#Pintores del siglo XX

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España Negra, Ignacio Zuloaga.

Ignacio Zuloaga - Tipo de Segovia

Ignacio Zuloaga Zabaleta fue un pintor español, de los más destacados del siglo XX. Obtuvo grandes premios y distinciones tanto a nivel nacional  

[forceofinfinitediscovery]

Debería dejar claro que lo que me fascina de la historia del cristianismo temprano es desde el punto materialista y el constante intercambio teológico entre las comunidades religiosas de Asia Menor, el Levante, Noráfrica, la Europa del Peloponeso y Macedonia, así como el mundo Persa.

Siempre es divertido hablar con mis amistades más espirituales, pero se van por las ramas "gnosticando" todo y analizando hasta a García Márquez desde el idealismo. Lo mejor es dejar esto como ejercicios del pensamiento y no como profecías.

[suenosyfantasmas]

"Mis pinturas son el reflejo de mis sueños y mis pesadillas"

Edvard Munch.

Arte: "Edvard Munch fue un pintor y grabador noruego. Sus evocadoras obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX". Noruega, (1863 - 1944)

Fuente: Wikipedia.

Períodos: Expresionismo, arte moderno, simbolismo y Posimpresionismo.

Sueños y fantasmas. El arte de soñar.

[notasfilosoficas]

“Plantearse los menos problemas posibles es la única manera de resolverlos”

Jean Cocteau

Fue un poeta, dramaturgo, pintor, escritor, crítico de arte y director de cine francés nacido en Maisons-Laffitte, una pequeña ciudad cerca de París, en julio de 1889.

Fue una de las figuras más vanguardistas del siglo XX.

Nacido en una familia burguesa, su padre se suicidó en 1898 cuando Jean tenia 10 años y fue el menor de tres hermanos, su madre fue muy sobre protectora con el pequeño Jean y vivieron en casa de su abuelo.

A los once años ingresó al Lyceé Condorcet del que fue expulsado y a los 17 años continuó su educación donde nunca logró un rendimiento regular debido a su falta de interés. 

A los 20 años Cocteau comenzó a escribir poemas y en 1908 el actor parisino Edouard de Max, lo presentó como un joven prodigio, en donde un año después gracias a su amistad con Sergei Diaghilev y a la revelación de su compañía de danza, ingresó en el circulo del ballet y el teatro. 

Fueron Diaghilev e Igor Stravinsky quienes le aconsejaron alejarse del éxito fácil de Paris, retirándoselos al campo para componer poesía y el dibujo.

En 1916 conoció a Picasso y frecuento a pintores y escritores de vanguardia. Fue en 1917 cuando los ballets rusos ofrecieron la primera representación de Parade, ballet realizado por Cocteau, Erik Satie y Picasso, el cual provocó gran escándalo. 

En diciembre de 1923 muere súbitamente su gran amor, el joven escritor Raymond Radiguet, declarando que no escribiría más y presa de una gran depresión  surge su afición al opio.

En 1930 realiza su primera película “La sangre de un poeta”  y dos años mas tarde mantiene una relación con la hija del gran duque ruso Pablo Romanov, con quien tras sufrir un aborto terminaría su relación y ya no se le conocerían relaciones sentimentales con mujeres.

Trabajó como guionista cinematográfico entre los cuales destacan La Bella y la Bestia, El águila de dos cabezas, Orfeo y El testamento de Orfeo, en donde paralelamente compone algunos de sus mas bellos poemas.

En 1955 es elegido como miembro de la Academia Francesa, y dos años después en miembro honorario del Instituto Nacional de Artes y de letras de Nueva York

Fue en sus últimos años de vida que se dedicó a la actividad pictórica realizando la decoración de diversas iglesias de la Costa Azul.

Jean Cocteau muere a la edad de 74 años en octubre de 1963 de un infarto agudo al miocardio, horas después de enterarse del fallecimiento de su amiga Edith Piaf.

Fuentes Wikipedia y biografiasyvidas.com

[eddy25960]

“Manos” de Alberto Durero:

Alberto Durero nació en Nuremberg en el año de 1471 y falleció en el año de 1528, siendo el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte.

Famoso en media Europa antes de cumplir los treinta años gracias al fuerte éxito de su serie de xilografías del Apocalipsis (1498), Durero ejerció una influencia determinante en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio y Tiziano, consta además que sostuvo contactos con genios como Leonardo da Vinci y Giovanni Bellini. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiración a múltiples creadores posteriores, incluyendo la pintura barroca de España, la corriente nazarena del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX.

Les comparto una anécdota anónima de Alberto Durero de su vida que fue la que lo marcó para lograr triunfar y ser un gran pintor:

En el siglo XV, en una pequeña aldea cercana a Nuremberg, vivía una familia con varios hijos. Para poner pan en la mesa para todos, el padre trabajaba casi 18 horas diarias en las minas de carbón. Dos de sus hijos tenían un sueño: querían dedicarse a la pintura, pero sabían que su padre jamás podría enviar a ninguno de ellos a estudiar a la Academia. Después de muchas noches de conversaciones calladas, los hermanos llegaron a un acuerdo. Lanzarían al aire una moneda, y el perdedor trabajaría en las minas para pagar los estudios al que ganara...

Al terminar los estudios, el ganador pagaría entonces los estudios al que quedara en casa con la venta de sus obras. Así los dos hermanos podrían ser artistas.

Lanzaron al aire la moneda un domingo al salir de la Iglesia. Uno de ellos llamado Alberto Durero, ganó y se fue a estudiar a Nuremberg. Entonces, el otro hermano, comenzó el peligroso trabajo en las minas, donde permaneció durante los siguientes cuatro años para sufragar los estudios de su hermano, que desde el primer momento fue toda una sensación en la Academia. Los grabados del artista de sus tallados y sus óleos llegaron a ser mucho mejores que los de muchos de sus profesores, y para el momento de su graduación, ya habían comenzado a ganar considerables sumas con las ventas de su arte.

Cuando el joven artista regresó a su aldea, la familia Durero se reunió para una cena festiva en su honor. Al finalizar la memorable velada Alberto se puso de pie en su lugar de honor en la mesa y propuso un brindis por su hermano querido, que tanto se había sacrificado trabajando en las minas para hacer sus estudios una realidad y dijo: “Ahora hermano mío, es tu turno. “Ahora puedes ir a Nuremberg a perseguir tus sueños; que yo me haré cargo de todos tus gastos”. Todos los ojos se volvieron llenos de expectativas hacia el rincón de la mesa que ocupaba su hermano, pero este, con el rostro empapado en lágrimas, se puso en pie y dijo suavemente:

-“No hermano no puedo ir a Nuremberg. Es muy tarde para mí. Estos cuatro años de trabajo en las minas han destruído mis manos. Cada hueso de mis dedos se ha roto al menos una vez, y la artritis en mi mano derecha ha avanzado tanto que hasta me costó trabajo levantar la copa durante tu brindis. No podría trabajar con delicadeza las líneas, el compás o el pergamino y no podría manejar la pluma ni el pincel. No hermano para mi ya es tarde. Pero soy feliz de que mis manos deformes hayan servido para que las tuyas hayan cumplido su sueño”.

- Alberto Durero, realizó algunos dibujos de las “Manos” maltratadas de su hermano!

Publicación de Salvador Niebla

[arsenal-le-comte]

Valenciana - Francisco Ribera Gómez - Óleo sobre lienzo.

La obra de Francisco Ribera Gómez, un pintor español reconocido por sus óleos y carteles, se ha exhibido en varios lugares. Durante su vida, expuso de manera habitual en el Salón Cano de Madrid y en las galerías barcelonesas como Galerías Augusta, La Pinacoteca y Argos. Además, algunas de sus obras forman parte de la colección del Museo Nacional del Prado. Algunas de las obras más famosas de Francisco Ribera Gómez, que destacan por su representación de la España de mediados del siglo XX, incluyen retratos, desnudos y especialmente sus carteles. Uno de sus carteles más reconocidos es el que ganó el concurso del baile de máscaras del Círculo de Bellas Artes en Madrid en 1931. Además, sus temas típicos involucran a mujeres con flores y trajes, reflejando la cultura y la estética de la época. Estas obras son apreciadas por su estilo y contribución al arte español del siglo XX.

[iamainhoa]

Marc Chagall

Los novios de la Torre Eiffel 1938-39 Óleo sobre tela. 150 cm x 136,5 cm. Expresionismo

 Los recién casados, representan al mismo Chagall junto a Bella, el amor de su vida, y la cabra, la vida campesina de su infancia.

Si se observa el cuadro de izquierda a derecha, se puede apreciar la celebración de su matrimonio en Rusia, la Torre Eiffel representa su llegada a Francia.

Chagall pintó esta obra en Niza, en el año 1939, poco antes de que comience la guerra, y de la cual deseaba huir, por lo cual pinta la pareja como "volando" y atajada por un gallo (símbolo de Francia)

Su arte tiene ese aire de inocencia que a mi tanto me encanta. Un mundo lleno de amor y de infancias felices, un mundo que irradia alegría y optimismo a través del colorido intenso (una evidente reacción contra el horror y desesperanza que vivió el mundo durante la primera mitad del siglo XX).

Toda esa lírica, esa energía poética que contienen sus obras, hace que muchos definan a Chagall como “el más poeta de los pintores”.

📍Centro Pompidou. París, Francia.

[arte-miscelanea]

Pintura-Félix Vallotton

(1865-1925), fue un pintor y grabador de origen suizo, miembro del grupo de los Nabis que a finales del siglo XIX enlazó las novedades de los post-impresionistas con la nueva generación vanguardista de principios del XX.

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Cartas de Emma Hauck, y la expresión pura desde la marginación en el arte.

Platicando sobre arte, vol 1.

¿Quién fue Emma Hauck?

Emma Hauck (1878-1928) fue una mujer alemana que trascendió en la historia del arte a partir de la fascinación por sus manuscritos y expresión caligráfica, llegando a ser exhibida en el MoMA de Nueva York. Fue institucionalizada en el Hospital Psiquiátrico de la Universidad de Heidelberg a los 30 años de edad, siendo madre de dos hijas, al ser diagnosticada con “Dementia Praecox”, lo que hoy conocemos como Esquizofrenia. Debido a su rápido deterioro determinaron que su enfermedad era terminal y trabajar en su rehabilitación no era una opción en aquel entonces, por lo que la transfirieron a un asilo en el que moriría 11 años después, aproximadamente el tiempo en el que encontrarían sus cartas dentro del archivo del Hospital Psiquiátrico, con frases como “Corazoncito, ven” o simplemente “ven” de forma implacable y repetitiva.

(“Sin Titulo”, carta a esposo. Emma Hauck, 1909) // Corazoncito, Ven.

Emma nunca se llegó a considerar una artista, ni tuvo la intención de serlo, sin embargo la consideran una “artista marginal” u outsider artist (un término que vamos a analizar a continuación), y sus escritos abren una serie de debates sobre si en realidad es una artista o si sus cartas como tal son arte, por esto me causa intriga y conflicto si estas cartas podrían ser consideradas “obras”, pues por obra artística se entiende; “objeto elaborado empleando técnicas artísticas y con un propósito estético o social”, mientras que las cartas de Emma Hauck no cumplen ni con técnica, ni con un mero propósito externo a pedirle a su amado que regresara por ella.

Personalmente me cautivó la forma en la que su mensaje repetitivo se transforma en un lienzo textualmente ilegible pero sus infinitos pensamientos se resumen de la forma más abstracta y poderosa posible reflejando su deterioro emocional y sus profundos deseos capturados en un mínimo de palabras, que se convierten en trazos llenos de impotencia, es como si pudiera leer un electrocardiograma de lo que pedía su corazón, y se observan rastros de ternura entre todo el caos de su lucha.

Las cartas nunca fueron enviadas pues fueron descubiertas en un cajón de su habitación despues de su muerte en 1920, por lo que su esposo nunca recibió la petición de regresar por ella.

(“Sin Titulo”, carta a esposo. Emma Hauck, 1909)

Sus cartas se encuentran en La Colección Prinzhorn, una colección alemana de arte creado por pacientes psiquiátricos internados en el Hospital de la Universidad de Heidelberg, esta colección se compone por mas de 20,000 obras y piezas, entre las personas que la componen se encuentran Emma Hauck, Agnes Richter , una costurera que fue internada a dicho hospital y decidió bordar un diario de sus pensamientos en una chaqueta (les recomiendo que vean la pieza, es impresionante), y August Natterer, también considerado Artista Marginal, con una historia muy interesante detrás de sus pinturas.

¿Qué es el arte marginal?

(“Eye got a feeling” Daniel Johnston, 1982.)

El término de “artista marginal” proviene de un movimiento artístico llamado Art Brut o Arte Marginal, creado por Jean Dubuffet (escultor y pintor francés de la segunda mitad del siglo XX), esta corriente nace para hacer referencia a todo el arte creado por personas que no tuvieran contaminación alguna de influencias, sin conocimiento de técnicas, sin reglas preestablecidas, personas creando piezas desde el “margen” de la sociedad, todo esto correspondiendo a personas tales como internos de hospitales psiquiátricos, niños, ancianos, o inadaptados sociales, considerándose en esas épocas como orillados del constructo social en el que se vivía. Al no tener formación artística-académica, se encuentra fundamentos de Primitivismo en sus obras, adaptándose a un primitivismo moderno para el siglo XX, lo cual me parece sumamente interesante y puro, pues es la naturalidad del deseo de expresar dentro del humano. Artistas como “Daniel Johnston” siendo un gran ejemplo de esta corriente, y “Basquiat” empleando características del movimiento.

Para el Doctor Prinzhorn, psiquiatra e historiador de arte del Hospital en el que se internó a Emma Hauck; “La creación de imágenes es impulsada por nuestro intenso deseo de dejar huella”. En aquel entonces, cuando Prinzhorn publicó una compilación de arte hecha por pacientes institucionalizados, fue un escándalo de aquellos, no solo en el mundo de la medicina, pero también en el mundo del arte, debido a la marginalización en torno a los pacientes y todos aquellos que sufrían de trastornos mentales, y lo poco que se sabía sobre ellos. Incluso en la actualidad crear Arte dentro de esta corriente podría ser una declaración de empoderamiento ante el rechazo que gira en torno a la lucha constante al vivir con trastornos mentales, y la necesidad de expresar y ser entendido en el proceso. He aquí la conexión que me llenó de intriga entre el arte y Emma Hauck.

Por un lado, claro que entra en debate la necesidad de encasillar todo, entre movimientos y corrientes, es importante que exista un espacio en el arte para reconocer la expresión de aquellos que mas necesitaban ser escuchados cuando sufrían algo que era aún más incomprendido y rechazado por la sociedad de aquel entonces (cuando tristemente sigue siendo el caso de muchas maneras), la creación de estas cartas para mi es una expresión inmortalizada de lo que sentía Emma Hauck en un contexto crudo y real, por otro lado también es importante cuestionarnos que para parte de estas piezas probablemente nunca hubo remuneración o verdadero consentimiento al momento de adquirirlas, después de su creación.

Como siempre y sobre todo, toda opinión e interpretación sobre el arte es subjetiva y válida, pero me pareció un tema super interesante!!!! tenía que compartirlo:))) me encantaría saber que opinasssss.

besitosssss, gracias por leeeeer <3333

Alexa Mir.

[joseandrestabarnia]

La crucifixión con la Virgen, San Juan, San Jerónimo y Santa María Magdalena, do. 1482/1485, de Pietro Perugino (Umbrian, c. 1450 – 1523), óleo sobre panel transferido a lona. Colección Andrew W. Mellon, National Gallery of Art.

Pietro Vannucci, llamado Perugino por la ciudad en la que vivió a menudo, colaboró con otros pintores famosos en una de las comisiones más prestigiosas de finales del siglo XV: la decoración de las paredes de la Capilla Sixtina en 1481-1482. Dirigió talleres activos en Perugia y Florencia, donde finalmente sería eclipsado por su mejor alumno, Rafael.

La Crucifixión de Perugino con los Santos, pintada para una capilla en la iglesia dominicana en San Gimignano, cerca de Siena, muestra a Cristo colgado en la cruz con María y San Juan Evangelista a sus pies. En los dos paneles laterales, san Jerónimo con su león y María Magdalena contemplan la figura de Cristo. Sin embargo, el trabajo no intenta representar el evento o lugar real, sino que es una meditación visual sobre el tema de la Crucifixión. El ambiente sereno se refleja en el paisaje, que también revela la influencia de la pintura flamenca que se había introducido recientemente en Florencia.

Desde finales del siglo XVII hasta principios del siglo XX, se pensaba que la Crucifixión de Perugino era obra de su alumno Rafael. Cuando se descubrió que el donante del tríptico murió en 1497, cuando Rafael tendría solo catorce años, la autoría de Perugino una vez más quedó clara.

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Roberto Matta, exposición en Viena

Roberto Matta, ‘Les témoins de l’univers’ (1947-48) La obra de Roberto Matta (1911-2002), uno de los mayores pintores del siglo XX, ocupa siete salas del Kunstforum de Viena desde el pasado 23 de febrero. La exposición, realizada en colaboración con los Matta Archives y la Galerie Gmurzynska, lo presenta como un visionario que influyó significativamente en creadores como Arshile Gorky, Dorothea…

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Enrique Ochoa. “el pintor de la música” (Acuarelas...)

Enrique Ochoa fue un pintor español conocido por sus ilustraciones de principios del siglo XX en revistas como “Blanco y Negro”, “La Esfera” o “Nuevo Mundo”.1​ Retratista de la burguesía madrileña y catalana-balear, también es conocido como “el pintor de la música” por sus cuadros dando vida a algunas de las obras más importantes de la música universal o “el pintor de la mujer” por sus elegantes retratos de mujeres de los años 20 y 30.

[antowilly]

Ayer falleció Fernando Botero, uno de los artistas más originales que dio el siglo XX

[suenosyfantasmas]

Realismo Mágico. "Es un movimiento literario y pictórico que surge a principio del siglo xx, como parte de las vanguardias y se define por su preocupación estilística y el interés de mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común".

Arte: Stefan Câltia. Runanía, (1942). Es un pintor contemporáneo. Movimiento: Realismo mágico.

Fuente: WIKIPEDIA.

Sueños y fantasmas. El arte de soñar.

[notasfilosoficas]

“Un yo que sigue cambiando, es un yo que continúa viviendo”

Virginia Woolf

Adeline Virginia Woolf fue una escritora británica, autora de novelas cuentos, obras teatrales y demás obras literarias, nacida en Londres en enero de 1882, considerada una de las más destacadas figuras del vanguardista modernismo anglosajón del siglo XX y del feminismo internacional.

Primeros años

Su padre era novelista, historiador, ensayista y biógrafo y su madre nació en la India y trabajó de modelo para pintores prerrafaelistas. Ambos habían tenido nupcias previas con hijos de sus anteriores matrimonios.

Virginia recibió clases particulares y de sus propios padres, y a diferencia de sus otros hermanos, con la inmensa biblioteca de los padres aprendieron los clásicos y la literatura inglesa.

Uno de los recuerdos más vívidos de su infancia no fue en la casa de Londres sino en la de St Ives de Cornualles en donde la familia pasaba sus vacaciones, las impresiones de esos viajes y la del faro de Godrevy sirvieron de inspiración para la creación del relato “Al faro”.

Cuando Virginia tenía 13 años, muere su madre repentinamente lo cual fue la causa de sus primeras depresiones, y la muerte de su padre en 1904 aumentaron sus problemas emocionales. Sus crisis nerviosas y periodos recurrentes de depresión según sugieren algunos eruditos fueron incluidos por abusos sexuales que ella y su hermana Vanessa sufrieron a manos de sus medios hermanos. 

Estas situaciones hicieron de Virginia al parecer sufriera de lo que hoy se le conoce como trastorno bipolar.

Círculo Bloomsbury

Después de la muerte de su padre, sus hermanos vendieron la casa familiar para mudarse al número 46 de Gordon Square en Bloomsbury, en donde su hermano mayor la convirtió en el centro de reunión de antiguos compañeros universitarios e intelectuales de la talla de E.M. Forster, el economista J.M. Keynes, y los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein. Esta formación sería conocida como “el círculo de los Bloomsbury”.

En 1912 a la edad de 30 años se casó con el escritor Leonard Woolf miembro también del círculo Bloomsbury.

Dentro de la ética del círculo Bloomsbury figuraba la no exclusividad sexual, por lo que durante la mayor parte de los años 20, Virginia sostuvo una relación con la escritora Vita Sackville-West.

Woolf comenzó a escribir profesionalmente en 1905, y su primera novela “Fin de viaje” en 1915 vió la luz apoyada por la editorial de su medio hermano.

Tras la publicación de “La señora Dalloway” y “Al faro”, los críticos comenzaron a elogiar su originalidad literaria, cuya maestría técnica y el afán experimental de la autora, introducida además en la prosa novelística un estilo y unas imágenes propias de la poesía.

Su legado

Wolf experimentó con especial interés con el tiempo narrativo, tanto en su aspecto individual como en el flujo de variaciones en la conciencia del personaje.

En Las Olas (1931), presenta un flujo de conciencia de seis personajes distintos, es decir, la corriente preconsciente de ideas tal como aparece en la mente, a diferencia del lógico y bien trabajado monólogo tradicional con lo que crea un ambiente de poema en prosa.

Wolf publicó novelas y ensayos con éxito tanto de crítica como de público, y fue catalogada como una de las grandes novelistas del siglo XX y aunque su reputación declinó después de la Segunda Guerra Mundial, recuperó su auge con la crítica feminista de los años 70.

Últimos días

Después de terminar el manuscrito de su última novela “Entre Actos”, Wolf cayó en una profunda depresión. Su trastorno bipolar, el estallido de la Segunda Guerra Mundial y la destrucción de su casa durante los bombardeos, empeoraron su condición hasta que se vió incapaz de trabajar.

El 28 de marzo de 1941, Woolf se suicidó, llenó su abrigo con piedras en los bolsillos y se lanzó al río Ouse, cerca de su hogar donde se ahogó. 

Woolf escribió una nota llena de amor hacia su esposo, describiendo lo difícil de su condición y su incapacidad para seguir luchando, le agradece todo lo que había hecho por ella.

Sus restos fueron incinerados y enterrados por su esposo bajo un árbol en Rodmell Sussex.

Fuente: Wikipedia.

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🦋Un halo nostálgico en el salón Zuloaga del Palacio de Liria - 📌A lo largo de la historia los Duques de Berwick y los de Alba fueron retratados por los más renombrados artistas de su momento. Ingres, Madrazo o Sargent son apellidos relacionados directamente con la familia, pero Zuloaga sin duda captó a la perfección la esencia de la dinastía. Con tres retratos situados en este gabinete privado, la generación de la primera mitad del siglo XX queda representada aquí por el artista vasco. A Jacobo Fitz-James Stuart lo encontramos con el uniforme de caballero maestrante de Sevilla con su querido palacio de Liria de fondo. A María del Rosario Silva, esposa del anterior, con un elegante vestido de Balenciaga y una composición y pose que marcaron el resto de retratos femeninos del pintor de Eibar. En la foto nos faltaría la hija de los duques, Cayetana, que más adelante abordaremos con más detalle. - #palace #admagazine #neoclassic #madrid #interior #arquitectura #history #architecture (en Palacio de Liria) https://www.instagram.com/p/ClhDfMqA9m_/?igshid=NGJjMDIxMWI=