#MPC workflow

[aholefilledwithtwigs]

A Phase of Prime

An audiovisual exploration into the looping of prime factors. More details of the structure under the cut

Loops have become a core building block of modern music, shaping the sonic landscape and defining most music production workflows. The MPC is an iconic example of this workflow, helping define the loop-based production process.

A Phase in Prime explores loops that do not sync at regular intervals. A sampled synth voice is performed on an MPC, and then looped separately on left and right channels. With one loop of 23 beats and another of 27, they start in unison, to then fall out of sync as they repeat. As two prime numbers, they do not realign until reaching their product, 621 beats. To realign at the start of a four beat measure requires 621 bars, or 2484 beats. It takes 20 minutes and 42 seconds for an 11.5 and 13.5 second loop to realign at the start of a measure.

The video reinforces the pattern— a clip of a bouncing ball starts in unison, but then the left and right halves loop at different intervals, falling in and out of sync like the audio.

[jokkaproductionz]

**The Ultimate Guide to Producing Hip Hop Music: Hardware and Software Essentials**

As a hip hop producer, you’re about to embark on a journey to create the next big hit. To get started, familiarize yourself with the hardware and software tools used in the production process. In this comprehensive guide, we will cover the essential hardware and software tools, as well as provide tips on how to combine them to produce high-quality hip hop and rap tracks.

---

### **1. Hardware Essentials**

**1.1 MPCs (Akai Pro MPC Series)**

The MPC (Music Production Center) is a legendary sampler and sequencer that has been a staple in hip hop production for decades. The Akai Pro MPC series, including models like the MPC X, MPC Live, and MPC One, offer a myriad of features such as sampling, sequencing, and effects processing. These devices allow producers to create intricate beats and seamlessly blend samples with original material. **Tip**: Experiment with different sampling techniques to find your unique sound.

**1.2 Groove Boxes (Korg Electribe, Roland SP-404, etc.)**

Groove boxes are compact and portable devices designed for creating beats, sequences, and samples on the go. Popular choices among hip hop producers include the Korg Electribe and Roland SP-404. These devices often come with built-in sounds and effects, making them perfect for live performances or quick jam sessions. **Tip**: Use groove boxes for sketching out ideas quickly when inspiration strikes.

**1.3 Drum Machines (Roland TR-808, TR-909, etc.)**

Drum machines are fundamental tools within hip hop production. The Roland TR-808 and TR-909 are iconic machines that have appeared in countless hit tracks. Their distinct sounds can give your beats that classic hip hop flavor. **Tip**: Layer different drum sounds and tweak their envelopes to create a punchier kick or snappier snare.

**1.4 Turntables and Vinyl**

Vinyl records and turntables remain an essential component of hip hop culture. Many producers use turntables to sample and scratch records, adding a unique rhythmic element to their tracks. **Tip**: Explore various genres of vinyl records for sampling; sometimes unexpected sounds can lead to unique beats.

**1.5 MIDI Controllers (Native Instruments Maschine, Novation Launchpad, etc.)**

MIDI controllers provide a hands-on approach to controlling virtual instruments and effects in your DAW. Devices like the Native Instruments Maschine and Novation Launchpad are popular among hip hop producers for their versatility. **Tip**: Utilize pads for finger drumming to capture a more organic feel in your beats.

---

### **2. Software Essentials**

**2.1 DAWs (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, etc.)**

Your Digital Audio Workstation (DAW) is the heart of your production setup. Ableton Live, FL Studio, and Logic Pro are three of the most popular DAWs used in hip hop production. Each DAW has its strengths; for instance, Ableton Live is favored for its session view for live performances, while FL Studio is known for its intuitive interface and powerful step sequencer. **Tip**: Take advantage of the built-in tutorials and communities surrounding each DAW to enhance your workflow.

**2.2 Virtual Instruments (Native Instruments Kontakt, Serum, etc.)**

Virtual instruments provide an expansive palette of sounds for hip hop production. Software like Native Instruments Kontakt and Serum allows you to design and manipulate sounds, offering endless creative possibilities. **Tip**: Incorporate sound design techniques to craft unique sounds that set your tracks apart.

**2.3 Effects Plugins (iZotope Ozone, Waves, FabFilter, etc.)**

Adding effects and processing to your tracks is crucial for achieving a professional sound. Plugins from iZotope Ozone, Waves, and FabFilter offer tools for mixing and mastering your music. From EQs and compressors to reverb and delay, these plugins can help you shape your sound effectively. **Tip**: Use reference tracks to guide your mixing choices and ensure your sound fits within the genre.

---

### **3. Combining Hardware and Software**

The key to successful hip hop production lies in effectively combining your hardware and software. Here are some tips on how to do this:

- **Integration**: Connect your hardware instruments to your DAW via MIDI or audio interfaces for seamless interaction. This allows you to trigger sounds from your hardware while recording in the software.

- **Layering Sounds**: Utilize hardware samplers like the MPC to create base beats, and then enhance those beats using virtual instruments or effects within your DAW.

- **Live Performance**: Incorporate groove boxes or MIDI controllers during live performances to engage your audience and add spontaneity to your set. This can create a unique atmosphere and make each performance special.

- **Experimentation**: Don't be afraid to mix and match hardware and software. Use a MIDI keyboard to play samples from your MPC, or sample your virtual instruments on your groove box. The possibilities are endless.

---

By understanding and utilizing the right hardware and software tools, you’ll be well-equipped to navigate the world of hip hop music production. Remember, the most important aspect is to experiment, find your unique voice, and have fun while crafting your beats. Now go create your next big hit!

[mousoumanager]

The Akai MPC60 (often referred to as the MPC 600, though its correct name is MPC60) is a legendary sampling drum machine and MIDI sequencer released in 1988. It was designed in collaboration with Roger Linn, creator of the LinnDrum, and marked the beginning of the iconic MPC (Music Production Center) series. It combines 12-bit sampling, velocity-sensitive pads, and a powerful sequencer, giving producers an intuitive and hands-on way to build beats and arrange tracks.

Usage:

Primarily used for sampling, drum programming, and sequencing.

Known for its gritty 12-bit sound, swing timing (groove), and tight MIDI control.

Favored in hip-hop, R&B, and electronic music production.

Notable artists, songs, and albums:

J Dilla – often used the MPC60 and MPC3000 for his signature loose, human-feel beats, including on Donuts (2006).

DJ Premier (Gang Starr) – used it heavily on albums like Moment of Truth (1998) for chopped samples and hard-hitting drums.

Dr. Dre – early work (e.g., The Chronic, 1992) used the MPC60 as part of his production workflow.

A Tribe Called Quest – Q-Tip used the MPC60 on albums like The Low End Theory (1991), combining jazz samples with tight grooves.

Daft Punk – while more associated with synths, they used samplers like the MPC series for sequencing and live performance elements, especially during the Homework era (1997).

The MPC60 is considered a cornerstone of sample-based music, prized for its timing feel, classic sound, and tactile workflow.

[allylikes]

Recently I discovered MPD (Music Player Daemon), a music player based on a server/client architecture.

The design allows it to be used with a variety of different clients, all at the same time. That means you can interface with the server through simple command-line commands (mpc), through a terminal user interface (ncmpcpp), through a graphical user interface (ario), or even a web interface (ympd).

Setting it up isn't too hard, and the example configuration file (usually found at /usr/share/doc/mpd/mpdconf.example) provides lots of information and documentation about the available options. One thing you should keep in mind is that MPD's systemd service will use the config file at /etc/mpd.conf. I don't use the systemd service, so I launch it with the command $ mpd ~/.config/mpd/mpd.conf.

Once you have your server set up, you need to make it scan your music directory. All clients should have this functionality, but the most simple way to do it is with the mpc client, running $ mpc update. You should only need to do this on the first startup of MPD, and whenever you make changes to your music directory. Confirm that your library has been loaded with $ mpc stats.

To integrate MPD into my workflow, I wanted to implement keybinds to control my media. I know it can be integrated into playerctl (with mpDris2), but I would like separate media keybinding for playerctl. With that in mind, I chose to make my MPD keybinding use the super key + the media keys. In order to do that, I made 3 scripts: mpd-playpause, mpd-volume, and mpd-next. I used DWM's config to bind the relevant keys to these scripts.

These scripts (along with explanations and screenshots) can be found at https://github.com/allylikesu/mpd-scripts.

In the future, I want to implement a little dmenu control panel for MPD , so watch out for that!

[sonicprosvet]

Лэптоп – Твой Соавтор (или Диктатор?): Как Тех��ологии Формируют Музыку

Вчера

Твой лэптоп. Твоя DAW. Бесконечные папки с плагинами и сэмплами. Это твой арсенал, твоя студия, твой мир. Но задумывался ли ты, кто здесь главный? Ты управляешь машиной, или она незаметно направляет твой креативный процесс? Каждый инструмент, от допотопного магнитофона до нейросети, генерирующей биты, – это не просто железяка или код. Это философия, набор возможностей и ограничений, которые неизбежно влияют на то, какую музыку ты создаешь и как ты ее создаешь. В этой статье мы проследим, как менялись отношения музыканта и машины на примере гениев вроде Steve Reich, визионеров типа Pauline Oliveros и критиков вроде Jaron Lanier. Поймем, как ограничения рождали гениальные идеи, как безграничные возможности могут привести к застою, и как найти свой путь в этом высокотехнологичном лабиринте, чтобы твой лэптоп оставался инструментом, а не превращался в босса.

Навигация по статье:

Инструмент – это Судьба? Как Железо Формирует ЗвукПревью: Почему выбор инструмента – это не только про тембр, но и про образ мышления. Начало диалога: первые магнитофоны.

От Машины к Человеку и Обратно: Уроки Фазировки Steve ReichПревью: История о том, как пионер минимализма нашел музыку в "глюках" техники, но понял, что без живого исполнения это лишь "трюк".

Сэмплер как Машина Времени: Голоса Прошлого в Твоем ТрекеПревью: Как сэмплеры позволили Steve Reich и другим вплетать реальность (речь, шумы) в музыкальную ткань, и почему это больше, чем просто лупинг.

Чип в Голове и Квантовый Грув: Мечты Pauline OliverosПревью: Погружение в будущее по версии пионера электронной музыки. Нейроимпланты, расширение сознания и музыка как универсальный язык общения. Редкий факт: что Оливерос хотела бы "зашить" себе в мозг.

Ретро-Петля или Творческий Кризис? Jaron Lanier о Музыкальном ЗастоеПревью: Почему новая музыка часто звучит как старая? Разбираем теории одного из главных IT-визионеров и музыкантов о том, как технологии и индустрия могли "сломать" поп-культуру.

Не Дай Софту Решать за Тебя: Практика Осознанного ПродакшнаПревью: Как не стать рабом пресетов и алгоритмов? Советы по выстраиванию здоровых отношений с твоей DAW и плагинами.

Человек + Машина = ? Будущее КреативностиПревью: Технология – враг, слуга или партнер? Размышляем о том, как сохранить человеческое в музыке в эпоху AI и бесконечных возможностей.

1. Инструмент – это Судьба? Как Железо Формирует Звук

Каждый музыкальный инструмент – это не просто генератор звука. Это целый мир со своими правилами, ограничениями и возможностями. Гитара провоцирует на риффы и аккорды определенного типа. Фортепиано подталкивает к гармонической сложности и полифонии. Барабанная установка диктует грув. Точно так же и электронные инструменты – от первых неуклюжих синтезаторов до навороченных современных DAW – не являются нейтральными. Они формируют наш слух, наш подход к композиции, наш workflow.

Подумай об этом: почему звучание техно отличается от звучания хип-хопа? Не только из-за культурного контекста, но и из-за инструментов. Раннее техно рождалось на грувбоксах вроде Roland TR-909 и TB-303, которые имели свои характерные звуки и паттерны секвенсора. Хип-хоп строился на сэмплерах Akai MPC, чей workflow с пэдами располагал к созданию ломаных битов из нарезанных лупов. Сам инструмент подталкивал музыканта в определенном направлении.

На заре электроники это влияние было еще более очевидным. Музыканты работали с тем, что было. Не было бесконечных библиотек сэмплов и VST-плагинов. Был конкретный, часто громоздкий и капризный аппарат. И чтобы создать что-то интересное, приходилось не просто использовать его функции, а буквально бороться с ним, обходить его ограничения, находить нестандартные применения. Первые электронные композиторы были не только музыкантами, но и инженерами, хакерами звука.

Эта эпоха оставила нам важное наследие: понимание того, что инструмент – это не просто средство, но и активный участник творческого процесса. Он может подсказать идею, может сопротивляться, может удивить неожиданным результатом. И то, насколько глубоко музыкант понимает свой инструмент, насколько он готов к диалогу с ним, во многом определяет оригинальность и силу его музыки. История Steve Reich и его магнитофонных петель – яркий тому пример.

2. От Машины к Человеку и Обратно: Уроки Фазировки Steve Reich

Путь Steve Reich, одного из отцов минимализма, – это захватывающая история диалога между человеком и машиной. Как мы уже упоминали, его ранние эксперименты начались с простого оборудования – двух магнитофонов. Он открыл феномен фазов��го сдвига – постепенного расхождения двух одинаковых звуковых петель. Этот эффект, порожденный техническим несовершенством, стал основой его композиций "It's Gonna Rain" и "Come Out".

Но вот интересный поворот: достигнув успеха с этими чисто электронными произведениями, Reich почувствовал неудовлетворенность. Он понял, что если этот метод фазировки возможен только с помощью машин, то это "просто трюк", технологическая диковинка, а не полноценный музыкальный принцип.

Редкий факт: Движущей силой для Reich стало желание доказать, что найденный им процесс имеет универсальную музыкальную ценность, что он может быть воплощен живыми людьми. Он не хотел оставаться рабом машины, пусть даже и породившей уникальный звук. Ему нужно было "очеловечить" технологию, интегрировать ее в живую музыкальную практику.

Именно это стремление привело его к созданию пьес вроде "Piano Phase" и "Violin Phase", где живые исполнители имитируют процесс фазового сдвига, играя одну и ту же короткую фразу и очень медленно опережая друг друга. Это требовало невероятной концентрации и виртуозности, но доказывало, что найденный им принцип работает и в "человеческом" исполнении.

Позже, уже в 1980-х, Reich снова вернулся к технологиям, но уже на новом уровне. Появление сэмплеров дало ему возможность работать со звуками реального мира – речью, шумами поездов – как с музыкальным материалом. Но и здесь он не остановился на чистой технологии. В таких работах, как "Different Trains" (для струнного квартета и записи) или видео-операх "The Cave" и "Three Tales" (созданных совместно с видеохудожницей Beryl Korot), он соединяет сэмплированные голоса и звуки с живым исполнением. Записанная речь диктует мелодию и ритм инструментам, создавая уникальный сплав документалистики и музыки.

История Reich учит нас важному: технология – это мощный катализатор, но она ��е должна становиться самоцелью. Великие произведения часто рождаются на стыке возможностей машины и человеческого гения, в процессе преодоления ограничений или, наоборот, в попытке перенести технологические открытия в мир живого исполнения. Reich не боялся машин, но и не преклонялся перед ними. Он вступал с ними в диалог, брал то, что они могли дать, и трансформировал это в соответствии со своим художественным видением.

3. Сэмплер как Машина Времени: Голоса Прошлого в Твоем Треке

Появление сэмплеров в конце 70-х – начале 80-х стало, возможно, самой значительной технологической революцией в музыке со времен изобретения звукозаписи. Возможность записать любой звук и затем воспроизводить его с разной высотой, скоростью, в любом ритме – это изменило все.

Если ранние эксперименты Reich с магнитофонными петлями были трудоемкими и ограниченными, то сэмплер дал музыкантам невиданную свободу. Теперь можно было работать не только с речью, но и с любыми звуками окружающего мира, а также – и это самое главное – с фрагментами уже существующей музыки. Хип-хоп, как мы знаем, построил на этом всю свою эстетику.

Но сэмплирование – это не только про создание битов из чужих барабанных лупов. Steve Reich показал, как эту технологию можно использовать для решения совершенно иных художественных задач. В его знаковой работе "Different Trains" (1988), написанной для Kronos Quartet, сэмплеры используются для воспроизведения фрагментов интервью с его няней, бывшим проводником пульмановского вагона и людьми, пережившими Холокост. Эти голоса – документальные свидетельства разных жизней, разных историй, связанных с путешествиями на поездах в довоенной Америке и Европе.

Но Reich не просто вставляет эти голоса в музыку. Он делает их основой музыкальной ткани. Мелодия голоса (speech melody) становится мелодией для струнных инструментов (альт дублирует женские голоса, виолончель – мужские). Ритм речи диктует ритм музыке. Звуки поездов – гудки, стук колес – также вплетаются в партитуру. Получается поразительное произведение, где документальная реальность и музыкальное искусство неразрывно связаны. Сэмплер здесь выступает не как инструмент для копирования, а как мост между разными мирами, как машина времени, позволяющая голосам прошлого звучать в настоящем.

Похожий подход Reich развил в своих видео-операх "The Cave" (1993) и "Three Tales" (1997-2002), созданных с Beryl Korot. Здесь на экранах мы видим людей, отвечающих на вопросы (о библейских персонажах в "The Cave", о технологиях XX века в "Three Tales"), а живые музыканты и певцы на сцене дублируют их речь, превращая ее в музыку.

Интересно, что в "Three Tales" Reich пошел еще дальше в манипуляции сэмплами. Если раньше он точно следовал мелодии и ритму речи, то здесь он начал подчинять сэмплы музыкальной логике. Он мог замедлять речь, не меняя ее высоты ("slow-motion sound") или "замораживать" отдельный гласный звук, превращая его в длинную ноту, которая становилась частью гармонии ("freeze frame"). Это уже не просто использование документального материала, а его активная трансформация, подчинение художественному замыслу. Технология здесь позволяет не просто цитировать реальность, но и изменять ее, пересоздавать.

Пример Reich показывает, что сэмплер – это гораздо более глубокий и многогранный инструмент, чем кажется на первый взгляд. Это не только про биты и лупы. Это про работу с памятью, с историей, с реальностью. Это возможность превратить любой звук в музыкальный материал и построить из него совершенно новые смыслы и формы.

4. Чип в Голове и Квантовый Грув: Мечты Pauline Oliveros

А куда технологии могут завести нас дальше? Pauline Oliveros, композитор, аккордеонистка, пионер электронной музыки и создательница концепции "глубокого слушания" (Deep Listening), заглядывала в будущее с удивительной смелостью. В своих размышлениях о "кибернетическом присутствии" она задавалась вопросом: каким будет музыкант XXI века в эпоху слияния человеческого и машинного интеллекта?

Она ссылалась на прогнозы футуролога Ray Kurzweil, который предсказывал, что через сто лет не будет четкого различия между людьми и компьютерами, а нейроимпланты радикально расширят наши когнитивные и перцептивные способности. Oliveros фантазировала о том, каким мог бы быть "чип музыканта" – имплант, дающий сверхспособности.

Редкий факт: Что именно хотела бы Pauline Oliveros от такого чипа? Ее список впечатляет:

Мгновенно распознавать и идентифицировать любую частоту или комбинацию частот в любом строе, тембре, темпе или ритме, в любом стиле музыки или звука, в любом пространстве.

Способность воспроизводить любую частоту или звук в любом строе, тайминге, тембре, динамике и артикуляции (в пределах выбранных инструментов или голосов).

Возможность по желанию "морфировать" звучание любого инструмента в любой другой инструмент или голос.

Мгновенно распознавать, идентифицировать и запоминать любое музыкальное произведение – его части и целое, независимо от сложности.

Воспринимать и понимать межизмеренческую пространственность (привет, акустическое пространство!).

Обладать "реляционной мудростью" – понимать природу музыкальной энергии, ее форму, части и духовную основу по мере развития исполнения.

Воспринимать и понимать духовную связь и взаимозависимость всех существ и всего творения как основу и привилегию создания музыки.

Способность создавать общность и исцелять через музыку.

Способность озвучивать и воспринимать дальние уголки вселенной, подобно тому, как киты озвучивают и воспринимают просторы океанов (это открыло бы путь к "межизмеренческим галактическим импровизациям с еще неизвестными существами").

И, конечно, возможность распечатать все это в 3D-цвете!

Этот список – не просто футуристическая фантазия. Это размышление о пределах человеческого восприятия и возможностях его расширения с помощью технологий. Oliveros видела в технологиях не угрозу, а потенциал для эволюции сознания, для выхода на новый уровень понимания звука и музыки.

Она также ввела интригующее понятие "квантовой импровизации". По аналогии с квантовой физикой, где частицы могут существовать в нескольких состояниях одновременно, квантовая импровизация могла бы означать способность музыканта действовать в нескольких ментальных состояниях сразу, соединяя прошлое и будущее в расширяющемся настоящем. Это скачок в неоднозначное сознание, открывающий новые выборы и комбинации.

Идеи Oliveros напоминают нам, что технологии меняют не только то, как мы делаем музыку, но и то, что мы считаем музыкой, и кем мы себя ощущаем как музыканты и слушатели. Ее видение – это вызов привычным рамкам, приглашение исследовать неизведанные территории звука и сознания с помощью новых инструментов.

5. Застывшее время: Почему музыка перестала меняться? (Jaron Lanier's Rant)

На фоне футуристических мечтаний Oliveros особенно остро звучит беспокойство Jaron Lanier – одного из создателей термина "виртуальная реальность", композитора и мыслителя. Его вопрос прост и тревожен: почему популярная музыка, особенно в США, кажется, застряла во времени? Почему уже больше десятилетия (а то и двух) не появляется по-настоящему новых, прорывных стилей, сравнимых по значимости с роком 60-х или хип-хопом 80-х? Почему дети слушают музыку своих родителей (а то и бабушек с дедушками) или ее бледные современные копии?

Lanier подчеркивает: он жалуется не на то, что новая музыка плохая (хотя и такое бывает), а на то, что ее почти нет. Нет движения, есть только "взбалтывание" (churn) – перетасовка старых элементов. Он предлагает несколько теорий, объясняющих этот застой, и многие из них напрямую связаны с технологиями и тем, как они используются:

Культура ремикса как предел? Оптимистичный взгляд: цифровые технологии сделали ремикс и работу с культурными фрагментами естественным языком для нового поколения. Последние по-настоящему новые стили (хип-хоп) были основаны на этом. Пессимистичный взгляд (к которому склоняется Lanier): язык ремикса оказался недостаточно выразительным. Умное переосмысление слишком легко скатывается в простое пережевывание старого. Постмодернистская идея "все уже сказано" удобна как академикам, так и ленивым лейблам, желающим продать архивы.

Индустрия убивает новое. Музыкальные корпорации стали слишком мощными, консервативными и лишенными воображения. Ими управляют "фрустрированные бумеры", которые продвигают только проверенные форматы и отсекают все рискованное и непонятное. Конкуренция не работает, свежий воздух не проникает. Lanier предполагает, что если бы Napster (или подобный ему сервис) успел набрать критическую массу, мы могли бы увидеть рождение по-настоящему новой поп-музыки.

Кризис аутентичности. Мы больше не доверяем себе и ищем "настоящее" в прошлом. Отсюда успех Moby с сэмплами старого блюза или саундтрека к "O Brother, Where Art Thou?". Но Lanier сомневается: если бы дело было только в этом, то новые потрясения (СПИД, биотехнологии, глобализация, терроризм) должны были бы порождать новые стили, как это было раньше. Но этого не происходит. Реакция на 9/11 – возрождение патриотических песен и "особенно слабый сингл Paul McCartney". Культурный механизм ответа атрофировался.

Токсичность "высокого искусства" и образования. Академическая музыкальная среда с ее элитизмом, цинизмом, карьеризмом и "отвращением к радости" отравляет молодые таланты, убивая в них желание экспериментировать и создавать что-то живое.

Системные проблемы капитализма. Как только музыка становится большим бизнесом, риски возрастают, консерватизм усиливается, конкуренция подавляется. Индустрия продвигает клише из-за давления рынка. Выход – менять сами рыночные механизмы.

Это норма? Может, мы просто достигли зрелости культуры? У нас появился свой канон (рок, хип-хоп), как у любой культуры до нас. И нам просто не нужна новая музыка.

Теории Lanier заставляют задуматься. Действительно ли безграничные возможности цифровых технологий привели к творческому тупику? Стали ли мы заложниками простоты копирования и ремикширования? Или проблема глубже – в самой культуре, индустрии, нашем отношении к творчеству? Однозначного ответа нет, но вопросы, поднятые Lanier, крайне важны для любого музыканта, работающего сегодня.

6. Твой Workflow – Твой Соавтор: Практика Осознанного Продакшна

Итак, технологии влияют на нас. DAW, плагины, сэмплы – все это формирует наш звук и наш подход. Как же выстроить с ними здоровые, креативные отношения? Как сделать машину соавтором, а не диктатором? Вот несколько идей, основанных на уроках пионеров:

Осознай Влияние Инструмента: Подумай, как именно твоя DAW или любимый синт влияет на твою музыку. Какие функции ты используешь чаще всего? Какие звуки или паттерны он тебе "подсказывает"? Заставляет ли он тебя работать линейно или располагает к экспериментам с формой? Попробуй сознательно пойти против привычного workflow – возможно, это приведет к неожиданным результатам.

Не Будь Рабом Пресетов: Пресеты – это здорово для старта, но они убивают уникальность. Используй их как отправную точку, но всегда крути ручки, ищи свой звук. Попробуй создать звук с нуля на синтезаторе – это лучший способ понять его возможности.

Используй Технологию как Генератор Идей: Современный софт может не только записывать и редактировать, но и генерировать идеи. Используй рандомайзеры параметров в синтах и эффектах. Попробуй алгоритмические секвенсоры или генеративные MIDI-плагины. Заставь машину удивить тебя. Но не принимай ее предложения как истину в последней инстанции – выбирай, трансформируй, встраивай в свою концепцию.

Ошибки и Глюки – Твои Друзья: Аналоговая техника была полна несовершенств, и музыканты научились их использовать. Цифровые "глюки" (баги, артефакты перегрузки или тайм-стретчинга) тоже могут стать источником уникальных текстур и звуков. Не спеши их исправлять – послушай, возможно, в них кроется фишка.

Имитируй Ограничения: В мире бесконечных опций полезно создавать искусственные рамки (как советовали в предыдущей статье). Ограничь себя в выборе инструментов, эффектов, количества дорожек. Попробуй поработать только с моно-звуком. Это заставит тебя искать более креативные решения.

Сочетай Цифру и Аналог (если можешь): Многие продюсеры находят золотую середину, сочетая удобство цифрового workflow с "теплотой" и "непредсказуемостью" аналогового железа (синтезаторы, компрессоры, магнитофоны). Даже простая обработка цифрового трека через аналоговый прибор может добавить ему жизни.

Думай Концептуально: Вспомни Reich с его идеей фазировки или Scott с его машиной-соавтором. Технология должна служить твоей идее, а не наоборот. Спроси себя: что я хочу выразить с помощью этих инструментов? Какую историю рассказать?

Главное – не терять контроль. Технологии должны расширять твои возможности, а не сужать их до набора стандартных приемов. Будь исследователем, хакером, алхимиком звука. Вступай в диалог со своими инструментами, слушай их, но последнее слово всегда оставляй за собой.

7. Человек vs. Машина? Или Человек + Машина?

Споры о том, убьют ли технологии живую музыку, ведутся десятилетиями. Пластинки должны были убить концерты, синтезаторы – акустические инструменты, сэмплеры – оригинальность, интернет – музыкальную индустрию. Но музыка все еще жива. Технологии меняют ее форму, способы создания и потребления, но не убивают суть.

Сегодня на пороге – новая волна: искусственный интеллект. Нейросети уже умеют генерировать музыку в разных стилях, имитировать голоса, помогать в аранжировке и сведении. Что будет дальше? Заменит ли AI композитора и исполнителя?

Возможно, правильный вопрос – не "человек против машины", а "человек плюс машина". Как мы можем использовать AI и другие будущие технологии не как замену себе, а как нового, невиданного ранее соавтора? Как расширить свои креативные горизонты с их помощью?

Вспомним мечты Pauline Oliveros о "чипе музыканта" и "квантовой импровизации". Она видела в технологиях путь к расширению человеческого сознания, к новым формам восприятия и взаимодействия со звуком. Возможно, AI – это шаг в этом направлении? Инструмент, который поможет нам преодолеть собственные ограничения, выйти за рамки привычных гармоний и ритмов, исследовать новые звуковые территории?

С другой стороны, опасения Jaron Lanier о потере аутентичности и творческом застое тоже нельзя сбрасывать со счетов. Легкость генерации и копирования может привести к обесцениванию уникального человеческого вклада, к доминированию стандартизированного, "машинного" звука.

Будущее музыки, как всегда, зависит от нас. От того, как мы будем использовать новые инструменты. Будем ли мы просто нажимать кнопку "сгенерировать хит в стиле...", или будем использовать AI как партнера для мозгового штурма, как источник неожиданных идей, которые мы затем будем развивать и очеловечивать?

История учит: технология – это просто инструмент. Молотком можно строить, а можно разрушать. Сэмплером можно создавать гениальные коллажи, а можно клепать примитивные лупы. Лэптопом и AI можно как расширить границы музыки, так и загнать ее в узкие рамки. Выбор – за нами. За музыкантами, продюсерами, слушателями. За людьми, которые любят звук и верят в его бесконечную силу.

[indraminershop]

For sell New Mimaki JFX600 Series - Wide format flatbed printers

For sell New Mimaki JFX600 Series - Wide format flatbed printers

Price: Start from $66,150.00 Find more mimaki flatbed printers at www.indraminer.shop

High performance, extreme efficiency The JFX600 Series wide format flatbed printers boast high speed production with full board printing in under 60 seconds. With their quick registration system, semi-automated maintenance, full board and extra-large print areas of 8’ x 4’ and 8’x10’, they fit as perfectly in a high-volume packaging or POP shop as they do in specialized architectural printing and interior design shops. 16 print heads Print speeds up to 2152 ft2/hr (faster than 1 board / minute) Easy navigation on-board touch screen control (MPC) Industry leading core technologies Production workflow ready with IoT support Eco-friendly Greenguard Gold certified UV-LED inks PICT remote monitoring JFX600-2513

Full bleed 8’ x 4’ print area, up to 2.36” thick Two selectable vacuum zones JFX600-2531

Extra-large full bleed 8’ x 10’ print area up to 2.36” thick Nine selectable vacuum zones Toggle-print continuous print functionality

[lyra8blog]

Introduction

How is it possible then that a musician gets bored in a matter of months with the most powerful synthesizer with a thousand controls? Vlad Kreimer

Lyra-8: A Systematic Exploration

This blog documents a structured examination of the Lyra-8 synthesiser by Soma Laboratory.

The methodology is straightforward: assess the instrument function by function, control by control, isolating individual parameters to better understand their sonic impact. In each test, only a single variable will be adjusted at a time, while all other controls remain constant. This approach should make it possible to build a detailed map of the Lyra-8’s behaviour.

The objective is to move beyond intuitive knob-twiddling and towards consistent, reproducible outcomes that can be deliberately incorporated into musical projects. While spontaneous exploration is part of the appeal of an instrument like the Lyra-8, a deeper technical understanding allows for greater creative control.

The Lyra-8 was purchased after extensive research and listening to various demonstrations online. The decision was driven both by the instrument’s unique sonic character and its design philosophy – encouraging a tactile, screen-free workflow.

There is also a broader ambition behind this project: to develop enough fluency with the Lyra-8’s interface to eventually approach it as a playable, expressive instrument, rather than simply a source of experimental textures.

(ChatGPT text rewrite and while I feel cheap it does read better.)

Possible Chapters

A text based Notation // Initial control values Notation examples Preset examples / Fast Attack / Jimi /

The Eight Sensors FAST Switches

TONE Tests for frequency ranges

SHARP not shape

MOD n m

PITCH

34>56 78>12 FM Structure Switch

HOLD

TOTAL FB

VIBRATO

HYPER LFO

MOD DELAY

DRIVE

VOLUME

CV connections with the MPC

[theblogvibe]

Unleash Your Creative Power with the Top Animation Course in Andheri – Learn from Reliance Animation Academy

In the digital-first era, creativity has become one of the most in-demand professional skills. If you're someone who dreams in characters, visualizes scenes like a movie, and finds joy in storytelling, then it’s time to turn that vision into a high-impact career. Kickstart your journey with the most dynamic Animation Course in Andheri, exclusively offered by the expert team at Reliance Animation Academy.

I’m Harshad Gupta, a digital marketer committed to helping educational brands rank and thrive online. My collaboration with Reliance Animation Academy has shown me how they continually inspire future creators through their immersive, real-world animation training.

Why Animation Is the Career of Tomorrow

From digital marketing videos to streaming shows, gaming to virtual experiences—animation is the backbone of digital storytelling. The demand for skilled animators is surging, and this creative discipline is reshaping how brands, creators, and companies engage their audiences.

That’s exactly why the reliance animation course has become a preferred choice for aspiring animators.

What Makes Reliance Animation Academy the #1 Choice

Nestled in Mumbai’s artistic hub, Reliance Animation Andheri Academy offers a complete learning ecosystem for creators. With access to high-end tools, real-world mentorship, and live projects, students don’t just learn—they build careers.

Here’s what you get:

Practical Learning Experience: Studio-like sessions and real-time project exposure

Top-Notch Faculty: Learn directly from industry experts

Job-Ready Training: Explore exclusive job opportunities via the reliance animation andheri course

Hands-on Software Skills: Work on Maya, Toon Boom, Blender, Adobe Suite, and more

Career-Centric Courses That Shape Future Creators

1. Animation Courses in Andheri

Learn to craft motion-rich stories and animated visuals. The reliance animation course includes:

Fundamentals of 2D and 3D Animation

Digital Storyboarding and Character Design

Rendering & Post-production Essentials

End-to-End Production Pipeline

2. VFX Courses in Andheri

Discover the visual magic behind film and web content. The VFX course offers:

VFX Compositing Techniques

Green Screen & Simulation Workflows

Match Moving and Rotoscoping

3. Graphic Courses in Andheri

Design powerful visuals that leave a mark. The graphic and editing courses teach:

Creative Branding & Visual Communication

UI/UX Design Principles

Motion Design and Post-Production

4. University-Accredited Programs

Earn industry-recognized degrees. The University courses offer academic and practical grounding in animation, multimedia, and digital design.

Meet the Alumni Changing the Game

Graduates of Reliance Animation Academy are working in leading studios and creative agencies such as:

Red Chillies VFX

Technicolor, Prime Focus, MPC

Green Gold Animation

Tata Elxsi, DNEG, and others

Alumni Highlights:

Vishal Sharma – Creative Entrepreneur, High Level Film Production

Jayanta Pathak – Animator at Nihal Productions

Payal Pal – Graphic Designer at Adon Publicity

Learn in the Creative Heart of Mumbai

📍 Visit Us – Reliance Animation Academy Andheri Contact Details

Looking to kickstart your creative journey in animation, motion graphics, or VFX? Visit us or get in touch today:

📌 Address: Reliance Animation Academy Unit No. 14, 2nd Floor, Shri Alankar CHS Ltd, Nadco Shopping Centre, SV Road, Near Railway Station, Andheri, Mumbai, Maharashtra 400058

📞 Phone Numbers: +91 9326591557 +91 7400400795 +91 9920678816

📧 Email: andheri@ravaglobal.in

📍 Get Directions: Click here to find us on Google Maps

Expand Your Learning Beyond the Classroom

For more stories, tips, and creative inspiration, visit the reliance animation official blog.

Your Animation Career Starts Today

Your creativity deserves the spotlight. With mentorship, live projects, and job-ready training, Reliance Animation Academy helps you turn imagination into a meaningful career.

Enroll now in the most trusted animation course in Andheri—where ideas become impact, and stories come alive.

[djmondosrave]

Midnight Snax Trax_02172025 - DJ Mondo’s Atomic Luau

Midnight Snax Trax_02172025 – DJ Mondo’s Atomic Luau New gear! …And I finally figured it out! Akai MPC Studio is in the house! It’s a departure from the Ableton and Native Instruments gear that I’m used to and it took me a while to figure out the workflow. But I got there! I’m loving it and the price was right. Can’t wait to do more! _______________ The Atomic Luau. A sound sketchbook of beats,…

[newtras]

Many Akai devices will soon support Native Instruments sound packs.

Akai and Native Instruments are like the Nintendo and Sega of music production. These longtime competitors offer many similar products, but some musicians are drawn to Akai's MPC workflow, while others choose the NI Maschine platform. Soon people may not have to choose at all. These two space icons come together. The MPC platform will soon be home to Native Instruments sound packs. This means…

[satrthere]

Many Akai devices will soon support Native Instruments sound packs.

Akai and Native Instruments are like the Nintendo and Sega of music production. These longtime competitors offer many similar products, but some musicians are drawn to Akai's MPC workflow, while others choose the NI Maschine platform. Soon people may not have to choose at all. These two space icons come together. The MPC platform will soon be home to Native Instruments sound packs. This means…

[xaviergalatis]

life update, wtf is ableton this is where im at rn

fukit only deeper rn

incorporating the KS sampler into my workflow, as a standalone PC application realy increases productivity. i like how it can auto chop samples into 1,2,3,4,5,6,7,8,9,10.11.12.13.14.15.16 or more individual chops and is very accurate and eliminates all the additional guesswork that i would need to face with EDISON. chopped a sample and imported th3 chops inro MPC ....

in short KS opened a whole new workflow into my routine and has enhanced my productions ... also watching live underground MPC/SP404 shows lately has sparked my interest for DAW production again and has motivates me to try harder and make more music

[fmp24np]

Forefront 4

Samurai

Today I found a detailed breakdown of a lifelike Samurai character on 80.lvl. Rassoul Edji is a Texturing and Look Development Technical Director with a deep expertise in creating photorealistic visual effects. His broad skill set include modeling, animation, environments, lighting, and compositing. He is passionate about exploring cutting-edge technology and optimizing workflows, Rassoul aims to deliver visually stunning imagery while pushing the boundaries of visual effects.

He studied VFX at university for three years, where he developed a strong foundation in the entire pipeline and worked on various personal and commercial projects. This experience allowed him to become a versatile generalist. Rassoul then spent two and a half years at MPC as a Lead Texturing and LookDev Technical Director in the Character Lab department. His notable contributions include work on high-profile films like Transformers Rise of the Beasts, Sonic the Hedgehog 2, Percy Jackson and the Olympians, and Snow White.

One of his personal projects, driven by a passion for historic Japanese aesthetics, was the creation of a Samurai character. Initially intended to be part of a larger short film with animations and fight scenes, the project was scaled down to focus solely on the Samurai character due to team constraints. Rassoul immersed himself in researching Samurai armor through museum references, films, and historical documents, which informed his character design.

He started the character design in MetaHuman Creator for its high standard and rig capabilities before exporting it to Maya. Collaborating with Riccardo Gheller, Rassoul refined the facial sculpt and grooming using ZBrush. He also created new, anatomically accurate eyes based on physical research and designed over 320,000 hair strands in Maya’s XGen.

For the armor, Rassoul meticulously modeled each piece in Maya, paying close attention to authenticity. He incorporated detailed straps and ropes to mimic real Samurai armor construction. The armor was designed to be modular, allowing for variations and unique looks for multiple Samurai characters. The final model included 3,236 objects and 113 UDIMs.

Retopologizing was minimal, with tasks handled using Maya’s Quad Draw Tool and ZBrush for more complex pieces. UV mapping was done in Maya to ensure consistent texel density based on planned shots. Texturing was carried out in Mari, starting with material assignment in Maya and combining geo. Rassoul used custom smart materials and procedural setups for efficient texture management. The texturing process included seven surfacing channels, with procedural dirt and damage effects enhancing realism.

Rendering was done using RenderMan with Katana, chosen for their flexibility and performance. Rassoul used a modular shader system (MaterialX Lama) to achieve physical accuracy and realism. Special attention was given to the eyes, ensuring proper sub-surface scattering and caustics. The lighting setup involved an HDRI base with additional lights, and the final render maintained a raw look with minimal compositing.

Rassoul faced challenges primarily with achieving realistic eye behavior and managing the complex rendering process, which required over 400 hours. His advice to aspiring character artists is to undertake challenging yet achievable projects, explore a variety of character types, and rely on real-life references to ground their designs.

Samurai (Edji, 2024b)

I think Rassoul’s journey illustrates that a combination of technical expertise, passion, research, and procedural efficiency, can lead to exceptional work. For aspiring 3D character artists, following these principles can help in creating compelling and high-quality characters. His workflow is a complex pipeline with collaboration. I believe this level of detail is achievable in my future projects with dedication and continuous feedback. I belive i wont use his pipeline in my current project due to time constraints. This article has inspired me to explore new techniques and approaches to achieve exceptional art in my future projects.

Edji, R. (2024a). How to Create Skin with Micro Details for a Realistic 3D Samurai. Available at: https://80.lv/articles/how-to-create-skin-with-micro-details-for-a-realistic-3d-samurai/.

Edji, R. (2024b). Samurai. [Online] Available at: https://www.artstation.com/artwork/1xvDZK.

[lazyimbecile]

Producing and Mixing a Song in Studio One - Hurricano Part One 022724 Powered by Restream https://restream.io Tornado sirens going off outside, working on a beat and named it hurricano inside. Focusing on FX in studio one taking stems from my MPC and laying out a track. Trying up a new workflow in multiple sessions and trying to expand, lets see where it goes next few sessions! via YouTube https://youtu.be/4BtZx1LopLA

[hourback]

MPC ONE Workflow | sampling, Drums and Mixing

[pxlbob]

Best Midi Keyboard

In the realm of music production, MIDI (Musical Instrument Digital Interface) keyboards are indispensable tools that bridge the tactile experience of performance with the boundless potential of digital sound manipulation. The market offers a plethora of MIDI keyboards, each with unique features tailored to various production needs and skill levels. This technical overview will focus on key attributes that distinguish the best MIDI keyboards for comprehensive studio use.

Firstly, key action and response are paramount. The finest MIDI keyboards offer a range of keybed types, such as weighted hammer action for pianists seeking an authentic acoustic piano feel, or semi-weighted and synth-action keys for those desiring a lighter touch. Premium models, like the Native Instruments Komplete Kontrol S88 MK2, provide aftertouch functionality, allowing additional expression through pressure sensitivity.

Secondly, integration capabilities are a critical factor. Top tier MIDI keyboards seamlessly integrate with popular Digital Audio Workstations (DAWs) like Ableton Live, Logic Pro, and FL Studio. This integration often extends to automatic mapping of knobs, faders, and buttons to software parameters, streamlining the production workflow. Devices such as the Novation Launchkey series excel in this area, offering deep DAW control alongside intuitive performance features.

The addition of assignable controls including knobs, sliders, and pads, enhances the functionality of a MIDI keyboard. The Akai Professional MPK249 is a notable example, equipped with 16 MPC-style pads, 8 knobs, and 8 faders, all assignable, fostering a dynamic and interactive production environment.

Portability is another consideration, especially for producers on the move. Compact models like the Arturia MiniLab MkII balance portability with functionality, offering a comprehensive suite of controls and a slim profile for easy transportation.

In conclusion, the best MIDI keyboards are those that combine responsive keybeds, extensive DAW integration, versatile controls, and portability. These attributes ensure they cater to the nuanced demands of modern music production, allowing producers to realize their creative visions with precision and ease.

SoundShockAudio https://soundshockaudio.com/