#Museo de Bellas Artes de Houston

[odreros2y4]

Santiago el Mayor. Santiago, Guido Reni, C. 1636. Museo de Bellas Artes de Houston.

[idanatachatapia]

El hijo del hombre 1964

Otra biografía presentada en clase fue la de René Magritte del cual siempre e sentido admiración por su obra el Hijo del Hombre. 

René François Ghislain Magritte fue el surrealista belga que más influyó en la pintura de su país en el siglo XX. Nació el 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica y murió el 15 de agosto de 1967.

Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912, su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua. La imagen de su madre flotando, con su vestido cubriendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, se dice que este hecho influencio sobre una de sus obras más famosas, Los amantes

 Sus imágenes, a diferencia de otros surrealistas, no estaban inspiradas 100% en sueños, sino que Magritte destilaba la realidad sacando su esencia, y consiguiendo, por un lado, imágenes absolutamente sorprendentes e ingeniosas, y por otro el cuestionamiento mismo de esa realidad.

Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran influencias del Cubismo, del Orfismo, del Futurismo y del Purismo.

Magritte fue, por así decirlo, un surrealista conceptual muy interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en investigar la extraña relación entre un lo pintado y lo real. Para ello explora lo que hay de mágico en lo cotidiano.

Influído por Giorgio de Chirico, empieza a pintar paisajes misteriosos, con significados ocultos, silencio y mucho sentido del humor. La realidad es para él una ilusión, una trampa por así decirlo y por ello explora a lo largo de su carrera el espacio real frente a la ilusión espacial, que es la pintura misma.

En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.

En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado “realismo mágico”, cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan.

Muy independiente, se mantuvo alejado del surrealismo militante y dogmático de Breton y pese a lo subversivo de muchas de sus pinturas, tuvo una vida tranquila y burguesa entre París y su Bélgica natal. La vida de un belga de clase media y sus rutinarias actividades diarias fueron en cierto modo su máxima inspiración para pintar sus extraordinarios cuadros.

Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que le dedica el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante el año siguiente viaja a Israel.

Murió en Bruselas el 16 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

[getyourcoffeandtruler]

Hablemos de Lina Bo Bardi

Lina Bo Bardi nació en Roma en 1914, en una familia acomodada, en una Italia donde la guerra estaba a punto de estallar. Estudió en Roma y conoció a su esposo, Pietro Bardi, quien diseñó pautas arquitectónicas para Mussolini y su régimen fascista.

Posteriormente, debido a los efectos de la guerra y la relación de Pietro con el régimen, se mudaron a Brasil. Fue allí donde Lina construyó "La casa de cristal" para sí misma. Es interesante analizar esta casa en su contexto, ya que en esa época Lina ya compartía varios ideales del movimiento moderno, los cuales se reflejan en esta obra desde su impresi. Podemos notar también referencias a otras casas preexistentes, como la Casa de Cristal de Philip Johnson (1940) y la Casa Farnsworth de Mies Van der Rohe (1945).

Casa de Cristal de Philip Johnson (1940)

Casa Farnsworth de Mies Van der Rohe (1945)

Casa Lina Bo Bardi ( 1950 )

Años después, dijo que si pudiera hacer su casa nuevamente, no la haría de esa forma otra vez.

Durante su viaje a Barcelona, exploró las obras de Gaudí y construyó la Casa Valeria, una residencia para su amiga decoradora. Aquí podemos observar la interpretación que Lina Bo Bardi hizo de la obra de Gaudí y cómo la adaptó.

A pesar de su cercanía al fascismo, ella se consideraba comunista. A lo largo de su vida, en su trabajo en revistas como Habitat y Domus, en sus libros, muebles y proyectos, buscaba difuminar la línea entre lo privado y lo público, crear una horizontalidad con el arte y cuestionar la distinción entre alta y baja cultura.

Un ejemplo de esto es el MASP, un edificio emblemático de Brasil que hace referencia nuevamente a Mies van der Rohe. Diseñó el edificio elevado, con la museografía arriba y una plaza pública debajo del volumen destinado al espacio público y sus actividades. También diseñó la museografía, colocando las piezas sobre un cristal sostenido por bloques de concreto, lo cual da la sensación de que las obras flotan y rompe la barrera entre el arte y el espectador, creando una horizontalidad.

Museo de Bellas Artes de Houston de Mies Van der Rohe

MASP de Lina Bo Bardi

Este museo también generó controversia, ya que al ser de cristal, cambió el mundo del arte. Los artistas temían (y temen) que la luz solar constante pueda dañar sus obras.

Realizó numerosas intervenciones en Salvador de Bahía, incluida la creación de una escalera de caracol cuadrada que no se construyó con pernos ni clavos, sino mediante ensamblajes. Esto también puede asociarse al movimiento Arts and Crafts y hacer referencia incluso a Victor Horta.

Escalera Victor Horta ( 1893 )

Escalera de caracol cuadrada de Lina Bo Bardi

Lina Bo Bardi también fue una arquitecta teatral y performativa. Un ejemplo es el Teatro Oficina, diseñado con una pasarela en el centro, donde los actores se encuentran en el centro y los espectadores están alrededor. De esta manera, nuevamente se crea una horizontalidad y se rompe la barrera entre actores y público.

A los 62 años, comenzó a diseñar el SESC Pompéia en Brasil, un centro cultural en una antigua fábrica de barriles. Diseñó dos torres de concreto que se conectan mediante un puente. Nuevamente, el edificio generó controversia, empezando por la forma de los vanos, que hacen referencia a cañones disparando contra el edificio.

Algo que no puedo dejar de pensar es que, más allá de la estética de sus obras, no podemos negar que los proyectos más maduros de Lina son integrales, abordando el mobiliario, la arquitectura, el arte, lo social y lo político, y mostrando una auténtica preocupación por la colectividad.

Bibliografía:

Bo Bardi, Lina. Por Escrito: Textos Escogidos 1943-1991, Alias Editorial, 2019.

(Instituto Lina Bo E P. M. Bardi, n.d.)

By ARQ Y FILOSOFIA Container: YouTube Year: 2021 URL: https://www.youtube.com/watch?v=HxD5zyXRDTg

[iamainhoa]

Childe Hassam

Medianoche lluviosa, finales de 1890 Óleo sobre lienzo, 54 x 46.4 cm

A finales de la década de 1890, Hassam pintó una noche lluviosa en Nueva York en tonos de azul, púrpura, blanco, negro con pequeños toque de rojo en algunas de las luces y sus reflejos.

En el centro hay un carruaje tirado por caballos que se aleja.

Con la lluvia y el agua de los charcos, las farolas tienen reflejos largos y prolongados. Junto a las ruedas de la cabina, vemos la línea que divide la calle con la acera, un bordillo apenas perceptible.

📍Museo de Bellas Artes, Houston

⭐Favorite painting

[v4ngu4rdi4s]

Morphosis

La firma fue fundada informalmente en 1972 por Michael Brickler

7132 Hotel, Marquesina de entrada

Morphosis se caracteriza por crear espacios novedosos de acuerdo a la época y es justo lo que podemos apreciar en este hotel con sus materiales y formas innovadoras y diferentes.

sus habitaciones fueron diseñadas con una atmósfera cálida utilizando maderas y piedras locales sin perder la relación con lo innovador y el concepto que tenian pensado.

MUSEO DE BELLAS ARTES EN HOUSTON.

Otro de los distintivos de Morphosis es su diseño sofisticado y con una buena relación en el entorno, algo que podemos observar en este museo y como se puede observar su relación con las artes y la ciudad. Sin olvidar el juego que realizan con la iluminación y materialidad tan distintivo de la firma.

[leyhejuhyunghan]

Nature Ecology & Evolution The structure of genotype-phenotype maps makes fitness landscapes navigable, FITNESS LANDSCAPES Life finds a way, ley, Ley line, Alfred Watkins (English archaeologist, 1855–1935), Fernand Khnopff (Belgian, 1858-1921), Bible Ephesians 4:16, Mighty to Save - Hillsong Worship, Des'ree - Life (Official Video), MGH Institute NLN Education Summit “Healthy Planet, Healthy People: Leading the Way Through Education, Practice, and Policy”, ‘The Academy of American Poets Fishmonger - Marsden Hartley (American, 1877–1943), An October Garden - Christina Rossetti (English, 1830-94), El Greco, Schoenberg Institute for Manuscript Studies Manuscript Monday: Ms. Codex 1645 – Technical treatise on the painting of miniatures, The Estée Lauder Companies #ClimateWeekNYC Climate Group

Nature Ecology & Evolution The structure of genotype-phenotype maps makes fitness landscapes navigable, FITNESS LANDSCAPES Life finds a way, ley, Ley line, Alfred Watkins (English archaeologist, 1855–1935), Fernand Khnopff (Belgian, 1858-1921), Bible Ephesians 4:16, Mighty to Save - Hillsong Worship, Des'ree - Life (Official Video), MGH Institute NLN Education Summit “Healthy Planet, Healthy People: Leading the Way Through Education, Practice, and Policy”, ‘The Academy of American Poets Fishmonger - Marsden Hartley (American, 1877–1943), An October Garden - Christina Rossetti (English, 1830-94), El Greco, Schoenberg Institute for Manuscript Studies Manuscript Monday: Ms. Codex 1645 – Technical treatise on the painting of miniatures, The Estée Lauder Companies #ClimateWeekNYC Climate Group NatureEcoEvo Nature Ecology & Evolution The structure of genotype-phenotype maps makes fitness landscapes navigable, FITNESS LANDSCAPES Life finds a way, ley an area of land where grass is grown temporarily instead of crops, Ley line, Ley lines are straight alignments drawn between various historic structures and prominent landmarks., Alfred Watkins (English archaeologist, 1855–1935) in 1921 he noticed on the British landscape an apparent arrangement of straight lines positioned along ancient features., Fernand Khnopff (Belgian, 1858-1921), Femme Mysterieuse (Mysterious Woman), 1891 by Christa Zaat, the Bible Ephesians 4: Unity and Maturity in the Body of Christ 16 ‘From him the whole body, joined and held together by every supporting #ligament, grows and builds itself up in love, as each part does its work.’ from Hillsong Church Sunday worship, Mighty to Save - Hillsong Worship, Des'ree - Life (Official Video), MGH Institute NLN Education Summit “Healthy Planet, Healthy People: Leading the Way Through Education, Practice, and Policy”, ‘Teaching for Clinical Reasoning and Rapid Clinical Decision Making: Keys to Developing Expertise in Practice’, Center for the Environment and Health, Speech and Language Literacy Lab, MGH Institute Department of Communication Sciences and Disorders, Poets.org The Academy of American Poets Fishmonger - Marsden Hartley (American, 1877–1943) ‘I sit on the bank of the stream and watch, The grasses in amazement’, Marsden Hartley, Abstraction, 1914, Museum of Fine Arts, Houston., An October Garden - Christina Rossetti (English, 1830-94) ‘That least and last which cold winds balk; A rose it is though least and last of all, A rose to me though at the fall.’, El Greco (Crete, 1541-Toledo, 1614), The Annunciation, 1596-1600, Museo de Bellas Artes de Bilbao., Schoenberg Institute for Manuscript Studies Manuscript Monday: Ms. Codex 1645 – Technical treatise on the painting of miniatures, ‘Includes information on the reduction of images and mixes of pigments for landscapes, skies, varieties of flowers, skin, faces, drapery, and jewels.’, The Estée Lauder Companies #ClimateWeekNYC Climate Group on the global effort to address climate change, The Estée Lauder Companies (ELC) has been a leading supporter of Climate Week NYC over the past six years. 

https://blog.naver.com/artnouveau19/222892309616

https://www.nature.com/articles/s41559-022-01867-z?fbclid=IwAR3XAmhSOUfwfWuZ7ANBt9CliZbAFlLZKXj-qXZAfNrrhcOcfQ0J2xDIn_Y

https://www.nature.com/articles/s41559-022-01877-x

https://www.oxfordlearnersdictionaries.com/definition/english/ley

https://en.wikipedia.org/wiki/Ley_line

https://en.wikipedia.org/wiki/Alfred_Watkins https://www.facebook.com/photo/?fbid=10159308043252151&set=a.10151465215597151 https://www.biblegateway.com/passage/?search=Ephesians%204&version=NIV

https://youtu.be/GEAcs2B-kNc https://youtu.be/BKtrWU4zaaI

https://summit.nln.org

https://www.massgeneral.org/environment-and-health

https://www.mghihp.edu/research/speech-and-language-literacy-sail-lab?fbclid=IwAR1WUr2cSaIWdw-TyfAo0A7X6_5z-zrfzgegD0cx1csTc1GlxCR8388zT7g

https://www.mghihp.edu/academics/communication-sciences-and-disorders-home?fbclid=IwAR149HBYSBRYAlETO4MSOxWNcv079OlnteWC0TxM9oS7EKqmndEh6fBVZDk https://poets.org/poem/fishmonger?fbclid=IwAR0oy1VtB9SBj0ayiSjaVkzGa9hfvi7Xei-k8x4d_LWkn2c9CUopcPDMC1M https://en.wikipedia.org/wiki/Marsden_Hartley https://en.wikipedia.org/wiki/Marsden_Hartley#/media/File:Marsden_Hartley_-_Abstraction_-_Google_Art_Project.jpg

https://poets.org/poem/october-garden?fbclid=IwAR3kSu15QOVi-dnhrGGv4yPA0XVW63orblH8YBWlZ5stuqf-reOGjSDu1gk

https://en.wikipedia.org/wiki/Christina_Rossetti

https://bilbaomuseoa.eus/en/artworks/the-annunciation-69-116/

https://schoenberginstitute.org/2022/10/03/manuscript-monday-ms-codex-1645-technical-treatise-on-the-painting-of-miniatures/

https://www.climateweeknyc.org/news/qa-headline-partner-estee-lauder-companies

NatureEcoEvo

@NatureEcoEvo

·

Sep 30

The structure of genotype-phenotype maps makes fitness landscapes navigable 

https://twitter.com/NatureEcoEvo/status/1575778980937990144

https://www.nature.com/articles/s41559-022-01867-z.epdf?sharing_token=Q-cWSC3Dt0rqu8bDEiZcjtRgN0jAjWel9jnR3ZoTv0PCdBt_t7HPzaxTcnUb1bhQDJV4SHGRy18A7ZlkZTnWeG_gii4QWyxcYz3yOYY2LwBjB06j2evHmWqpHe_M-Oh2mxy5PauUnBw0BfU9qT6WncqN5Aor-SgHN9eNwQlhNwA%3D

Nature Ecology & Evolution

In realistic high-dimensional fitness landscapes of RNA secondary structure, protein tertiary structure and protein complexes, authors of a new Article in Nature Ecology & Evolution find that fitness peaks can easily be reached from any starting point without traversing fitness valleys.

https://www.nature.com/articles/s41559-022-01867-z

nature nature ecology & evolution articles article

Article

Published: 29 September 2022

The structure of genotype-phenotype maps makes fitness landscapes navigable

Sam F. Greenbury, Ard A. Louis & Sebastian E. Ahnert 

Nature Ecology & Evolution (2022)Cite this article

560 Accesses

17 Altmetric

Metrics https://www.nature.com/articles/s41559-022-01867-z?fbclid=IwAR3XAmhSOUfwfWuZ7ANBt9CliZbAFlLZKXj-qXZAfNrrhcOcfQ0J2xDIn_Y

Abstract

Fitness landscapes are often described in terms of ‘peaks’ and ‘valleys’, indicating an intuitive low-dimensional landscape of the kind encountered in everyday experience. The space of genotypes, however, is extremely high dimensional, which results in counter-intuitive structural properties of genotype-phenotype maps. Here we show that these properties, such as the presence of pervasive neutral networks, make fitness landscapes navigable. For three biologically realistic genotype-phenotype map models—RNA secondary structure, protein tertiary structure and protein complexes—we find that, even under random fitness assignment, fitness maxima can be reached from almost any other phenotype without passing through fitness valleys. This in turn indicates that true fitness valleys are very rare. By considering evolutionary simulations between pairs of real examples of functional RNA sequences, we show that accessible paths are also likely to be used under evolutionary dynamics. Our findings have broad implications for the prediction of natural evolutionary outcomes and for directed evolution.

Main

Ever since they were first introduced in Sewall Wright’s foundational paper1, fitness landscapes have become an enduring and central concept in evolutionary biology2,3,4,5,6. In particular, a low-dimensional picture of fitness ‘peaks’ and fitness ‘valleys’ has played an important role in shaping intuition around evolutionary dynamics. A key prediction is that a population must typically traverse an unfavourable valley of lower fitness to move from one fitness peak to another. But, as already pointed out by many since4,7,8,9,10,11, the space of genotypes is typically extremely high dimensional. As illustrated in Fig. 1, what appears to be a fitness valley in a lower-dimensional landscape could be easily bypassed when dimensions are added9,10,11.

Three key open questions are: (1) does the low-dimensional picture of fitness valleys hold for realistic high-dimensional genotype spaces? And if we define accessible paths of point mutations between a low fitness phenotype and a high fitness phenotype as those with monotonically increasing fitness, (2) what properties of biological systems facilitate their presence and (3) are such paths sufficiently common that they can easily be found by an evolving population?

One way forward is to consider empirical fitness landscapes, where much recent progress has been made5,12, particularly for molecular phenotypes5,13,14,15,16,17,18,19,20,21. This body of work has yielded important insights, such as the role of local epistatic interactions in sculpting evolutionary paths22,23,24. Nevertheless, ruling out high-dimensional bypasses is difficult in empirical studies because genotype spaces, which grow exponentially as KL for alphabet size K and genotype length L, are almost always unimaginably vast25. They are also highly connected since distances are linear; two genotypes are at most L point mutations away, but are connected by up to L! shortest possible paths given the L mutations may occur in any order. For example, even for a very short L = 20 strand of RNA, there are up to 20! ≅ 2 × 1018 paths between any two genotypes. Empirical landscapes can typically only ever sample a small fraction of the full genotype space, so what appears to be an isolated fitness peak, may in fact be accessible via pathways not included in the experiment.

A different strand of work, which can in principle address questions of global accessibility, has focused on model genotype-to-fitness landscapes3,6,10,11,26,27. If fitness is assigned randomly to genotypes, as in Kingman’s ‘house of cards’ model28, then the probability of finding accessible paths is small. If instead there are correlations between fitness and the genotypes, then, depending on details of the model, accessible paths can indeed be common11,29. These correlations are often expressed in terms of ruggedness: a more rugged model has fewer correlations between genotypes and fitness, and so is less navigable. While much progress has been made in this literature, it is not clear how well these models capture the true correlations of biological fitness landscapes.

Here we take a different approach, and build on recent advances showing that many realistic genotype-phenotype (GP) maps share generic structural features that can enhance navigability30,31,32. In contrast to the genotype-to-fitness models studied by others (above), we consider the genotype-to-phenotype-to-fitness map by inserting the GP map as an additional intermediate step that provides the non-random organization of the mapping from genotypes to fitness. This means correlations in fitness are naturally incorporated as a consequence of the GP map, rather than through an assumption explicitly parameterized.

Fig. 1: High-dimensional bypasses facilitate landscape navigability. Illustration of how increasing dimensionality D of the genotype space can affect the navigability and presence of valleys in a fitness landscape.

https://www.nature.com/articles/s41559-022-01867-z?fbclid=IwAR3XAmhSOUfwfWuZ7ANBt9CliZbAFlLZKXj-qXZAfNrrhcOcfQ0J2xDIn_Y

NatureEcoEvo

@NatureEcoEvo

·

Sep 30

Realistic high-dimensional genotype–phenotype maps show that fitness maxima can be reached from almost any other phenotype while avoiding fitness valleys, which are very rare. https://twitter.com/NatureEcoEvo/status/1575809683109122050 nature nature ecology & evolution news & views article

News & Views

Published: 29 September 2022

FITNESS LANDSCAPES

Life finds a way

Jacobo Aguirre 

Nature Ecology & Evolution (2022)Cite this article

209 Accesses

18 Altmetric

Metrics details

Fitness landscapes were described almost a century ago as smooth surfaces with peaks and valleys that are difficult to navigate. Now, more realistic high-dimensional genotype–phenotype maps show that fitness maxima can be reached from almost any other phenotype while avoiding fitness valleys, which are very rare.

Writing in Nature Ecology and Evolution, Greenbury et al4. show how common properties of high-dimensional genotype–phenotype maps influence the evolutionary navigability of fitness landscapes, making use of biologically realistic models and experimental databases.

https://www.nature.com/articles/s41559-022-01877-x

ley an area of land where grass is grown temporarily instead of crops, Ley line, Ley lines are straight alignments drawn between various historic structures and prominent landmarks., Alfred Watkins (English archaeologist, 1855–1935) in 1921 he noticed on the British landscape an apparent arrangement of straight lines positioned along ancient features.

ley

(also ley line) an imaginary line that is believed to follow the route of an ancient track and to have special powers (specialist) an area of land where grass is grown temporarily instead of crops https://www.oxfordlearnersdictionaries.com/definition/english/ley Ley line Ley lines (/leɪ/) are straight alignments drawn between various historic structures and prominent landmarks. The idea was developed in early 20th-century Europe, with ley line believers arguing that these alignments were recognised by ancient societies that deliberately erected structures along them. Since the 1960s, members of the Earth Mysteries movement and other esoteric traditions have commonly believed that such ley lines demarcate "earth energies" and serve as guides for alien spacecraft. Archaeologists and scientists regard ley lines as an example of pseudoarchaeology and pseudoscience.

The idea of "leys" as straight tracks across the landscape was put forward by the English antiquarian Alfred Watkins in the 1920s, particularly in his book The Old Straight Track. He argued that straight lines could be drawn between various historic structures and that these represented trade routes created by ancient British societies. Although he gained a small following, Watkins' ideas were never accepted by the British archaeological establishment, a fact that frustrated him. His critics noted that his ideas relied on drawing lines between sites established at different periods of the past. They also argued that in prehistory, as in the present, it was impractical to travel in a straight line across hilly or mountainous areas of Britain, rendering his leys unlikely as trade routes. Independently of Watkins' ideas, a similar notion—that of Heilige Linien ('holy lines')—was raised in 1920s Germany.

During the 1960s, Watkins' ideas were revived in altered form by British proponents of the countercultural Earth Mysteries movement. In 1961, Tony Wedd put forward the belief that leys were established by prehistoric communities to guide alien spacecraft. This view was promoted to a wider audience in the books of John Michell, particularly his 1969 work The View Over Atlantis. Michell's publications were accompanied by the launch of the Ley Hunter magazine and the appearance of a ley hunter community keen to identify ley lines across the British landscape. Ley hunters often combined their search for ley lines with other esoteric practices like dowsing and numerology and with a belief in a forthcoming Age of Aquarius that would transform human society. Although often hostile to archaeologists, some ley hunters attempted to ascertain scientific evidence for their belief in earth energies at prehistoric sites, evidence they could not obtain. Following sustained archaeological criticism, the ley hunter community dissipated in the 1990s, with several of its key proponents abandoning the idea and moving into the study of landscape archaeology and folkloristics. Belief in ley lines nevertheless remains common among some esoteric religious groups, such as forms of modern Paganism, in both Europe and North America.

Archaeologists note that there is no evidence that ley lines were a recognised phenomenon among ancient European societies and that attempts to draw them typically rely on linking together structures that were built in different historical periods. Archaeologists and statisticians have demonstrated that a random distribution of a sufficient number of points on a plane will inevitably create alignments of random points purely by chance. Skeptics have also stressed that the esoteric idea of earth energies running through ley lines has not been scientifically verified, remaining an article of faith for its believers. https://en.wikipedia.org/wiki/Ley_line

Alfred Watkins (English archaeologist, 1855–1935) in 1921 he noticed on the British landscape an apparent arrangement of straight lines positioned along ancient features. Alfred Watkins (27 January 1855 – 15 April 1935) was an English author, self-taught amateur archaeologist, antiquarian and businessman who, while standing on a hillside in Herefordshire, England, in 1921 experienced a revelation. He noticed on the British landscape an apparent arrangement of straight lines positioned along ancient features. For these he subsequently coined the term "ley", now usually referred to as ley line, because the line passed through places whose names contained the syllable "ley".

https://en.wikipedia.org/wiki/Alfred_Watkins

Christa Zaat added a new photo to the album: Fernand Khnopff (Belgian painter) 1858 - 1921.

Fernand Khnopff (Belgian painter) 1858 - 1921

Femme Mysterieuse (Mysterious Woman), 1891

pencil and coloured pencil on paper

28 x 17.2 cm. (11.13 x 6.87 in.)

signed FERNAND / KHNOPFF l.l.; marked with the collector's stamp of Gustav Engelbrecth l.r.

private collection

© photo Sotheby's

Catalogue Note Sotheby's

FERNAND KHNOPFF

Khnopff came from an upper middle class Belgian family of lawyers. In 1875 he began to study law at the University of Brussels, but his true passion was literature. He avidly read Flaubert, Baudelaire and Leconte de Lisle, and his circle of friends included many young writers of the day, such as Emile Verhaeren, Max Waller, Iwan Gilkin and Georges Rodenbach. It was not long before he abandoned his law degree and began studying painting under Xavier Mellery. It was in Paris at the Exposition Universelle of 1878 that he discovered the works of Gustave Moreau, John Everett Millais and Edward Burne-Jones, which were to have a decisive influence on his own artistic output. Khnopff made his artistic debut in 1881, at the Brussels Salon held by the group L'Essor. In 1883 he was a founding member of the Belgian avant-garde group Les XX and later also of La Libre Esthetique. He exhibited at the annual Salons of the Rose + Croix in Paris, at the exhibitions of the Vienna Secession, and also started to exhibit regularly in England. The Pre-Raphaelite painters Hunt, Watts, Rossetti, Ford Maddox Brown and Burne-Jones became friends. In 1895 he became a correspondent for the English periodical The Studio, whose Studio-Talk-Brussels column he edited until 1914; he also regularly contributed to the journal of the Vienna Secession, Ver Sacrum.

For Khnopff, the experience of an ideal work of art was a quasi mystical experience, which allowed one to escape the world through imagination. Typically, his paintings are highly enigmatic and have multiple layers of meaning. To achieve this, Khnopff would deliberately isolate the motifs that interested him within a composition, and rearrange them like props on a stage. By choosing and ordering fragments of images on the basis of highly personal analogies, he eliminated every reference to real space and time. Similarly to Odilon Redon (see lots 257-259) Khnopff wanted his works to be contemplated and perceived intuitively rather than analysed and fully understood. It is for this reason that he has often been referred to as a painter of the invisible. For Khnopff, the image was merely the physical expression of the philosophical objective he had set himself, namely to seek out 'ideal beauty'.

Khnopff found the personification of ideal female beauty embodied by his sister, Marguerite, and he depicted her numerous times (see lots 251, 254 and 256). His depictions of her often heighten her androgynous features. Indeed, androgyny is central to Khnopff's work and representative of his belief that women embodied the duality and ambiguity of the world.    

Khnopff very much saw himself as the genius artist who has to renounce the dangers of sensuality in order to fulfil his spiritual and artistic calling. This idea was widespread in symbolist circles at the turn of the century and found expression in the many depictions of Oedipus and the Sphinx (see lot 254). This self-imposed isolation is also expressed by one of Khnopff's maxims, 'My soul is alone and nothing influences it. It is like glass enclosed in silence, completely devoted to its interior spectacle' (quoted by Verhaeren in his memoirs), and is behind the introspective, meditative aspects of many of his works, notably his depictions of unattainable femmes fatales or saintly virgins, and especially works such as Avec Verhaeren. Un Ange, whose stillness is reminiscent of Baudelaire's poem Beauty:

I am fair, O mortals! like a dream carved in stone, 

And my breast where each finds death in turn

Is made to inspire in the poet a love 

As eternal and silent as matter.

On a throne in the sky, a mysterious sphinx, 

I join a heart of snow to the whiteness of swans; 

I hate movement for it displaces lines, 

And never do I weep and never do I laugh.

Poets, before my grandiose poses, 

Which I seem to assume from the proudest statues, 

Will consume their lives in austere study;

For I have, to enchant those submissive lovers,

Pure mirrors that make all things more beautiful:

My eyes, my large, wide eyes of eternal brightness!

(Charles Baudelaire, Flowers of Evil)

Executed circa 1909, the delicate colour harmonies of the present work illustrate the technical experimentation that continued to characterise Khnopff's work into maturity.

Mysticism and eroticism were two prevalent artistic themes at the turn of the century. Khnopff often portrayed women as sphinx-like creatures, mysterious figures harbouring untold secrets - at once vague and defined, aloof and sensual, fragile and powerful, soft and cruel.

According to Gisèle Ollinger-Zinque 'representations of women play a central role in Belgian Symbolism: the figure of Woman is seen as an embodiment of the duality and ambiguity of earthly existence. For Khnopff, Woman is by turns the angel, muse and friend who flies to Man's salvation. Yet she is also the depraved temptress, the femme fatale, the living symbol of Péladan's Le vice suprême. Angel or Demon, she is always alone, isolated from the world and unattainable. She speaks to no one and Love, the very symbol of communion, is denied her.' (Six symbolist works, Patrick Derom Gallery, Brussels, 2005, p. 23). 

Commenting on Femme Mysterieuse, Gisèle Ollinger-Zinque writes: 'This striking, idiosyncratic work, obsesses and is very intense. Around 1909, Khnopff executed a number of works which depict women covered in jewellery.... The faces of these women are enigmatic, their eyes are closed, and nothing can trouble the meditation of these inaccessible princesses of dreams.' (Fernand Khnopff,  Tokyo, Hymenia, Nagoya and Yamanashi, 1990, p. 169).

Traditionally, in the 'language' of flowers, cyclamen were a symbol of diffidence. In the nineteenth century flowers given by a man to a woman had a clear meaning. While red roses for example spoke of passion and love, the message of cyclamen was 'Votre beauté me désespère' (your beauty makes me despair). The cyclamen in the present work are thus representative of the woman's unattainablility.

The stasis of Khnopff's female protagonists is a reflection of their introspection and trance-like state. He believed that an abandonment of consciousness was at the source of dreams, and was fascinated with sleep and hypnotic states. Hypnotizing by its own distant dreaminess, the face of Femme mysterieuse is idealized and impenetrable, her closed eyes creating yet another barrier to deciphering her secret. https://www.facebook.com/photo/?fbid=10159308043252151&set=a.10151465215597151

the Bible Ephesians 4

Unity and Maturity in the Body of Christ

11 So Christ himself gave the apostles, the prophets, the evangelists, the pastors and teachers, 12 to equip his people for works of service, so that the body of Christ may be built up 13 until we all reach unity in the faith and in the knowledge of the Son of God and become mature, attaining to the whole measure of the fullness of Christ. 14 Then we will no longer be infants, tossed back and forth by the waves, and blown here and there by every wind of teaching and by the cunning and craftiness of people in their deceitful scheming 15 Instead, speaking the truth in love, we will grow to become in every respect the mature body of him who is the head, that is, #Christ. 16 From him the whole body, joined and held together by every supporting #ligament, grows and builds itself up in love, as each part does its work.

https://www.biblegateway.com/passage/?search=Ephesians%204&version=NIV

from Hillsong Church Sunday worship internet streaming service 

Mighty to Save - Hillsong Worship https://youtu.be/GEAcs2B-kNc

#Desree #Life #Vevo Des'ree - Life (Official Video) https://youtu.be/BKtrWU4zaaI

MGH Institute NLN Education Summit “Healthy Planet, Healthy People: Leading the Way Through Education, Practice, and Policy”, Teaching for Clinical Reasoning and Rapid Clinical Decision Making: Keys to Developing Expertise in Practice, Center for the Environment and Health, Speech and Language Literacy Lab, MGH Institute Department of Communication Sciences and Disorders

MGH Institute

@MGHInstitute

·

Sep 30

This year's 

@NLNSummit

 theme is, "Healthy Planet, Healthy People: Leading the Way Through Education, Practice, & Policy." Members of The Ctr. for Climate Change, Climate Justice, & Health look forward to presenting at today's #NLNSUMMIT22 Professor Rounds. https://twitter.com/MGHInstitute/status/1575834098572075008

LAS VEGAS September 28-30 Healthy Planet, Healthy People: Leading the Way Through Education, Practice, and Policy https://summit.nln.org

National Faculty Meeting

Patricia Benner, R.N., Ph.D., FAAN - University of California School of Nursing 

Teaching for Clinical Reasoning and Rapid Clinical Decision Making: Keys to Developing Expertise in Practice

https://summit.nln.org/speakers

Center for the Environment and Health

https://www.massgeneral.org/environment-and-health

Speech and Language Literacy Lab https://www.facebook.com/sailliteracylab

https://www.mghihp.edu/research/speech-and-language-literacy-sail-lab?fbclid=IwAR1WUr2cSaIWdw-TyfAo0A7X6_5z-zrfzgegD0cx1csTc1GlxCR8388zT7g MGH Institute Department of Communication Sciences and Disorders https://www.facebook.com/MGHInstituteCSD https://www.mghihp.edu/academics/communication-sciences-and-disorders-home?fbclid=IwAR149HBYSBRYAlETO4MSOxWNcv079OlnteWC0TxM9oS7EKqmndEh6fBVZDk Poets.org The Academy of American Poets Fishmonger - Marsden Hartley (American, 1877–1943) ‘I sit on the bank of the stream and watch, The grasses in amazement’, Marsden Hartley, Abstraction, 1914, Museum of Fine Arts, Houston., An October Garden - Christina Rossetti (English, 1830-94) ‘That least and last which cold winds balk; A rose it is though least and last of all, A rose to me though at the fall.’

Poets.org

@POETSorg

From all these I have made a fish of heaven for you,

Set it swimming on a young October sky.

—Marsden Hartley

https://twitter.com/POETSorg/status/1576995503635664903 Fishmonger

Marsden Hartley (American, 1877–1943) 

I have taken scales from off

The cheeks of the moon.

I have made fins from bluejays’ wings,

I have made eyes from damsons in the shadow.

I have taken flushes from the peachlips in the sun.

From all these I have made a fish of heaven for you,

Set it swimming on a young October sky.

I sit on the bank of the stream and watch

The grasses in amazement

As they turn to ashy gold.

Are the fishes from the rainbow

Still beautiful to you,

For whom they are made,

For whom I have set them,

Swimming? https://poets.org/poem/fishmonger?fbclid=IwAR0oy1VtB9SBj0ayiSjaVkzGa9hfvi7Xei-k8x4d_LWkn2c9CUopcPDMC1M https://soundcloud.com/poets-org/fishmonger-pad-2319?utm_source=clipboard&utm_campaign=wtshare&utm_medium=widget&utm_content=https%253A%252F%252Fsoundcloud.com%252Fpoets-org%252Ffishmonger-pad-2319 Marsden Hartley (January 4, 1877 – September 2, 1943) was an American Modernist painter, poet, and essayist. Hartley developed his painting abilities by observing Cubist artists in Paris and Berlin. https://en.wikipedia.org/wiki/Marsden_Hartley

Marsden Hartley (American, 1877–1943), Portrait of a German Officer, 1914, oil on canvas, 173.4 x 105.1 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. https://en.wikipedia.org/wiki/Marsden_Hartley#/media/File:Portrait_of_a_German_Officer,_Marsden_Hartley.jpg

Marsden Hartley (American, 1877–1943), Abstraction, ca. 1914, Museum of Fine Arts, Houston. https://en.wikipedia.org/wiki/Marsden_Hartley#/media/File:Marsden_Hartley_-_Abstraction_-_Google_Art_Project.jpg

The Academy of American Poets 

In my Autumn garden I was fain

     To mourn among my scattered roses;

     Alas for that last rosebud which uncloses

—Christina Rossetti

https://poets.org/poem/october-garden?fbclid=IwAR3kSu15QOVi-dnhrGGv4yPA0XVW63orblH8YBWlZ5stuqf-reOGjSDu1gk

An October Garden

Christina Rossetti - 1830-1894

In my Autumn garden I was fain      To mourn among my scattered roses;      Alas for that last rosebud which uncloses To Autumn’s languid sun and rain When all the world is on the wane!      Which has not felt the sweet constraint of June,      Nor heard the nightingale in tune. Broad-faced asters by my garden walk,      You are but coarse compared with roses:      More choice, more dear that rosebud which uncloses, Faint-scented, pinched, upon its stalk, That least and last which cold winds balk;      A rose it is though least and last of all,      A rose to me though at the fall.

https://poets.org/poem/october-garden?fbclid=IwAR3kSu15QOVi-dnhrGGv4yPA0XVW63orblH8YBWlZ5stuqf-reOGjSDu1gk

Christina Georgina Rossetti (5 December 1830 – 29 December 1894) was an English writer of romantic, devotional and children's poems, including "Goblin Market" and "Remember". She also wrote the words of two Christmas carols well known in Britain: "In the Bleak Midwinter", later set by Gustav Holst, Katherine Kennicott Davis, and Harold Darke, and "Love Came Down at Christmas", also set by Darke and other composers. She was a sister of the artist and poet Dante Gabriel Rossetti and features in several of his paintings.

https://en.wikipedia.org/wiki/Christina_Rossetti

El Greco (Candia, Crete, 1541-Toledo, 07/04/1614), The Annunciation, 1596-1600, Oil on canvas, 113,8x65,4cm, Museo de Bellas Artes de Bilbao. https://bilbaomuseoa.eus/en/artworks/the-annunciation-69-116/ https://commons.wikimedia.org/wiki/File:El_Greco_-_Anunciación,_1597-1600_(Bilbao).jpg

Museo de Bellas Artes de Bilbao

Museo BBAA Bilbao

@bilbaomuseoa https://twitter.com/bilbaomuseoa/status/1576956322129772545 The Annunciation was a subject that he represented on numerous occasions.

This version, dated between 1596 and 1600, was painted for the altarpiece of the Church of the Incarnation of the Colegio de doña María de Aragón in Madrid. https://twitter.com/bilbaomuseoa/status/1576956328051847168

Museo de Bellas Artes de Bilbao 

Can you guess who is the author of this announcement?

He was born in Candia, capital of the island of Crete, 481 years ago. Below are some clues about his life and work:

 He worked in Venice and then Rome, where he was protected by Cardinal Alejandro Farnesio.

 Attracted by the large decorative sets of El Escorial, it moved to Spain in 1577 and settled permanently in Toledo.

 The Announcement was an issue he represented on numerous occasions.

 This version, dated between 1596 and 1600, was painted for the altar of the Church of the Incarnation of the College of Dona Mary of Aragon in Madrid.

 Like the one from Museo Nacional del Prado , this is a reduced version of the large canvas preserved at the Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Do you have the answer yet?

https://www.facebook.com/bilbaomuseoa/photos/a.779909058739710/5615923575138210/

Schoenberg Institute for Manuscript Studies Manuscript Monday: Ms. Codex 1645 – Technical treatise on the painting of miniatures, Includes information on the reduction of images and mixes of pigments for landscapes, skies, varieties of flowers, skin, faces, drapery, and jewels.

Schoenberg Institute for Manuscript Studies

@sims_mss

Manuscript Monday: Ms. Codex 1645 – Technical treatise on the painting of miniatures

https://twitter.com/sims_mss/status/1576974993434595329

https://schoenberginstitute.org/2022/10/03/manuscript-monday-ms-codex-1645-technical-treatise-on-the-painting-of-miniatures/ Manuscript Monday: Ms. Codex 1645 – Technical treatise on the painting of miniatures

Dot Porter, Curator, Digital Research Services at the University of Pennsylvania Library, offers a video orientation to Ms. Codex 1645, an 18th-century copy of a technical treatise on the painting of miniatures, in print from 1673. Includes information on the reduction of images and mixes of pigments for landscapes, skies, varieties of flowers, skin, faces, drapery, and jewels. Slightly more than half the manuscript (through p. 138) closely matches early printed editions; the remainder of the text presents material from other sources, including preparations and uses of gold leaf, varnish, lacquer, and gold and silver inks, and instructions for marbling paper and tinting parchment. It was written in Nancy, France, in 1744.

You can read the complete record for this document (and find links to digitized copies) on Franklin. You can also download a copy of this video from ScholarlyCommons, the University of Pennsylvania’s open access institutional repository.

https://schoenberginstitute.org/2022/10/03/manuscript-monday-ms-codex-1645-technical-treatise-on-the-painting-of-miniatures/

UNIVERSITY OF PENNSYLVANIA

Penn Library's Ms. Codex 1645 - Technical treatise on the painting of miniatures (Video Orientation)

https://youtu.be/kqibmtZWYYo

38 views Mar 29, 2022

SchoenbergInstitute

1.11K subscribers

The Estée Lauder Companies #ClimateWeekNYC Climate Group on the global effort to address climate change, The Estée Lauder Companies (ELC) has been a leading supporter of Climate Week NYC over the past six years. 

The Estée Lauder Companies

@elcompanies

·

Sep 21

During #ClimateWeekNYC Opening Ceremony, 

@ClimateGroup

 sat down with ELC’s Nancy Mahon to discuss how we aim to meaningfully contribute to the global effort to address climate change. 

Click here to learn how we’re #GettingItDone 

https://twitter.com/elcompanies/status/1572284466361663488

https://www.climateweeknyc.org/news/qa-headline-partner-estee-lauder-companies

Q&A with Headline Partner The Estée Lauder Companies

19th September 2022 Nancy Mahon, Senior Vice President, Global Corporate Citizenship & Sustainability at The Estée Lauder Companies 6 min read

Intro from Helen Clarkson, CEO, Climate Group:

The Estée Lauder Companies (ELC) has been a leading supporter of Climate Week NYC over the past six years. Throughout their involvement, the company has joined together with leaders to convene on key issues related to what the broader beauty industry and global stakeholders must do to help address climate change. In particular, ELC has actively built relationships out of Climate Week events in an effort to collaboratively make the progress this moment demands. This year is no different and we’re grateful to have such a meaningful and engaged partner return as Headline Partner.

Climate Group’s key themes this year are accountability, justice and urgency. ELC has done great work in all of these areas, most recently becoming the first beauty company to join our EV100 initiative last month when they announced their plans to electrify their corporate vehicle fleet by 2030; we’re delighted that ELC will be able to celebrate the five-year anniversary of EV100 this week.

The Opening Ceremony launches Climate Week NYC each year. This is a chance for heads of state, government officials, CEOs and civil society leaders, to share their global outlook on climate change and action. This year, as our Headline Partner, ELC has played a key role in the Opening Ceremony of Climate Week NYC and will join us in The Hub Live to share why they are laser-focused on reducing Scope 3 emissions by working with peers to innovate new solutions.

After the Opening Ceremony, Helen had a chance to sit down one-on-one with ELC’s Nancy Mahon, Senior Vice President, Global Corporate Citizenship & Sustainability, to talk about why the global prestige beauty company is staying humble about what they, and the broader beauty industry, must do to help address and accelerate corporate climate action. They discuss why showing up to the conversation is motivating the company to work harder and faster to make the progress that’s needed to “Get It Done.”

https://www.climateweeknyc.org/news/qa-headline-partner-estee-lauder-companies

[ferrerocubo]

MEHRETU, JULIE

Nació en 1970 en Etiopía.

IMAGEN 1 - Stadia II, 2004, Ink and acrylic on canvas, 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 in, 272.73 × 355.92 × 5.71 cm

IMAGEN 2 - Epigraph, Damascus, 2016, 6 panels; Photogravure, sugar lift aquatint, spit bite aquatint, open bite Hahnemühle Bütten 350 gr., 97 3/5 × 226 × 2 in, 248 × 574 × 5 cm, Edition 3/16 + 2AP

IMAGEN 3 - Untitled (Court), 1998, Ink and oil on Mylar and vellum, 24 × 18 in, 61 × 45.7 cm

IMAGEN 4 - Easy Dark, 2007, Offset Lithograph, 55 × 35 1/4 in, 139.7 × 89.5 cm

IMAGEN 5 - Entropia (review), 2004, 32-color lithograph and screenprint, 33 1/2 × 44 in, 85.1 × 111.8 cm, Edition of 45

https://www.mariangoodman.com/artists/51-julie-mehretu/

[ancientoriginses]

Una bailarina con casco de cocodrilo removible de México. Cultura: Cultura Colima, 300 a.C.-300 d.C. Ahora en exhibición en el Museo de Bellas Artes de Houston.⁣

[hadi628]

𝐕𝐀𝐍 𝐆𝐎𝐆𝐇: 𝐓𝐡𝐞 𝐈𝐦𝐦𝐞𝐫𝐬𝐢𝐯𝐞 𝐄𝐱𝐩𝐞𝐫𝐢𝐞𝐧𝐜𝐞

If you followed our visit to the Van Gogh Museum in Amsterdam, you could pretty much say that my wife and I are big fans of the magnificent Van Gogh. When the Van Gogh: The Immersive Experience and the Immersive Van Gogh Exhibit Houston was making their way to Houston this summer, you can imagine how thrilled we were.

Not just one, but there are two Van Gogh exhibits going on in Houston. What? You may ask. Yes, it was confusing at first over which one to get tickets to or what are the differences between them. But no matter what, we have to see any one of them. After a bit of research, I found out that both exhibits are similar but have different sponsors. I booked our tickets online. Van Gogh: The Immersive Experience was still open and sold through events App Fever with limited tickets availability. The other exhibit is created by Massimiliano Siccardi and was booked up. I splurged and booked the VIP seats. I told myself that this is only once in a lifetime experience and for the love of Van Gogh, why not? The exhibit is scheduled to run through January 2022. I suggest booking a few months in advance if it comes to your city, so you could pick the dates you want.

The exhibit highlights Van Gogh’s paintings in a unique way, bringing the famous works to life from floor to ceiling with different elements of color, sound, and light using projectors, animations and more. It would take audiences on an emotional journey that would explore the artist’s art and life in a stream-of-consciousness narrative. The exhibit is around 60 minutes long and runs on a continuous loop. Guests can stay for multiple viewings.

Chilling with Van Gogh on a starry night. It was such a cool exhibit. It reminded us to be creative. It was inspiring.

The exhibition is on Marq’E Entertainment Center, a massive entertainment complex in Houston. A 20,000 square foot light and sound spectacular featuring two-story projections of the artist’s most compelling works in 360 degrees.

We were surrounded with the swirling sensation of Van Gogh's famous paintings. It was truly an immersive experience where you feel like you were traveling inside the paintings of one of the planet's best known and most celebrated artists. Even if you’ve seen Van Gogh’s paintings in person, you’ve never seen them brought to life in this extraordinary way.

Visiting Van Gogh's bedroom: While he was in Arles, Van Gogh made this painting of his bedroom in the Yellow House in 1889. He prepared the room himself with simple furniture and with his own work on the walls.

The Immersive Experience was the only exhibit of the two in Houston offering the VR ( Virtual Reality ) element. It is one of a kind VR interactive, which guides you on a ten-minute journey through “A day in the life of the Artist.” Walk alongside Van Gogh during this peaceful, visually rich journey to discover the inspiration behind eight of his iconic works, including: Vincent’s Bedroom at Arles, and Starry Night Over The Rhone River. I was in awe. It was realistic!

The exhibit is a beautiful homage to the great artist and the legacy he left behind. Van Gogh's art still resonates and connects with audiences across the world today. The exhibit is highly recommended. Book your tickets here. It is Covid secure and safe.

Click on links below to read more:

𝕋he Van Gogh Museum Amsterdam

The Victoria and Albert Museum, London

Museo Nacional de Antropología

Palacio De Bellas Artes

[bitacoradeclase2203039198]

𝐍𝐞𝐨𝐜𝐥𝐚𝐬𝐢𝐜𝐢𝐬𝐦𝐨 𝐞𝐧 𝐩𝐢𝐧𝐭𝐮𝐫𝐚

Este período tiene sus inicios a mediados del siglo XVIII y abarcó hasta el XIX. Se caracteriza por el deseo de revivir la Antigüedad Clásica, recurriendo, en ocasiones, a temas exóticos y ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja.

La corriente neoclásica pretendió una "revolución" estética y filosófica en contra de la tradición artística anterior: el barroco, considerado excesivo, confuso y recargado, relacionándose al fanatismo religioso.

Después de tanta pasión desbordada y ornamentos prescindibles, la claridad y la sencillez vuelven a estar de moda.

La llegada de la Ilustración en 1715 dió apertura al movimiento neoclásico, pues esta defendía la razón, el conocimiento y la secularización con el fin de abolir el dogmatismo y fomentar el progreso.

Jacques-Louis David (1748 - 1825) ; El rapto de las Sabinas, 1799 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 385 x 522 cm Museo del Louvre, París, Francia ; https://es.wikipedia.org/wiki/El_rapto_de_las_sabinas_(cuadro_de_Jacques-Louis_David)#/media/Archivo:F0440_Louvre_JL_David_Sabines_INV3691_rwk.jpg

Los neoclacisistas ven en la Antigüedad Clásica una idealización moral del pasado grecolatino, tomando su modelo como universal.

El racionalismo en la composición estética (la representación organizada y metódica) se convierte en canon. En este sentido, el Neoclasicismo representa la aspiración a un orden regido por la razón, en contraste al Romanticismo, el cual busca representar las ideas burguesas de libertad bajo un dominio de sentimiento individual.

La temática de esta pintura de Angelica Kauffman es el abandono de Ariadna, princesa cretense hija de Minos y Pasífae, por Teseo. Este, tras haber escapado del laberinto del Minotauro en Creta, rescata a la princesa que, a su vez, se enamora de Teseo. Después regresa a Atenas, dejando a Ariadna dormida en la isla. Al despertar, llora desconsoladamente.

Angelica Kauffmann (1741 - 1807) ; Ariadna abandonada por Teseo, 1774 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: desconocido Museo de Bellas Artes, Houston Texas, EE.UU. ; https://es.wikipedia.org/wiki/Ariadna_abandonada_por_Teseo#/media/Archivo:Angelica_Kauffmann,_Ariadne_Abandoned_by_Theseus,_1774.jpg

Los temas que se buscaba representar eran austeros y eruditos, con fines moralizantes: alegorías e historias que transmitían valores ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo.

Jacques-Louis David —pintor por excelencia de este período— representa en La muerte de Sócrates la trágica escena para sus alumnos al presenciar los últimos momentos de su maestro. Cuenta la historia:

En el 399 a. C., el filósofo griego Sócrates fue llevado a juicio por la ciudad de Atenas tras ser acusado de pervertir la mente de sus jóvenes discípulos y alejarlos de los dioses. Pudiendo elegir entre renegar de sus ideas o ser condenado a muerte, eligió la segunda opción. Se le fue obligado, entonces, a suicidarse ingiriendo cicuta.

Según ciertas interpretaciones, David muestra una crítica al régimen autoritario que Francia vivía en la década de 1780; envía al pueblo el mensaje necesario para la revolución que se avecina: el protagonista del cuadro está por morir tras defender sus ideales.

Jacques-Louis David ; La muerte de Sócrates, 1787 Técnica: óleo sobre lienzo ; Dimensiones: 129.5 x 196.2 cm Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, EE.UU. ; https://es.wikipedia.org/wiki/La_muerte_de_S%C3%B3crates#/media/Archivo:Jacques-Louis_David_-_The_Death_of_Socrates_-_Google_Art_Project.jpg

Referencias:

García, A. (2021, 9 septiembre). La muerte de Sócrates - Jaques-Louis David. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/la-muerte-de-socrates

Imaginario, A. (2020, 30 noviembre). Neoclasicismo: características, origen, contexto, autores y artistas más representativos. Recuperado de https://www.culturagenial.com/es/neoclasicismo/

Colaboradores de Wikipedia. (2021, 11 febrero). Pintura neoclásica. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_neocl%C3%A1sica#Tema

Calvo, M. (2015, enero 21). Neoclasicismo. Recuperado de https://historia-arte.com/movimientos/neoclasicismo

Colaboradores de Wikipedia. (2020, 7 junio). Ariadna abandonada por Teseo. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/Ariadna_abandonada_por_Teseo

[dcamanes]

¿Por qué no han existido grandes mujeres historiadoras?

(Publicado en el suplemento cultural Encuentros de Diari de Tarragona, el 27 de Febrero de 2021)

Tomando como referencia el emblemático ensayo de Linda Nochlin reflexionamos sobre la labor de las historiadoras del arte 

A finales del año pasado nos dejaron dos grandes historiadoras. En noviembre falleció Jan Morris a los 94 años, periodista, historiadora, viajera y novelista que en 1953 dio en exclusiva la noticia de la conquista de la cima del Everest por Hillary y Tenzing, también cubrió el juicio a Eichmann, entrevistó al Che Guevara y visitó Hiroshima después del bombardeo para escribir sobre ello con el talento excepcional que la caracterizó. En sus memorias, tituladas “El Enigma”, además de todas sus aventuras en Oriente Medio o Sudáfrica, nos habla de su experiencia más transformadora. Jan, que nació en 1926 bajo el nombre de James Humphrey Morris, relató en su biografía su proceso de reasignación y su extraordinaria historia de amor con su mujer Elisabeth con una sensibilidad pasmosa. Ella bromeaba, “me recordarán solo por haber sido una historiadora trans”.

 El día de Navidad nos dejó Barbara Rose a los 84 años. En 1965 Rose publicó “ABC Art” un ensayo que describe el colapso total de los valores que habían sostenido hasta entonces el Expresionismo Abstracto, y que sienta las bases del nuevo paradigma que supondrá el arte  minimalista. Se convirtió desde entonces en una influyente historiadora y crítica, fue editora de arte para Vogue y Art in America, escribió numerosas monografías y libros de referencia, y en 1983 fue comisaria de la primera retrospectiva dedicada a la artista Lee Krasner en el Museo de Bellas Artes de Houston y en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.

 Rose y Morris destacaron en una disciplina tradicionalmente reservada a los hombres. La historia era un club de caballeros donde las mujeres apenas tenían representación.

La historiadora Linda Nochlin se preguntó en su icónico ensayo de 1971 “¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas?”, un texto fundador de la historia del arte feminista que cuestionó la noción de genio (dirigida solo hacia hombres blancos), denunció la imagen empobrecida de la mujer en las artes y se enfrentó al canon masculino dictado por las instituciones. Nochlin apuntó: "En el campo de la historia del arte, el punto de vista del hombre blanco occidental, inconscientemente aceptado como EL punto de vista del historiador de arte, resulta inadecuado no solo por razones morales o éticas, o porque sea elitista, sino en su sentido puramente intelectual". Así que, parafraseando a esta sobresaliente historiadora si nos preguntamos ¿por qué no han existido grandes mujeres historiadoras? obtendremos la misma respuesta.

Linda Nochlin forma parte de un reducido grupo de mujeres intelectuales que denunciaron la desigualdad de condiciones de las mujeres artistas e inauguraron la llamada historia del arte con perspectiva de género, desafiando de manera intrínseca el propio canon de la disciplina artística en la que inscribían sus trabajos.

Desde entonces se han publicado estudios y libros de texto magistrales, desde “La carrera de obstáculos: la suerte de las mujeres pintoras y su obra”(1979) de Germaine Greer, donde intenta responder a Nochlin en una brillante investigación académica en la que defendía a artistas como Artemisia Gentileschi y Sofonisba Anguissola, o “Mujeres Antiguas: Mujeres, arte e ideología” (1991) de Griselda Pollock y Rozika Parker, que, partiendo de contribuciones hechas por historiadoras, es crítico con el enfoque de sus predecesoras y con el marco limitador de la historia del arte convencional.

Debates que continuaron enriqueciendo y diversificando la disciplina histórica, gracias también a nombres como Kellie Jones y Déborah Willis, historiadoras que han influido en la inclusión de muchos artistas negros, afroamericanos y de la diáspora africana que han sido ignorados en las conversaciones sobre arte, o Nada Shabout, presidenta de la Asociación de Arte Moderno y Contemporáneo del Mundo Árabe, Irán y Turquía, cuyo trabajo se basa en aumentar la visibilidad del arte de comunidades que pasan desapercibidas en el mundo del arte contemporáneo.

 Los datos de igualdad siguen siendo escandalosos. Un 60,8% de mujeres estudian grados de Arte y Humanidades y un 53,9% doctorados de las mismas disciplinas (según el informe Igualdad en Cifras 2020, del Ministerio de Educación), pero seguimos sin ver suficientes mujeres en puestos directivos, medios o altas esferas de la academia.

En España asociaciones fundamentales como Mujeres en las Artes Visuales (MAV), que aúna una base social de historiadoras, investigadoras, artistas, comisarias, gestoras culturales, docentes y periodistas entre otras, hacen una labor extraordinaria no solo en la promoción de la igualdad efectiva dentro del sector, sino también en la visibilización de la labor de las mujeres como activistas culturales.

 No obstante, en la actualidad la divulgación de la historia del arte y el perfil de sus profesionales se ha diversificado y amoldado a los nuevos canales de comunicación, y así lo constatan podcasts tan reconocidos como “Bow Down: Women in Art”, creado por Jennifer Higgie, la editora jefa de Frieze, la revista especializada en arte contemporáneo, que cuenta con colaboradoras como Olivia Laing, Laura Mulvey o la misma Griselda Pollock. Así como el podcast e Instagram de la historiadora y crítica Katy Hessel “The Great Women Artist”.

En el ámbito nacional cabe destacar la importante labor de la artista visual Diana Larrea, con su proyecto “Tal día como hoy”, donde a través de sus redes sociales, publica periódicamente información sobre una artista plástica de diferentes épocas aprovechando la efeméride de su nacimiento o fallecimiento para dar a conocer su obra. También la plataforma PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo) vinculada a la asociación de Mujeres en las Artes Visuales, ha lanzado “Woman Art House”, un proyecto fundado en 2017 por Sara Torres Sifón y Emma Trinidad, donde historiadoras y otras profesionales del sector cultural reivindican el papel de las mujeres en el arte.

En el plano más mediático, la historiadora del arte Sara Rubayo, conocida también como La Gata Verde, utiliza el lenguaje youtuber para, desde su canal y sus diferentes redes sociales, dar pequeñas clases magistrales sobre historia del arte desde una perspectiva de género con un tono más pop y desenfadado.

 Si nos preguntamos (como las Guerrilla Girls se preguntaron ¿dónde están las mujeres en los museos?) dónde están las historiadoras, podríamos decir que están en la academia, pero también en los medios de comunicación, en Youtube y en las redes sociales, haciendo que esta disciplina sea cada vez menos un “Club de Caballeros”.

[howmanyartists]

James Turrell

James Turrell es un artista estadounidense preocupado principalmente por la luz y el espacio. Turrell fue miembro de MacArthur en 1984. Fecha de nacimiento: 6 de mayo de 1943 (edad 76 años), Pasadena, California, Estados Unidos En exhibición: Museo de Bellas Artes de Houston Períodos: Arte contemporáneo, Land Art, Light and Space Conocido por: Instalación Cónyuge: Kyung-Lim Lee Premios: Becas MacArthur, Beca Guggenheim en Artes Creativas, Estados Unidos y Canadá, Wolf Prize in Sculpture Educación: Claremont Graduate University (1973), Pomona College (1965), Universidad de California en Irvine

[mujeresartistaseag-blog]

MUJERES ARTISTAS DEL NEOCLASICISMO, ROMANTICISMO Y REALISMO

INTRODUCCIÓN

Muchas vivieron tuteladas por una figura masculina, vivieron confinadas, algunas se rebelaron contra el orden establecido, otras gozaron del éxito y reconocimiento de sus contemporáneos. Pero a pesar de todo la historia las olvidó.

Siempre las hemos estudiado de forma marginal. Sin embargo la mujer como objeto, ha sido representada en todas las manifestaciones artísticas pródigamente en todas las épocas. No podían pintar del natural, pero desnudas estaban en todos los museos. Toda esta situación empezó a cambiar hacia 1970, gracias a una activa historiografía feminista. Se ha ocupado de buscar documentación al respecto, datos fiables, que han obligado a rectificar muchas autorías.

Las revoluciones y los cambios que se sucedieron durante el  siglo XVIII, propiciaron avances en la enseñanza. Hubo artistas que se convirtieron en profesoras como la pintora Adélaïde Labille-Guiard. Pero las mujeres seguían teniendo problemas para poder acceder a las Academias. Y las que lo hacían se les imponían restricciones, no podían acudir a las clases de desnudo. En este caso se vieron las artistas Angelica Kauffmann y Elisabeth Louis Vigée-Lebrun. Con lo cual su formación se mermaba en relación con sus compañeros masculinos, ya que ellas no podían tener conocimiento sobre la anatomía humana. Por eso cultivaban géneros llamados menores, como el paisaje, retrato, bodegones, no pudiendo acceder a los Salones o concursos. Tampoco podían realizar viajes para complementar su formación, una mujer sola no podía hacer nada.

Las mujeres artistas son muy numerosas en el siglo XIX, consiguen más derechos sociales y laborales. Siguen los mismos problemas para acceder a las Academias, pero aparecen sociedades más liberales en las que las mujeres participan, también asociaciones de mujeres artistas, que se crean para defender sus derechos. Cada vez más mujeres artistas tienen su propio taller. Acceden a las Escuelas de Bellas Artes en la segunda mitad del siglo, con la inscripción más cara para ellas, y la prohibición de pintar del natural.

NEOCLASICISMO

El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.

En las artes plásticas, el movimiento comenzó después del año 1765, como una reacción a los estilos Barroco y Rococó. Estos estilos se percibían como agotados y la solución pasaba bien por crear un estilo enteramente nuevo, bien por recrear el estilo de una época que, por considerarse la más cercana al ideal, se reputaba como «clásica»

Angelica Kauffmann

Esta pintora formada en las artes desde bien joven, fue una artista pragmática dotada de una gran habilidad para la composición y de una disciplina que le granjeó un nombre en la Inglaterra del siglo XVIII. Sus obras fueron reconocidas como “alegres” y se dijo de ella que las figuras masculinas eran, más bien, mujeres masculinizadas, lo cual es gracioso porque, ahora que lo decimos, casi todos los hombres pintores tuvieron el mismo defecto a la inversa hasta bien entrado el siglo XIX. En fin, aunque pasó toda su vida pintando, lo cierto es que solo algunas obras llegaron al gran público. Es el caso de Anna Von Escher Van Muralt, pintura que se puede disfrutar en el Museo del Prado (1800) o Ariadna abandonada por Teseo que se puede ver en el Museo de Bellas Artes de Houston (esta es algo anterior, del año 1774). También se merece una mención su Venus convence a Helena de ir con Paris (1790)

Madame Lebrun

Madame Lebrun siempre supo que quería ser pintora.  Como sucede con los pintores neoclásicos, no existen las causalidades y, a menudo, si se era mujer y se quería ser algo más que carne de matrimonio, se debía contar con un padre que no quisiera rodearse de mujeres, sino de artistas. Así fue como Vigée-Lebrun tuvo la oportunidad de alejarse del común destino de las damas de la clase aristócrata de finales del siglo XVIII.

No tardó en adquirir cierta fama y eso le granjeó la oportunidad de que otra mujer nada convencional le invitara a su hogar para que realizara algunos retratos de ella. Se trataba de la reina Maria Antonieta. Esta mujer tomó simpatía por la indómita Lebrun, quién terminó por hacer retratos de todos los miembros de la Familia Real. No fueron los únicos en ser plasmados en sus retratos. Otras grandes figuras de su tiempo como Catalina la Grande o Lord Byron quedarían inmortalizadas por la dama del retrato.

El reconocimiento que obtuvo en Francia le otorgó la oportunidad de unirse a las principales Academias del país y, de hecho, actualmente está considerada como la pintora más importante del siglo XVIII. La vida de esta artista que, a menudo, trató de ser boicoteada, no dejó de ser un reflejo de ella misma; una mujer independiente y libre a la que poco le importaron las agridulces circunstancias sociopolíticas de su época. Ella sobrevivió y solo en el momento de su muerte dejó de pintar.

Marie-Guillemine Benoist

Nacida como Marie-Guillemine de Laville-Leroux (París, 18 de diciembre de 1768 – 8 de octubre de 1826), pintora francesa de estilo neoclásico, cultivó la pintura histórica y de género.Inició su formación pictórica a los trece años con la artista de moda en la época, Élisabeth Vigée-Lebrun . Cinco años después habría de ser alumna, junto con una de sus hermanas, del pintor francés Jacques.Louis David, muy influyente en el estilo neoclásico.Maire-Guillemine expuso por primera vez en el Salón de París, con notable éxito, cuando tenía veintitrés años. La temática de su cuadro era de asunto mitológico Psique despidiéndose de su familia. En estos años Benoist sigue apostando por esta temática (como en La Inocencia entre el vicio y la virtud), aunque sin embargo va a insertar pequeños y sutiles cambios feministas en sus obras, como el hecho de aparecer, por ejemplo, el “vicio” en forma de varón y no de mujer como se venía representando tradicionalmente.Empieza a desprenderse de la influencia de David y se va a dedicar a la pintura de género. Su carrera es ya todo un éxito.

Adélaïde Labille-Guard

Adélaïde nació en París en 1749, siendo la menor de los ocho hijos de un próspero mercero, por lo que socialmente pertenecían a la burguesía acomodada. En la familia de Adélaide no había antecedentes de miembros que se hubieran dedicado a la pintura, pero muy joven, ella sintió esa inquietud.

Adélaide fue admitida en el taller de Grançoise-Elie Vicente, amigo de su familia, con el que aprendió las técnicas de la miniatura, y posteriormente, con su hijo Françoise-André, las del óleo. Sus primeras obras se expusieron en la Académie de Saint-Luc, y después en el Salón de la Correnpondance.

Cuando ya contaba con 35 años, Adélaide fue admitida como miembro de la Real Academia de Pintura y Escultura francesa al mismo tiempo que otras tres mujeres, entre las que se encontraba Elisabeth Vigée-LeBrun, aunque no sin la desconfianza y la protesta de algunos miembros masculinos de la academia.

Cuando sobrevino la Revolución Francesa en 1789, y debido a sus conexiones reales, Adélaide fue una persona políticamente sospechosa, por lo se le ordenó destruir algunas de sus obras realistas.

En 1795 obtuvo el alojamiento del artista en el Louvre y una nueva pensión de 2.000 libras. Adélaide continuó pintando y exhibiendo retratos en el Salón hasta 1800. Fallecería en París el 24 de abril de 1803.

La producción pictórica de Adélaide Labille-Guiard se centra en aspectos históricos, pero sobre todo abundaban más los retratos. En ellos son frecuentes la espontaneidad del modelo y el empleo de la luz.

Se considera que su obra maestra es “Autorretrato con dos alumnas” la cual expresa su esencia.

Pero su obra va más allá y se expone hoy día en los más afamados museos de arte del mundo como el Museo Getty, el Museo Metropolitano de Arte de Washington, Museo Nacional de Varsovia o el Louvre, entre otros.

ROMANTICISMO

Movimiento cultural que se originó en Alemania y en Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Es considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa completo de Europa. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, así como a la vida y al ser humano mismo, se presenta de manera distinta y particular en cada país, e incluso dentro de una misma nación se manifiestan distintas tendencias, proyectándose ello también en todas las artes.

Constance Mayer

Pintó retratos, escenas de género (se representan escenas cotidianas en interiores o exteriores), temas alegóricos y miniaturas durante más de veinte años. Como era frecuente en esa época, muchas de las obras de Constance Mayer fueron atribuidas a su compañero, maestro y amante Pierre-Paul Prud´hon.

Marie-Françoise-Constanza Mayer-La Martinière nació el 9 de marzo 1775 en la localidad francesa de Chauny. En su producción artística primaron las pinceladas suaves y las escenas sentimentales. Mayer comenzó a pintar retratos de mujeres y niños, escenas domésticas, autorretratos y miniaturas de su padre, alcanzando con ello un notable éxito que le llevó a exponer en los salones oficiales a partir de entonces. Pero Constance quería prepararse más y consiguió estudiar y trabajar con Jacques-Louise David en 1801, de quien adoptó un estilo directo y sencillo, y al año siguiente con Pierre-Paul Prud´hon, conocido en el mundo del arte por su talento para el dibujo y sus composiciones históricas particularmente complejas. Las obras de Mayer se vieron influenciadas por las enseñanzas y las pinturas de Prud´hon, pero la alumna, en poco tiempo, destacó y adelantó a su maestro, recibiendo sus cuadros mayor reconocimiento que los de él. En esta época, como en las anteriores, era frecuente que las obras de las artistas femeninas fueran atribuidas a otros artistas masculinos, bien sus padres, hermanos, esposos o amantes. Y así ocurrió también en el caso de Constance con Prud´hon. Muchas de sus obras se han atribuido erróneamente durante largo tiempo a su amante, principalmente, por la similitud de estilo en ambos artistas. Pero, poco a poco, Constance Mayer va recibiendo su reconocimiento y la atribución de sus obras.

Charlotte Nasmyth

Charlotte Nasmyth fue una pintora escocesa que nació en 1804. Miembro de una familia numerosa y talentosa, Charlotte fue la sexta hija del pintor de paisajes Alexander Nasmyth. Todas las chicas eran artistas talentosas, entrenadas para dibujar y pintar por su padre para que pudieran impartir clases de arte desde su hogar en Edimburgo y, eventualmente, mantenerse independientes. Charlotte pintó paisajes románticos que fueron ampliamente expuestos. Falleció en 1884.

La mayoría de sus obras son de la misma temática, el paisaje, y en ellos suele usar los mismos tonos. También pintó algún que otro retrato. Sus obras transmiten paz y tranquilidad, hacen conectar de alguna manera con la naturaleza. La retrata con delicadeza y pinceladas sueltas Muchas de sus obras est’an a la venta actualmente por un alto precio

Rosario Weiss

Durante años Rosario Weiss (Madrid, 1814 - 1843) convivió con Goya en la Quinta del Sordo. Se decía que era su hija, aunque no hay pruebas de ello. Sin embargo, cuando los padres de Weiss se separaron, la familia se trasladó a la casa del maestro zaragozano, donde Weiss recibió lecciones de dibujo. Al principio él trazaba y ella, siguiendo las líneas marcadas por el pintor, completaba los dibujos.

En 1824, Goya decidió trasladarse a Burdeos. La familia se unió a él algunos meses más tarde y allí Weiss prosiguió su formación. Fue entonces cuando aprendió la litografía, una disciplina que en España no era aún demasiado conocida. Se formó en la escuela de Lacour y con él su trazo, en la estela de Ingres, comenzó a ser mucho más preciso, limpio y ordenado. Asentada ya en España Rosario Weiss compaginó la copia de obras de grandes maestros como Goya, Velázquez, Tiziano, Rubens o Van Dyck con los dibujos a lápiz de escritores de la época como Espronceda, Zorrilla, Mesonero Romanos y Larra. En 1837 entró en el Liceo Artístico y Literario donde, copiaba del natural árboles, lagos, castillos y ruinas en un estilo idealizado que exponía después en el mismo Liceo. Un año más tarde, en 1840, Weiss ingresó como académica de mérito por la Pintura de Historia en la Real Academia de Bellas Artes de San. Sin embargo, los problemas de salud de Weiss fueron un obstáculo para continuar con su labor y marchó a Barcelona. Una vez recuperada volvió a Madrid pero una recaída hizo que Rosario Weiss muriera de cólera a los 28 años. No obstante, su corta trayectoria no fue impedimento para que los críticos del momento alabaran su técnica ni para que, a partir de 1837, viviera de su trabajo.

REALISMO

Realismo es un término que, además de utilizarse para denominar ciertos movimientos artísticos reactivos contra el romanticismo en literatura o pintura, originados en la Francia de mediados del siglo XIX, tiene una dimensión genérica que permite identificar un realismo artístico como una postura estética o de teoría del arte que identifica arte y realidad. Esta postura se plasma en diversas formas de representar la realidad o naturaleza de una manera imitativa, por lo que también se la denomina naturalismo. Como objetivo, la perspectiva realista es compartida en rasgos generales por toda clase de arte figurativo. En las artes plásticas puede cumplirse con muy distintos grados, desde las fronteras de la abstracción hasta el trampantojo.

Elin Danielson-Gambogi

Elin Kleopatra Danielson-Gambogi nació el 3 de septiembre de 1861, en Satakunta Noormarkku, Finlandia. Pintora academicista, muy cercana a los realistas franceses.

Dotada de una fuerte personalidad artística, fue una de las mejores, de entre todos los pintores realistas finlandeses de la segunda mitad del siglo XIX y primeras décadas del XX. Cuando contaba con once años, su padre se suicidó, eso además de las dificultades que pasó su madre para poder dar a ella y su hermana una buena educación, forjaron su carácter. Con quince años de edad, ingresó en la Escuela de Arte Finlandesa de Helsinki. El futuro económico era muy incierto y para ganarse la vida comenzó a trabajar haciendo diseños para decorar porcelanas, dos de sus jefes viendo su talento, la animaron a viajar a París, donde pronto entró en contacto con los realistas. Comenzó a asistir a la Academia Colarossi, tiempo en el que realizó sobre todo retratos y naturalezas muertas; fue una de las más aventajadas de todos los alumnos, Durante su etapa francesa viajó en varias ocasiones a Bretaña para pintar directamente de la naturaleza. Volvió a Finlandia donde se relacionó con la élite artística de su país y pronto fue admirada y reconocida por público y crítica, venciendo no con pocas dificultades los prejuicios de una sociedad muy machista como lo era la finlandesa en aquel momento.

Harriet Backer

Nació en Holmestrand, Noruega, el 21 de enero de 1845. Es una de las más importantes pintoras de su país y una de las mujeres pioneras en el arte de Europa. La fama le llegó gracias a sus escenas de interiores y paisajes de colores vivos, en ambos casos con un extraordinario dominio de la luz. Con doce años de edad se trasladó junto a su familia a Oslo, donde inicialmente asistió a clases de dibujo y pintura con Joachim Calmeyer. Posteriormente, en 1861, ingresó en la Escuela de Pintura Johan Fredrik Eckersberg. Posteriormente, de 1874 a 1878, vivió en Múnich. Viajó por Europa junto a su hermana, la pianista Agathe Backer-Grøndahl, para asentarse en París. En la capital francesa recibió clases de los grandes maestros realistas y academicistas Léon Bonnat y Jean-Léon Gérôme. Nunca perteneció a ninguna escuela, aunque sus pinturas son comparadas por diversos historiadores de arte con las de su amiga Eilif Peterssen; en conclusión trabajó dentro de los cánones del realismo tradicional, en el que ella se consideró así mismo como naturalista. Durante este tiempo fue influenciada por los impresionistas, dentro de sus esquemas realistas, sus telas cuentan con numerosos detalles del impresionismo. De 1889 a 1912, dirigió una escuela de arte, influenciando a varios artistas más jóvenes.

Amelie Beaury-Saurel

Nació y se crió en España. En 1895 se convirtió en maestra de la Académie Julian y tuvo que compaginar su trabajo con el de artista. Sus pinturas, caracterizadas por ser retratos, ganaron premios en las Exposiciones Universales de 1889 y 1900 y en el Salón de Blanco y Negro de 1891 en París. En las postrimerías de su carrera, Amélie Beaury-Saurel pintó un retrato de la activista feminista Séverine lo que indicaba que la pintora estaba muy vinculada a esta defensora de los derechos de la mujer. Pintar el retrato de Séverine le sirvió a Beaury-Saurel para reforzar su posición, ya que demostraba su relación con alguna de las figuras más destacadas de la época. Es una de las principales activistas feministas de las artes plásticas de finales de siglo XIX y dedicó muchos esfuerzos a apoyar la obra creativa de otras mujeres y a defender su derecho a una educación y una carrera profesional como pintora. También, después de la muerte de su marido, es ella quien se eleva a la dirección de la “Académie Julian”, convirtiéndose en una figura emblemática del acceso de las mujeres a puestos de responsabilidad en la sociedad. La elección de sus sujetos también denota una búsqueda de emancipación. Es una mujer muy generosa, ya que ella brinda la mayor parte de su vida a las necesidades de su hermana y su madre. Murió en París el 30 de mayo de 1924.

Elizabeth Nourse

Elizabeth Nourse (Mount Healthy, Ohio, 26 de octubre de 1859 – París, 8 de octubre de 1938) fue una pintora de retratos y paisajes de estilo realista. Trabajó también en pintura decorativa y en escultura. Fue descrita por sus contemporáneos como como «la primera pintora femenina de América» y «el decano de pintoras americanas en Francia además de una de las artistas más eminentes de su sexo». Nourse era la primera mujer estadounidense en ser admitida en la Société Nationale des Beaux-Arts. Tuvo el honor de contar con uno de sus cuadros comprados por el gobierno francés para la colección permanente del Museo de Luxemburgo. Su estilo estuvo descrito por el crítico de Los Ángeles Henry J. Seldis como «precursor de la pintura realista social» Algunos de sus trabajos están expuestos en el Museo de Arte de Cincinnati.

[zonaescena]

Considerado como uno de los grandes exponentes del arte flamenco en nuestro país, Ricardo Osorio, El Niño, estrena Santé * Tendrá funciones los sábados 6, 13, 20 y 27 de abril, a las 19:00 horas, en el Foro Contigo América, espacio ubicado en Arizona 156, Col. Nápoles

Ricardo Osorio, El Niño, es uno de los grandes exponentes del arte flamenco en nuestro país, y estrenará Santé (dicen que el vino es bueno para el corazón) en el Foro Contigo América. Se presentará los sábados 6, 13, 20 y 27 de abril, a las 19:00 horas, en el espacio ubicado en Arisona 156, Col. Nápoles (donativo sugerido: $ 150.00).

Santé es una obra que habla del amor, de la entrega, de lo que significa dejar atrás una vida, para ir detrás de lo que se ama profundamente. También habla del desamor, del abandono, de la pérdida. Y de la necesidad de superarlo todo, para recuperar todos los trozos rotos de uno mismo, y dejar atrás el dolor para abrirse de nuevo a la vida. Ricardo Osorio plasma en Santé su quehacer como coreógrafo e intérprete.  

En 2003, Ricardo Ososrio "El Niño" comenzó sus estudios de baile flamenco bajo la tutela del bailarín y coreógrafo Ricardo Rubio, complementando la disciplina con las clases de danza contemporánea y ballet en el Ballet Teatro del Espacio. Además, perfeccionó su arte en España con iconos de la danza española como Cristóbal Reyes, 'La Tati', María Juncal, Merche Esmeralda, Rafael Campallo, Javier la Torre, Manuel Liñán, Marco Flores y Alfonso Losa.

En 2005, comenzó su trabajo como maestro en el Centro Cultural Los Talleres y, al año siguiente, abrió su propio estudio en la Ciudad de México, en el Estudio Córdoba, donde actualmente enseña. En 2007, se estrenó como solista y director en “Mi Manera”, seguido por "Tu mirada" (2008), "Mi casa vieja" (2009), “Del Pensamiento” (2010), “La Fábrica de Razones” (2012) y su producción actual “Santé [dicen que el vino es bueno para el corazón] ["dicen que el vino es bueno para el corazón”.

"El Niño" ha actuado en óperas prominentes como Carmen, Goya y La Vida Breve y ha aparecido en espectáculos de flamenco como “Llanto” y “Acoplados”, bajo la dirección y coreografía de renombrado bailarín de flamenco Malagueño Paco Mora.

"El Niño" ha bailado en reconocidos teatros y foros en varias ciudades y festivales en México y en el extranjero, incluyendo el Palacio de Bellas Artes, el Teatro de laq Ciudad Esperanza Iris, la Ópera Española Temporada en Toronto y Waterloo, Canadá, el Festival Internacional de Flamenco de Vancouver, el Centro Nacional de las Artes y el Museo Canadiense de la Civilización en Ottawa, Canadá. También ha actuado en varios lugares en Houston, Nueva York y en diferentes estados de México, incluyendo Querétaro, Morelos, Michoacán, Sinaloa, Quintana Roo, Campeche, Veracruz, Puebla, Jalisco, Baja California Norte, Tamaulipas e Hidalgo.

[andreslazoarcu3121]

REFERENCIAS GEHRY/MONEO: ESTRATEGIAS COMPOSITIVAS DE LO ANTIMODERNO Y DE LO INFORME EL GUGGENHEIM VS EL KURSAAL 2: SURFACING, ORDERING, AUTHORSHIP

Frank Gehry es un arquitecto y diseñador estadounidense nacido en Canadá. Varios de sus edificios, incluida su residencia privada en Santa Mónica, California, se han convertido en atracciones de renombre mundial.

Reaccionando, como muchos de sus contemporáneos, contra los edificios modernistas fríos y, a menudo, formulados que salpicaban muchos paisajes urbanos, Gehry comenzó a experimentar con recursos expresivos inusuales y a buscar un vocabulario personal. En sus primeros trabajos, construyó estructuras únicas y extravagantes que enfatizaban la escala humana y la integridad contextual. Estos experimentos quizás estén mejor representados por las "renovaciones" que hizo en su propia casa en Santa Mónica, California. Gehry esencialmente desmanteló la casa de dos pisos hasta su marco y luego construyó un marco de eslabón de cadena y acero corrugado alrededor, completo con protuberancias asimétricas de varilla de acero y vidrio. Hizo que el bungalow tradicional, y las normas arquitectónicas que encarnaba, pareciera haber estallado de par en par. Gehry continuó esos experimentos de diseño en dos populares líneas de muebles de cartón corrugado, Easy Edges y Experimental Edges. Su capacidad para socavar las expectativas del espectador sobre los materiales y formas tradicionales lo llevó a ser agrupado con el movimiento deconstructivista en arquitectura, aunque su juego con la tradición arquitectónica también lo vinculó con el posmodernismo.

Al tratar cada nuevo encargo como "un objeto escultórico, un contenedor espacial, un espacio con luz y aire", Gehry fue recompensado con encargos en todo el mundo durante las décadas de 1980 y 1990. Estas obras poseen la calidad deconstruida de su casa de Santa Mónica, pero comenzaron a mostrar una grandeza prístina que se adapta a sus proyectos cada vez más públicos. Las estructuras notables de la época incluyen el Museo y Fábrica de Muebles Vitra (1987) en Weil am Rhein, Alemania; el Centro Americano (1994) en París; y el Museo de Arte Frederick R. Weisman (1993) en la Universidad de Minnesota en Minneapolis.

José Rafael Moneo Vallés es un arquitecto español. Ganó el Premio Pritzker de arquitectura en 1996, la Royal Gold Medal de RIBA en 2003 y el León de Oro de La Biennale en 2021. Nacido en Tudela, España, Moneo estudió en la ETSAM, Universidad Politécnica de Madrid (UPM) donde se licenció en arquitectura en 1961. Del Davis Art Museum en Wellesley College en Massachusetts y del Audrey Jones Beck Building (ampliación del Museo de Bellas Artes, Houston). Moneo también diseñó el Chace Center, un nuevo edificio para la Escuela de Diseño de Rhode Island. En diciembre de 2010, se inauguró por primera vez el edificio de la esquina noroeste (anteriormente el edificio de ciencias interdepartamental) en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. El trabajo más reciente de Moneo es Peretsman-Scully Hall y el Instituto de Neurociencia de Princeton, que alberga los departamentos de psicología y neurociencia de la Universidad de Princeton y abrió sus puertas en diciembre de 2013. En 2012, recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2012. Según el jurado, Moneo es “un arquitecto español de alcance universal cuya obra enriquece los espacios urbanos con una arquitectura serena y minuciosa. Maestro reconocido tanto en el ámbito académico como en el profesional, Moneo deja su propia impronta en cada una de sus creaciones, al mismo tiempo que combina la estética con la funcionalidad, especialmente en los espaciosos interiores que actúan como escenarios impecables para grandes obras de la cultura y el espíritu". Su obra se ha mostrado en varias exposiciones internacionales como "Rafael Moneo. Una reflexión teórica desde la profesión" cuyo comisario fue su discípulo, Francisco González de Canales.

[theartwolf]

Sotheby's subastará una importante abstracción de Philip Guston

Sotheby's subastará una importante abstracción de Philip Guston Philip Guston - Nile - 1958 El próximo mes de mayo, Sotheby’s sacará a subasta “Nile” (1958) de Philip Guston, con una estimación de preventa de entre 20 y 30 millones de dólares, la mayor jamás asignada a una obra del artista. G. Fernandez · theartwolf.com. Imagen: Philip Guston, "Nile," 1958. Gran parte del arte moderno sólo se tiene a sí mismo como tema. No quiero decir que sea abstracto o no. Nunca me pareció que eso importara. ¿Qué puede ser más abstracto que Goya? Pero gran parte del arte contemporáneo, sea lo que sea lo que se reivindique, está hecho simplemente para crear un ambiente agradable.Philip Guston, 1980. Publicado por Hauser & Wirth. “Nile” ha pertenecido a la colección de Peter y Edith O’Donnell durante más de cuarenta años, y la venta del mes de mayo supone no solo la primera vez que la pintura sale a subasta, sino también la primera vez que se expone en público en estas últimas cuatro décadas. A pesar de ser uno de los más importantes pintores del Expresionismo Abstracto americano, la cotización de las obras de Philip Guston (1913-1980) están lejos no solo de las de los artistas que forman la “santa trinidad” (siempre desde el punto de vista del mercado del arte) del Expresionismo Abstracto (Pollock, De Kooning y Rothko), sino de aquellos que podríamos situar en un segundo escalón donde incluiríamos a Barnett Newman, Cy Twombly y (quizás) Clyfford Still. Así, el récord de cotización para el artista sigue siendo el logrado hace 9 años por “To Fellini”, una obra por fecha y escala comparable a “Nile”, y subastada hace 9 años en Christie’s por 25,9 millones de dólares. Sotheby’s incluye una afirmación algo curiosa en su nota de prensa: “De las 29 obras realizadas por Guston entre 1956 y 1960, la cúspide de su producción expresionista abstracta, hay diez que destacan por encima del resto como obras maestras indiscutibles. ‘Nile’ es uno de estos diez lienzos, y uno de los tres que quedan en manos privadas. Las otras siete obras se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo de Arte Mildred Lane Kemper de San Luis, el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn de Washington D.C., el Museo de Arte Moderno de San Francisco (donación prometida), la Colección Phillips de Washington D.C. y el Museo de Bellas Artes de Houston.” Entendiendo que la “donación prometida” al SFMOMA es el excelente “The Street” subastado en 2005 por 7,9 millones de dólares (y en mi opinión una obra superior tanto a “Nile” como a “To Fellini”). Sea como sea, personalmente me resulta algo triste ver excluido de este “periodo cúspide” a “Beggar's Joys”, la magnífica pintura de 1954-55 subastada por 1,7 millones en 1996 y por 10,2 millones en 2008, en ambos casos un récord para el artista. Además de esta importante pintura abstracta, la subasta de Sotheby’s incluirá también dos obras figurativas de Guston, “Remorse��� y “Studio Celebration”. Read the full article