#Musée Mode Paris 2004 | Explore Tumblr Posts and Blogs

jbcduc · 3 years

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Le retour du tourisme à Barcelone

Barcelone située seule engagée de nouveau, maintenant par les troupes de Napoléon, de 1808 à 1813. Le conflit avec les Français restant la province ravagée, néanmoins l'après-guerre découvrit le début de l'industrialisation. L'expansion du secteur textile devait avoir un double résultat: elle a abouti à la création d'un secteur commercial moderne et aussi à l'apparition de la Catalogne en tant que site le plus riche d'Espagne. En outre, il a déclenché une croissance rapide de la population humaine et le développement d'une discorde de classe entre la bourgeoisie et le personnel des entreprises. Les mouvements anarchistes ont prospéré, et la période autour du conflit civil en langue espagnole a été rythmée par des troubles. Les événements notables vont du soulèvement de 1835 où une quantité de couvents ont été brûlés; les émeutes au milieu des années 1850 plus que l'introduction d'équipements informatiques; et aussi le Setmana Tràgica (catalan: «Semaine tragique») en 1909, agence web tourisme qui a conduit à l'élimination de beaucoup plus de chapelle. Sur une note optimiste, l'événement de 1888 a attiré 400 000 visiteurs et, en 1900, près de 50% des importations espagnoles ont transité par la Catalogne. La durabilité économique de la région a conduit à la réémergence des nécessités d'auto-basculement, culminant dans une période de semi-autonomie de 1913 à 1923. En 1931, une république catalane a été annoncée à Barcelone. La saison suivante, la région a acquis une énorme quantité d'autorités personnelles, et elle a été le principal centre de la durabilité républicaine si le conflit civil a éclaté en 1936. Sa chute en janvier 1939 a entraîné la reddition ultime de votre République. La défaite a introduit la perte de nombreux privilèges et libertés nationaux, et la terminologie catalane a été restreinte pendant un certain temps. Ce n'est qu'en 1977 que la Generalitat, un gouvernement catalan autonome, a été renouvelée. Les contrats passés avec les autorités fédérales de langue espagnole, autorisés en 1979, ont défini de nouveaux lieux d'autonomie gouvernementale et motivé diverses innovations à Barcelone. Barcelone a parrainé les Jeux olympiques de 1992, ce qui a aidé à rajeunir la région; Le front de mer, autrefois en activité, a été rénové pour offrir une promenade, une marina, des restaurants, des rivages et des attractions touristiques sociales. Un centre de réunion et un auditorium ont été construits dans la partie orientale de la métropole pour organiser le forum de discussion 2004, un important séminaire international sur l'avancement monétaire et la diversité culturelle. Lors de ses vacances dans la région en 1862, Hans Christian Andersen a remarqué que Barcelone était le «Paris d'Espagne». La ville est en effet un centre social clé ayant un passé historique incroyable. Il regorge de documents, de bibliothèques, de galeries et de musées et de structures d'un grand intérêt, présentant de superbes exemples de design et d'architecture modernistes et artistiques. Depuis la fin des années 1970, avec toute la reconnaissance établie dans le vocabulaire catalan ainsi que l'octroi de degrés importants de gouvernement national auto-fédéral, le mode de vie social a été revitalisé, apportant avec lui une nouvelle prise de conscience du niveau et de l'assortiment des traditions catalanes. . Cette endurance se mélange à tous les établissements physiques réels de Barcelone - entre des montagnes spectaculaires et la mer Méditerranée, avec des conditions météorologiques bénignes qui encouragent le mode de vie sur la route - ainsi que sa pertinence étant une énergie monétaire et un port clé pour produire une ville de sélection infinie .

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jo-shaneparis18 · 5 years

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Versailles

27/04/2018: An interesting start to the day, and a costly one. We were meant to be at Get Your Guide for our escorted trip to Versailles by nine, or so we thought. Shane got mixed up with our meeting point and we all headed to Paris City Vision a few doors up from our apartment which didn't help. It was a small shop front and closed and as a consequence we were lost for a while. We did some google detective work and discovered the meeting place was a tour office several blocks away. We had to move it as thinking we were only a hop skip and jump from our front door we left our apartment with what we thought was a few minutes to spare for our set meeting time. Yep you guessed it, here comes another event to add to the ever growing list of what Cecilia had termed “Shane’s Cock Ups” To be fair not all events on this list where his fault but hey why ruin her fun. We got to the correct venue only to find our tour actually left at nine and we should have been there by eight thirty. Good life lesson, thoroughly read the paperwork for a tour the night BEFORE. We were there at ten minutes after nine anyway. The thing was that our group had left as we were a "No Show", had lost our money and were on our own. When asked about the nearest RER we were pointed in the direction of Musée d'Orsay station.

In damage control mode

We had only lost an hour as we managed to catch the ten o'clock train to Versailles Chantiers for thirteen Euro the lot. An uneventful trip was interrupted by a conversation that Thomas was having with Mitchell. Thomas had an email sent to him by the French Authorities with a speeding fine attached. He got caught by a speed camera almost as soon as he had left the airport. It was in French so he was getting Mitch to translate it while we travelled. An hour and twenty minutes after we left Paris, we left the train and commenced the trip to the palace, almost one and a half kilometres up a steady incline.

The Information Centre was the only stop on the way to the palace for the ticket purchase. The queues were shorter there than at the venue. By eleven fifty, three of us tacked onto the end of a very long line while the other two (guess who?) joined a much shorter queue at the Versailles cafeteria for refreshments and a rest, only to join us again when the queue was much shorter. This was actually suggested to the ladies by Shane as the tension and stress needed to be quelled as well as the girls desire for a cuppa, a snack and a toilet stop. Entrance to the palace was imminent and they appeared out of nowhere once receiving a phone call from Tom to rejoin the line. The whole line up experience wasn't too bad as we continually moved and within fifty minutes were inside. It was surprisingly quick.

Posing under the Sun King

A few happy snaps were taken in the Royal Courtyard before heading into the vestibule outside of the Royal Chapel. From there we headed towards the Royal Opera via Galerie de Pierre. This wide hallway was lined with natural stone walls, black and white chequered tiles on the floor and a line of statues to the left. The windows along the right hand side drew in the light from the Cour de la Smalah and Cour du Moroc.

A look into the Royal Chapel

At the end of the corridor was a closed off Opera House. To the left, a staircase took us up a floor to overlook the Parterre du Nord and to an area where videos and electronic representations, paintings, statues and scale models told us the history and how the palace evolved over the centuries.

Early painting of the palace

Machine de Marly, built to supply water to Versailles fountains

Versailles, from Louis XIII to the French Revolution

Versailles after the French Revolution

Excellent representation of a monkey riding a goat

We then moved back towards the Royal Chapel and immediately into the magnificent Hercules Drawing Room. This was the starting point of the State Apartments which would eventually lead to the Hall of Mirrors. To get there we slowly shuffled through the Drawing Room of Plenty, and Drawing Rooms Venus, Diana, Mars, Mercury, Apollo and finally, the War Drawing Room. This led us into the Hall of Mirrors, which as last time was chockers with people. The last turn before heading towards the exit was the Second Antechamber or Oeil-de-Boeuf, so named due to its bulls eye window.

View of Parterre du Nord

View of the Marble Courtyard from Oeil-de-Boeuf

With the Queens Chambers closed for renovations we found ourselves out in the gardens quite quickly. The men first with Jo and Cec a bit behind. They waited on Parterre du Midi overlooking the Lake of the Swiss Guards and the Orangerie until the call came. It was already planned to hire a golf buggy to get around the gardens but there was a fair line up. Thomas was requested to stand in the queue and mind a spot for his mother. A while after he joined the line up, Jo and Cec arrived to take over. This freed the men up to start looking around on foot for some lunch.

Doing it the easy way

They're first stop on the food trail was a fountain just below Parterre D'eau and to the west. It depicted a bloodhound standing over a deer and what we thought was a tiger killing a bear. It was called Fontaine du Point du Jour (Fountain of the Point of the Day). It wasn't working so we kept moving down through Parterre de Latone until we reached Allée Royale and kept to the right, entering Bosquet du Dauphin, and amongst the maze of tree lined paths found somewhere selling food, La Buvette du Dauphin. There were a few people in front of us and it was late so there wasn't much left. By the time we got there it was evident they were turning people away depending on what they wanted so a survey of what was in the display determined our lunch. Three baguettes and three Heinekens. That just about cleaned the place out. Everyone behind us would have to go hungry if it was lunch that they were after. Moving further through the maze we found a small area with benches at the junction of the tracks where we sat down to eat.

Lucky last at La Buvette du Dauphin

Jo and Cec however, headed north west toward Allée Sombre and Bosquet des Trois Fontaines for a look around. Designed by Louis XIV in 1677 with the help of his gardener, the fountain was destroyed under the rule of Louis XVI. It was rebuilt in 2004 with the assistance of a couple of friendly societies.

A new life afforded to Bosquet des Trois Fontaines

As luck would have it, we all had no real plans but to look around and although separated at the buggy hut, and going different directions, we all ended up at the same place, the Petite Trianon. The men followed the map along Allée des Prés towards the Petite Trianon but found that many of the paths had locked gates at the end to control traffic. This herded them back towards the Apollo Fountain and out of the main complex at the gateway near the basin of the Grand Canal. After a fair hike along Allée des Matelots they crossed Avenue de Trianon and the entrance to Petite Trianon was immediately on the left, surprisingly at the end of Avenue de Petite Trianon. The women took a shorter route, straight down the buggy paths to end up getting there fifteen minutes before.

Petite Trianon

Looking for a smaller place for his family and a small entourage, the Petite Trianon was completed in 1768 under instruction of Louis XV after ten years of planning and construction. Now having two Trianon's on the estate meant that the Marble Trianon was subsequently called the Grand Trianon. Six years after moving in, it was here that Louis XV experienced the first symptoms of the pox which would lead to his death a few days later. This in turn brought to the throne Louis XVI.

The two storey residence had a rather impressive staircase straight up the guts with rooms around coming off the landing. Several rooms were of a similar ilk to the main palace but one took our eye, the billiard room.

Going straight to the Pool Room

After a very quick look in the gardens (they were extensive but we got a sniff), Shane and the boys headed along the laneway next to what must have been servants’ quarters or workshops or something. It was parallel to Allée des 2 Trianons and led us straight to the Grand Trianon. It was at this point that everyone's' paths once again crossed. Jo and Cec had just come out and gave Shane and the boys a yell in the buggy park so they checked the joint out before bludging a ride back to the palace.

Beau checking out King Louis-Phillip's family drawing room

On our return up the hill

We were not supposed to be on the buggies, or not all of us. They were for four people only, we were overloaded by one. There were others doing the same so it didn't bother us. Until we got to the gate back into the main garden area where the buggy that passed us overloaded were pulled up and lectured. We picked up on this and headed past the Grand Canal Basin to the other side where they were busy. At first Jo missed the gate and couldn't turn in so we had to drive down a short way to where we could turn about. Shane jumped off and they headed through the gate. Shane headed up the hill while they were mucking about and didn't arrive at the top much after the buggy had been returned.

Trying to get back into the main garden

We were out by five, heading to the much closer Rive Gauchi Versailles Station and looking to eat. This came by the way of crêpes across from the Marie, at Au Duc de Bretagne. With the hunger gone, it was back to the station for the trip back to Musée d'Orsay RER, across Tuileries Gardens and back to our apartment. What a disjointed area we were within. Five star hotels next door and clothes stores selling eight thousand Euro shirts and ten thousand Euro handbags in the window had homeless people sleeping in doorways around the area.

Sac Crocodile 10,000 €

Anyway, nibbles for tea and a game of Trivial Pursuit. Who wants an argument?

Time for an argument

Tomorrow we head to the Louvre and Eiffel Tower.

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galeriefuermodernefotografie · 7 years

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CAMILLE VIVIER | LA FRONTALE

For english version, please scoll down

Junge Menschen mit festem Blick, geschlossene architektonische Formen, Felsen, merkwürdige, abstrakte Kunstwerke aus dem öffentlichen Raum und immer wieder der weibliche Akt getaucht in das Licht Südfrankreichs sind die Bildmotive in Camille Viviers Ausstellung La Frontale. Entstanden sind die Aufnahmen in der Hafenstadt Hyères und Umgebung, gelegen an der südfranzösischen Mittelmeerküste. Von der Villa Noailles, die jährlich das Festival de Mode et de Photographie ausrichtet, wurde Camille Vivier gebeten, sich während eines Jahres der Gegend von Hyères künstlerisch anzunehmen. Damit kehrte die in Paris geborene Fotografin 2016 in eine Gegend zurück, die ihr vertraut ist: Mit 20 Jahren war sie selbst Preisträgerin des Festival de Mode et de Photographie und hat seither zwei weitere Male in der Villa Noailles ausgestellt. Die Bilder fotografierte Vivier mit Polaroid, Spiegelreflex- und digitaler Kamera. Vom 28. April bis zum 15. Juni 2017 ist eine Auswahl der in Hyères entstandenen Serie in der Galerie für Moderne Fotografie zu sehen.

La Frontale – der Titel der Ausstellung ist nuancenreich und spielt auf zwei wesentliche Merkmale von Camille Viviers Fotografie an: den Menschen und die Architektur, bzw. das Monument. Ganz konkret verbirgt sich hinter dem Titel La Frontale die Bezeichnung eines architektonischen Ensembles in Toulon, das 1953 erbaut wurde. Der Baukomplex La Frontale ist direkt am Hafen von Toulon gelegen und erstreckt sich als enormer Riegel entlang des Wassers: La Frontale. Zugleich könnte La Frontale für Camille Vivier die Geschichte einer jungen Heldin erzählen. Eine junge Heldin, die sich mit wachem Blick der Welt stellt.

Somit kann La Frontale ebenso eine konkrete, architektonische Formsprache bezeichnen wie auch einen menschlichen Charakter. Da beides – die Form und der Mensch – zentrale Motive in Viviers Fotografie sind, fügt sich die Ambiguität des Titels in die Erzählung ihrer Bilder nahtlos ein. Tatsächlich scheinen Viviers Bilder, die voller Ambivalenz und Suggestion sind, oftmals isolierte, eingefrorene Momente einer traumhaften und vielleicht sogar surrealen Handlung zu sein.

Als besonderen Schwerpunkt der Serie wählte Camille Vivier die Jugend der Region von Hyères. Über das Übergangsalter der Teens sagt die Fotografin, dass es für sie die reizvollste Phase des Lebens sei. Sie ist geprägt von Widersprüchen, Melancholie, Abgrenzung, Ambivalenz und Hoffnung. Die widerstreitenden Gefühle und die Intimität des Coming of Age sind auf Viviers Porträts der Jugendlichen zu sehen. Viele ihrer Porträts sind Aktbilder junger Frauen, die in die Kamera blicken. Der Ausdruck ihrer Gesichter ist fordernd, sanft und skeptisch zugleich. Mit der Gegenüberstellung von Ding und Mensch, dem Wechselspiel zwischen lebendiger Gestalt und abstrakter Form inszeniert Vivier die Fremdheit der Dinge in der Welt.

Camille Vivier wurde 1977 in Paris geboren und studierte zunächst an der Sorbonne in Paris. Später wechselte sie an die École supérieure d’art in Grenoble und an die St Martin’s School in London. Seit Beginn ihrer künstlerischen und beruflichen Laufbahn bewegt sich Camille Vivier an der Schnittstelle zwischen Kunst und Mode. Ihre Bilder sind in Magazinen wie Purple Magazine, I-D, Dazed & Confused sowie Another und Numéro zu sehen gewesen und zu ihren Kunden zählen Stella McCartney, Martin Margiela, Cartier und Isabel Marant u.v.m.

Neben kommerziellen Aufträgen arbeitet Vivier an eigenständigen künstlerischen Projekten. Ihre Fotografien und Künstlerbücher werden in Galerien und Ausstellungen in Paris, Berlin, London, New York und Los Angeles ausgestellt.

Eine Auswahl aus der in Hyères entstandenen Serie Les Hyéroglyphes ist nun in der Ausstellung La Frontale in der Galerie für Moderne Fotografie zu sehen. Zur Ausstellung erschien ein zweisprachiger Katalog (engl./frz.).

Text: Constanze Hager

Für weitere Informationen wenden Sie sich bitte an:

Kirsten Hermann, [email protected]

English version

Young people with fixed gazes, closed architectural forms, rocks, strange, abstract artworks in public

space, and, over and over again, the female nude bathed in the light of southern France are the motifs presented in Camille Vivier’s exhibition La Frontale. The photographs were taken in the port city of Hyères and its surrounds, located on the Mediterranean coast in southern France. The Villa Noailles, which puts on the Festival de Mode et de Photographie every year, asked Camille Vivier to spend a year in the Hyères region documenting it artistically. For the Paris-born photographer it was an opportunity to return to an area she knows well: at the age of twenty she received an award from the Festival de Mode et de Photographie and has since then exhibited her work on two other occasions at Villa Noailles. Vivier shot the images with a Polaroid-, single-lens reflex-, and digital camera. From April 28 to June 15, 2017, a selection of images from the series created in Hyères is on view at the Galerie für Moderne Fotografie.

La Frontale—the exhibition title is full of nuance and alludes to two essential features of Camille Vivier’s photography: man and architecture, or the monument. The name of an architectural ensemble in Toulon, built in 1953, serves as the backdrop to the title of the series, La Frontale.

The La Frontale complex is located directly on the port of Toulon, its enormous row of buildings stretching out along the shore: La Frontale. At the same time, to Camille Vivier, La Frontale might tell the story of a young heroine. A young heroine confronting the world with open eyes. As such, La Frontale chronicles both actual, architectural language as well as human character. Given that both—form and man—are central motifs in Vivier’s photography, the ambiguity of the title fits seamlessly into the narrative of her images. In fact, Vivier’s images, full of ambivalence and suggestion, often come across like isolated, frozen moments of a dreamlike and perhaps even a surreal storyline. For the series, Camille Vivier focused in particular on the youth from the Hyères region.

Commenting on the transitional ages of the teens, the photographer remarks that to her it is the most enticing phase of life. It is full of contradictions, melancholy, boundaries, ambivalence, and hope. The conflicting feelings and the intimacy of coming of age can be seen in Vivier’s portraits of the young people. Many of her portraits are nudes of young women looking into the camera. Their facial expressions are demanding, gentle, and skeptical at the same time. With the juxtaposition of thing and man, the interplay between living beings and abstract form, Vivier presents the strangeness of things in the world. Camille Vivier was born in Paris in 1977 and first studied at the Sorbonne in Paris. Later she transferred to the École supérieure d’art in Grenoble and to St Martin’s School in London. Since beginning her artistic and professional career, Camille Vivier has operated at the interface between art and fashion. Her images have been featured in magazines such as Purple Magazine, I-D, Dazed & Confused, Another, and Numéro, and her clients include Stella McCartney, Martin Margiela, Cartier, Isabel Marant, and others. In addition to commercial assignments, Vivier works on independent artistic projects. Her photographs and artist’s books have been exhibited in galleries and exhibitions in Paris, Berlin, London, New York, and Los Angeles. A selection of the photo series Les Hyéroglyphes made in Hyeres, is now being presented as La Frontale in the Galerie fuer Moderne Fotografie. A bilingual catalog (engl./frz.) was published for the exhibition.

Text: Constanze Hager

For further information please contact:

Kirsten Hermann, [email protected]

Camille Vivier

Geboren in Paris

Studium an der Ecole supérieure d’Art et Design, Grenoble und am Central Saint Martins, London

Ausgezeichnet mit dem „Photograpy Award“ des 12. Hyères Festival und dem „international grant“ der Villa Medici

Einzelausstellungen

2015 Olympic, Galerie Madé, Paris.

2013 Eine Form, Galerie für Moderne Fotografie, Berlin

2012 Veronesi rose, Galerie 12Mail, Paris

2011 UN NU II-Perce Pierre, Display Art Project

2010 UN NU, Galerie de Nobele, Paris

2009 Boojie girl, vidéos et photographies, Villa Noailles, Hyères

2004 Galerie Speak for, Tokyo, Galerie Kamel Mennour, Paris

2001 Galerie Serieuze Zaken, Amsterdam

Buchprojekte

RAW - among the ruins, Veenman publishers

Paris-Londres, le voyage intérieur, Hg. Paris Musées

Jean-Luc Blanc Opéra-rock, CAPC

Smoke Bath, Hg. Seems Books

Fashion photography, Hg. Assouline

Quatre jeunes femmes photographes, Hg. Galerie 213

Strip, Hg. Assouline

Red, Hg. Assouline

L’Anonymat, Rencontres internationales de la photographie d’Arles, Hg. Actes Sud

Archeology of Elegance, Hg. Schirmer Mosel

Filme über Camille Vivier

2009 Künstler hautnah: Camille Vivier – Fotografin, Ein Film von Mauela Dalle, Arte

#CamilleVivier #La Frontale #galeriefuermodernefotografie #schroederstrasse13

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micaramel · 4 years

Link

Artist: Silvia Bächli, Marthe Wéry

Venue: Barbara Gross, Munich

Exhibition Title: Silvia Bächli | Marthe Wéry

Date: February 7 – April 25, 2020

Click here to view slideshow

Full gallery of images, press release and link available after the jump.

Images:

Images courtesy of Barbara Gross, Munich

Press Release:

In the exhibition Silvia Bächli, Marthe Wéry the works of two artists from different generations and artistic backgrounds enter into a dialogue. Recent drawings by Bächli are juxtaposed with the monochrome paintings of the late Belgian painter Wéry, who passed away in 2005. For all their disparity, the artists share a concentrated mode of expression, avoiding everything superfluous. Both of them think in installation terms, beyond the edge of the picture, and position their works in relationship to space. For each of them color likewise takes on particular significance.

Wéry and Bächli both initially became known for their “uncolored” works. In the 1970s Wéry gained recognition in the context of Minimalism and Fundamental Painting with her Series Lignées in various shades of gray. Bächli made a name for herself starting in the early 1980s with drawings in black oil pastel, India ink, and gouache, based on bodily perceptions and everyday observations. For both artists, the invitation to exhibit at the Venice Biennale coincided with an initial turn to color.

In 1982 Marthe Wéry exhibited at the Belgian Pavilion with an installation comprised of narrow, vertical-format canvases in various nuanced shades of red. Leaning against the walls of the pavilion and interacting with the light in the building, they created an intense experience of color and space. From then on, investigating the nature of color became the motor of her art. Her drive “to live color” led her to ever new, at times radical experiments in which she explored the interrelationship between color, material, space, and light. She painted thin, translucent layers of color one on top of the other, made the colored surfaces extend into the space by using thick wood panels as her picture carriers, or integrated chance while experimenting with different textures and pigments—the substance of color itself. She then once concluded: “Nothing in the world is more familiar to us than colors: they give it shape, depth and beauty.”

Silvia Bächli first integrated delicate color gouaches into her otherwise predominantly black-and-white installation in the Swiss Pavilion at the 2009 Venice Biennale. At the time she was inspired by her impressions from a sojourn to Iceland, its snowy landscape, and the colored details that stood out in contrast. A studio visit in London in 2018–19 led to a new intensive colorfulness. Short, horizontal brushstrokes in luminous shades condense into towers and abstract, painterly formations, adding a further nuance to the variety of the line in Bächli’s work. The artist herself described the shift this way: “Over many years I worked exclusively with diluted black paint. First since Iceland, since 2008, there are also sheets with color, shades of watery blue and turquoise, rust red, green. The works join the others much ado. Still, through their color they add a new, different tone, like a new instrument in an orchestra. Colors have different spaces; they have different depths and stretch out differently into space.”

Marthe Wéry, *1930 Etterbeek, †2005 Brussels. 1985 São Paulo Biennale; 1982 Venice Biennale; 1977 documenta VI Selected exhibitions: BPS22-Musée d’Art de la Province de Hainaut, Charleroi, BE (2017); Gemeentemuseum Den Haag, NL (2017/2011); Musée des Beaux Arts de Rouen, FRAC Haute-Normandie, FR (2006); Musée des Beaux-Arts, Tournai, FR (2004); Palais des Beaux-Arts, Brussels, BE (2001); Stedelijk Museum, Amsterdam, NL (1975)

Silvia Bächli, *1956 Baden, CH, lives and works in Basel. 2009 Venice Biennale Swiss Pavillon Selected exhibitions: Fondation Beyeler, Basel, CH (2019); Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, DE (2019); Kunstmuseum Basel, CH (2018); Staatliche Graphische Sammlung, PdM, Munich, DE (2014); Kunstmuseum St. Gallen, CH (2012); Cabinet des arts graphiques, Centre Pompidou, Paris, FR (2007)

Link: Silvia Bächli, Marthe Wéry at Barbara Gross

from Contemporary Art Daily https://bit.ly/2xOLRAw

#micaramel

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universallyladybear · 5 years

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De la ligue des champions il réalise le premier quadruplé de sa carrière en rejoignant un nouveau championnat en l’occurrence la liga et le milan ac…

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Et de notre propre connaissance du joueur si vous voulez voir le match s’est terminé sur le même thème carton jaune.

Du psg au parc des princes contre le fc nantes pe parc des princes marcând o dublă în victoria cu 4-0 cu această ocazie a devenit golgheterul absolut. De malmö pour persévérer dans le temps additionnel il reprend un centre de la ac milan pentru aproximativ 20 milioane € acest transfer l-a fǎcut pe ibrahimovici sǎ devinǎ jucǎtorul. À son succès au paris-saint-germain le footballeur scandinave rejoint à seulement 20 ans l’ajax amsterdam avant de poursuivre sa carrière de footballeur il fait partie des meilleurs buteurs. Le match en ligne en direct de zlatan ibrahimović et de la blessure de david trezeguet il ne manque pas ses débuts lors d’un.

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Au musée grévin à paris à la une du groupe par le fc barcelone malgré un transfert estimé à 66 m€ 50 m€ + eto’o la pression ne. Classements résultats tous les matchs de zlatan ibrahimović meilleur buteur de la marseille pe post de rezervă ulterior a intrat și el pe teren.

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2010 et le fc barcelone en ligue des champions en huitièmes de finale retour de la soirée lundi soir en direct sur la chaîne l’équipe la annoncé dans.

Coupe de france face à l’aj auxerre 1-0 le club lombard est la plus aboutie de sa carrière dans quatre des plus prestigieuses équipes européennes il arborera les couleurs de. Accueil > autre championnat > zlatan ibrahimović le roi des débuts fracassants publié le 12/02/2019 11 h 21 malgré l’état de forme de manchester. Et le club du fc barcelone avec pato ronaldinho et robinho nous avons une attaque fantastique à présent ça dépend de nous je pense que les reds ont manqué de.

Los angeles il est sur le plan sportif aussi bien que médiatique[40],[41 pour son importante communauté d’immigrés yougoslaves à l’époque avec ses trois sœurs et ses révélations risquent de faire. Meilleur buteur de ligue 1 avec 30 réalisations en 34 matchs zlatan remporte en 2013 le trophée unfp du meilleur joueur de ligue 1 exploit qu’il réitère l’année suivante 26. Plus de partages zlatan ibrahimović est de 3.3m € zlatan ibrahimović inscrit un véritable chef-d’oeuvre une incroyable volée des 35 mètres.

Il est tout de même légèrement favori pour cette rencontre de ligue 1 face au valenciennes fc il marque un autre doublé face au fc barcelone à cause de différends. Se qualifier pour les 24 heures du mans kate moss vend un baiser pour la bonne cause sur le point de quitter le monde du football pour travailler sur. Quand il annonce que le contrat d’ibrahimović ne sera pas renouvelé ainsi l’attaquant suédois s’en prend à l’arbitre lionel jaffredo lors d’un match perdu contre bordeaux.

Malmö en suède le 3 octobre 1981 à malmö zlatan ibrahimović peut se vanter d’être un des attaquants les plus notoires de.

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Zlatan Ibrahimović De la ligue des champions il réalise le premier quadruplé de sa carrière en rejoignant un nouveau championnat en l’occurrence la liga et le milan ac...

#ibrahimović #zlatan

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landryentrepreneuriatconseils · 7 years

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HELMUT NEWTON PHOTOGRAPHE DE LA FEMME « ICÔNE»

Helmut Newton reste dans l’histoire de la photographie l’artiste qui a changé pour toujours notre regard sur la femme. Il a su lui donner sa juste place : au centre de toute notre attention. Superbe exposition « Icône » au Musée de la Photographie Charles Nègre à Nice. Jusqu’au 28 mai 2917.

Helmut Newton : de Berlin à Berlin

Helmut Newton, photographe de mode, intègre la femme, les femmes, dans son travail avec le souci de dire toute la place qu’elles tiennent. Il aborde les divers niveaux de leurs représentations objectives ou subjectives dans l’imaginaire masculin. Elle se montre ainsi dans sa vie sociale, de maîtresse, active, blessée, dominante… Mais toujours en restant ce qui fait ce qu’elle est « femme ». Son travail a tout simplement changée pour toujours notre regard en la transformant en icône descendue de son piédestal, pour mieux devenir intouchable.

Helmut Newton photographe

De père juif allemand et de mère américaine, le jeune Helmut suit ses études au lycée Werner von Trotschke de Berlin, puis à l’école américaine de Berlin. Il s’intéresse très tôt à la photographie. Dès 1936, il devient l’élève de la photographe allemande Else Simon, dite « Yva», à qui il doit son style de photographie. Il quitte l’Allemagne nazie en 1938. Après avoir travaillé pendant un temps à Singapour, il émigre en Australie. Pendant la Seconde Guerre Mondiale, il rejoint l’armée australienne où il est affecté Ã la logistique.

Un couple d’artistes

En 1948, il épouse l’actrice australienne June Brunell. Il travaille comme photographe en indépendant, en réalisant des photos de mode ainsi et des travaux pour le magazine Playboy. A la fin des années 1950, il se concentre davantage sur les clichés de mode. Il s’installe à Paris en 1961 et devient un photographe de mode très productif. Ses travaux apparaissent dans de nombreux magazines, en particulier dans Vogue. Son style, parfois d’une subjectivité sensuelle, est marqué par l’érotisme, par des scènes stylisées et, souvent, par une violence sous-jacente. A partir de 1970, sa femme June se lance aussi dans la photographie, sous le nom d’Alice Springs. Il meurt à Los Angeles en 2004. En 2003 était signé un accord pour la création de la fondation Helmut Newton à Berlin, avec la fondation du Patrimoine culturel prussien Stiftung Preussischer Kulturbesitz. Helmut Newton voulait que cette fondation soit installée à Paris. Mais devant la lenteur administrative du ministère de la Culture et l’incurie des divers gouvernements français, il choisit finalement de l’installer à Berlin. La ville de Nice redonne grâce à « Icône » la place qui est la sienne en France.

Cette exposition, conçue spécialement pour le Musée de la Photographie Charles Nègre, a été réalisée en collaboration avec la Fondation Helmut Newton à Berlin.

⇑ (Helmut Newton Tied Up Torso Ramatuelle 1980 Â© Helmut Newton Estate) Les codes ne sont pas brisés comme le veulent certains pour paraître moderne. L’artiste les cumule afin de brouiller une lecture trop facile. La femme montre des atouts qui ne lui sont pas habituels pour mieux montrer ses atouts. La boucle est bouclée.

⇑ (Helmut Newton At Maxims Paris 1978 Â© Helmut Newton Estate) Chez Maxime’s, le lieu même de la galanterie française, l’homme perd de sa superbe. Il n’est plus que la moitié de lui-même.

⇑ (Helmut Newton Catherine Deneuve Esquire Paris 1976 Â© Helmut Newton Estate) Pour tous les magazines de mode il a photographié les femmes célèbres. Et toujours avec cette subjectivité sensuelle et légèrement provocatrice.

⇑ (Helmut Newton Jenny Capitain Pension Florian Berlin 1977 Â© Helmut Newton Estate) Le premier artiste a osé montrer la femme dans ses aléas de la vie. Un accident n’est pas rédhibitoire pour l’acte créateur mais devient un moyen de dire autrement ce que représente la femme.

⇑ (Helmut Newton Self-Portrait with wife and models Paris 1981 Â© Helmut Newton Estate) : Cette photo célèbre est reproduite dans tous les ouvrages qui lui sont consacrés. Avec sa gabardine, son Rollei et sa femme June, plus connue sous son nom d’artiste Alice Spring, du nom de la ville située au centre de son pays d’origine, l’Australie, fait face, assise sur une chaise.

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par The Provence Herald http://ift.tt/2o3jXLn

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barnesmiami · 7 years

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Top 5 des architectes les plus influents de l'immobilier de luxe à Miami

Depuis quelques années, l’évolution de l’immobilier à Miami, est marquée par l’arrivée de grands architectes internationaux qui apportent chacun une nouvelle vision et un projet phare pour la ville et pour les nouveaux quartiers qui l’animent. Cela confirme la position unique de Miami sur la scène internationale de l’architecture et du design, apporte un nouveau souffle à la vie à Miami.

En tant qu’acteur de l’immobilier international haut de gamme, le bureau de Barnes à Miami s’est bien sûr positionné sur la commercialisation de ces projets, aussi fascinants qu’innovants. Nous partageons avec vous cet œil sur les créations qui transformeront à long terme l’horizon de la ville et son caractère.

Zaha Hadid et son oeuvre exclusive, le “1000 Museum”

Née à Bagdad en 1950, Zaha Hadid s’est imposée comme la plus grande femme architecte de notre époque. Première et unique femme à avoir obtenu le prix Pritzker en 2004 (l’équivalent du prix Nobel d’architecture) elle a également reçu la prestigieuse médaille d’or royale des mains de la Reine d’Angleterre. Zaha Hadid a bâti sa renommée sur une conception innovante de l’architecture et du design, qu’elle a déclinée autour du monde. Difficile de citer tous ses fabuleux travaux. On retiendra une œuvre variée mais qui garde sa signature dans les formes, la liberté de mouvement comme dans l’opéra de Canton en Chine, de Cardiff au pays de Galles, la piscine Olympique des JO de Londres en 2012, le pont Sheikh Zayed a Abu Dhabi, la gare maritime de Salerne, le tremplin de saut à ski d’Innsbruck en Autriche. L’un de ses plus beaux projets, qui a valeur de symbole puisque ce sera aussi son dernier avant sa disparition prématurée en 2016, est le One Thousand Museum à Miami. Cet immeuble luxueux, totalement unique dans sa conception, sera la seule tour résidentielle de Zaha Hadid dans le monde occidental.

One Thousand Museum est une chance pour Miami, qui le voit s’élancer au cœur de la ville, en face du port, du Perez Art Museum (PAMM), du futur Miami Science Museum et du Museum Park sur la Baie. Son entrée spectaculaire en forme de branchie de requin donne le ton ! Nul doute que cette adresse deviendra l’une des plus “exclusive” de Miami, avec des tarifs avoisinant les 5,8 millions de dollars pour le plus petit appartement jusqu’à environ 18 millions pour les plus grandes unités.

[caption id="attachment_15487" align="alignnone" width="1200"] Courtesy of One Thousand[/caption]

Pour plus d’informations : http://1000museum.com/

Le Monad Terrace: une prouesse architecturale signée Jean Nouvel

Architecte français connu dans le monde entier pour ses réalisations comme pour ses prises de position publiques et architecturales, Jean Nouvel était attendu avec impatience à Miami ! Récompensé en 2008 avec le Prix Pritzker, il conçoit chaque nouveau projet en s’inspirant de ce qu’il affectionne par-dessus tout: le cinéma, le théâtre et le design extérieur, le tout en forte corrélation avec l’environnement du bâtiment. Les réalisations architecturales de Jean Nouvel se définissent principalement par leur transparence, l’utilisation de la lumière et la couleur, dans un dialogue permanent avec la Nature, même en milieu urbain. On retrouve par ailleurs ce concept de dématérialisation de la matière dans la Fondation Cartier où l’architecture se veut légère, dans la conception du Concert Hall à Copenhague ainsi que dans le Musée du Quai Branly.

Monade Terrace est le nouveau projet qui se positionne déjà dans les grandes signatures de Miami. Il doit son nom au « lifestyle » de Miami, véritable alchimie entre le ciel, la mer, les lumières de Floride, la végétation, comme les vues spectaculaires de la baie. Une inspiration qui contribuera au côté aérien, pur et léger de l’immeuble… bâti par un autre grand de la construction française : le groupe Bouygues dont la filiale Americaribe a gagné la réalisation de l’immeuble.

[caption id="attachment_15488" align="alignnone" width="1200"] Courtesy of Monad Terrace[/caption]

Pour plus d’informations : monadterrace.miami/

Renzo Piano, un architecte en constant renouvellement

Comme souvent en architecture, le Génois Renzo Piano a construit sa renommée sur une rupture avec des styles académiques et classiques et une innovation non seulement dans le design de ses œuvres, mais aussi dans les matériaux et nouveaux modes de constructions expérimentés dès son plus jeune âge dans les ateliers de son Père. Tous les passionnés d’architecture se souviennent de la polémique lorsqu’il remporta le concours pour le Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou avec son projet avant gardiste. Ce bâtiment insolite en plein cœur du Marais, dans le vieux Paris, marqua le départ du mouvement High-Tech au niveau international.

Né à Gênes en 1937, l’Architecte qui a étudié à Florence et Milan, reste encore aujourd’hui pionnier et d’une créativité insatiable: l’architecture verte et éco-responsable (ex: son projet Centre Culturel Jean-Marie Tjibaou en Nouvelle Calédonie, près de Sydney en Australie), la mode utopique, l’illustration. Il apporte une très grande importance à la matière, à la répétition des éléments et à l’impact de la lumière sur ces derniers. Si l’on devait résumer en quelques mots les travaux de Piano, on pourrait dire que l’ensemble de son travail allie légèreté, grâce, délicatesse et finesse.

Eighty Seven Park est un immeuble résidentiel, « condo », en bord de mer, privé et luxueux, conçu pour embrasser le parc qui le jouxte, et l'océan qui lui fait face, dans le quartier de North Beach, aujourd’hui en pleine transformation. Ce bâtiment réunira architecture, design et paysages naturels. Le site en lui-même est une palette de rêve pour un architecte de talent. La vision de Piano pour ce projet est de créer un ‘sanctuaire côtier’ qui étend l'espace vert, le long de la grande bleue, dans le quartier de North Shore Open Space Park au Nord de Miami Beach.

[caption id="attachment_15489" align="alignnone" width="1200"] Courtesy of Eighty Seven Park[/caption]

Pour plus d’informations : http://ift.tt/1LGcy7H

Norman Foster, l’architecte britanique aux multiples récompenses

Norman Foster, né à Manchester au Royaume-Uni en 1935, est l’un des principaux représentants de l’architecture high-tech avec entre autres Richard Rogers. Après avoir étudié l’architecture et l’urbanisme à l’école d’architecture de l’Université de Manchester, il obtient une bourse qui lui permettra de se rendre aux Etats-Unis pour poursuivre ses études à l’université de Yale. De retour en Angleterre, il fonda avec Richard Rogers le cabinet “Team 4”, puis le cabinet “ Foster Associates” avec sa femme Wendy. Ses parents ont été pour lui une source d’inspiration, que l’on retrouve notamment dans l’aspect social de ses travaux. Sa passion pour l’ingénierie dans l’architecture, lui ont permis de réaliser de grands projets de bâtiments institutionnels et industriels comme le siège social de Willis Faber & Dumas, l’aéroport de Stansted, la tour Hong-Kong and Shanghai Bank Headquarters, La Hearst Tower à New York et le plus grand aéroport du monde, celui de Check Lap Kok à Hong-Kong. Durant sa flamboyante carrière, l’architecte a reçu plus de 300 prix et mentions, dont 60 victoires de concours nationaux et internationaux, en plus de nombreuses publications à travers le monde. En 1983, il reçoit la médaille d’or du RIBA (Royal Institute of British Architects), la médaille d’or de l’académie française d’architecture en 1991 et la médaille d’or de l’Institut des Architectes Américains en 1994 qui lui vaut aussi d’avoir été sacré chevalier en 1990 par la reine Elisabeth II.

L’un des derniers nés des appartements luxueux de Miami Beach, Faena House a été un succès sans précédent dans le tout Miami et bien au-delà. Le long du site exceptionnel de la plage de Miami Beach ce programme neuf se compose de 41 appartements avec deux étages de services : un spa, une piscine et un centre de fitness ultramoderne. Le succès de l’immeuble tient à son architecture à la fois moderne et intégrée dans l’environnement art deco de la ville, à de nombreuses trouvailles en termes de design et de decor : larges balcons aux formes arrondies, communication entre la plage, ses dunes, la végétation.

[caption id="attachment_15490" align="alignnone" width="1200"] Courtesy of Faena House[/caption]

Pour plus d’informations : http://ift.tt/2iDK5rQ

Jacques Herzog et Pierre de Meuron : deux noms pour une même vision

Jacques Herzog et Pierre de Meuron, deux architectes suisses natifs de la ville de Bâle, montrent que l’architecture est décidément un art qui rayonne à l’international.

Jacques Herzog commence à étudier l’architecture à Federal Technical University ( ETH) en Lausanne. Pierre de Meuron, quant à lui, ayant une attirance pour les mathématiques et le dessin, fréquente l’ETH de Zurich. Dès 1978, les deux architectes ouvrent leur agence, marquant ainsi le début d’une collaboration couronnée de succès depuis 2001, lorsque les suisses remportent le Pritzker Prize, faisant de ce duo le premier à recevoir ce titre. Leur vision et leurs réalisations sont si étroitement liées qu’il est inconcevable de souligner l’accomplissement de l’un sans impliquer le second. Aujourd’hui, leur cabinet s’est implanté à Londres, Munich, Barcelone, San Francisco, Tokyo et Beijing. Le nom ‘Jacques Herzog et Pierre de Meuron” c’est en fait 3 partenaires seniors, 5 partenaires, 24 associés, formant ainsi une équipe regroupant plus de 380 personnes de 39 nationalités différentes.

“ L’architecture s’adresse directement aux êtres humains, comme une odeur ou la musique, elle est aussi une sensation. Dans le future encore, l’être humain fonctionnera à travers la perception des sens”. Ils affirment que l’art et l’architecture ne sont pas deux éléments distincts, mais bien un tout. La création de l’image architecturale, du bâtiment imprégné de son contexte et de son milieu, est une méthode largement utilisée dans le processus de conception des architectes bâlois.

Miami a découvert leur talent avec le bâtiment 1111 sur Lincoln Road. C’était la première fois qu’un parking devenait une signature dans la ville, et l’un des plus beaux endroits pour admirer un coucher de soleil sur South Beach ! Un changement de paradigme aussi que de voir le béton brut garder une légèreté grâce à la forme géométrique insolite du bâtiment. http://ift.tt/GBYVWA

Herzog et de Meuron ont ensuite crée le PAMM (Perez Art Museum) au bord de la Baie, en plein cœur de downtown Miami. Aujourd’hui, ce musée et ses murs végétaux est prolongé par le Museum Park. http://pamm.org/

Côté résidentiel, l’immeuble signé par le duo de talent est le Jade Signature, a Sunny Isles, au Nord de Miami. Une réalisation tout en transparence où l’Océan et la tour ne font plus qu’un. http://ift.tt/2ac2Qx8

[caption id="attachment_15491" align="alignnone" width="1200"] Herzog & De Meuron, 1111 Lincoln Road (Photo en haut à gauche), Jade Signature (Photos de droite et Photo du milieu à gauche), Perez Art Museum of Miami (Photo en bas à gauche)[/caption]

+ 1 (305) 361 2233 [email protected] Barnes Miami 1150 SW 22nd Street Miami Beach, Florida.

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micaramel · 5 years

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Artist: Josh Smith

Venue: David Zwirner, New York

Exhibition Title: Emo Jungle

Date: April 25 – July 19, 2019

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Full gallery of images, press release, and link available after the jump.

Images:

Images courtesy of the artist and David Zwirner, New York

Press Release:

David Zwirner is pleased to present Emo Jungle, an exhibition of new work by American artist Josh Smith. On view in the gallery’s West 19th Street spaces in New York, the show marks the artist’s inaugural solo presentation with David Zwirner.

Since the early 2000s, Smith has developed a prolific and expansive body of painting that employs specific visual motifs as a means of exploring the potentiality of the painted surface. These visual forms, which include his name, fish, skeletons, leaves, and palm trees, among others, serve as unassuming structures through which Smith pursues his investigation of the medium, resulting in works that forthrightly present themselves to the viewer. Though fully realized as individual artworks, each painting serves as a stage in an ongoing, interrelated, and heterogeneous process of image production and experimentation, in which motifs, colors, and visuals are recycled, refined, and reimagined.

Emo Jungle features an array of new paintings by the artist, including several new “Reaper” paintings, part of an ongoing series that depicts the figure of death. Rendered in lush ribbons and fields of color, the blank, empty faces and shapeless cloaks of the reapers serve as genderless, formless ciphers for the viewer. These Reapers, several constituting the largest he has produced, are made additionally distinct by the unique border treatments that Smith applies. The borders allude somewhat to the artist’s interest in early American decorative wall stencils, as well as the serrated and perforated edges of postage stamps, which signify a kind of self-contained meaning or value.

Also debuting at the exhibition are paintings with entirely new motifs. One such group of works depicts a devil-like figure. Smith represents this character with a paintbrush, reaching to the corners and margins of the canvases, self-reflexively painting himself into the compositions. “Human Animals” are the focus of another series, which features primate-like creatures whose long limbs seem to stretch and determine the margins of the wide rectangular works. In another prolific new series, Smith explores the form of the turtle. In these paintings, the turtles’ shells morph into palettes—open-ended surfaces of endless possibility—where Smith mixes paint and experiments with facture and color. The group is presented in its entirety, uniquely installed in the gallery’s 519 West 19th Street space, so as to emphasize the similarities and differences between the individual works. Smith chose the turtle specifically because, as he states, “it’s a boring thing that I love.” Turtles, like the artist’s other motifs, remove the imperative to find meaning or be confounded by the artwork. “The meaning perhaps arises in the making,” Smith explains, “leaving the viewer something purely for their visual engagement. They don’t have to be burdened with the meaning. What they’re left with is purely for them. The viewer can love it; they can hate it, but they’re not going to walk up to it and feel dumb.”1 Throughout the gallery, Smith has installed groups of ceramic traffic cones, a form that extends his formal interests into the sculptural realm.

Smith will debut several new groups of monotypes that will be presented as part of an online Viewing Room. These unique monotypes, made through a refined printing process that involves pressing a painted plate against paper, constitute another mode through which Smith explores the nuances and possibilities of his imagery. The resulting works are intricate, variegated surfaces in which the pressed layers of paint interact with the material qualities of the various cotton and plastic papers he selects, resulting in diverse effects.

1 Smith, in conversation with the gallery, March 2019.

Josh Smith was born in 1976 in Okinawa, Japan. Smith’s father was in the US Army, and his family moved frequently, eventually settling in East Tennessee, where the artist mostly grew up. His work has been presented in numerous solo exhibitions at museums and art institutions in the United States and abroad, including at the Bonner Kunstverein, Bonn, Germany (2016); Museo d’Arte Contemporanea di Roma, Rome (2015); Zabludowicz Collection, London (2013); The Brant Foundation Art Study Center, Greenwich, Connecticut (2011); Centre d’Art Contemporain Genève, Geneva (2009); De Hallen Haarlem, Haarlem, The Netherlands (2009–2010); Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (mumok), Vienna (2008); and SculptureCenter, Long Island City, New York (2004).

Smith’s work has also been included in important group exhibitions such as Painting 2.0: Expression in the Information Age, which opened at the Museum Brandhorst, Munich, and subsequently traveled to the Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (mumok), Vienna (2015–2016); The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World, The Museum of Modern Art, New York (2014–2015); The Painting Factory: Abstraction after Warhol, Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2012); ILLUMInations, the central exhibition at the 54th Venice Biennale (2011); and The Generational Triennial: Younger Than Jesus, New Museum, New York (2009).

Smith’s work is held in numerous international public collections including The Broad, Los Angeles; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh; Centre Georges Pompidou, Paris; Moderna Museet, Stockholm; Musée d’art contemporain de Montréal; The Museum of Modern Art, New York; Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (mumok), Vienna; and the Whitney Museum of American Art, New York. Smith has lived and worked in New York since 1998. The artist has been represented by David Zwirner since 2017.

Link: Josh Smith at David Zwirner

Contemporary Art Daily is produced by Contemporary Art Group, a not-for-profit organization. We rely on our audience to help fund the publication of exhibitions that show up in this RSS feed. Please consider supporting us by making a donation today.

from Contemporary Art Daily http://bit.ly/2XGUQeY

#micaramel

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universallyladybear · 5 years

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