#Fotógrafas en el mundo

[bettiepagetheblackangel]

Bettie Page & Bunny Yeager

Bunny Yeager and Bettie Page had a professional relationship in the 1950s, with Yeager photographing Page in iconic pin-up and glamour shots that became highly influential in the world of erotic photography. Yeager, a talented photographer in her own right, took a photography course in 1953 and soon after began working with Page. Their collaboration resulted in the famous January 1955 Playboy centerfold featuring Page, which was shot by Yeager. Yeager's use of natural Miami sunlight and her ability to make her subjects feel at ease produced images that were considered innocent and nostalgic, even as Playboy and other men's magazines became more explicit in later decades. Yeager's photographs of Page, as well as her innovative self-portraits, established her as an important and influential photographer. Her work has been featured in gallery exhibitions and retrospective books, and she is considered one of the most important photographers of the modern era. Some scholars consider that Bunny and Bettie had approximately 15 sessions together, all between March and December 1954. Let's see if I am able to reveal part of those 15 sessions little by little. I also tell you that Bunny alone would deserve a session since, apart from good photography, she was a beautiful woman.

Bunny Yeager y Bettie Page tuvieron una relación profesional en la década de 1950, con Yeager fotografiando a Page en fotografías icónicas pin-up y glamorosas que se volvieron muy influyentes en el mundo de la fotografía erótica. Yeager, una fotógrafa talentosa por derecho propio, tomó un curso de fotografía en 1953 y poco después comenzó a trabajar con Page. Su colaboración dio como resultado la famosa página central de Playboy de enero de 1955 con Page, que fue fotografiada por Yeager. El uso que hizo Yeager de la luz solar natural de Miami y su capacidad para hacer que sus sujetos se sintieran cómodos produjo imágenes que se consideraron inocentes y nostálgicas, incluso cuando Playboy y otras revistas masculinas se volvieron más explícitas en décadas posteriores. Las fotografías de Yeager de Page, así como sus innovadores autorretratos, la establecieron como una fotógrafa importante e influyente. Su trabajo ha aparecido en exposiciones en galerías y libros retrospectivos, y es considerada una de las fotógrafas más importantes de la era moderna. Algunos estudiosos consideran que Bunny y Bettie tuvieron aproximadamente 15 sesiones juntas, todas entre marzo y diciembre de 1954. Vamos a ver si soy capaz de ir desvelando poco a poco parte de esa 15 sesiones. También os digo que Bunny por si sola ya merecería una sesión ya que a parte de buena fotógrafo era una mujer preciosa.

Bunny Yeager (1950)

Linnea Eleanor Yeager Bunny Yeager (1929-2014) Wilkinsburg, Allegheny County, Pennsylvania, USA

[senig-art]

Redibujando personajes del 2016 jajaja XD

Por dios, me encanta el cambio, los primeros la verdad los vi y ,me dio mucha pena y nostalgia al mismo tiempo XD por eso me anime a dibujarlos de nuevo, aunque sea solo el boceto.

Ahora contexto XD para historias, que puede cambiar a futuro.

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Cerca del golfo de México, existe una isla peculiar con gran aporte de turismo, pero tambien con problemas que podrían considerarse un peligro ir allí aun con lo bello que es esa isla.

En la isla habita un culto que hacen favores por el dios degollado Xipe-Totec, lo cual causan asesinatos y desapariciones

Le toca a Artemisa y Noa, dos amigos de infancia que investigan los asesinatos y problemas que que habitan en la isla, resolviendo misterios que la policía no logra solucionar.

Artemisa es amables e inteligente y muy curiosa, pero tambien tímida y reservada, Noa es intuitivo, un gran sentido de la justicia y el gran amigo del mundo, siendo un ser muy sociable, pero es un poco dramático y a veces paranoico.

Juntos resolverán los casos y encontraran mas amigos que les apoyen para revelar los misterios en la isla.

Uno de ellos es Michelle, un estudiante de medicina, que es reconocido por sus buenas investigaciones, su capacidad para atender heridos y tambien puede ser bastante meticuloso cuando analiza a los pacientes, por lo cual se gano buena fama en su clase, Noa lo conoce en su clase de Necropapiloscopía, volviéndose amigos. Michelle es muy dedicado y amable, además de interesarse por las vivencias de sus nuevos amigos, siendo parte de ellos y ayudándolos en sus investigaciones.

Y otros de los importantes son Scarlett y Scar, dos hermanos con una personalidad difícil, pero cuando le ayudas ellos te lo devuelven con intereses. Ambos son muy fuertes e intimidantes, tienen una banda donde practican en su casa y su padre es el líder de un grupo que hace justicia por su propia mano, por lo cual ellos odian a la policía. La razon es por un incidente que paso su madre lo que causo que ella tuviera que esconderse junto con ellos en esta isla.

Los otros tres aun siguen en avances de trama o ideas, por lo cual solo diré algunas cositas de ellos.

Lucas, es un chico que mimado con un restaurante echo por su familia, por el momento es un poco tosco y presumido, pero que ayudara a los protas a futuro por su influencia en la sociedad.

Lucía o Lucy, es una chica ciega, con unas madres sobreprotectoras que la han asustado sobre el mundo de afuera, convirtiéndola en alguien torpe, miedosa y una victima fácil para las bromas pesadas. Anteriormente ella no era ciega, y tenia un padre, pero este murió intentando salvarla. Su padre controlaba el monopolio de los barcos para los turistas, pero tras una tormenta, los vidrios de presión y el gas lastimaron los ojos de Lucy y su padre por salvarla terminaría ahogándose.

Rey, es una chica enérgica y alegre, pero con un gusto por las fotos a paisajes que la convierten en una fotógrafa para promocionar por internet el hermoso lugar que es la isla, aunque tambien a tomado fotos de los sucesos negativos. Actualmente ella intenta proteger la fauna y los animales que han sido victimas del culto.

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Bueno eso seria todo, espero y les guste X3

[jartita-me-teneis]

El 27 de mayo de 1930 tenía lugar la ceremonia de inauguración de uno de los edificios más destacados de Nueva York, diseñado por el arquitecto William Van Alen. La construcción es una de las mejores muestras de la arquitectura Art Deco americana. Ubicado en la zona este de Manhattan, las obras de demolición de los edificios que ocupaban su lugar comenzaron en octubre de 1928 y el 11 del mes siguiente se inició la excavación para cimentar el edificio. Las obras se extendieron hasta 1930 cuando se terminaron los 318,8 metros que convirtieron al Chrysler en el edificio más alto del mundo hasta la inauguración del Empire State en 1931. La característica aguja de acero de 56,38 metros que corona el edificio fue transportada hasta él en segmentos y montada in situ.

Chrysler building, Nueva york

Rascacielos de estilo art déco con 77 plantas y 319 metro de altura, que fue el edificio más grande del mundo durante 11 meses, siendo superado por el Empire State Building en 1931.

Ejemplo clásico de la arquitectura art déco, es considerado por muchos arquitectos de nuestro tiempo como uno de los mejores edificios de Nueva York.

Las obras empezaron el 19 de septiembre de 1928. El 15 de octubre de 1928 la Goodwin Construction Company empezó la demolición del edificio existente en la parcela, que se completó el 9 de noviembre.31​ La excavación de los cimientos, que tendrían 21 metros de profundidad,18​ empezó una semana después y se completó a mediados de enero, cuando se alcanzó la roca madre.31​ La construcción del edificio propiamente dicha empezó el 21 de enero,31​ y en septiembre de 1929 se completó la estructura de acero.

Finalización Los primeros inquilinos se trasladaron al Edificio Chrysler en abril de 1930, aunque la construcción aún no estaba finalizada totalmente. El 27 de mayo de 1930 se realizó la ceremonia formal de inauguración, que coincidió con la reunión anual de la Asociación de Propietarios y Comerciantes de la Calle 42. En el vestíbulo del edificio se colocó una placa de bronce «en reconocimiento a la contribución del Sr. Chrysler al avance de la ciudad». Las obras acabaron en agosto de 1930, pero curiosamente la fecha de finalización registrada en el Departamento de Construcción de Manhattan es el 19 de febrero de 1932.18​

Cuando se completó, el 20 de mayo de 1930,11​ el aumento de altura producido por la aguja permitió que el Edificio Chrysler superara al 40 Wall Street y se convirtiera en el edificio más alto del mundo, superando también a la Torre Eiffel, que hasta entonces ostentaba el título de estructura más alta del mundo realizada por el hombre.4​42​ Fue el primer edificio con más de 300 metros de altura.

New York. Edificio Chrysler El edificio se encuentra situado en el lado este de Manhattan en la intersección de la calle 42 y la Avenida Lexington, con entrada principal por 405 Lexington Avenue, New York, Estados Unidos, frente a la Grand Central Station, aunque también dispone de accesos por las calles 42 y 43.

Margaret Bourke-White, fotógrafa de la revista LIFE, se prepara para tomar una foto de una de las águilas en el piso 61 del edificio Chrysler en la ciudad de Nueva York en 1934. Arte Deco… Periodista y fotógrafa Margaret Bourke-White, en la parte superior del edificio Chrysler, ciudad de Nueva York, 1935. Ella fue la primera mujer corresponsal de guerra en el ejército de los Estados Unidos, la primera mujer permitida para fotografiar la industria soviética, y la primera mujer fotógrafa para la revista Life.

La fotógrafa estadounidense Margaret Bourke-White en lo alto del edificio Chrysler. Nueva York, Estados Unidos. 1930. Foto de: Oscar Graubner. Bourke-White fue la primera fotoperiodista de guerra estadounidense.

[unpinguino]

Os dejamos aquí la entrevista completa que nos hizo Iker Cortés para los medios del grupo Vocento. Ésta, en concreto, está sacada de El correo.

José Luis Moro

Músico y creativo publicitario

«El mundo se ha ahorrado un abogado malísimo»

«Soy un talibán de la rima consonante y no soporto las canciones de más de tres minutos y pico», afirma la voz nasal de Un Pingüino en mi Ascensor

José Luis Moro, en las oficinas de Pingüino Torreblanca. José Ramón Ladra

Iker Cortés

Madrid

Jueves, 20 de julio 2023 

José Luis Moro (Madrid, 58 años) es uno de los responsables de Pingüino Torreblanca, una de las agencias de publicidad más creativas e interesantes de nuestro país, pero también es el alma y la nasal voz de Un Pingüino en mi Ascensor, la banda que facturó el disco más rentable de 1987 -solo se utilizó un teclado Yamaha para su producción- y que aún comparte con Mario Gil. «Me sorprende que haya gente que siga viniendo a los conciertos y que sigamos haciendo sold-outs en Madrid», afirma quien publicó su último álbum, 'Hace sol y es viernes', en diciembre del pasado año.

-¿Se ve más como el líder de Un Pingüino o como el responsable de Pingüino Torreblanca?

-Joder, es que soy bastante bipolar y me cuesta verme en una sola faceta. Para mí es un poco todo lo mismo. Es verdad que a menudo en mi vida profesional publicitaria mucha gente no me reconoce porque, de alguna manera, debo ponerme una fachada diferente a la musical. Pero, bueno, me veo como José Luis Moro, un tipo que hace diferentes actividades lúdicas en su vida.

-¿Cuándo empezó a interesarse por la música?

-Primero empecé como fan de los grupos a partir de los años 79 y 80, que fue cuando descubrí que existía una alternativa a la radiofórmula y a Los 40 Principales y pasé, de la noche a la mañana, de escuchar a José Luis Perales, que me sigue gustando, a escuchar a Alaska y los Pegamoides, Aviador Dro y a todos los grupos de aquella época que descubrí tanto en la radio, primero en Onda 2, que era la emisora que empezó a poner todos aquellos grupos, luego en Radio 3 y también en televisión con 'Popgrama'. Y luego, en paralelo a eso, en casa siempre hacíamos obras de teatro y musicales en Nochebuena y una de las cosas que hacíamos era cambiar las letras de las canciones. Primero empecé a cambiar las letras de las canciones de misa, porque yo iba a un colegio de Jesuitas, y luego ya me fui animando y empecé a poner letras diferentes a canciones variopintas. Recuerdo canciones de Eurovisión y de lo que empezaba a escuchar. Juntando aquellas dos cosas, llegó un momento en el que dije: «Yo quiero hacer canciones, yo quiero ser como esos grupos que me gustan tanto» y que cuando los empecé a ver en el escenario me gustaron más todavía. Yo había dado clases de acordeón, que era tradición en mi familia, pero no me gustaba nada. Tenía una querencia por los teclados y di clases de piano pero era malísimo, suspendí primero de solfeo… Y cuando tenía 14 años, mis padres me metieron en unas clases que hacía Yamaha y con eso aprendí que con tocar un poquito y un ritmo que ponía el teclado se podía hacer música.

-¿Había alguien con gen artístico en la familia?

-Gen artístico había porque mi abuelo por parte de madre era arquitecto, pero fue fotógrafo aficionado y pionero de la fotografía después de la Guerra Civil. Y mi madre siempre ha sido una persona muy creativa, que nos inculcó un poco la idea de que la creatividad era divertida. Luego de mis hermanos, sí tengo dos hermanas que una es fotógrafa (Sofía Moro) y otra que es pintora (Teresa Moro).

-¿Era buen estudiante?

-Sí, siempre he sido un tío bastante responsable, no se me dio mal. De hecho, terminé la carrera de Derecho en ICADE y luego tuve la suerte de encontrar otros caminos para evitar dedicarme al Derecho y el mundo se ha ahorrado una abogado malísimo.

«El día que convencí a mi padre para que me comprara un teclado me dijo: 'Que sepas que te lo compro porque sé que la música para ti es un hobby y nunca te vas a dedicar a esto'. Me siento un poco culpable»

-¿Qué tal se lo tomaron sus padres cuando descubrieron que lo de la música se convertía en algo serio?

-Bueno, hay un momento muy divertido. Teníamos un órgano de esos de mueble con el que no se podía hacer nada, así que insistí mucho a mi padre para que me comprara un teclado portátil. El día que lo convencí, me dijo: «Bueno, que sepas que esto te lo compro porque me he dado cuenta de que la música para ti es un hobby y nunca te vas a dedicar a esto». Me siento un poco culpable de los derroteros que luego cogió la cosa (ríe). Yo tenía entonces 16 o 17 años.

José Luis Moro, con su keytar. José Ramón Ladra

-¿Trataron de frenarlo?

-Es que como ya casi había acabado la carrera... El primer disco salió cuando estaba acabando cuarto de carrera, en el año 87, y el segundo, en el año 88, en mi último año, y fue cuando empezó un poco a eclosionar y empezaron a salirme cosas. Y luego, es que fue muy corto, porque en realidad yo me dediqué a la música en verano del año 88, y en septiembre del año 89 me tuve que ir a la mili, con lo cual, aquello interrumpió bastante todo, pero sí que hubo preocupación en mi casa porque les parecía que aquello no iba a ningún lado.

-¿Y por qué Derecho?

-Porque no se me ocurrió otra cosa. A mí me gustaba mucho la historia, pero aquello no iba a darme de comer. Mi padre era abogado y me entró un acceso de pragmatismo y decidí que era una cosa útil que hacer.

-¿O sea que es un tipo práctico?

-No demasiado, pero en ese momento por alguna razón pues decidí ser un poco responsable. En ningún momento se me ocurrió la posibilidad de estudiar Publicidad, porque la verdad es que luego es una cosa a la que me he dedicado y me habría encantado estudiarla, pero no se me ocurrió que eso existía en aquel momento.

-¿De dónde salió un nombre como el de Un Pingüino en mi Ascensor?

-No tiene una explicación. Yo quería un nombre que no fuera el mío propio porque bajo ningún concepto quería sonar a cantautor, que era una cosa detestable en aquella época, y quería un nombre que no se supiera muy bien lo que era porque en el fondo yo quería ser un grupo, pero no me había salido. Y al final salió Un pingüino en mi Ascensor, que en aquella época esos nombres poco peculiares se llevaban mucho. Yo estaba superenamorado del nombre, me parecía maravilloso, hasta que me inscribí en el concurso Pop Rock Villa de Madrid en el año 86. Todos los grupos que se habían inscrito tenían que ir al Ayuntamiento porque pasaban lista para ver quién se había presentado y en qué día te tocaba actuar y tal. Ibas al Ayuntamiento y estaba lleno de gente rara, de grupos de todo tipo, porque además no había categoría, y se cruzaban heavies, punkis… El caso es que salía un funcionario, un señor mayor con la lista, y empezaba a pasar lista. Y yo pensé ya verás cuando escuchen mi nombre y empezó a decir bandas como Falos Halógenos, Percebes Benz. Y pensé que mi nombre era una puta mierda (ríe).

José Ramón Ladra

-¿Se ha reconciliado con los cantautores?

-Bueno, nunca he sido muy de cantautor, salvo Javier Krahe, que es un ídolo, y algún personaje peculiar a los que no consideraría cantautores. Hay personajes como Tiny Tim, un canadiense que es un marciano. Hay un tío que descubrí hace poco que se llama Tom Lehrer, que era un matemático que en los años cuarenta tocaba ragtime y hacía canciones y además tuvo una carrera musical supercorta, porque luego decidió dejarlo. Y este tío tiene una canción se llama 'Envenenando palomas en el parque', y el tío canta que le gusta la primavera, porque es la época más feliz del año, porque puedo ir con mi novia a hacer lo que más nos gusta, que es envenenar a las palomas del parque. Es como un delirio.

-De familia acomodada, estudió en ICADE, pero sin embargo a Un Pingüino en mi Ascensor nunca se le metió en el terreno de los grupos pijos ¿o sí?

-Ha habido de todo, pero sí, sí. Alguien nos dijo una vez que éramos demasiado pijos para los indies y demasiado indies para los pijos y es una frase bastante certera, porque es verdad que en aquella época no llegábamos a sonar demasiado en Los 40 Principales, pero tampoco en Radio 3. Nadie sabía muy bien dónde ponernos, pero sí hubo cierta corriente que nos encajó en el mundo donde podían estar Hombres G o grupos de la época. Pero como siempre hemos sido un poco provocativos y disruptivos, pues tampoco acababan de entenderlo bien.

-En sus letras siempre ha estado muy presente el humor...

-A mí me abrió mucho la cabeza Alaska y los Pegamoides. Cuando yo descubrí 'Quiero ser un bote de Colón' recuerdo que mi sensación fue: «Joder, ¿se puede hacer una canción de esto?». Me pareció maravilloso porque yo hasta entonces había escuchado canciones más o menos convencionales. Lo más extraño que había escuchado, pues recuerdo que eran Javier Krahe, Joaquín Sabina, La Mandragora… Pero de repente aquello me abrió la cabeza, yo quería hacer cosas así, no me apetecía hacer canciones de amor y si las hacía no las iba a hacer de manera convencional porque eso no me divierte. Desde el principio hubo dos cosas que sí han sido mi tónica en la vida a la hora de componer y de escribir. Primero fue la rima consonante, que soy un poco obseso. A veces me la salto, aunque últimamente soy cada vez más talibán con ella y a veces me meto en líos grandes porque es imposible rimar y soy consciente que hay gente a la que le parece una estupidez. Y luego es verdad que no me gusta escribir sobre lo que escribe todo el mundo. Me gusta mucho contar historias, que no es una cosa muy usual en la música pop, porque al final necesitas mucho texto. Y tampoco me gustan las canciones largas. Me jode mucho. Cuando una canción pasa de tres minutos y pico y ya me siento un fracasado.

«A mí me abrió mucho la cabeza Alaska y los Pegamoides. Cuando yo descubrí 'Quiero ser un bote de Colón' recuerdo que mi sensación fue: 'Joder, ¿se puede hacer una canción de esto?'»

-El humor sigue siendo una asignatura pendiente en la música. Hay muy pocos grupos que lo incorporen en sus letras. Los Ganglios, Camellos, Carolina Durante...

-Bueno, hay una cosa que es una realidad y es que uno no triunfa dedicándose al humor. Hay una frase que dice alguien en un documental de los Sparks y es que el problema del humor es que nadie se lo toma en serio y eso es muy real. Pero en ningún área. No creo que lleguen a diez las comedias que han tenido un Oscar. Se considera siempre un arte menor, una cosa secundaria, y las canciones serias, el arte con mayúsculas, que es una cosa que detesto. Yo soy más de minúsculas. El humor se considera un divertimento, una cosa menor, el género chico. Nosotros hicimos una camiseta que ponía que éramos el género chico del pop. Es que a mí me encanta ese mundo. Hay una cosa que siempre cuento, que a mí me marca mucho la diferencia entre lo que es Un Pingüino en mi Ascensor y la música con mayúsculas: en la autobiografía de Los Beatles, Paul McCartney cuenta que cuando hizo 'Yesterday', le había salido una melodía en su cabeza, pero todo el rato le salía con una letra que era 'Scrambled eggs, Oh my baby, how I love your legs' que es algo así como 'Huevos revueltos, cómo me gustan tus piernas'. Y claro, él pensó que no lo podía hacer así que tardó muchísimo en rematar la canción porque esa letra no le valía hasta que encontró 'Yesterday'. Y yo siempre digo que habría dejado eso, me parece mucho mejor. Joder, es que 'Ayer' que es una puta mierda de letra. Pues esa es la gran diferencia. Con la letra de los huevos revueltos no habría ido a ningún lado y el tío le hizo una letra seria que a la gente le parece mucho mejor.

-¿Concibe la música sin humor?

-Pues hubo una época con el cuarto disco, 'La sangre y la televisión' (1990), me puse más serio y yo siempre digo que, a ver, no es el gran error porque al final uno en su carrera musical hace un poco lo que quiere, pero en aquel momento como que me encerré mucho en mí mismo y me entraron ganas de escribir cosas más serias y hay cuatro o cinco canciones que lo son y creo que no es lo que sé hacer. A partir de 'En la variedad está la diversión', que también tiene algunas canciones no diría oscuras pero sí más ininteligibles, retomé un poco lo que sabía hacer y ahí yo creo que me ayudó mucho la publicidad a entender un poco lo que soy como marca, qué es lo que tengo y qué es lo que realmente me hace diferente y, en el fondo, lo que me gusta. A partir del 'Piromanía' de 2004 sí que volví claramente al humor que es el mundo en el que me siento cómodo.

José Ramón Ladra

-Desde 'En la variedad está la diversión' hasta 'Piromanía' pasan once años. ¿Siguió componiendo todo ese tiempo o que pasó?

-Hubo una travesía del desierto, que fueron los noventa. El cuarto disco, que salió en los noventa, no tuvo mucho éxito, comprensiblemente. Llegó una minicrisis también a la industria porque estaba empezando a salir el CD y las compañías empezaron a ser un poco reticentes, cuando antes les parecía bien todo. Yo presenté un montón de canciones en Dro, que era la discográfica en la que yo estaba, y me dijeron que solo había una buena. Me cabreé mucho, pero con el tiempo me di cuenta que igual tenían razón (ríe). Pero en aquel momento me pareció indignante. El problema es que no te lo explicaban. Me habría encantado que alguien me hubiera dicho: «A ver, chaval, tú lo que haces bien es esto y estás yéndote por los Cerros de Úbeda, céntrate un poco». Pero nadie me dijo eso.

-¿Volvían a ser canciones serias?

-Había un poco de todo. Recuerdo que le pusieron notas, como en un examen, y solo había una MB, muy bien. Y en las otras 16, pues una tenía un bien. Si me lo llegan a explicar, pues igual tampoco la habría entendido, pero la habría agradecido. Es verdad que en los noventa, pues hubo una travesía del desierto. Todos los grupos que cantábamos en español, de repente, empezamos a parecer unos pringaos y unos perdedores. Se puso de moda a partir de Dover y Australian Blonde cantar en inglés y eso era lo que molaba. No venían a vernos ni mis hermanos ni la familia. Seguimos haciendo canciones, empezamos a hacer lo que llamamos la obra social, que recuperaba aquella tradición que yo tenía de cambiar la letra de las canciones. Nos hicimos un repertorio solo de eso, a ver si así triunfábamos, pero tampoco. Y en 1999 llegó un disco en directo, 'Pingüimatic', que fue un punto de inflexión. No tuvo demasiada repercusión, pero por lo que fuera, a partir de ese disco, sí que empezamos otra vez a sonar y volvió mucha gente que nos había escuchado en los ochenta.

«El humor se considera siempre un arte menor, una cosa secundaria, y las canciones serias, el arte con mayúsculas, que es una cosa que detesto»

-Hace unos años se animó a explicar en un vídeo cómo había grabado su primer álbum, el disco más rentable de 1987, un disco para el que solo usó un teclado, el Yamaha PSR-60, y que el año pasado cumplió 35 años. ¿Es un genio o tiene una jeta que se la pisa?

-Pues yo creo que tengo mucho morro. No sé si es una genialidad, yo creo que fue una puta casualidad. Yo quería montar un grupo porque yo quería ser como los grupos que me gustaban. Mis amigos del colegio, que más o menos sintonizaban conmigo y a los que les gustaban también esos grupos, al principio dijeron que sí, pero luego realmente no tenían las mismas ganas que yo de hacerlo, y finalmente dije, joder, pues mira, yo he aprendido a hacer canciones con esta tecnología rudimentaria, ¿por qué no? Pues sigo yo solo y ya está. Me pareció algo muy natural. Hice las canciones que podía hacer con la tecnología que podía y ya está, y aquello resultó diferente y nuevo.

-Luego vendría 'El balneario', y creo que este disco ya fue producido por Mario Gil. ¿Qué dirías que aportó su llegada, primero como productor y luego como segundo miembro de la banda?

-Me dio un mogollón de seguridad, porque el primer disco salió un poco por casualidad. Yo había enviado una maqueta a una emisora y Andrés Rodríguez, que ahora es el director de Forbes y de Esquire, tenía un programa musical en Onda Madrid, y a él fue a quien le gustó la maqueta, y habló con Dro y consiguió que grabara el primer disco. Pero se grabó un poco así, de cualquier manera. Servando Carballar me dijo que quería hacer el segundo disco bien y que se le habían ocurrido dos personas para producirlo, Ariel Roth y Mario Gil. No sé, qué habría salido con Ariel, pero yo era muy fan de Paraíso y La Mode y, claro, para mí Mario era un mito, así que le dije que con Mario. Nos conocimos, nos caímos muy bien, nos hicimos amigos realmente, y entonces me dio mucha seguridad, y me lo empecé a creer un poco. Si Mario Gil está produciendo este disco, igual es que esto sirve para algo. Y luego me hizo de asesor tecnológico y pasé de aquel Yamaha que tenía con ritmos, me sofistiqué un poco y empecé a utilizar cajas de ritmos, secuenciadores, empecé a aprender un poco a componer con todo aquello, y sí que me dio un poquito el paso a una pantalla superior. Al año siguiente le convencí de que se uniera al grupo y Un Pingüino en mi Ascensor es el único caso de la historia de un grupo de una persona que se convierte en un grupo de dos. Y la verdad es que me ha dado mucha estabilidad y nos conjugamos muy bien. Es verdad que yo llevo toda la parte de la composición de músicas y letras, pero él es el que convierte eso en algo más decente.

José Ramón Ladra

-De todos los discos de esa primera época, ¿cuál diría que es su preferido? ¿Cuáles son las canciones que más le gustan?

-Yo soy muy fan tanto del primero como del segundo. Creo que son los mejores de esa época. El primero es verdad que tiene ese punto rudimentario y naive, que tiene su gracia. Y el año pasado, cuando en el aniversario lo tocamos con el sonido original, pues me hizo mucha ilusión volver a recuperar aquello. Y el segundo, en realidad muchas de las canciones ya estaban compuestas cuando hice el primero, que fue una selección, otras ya salieron después. Creo que todas esas canciones representan muy bien lo que es Un Pingüino en mi Ascensor: 'El balneario', 'El sangriento final de Bobby Johnson', 'Camp', 'Perestroika'... Yo creo que ahí están un poco las canciones más representativas.

-Formó parte del final de La Movida.

-En realidad yo no me siento Movida porque cuando yo empecé a hacer canciones, La Movida ya estaba en sus estertores, aquello fue muy corto. A los que vivimos aquello, además, no nos gusta llamarlo La Movida, lo llamamos nueva ola madrileña. Y bueno, en realidad yo creo que en el año 85, que es el año en que yo hago el primer concierto para mis amigos, ya estaba muy de capa caída y ya estaba deshaciéndose. Entonces, yo creo que es más bien postmovida.

-Aquella fue una época de experimentación y de excesos. ¿Era Un Pingüino un sitio libre de sustancias?

-Yo en aquella época era súper sano. Bebía, pero las drogas las descubrí más tarde. En aquella época, no. Y fíjate que, por casualidad, Mario Gil, que sí que estuvo en el supermeollo de la movida, también es uno de los tíos más sanos que he conocido y por eso probablemente uno de los pocos supervivientes de la época. Yo era un espectador de todo aquello. Iba a los conciertos, tampoco estaba súper metido, entonces ni siquiera fui consciente de todo el nivel de droga que había ahí. Incluso en mi pandilla sí que algo había, pero yo era del grupo que no me interesaba aquello.

-¿Cuándo cree que se acabará el revival ochentero?

-No sé. (ríe). Hay un amigo mío que dice que el revival de los ochenta está durando más que los ochenta, que es una frase que me encanta. Debería haberse acabado hace mucho. A mí me sorprende realmente que siga todavía porque sí, fue una época muy divertida, pero creo que está bastante sobrevalorada. De hecho, hay cosas espantosas de esa época como la producción musical. Sonaba todo tan limpio… Yo creo que hay muchas canciones que son mejores de lo que parecen en el disco. Así que espero que ya se acabe. Aunque por otra parte, a mí me encanta todo este momento de grupos emergentes que me recuerdan mucho filosóficamente a aquella época con grupos como Carolina Durante, Ginebras, Camellos, Caravana o Jordana B. Me parece que hay muchos grupos que tienen, por lo menos a nivel actitud, mucho que ver con aquellas bandas. Espero que ya cojan el relevo y hagan lo que les salga de los huevos y nosotros nos quedemos un poco ya en el museo de cera, que es el lugar que nos corresponde.

«Hay un amigo mío que dice que el revival de los ochenta está durando más que los ochenta, que es una frase que me encanta. Debería haberse acabado hace mucho»

-¿Es nostálgico?

-Soy bastante poco nostálgico. Pienso bastante poco en el pasado y en el futuro, soy de vivir el presente.

-Hemos hablado antes de la travesía de los noventa. ¿En algún momento se planteó dejar la banda?

-No me planteé dejarlo, pero hubo años que hicimos un concierto o dos. Además, fue el momento en el que yo me metí en publicidad profesionalmente y Mario Gil en televisión, en la ambientación musical (tuvo mucha presencia en 'El informal'). Mario no tenía tiempo para absolutamente nada porque igual que fue un pionero de los sintetizadores en el pop, fue un pionero de los samplers en la ambientación musical en televisión. Era el único que hacía eso cuando empezó con 'El precio justo' y cambió radicalmente la forma de hacer las cosas y le llamaron de todos los programas de la tele del mundo. Y yo estaba intentando abrirme el camino en la publicidad y tampoco... Pero bueno, seguimos.

-¿Cómo fue su entrada en el mundo de la publicidad?

-Pues, a ver, hubo un momento en el que dije: «Me dedico a la música». La verdad es que ganaba pasta con los discos y con los derechos de autor y además yo era uno solo, no tenía que repartir. Pero después del cuarto disco, pues tuve la visión de que no iba a poder vivir de esto y tenía que buscar otra cosa. El derecho no me apetecía nada, no me veía en absoluto. En un principio pensé en la posibilidad de hacer música para publicidad, pero hablé con algún conocido que tenía en publicidad y me lo desaconsejaron, me dijeron que era muy complicado. Entonces pensé en dedicarme a la publicidad. Hice un cursito en el año 91, un curso bastante malo, pero que me abrió los ojos. Y luego tenía un contacto con la madre de un amigo de mi hermano pequeño que trabajaba en Contrapunto, una de las grandes agencias de la época y me dio la oportunidad de meterme de becario, sin tener idea de publicidad. Entré en el departamento de cuentas, que no es el departamento creativo, rápidamente me di cuenta de que yo era un inútil en aquella parte, y poco a poco empecé a hacer un pequeño portfolio de los anuncios que se me iban ocurriendo y al final me dieron la oportunidad de entrar en creación y desde el año 94, que fue cuando entré, me fue muy bien y muy rápido.

-¿Se parecen ambas facetas?

-Sí, sí, tienen muchas partes en común. Sobre todo tiene mucho común con la manera en la que yo concibo la música, que es contar historias. Al final la publicidad es contar historias. La diferencia básica es que en la música eres mucho más libre y puedes hacer lo que te dé la gana y la otra gran diferencia es que la publicidad intenta contentar a todo el mundo. Y en la música, tal como yo la veo, lo que me parece divertido es que haya mucha gente que odie lo que yo hago. Siento la música como provocación, siempre me ha gustado eso y siempre me ha gustado que haya mucha gente que diga que esto es una puta mierda porque creo que eso es una forma de sentir que lo que estás haciendo es diferente. Cuando gustas a todo el mundo, eso es un problema. La publicidad, aunque no vaya siempre a todo el mundo, está muy vigilada por muchas entidades y por mucha gente en las redes sociales que protesta por todo. Entonces la publicidad es mucho más complicada.

-¿Ha cambiado su forma de componer a lo largo de los años?

-No, no ha cambiado mucho. Es verdad que antes había una especie de recurso mental en el que me salían a la vez la música y la letra. Encontraba un verso y eso ya salía con la música. Ahora esto me pasa menos, o me pasa pero de repente descarto muchas veces esa primera melodía y me pongo a buscar otra. Y ahí trabajo mucho, como decían Los Beatles, en su forma de componer, que era coger sus canciones favoritas y cambiarlas tanto hasta que nadie las reconociera. Entonces tiro mucho de ese recurso.

-¿Le preocupa que sus canciones, al hablar de momentos concretos como el asalto al Capitolio o el detergente Camp, queden anticuadas en el tiempo?

-De hecho siempre he tratado de huir un poco de lo coyuntural. Incluso la de Manuel Luque, era una cosa tan peculiar que no lo considero coyuntural. Es verdad que en el último disco el 'Asalto del Capitolio' es un caso clarísimo u otra que utiliza la terminología de la pandemia, pero casi siempre procuro huir un poco de eso. Recuerdo cuando hicimos la versión de Bonie M de 'Rasputin', llamada 'Urdangarin', que sí que era una cosa bastante coyuntural y que además, joder, casi me meto en un lío. La estrené en Clamores para la gente que había ahí y no sé cómo llegó a los medios, me llamaron de Telecinco y yo dije no, yo no quiero salir a ningún lado, de verdad.

-¿Cómo ha cambiado la industria en todo este tiempo?

-Ha cambiado totalmente. Han cambiado los actores, sobre todo. Antes el poder lo tenía la discográfica y la radiofórmula, tenías que sonar en Los 40 Principales y en la radiofórmula si querías llegar a algún sitio y vender discos y necesitabas captar la atención de una discográfica, porque era la única forma de sacar música. Ahora la radio ya no tiene la potencia que tenía, ni mucho menos. Las discográficas, tampoco. Y hay una cosa buena, que se ha democratizado muchísimo, hacer un disco ahora es muy barato, lo puede hacer casi cualquiera. Teóricamente, que lo escuche todo el mundo está también democratizado, luego no es así. Hay otra radiofórmula que es YouTube o la red social que sea, y necesitas entrar ahí, conocer, tener medios para que eso funcione. Pero de alguna manera sí que creo que hay algo que es mejor, sobre todo la parte del abaratamiento de costes de hacer un disco y hacer música y eso me parece maravilloso.

-A la hora de escribir, ¿se autocensura mucho?

-Yo bastante poco. Lo dice siempre Joaquín Niki, que se metían con ellos por cosas como la versión que hicieron de 'I only want to be with you' con 'No vuelvo a ir a Benidorm', y que en cambio nosotros llevamos toda la vida cantando burradas y nadie nos dice nada. Hay alguna cosa del pasado que ya no toco porque me parece que la gente no lo va a entender.

-¿Como qué?

-Tenemos una versión del 'I Wanna Be Sedated' de los Ramones, que es 'Yo secuestré a Natacha', que cuenta la historia de aquella niña que secuestró un señor en Alemania. Para mí es una coña, pero es verdad que hay gente a la que igual le parece que hay cosas sobre las que no se debe bromear, y yo a veces me controlo con eso. Por otra parte, siempre digo lo mismo, que tengo la suerte de ser bastante underground, entonces como mis canciones tampoco trascienden tanto, pues a nadie le merece la pena demandarme ni denunciarme.

«Tengo la suerte de ser bastante underground, entonces como mis canciones tampoco trascienden tanto, pues a nadie le merece la pena demandarme ni denunciarme»

-¿Y alguna vez se han planteado no tocar 'Atrapados en el ascensor'?

-Pues alguna vez nos lo hemos planteado, pero al final no deja de ser un hit. Yo estoy supertranquilo con que realmente creo que lo que hay es un problema con la interpretación literal de las canciones. Hay muchas canciones que en realidad no van de lo que supuestamente van. En el último disco hay una canción que se llama 'Los malos te gustan más', que es una supuesta canción de amor, que habla un poco de una tía que se va con los malos porque le gustan más la gente. Y en realidad mi intención no era hacer una canción de amor, era una canción sobre la vida. Yo creo que la fascinación que ejerce el mal sobre todo el mundo es muy grande. Hay mucha gente que en los negocios o en la política al final elige al cabrón porque de alguna manera siente una atracción por aquello, piensa que le va a proteger mejor. Y con 'Atrapados en el ascensor' pasa un poco lo mismo. Hay muchas canciones mías que no van de lo que supuestamente van y hablan de una cosa un poco más aburrida, que me parecía más interesante convertirlo en canción romántica o lo que fuera.

-¿Hemos perdido un poco la capacidad de reírnos de todo?

-Absolutamente. Cuando te hablo de la provocación, yo me enamoré del pop por lo provocativo que era porque me parecía muy divertido esos grupos que salían ahí… Los primeros Gabinete Caligari salían vestidos de nazis. Ese tipo de cosas que no eran en serio, era simplemente para que la gente se mosqueara y la gente no se mosqueaba. Era un juego. Yo creo que eso se ha perdido. Ahora todo el mundo se toma todo en serio, o no todo el mundo, pero sí que hay una serie de gente que se indigna por cualquier cosa y frena muchas cosas que son divertidas, que no pretenden ofender a nadie. Simplemente es un pequeño juego y eso es una pena. Pero bueno, es así.

«Yo me enamoré del pop por lo provocativo que era y eso se ha perdido»

-¿Qué opina de esas reflexiones que lanzan Almodóvar o Bosé acerca de que ahora tenemos menos libertad que antes?

-Es que con la gente que es muy mainstream lo entiendo porque está supervigilada y a la mínima que dice algo, hay siempre alguien que se ofende. Así que sí que hay una parte de verdad en todo eso. Pero bueno, es el impuesto a pagar por la fama. Yo tengo la suerte de no ser demasiado famoso, pago menos impuestos.

-Asegura que ya no meterá la palabra 'nena' en sus canciones. ¿Una nueva era de Un Pingüino comienza?

-(Ríe). Es que eso es algo en lo que caí en la cuenta de repente. ¿Por qué digo tantas veces nena? Es una especie de gimmick de la época. Decía en el vídeo que es porque escuché mucho a Loquillo, pero bueno, no solo a Loquillo. La palabra nena era muy recurrente en el pop de los ochenta. De alguna manera la interioricé y con el tiempo me la he quitado porque esto no tiene ningún sentido. Es un comodín para la rima interesante, pero me la he quitado.

-En su día, cargaba mucho contra la publicidad de Pascual y campañas como las del primo de Zumosol. ¿Le granjeó algún problema?

-Fue hace muchísimo y la publicidad de Pascual ha cambiado, ahora es mucho mejor que antes. Antes es que era lamentable, eran publirreportajes. Ahora te diría que Pascual es un ejemplo a seguir. En aquella época, se lo merecía.

-¿Cuántos hijos tiene?

-Tengo tres de 29, 25 y 16 años.

-Decía en 'Pingüimatic', su disco en directo, que sus hijos le querían mucho porque siempre prefiere ver un episodio de 'El Coyote y el Correcaminos' antes que un partido de fútbol. ¿Le ha traicionado alguno y le ha salido futbolero?

-El mediano es superfutbolero y no se de dónde lo ha sacado, pero son crisis y aprendes a lidiar con ellas. El día que mi hija mayor me pidió un vestido de sevillanas para mí fue un trauma. Y el pequeño es el más parecido a mí.

-¿Alguno ha sacado la vena musical?

-No. La verdad es que en casa he puesto muy poco mis canciones. Hay una anécdota que cuento siempre. Hicimos un viaje cuando mi hijo pequeño tenía ocho años, acabábamos de actuar con Los Gandules, nos regalaron los discos e hicimos un viaje muy largo y fuimos poniendo Los Gandules porque a mi hijo le obsesionaban. Y cuando llevábamos dos días escuchando a Los Gandules sin parar, a mi mujer le salió del alma decir: «Oye, a ver, para oír esta mierda, oímos tus canciones» (ríe).

-¿Se imaginaba que el nasal pop iba a llegar tan lejos?

-Para nada (ríe). Yo me sigo sorprendiendo de que haya gente que siga viniendo a los conciertos, de que sigamos haciendo sold-outs en Madrid y de que pueda seguir grabando discos… Estoy encantado.

Temas

Bandas de Música

[liaduque]

Kalarippayattu Arte marcial más antiguo del mundo, el kalarippayattu forma parte de la esencia cultural de Kerala, en el sur de la India. Modelo y practicante Constanza Díaz Fotógrafa Paloma Palomino https://palomapalomino.com/ Estilismo Lía Duque

[martagrimalt]

La revista de reflexión y pensamiento crítico Article, nº 8, abril 2023, publicada por SAC - Sant Andreu Contemporani, Ayuntamiento de Barcelona, con monográfico dedicado a la(s) masculinidad(es), (masculinitat(s) en catalán), ha contado con mi participación como fotógrafa, para quienes he cedido un fotograma de mi vídeo arte Stomach Protector, que realicé en 2018, junto a Cristian Robles y Craig Amromin. 

Muy contenta y agradecida de participar en esta publicación, de la que cito:

Textos: Bakea Alonso Fernández de Avilés, Roy Galán, Jordi Pino, Pablo G. Polite, Beatriz Ranea Triviño, Francesc Ruiz, Zaida Trallero

Fotos: Rubén González Calzada, Marta Grimalt Canals, Ciprian Homorodean, Jonathan Notario, Joan Pallé, Felipe Robles, Francesc Ruiz, Alex Solé

Ilustraciones: Alba Feito

Diseño gráfico: Jimmy Genovard

Link del vídeo promocional de Article 8, aquí.

Cuando hablamos de masculinidades alternativas o nuevas, nos referimos a una manera de ser hombre igualitaria, feminista, plenamente respetuosa de la diversidad y capaz de aceptar y valorar la propia idiosincrasia, tal vez divergente del modelo heteronormativo tradicional. Una apuesta vital que exige también un cambio de actitud frente a otros hombres, el reconocimiento de la pluralidad masculina, de las múltiples opciones vitales y sexuales, y un claro compromiso contra el machismo, la homofobia y la transfobia. Por eso es primordial que cada vez sean más los individuos dispuestos a cuestionar el modelo tradicional de masculinidad, a liberarse de las cargas de su hegemonía y a comprometerse activamente en la construcción de una sociedad renovada de personas más libres, sensibles e intuitivas, sin miedo a escuchar, a cuidar, a dar y recibir.

Nuestro objetivo con esta publicación es ofrecer un espacio abierto a las múltiples miradas que desbordan lógicas patriarcales y binarias, un pequeño impulso teórico que ayude a articular las transformaciones sociales inherentes al cuestionamiento de la masculinidad tradicional. Queremos contribuir a la liberación de los hombres atrapados por el muro de exigencias de la masculinidad hegemónica, a menudo violenta y autodestructiva, para que puedan integrarse en un mundo más igualitario y respetuoso. Aquí va nuestro agujero, nuestra fisura con voluntad deconstructiva.

Puedes encontrar la publicación en librerías especializadas.

[desdeelvientre]

¡Hola!

Las conclusiones siempre han sido las partes más difíciles de escribir para mí en un texto porque siento que en el cuerpo ya he dicho lo que tengo por decir. Las introducciones, en cambio, son siempre incómodas, graciosas, extrañas y curiosamente inadecuadas. Iniciamos a tientas, y eso es aceptado, mientras que al culminar se espera que hayamos aprendido lo suficiente para desenvolvernos con destreza. Ni el mundo externo ni el interno funcionan tan fácilmente, por supuesto. Detesto las expectativas (tanto como a las conclusiones), pero tomaré prestado este motivo para introducirme semi-formalmente, aun con un poco de incomodidad ;).

Soy Massiel, tengo 27 años y actualmente me encuentro en Cambridge, Inglaterra, haciendo mi maestría (MPhil) en Theology, Religion and Philosophy of Religion. Parte del por qué he abierto este blog es porque quiero compartir mis experiencias aquí, como estudiante y como ser humano, hablar de temas incómodos y usualmente omitidos, así como reflexionar en conjunto. Creo que cada día es una oportunidad para esto último. Amo escribir, investigar, dormir y caminar. También la espiritualidad es importante para mí así que aquí encontrarán un poco de eso, así como algunas referencias a filósofxs que leo y escucho, por supuesto, y que creo que transmiten mucho para un vivir más consciente. Soy fotógrafa amateur, así que ahora ya saben también qué esperar.

Empecé a estudiar filosofía porque quería ser, y cito a mi yo de diecinueve años, “más consciente del mundo y de mí misma”. Porque la búsqueda es interminable, este es el motivo por el cual me encuentro aquí ahora: aprender, transformarme y vivir lo que me haya de enseñar la vida, los seres y las personas. Eso es lo que estoy buscando desde hace mucho tiempo, aunque ahora con el corazón más abierto. Es decir, ahora busco también amar y abrazar la experiencia de estar aquí. Porque esto último es relacional, tal como la vida, he decidido salir de mi dolorosamente cómodo caparazón de la timidez para compartir un poco de mí en este lugar. Te agradezco que hayas llegado hasta aquí y espero que también hagas de tu viaje uno que merezca la pena ser vivido, para lo cual la curiosidad es un gran motivo e hilo conductor, como lo es decidir hacer algo distinto tras sentir que cada día es igual de aburrido que el anterior. 

Voy a estudiar latín ahora (estoy un poco atrasada), así que ¡hasta la próxima!

[fotoing]

Impresionante foto en forma de corazón!

Abbie Parr es una fotógrafa profesional para la AP (Associated Press) que ha capturado momentos fascinantes del deporte. Entre sus trabajos quiero resaltar la fotografía que tomó el 13 de junio de 2023, cuando los “caballeros dorados de las vegas” o Vegas Golden Knights, el primer equipo de hockey sobre hielo de la ciudad, celebraron su primera Stanley Cup.

La imagen muestra a los Caballeros Dorados, ganadores del trofeo más codiciado del hockey, formando un corazón. La fotografía expresa un espíritu de unidad y felicidad tras una temporada histórica.

La fotografía se hizo viral en las redes sociales y fue elogiada por su belleza y simbolismo. Muchos aficionados la consideraron un homenaje a las víctimas del tiroteo masivo que ocurrió en Las Vegas el 1 de octubre de 2017, y que conmocionó al mundo. El equipo se había convertido en un símbolo de esperanza y superación para la ciudad, y su lema era “Vegas Strong”.

Sin duda es muy interesante poder documentar momentos tan importantes para un equipo o para una ciudad. Los Caballeros Dorados de las Vegas y la fotografía son ejemplos de cómo el deporte y las imágenes pueden unir a las personas y darles alegría. Chévere!

Por: @JulianDBernal

[helaghost]

¿Quién soy? ¿Qué soy?

Soy fotógrafa

Soy escritora

Soy estudiante

Pero no sé que soy.

Soy yo

Pero que es ese yo

No hay manera de identificarme en este mundo.

Soy mujer pero siento una gran satisfacción cuando me dicen muchacho en mis momentos de raparme.

Soy bisexual, pero no me gusta etiquetarme, solo me gusta la bandera.

Yo

Soy rara, introvertida y extrovertida por igual, me gusta romantizar mi vida, sacar todo lo que hay en mi mente y tratar de armar el rompecabezas que ya hace ahí.

Soy Hela y soy Mariana

Pero ¿Quién es Hela y quién es Mariana?

Una ama vivir y la otra suele esperar a la muerte como una vieja amiga.

Una es creativa y la otra muy metódica

El problema es que nunca sabré quién es quién.

[la-semillera]

EILEEN AGAR & HALINA POSWIATOWSKA

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LA SALVACIÓN ESTÁ EN LA PIEL TIBIA

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la salvación está en la piel tibia 

la salvación está en la carne dulce 

la salvación está en la sangre líquida alabemos el desenfreno 

con veneración pronunciemos los nombres 

de Tais Fryne y Judith la puta judía 

.

el futuro del mundo está en nuestros brazos 

oh él está en nuestros cálidos brazos 

en nuestros muslos ávidos desvergonzados 

en nuestros pechos fértiles 

con veneración repitamos los nombres 

de Tais Fryne y Judith la puta judía 

.

por el espacio se bambolea la Tierra 

los rizomas de la hierba se alzan hacia el Sol 

los hombres hurgan en el subsuelo 

con los hocicos ciegos de los topos y nosotras - 

la sabiduría está en nuestros brazos 

la salvación está en la carne dulce 

de Tais Fryne y Judith la puta judía

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Halina Poswiatowska  En "Fogal", nº 5, mayo-julio de 2015. Trad. del polaco de Javier Izquierdo Reyes. 

Eileen Agar (pintora y fotógrafa británica) 1899 - 1991 Regreso de Europa, 1971. óleo sobre lienzo122 x 152.5 cm. (48 x 60 pulgadas.) firmado 'AGAR' 

[flashpastella]

-- > Streetwise (1984) < -- De Martin Bell (Usa) Qué onda Streetwise?

Es un documental que sigue la vida de 9 jóvenes marginales de las calles de Seattle en los '80, siendo en su gran mayoría menores de edad.

El documental nace luego de que la fotógrafa Ellen Mark y el periodista Cheryl McCall realizan una nota sobre la marginalidad de Seattle, y como logran conectar mucho con los jovenes, llaman al esposo director de cine de la fotografa para hacer un documental y seguir su mundo bien de cerca.

En los 80s norteamericanos, producto de violentas urbanizaciones y más decisiones económicas, crece enormemente la marginalidad. Y acá vemos todo lo que sucede en la calle y cómo la llevan y se las arreglan para sobrevivir.

Está muy bien filmado y dura hora y media. Personalmente creo que este tipo de documental influyó en el cine independiente de ficción de los años siguientes (Jarmusch, Korine,etc) tomando la idea de protagonistas marginales medio punk con glam vibes .

[afranciscomiradiezblr-blog]

Florence Henri (1893-1982)

Florence Henri, nacida en Nueva York, el 28 de junio de 1893, fue una fotógrafa y artista. Creció en Europa y estudió en Roma, donde conoció a los futuristas, en Berlín, en París con Fernand Léger y Amédée Ozenfant, y finalmente en la Bauhaus de Dessau antes de regresar a París, donde comenzó con la fotografía.

En su obra se incluye la fotografía experimental, la publicidad y los retratos, muchos de artistas. Henri nació en Nueva York, hija de un padre francés y una madre polaca. Después de la muerte de su madre en 1895, Henri y su padre comenzaron a viajar por su trabajo como director de una compañía petrolífera. Henri empezó a estudiar música en París a los 9 años de edad. En 1906, Henri y su padre se instalaron en la Isla de Wight en Inglaterra donde su padre murió en 1908. Después de la muerte de su padre, Henri fue a vivir a Roma con Gino Gori, un poeta que introdujo a Henri en los movimientos artísticos de vanguardia.

En 1913 Henri se trasladó a Berlín para continuar sus estudios de música con el pianista-compositor Ferruccio Busoni. Cuando la primera guerra mundial estalló en 1914, Henri se vio atrapada en Berlín, con su dinero congelado. Para lograr vivir, Henri tocó el piano para películas mudas. Después de visitar la Academia de las Artes de Berlín, Henri decidió seguir con la pintura, en lugar de la música. A lo largo de este período,

Henri se centró en paisajes y estudios de figuras. También en esta época, conoció al crítico e historiador de arte Carl Einstein que se convirtió en un mentor y amigo íntimo hasta su muerte en 1940. Después de la guerra, Henri estudio con artistas como Johann Walter-Kurau y Vasili Kandinski. En 1924, decidió trasladarse a París, pero tuvo dificultades para obtener permiso de residencia en Francia. El 18 de junio de 1924, se casó con Karl Anton Koster en Lucerna, lo qu le permitio obtener permiso para residir en Francia. Koster y Henri se divorciaron en 1954.

En 1925, Florence Henri se apuntó a la Académie Moderne para estudiar con Fernand Léger y Amédée Ozenfant. En el verano de 1925, el pintor polaco Victor Yanaga Poznanski organizó la exposición internacional El arte de hoy en día. Fue la primera exposición internacional de arte vanguardista en París desde la guerra. Además de Henri, otros artistas expusieron obra como Piet Mondrian, Paul Klee, y Pablo Picasso. Después de exhibir obras en la Académie Moderne, en la Galería Aubier en marzo de 1927, Henri marchó a estudiar a la Bauhaus en Dessau. La obra de Florence Henri ocupó un lugar central en el mundo de la fotografía de vanguardia a finales de los años veinte.

Se hizo miembro del grupo Círculo y Cuadrado en 1929. En la Bauhaus, Henri conoció a László Moholy-Nagy y acudió a su curso de fotografía de verano. Se trasladó a la casa de Moholy-Nagy y se hizo amiga íntima de su esposa Lucia Moholy quien la animó a centrarse en la fotografía.

Nota: La propiedad intelectual de las imágenes ... ( todo) que aparecen en este blog corresponden a sus autores y a quienes éstas las han cedido. El único objetivo de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, grabadores, fotógrafos... a los que admiro y que otras personas disfruten contemplando sus obras. No son todas las que son, pero si son todas las que están

[tina-aumont]

Hola, porqué ahora las fotografías ya no tienen marcas de agua? Creo que mejor es que lo agregues porque en algunas páginas no te piden permisos y utilizan las fotografías inéditas que sacas a la luz. Digo mi opinión.

Hola!!

buenas tardes, y muchas gracias por tu pregunta :)

Le estoy quitando la marca a las fotos de mi página por dos motivos principalmente:

el primer motivo es que yo no soy la fotógrafa que ha hecho tales fotos, y si en su día se publicaron sin marca alguna, yo no soy quién para marcarlas

el segundo motivo es que todo el mundo tiene derecho a ver las fotos tal cual fueron tomadas, yo no soy quién para marcarlas

Al principio las marcaba porque era egoísta, mucha gente no da crédito a las páginas donde saca las fotos, y esto me hacía enfadar porque gracias a mi, esa foto corría por las redes, entonces yo quería un mínimo reconocimiento, ahora me da igual, estoy contenta en que las fotos vayan circulando, me da igual que no pongan que son mis escáners ni mi tumblr (aunque no cuesta nada ponerlo, la verdad) porque lo que quiero es que Tina sea conocida por todo el mundo.

Cambié de parecer en marcar las fotos porque yo también soy muy fan de Pattie Boyd y estoy en un grupo de facebook en que una persona marca sus scans, también pone todas las fotos de webs de editoriales (que también van marcadas) y me dio pena porque pensé que mucha gente no tenía la oportunidad de ver la foto original porque por egoísmo esa mujer las marcaba.

Yo compro las revistas por internet, me dejo una pasta, pero quiero que todo el mundo disfrute de las fotos tal cual se hicieron. Si marco las fotos estoy faltando las respeto al fotógrafo o a la fotógrafa, yo no he hecho las fotos, simplemente las comparto para que lleguen más lejos y a más gente, esas fotos no son de mi propiedad, entonces no me parece bien marcarlas.

Aún así, si hay álguien que me envía las fotos con su marca, yo lo respeto y no la borro porque sé que esa persona ha estado horas y se ha dejado la vista en mejorar la foto.

Creo que no me dejo nada de explicar, muchas gracias por tu pregunta!! :D

Eleni xxx

[alfnsinas]

presentando a ALFONSINA CALISE, de veintitrés años y esqueleto f1.

tablero de pinterest.

blablabla ya saben quién soy y qué voy a hacer, así que vamos pa lo importante acá abajo.

nació en argentina y vivió ahí hasta hace dos años. todo el mundo la conoce como alfon. por si no se dieron cuenta leyendo su descripción física y el flequillo, cumple con todo el estereotipo de rolinga. siempre la van a ver vestida con toppers y su ídolo es el pity alvarez. no ampliaremos sobre este punto.

se crió en la zona norte del gran buenos aires, tigre específicamente, y sus papás se conocieron porque él tocaba en una bandita under de la zona con bastante movida y su mamá trabajaba de fotógrafa en una revista local. todo lo que sabe del rock es gracias a ellos. cuando tiene seis su papá la pega y un poco se borra de la casa, así que eventualmente se separan. él después se muda a los angeles y ella casi pierde el contacto hasta hace poco. ya voy a volver sobre esto.

tw: abuso de drogas. como toda la vida se crió entre rolingas loquitos que se drogaban, ella termina con las mismas juntas. a los dieciocho conoce a licha (su única relación seria hasta la fecha) y se juntan. los dos se drogaban bastante, pero mientras ella sabía parar cuando le llegaba el momento, él no. termina abandonando el trabajo, los estudios etc y ella está ahí para apoyarlo siempre, medio hundiéndose también.

tw: rehabilitación, suicidio. después de un par de intervenciones logra meterlo en esas granjas de rehabilitación, pero él se suicida. ella le sigue por poco, pero su mamá la encuentra antes. de ahí pasa dos años en terapia, y también se reconecta con su papá — por eso se muda con él a los angeles. no quiere tentarse y volver a lo mismo teniendo a su gente y el recuerdo del ex tan presente.

le gusta muchísimo la música y un poco es eso a lo que quiere dedicarse en el futuro, pero también le gusta mucho dibujar y hacer cosas en cerámica. siempre la van a ver con las uñas cortas, el esmalte medio salido y las manos manchadas.

trabaja de mesera en algún restaurant de la zona cheta de los angeles (no sé cuál sea soy pobre y nunca salí de argentina) y en su tiempo libre toca la guitarra y canta a la salida de la playa o cualquier lugar de turistas idk !!! se podrá ser más hippie?

se hace la zen (y la verdad es que hoy en día sí afronta a la muerte desde otro lado) pero el duelo sobre licha no está ni cerca de estar hecho. lo extraña muchísimo y no cree poder enamorarse así nunca más

conexiones que se me ocurren con ella:

cosas de una noche que terminaron en eso, sin rencores. algún que otro ex ligue con el que ella cortó las cosas porque no podía separar eso de su ex y haya sentimientos medio raros de por medio ??? como incomodidad. quizás alguien que quiera conocer pero no se anime????

amigos por favor!!!!!!! juro que es copadísima y muy divertida aunque tenga ojitos tristones

alguien especial en quien ella pueda apoyarse cuando está bajón (siempre) pero más bien platónico, creo

ya no se droga (nunca digas nunca) pero sí fuma porro, así que 1) alguien que le venda , 2) alguien con quien sentarse a fumar a la tardecita

cualquier cosa por favor sólo denle amor y háganla sufrir !!!!!!

[08kate10]

Fuera de Lugar.

Alguna vez has sentido que las cosas están "fuera de sí"? Ves cosas que no cuadran o tal vez no están donde normalmente estamos acostumbrados a verlas.

Precisamente de eso se trata este proyecto. La idea es combinar la danza clásica con el mundo exterior, la calle.

Con este proyecto queremos combinar la elegancia y belleza de esta danza con lo urbano de la Calle. Uniendo así lo más representativo de cada tema.

A continuación les mostraremos los referentes que se tuvieron en cuenta:

1. Darían Volkova.

Es una fotógrafa Rusa, más conocida en el mundo del ballet, como una experta en este campo y ex-bailarina de ballet. Hoy en día es Jefa de producción de Ballet Darían Volkova y editora en Jefe de la WorldofBallet (revista en línea).

El trabajo de esta fotógrafa en realidad nos dejó impresionados, por la calidad, belleza y elegancia que se pueden observar en cada una de sus fotografías.

Uno de los proyectos más interesantes que encontramos fue "Cuentos de la Casa de Ballet" donde adopta un enfoque innovador al querer captar la arquitectura Rusa junto con el Ballet.

2. Omar Zaid Robles.

Es un fotógrafo Puerto Riqueño, quien se interesa por tomar fotografías que cuentan historias.

Su gusto por tomar este tipo de fotografías empezó por Marcel Marceau, un legendario actor de mimo francés, quien fue su inspiración y le enseñó a interpretar el mundo a través de movimientos sutiles.

Consideramos que este fotógrafo es uno de los más destacados y fundamentales de este proyecto, ya que, es básicamente lo que queremos captar en cada una de nuestras fotos.

Al observar los proyectos y fotografías de Omar Zaid Robles hubieron dos en especial que nos llamaron muchísimo la atención:

El primero es Melbourne, of Paradise. Se trata de un proyecto muy bonito, el cual le recordó las razones que están detrás de cada una de sus obras artísticas, al igual que grandes bailarines de ballet que se presentaban en medio de la calle.

El segundo fue un proyecto realizado en su tierra natal, Puerto Rico, donde puso a bailarines a transmitir los obstáculos que viven los habitantes de esta isla, se pueden observar a dichos bailarines elegantes posando en escenarios abandonados, llenos de basura y escombros, pero más allá de las fotografías tan impresionantes que capto, lo que más nos intereso fue la interpretación de estás y el motivo por el cual las tomó.

Para finalizar se anexaran las fotografías ya realizadas se este proyecto.

[olasenblanco]

Mi Viaje a Europa y la Inspiración del Tío Chuy.

Hace meses, quizá más de un año que me sentía muy frustrada, de repente me encontré en una zona de confort donde aparentemente no me faltaba nada, me veía como siempre había soñado, viviendo sola, teniendo mi propio espacio, libre de hacer lo que quisiera cuando quisiera en él, tomando decisiones que dependían sólo de mí, sorbiéndole amargos y ricos traguitos a mi café, al aire libre de mi terraza, a solas conmigo, en silencio. Por fin hice de un inmueble un lugar acogedor, le fui metiendo mi chispa, mi emoción, hasta que finalmente se sintió como un hogar... el mío. Al principio me sentí tan emocionada, la persona más feliz y completa, agradecida por cada instante, cada taza de té, cada rincón, sólo pensaba en lo afortunada y privilegiada que soy por tener un techo, una cama, una cobija para refugiarme del mundo y cubrirme cuando todo se hace frío y gris, aun en los momentos tristes me sentía tan plena.

Después de un tiempo, comencé a sentir en el pecho la falta de algo, el contexto perfecto dejó de satisfacerme y me sentí ansiosa y hambrienta de no sé qué. Pasé por crisis de ansiedad, pensamientos caóticos y emociones de las que quería escapar constantemente.

¿No era eso lo que quería, lo que tanto había deseado? No, no me malentienda, no es que haya dejado de agradecer, por dicha llevo el agradecimiento tatuado hasta el tuétano, pero eso no quitaría la necesidad de descifrar el nudo gris y enmarañado que sentía por dentro, uno con forma de signo de interrogación abierto sin el otro que indicara el cierre de la pregunta, porque ni siquiera había terminado de formularla, carecía de claridad.

Pasados los meses, entre terapias, amigos, copas y tabacos, acuarelas, tejidos, dibujos, colores, telas, agujas y papeles, me di cuenta de que necesitaba encontrar un trabajo que me apasionara tanto como me envuelven las manualidades; y entre otros asuntos, así es como decidí hacer un viaje a Europa, con el objetivo de encontrar pasiones, pulsos nuevos, maravillarme de cosas que no conocía para despertar alguna parte mía, sin nombre, desconocida, que se hallaría dormida.

Durante los primeros días en Madrid y platicando con una hermosa persona, a quien ahora considero mi amiga, me topé con una teoría que hizo todo el sentido a mi búsqueda.

Silvia, una mujer auténtica madrileña y extraordinaria, se hizo la carrera de Historia del Arte, aunque se dedica a su propio proyecto, es fotógrafa y tiene montado su negocio con un maravilloso equipo de trabajo. Por la manera en que llegué a ella pienso que hay partes del destino que están pre escritas, pues la fecha original de este viaje era más o menos un mes antes de que lo emprendiera, aunque debido a la pandemia que atraviesa el mundo, (particularmente en ese mes) tuve que posponerlo, lo que me llevó a cancelar el alojamiento que ya había reservado, y cuando supe que ya se podía viajar nuevamente, busqué un alojamiento distinto, esta vez, uno compartido con la anfitriona. Recuerdo que previo al viaje hicimos videollamada para conocernos mejor, se sintió un clic inmediato, ella estaba de viaje en ese momento y tenía el mar de fondo. Y bueno, al tercer o cuarto día de haber llegado decidimos, ella y yo, tomarnos una birra en el restaurante que está en la calle donde se encuentra su piso; me pidió que le contara un poco más acerca de mí y de mi viaje,  así que no dudé en compartirle mis inquietudes, le dije que no sabía qué hacer de mi vida, que no sabía cuál era mi pasión, que me sentía frustrada y esperaba encontrar respuestas en ese viaje, y vaya que fue así después de lo que ella me respondió. Palabras más, palabras menos, fue algo como esto: “yo creo que toda la gente sabe lo que le gusta, pero se cuentan el cuento de que no es posible, que no es rentable o que es una locura, se resignan trabajando en algo que odian porque se dicen a ellos mismos que lo que quieren no puede ser. Estoy segura de que tú sabes lo que te gusta, pero te has dicho a ti misma que es imposible”.

Mientras ella hablaba, a mi mente solo venían imágenes de mis manualidades y lo feliz que me hace crearlas, aunque inmediatamente pensé en que no era redituable, entonces le dije que, en efecto, no sería rentable tardarme 18 horas tejiendo una pieza porque nadie me iba a pagar una cantidad proporcional a mi trabajo, a lo que ella respondió: “entonces cambia tu discurso, en lugar de decirte que no sabes qué es lo que quieres, preguntante qué tienes que hacer para que sea rentable eso que quieres.”

Se abrió un portal de luces de colores. En ese momento sentí como si me hubiesen echado un manguerazo de agua fría a la cara, todo este tiempo había tenido enfrente no sólo la respuesta, sino la pregunta misma también. Los hilos y las ajugas casi me pinchan los ojos diciéndome “¡Hey, es por aquí!”. No había nada que descubrir, lo que había que hacer era confiar en mí y dejar la duda para el estudio y los conocimientos, no para mis capacidades.

Desde ese momento, mi viaje ya había sido un éxito, “todo lo que pase después de hoy, ya es ganancia extra”, pensé. Pues no, durante todo el viaje me caían y me caían veintes, me di cuenta de pensamientos intrusivos que me habían estado haciendo mucho daño a lo largo de mi vida. Este viaje fue una manera muy hermosa y divertida de comenzar a hacer la paz con algunas verdades sobre mí, de ampliar las geografías del corazón con menos desazón y más ternura, de tomar con gracia lo que me sucede, mis dudas, mis frustraciones, mis miserias, mis quebrantos, pero también celebrando mi alegría, la sonrisa que me caracteriza, la buena onda y todas las virtudes que también me conforman.  Lo mejor de todo este conjunto es que me he acercado más a la versión auténtica de Vianey; como si cada lugar y cada conversación con cada persona fuera quitando capas para llegar a lo verdadero, al diamante en bruto que existe y se ve descubierto al quitar el carbón que le fue cubriendo mientras crecía en un contexto familiar y social ya codificado.

Y bueno, ¿Qué tiene que ver este libro con todo lo que acabo de compartirles? Pues todo el día he estado organizando hilos, agujas, libros, papeles y demás, animándome, inspirándome. Entonces me encontré con este libro y cada largo tiempo me gusta abrirlo, hoy ha sido particularmente especial por el momento de mi vida en que lo he abierto, les cuento:

Hace 8 años que mi tío Chuy me regaló este tesoro, y ahora que estoy buscando aterrizar de la manera más completa todas las ideas que se me han destapado durante y después de mi viaje, me resulta el mejor aliado, la voz que susurrando tras la oreja me empuja a ser valiente, a confiar en mí y reconocer que no hay riesgo más alto que el de no arriesgarme a hacer lo que intuyo y deseo.

Que al final, ser fieles a nosotros mismos podría llevarnos por el camino más largo, pero nunca por el equivocado, sino todo lo contrario. <Despacio que llevo prisa>.

Gracias a mi tío Chuy Tormenta, por inspirarme con sus libros, con su forma de vida tan apartada de la aprobación social y por todas sus artesanías. Gracias por sus regalos, y con ellos la inspiración para escribir esto que tanto necesitaba ordenar con letras.

Abrazos largos, desde un punto del ombligo de la luna.