la UCV, Caracas, Venezuela, y entre los años 2012 y 2015 realiza algunos talleres con el Maestro Nelson Garrido, Juan Toro, Majob Parabavis, Nancy Urosa, entre otros. Inicia su carrera expositiva en el 2002.

Entre sus muestras individuales más recientes se mencionan PERversiones Fundación Sala Mendoza, Caracas, 2018; Despotismo Ilustrado, Caracas-Barquisimeto 2018; y entre las últimas muestras colectivas se encuentra Arte y sociedad, jóvenes creadores venezolanos Caracas – Venezuela, 2018; Edición Premio Mendoza #14. Caracas – Venezuela, 2016 -2017; 10 Edición Salón Octubre Joven. Museo de Valencia – Venezuela, 2016; 3ra Bienal de gráfica en homenaje a Alirio Palacios. Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez. Caracas, 2016; 40° Nacional de Arte Aragua. Edo. Aragua – Venezuela 2015 – 2016. Ha sido merecedora de: Mención Honorifica, en Edición Premio Mendoza #14, Caracas, 2017; Premio en la categoría Libro de Artista en la 3ra Bienal de gráfica en homenaje a Alirio Palacios Caracas, 2017; Ganadora del XX Salón Jóvenes con FIA, Maracaibo, 2017, Ganadora del premio Goethe Institut Caracas, Salón Arte y Sociedad, Carcas 2018, Ganadora de la Mención Artista Emergente Embajada de España otorgada en Edición Premio Mendoza #15 Caracas, 2019.

[paca-artistinresidence]

DIANORA PÉREZ

https://www.instagram.com/dianora_perez/

@ARTDIAMO 

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PACA_Artist In Residence

3-26 junio 2019

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(Caracas, 1981)

.Profesora Artes Plásticas en UPEL – IPC, Caracas, 2008. Actualmente cursante del Doctorado en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe en la misma casa de estudios. Magister en Artes Plásticas, UPEL-IPC, Caracas, 2015. En 2014 realiza estudios de Edición de la UCV, Caracas, Venezuela, y entre los años 2012 y 2015 realiza algunos talleres con el Maestro Nelson Garrido, Juan Toro, Majob Parabavis, Nancy Urosa, entre otros. Inicia su carrera expositiva en el 2002.

Entre sus muestras individuales más recientes se mencionan PERversiones Fundación Sala Mendoza, Caracas, 2018; Despotismo Ilustrado, Caracas-Barquisimeto 2018; y entre las últimas muestras colectivas se encuentra Arte y sociedad, jóvenes creadores venezolanos Caracas – Venezuela, 2018; Edición Premio Mendoza #14. Caracas – Venezuela, 2016 -2017; 10 Edición Salón Octubre Joven. Museo de Valencia – Venezuela, 2016; 3ra Bienal de gráfica en homenaje a Alirio Palacios. Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez. Caracas, 2016; 40° Nacional de Arte Aragua. Edo. Aragua – Venezuela 2015 – 2016. Ha sido merecedora de: Mención Honorifica, en Edición Premio Mendoza #14, Caracas, 2017; Premio en la categoría Libro de Artista en la 3ra Bienal de gráfica en homenaje a Alirio Palacios Caracas, 2017; Ganadora del XX Salón Jóvenes con FIA, Maracaibo, 2017, Ganadora del premio Goethe Institut Caracas, Salón Arte y Sociedad, Carcas 2018, Ganadora de la Mención Artista Emergente Embajada de España otorgada en Edición Premio Mendoza #15 Caracas, 2019.

[manuelhmompo]

Manuel HERNÁNDEZ MOMPÓ (Valencia, 1927 - Madrid, 1992)

Calles de una playa

- Óleo sobre lienzo -

195 x 150 cm

A diferencia de otros pintores abstractos de su generación, más inclinados a la energía y a las dimensiones épicas o dramáticas, la obra de Mompó siempre lleva una impronta lírica. Mompó se formó en Valencia; en la Escuela de Artes y Oficios y, después de la guerra civil, en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Los cincuenta fueron para él años de viaje. Primero una estancia en París (1950-51) y más tarde en Roma, gracias a la pensión para la Academia española. Su pintura, de un cubismo lineal con colores sombríos, de un vago mondrianismo que a veces recuerda a Nicolas de Staël, comienza a transformarse al residir un año (1955) en Holanda y conocer la obra del grupo Cobra. En 1963 pasa un verano en Ibiza que marcará profundamente su obra, infundiendo en ella un colorido más luminoso. En la Bienal de Venecia de 1968 recibió el Premio de la Unesco. En 1984 obtendría el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Desde los años cincuenta, se aprecia en los cuadros de Mompó una sutilización de los seres y cosas hasta reducirlos a mínimos signos abstractos, como antes habían hecho Klee y Miró. Luego esos signos de color se van espaciando. A partir de un cierto momento, el pintor prescinde de las imprimaciones grises en sus telas y alcanza un blanco deslumbrante. Ese fondo blanco es el medio donde proliferan en libertad diminutos personajes y objetos. Entre algunos tonos quebrados, diluidos, brotan aquí y allá las notas de color más vivo: un trazado punteado en azul, un triángulo azul, otro pequeño triángulo amarillo; dos, tres pequeñas flechas que indican direcciones. Es como el plano o el mapa maravilloso de un lugar habitado por un incesante movimiento y animación: el tráfago en las calles de una ciudad, el hormigueo de la multitud en un mercado o en una fiesta campestre. (Texto de Guillermo Solana Díez, dentro del libro "El Arte en el Senado", editado por el Senado, Madrid, 1999, pág. 410).

@senadoesp

https://www.senado.es/web/conocersenado/arteypatrimonio/obrapictorica/detalle/index.html?id=SENPRE_014673#

#senado #arteenelsenado #senadoesp #mompo #manuelhernandezmompo #manolomompo #hernandezmompo #manuelmompo #Mompó #manuelhmompó #manuelhmompo #manuelhernandezmompó #hernándezmompó #manuelhernándezmompó #manolomompó #hernandezmompó #manuelmompó #espacialismo #spatialism #spatialisme #Raumlichkeit #abstractartist #spanishartist #informalism #informalismo #informalisme #Informalismus #arteabstracto #artmuseum ##abstractart

[itsnicolasvalencia]

En el contexto de la 28° Bienal Colombiana de Arquitectura y Urbanismo, el arquitecto chileno Nicolás Valencia participará en el conversatorio 'Comunicación y arquitectura' este 17 de noviembre junto a la arquitecta colombiana Paola Lobo y el arquitecto colombiano Juan Sepúlveda.

17 de noviembre | 15:00 GMT-5 | Sala 2 virtual

Conoce más sobre el programa de la 28° Bienal Colombiana de Arquitectura y Urbanismo 

[crushesducinema]

Entrevista con Matt Porterfield: "Cuatro paredes"

Cuatro paredes es un cortometraje del director Matthew Porterfield, ha escrito y dirigido cuatro largometrajes: Hamilton (2006), Putty Hill (2011), I Used to Be Darker (2013) y Sollers Point (2018), todos ellos ambientados en su ciudad natal, Baltimore. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del MoMA y del Harvard Film Archive y se ha proyectado en la Bienal de Whitney, el Walker Arts Center, el Centre Pompidou, la Cinematheque Française y en festivales de cine como Sundance, Berlinale, San Sebastián, Rotterdam, BAFICI y SXSW. Cuatro paredes se encuentra disponible en MUBI.

[English below]

Pensaba que podríamos empezar con unas palabras sobre la realización de Cuatro paredes. ¿Cómo empezó todo?

Todo fue muy rápido, fue en julio de 2020 cuando todo seguía detenido, Bárbara López estaba en la ciudad y tuvimos un par de días para tener una idea, fue muy liberador porque normalmente paso años en cada película. Los cortometrajes que he hecho, Cuatro paredes y Take What You Can Carry, se hicieron en poco tiempo, ambos en estrecha colaboración con el director de fotografía y la actriz, ambos sin guión. Se me ocurrió un escenario y pensé en algunas cosas que quería ver. En ambas películas incorporé muchos textos que resonaban conmigo, de hecho hay un crossover entre el texto utilizado en Cuatro paredes y Take What You Can Carry, principalmente partes de un texto del escritor francés George Perec llamado Especies de espacios, así que los textos fueron elegidos por la manera en que me hacían sentir; todos están escritos en diferentes idiomas, en diferentes épocas y en diferentes contextos, parte del reto fue traducir los textos y luego adaptarlos. Ese proceso estaba en diálogo con Bárbara, teníamos una cámara, unos lentes muy buenos, dos días para hacer la película y dos días para concebirla. Es una sola locación porque no tuve mucho tiempo para pensar en ello, y no pensaba realmente en el público. Solo pensaba: "Ok ¿qué me interesa? ¿Qué estoy sintiendo? ¿Qué quiero ver? Me gusta trabajar así, a veces es difícil llegar a ese punto cuando pasas meses o años en una película.

En Notebook MUBI compartiste un poco el proceso detrás de la concepción de Cuatro paredes, incluyendo las escenas y como fueron escritas. ¿Ya habías imaginado algunas de las escenas antes y pensaste "este es el proyecto para ellas", o todo surgió en esos dos días una vez que supiste que habría a tu alcance?

Lo último, aparte de los textos que significan algo para mí desde hace años, las imágenes y las ideas o el personaje surgieron muy rápido. Estuve pensando dónde quería grabar y Paulina Valencia y yo ya teníamos mucho tiempo hablando  sobre grabar en el túnel de Playas, así que me pareció un buen lugar para empezar, saliendo de la oscuridad. Me subí a mi carro y maneje un par de veces, mientras manejaba estaba escuchando un disco que un amigo sacó el año pasado, es de Baltimore y se llama Naeem Juwan, había una canción de amor llamada Stone Harbor y pensé que ella podría cantarla. Aunque en la versión final no la escuchas cantar, sigue estando ahí, se pueden ver sus labios moviéndose, esa fue una de las primeras imágenes.

Luego pensé: "Ok, está llegando a Tijuana, así que no vive aquí, ¿por qué está aquí?" Estaba pensando en mi papá, que falleció el año pasado, y en unas cartas que me escribía su hermana, y pensando en la pérdida de mi padre y en su recuerdo fue como empezó la idea de la carta. Grabamos unas cosas por la playa pero no las usamos. Lo del globo surgió porque Bárbara estaba haciendo un entrenamiento de voz y es una técnica para fortalecer la respiración. Me gusta que el público no sepa por qué está haciendo eso, me gusta que también sugiere la respiración, algo en lo que todos estábamos pensando en relación a COVID, pero vi que lo usaba y dije "Vamos a hacer esto, a lo mejor usas el globo mientras cantas". Quería ver lo que Bárbara podía hacer con un texto muy largo y me impresionó que se lo aprendiera, lo adaptara y lo hiciera suyo en 48 horas, es mucho material pero me encanta ese texto, es de una novela japonesa que salió en el 77, el año en que nací y me gusta como testimonio de una especie del poder de la imaginación. En esta película pensé que sería interesante intentar evocar imágenes a través del texto, que sugieran un mundo más allá de la pantalla.

Me parece adecuado lo que mencionas sobre evocar imágenes a través del texto debido a nuestro contexto actual. No hay mucho que se pueda hacer estando encerrados y hay algunos detalles como el grabar en una sola locación, el título siendo Cuatro paredes y la selección de textos, parecen piezas que unidas evocan la sensación de estar en un espacio en específico, de estar dentro de tu mente. ¿De dónde salieron todos los textos? ¿Los guardabas para otro proyecto?

De hecho hay una versión de Take What You Can Carry en la que traté de incorporar el monólogo de una manera diferente, lo grabamos pero al final no funcionó. Así que pensé que podría intentarlo de nuevo y sentí que Bárbara podía hacerlo, tiene experiencia con telenovelas en donde te dan el texto el día anterior, le pregunté qué le parecía memorizar un monólogo largo y ella estaba bastante segura de que podría hacerlo.

Quería incorporarlo de una manera que se sintiera org��nica, conectada, algo realista y así nació la idea de las notas de voz para el tercer texto, sabía que quería escuchar la voz de Paulina y también quería usar el texto que escribió sobre su abuelo. La primera nota de voz era la única parte con guion, muy casual, y luego la segunda nota es un texto que Paulina había escrito, la carta que recibe es una combinación de diferentes correos electrónicos que mi tía me ha enviado. Hay una canción que le canta al gato, es algo que me enseñó Paulina y que yo solía cantar. Quería que el monólogo fuera una continuación del diálogo con su amiga, pero también podría estar hablando con ella misma, con el público, no se sabe muy bien.

Has mencionado Take What You Can Carry, que junto con Cuatro paredes, son las únicas cosas que has hecho fuera de Baltimore. Ambas se grabaron en países que hablan otro idioma. Pienso en los textos, en el hecho de traducirlos y adaptarlos. Y también el trabajar con gente que habla otro idioma. ¿Cómo ha sido esa experiencia? 

Siento que tengo esta necesidad de ampliar mi práctica y ver algunos de los temas que he explorado en el trabajo que he hecho en Baltimore, aplicarlos en otros espacios o países. En ambos casos he tenido relaciones previas con la gente con la que he trabajado y eso ha sido esencial porque siempre he estado comprometido con intentar contar historias auténticas sobre mi ciudad, que frecuentemente es representada en los medios de manera negativa y caricaturesca. Si trabajo en un lugar en el que soy un extranjero, quiero estar rodeado de colaboradores que sean de ese lugar. Creo que estas relaciones me ayudan a evitar los clichés o la ignorancia, por así decirlo. Estoy desarrollando mi siguiente largometraje [en Tijuana] con Paulina y le cuento mis ideas, me da su opinión y me hace saber si voy en la dirección equivocada, ese tipo de diálogo es importante para mí, para sentirme seguro y confiado al trabajar fuera de lo conocido.

Luego está la cuestión del idioma y, aunque sigo aprendiendo español, quería dirigir una película en español como una especie de prueba para ver si podía identificar una actuación auténtica en algo que no es mi primer idioma. Porque, ¿cuánto de una actuación es el lenguaje? ¿Qué parte de la actuación son las palabras? ¿Qué rodea a las palabras? Y aquí estaba escuchando las palabras y aunque estaba familiarizado con la traducción porque conocía el texto, era muy emocionante escuchar el monólogo en español, cuando ella lo dijo fue la primera vez que yo lo escuchaba, nunca habíamos practicado. Sigo teniendo esa experiencia cuando la veo, no leo los subtítulos y solo escucho las palabras. Fue un buen experimento.

En cuanto al próximo proyecto, sé que el duelo es un tema con el que volverás a trabajar. Me interesa saber sobre este y otros temas a lo largo de tu trabajo. ¿Cuáles son los que crees que permanecerán en tus películas? ¿Cuáles son los que estás empezando a usar?

Creo que el duelo, la pérdida y la ausencia son temas que están presentes en toda mi obra, pero también creo que cuando hice Putty Hill, que toca esos temas, no había tenido una experiencia profunda con el duelo y ahora, después de perder a mi padre, me ha interesado intentar articularlo mejor, así que esto es definitivamente un ejercicio para intentar empezar a hacerlo. Pero el duelo no es algo para lo que estés preparado, no hay un manual. Es algo universal pero también muy particular. Sigo interesado en tocar otros temas, la familia es uno de los más importantes para mí, menos la familia en la que naces y más la familia que creas o formas conforme vas creciendo, esas relaciones me interesan.

También diría que los jóvenes de ahora son diferentes en muchos aspectos a los de mi juventud, los coming-of-age o la transición de la niñez a la adultez y la adolescencia entre eso me interesa mucho, creo que todavía puedo explorar esos temas aunque me sienta más alejado de ellos. Algo con lo que no he trabajado o he intentado mostrar en ninguna de mis películas son las relaciones románticas. Hice una película sobre el divorcio, pero eso es sobre el final de una relación. Me gustaría intentar algún día representar un amor sano y mutuo entre dos personas, es algo que no he podido escribir o incorporar en ninguna de mis historias hasta ahora.

¿Y cómo ha sido la experiencia de estrenar en plataforma? Hay muchos fans apoyando a tu actriz principal y el cortometraje se estrenó en MUBI, lo que le dio más alcance de lo común para un estreno mundial. ¿Qué puedes decirnos sobre eso?

No tenía ni idea de cómo sería recibida la película, ningún festival la quería así que se la envié a un par de distribuidores y, afortunadamente, les gustó mucho. Sabía que a Bárbara también le gustaba mucho la película, así que le dije que íbamos a estrenar en MUBI, que le encanta, y ella tiene muchos fans, siempre es genial cuando un actor trae un nuevo público a tu trabajo, en este caso fue un público predominantemente hispanohablante. Ha estado bien ver cómo le va.

Me ha gustado la respuesta en general, he leído los comentarios, la mayoría positivos. Van desde "me encanta esta película" hasta "esta película es pretenciosa" y me parece bien, creo que pretencioso es una de esas palabras, como bizarro, que en realidad ya no tiene significado, pretencioso realmente significa que estás tratando de hacer algo o ser algo que no eres, y creo que esta película es lo contrario porque está tratando de hacer exactamente lo que hace, y te gusta o no. Andy Warhol dijo: "Me gustan las cosas aburridas", y muchas de las cosas a las que respondo pueden parecerle aburridas a otras personas, y hay que estar de acuerdo con eso. He visto algunos comentarios de Francia, algunos en turco, en ruso, a algunos les ha gustado mucho y otros la odiaron. Pero me alegro de que a Bárbara le guste tanto la película y que a sus fans también. Y me encanta MUBI, creo que está bien programado. Hay muchas cosas geniales, y hay cosas que no me gustan, siempre es emocionante y creo que eso lo hace interesante.

[English]

Cuatro paredes is a short film by the director Matthew Porterfield, he has written and directed four feature films: Hamilton (2006), Putty Hill (2011), I Used to Be Darker (2013) and Sollers Point (2018) — all set in his native city of Baltimore. His work is in the permanent collections of the MoMA and the Harvard Film Archive and has screened at the Whitney Biennial, the Walker Arts Center, Centre Pompidou, Cinematheque Française, and film festivals such as Sundance, Berlinale, San Sebastian, Rotterdam, BAFICI and SXSW. Cuatro paredes is available on MUBI.

I thought we could start with a few words about making Cuatro paredes. How did everything start?

This one came together really quickly, in July 2020 when things were still very much shut down Bárbara López was in town and we had a couple days to come up with an idea, which was very liberating because usually I spend years on each film. So the short films I’ve made, Cuatro paredes and Take What You Can Carry, were made in a small amount of time, in close collaboration with the cinematographer and an actress and not scripted. I just came up with a scenario and some things I wanted to see. In both of these films I incorporated a lot of texts that were resonating with me, in fact there’s some crossover between the text used in Cuatro paredes and Take What You Can Carry, mainly selections from a text by the French writer George Perec called Species of Spaces, so the texts were chosen because of the way they made me feel; they are all written in different languages, in different times and in different contexts, part of the challenge here was to translate the texts and then adapt them. That process was really in dialogue with Bárbara, so we had a camera, some really nice lenses, two days to make the film, two days to conceive of it. It’s only one location because I didn't have so much time to think about it, I wasn’t really thinking about an audience. I was just like: “Okay, what interests me? What am I feeling? What do I wanna see? I like working that way, it’s hard to get to that place sometimes when you're spending months or years on a film.

You shared a bit of the process behind conceiving Cuatro paredes in Notebook MUBI, including the scenes and how they were written. Did you have some of the scenes planned out before knowing you were able to shoot the film and thought “this is the project for them”, or did everything come up in those two days once you knew what resources you had?

The latter, aside from the texts which have meant something to me for years, the actual images and ideas or the character came together really quickly. I was thinking where did I wanna shoot and Paulina Valencia and I talked about shooting in the tunnel above Playas for a long time so that seemed like a good place to start, coming out of darkness. So I just got in my car and drove it a couple times and when I was driving I was listening to this record that a friend of mine released last year, he’s from Baltimore and his name is Naeem Juwan, there was this one love song he wrote called Stone Harbor and I thought maybe she could be singing it. Even though in the final version you don’t hear her singing it’s still there, you can see her lips moving, that was one of the first images.

Then I was like: “Okay, she’s arriving in Tijuana so she doesn't live here, so why is she here?”, I was thinking about my dad who passed away last year and these letters that his sister was writing to me, and thinking about the loss of my dad and his memory was how the idea for the letter began. We shot some stuff by the sea but we didn’t end up using it. The balloon came about because Bárbara was doing some voice training and it's a technique to strengthen your breathing. I like that the audience doesn’t know why she’s doing that, I like that it also suggested breath, something that we were all thinking about a lot in relation to COVID, but I saw her use it and I said: “Yeah, let's do this thing, maybe you'll use the balloon while you sing”. I really wanted to push Bárbara to see what she could do with a really long text and I was super impressed that she learnt it, adapted it, and very much made it her own in like 48 hours, it’s a lot of material but I love that text, it's from a Japanese novel that came out in ‘77, the year I was born and I like it as a testament of this sort of power of the imagination. In this film I thought it would be interesting to try to conjure images through text that suggested this world beyond frame, beyond the screen.

I find really fitting what you mention about conjuring images through text because of our current context. There’s not much you can do in confinement and there are some details like shooting in one location, the title meaning four walls, and the selection of texts that seem like pieces that together evoke a feeling of being in a specific space, of being inside your head. Where did all the texts come from? Were you saving them for something else?

There’s actually a version of Take What You Can Carry where I tried to incorporate the monologue in a very different way but it didn’t work, we shot it but it didn’t feel right in the end. So I thought I could try it again and I felt that Barbara would be up for the task, given her experience with telenovelas where you're given the text the day before, I asked her how she felt about memorizing a long passage and she was pretty sure she could do it.

I wanted to incorporate it in a way that felt organic, connected, somewhat realistic and so the idea of the voice memos was born for the third text, I knew I wanted to hear Paulina’s voice and I also wanted to use this text she wrote about her grandfather. The first memo was the only scripted part, very casual, and then the second is a piece that she’d written and of course the letter that she receives which is a combination of different emails that my aunt has sent me. There’s the little song she sings to the cat which is something that Paulina taught me and I used to sing. I wanted the monologue to be like a continuation of the dialogue with her friend but she could also be talking to herself, to the audience, you don’t really know.

You mentioned Take What You Can Carry, which along with Cuatro paredes, are the only things you’ve shot outside of Baltimore. Both were filmed in countries that speak another language. I think about the texts, translating and adapting them. And also working with people in another language. What has that experience been like? 

I feel like I have this growing need to expand my practice and see some of the same themes that I’ve explored in the work that I’ve made in Baltimore, apply them in other spaces or countries. In both instances I have pre-existing relationships with the people that I was working with and that's been essential because I’ve always been very committed to try and tell authentic stories about my city, which is often represented in the media in negative and caricatured ways. If I'm working somewhere where I'm an outsider I really want to be surrounded by collaborators that are from that place. I find that these relationships help me hopefully avoid cliches or ignorance if you will. I'm planning a feature here [in Tijuana] with Paulina and I run ideas by her, she’ll give me feedback and let me know if I'm heading in the wrong direction, that kind of dialogue is really important to me, to feel safe and confident in working outside of what I know. 

Then there's the question of language and though I'm learning Spanish, I wanted to direct a Spanish language film as a kind of test to see if I could identify a strong and authentic performance in a language that is not my native language. Because how much of a performance is language? How much of a performance is the words? What surrounds the words? And here I was listening to the words and I was familiar with the translation, I knew the text, but it was very exciting to really listen to the monologue in Spanish, her reciting it was my first time hearing it, we never practiced. I still have that experience when I’m watching, I’m not reading the subtitles and I'm just listening to words. It was a good experiment.

Regarding the next project, I know that grief is a theme you’ll be working with again. I was wondering about this and other themes throughout your work. What are those that you believe will remain in your films? What are the ones you’re starting to work with now?

I think grief, loss, and absence are themes throughout my work but I also think that when I made Putty Hill, which touches upon those themes, I hadn't really had a profound experience with grief myself and now after losing my dad I’ve been interested in trying to articulate it more fully, so this is definitely an exercise in attempt to begin that. But grief is not something you’re prepared for, there’s no manual. It’s something universal but also very singular. I'm still interested in exploring other themes, family is a big one for me, maybe less the family you're born into but more the family you make as you grow older, those relationships interest me.

I would also say that young people now are different in many ways than I was young, so coming-of-age, or the transition from childhood to adulthood and adolescence in between very much interests me and I think I can still explore those themes even though I may feel further from it. Something I haven't really worked through or attempted to depict in any of my films are romantic relationships. I made a film about divorce more or less, but that's about the end of a relationship. I’d love to one day try to depict healthy and mutual love between two people on screen, that's something that I just haven't been able to write or incorporate into any of my stories so far.

And how is the experience of releasing it online? There’s a big fanbase behind your main actress and it was released on MUBI which gave it more exposure than usual for a worldwide premiere. What can you tell us about it?

I really had no idea how this film would be received, no festivals wanted this film so I sent it to a couple of distributors and thankfully they really liked it. I knew Barbara really liked the film too so I told her we would release it on MUBI, which she loves, and she has a really loyal and large fanbase so it’s always cool when an actor brings a new audience to your work, in this case a predominantly Hispanic speaking audience. It was good to see how it played. 

I’ve been pleased with the response overall, I’ve read the comments, most of the positive ones. It’s either like “I love this film” or “this film is pretentious” and I'm fine with that, I think pretentious is one of these words, like bizarre, that actually has no meaning anymore, what pretentious really means is that you're trying to do something or be something that you're not, and I think this movie is the opposite because it’s trying to do exactly what it does and you either like it or not. Andy Warhol famously said “I like boring things” and a lot of the things that I respond to other people may find boring and you have to be okay with that on some level. I saw some comments from France, some in Turkish, in Russian, some people really liked it, and others hated it. But I’m happy that Barbara loves the film so much and that her fans love the film. And I love MUBI, I think it’s well curated. There's a lot of cool stuff, and there’s stuff I don’t like, it’s always exciting and I think that makes it interesting.

Melissa Castañeda

Produzco pelis y mi mayor logro es que mi perrita se emociona cuando las ve. Me quedo dormida en el cine y mis dos directores favoritos son Cáncer.

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¿Quién es Jesús Leos Rodarte? ->

Vive y trabaja en Monterrey.

Estudió la Licenciatura en Lenguajes Audiovisuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León.  Cursó el Programa de Fotografía Contemporánea PFC15 en Monterrey y el Diplomado en Prácticas de investigación en coreografía, danza y performance ¿Cómo encender un fósforo? en la Ciudad de México. En 2016 su obra representó a México en la IX Bienal de Arte Contemporáneo SIART de La Paz, Bolivia. Ese mismo año fue artista seleccionado en la XVII Bienal de Fotografía. Ha expuesto su trabajo en museos, teatros y espacios de México, Italia y Bolivia como: All Art Lab, Casa de la Cultura Franz Tamayo, Centro de la Imagen, Fototeca Nuevo León, Gran Sala del Teatro de la Ciudad de Monterrey, Centro de las Artes, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO y Museo Metropolitano de Monterrey, por mencionar algunos.

Es autor de los conciertos: “Concierto silente” (2019) y “Concierto calor” (2020).

Ha colaborado con los artistas: Yolanda Leal, Rafael Casas-Garza, Katia Castañeda, Jael Orea, Alberto Montzi, Gibrán Valencia y Leticia Cordero Mote.

Obtuvo la beca PECDA Nuevo León 2013 en el área de danza junto al Colectivo La Aurora, del cual fue miembro fundador, coreógrafo e intérprete, así mismo fue ganador del I Concurso de Coreografía de la Facultad de Artes Escénicas de la UANL en 2009.

Ha estudiado con maestros como: Jeremy Nelson, Xavier Le Roy, Irving Dominguez, Ruby Gámez, Javier Ramírez Limón, Alma Quintana, Enrique Ruiz, Janusz Subicz, K.J. Holmes, Benito González, Silverio Orduña, Robert Steijn y Sunny Savoy por mencionar algunos.    

Actualmente también trabaja como mediador para el museo de la Pinacoteca de Nuevo León y desde el 2019 co-dirige el fanzine de cuentos Soy Para Ti junto a Carolina Sánchez, cuyas ediciones han llegado a manos de personalidades como: Cristina Pacheco y La Prohibida.