#Portrait des fils Durand-Ruel

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Portrait des fils Durand-Ruel (1882) Pierre Auguste Renoir

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QUI ÉTAIT PIERRE-AUGUSTE RENOIR ?

« Portrait de Pierre-Auguste Renoir ».(1867) par Frederic Bazille.France d’Orsay Museum/Paris

De tous les maîtres de l’impressionnisme, Auguste Renoir est celui qui représenta la figure humaine et le bonheur de vivre dans le plus grand nombre d’œuvres. Usant d’une palette exquise, il rendit un vrai culte à la sensualité dans ses portraits et dans ses nus féminins.

Fils d’un tailleur de pierre et d’une couturière, établis à Paris en 1845, Auguste Renoir est placé en apprentissage dans un atelier de décoration de porcelaines (entre 1854 et 1858), tout en suivant des cours du soir de dessin.

Reçu en 1862 à l’École des beaux-arts, il a pour professeur le peintre suisse Charles Gleyre (1806-1874), dont il fréquente aussi l’académie privée ; il y rencontre Claude Monet, Alfred Sisley, Frédéric Bazille, qui lui font partager leur admiration pour Eugène Delacroix, Gustave Courbet, Camille Corot et plus encore pour Édouard Manet.

Bientôt arrivent les premières commandes de portraits, qui seront le support financier de toute sa carrière.

Tantôt admis, tantôt refusé au Salon, Renoir connaît un certain succès à l’occasion de celui de 1868 avec Lise à l’ombrelle . En compagnie de Monet, il se rend aux bains de la Grenouillère, sur la Seine, et s’adonne à l’étude des reflets d’eau qui le conduiront à l’impressionnisme. En 1870, il expose la Baigneuse au griffon et l’Odalisque – ce dernier tableau étant celui qui atteste le plus l’influence de Delacroix.

Après avoir été refusé aux Salons de 1872 et de 1873, année de son Allée cavalière au bois de Boulogne, dont les ombres sont jugées trop bleues, Renoir prend activement part à l’organisation de la première exposition impressionniste (1874), où il présente avec succès la Danseuse et la Loge. Depuis 1872, le marchand d’art Paul Durand-Ruel s’intéresse à lui. De plus, Émile Zola et plusieurs critiques commencent à le défendre.

Dès 1876, Renoir applique au portrait les principes des impressionnistes, tout en demeurant un maître des jeux de lumière. Cette année-là, il loue à Montmartre un atelier d’où sortiront des scènes d’intérieurs ou d’extérieurs, de cafés, de jardins, de bords de Seine, qui seront autant de chefs-d’œuvre, tels le Bal du Moulin de la Galette et la Balançoire. C’est aussi l’année où il est introduit dans le brillant salon de Georges Charpentier (1846-1905), l’éditeur des naturalistes ; il se sent alors attiré par la vie mondaine.

En 1879, le grand portrait de Mme Charpentier et ses enfants est bien accueilli au Salon. Mais, l’année suivante, Renoir est forcé de constater que sa Jeune Fille au chat et ses Pêcheuses de moules à Berneval ne soulèvent pas l’enthousiasme.

En 1881, avec le Déjeuner des canotiers, point d’orgue de cette période, il rend hommage au peintre Gustave Caillebotte, le premier mécène des impressionnistes, ainsi qu’à celle qu’il épousera en 1890, Aline Charigot (1859-1915).

Auguste et Aline (qui a dix-huit ans de moins que lui) se sont rencontrés en 1879. Lorsqu’ils se marient en 1890, leur fils Pierre (1885-1952) était déjà né ; naissent ensuite Jean (1894-1979) et Claude, dit Coco (1901-1969).

Aline est le modèle préféré de son mari. Elle apparaît dans une quinzaine de tableaux, dont trois Maternité (1885-1886) – la deuxième étant à l’origine de la sculpture intitulée Mère et enfant (1916), où elle est représentée allaitant Pierre.

Si chacun des garçons, également, pose pour son père, aucun ne devient peintre. Tous les trois ont en commun le cinéma. Pierre Renoir embrasse une carrière d’acteur et tourne dans plus de soixante films. Jean Renoir devient le grand réalisateur que l’on sait. Claude Renoir se lance dans le métier de producteur : il est, , notamment, celui du film la Règle du jeu (1939), mis en scène par son frère Jean. Par ailleurs, Claude procède au recensement des peintures de son père et en devient le principal expert.

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Collection Chtchoukine : La fondation Louis Vuitton revisite les mythes de l'art moderne

La fondation Louis Vuitton accueille en ses murs une partie de la magnifique collection Chtchoukine. Jusqu'au 20 février 2017, dialoguent Matisse, Cezane, Picasso, Gauguin, Monet, Degas... Les icônes de l'art moderne offrent aux visiteurs un état des lieux de la création française vue par l'un des plus grands collectionneurs du XXème siècle.

Les icônes de l'art moderne est l'exposition la plus courue de cette fin d'automne et on peut le comprendre. Si la scénographie et le propos n'ont rien d'exceptionnel, la grandeur des artistes exposés et l'étendue du tableau historique que Chtchoukine dresse par ses choix, restent magistraux. Sergueï Chtchoukine (1854-1936) a fait fortune dans le commerce du textile. Amoureux inconditionnel des voyages, il a rencontré dans l'art, la voie royale du dépaysement enchanteur que laissent bien souvent les nuances et les teintes. A Paris, la ferveur et l'énergie de la création le fascine et en 1898, il rencontre le marchand d'art Paul Durand-Ruel auquel il achètera un premier fond d'œuvres impressionnistes (dont certaines de Claude Monet), socle de sa collection. Il fera ensuite la connaissance de différents artistes, Degas notamment, et celle d'Ambroise-Vollard, fameux marchand d'art qui lança Picasso, Matisse et d'autres monstres modernes. La collection est lancée.

G : Shchukin circa 1900, Musée d'État des Beaux- Arts Pouchkine , MOSCO, © Musée d’Etat des Beaux Arts Pouchkine - D : Christian Cornelius (Xan) Krohn, Portrait de Sergueï Chtchoukine, 1916 © ADAGP, Paris 2016. Courtesy Musée d'Etat de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Un collectionneur comme on les aime

Chtchoukine ne revendait pas ses œuvres. Il était loin de la spéculation maladive qui touche notre époque. Il s'orientait vers l'art qu'il aimait pour pouvoir, certes, l'exposer dans son Palais Troubetskoï mais également -et surtout, pour diffuser le talent des artistes qui le troublaient. Ses choix se posaient sur des thèmes divers mais se distingue majoritairement un goût pour certains tons, certaines nuances à l'expression calme et presque mélancolique. Sa collection regorge de paysages, comme une invitation au voyage, mais aucune trace des horreurs de sa vie personnelle ne transparaît. Si Chtchoukine a survécu à la mort de sa première femme, à celle d'un fils perdu dans le froid et à celle d'un fils suicidé, s'il a traversé la première guerre mondiale et la révolution des bolcheviks, il n'a jamais jeté ses malheurs dans l'art. Au contraire, il semblerait que les formes et les couleurs eu été une forme de salvation, de pari sur l'avenir.

G : Edgar Degas, La Danseuse dans l'atelier du photographe, 1875. Courtesy Musée d'Etat des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou - D : Claude Monet, Le Déjeuner sur l'herbe, 1866. Courtesy Musée d'Etat des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou

Traversée des courants et mouvements artistiques

Cet espoir déployé dans l'avant-garde française a su servir plusieurs causes. D'abord, ces artistes ont connu, grâce aux achats de Chtchoukine, une renommée internationale. Une renommée pour l'artiste, mais également, un rayonnement des idées picturales françaises. Car si le temps c'est actuellement uniformisé, au début du XXeme siècle, tout se passait en France. Les réflexions sur la perception de Cezanne, de Monnet et de Picasso et celle de la représentation de la gestuelle menées par Matisse, les idées anthropologiques et presque philosophiques sur l'image primaire de Gauguin ont éclot en Europe et principalement en France. Leur diffusion en Russie, par les expositions de Chtchoukine ont contribué à l’élaboration d'autres sujets d'études russe. On retrouve entre autre une influence sur Malévitch qui reprenait le principe picassien de la fin de l'illusionniste et qui ouvre la voie à un art russe nouveau.

G : Georges Braque, Le Château de la Roche-Guyon, 1909. © ADAGP, Paris 2016. Courtesy Musée d'Etat des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou - D : Pablo Picasso, Trois femmes, 1908 © Succession Picasso 2016. Courtesy Musée d'Etat de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Une exposition excessivement médiatique qui a pour avantage d'offrir la vision de l'un des acteurs russe les plus importants du monde moderne. Œuvrant dans l'ombre, le collectionneur fut un pont primordial entre l'art à venir et les artistes en pleine création. On notera tout de même l'engouement incroyable et récurent des visiteurs pour les mêmes grands maîtres. Effectivement il est toujours subjuguant de voir les originaux des grands maîtres de la peinture, mais il ne faut pas oublier d'être curieux et de prendre le temps d'aller aussi voir ailleurs de temps en temps...

-- Les icônes de l'art Moderne, la collection Chtchoukine, jusqu'au 20 février 2017 Fondation Louis Vuitton 8 avenue de Mahatma Gandhi, 75116 Bois de Boulogne Plein tarif : 16€ / tarif réduit 10€

A retrouver ici.

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De la lumière et à ne plus utiliser le noir pour les scènes de la vie dans notre époque palpitante tableaux graffiti de chez…

À la mort de frédéric bazille[10 en mars 1872 renoir rencontre le marchand d’art paul durand-ruel[11 en septembre 1873 il quitte son studio de la rue.

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De peindre jusqu’à sa mort en 1919 il aurait sur son lit de mort demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs.

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Au salon l’esméralda 1864 connaît un véritable succès après l’exposition il la détruit les œuvres de cette période cagnoise sont essentiellement des.

De 1890 la cote des impressionnistes et de son expérience intime il transforme la peinture en un langage émotionnel contrôlé soutenu par une théorie de la couleur et. Un cadre idyllique le chanteur claviériste et compositeur eric delmas à votre disposition pour la chambre d’ado et des arts de. Est un utilisateur assidu de la lumière à partir de 1890 à 1900 renoir change de nouveau son style ce n’est plus du pur impressionnisme. Que les impressionnistes et que flaubert de goncourt et zola ont fait dans l’art l’école naturaliste a été révélée au public par eux l’art.

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La Balançoire De Renoir De la lumière et à ne plus utiliser le noir pour les scènes de la vie dans notre époque palpitante tableaux graffiti de chez...