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Del 04de abril al 23 de junio del 2024

VC#034 CARLA ANDRADE

El trabajo de Andrade se sitúa en un punto intermedio entre el cine de no-ficción y el cine experimental, desde donde se acerca, de manera conceptual y con un riguroso formalismo estético, a la naturaleza más salvaje, aquella que escapa del control humano, con especial protagonismo del agua; ríos y mares de todo el mundo que la conectan con su Galicia natal.

En su obra utiliza tanto formatos analógicos; super-8 y 16mm, como digitales, elementos que le permiten redefinir la noción de espacio-tiempo, con un marcado carácter simbólico, en donde lo lírico y lo filosófico se encuentran, para romper con el discurso hegemónico de la tradición patriarcal.

La idea de viaje y el desplazamiento a lugares remotos como la República Centroafricana, Nepal o Chile se concibe como una forma de conocimiento a través de lo otro y de distanciamiento de las estructuras rígidas que construimos a lo largo de nuestra vida. Este proceso constata el hecho de las múltiples posibilidades y visiones, estimulando la aceptación, la mirada integradora y acumulativa. Sin embargo, se reconoce la imposibilidad de escapar por completo de la condición occidental y europea cuestionando que se va a buscar cuando se va fuera que no esté en uno mismo. Este enfoque es también un elemento representativo de toda su práctica.

OBRAS:

Listen To Me. Sonido. Color / Blanco y negro. super-8 + Vídeo HD (16:9). 2016. 7’

Ningún río me protexe de min. Sonido. Color / Blanco y negro. super-8 + Vídeo HD (16:9). 2021. 27’

Amarillo Atlántico. Sonido. Color / Blanco y negro. super-8 + Vídeo HD + Fotografía 35mm y 120mm. 2022. 14’

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Programa Metrópolis de La2 de RTVE, dedicado a los 10 años de VIsiones Contemporáneas en el DA2 - Domus Artium 2002

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Del 10 de noviembre de 2023 a febrero del 2024

VC#033 CABELLO/CARCELLER

Cabello/Carceller, parten de la instalación, la performance, el vídeo, la escritura y el dibujo para cuestionar los modos hegemónicos de representación en las prácticas visuales y ofrecer alternativas críticas. La construcción social de la identidad y las políticas sexuales y de género atraviesan toda su trayectoria. Sus proyectos son de carácter colaborativo, incorporando así voces minorizadas.

Trabajan conjuntamente desde el año 1992. Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, Matadero-Madrid, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, IVAM de Valencia, en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, Azkuna-Zentroa de Bilbao y en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de Ciudad de México.

Asimismo, han llevado a cabo comisariado de exposiciones y son autoras de varias publicaciones. Su obra se encuentra en colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Fundación La Caixa de Barcelona o el MACBA de Barcelona. Están representadas por las galerías Elba Benítez de Madrid y Joan Prats de Barcelona. En 2015 representaron al pabellón español de la Bienal de Venecia convirtiéndose en referente dentro de las prácticas artísticas contemporáneas a nivel internacional. Este año participan en la 35 Bienal de São Paulo.

OBRAS

MicroCinema: Actos 1—3. Casting: James Dean (Rebelde sin causa). Sonido. Color. Vídeo DV (4:3) 2004. 32’50’’ Ejercicios de poder. Casos: Liam Neeson (La lista de Schindler). Fred MacMurray, Jack Lemmon (El Apartamento). Sonido. B/N.  Vídeo DV (4:3) 2005. 8’15’’ After Apocalypse Now: Martin Sheen (The Soldier). Sonido. Color. Vídeo DV (16:9)  2006-7. 9’54’’

A/O (Caso Céspedes). Sonido. Color. Digital. 2009-10. 14.39’’

Movimientos para una manifestación en solitario. Sin Sonido. Color. Digital. 2021. 6’

El 10 de noviembre con motivo de la inauguración del Visiones Contemporáneas dedicado a Cabello/Carceller, habrá un encuentro con les artistes a las 19h en La Cocina del DA2, con entrada libre.

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Los días 29 y 30 de octubre Visiones Contemporáneas viaja al Museo Index de Estocolmo, para presentar un programa especial que propone un juego intergeneracional con la artista sueca, Catti Brandelius, ocupando el display de su exposición Miss Universum, a través de obras realizadas por artistas mujeres que hablan sobre construcción de identidad, feminismo, relaciones institucionales de poder en el marco del arte contemporáneo, mercantilización de los cuerpos y la representación de lo considerado como femenino en las narrativas de ficción.

OBRAS Ana Esteve Reig - La voz digital. Sonido. Color. Digital. 2018. 8’ Lúa Coderch - Vida de O. Sonido. Color. Digital. 2018. 43’ Momu & No Es - Tales of Wonder Site. Sonido. Color. Digital. 2010. 24’ Núria Güell - La Feria de las Flores. Sonido. Color. Digital. 2015-16. 42’ Eli Cortiñas - Confessions with an open curtain. Color. Digital. Sonido. 2011. 6’

El día 29 a las 16h habrá un encuentro entre Natalia Piñuel y Enrique Piñuel (Playtime Audiovisuales) con el público asistente y el día 30 habrá un encuentro con Núria Güell.

Actividad realizada con el apoyo de PICE (AC/E Acción Cultural Española) y la Embajada española en Suecia

Más info aquí

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Del 08 de junio al 01 de octubre del 2023

VC#032 SILVIA ZAYAS

Nacida en León y con base actual en Barcelona, Silvia Zayas trabaja en los límites de las artes escénicas, el cine y la coreografía expandida. Investiga formas de trasladar el lenguaje fílmico a diferentes dispositivos performativos, y mecanismos escénicos al terreno audiovisual trabajando con nuevos modos de percepción y atención al espectador. Un cine que viene a través de fantasmas, agujeros y exclusiones, instrumentos imposibles, experiencias subacuáticas, explosiones, lo infantil y la ficción de la memoria, imaginarios extraños de trazos históricos y todo eso que aún no podemos alcanzar a saber. Sus trabajos se contemplan como procesos de investigación compartida y de larga duración que se pueden materializar en diferentes formatos.

Este Visiones Contemporáneas se centra en su trayectoria audiovisual más inmediata con dos películas que ponen el foco en la naturaleza, el entorno y las ficciones especulativas; ê (2021) película que se sumerge en el Mediterráneo en el entorno de la ciudad de Barcelona, en busca de una variedad de pez raya mientras asistimos a las alteraciones en la percepción sensorial submarina y Puebla (Co dirigida junto con María Jerez, 2021) una coreografía fantasmagórica en un pueblo expropiado, que no abandonado.

Sus obras han sido presentadas en La Casa Encendida, Museo Reina Sofía, Matadero y Teatros del Canal en Madrid, Festival Salmon y Arts Santa Mònica en Barcelona y el MUSAC de León entre otros. En 2020 fue galardonada con la beca de videocreación, Multiverso otorgada por la Fundación BBVA. Esta será la primera vez que expone en Salamanca.

OBRAS

Puebla, co dirigida con María Jerez. Sonido. Color. Digital. 2021. 36’.

ê. Sonido. Color. Digital. 2022. 44’.

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El libro Visiones Contemporáneas: Últimas tendencias del cine y el vídeo en España (2013-2022) compila diez años del proyecto expositivo con el mismo título que tiene lugar en el DA2 Centro de Arte Domus Artium 2002 de la ciudad de Salamanca, convertido en referente de estas prácticas artísticas. Ofrece un análisis exhaustivo de las treinta exposiciones y artistas que han pasado por el proyecto desde el año 2013: Félix Fernández, Alex Reynolds, Chus Domínguez, Albert Alcoz, Arrieta / Vázquez, Laida Lertxundi, Left Hand Rotation, Eli Cortiñas, Víctor Iriarte, Regina de Miguel, Lois Patiño, Momu & No es, Eloy Domínguez Serén, Las chicas de Pasaik, María Ruido, Rosana Antolí, Diana Toucedo, Dora García, Elena López Riera, David Domingo, Núria Güell, Lúa Coderch, María Cañas, Carles Congost, Maddi Barber, Tuixén Benet, Cristina Lucas, Greta Alfaro, Ana Esteve Reig y Andrés Duque, realizado por los autores y comisarios del proyecto, Enrique Piñuel y Natalia Piñuel (Playtime Audiovisuales)

Sin duda este libro sirve como guía y testimonio para conocer la producción audiovisual contemporánea en nuestro país más allá del cine comercial. La publicación cuenta además con las firmas invitadas de Tate Díez (responsable de exposiciones de Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes) y Pablo Martínez (investigador en el CSIC y exdirector de los programas y actividades culturales de los museos MACBA de Barcelona y CA2M en Madrid).

Disponible a la venta en La librería El Argonauta de Madrid y en la tienda del DA2 Salamanca.

También online aquí - https://www.elargonauta.com/libros/visiones-contemporaneas-ultimas-tendencias-del-cine-y-el-video-en-espana-2013-2022/978-84-09-47135-5/

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Del 02 de marzo al 28 de mayo del 2023 VC#031 LUR OLAIZOLA

Cineasta guipuzcoana, el trabajo de Olaizolase se enmarca dentro del cine de no-ficción y está dedicado fundamentalmente al retrato de mujeres cuya memoria no ha quedado recogida en el relato oficial de la historia.

Aborda el tema de la memoria tanto como hecho individual como social, reflexionando también sobre la forma de representarla en imágenes. Las imágenes se convierten así en el eslabón entre el recuerdo del pasado y su transposición al ahora.

En las películas de Olaizola está presente la figura de la propia cineasta, ya sea delante o detrás de la cámara, como una directora que escucha a sus personajes. Siendo la palabra un herramienta fundamental para exaltar la imaginación del espectador y para que el pasado no se olvide y siga vivo. En su obra voz y texto se convierten en elementos de gran potencia cinematográfica.

Sus películas se han visto y han sido premiadas en el marco de festivales internacionales como; Sheffield Doc Fest (Reino Unido), Cinéma du Réel (Francia), Festival internacional de cine de San Sebastián, Zinebi de Bilbao, Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona, Festival de Cine de Xixón o Festival Punto de Vista de Navarra. En 2021 fue seleccionada para el programa Berlinale Talents del Festival de cine de Berlín y es coordinadora de los programas audiovisuales en Tabakalera - Centro Internacional de Cultura Contemporánea de San Sebastián - Esta será la primera vez que expone su obra en Salamanca.

OBRAS

Xulia. Sonido. Color. Digital. 2019. 16’

Zerua Blu. Sonido. Color. Digital. 2021. 14’

Hirigarren koadernoa. Sonido. Color. Digital. 2022. 21’

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Visiones Contemporáneas; Últimas tendencias del cine y el vídeo en España (2013 - 2022)

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Del 30 de octubre al 12 de febrero del 2023 VC#030 ANDRÉS DUQUE [web de la artista]

Cineasta español nacido en Caracas (Venezuela). Su obra transita por las fronteras de la no-ficción, con un fuerte carácter ensayístico y documental. Más que planificar de antemano, encuentra sus películas, las cuales surgen de experiencias personales que le acaban embarcando en viajes obsesivos o de personajes con los que conecta de manera especial y que tienen una historia que pide ser contada; trabajando en su cine, fundamentalmente, en torno al retrato y el autorretrato.

Las obras presentadas en este Ciclo responden a su trabajo e investigación en la periferia de la no-ficción y los márgenes del ensayo audiovisual en torno al retrato y los personajes extremos, pero también haciendo referencia a la identidad de director migrante en territorio español. Andrés Duque se posiciona y sitúa en un lugar incómodo, eligiendo formalmente una estética no sólo inmigrante si no directamente nómada. Duque maneja sensibilidades que no se sostienen por sus raíces culturales, sino por unos deseos que permiten cruces identitarios y artísticos. Repensar el denominado transnacionalismo, no desde una lógica capitalista sino desde una concepción personal pluridentitaria, que permite desdibujar las fronteras, siendo por lo tanto liberadora para el propio artista.

Con cinco largometrajes dirigidos hasta la fecha: Color perro que huye (2011), Ensayo final para Utopía (2012), Oleg y las raras artes (2016), Carellia Internacional con movimiento (2019) y Monte Tropic: una historia del confinamiento (2022) y numerosas obras de corta duración, ha exhibido en centros de arte nacionales como MNCA Reina Sofía, CA2M y La Casa Encendida de Madrid, MACBA de Barcelona, MUSAC de León o Artium de Vitoria e internacionales como MUMOK - Museo de Arte Moderno de Viena, GARAGE - Museo de Arte Contemporáneo de Moscú o el Museo del Hermitage en San Petersburgo y ha sido seleccionado y premiado en algunos de los festivales internacionales de cine más prestigiosos: Festival de Róterdam (Paisaes Bajos); Viennale (Austria); FidMarseille y Cinema du Reel (Francia); BAFICI (Argentina); FICUNAM (México); Jihlava (República Checa) o Festival Punto de Vista (España) por citar unos pocos. En el año 2013 recibió el premio ciudad de Barcelona y en 2017 la beca Multiverso de Videoarte de la Fundación BBVA. Esta será la primera vez que su obra se expone en Salamanca.

OBRAS

Iván Z. Sonido. Color. Digital. 2004. 53'

Paralelo 10. Sonido. Color. Digital. 2005. 26’

Color Perro que Huye. Sonido. Color. Digital. 2011.70’

Monte Tropic (Una historia del confinamiento) Sonido. Color. Digital. 2022. 73’

Este Visiones Contemporáneas dedicado a Andrés Duque se completará con una master class, que el cineasta impartirá el día de la inauguración de su exposición, 10 de noviembre, a las 19h. en el DA2, con entrada gratuita.

Esta exposición ha contado con las ayudas para la promoción del arte contemporáneo español dependientes del Ministerio de Cultura y Deporte del Gobierno de España.

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Del 09 de junio al 30 de otubre del 2022 VC#029 ANA ESTEVE REIG [web de la artista]

Ana Esteve Reig enfoca su trabajo hacia el vídeo abordando a través de su obra cuestiones como la construcción de arquetipos sociales, la dicotomía entre realidad y ficción y las dinámicas sociales en la realidad virtual.

En su obra indaga en la ficción como capa fundamental para comprender lo real implícito también en la proyección que cada uno llevamos a cabo de nuestra personalidad en las redes sociales e internet.

Para este Visiones Contemporáneas hemos seleccionado cuatro obras suyas que están centradas en investigar el comportamiento humano y nuestra relación con la tecnología, indagando en diferentes formas de escapismo y evasión de la rutina, de las vinculadas a la noche y la fiesta a las relacionadas con las distintas identidades que pueblan el SXXI a través del mundo virtual. Intentando entender el posicionamiento del individuo dentro de la pluralidad de la sociedad contemporánea.

Ana Esteve es natural de Agres (Alicante), actualmente, tiene base en Madrid donde se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense. Desde que inició su trayectoria artística, su trabajo ha sido reconocido con el Premio Injuve (2011) Premio circuito de Artes Plásticas (2016) o la Beca Multiverso de Creación de Videoarte BBVA 2018, entre otros y su trabajo se ha expuesto en centros como Instituto Valencià d’Art Modern, Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, en la Feria ARCO, El Espai d’Art Contemporani de Castelló o en el Museo Moca de Taipei. Actualmente, esta representada por la galería Luis Adelantado.

OBRAS

Después de Nunca Jamás / After Neverland. Sonido. Color. Digital. 2014. 20’

La Voz Digital. Sonido. Color. Digital. 2018. 8’

New Era (1.996) Sonido. Color. Digital. 2020. 9’

Estudios del Parpadeo. Sonido. Color. Digital. 2022. 21’

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Del 03 de marzo al 05 de junio del 2022 VC#028 GRETA ALFARO [web de la artista]

Greta Alfaro trabaja de manera multidisciplinar, sirviéndose de metáforas para incidir en las contradicciones del mundo contemporáneo, invitándonos a un disfrute contemplativo, estético y lúdico. El barroco y las tradiciones populares y religiosas forman parte de toda su obra, elaborando una reflexión crítica hacia el significado de las mismas. En sus obras cuestiona las construcciones sociales y culturales, a las que nos sometemos de forma ritual. Y las imparables fuerzas de la destrucción humana.

Para este Visiones Contemporáneas, propone un recorrido desde sus inicios, en 2009, hasta la actualidad, donde trata este concepto de los nuevos barrocos, contraponiendo misticismo con carnalidad, las naturalezas muertas y la metáfora del paso del tiempo, a través de la creación de una serie de obras videográficas concebidas a manera de lienzos pictóricos.

Greta Alfaro es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, se especializó en fotografía dentro del Royal Collage of Art de Londres, ciudad en la que reside actualmente.

Entre sus exposiciones individuales destacan “Fornacalia” (2021) en la Cooke Latham Gallery londinense; “Decimocuarta estación” (2019) en la Fundación BBVA de Madrid; “In Ictu Oculi” (2015) en Flint Institute of Arts, Michigan (EE.UU.); “El cataclismo nos alcanzará impávidos” (2015) y “European Dark Room” (2014) en Galería Rosa Santos (Valencia); “Still Life with Books” (2014) en Artium (Vitoria) Su trabajo también se ha podido ver en Whitechapel Gallery, Institute of Contemporary Arts y Saatchi Gallery de Londres; Centro Cultural Banco do Brasil en Brasilia; The Bass Museum of Art de Miami; La Conciergerie de París; Künstlerhaus Bethanien de Berlín, La Casa Encendida y Espacio Fundación Telefónica en Madrid o el Festival Internacional de Cine de Róterdam. Esta será su primera exposición individual en Salamanca.

OBRAS

In Ictu Oculi. Sonido. Color. Digital. 2009. 10’37’’

In Praise Of The Beast. Sonido. Color. Digital. 2009. 14’58’’

Honor y Gloria.  Sonido. Color. Digital. 2016. 1’30’’

He Had Got Certain Vibes. Sonido. Color. Digital. 2019. 2’30’’

Solitude. Sonido.  Color. Digital. 2020. 24’ 24’’

El 03 de marzo, a las 19h habrá un encuentro con Greta Alfaro en el salón de actos del DA2, con entrada libre hasta completar aforo, en el que la artista hará un recorrido por sus proyectos, contextualizándolos dentro de los intereses y temas en los que trabaja, dándonos a conocer su metodología de investigación, procesos y referencias.

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Del 28 de octubre al 30 de enero del 2022 VC#027 CRISTINA LUCAS

Cristina Lucas se ha posicionado en los últimos años como una de las artistas más reconocidas del panorama internacional. Trabaja indistintamente con performance, video, fotografía, instalación, dibujo y pintura, siempre otorgando a sus obras una necesaria perspectiva de género, cuestionando el orden establecido y las estructuras de poder. Los distintos arquetipos familiares, lo considerado ético y moral y lo político entendido como un sistema que atraviesa los diversos modos de relación social, son las líneas temáticas sobre las que construye su trabajo. Lucas nos recuerda que el arte es un juego de seducción que sirve para hacernos conscientes de lo que está ocurriendo realmente en nuestra sociedad.

Se licenció en 1998 en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y realizó un máster en la Universidad de California Irvine en el año 2000. Fue coordinadora del Canal de Arte de Kataweb España y se formó en gestión cultural en Casa de América de Madrid. Posteriormente, amplió sus estudios en el International Studio and Curatorial Program de Nueva York y en la Rijksakademie de Ámsterdam.

Ha realizado numerosas exposiciones de su obra, tanto individuales como colectivas, en diferentes países, destacando como solo show el Palais de Tokio y Centro Pompidou de París, Museo de Arte Carrillo Gil de México, Museo Gugenheim de Bilbao, Centro de Arte 2 de Mayo, Sala Alcalá 31 y galerías Juana de Aizpuru y Albarrán Bourdais de Madrid, Musac de León o Artium de Vitoria. Así como en exposiciones colectivas: Manifesta 12, Palermo, la 12ª Bienal de Shanghái, la 5ª Bienal Urania Industrial o Diversity United en la New Tretyakov Gallery de Moscú. En 2009 fue premiada con el Premio Ojo Crítico de Artes Plásticas y en 2014 con el Premio MAV.

Para este ciclo hemos puesto el foco en las obras en vídeo en las que trabaja en torno a la crítica a la institución y los mecanismos de poder y la resistencia. Esta será la primera vez que su trabajo se presente de forma individual en Salamanca.

OBRAS

Más Luz. Sonido. Color. Digital. 2003. 10’.

Tú también puedes caminar. Sonido. Color. Digital. 2006. 9’.

Rousseau & Sophie. Sonido. Color. Digital. 2009. 8’10″.

Europleasure International Ltd. TOUCH AND GO. Sonido. Color. Digital. 2010. 13’.

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Del 17 de junio al 24 de octubre del 2021 VC#026 TUIXÉN BENET [web de la artista]

En las obras de Benet cobra protagonismo la mujer, el cuerpo y el gesto. Son historias sobre ella misma, sus amigas y esa búsqueda común de encontrar un lugar en el mundo. Las narrativas propias de la ficción cinematográfica varían y no se sustentan sobre los diálogos de los personajes, ni sobre los primeros planos, si no que se canalizan a través de los movimientos de las actrices y los espacios que habitan.

Benet, es cineasta, coreógrafa y bailarina, codirige la compañía teatral “Les Filles Föllen” con Margherita Bérgamo y también es guitarrista + voz del grupo pop punk “Les Sueques”.  Su formación pasa por haber estudiado coreografía y técnicas de interpretación en el Conservatorio Superior de Danza del Instituto del Teatro de Barcelona y dirección cinematográfica en la prestigiosa escuela de audiovisuales “CalArts” en Los Ángeles donde ha dirigido su primer largometraje “Clausura”. En la actualidad, prefiere dirigir que bailar y esta evolución se percibe en sus trabajos, pasando de estar delante de las cámaras en numerosos videoclips y durante cinco años como coreógrafa de los directos de la cantante chilena, Javiera Mena, a colocarse detrás.

Para este Ciclo, hemos puesto el foco en las obras en las que interrelaciona de pleno el cine con la danza. Esta será la primera vez que su trabajo se presente en Salamanca.

OBRAS

Unitats de Xoc II. Sonido. Color. Digital. 2018. 4’.

Aloma i Mila. Sonido. Color. Digital. 2020. 40’. VOSE

Lazarus. Sonido. Color. Digital. 2020. 8’ 30” VO

Caballo Negro. Sonido. Color. Digital. 2014. 4’.

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Del 18 de febrero al 30 de mayo del 2021 VC#025 MADDI BARBER [web de la artista]

Lacabe en Navarra, el territorio que habita, la tradición y la cultura popular son parte fundamental de su trabajo. En su trabajo, Barber nos muestra de manera minuciosa la resiliencia del mundo rural y la fuerza de la colectividad, frente al individualismo capitalista.

Sus películas conectan al espectador con la naturaleza y la necesidad de cuidar el paisaje, generando otros vínculos posibles a nivel económico y político, donde cobran importancia los cuidados y el respeto hacia el entorno. Todo este mensaje se ve envuelto en unas imágenes poéticas, cercanas al realismo mágico y la narrativa etnográfica, siempre enmarcado en el campo de la no ficción. Para este ciclo hemos seleccionado sus tres obras más significativas: “592 Metroz Goiti”, “Urpean Lurra” y “Gorria”. Sus películas, han sido seleccionadas en festivales internacionales como el festival de cine de San Sebastián, Visions du Réel (Suiza), Ji.hlava (República Checa), Porto Post Doc (Portugal), Festival Punto de Vista de Pamplona o DocumentaMadrid. Esta será la primera vez que su trabajo se presente en Salamanca. 

OBRAS

592 Metroz Goiti (592 metros) Sonido. Color. Digital. 2018. 25’

Urpean Lurra (Tierra bajo el Agua) Sonido. Color. Digital. 2019. 50’.

Gorria (Rojo) Sonido. Color. 16mm transferido a Digital. 2020. 22’.

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Del 29 de octubre a febrero del 2020 VC#024 CARLES CONGOST [web de la artista]

A través de la puesta en escena de imágenes que aluden al mundo del pop, el imaginario adolescente y la cultura de masas, Carles Congost reflexiona sobre cuestiones que recorren desde la propia práctica artística hasta fenómenos como el de la construcción de ídolos y estrellas juveniles. Considerando el problema de la comunicación, entendida como problema generacional y con el propio contexto artístico, como hilo conductor de todo. 

Con una estética personal en la que confluyen influencias del cómic, el videoclip, la serie B, el cine de género, terror, musical, melodrama o la cultura televisiva su trabajo implica a distintos campos profesionales y se articula en diferentes formatos, centrándonos con este ciclo en su prolífica producción en vídeo que abarca desde finales de la década de los 90 hasta la actualidad.

De su interés por la música pop como actitud política y la cultura electrónica nació el grupo The Congosound del que es cofundador, en sus comienzos junto a Vincent Fibla y en la actualidad con Josep Xortó. También son habituales sus colaboraciones con otros músicos como Fangoria o Astrud.

Carles Congost ha participado en algunas de las más importantes ferias de arte y museos, tales como el MUSAC (León), Fabra i Coats, Centre d`Art Santa Mònica y La Virreina (Barcelona), Fundación BBVA, La Casa Encendida y el Museo Reina Sofía (Madrid). Feria ARCO (Madrid), Manifesta11 (Zurich, Suiza), Songwon Art Center (Seúl, Corea del Sur), MidPoint (Bruselas, Bélgica), Art Basel (Basilea, Suiza) o el Palais de Tokyo (París, Francia). Esta es la primera vez que expone de manera individual en Salamanca. 

OBRAS

That’s My Impression!. Sonido. Color. 2001. 8′

Un Mystique Determinado. Sonido. Color. 2003. 17′

Easy Katz / Bad Painting Series. Sonido. Color. 2013. 6′

The Wolf’s Motives. Sonido. Color. 2017. 21′

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Del 08 de julio al 18 de octubre del 2020 VC#023 MARÍA CAÑAS [web de la artista]

Ensayista del apropiacionismo, iconoclasta en su esencia, es conocida como “la archivera de Sevilla”. María Cañas, basa la totalidad de su obra en la práctica del reciclaje audiovisual o found footage. Realiza vídeo de guerrilla para introducirse en los tópicos de su Andalucía natal, cuestionando tradiciones, folclore y cultura popular, con un gran sentido del humor y desde la perspectiva de género.

Licenciada en Bellas Artes, cursó el Doctorado en Estética e Historia de la Filosofía en la Universidad de Sevilla y un máster en Postproducción digital C.E.A. Dirige Animalario TV Producciones, un espacio de creación dedicado al apropiacionismo y la experimentación artística. Su trabajo transita entre instalaciones, fotomontajes, documental de creación, videoclips, proyectos online y su labor como docente.

Barroquismo, exceso, tremendismo y humor, la “risastencia” como estado fundamental. María Cañas establece relaciones entre distintas imágenes, reconstruyendo la realidad de forma crítica, jugando con la iconografía pop y compartiendo continuamente guiños con el espectador.

Desde su amplia y diversa trayectoria hemos trazado un recorrido que abarca cinco piezas, desde sus inicios hasta su producción más reciente, con la idea de díptico barroco y pictórico, el humor excesivo, la crítica sociopolítica y la cuestión de género como líneas de actuación fundamentales.

Su obra, se ha presentado en numerosos festivales de cine internacionales, galerías y espacios artísticos como, CAAC en Sevilla, Fundación Luis Seoane de A Coruña, Galería Isabel Hurley de Málaga, Galeria Juana de Aizpuru de Madrid, D´Art Contemporain Genéve en Suiza, TEA en Tenerife, MOCA (Los Ángeles), Les Rencontres Internationales (París / Berlín) o el Film Society of Lincoln Center de Nueva York. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (Argentina), Festival Cinespaña de Toulouse (Francia), L’Alternativa de Barcelona o el Festival de cine europeo de Sevilla. Esta es la primera vez que expone en Salamanca.

PROGRAMA

[dossier en pdf]

La Cosa Nuestra. Sonido. Color. Digital. 2006. 15’’44’’

Kiss the fire. Sonido. Color. Digital. 2007. 5’46’’

Kiss the murder. Sonido. Color. Digital. 2008. 8’

La Cosa Vuestra. Sonido. Color. Digital. 2018. 40’

Padre no Nuestro. Sonido. Color. Digital. 2019. 15’

[visionescontemporaneas]

Con toda la actividad cultural y social en paralizada por la Covid-19, nos vemos en la urgencia de comisariar un programa especial de Visiones Contemporáneas para ver en casa, en el que repensamos, dentro del contexto mundial actual, algunas de las obras que durante estos años han formado parte del proyecto. Un programa on-line, donde poder canalizar toda esta situación, emociones y sentimientos que estamos viviendo. Un momento histórico que nos debe hacer plantear un nuevo futuro y donde el arte contemporáneo se sitúa a través del audiovisual, en una importante posición.

PROGRAMA

Estará disponible mientras dure el Estado de Alarma

VER AQUÍ

Planta 23; 03:45, de Félix Fernández, 2008

The Breathing Lesson, de Dora García, 2001

Afrodita, de Núria Güell, 2017

Na Vibración (da agua y da terra), de Lois Patiño, 2012

Walkative: from Mile End to the City. A choreography of the resistence, de Rosana Antolí, 2015

Siglo XIX (Hidrogenesse), de David Domingo, 2015

La trayectoria del artista audiovisual y performer, Félix Fernández, gira en torno al cuerpo y como éste sirve como elemento sustentador de la identidad. En “Planta 23; 03:45”, reflexiona sobre el aislamiento del individuo contemporáneo en la era de la hiperconexión, a través de un hombre encerrado en una habitación de hotel de una gran ciudad, metáfora que estos días se ha convertido en cruda literalidad. El distanciamiento social, contemplar la vida a través de una ventana, vuelve a conectarnos con nuestra esencia.

¿Es posible rebelarse cuando nuestra salud y nuestra vida dependen de la obediencia a una serie de órdenes impuestas? Sobre esta pregunta se construye la obra de Dora García, “The Breathing Lesson” , una cuestión que hoy, cobra vital trascendencia. La práctica artística de Dora García, atraviesa el cine, la literatura, el dibujo y la performance, estableciendo relaciones entre la realidad y la ficcionalidad de la historia. Trabajando activamente con el público. El espectador como sujeto activo ante la obra de arte. El arte de la narratividad frente a la sobreinformación que nos satura.

La pandemia y el confinamiento nos han situado en una postura económica, social y personal delicada. Todos los sectores, se encuentran en crisis y aquellos que de antemano ya estaban altamente precarizados sufren, aún más, sus consecuencias tal es el caso de la cultura y sus trabajadores. En “Afrodita”, Núria Güell pone sobre la mesa algunos de los problemas que afectan a nuestro sector. Falta de contratos, cuotas de la Seguridad Social inasumibles y cómo gestionar una baja maternal, por que todo se complica aún más si eres artista y mujer. La obra de Núria Güell se vincula al ámbito social, político y económico expandiendo las fronteras convencionales del museo para acercarse al espacio de la vida diaria. Su obra cuestiona los límites de la ética y la legalidad, analizando el funcionamiento de las instituciones públicas, así como los sistemas y dispositivos de control que condicionan nuestras vidas. Estas semanas encontramos, por otro lado, algo de luz a este confinamiento y surgen algunas imágenes positivas, esperanzadoras.

La recuperación del medio ambiente, cuando el cambio climático parecía un no retorno. A través de las noticias, vemos aguas limpias en los canales de Venecia, cielos libres de humo sobre Madrid y animales que recuperan su espacio y cruzan las calles de nuestras ciudades en plena libertad. Puede que todo sea solo un espejismo pero hacía tiempo que la naturaleza no ganaba terreno ante la contaminación extrema. La naturaleza, respira. En el díptico

“Na Vibración”, Lois Patiño nos muestra al hombre insignificante ante una naturaleza salvaje y desbordada. Después del Estado de Alarma, ¿habremos aprendido algo de todo esto? Las películas de Lois Patiño parten, con grandes influencias pictóricas, de la relación del hombre con la naturaleza, una relación que recupera la idea romántica de lo sublime, la grandeza del paisaje frente a la insignificancia del ser humano. Una experiencia contemplativa a la que va sumando otros ingredientes que van desde elementos relacionados con la historia y las leyendas que poblaron el territorio que registra hasta la reflexión crítica en referencia a la banalización turística del entorno.

En “Walkative: From Mile End to The City. A choreography of the resistence”, Rosana Antolí habla sobre los actos de resistencia frente al neoliberalismo salvaje. Es el momento de resistir, no podemos permitirnos ni un paso atrás en todo lo conseguido hasta ahora en cuanto a derechos sociales. El baile como metáfora de lucha y resiliencia frente a la opresión. El baile y el arte como herramientas para superar cualquier obstáculo. Antolí, transita entre las acciones del día a día y las preguntas clave de la humanidad. Preguntas acerca de nuestra existencia y nuestros anhelos y preocupaciones. En su obra encontramos un equilibrio perfecto entre lo conceptual y la proximidad de lo emocional y sensorial. Rosana Antolí nos cuenta historias pero no de una forma tradicional si no haciendo hincapié en los grupos, los comportamientos y en la sociedad como generadora de “comunidades del gesto” a través de los cuerpos.

David Domingo aka Stanley Sunday es cineasta y artista visual, en sus trabajos despliega toda una imaginería influida por la cultura popular, las referencias queer y un sentido del humor tan bello como naif. Cerramos el programa con“Siglo XIX”, uno de sus videoclips más conocidos, realizado para el grupo, Hidrogenesse. Una explosión de color, iconos pop y capas postdigitales, presentes estos días de sobreexposición a las pantallas y búsquedas masivas en internet que nos vienen a cantar que “Everything's gonna be alright”. Claro que sí.