#clasicista

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CONCLUSIONES PARCIAL #2. EQUIPO #5: PALLADIO.

Giulio Carlo Argán que fue un Profesor y político decide escribir este ensayo donde busca argumentar el anticlasicismo de Palladio. En principio lo compara con diferentes personajes como lo son Milizia, Winckelmann y Mengs que fueron exponentes del Neoclasicismo y de esta manera a pesar de que en un principio podríamos pensar que Argán nos está presentando a Palladio como un referente del Neoclasicismo, nos damos cuenta de que este no es su propósito, sino más bien, nos quiere mostrar como a pesar de que este tiene características que lo podrían sitiuar como un neoclasicista, este no termina de serlo. Argán nos explica como Palladio toma elementos clásicos, pero los usa de tal forma que sale de los estándares clásicos que se perfeccionaron durante el Renacimiento, logrando una reinterpretación de los mismos y obteniendo nuevas cualidades espaciales, este "absurdo", como dice Argán, nos lleva a ver que, dentro de los esquemas clásicos, los gustos de Palladio no tienen cabida y expresan la antítesis de lo estético. La innovación de Palladio consigue una dualidad de valores entre distintos elementos. En caso de los órdenes, ya no tienen solamente un valor estructural, sino que adquieren una importancia meramente decorativa y compositiva para la época en términos de perspectiva.

A pesar de la influencia evidente de la arquitectura clásica en sus obras, el texto sugiere que Palladio no puede ser etiquetado fácilmente como clasicista. Más bien, nos sumerge en la esencia del pensamiento arquitectónico de Palladio, destacando su singular manera de abordar la arquitectura. Nos hace cuestionar la idea preconcebida de asociar a Palladio con movimientos estilísticos específicos como el clásico, romano, renacentista o barroco, ya que su enfoque escapa a estas categorías.

Teniendo en cuenta que, para los tiempos de la formación de Palladio, el manierismo era el nuevo movimiento que desplazaba paulatinamente al renacentista, un movimiento que buscaba todo lo contrario de la tradición clásica. Siendo los protagonistas del mismo la complejidad, la tensión en la composición y la inestabilidad como nuevas formas de representación, ajenas a la proporción y a la armonía que caracterizaba a la arquitectura de los antiguos. Por otro lado, tenemos a la obra de Palladio que se sirve de los cánones clásicos, pero los reinterpreta de una forma distinta, rompiendo las tipologías prestablecidas, más coherente, más racional, su propia forma, una que se separa por completo de los congéneres de su profesión quienes habían abrazado por completo al manierismo.

Argán hace un análisis crítico de Palladio para explicarnos como, según su punto de vista, es totalmente anticlásico, finalmente nos presenta esta idea de la fórmula del cromatismo de Palladio que según Argán "es la única, de hecho, que puede explicar el valor luminoso, que es fundamental para la expresión artística de Palladio. El efecto máximo al que tiende este artista es la yuxtaposición del negro y del blanco, es decir, de la máxima intensidad de oscuro y la máxima intensidad de claro..." de esta manera también nos presenta a Palladio como un artista en cierta medida, pero aún después de todas estas comparaciones nos damos cuenta de que él parece encajar en todo y en nada a la vez, Palladio básicamente maneja la Yuxtaposición de diferentes elementos logrando así un estilo único y siendo así vemos que no hay una corriente en la que podamos encasillar a Palladio, llegando así a la conclusión de que no hay una conclusión a la que podamos llegar con Palladio, él puede ser analizado desde diferentes puntos de vista y puede encajar en cualquiera de estos.

Aunque el texto presenta un argumento contundente, los lectores somos instados a reflexionar y formar nuestras propias opiniones. Mientras el autor sostiene que Palladio no se adscribe a ninguna corriente arquitectónica de su época, el texto deja espacio para la interpretación y la discusión. Desde nuestra perspectiva, basada en experiencias en clase, compartimos la noción de que Palladio no puede ser fácilmente clasificado dentro de los confines de un estilo arquitectónico específico. Su impacto trasciende las etiquetas tradicionales, y tal vez, Palladio representa un movimiento arquitectónico en sí mismo, influenciando y transformando el paisaje arquitectónico de su tiempo y más allá.

Para entender el texto, investigué al autor:

BIOGRAFÍA DEL AUTOR. GIULIO CARLO ARGAN

(Turín, 1909 - Roma, 1992) Ha sido uno de los más grande historiadores y críticos italianos del siglo XX. Como otros ensayistas de su generación, Giulio Carlo Argan recibió la influencia del gran historiador y crítico literario italiano Benedetto Croce y de Carlo Ludovico Ragghianti.

Inspector de los museos del Estado y profesor de historia del arte en las universidades de Palermo y de Roma, de cuya ciudad fue alcalde (1976-1979), desarrolló después de la Segunda Guerra Mundial una intensa actividad en la promoción y difusión del arte contemporáneo. De su abundante bibliografía hay que citar los análisis de la historia de la arquitectura, que abarcan desde el Renacimiento y el Barroco hasta las modernas corrientes del siglo XX (Arquitectura barroca en Italia, 1957), las monografías de artistas (Botticelli, 1957, y las dedicadas a Fra Angélico y Francesco Borromini) y otros ensayos diversos (El arte del siglo XX, 1977), libros todos ellos que reflejan su interpretación conceptual de la obra de arte.

*Obras de Julio Carlo Argan

El arte moderno (1970)

Renacimiento y Barraco (1987)

Walter Grupius e la Bauhaus (1951)

Mariana Bonilla. Historia II. Prof: Rebec Tineo.

[whencyclopedes]

Áyax (obra de teatro)

Áyax es una obra de teatro escrita por el poeta y dramaturgo griego Sófocles del siglo V a.C. Aunque Sófocles escribió al menos 120 obras, solo siete han sobrevivido. De estas, la más conocida es Oedipus Rex (Edipo rey), parte de una trilogía sobre el trágico rey junto con Antígona y Edipo en Colono. Se desconoce la fecha exacta en que se produjo Áyax, pero la mayoría de los clasicistas creen que probablemente se escribió al principio de su carrera.

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[nibaldop]

En el barrio de La Saïdia de Valencia se encuentra este edificio, la antigua estación de Santa Mónica, hoy estación del Puente de Madera o estación Valencia - Pont de Fusta, de la línea 4 del Metro de València. Es un edificio de tres plantas, con numerosos ventanales, de diseño correcto y perfectamente simétrico, y compuesto con elementos de tradición clasicista, obra del arquitecto valenciano Joaquín María Belda Ibáñez, proyecto de 1892, que demoró un par de años en concluirse. En la actualidad es, además, una comisaría de policía. ... This building is located in the La Saïdia neighborhood of Valencia, the old Santa Mónica station, today the Puente de Madera station or Valencia - Pont de Fusta station, on line 4 of the Valencia Metro. It's a three-story building, with numerous windows, of a correct and perfectly symmetrical design, and made up of elements of the classicist tradition, the work of the Valencian architect Joaquín María Belda Ibáñez, a project from 1892, which took a couple of years to complete. Today it's also a police station. ... #turismo #turisme #tourism #arquitectura #architecture #edificio #building #puentedemadera #estacionmetro #pontdefusta #metro #metrovalencia #instavalencia #igervalencia #igvalencia #valencia #comunidadvalenciana #españa #spain (en Valencia) https://www.instagram.com/p/Cn4ryxDo4Le/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Italia

Petralia Soprana es una encantadora ciudad medieval en el centro-norte de Sicilia,

El monumento fue ideado en 1929 por Antonio Ugo (1870-1950), prolífico escultor durante el fascismo, jefe del departamento de escultura de la Academia de Bellas Artes de Palermo, en el popular estilo clasicista monumental “Novecento” de la época, que estaba tan cerca de otros estilos imperiales, alemanes o soviéticos.El joven guerrero romano que va a la guerra jura defender a su país con su espada sostenida sobre un altar en llamas, como Mucius Scaevola. Debajo de su brazo, su anciana madre ansiosa mira el altar, que probablemente esté decorado con el motivo de la Eucaristía por ella, y por el bien de las ancianas similares de Petralia Soprana. Por otro lado, el héroe es apoyado por su esposa para ir a la guerra, solo ella sabe por qué. Su brazo abraza a su hijo de Miguel Ángel, que en parte está afligido en secreto por la heroica decisión de su padre, en parte sacando fuerzas de la ropa de su madre para el tiempo posterior a la caída de su padre, que es de lo que trata esta publicación.

Tras la caída de Mussolini el 25 de julio de 1943, la cuestión cobró nueva relevancia. El rey huyó al sur de Italia, controlado por las tropas anglosajonas, y prácticamente se convirtió en un pato cojo. Además, ya se había comprometido al nombrar a Mussolini en 1922 y apoyar su dictadura durante veinte años. En el norte, ocupado por los alemanes, los partidos republicanos se restablecieron ilegalmente y participaron en el movimiento partidista anti-alemán. Por eso, tras la liberación del país el 25 de abril de 1945, exigieron un referéndum sobre la forma de gobierno.

Un mes antes del referéndum, Victor Emanuel III pasó el trono a su hijo Umberto, cuyo nombre todavía se da a las plazas de Sicilia. Este cambio fecha las inscripciones de la campaña de Petralia en mayo de 1946.

“La monarquía es la única que puede garantizar la salvación de la patria. ¡Viva Umberto! ¡Viva la monarquía!”.

El referéndum del 2 de junio fue el primero en Italia realizado sobre la base del sufragio universal, es decir, las mujeres también podían participar en él. Menos de la mitad de la población de 45 millones emitió votos válidos, de los cuales 12 millones votaron por la república y 10 millones por la monarquía. Tras la proclamación de la república el 11 de junio, el rey Umberto entregó el poder al nuevo presidente, Alcide De Gasperi, y luego se exilió.

Al proyectar los votos en el mapa, podemos ver cuánto dividió el tema al país. Aproximadamente al norte de Roma, predominaban los partidarios de la república y los partidarios de la monarquía al sur. En el este de Sicilia, donde se encuentra Petralia, la monarquía logró más de dos tercios. Esta podría ser también la razón de la supervivencia de las inscripciones de campaña monárquica en Petralia, como testigos silenciosos de la resistencia contra el Norte colonizador.

“Son los arribistas y aventureros locos por el poder los que atacan furiosamente a la monarquía. ¡Dios salve al rey! ¡Larga vida al rey! ¡Gente de Petralia! ¡Vota por la monarquía!”.

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¡Y empezamos con avances! - Si hay una época que ofrecerá un par o tres (¡sorpresa!) de highligts, es el imperio (1800-1815). Para ello hoy os compartimos un detalle de un tintero que reúne algunas de las características más relevantes de ese momento: el material, el bronce dorado y pavonado, a priori, es lo que más se perfeccionó. Grandes bronziers como Thomire pusieron de moda efectos increíbles, como los espejados, los patinados, bruñidos...por otro lado encontramos temas derivados del neoclasicismo, llevados al préstamo clasicista más purista; grifones, incensarios en llamas, laureles em cenefa...precisamente esos medio-animales, medio-monstruos, fueron símbolo heráldico de grandes personajes de la nobleza y realeza, tales como el príncipe heredero de Suecia o la familia Spencer en Reino Unido. ¿Estáis preparados para el plato fuerte? Próximamente durante las siguientes semanas. https://www.instagram.com/p/ClOxmbxoLZO/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Historia Sobre el Manierismo

Surgimiento y Evolución

El manierismo es un estilo artístico que surgió en Europa durante el Renacimiento final, aproximadamente entre los años 1520 y 1600.El movimiento se caracterizó por una serie de cambios y desarrollos en la forma de representar la figura humana y el espacio pictórico, diferenciándose significativamente del equilibrio y la armonía que predominaban en el Alto Renacimiento.

Orígenes del Manierismo

El término "manierismo" proviene de la palabra italiana "maniera", que significa "estilo" o "manera". Este estilo surgió como una reacción a los logros alcanzados por artistas renacentistas como Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. Los manieristas buscaron ir más allá de la perfección clásica, explorando nuevas formas de expresión y experimentación artística. El Arte Manierista surge en Italia en 1527 y posteriormente se fue extendiendo por el resto de Europa

El arte manierista destaca por romper con el ideal de belleza clasicista típica del Renacimiento, los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Cuando los elementos del Renacimiento empezaban a entrar en crisis, surgió el Manierismo y supuso el abandono progresivo de la proporcionalidad en las figuras, la perspectiva espacial, el uso de líneas claras, definidas y de las dulces expresiones de las obras renacentistas, dando lugar a un arte inestable y subjetivo.

Características del Manierismo

El manierismo se caracteriza por:

-Composiciones Complejas: Las obras manieristas a menudo presentan composiciones intrincadas y dinámicas, con figuras entrelazadas y poses exageradas. -Proporciones Alargadas: Las figuras humanas suelen ser alargadas y estilizadas, rompiendo con las proporciones naturales. -Colores Vibrantes: Se utiliza una paleta de colores más amplia y vibrante, en contraste con los tonos más suaves del Renacimiento. -Espacios Irreales: Los fondos y escenarios a menudo son imaginativos y poco realistas, creando una atmósfera de irrealidad y fantasía.

Principales Artistas del Manierismo

Jacopo da Pontormo

Jacopo Carucci, conocido como Jacopo da Pontormo, nació en Pontormo, Italia, en 1494. Fue uno de los principales pintores del manierismo florentino. Estudió con varios maestros, incluidos Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto, lo que influyó en su estilo distintivo. Su trabajo se caracteriza por composiciones inusuales, colores vibrantes y figuras alargadas.

Obras Importantes:

"La Deposición" (1528): Ubicada en la Capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita en Florencia, esta obra es un excelente ejemplo de las complejas composiciones y el uso dramático del color que caracterizan su estilo. "Retrato de un Hombre Joven" (c. 1520): Una muestra de su habilidad en el retrato, destacando la psicología del sujeto a través de una expresión introspectiva y el uso delicado de los colores.

2.Rosso Fiorentino

Giovanni Battista di Jacopo, conocido como Rosso Fiorentino, nació en Florencia en 1494. Junto con Pontormo, es una de las figuras clave del manierismo temprano en Florencia. Su estilo se distingue por su dramatismo, colores intensos y composiciones dinámicas.

Obras Importantes:

"Descent from the Cross" (1521): Esta obra maestra, ubicada en la Pinacoteca Comunale en Volterra, es conocida por su composición dramática y el uso audaz del color. "Moisés Defendiendo a las Hijas de Jetró" (c. 1523-1524): Ubicada en la Galería Uffizi, esta pintura muestra su habilidad para representar el movimiento y la emoción.

3.Parmigianino

Girolamo Francesco Maria Mazzola, conocido como Parmigianino, nació en Parma en 1503. Fue un pintor y grabador italiano, famoso por su estilo elegante y figuras alargadas. Murió joven, a los 37 años, pero dejó un impacto duradero en el arte manierista.

Obras Importantes:

"La Virgen con el Cuello Largo" (1534-1540): Una de sus obras más famosas, ubicada en la Galería Uffizi, Florencia. Es conocida por la figura alargada de la Virgen y el uso de proporciones inusuales. "Autorretrato en un Espejo Convexo" (c. 1524): Una obra fascinante que muestra su habilidad técnica y su interés por los efectos ópticos.

4.Agnolo Bronzino

Agnolo di Cosimo, conocido como Bronzino, nació en 1503 en Monticelli, cerca de Florencia. Fue un pintor de corte para los Medici y es conocido por sus retratos elegantes y detallados. Su estilo refinado y su atención al detalle hicieron de él uno de los retratistas más importantes de su época.

Obras Importantes:

"Retrato de Leonor de Toledo con su Hijo Giovanni" (1545): Ubicada en la Galería Uffizi, esta obra es un excelente ejemplo de su habilidad para capturar la opulencia y la nobleza de sus sujetos. "Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo" (c. 1545): Una alegoría compleja y simbólica, también en la Galería Nacional de Londres, que muestra su maestría en la composición y el uso del color.

5.El Greco

Domenikos Theotokopoulos, conocido como El Greco, nació en Creta en 1541 y pasó la mayor parte de su carrera en España. Su estilo es una combinación única de influencias renacentistas italianas y bizantinas, con un enfoque manierista en el dramatismo y la emoción.

Obras Importantes:

"El Entierro del Conde de Orgaz" (1586-1588): Ubicada en la Iglesia de Santo Tomé, Toledo, esta obra maestra combina realismo y misticismo, y es un excelente ejemplo de su estilo manierista. "La Vista de Toledo" (c. 1596-1600): Un paisaje dramático y atmosférico, ubicado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que muestra su habilidad para capturar el espíritu de un lugar.

Manierismo en la Arquitectura y la Escultura

Arquitectura:

El manierismo en la arquitectura se caracteriza por la manipulación de formas clásicas de manera inusual y a veces contradictoria. Los arquitectos manieristas a menudo jugaron con las reglas del clasicismo, creando edificios que desafían las expectativas convencionales. Un ejemplo notable es el Palazzo del Te en Mantua, diseñado por Giulio Romano, que presenta fachadas engañosamente sencillas y interiores sorprendentemente elaborados.

Escultura:

En escultura, el manierismo se caracteriza por figuras alargadas y poses dramáticas. Benvenuto Cellini, uno de los escultores manieristas más destacados, creó obras como "Perseo con la cabeza de Medusa", que muestran una combinación de virtuosismo técnico y dinamismo emocional.

Manierismo en la Literatura y el Teatro

El manierismo también influyó en la literatura y el teatro de la época. En la literatura, el manierismo se manifestó en una mayor complejidad y artificiosidad en el lenguaje, con un énfasis en la retórica y las metáforas elaboradas. El teatro manierista a menudo presentaba tramas complejas y personajes multifacéticos, reflejando la naturaleza intrincada y emocionalmente intensa del arte visual manierista.

Impacto y Legado del Manierismo

El manierismo dejó una marca duradera en la historia del arte, sirviendo como un puente entre el Renacimiento y el Barroco. Aunque en su tiempo fue criticado por su alejamiento de los ideales renacentistas, hoy en día se valora por su creatividad y su capacidad para transmitir emoción y complejidad. Artistas posteriores, como Caravaggio y los maestros del Barroco, se vieron influidos por los avances y experimentos del manierismo.

Por lo tanto:

El manierismo no solo representa una fase de transición entre el Alto Renacimiento y el Barroco, sino que también es una manifestación de la inquietud y la complejidad cultural de su época. Este movimiento artístico, que se desvió de los cánones clásicos de belleza y proporción, abrió nuevas posibilidades para la creatividad y la expresión emocional en el arte.

El manierismo desafió las normas establecidas y permitió a los artistas experimentar con la forma, la composición y el color de maneras innovadoras. Su enfoque en la distorsión y la elongación de las figuras humanas, así como su uso audaz del color, reflejan una búsqueda de expresión más personal y emocional. Las obras manieristas, con su tensión y dinamismo, capturan una intensidad emocional que contrasta marcadamente con la serenidad y el equilibrio del Renacimiento.

Los artistas manieristas, como Pontormo, Parmigianino, El Greco y Bronzino, no solo crearon algunas de las obras más intrigantes y complejas de la historia del arte, sino que también influyeron en las generaciones posteriores de artistas. Su legado se puede ver en el desarrollo del Barroco, donde el dramatismo y la emoción intensa se convirtieron en características fundamentales.

Además, el manierismo tuvo un impacto significativo en la arquitectura y la escultura, demostrando que este movimiento no se limitó a la pintura. En arquitectura, los manieristas jugaron con las formas y las proporciones clásicas, creando edificios que desafiaban las expectativas convencionales. En escultura, el enfoque en la elegancia estilizada y las poses dramáticas continuó desafiando los ideales clásicos.

El manierismo también dejó su huella en la literatura y el teatro, mostrando su influencia más allá de las artes visuales. Este estilo literario y teatral se caracterizó por su complejidad y artificiosidad, reflejando la misma búsqueda de expresión y emocionalidad que se veía en la pintura y la escultura.

En resumen, el manierismo es un testimonio de la capacidad del arte para evolucionar y adaptarse a los cambios culturales y sociales. Al desafiar las normas establecidas y explorar nuevas formas de expresión, los artistas manieristas ampliaron los límites del arte y crearon un legado duradero que continúa siendo estudiado y apreciado hoy en día. Este movimiento nos recuerda que la historia del arte no es una progresión lineal, sino una serie de respuestas creativas y a menudo disruptivas a las condiciones cambiantes del mundo.

El manierismo, con su complejidad y su búsqueda de lo sublime a través de la distorsión y la exageración, sigue fascinando a los historiadores del arte, los artistas contemporáneos y los amantes del arte por igual. Su estudio nos ofrece una comprensión más profunda de cómo los artistas de diferentes épocas han tratado de capturar la esencia de la experiencia humana en sus obras.

[willianysarquitectura]

III PARCIAL

Fachada este del Louvre y el Barroco

La fachada Denon del Louvre es la fachada este del museo, que da a la Place mente entre 1667 y 1670. Aunque se considera una obra importante de la arquitectura clasicista francesa, no presenta características típicas del barroco.

La fachada Denon del Louvre es la fachada este del museo

La fachada Denon es conocida por sus elementos decorativos en estilo neo-barroco, que incluyen columnas corintias, frontones, frisos y esculturas ornamentales. Esta fachada se caracteriza por su riqueza ornamental y su simetría, características típicas del estilo barroco. La fachada Denon es una parte importante del Museo del Louvre y ha sido restaurada y renovada a lo largo de los años para preservar su belleza histórica.

Diseño y Estilo

Diseño y Estilo: La fachada, diseñada en un estilo barroco clasicista comedido, sigue las reglas establecidas por el antiguo arquitecto romano Vitruvio. Las columnas corintias geminadas, modeladas siguiendo estrictamente a Vitruvio, contrastan con un vacío en sombra y pabellones en los extremos. La entrada central tiene forma de arco de triunfo con un frontón elevado sobre una base alta y de aspecto defensivo.

El actual Louvre está conformado por una serie de alas y pabellones, tiene cuatro niveles que son el resultado de todas sus modificaciones, la fachada fue hecha por el arquitecto Claude Perrault (1613-1688) y es famosa por sus columnatas que tienen un estilo Barroco italiano.

Este último parcial me gustó muchísimo la dinámica ya que no fue abrumador y el tema lo comprendí a la perfección.

[scarletescobar30]

Comenta

¿Qué no conocías y que te llamo la atención o que conocías y ves de una manera?

Personalmente no conocía a este arquitecto, pero viendo la clase, escuchando los podcast e investigando un poco más sobre él, pude saber sobre su vida (nació en 1508 en el norte de Italia), la mayor parte de su vida adulta se la paso en Vicenza, desde sus primeros años se destacó en diversas disciplinas como el dibujo, la geometría, aritmética, perspectiva, historia y artes previas de la arquitectura civil, además fue un arquitecto tan influyente que invento su propio estilo “El Palladianismo”, reinterpretó en ella la arquitectura de la antigua “Roma” para aplicarla en su propio tiempo, creía que sus principios flexibles de diseño podían aplicase a cualquier tipo de edificio desde el más grandioso al más modesto, fue nombrado arquitecto mayor de la República Véneta, Palladio ha sido realmente reconocido como una figura clave de la arquitectura de la edad moderna, gracias a sus cuatro libros de la arquitectura, que escribe tras todo lo estudiado, principalmente en Vitruvio (vasado en la proporción y los órdenes arquitectónicos antiguos) fue publicado en Venecia e ilustrado por Palladio, escrito en Latín vernáculo muy tradicional en esa época.

El primero se trata sobre las herramientas de un arquitecto y las cosas que se deben considerar y prevenir antes de comenzar un edificio (la utilidad, la firmeza y la hermosura), los ordenes que se usaron fueron el toscano, dórico, jónico, corintio y compuesto explicando cada uno con las normas de proporción.    

El segundo libro está dedicado a la arquitectura domestica (las casas), en que Palladio incluye viviendas nuevas, urbanas y de campo, es decir, palacios y villas tanto griegas y romanas este libro se centra en la importancia de las viviendas en la arquitectura otorgando un papel primordial antes ocupado por el templo y otro tipo de edificaciones un ejemplo de ella es la “Villa la Rotonda.”   

El tercero basándose en “Vitruvio,” Palladio se centra en la construcción y organización de calles, plazas, palacios, puentes, basílicas y distintos equipamientos urbanos, primero define la parte dedicada a la antigüedad, que trata de edificios y obras públicas.

El cuarto libro se trata sobre los templos y en el analizaba el lugar que redestinarse en su desplazamiento hasta los tipos de distribución de los mismos más numerosos descripciones y comentarios de templos antiguos a los que añade de manera excepcional, el conocimiento de estos estilos y su estudio formaron su propio estilo, absolutamente clasicista, pero muy innovador al mismo tiempo con respecto a lo que se hacia por entonces.

¿Qué vemos en la obra de Palladio que nos indique que es clásico (o que no es)

En mi opinión personal, Palladio si era clásico, porque para ser un de los mejores arquitectos del siglo XVI, tuvo que estudiar como habían logrado los Romanos crear ciertas estructuras tan interesantes y estables para aquel entonces, y para su arquitectura esa era la base solo que lo adapto a su época.

¿Qué podemos tomar de la obra de Palladio para implementar en nuestro proceso de diseño hoy?

Yo tomaría todo su aprendizaje (todo lo que escribió en sus libros) porque es la base de la arquitectura, claramente nosotros como futuros arquitectos debemos aprender de nuestros antepasados, y tomar todas esas enseñanzas para crear nuevas estructuras o mejorar la que estan ya realizadas (todas las edificaciones actuales hoy en día).

Algunos aspectos que confirman el carácter clásico de la obra de Palladio:

Inspiración en la antigüedad: Palladio estudió profundamente los tratados de arquitectura romana, especialmente los de Vitruvio. Se inspiró en las formas clásicas como templos, basílicas y arcos, adaptándolas a sus diseños.

Uso de elementos clásicos: Los edificios de Palladio se caracterizan por el uso de elementos clásicos como columnas, frontones, entablamentos, arcos y bóvedas. Estos elementos se combinan de manera armoniosa y proporcional, creando una sensación de orden y equilibrio.

Búsqueda de la belleza y la armonía: Palladio buscaba crear edificios que fueran bellos y armoniosos, tanto en sus proporciones como en sus formas. Para ello, utilizaba la simetría, la geometría y la perspectiva.

Influencia en la arquitectura posterior: La obra de Palladio tuvo una influencia profunda en la arquitectura posterior, especialmente en el neoclasicismo de los siglos XVIII y XIX. Sus diseños fueron copiados e imitados por arquitectos de todo el mundo.    

¿Cierras esta segunda unidad con un edificio favorito?  

Si, es la Villa la Rotonda

 ARQUITECTO:                  AÑO:                      UBICACIÓN:

 ADREA PALLADIO         1567-1570              VICENZA, ITALIA 

“De todas las villas que el arquitecto renacentista véneto Palladio (Andrea di Pietro della Góndola) hace en la campiña de Vicenza, ésta, la denominada Villa Rotonda (villa Capra, o villa Capra-Valmarana) es la más famosa.

Fue edificada entre el año 1567 – 1570, en un paisaje ideal, construida como mansión de un funcionario del Vaticano, llamado Paolo Almerico, que después de ejercer una serie de cargos al servicio de Pío IV y Pío V, regresó a Vicenza, cargado de dinero.

Su nombre, Rotonda (redonda), deriva de su planta, un círculo perfecto dentro de un cuadrado, formando una composición totalmente simétrica, con un pórtico tradicional de templo delante de cada fachada.” (Villa Rotonda, 2017)

Las imágenes:

(“Villa Rotonda, Andrea Palladio”, 2015) 

Villa Rotonda, Andrea Palladio. (2015, septiembre 28). Blogspot.com. https://artchist.blogspot.com/2015/09/villa-rotonda-andrea-palladio.html 

Información:

(Villa Rotonda, 2017)

      VillaRotonda. (2017, enero 22). WikiArquitectura. https://es.wikiarquitectura.com/edificio/villa-rotonda/ 

Alumna: Scarlet Escobar

[joseandrestabarnia]

Título: Estatuilla de Marte-Cobannus

Artista/Creador: Desconocido

Fecha: 125-175 d.C.

Medio: Bronce

Dimensiones: Objeto (con base): 76 × 25 × 18 cm (29 15/16 × 9 13/16 × 7 1/16 pulg.)

Objeto (de la figura): 65 cm (25 9/16 pulg.)

Lugar: Imperio Romano (Lugar de Creación)

Galia Oriental (Francia), Francia (lugar encontrado)

Cultura: galorromano

Número de objeto: 96.AB.54

Inscripciones:

Inscripción: Inscripción dedicatoria en la base: "AVG[vsto] SACR[vm] DEO COBANNO/ L[vciuvs] MACCIVS AETERNVS/ IIVIR EX VOTO" Traducción: "Sagrado al venerable dios Cobannus, Lucius Maccius Aeternus, duumvir [dedicó esto] conforme a un voto"

Una figura juvenil viste un traje típico de las provincias romanas del norte: túnica de manga larga, calzas y manto abrochado con un broche redondo. En la cabeza lleva un casco romano contemporáneo, en lugar del tocado clasicista que se encuentra en la mayoría de las esculturas romanas. El blanco de sus ojos es plateado y el iris perforado. La pose de la figura parece extraña ahora, pero originalmente sostenía una lanza en su mano derecha levantada y apoyaba su mano izquierda sobre un escudo. La inscripción en latín en la base dice: "Sagrado al venerable dios Cobannus, Lucius Maccius Aeternus, duumvir , [dedicó esto] de acuerdo con un voto". La estatua probablemente representa a Cobannus, una deidad local que equivalía a Marte, el dios romano de la guerra. La familia de Lucius Maccius Aeternus se conoce por otras inscripciones en la Galia y debe haber sido importante, ya que un duumvir era uno de los dos magistrados principales de una colonia romana.

Se dice que esta estatuilla fue encontrada en Francia, en la provincia romana de la Galia, junto con el par de bustos con retratos y el cofre de ofrendas. Probablemente todas estas piezas se exhibieron juntas en un santuario local de Iuventus, una organización juvenil romana.

Imagen e información de la web del museo Getty.

[trastornadosrevista]

TELESCOPIOS está de vuelta con su nuevo single “SUPERARLO”

La banda de Córdoba regresa con un adelanto de su cuarto disco.

Telescopios presenta “Superarlo”, su primer tema en más de un año, y adelanto de su inminente cuarto álbum. Si con "Ganas" y "Corriendo" –presentadas a finales de 2022– la banda comenzaba a coquetear con un sonido clasicista, con esta canción y sus guiños icónicos al rock nacional de los 80 se completa de forma contundente la paleta conceptual sónica de su futuro próximo. Avanzando hacia una forma cada vez más sintética y directa de lírica, “Superarlo” sienta sus bases en la exposición de una realidad derrotadora y derrotista en la que vive nuestra sociedad actual, marcada por el establishment de post verdades y crisis culturales sin precedentes.

La canción fue grabada en Gran Rosa Estudio y La Playa por Santiago Ludueña, Matias Konstantinides, Ruben Ordóñez, Bernardo Ferron y Rodrigo Molina y En El Mar por Nicolas Btesh. Mezclada por Bernardo Ferrón y masterizada por Rubén Ordoñez.

La canción está interpretada por Rodrigo Molina en voz, bajo, guitarras y sintetizadores; Bernardo Ferrón en guitarras, programación y sintetizadores; Israel Zac y Nicolas Btesh en sintetizadores y piano; Santiago Ludueña en batería; Diego Tercel con las percusiones y Milagros Ugarte realizando los coros.

[placapetri]

La contrapartida [de la ciudad universitaria] era la construcción de la ciudad histórica, la que se vivía todos los días, la «real», la que no formaba un gueto de privilegiados. En ella la prédica del Movimiento Moderno fue fatal. Héctor Velarde recuerda cómo en Perú «casa y casitas surgieron como suspendidas en zancos por medio de pilotes, se vieron fajas y líneas verticales, adornos superiores en forma de abanico y luego se pasó al cubismo chato y todos los chalets se cubrieron con salientes como viseras». Agregaba: «fue un desastre. Si hay algo que necesita mucha cultura, que en el fondo es conocimiento del pasado, justamente es lo nuevo». En otro enfoque coincidente, Octavio Paz recordaba en Postdata: «cierto, cuando llegó el progreso a la moderna, nuestra casa se desmoronaba, la que hemos construido en su lugar, aparte de albergar a una minoría de los mexicanos, ha sido deshabitada por el espíritu. Pero el espíritu no se ha ido, se ha ocultado». La explicación insensible e insensata de los elementos canónicos de la modernidad metropolitana llevó a que en el Cusco se intentara reconstruir la ciudad, destruida parcialmente por un terremoto en 1950, con edificios sobre pilotis, y alguno de ellos llegó a hacerse según el plan de los arquitectos «modernos» dirigidos por Miró Quesada. (...) En ese contexto podemos recordar las reflexivas palabras de Alberto Prebisch, uno de los pioneros del racionalismo, que en 1939 decía: «muchas veces, ante estos recientes bloques blancos, heredados de ventanas sin gracia, sucios de vejez prematura, en que se manifiesta la nueva arquitectura porteña, no se puede menos que lamentar la desaparición de ciertos standards clasicistas que por lo menos conservaban algo de la virtud ancestral de los modelos». Nobleza obliga. Prebisch reclamaba por lo menos copiar bien y con calidad.

Ramón Gutiérrez

[gabrielacaicaguare]

Palladio - Giulio Argán

Conclusión grupal

Después de una investigación y una charla en clases pusimos llegar a las siguientes conclusiones:

Giulio Carlo Argán que fue un Profesor y político decide escribir este ensayo donde busca argumentar el anticlasicismo de Palladio. En principio lo compara con diferentes personajes como lo son Milizia, Winckelmann y Mengs que fueron exponentes del Neoclasicismo y de esta manera a pesar de que en un principio podríamos pensar que Argán nos está presentando a Palladio como un referente del Neoclasicismo, nos damos cuenta de que este no es su propósito, sino más bien, nos quiere mostrar como a pesar de que este tiene características que lo podrían sitiuar como un neoclasicista, este no termina de serlo. Argán nos explica como Palladio toma elementos clásicos, pero los usa de tal forma que sale de los estándares clásicos que se perfeccionaron durante el Renacimiento, logrando una reinterpretación de los mismos y obteniendo nuevas cualidades espaciales, este “absurdo”, como dice Argán, nos lleva a ver que, dentro de los esquemas clásicos, los gustos de Palladio no tienen cabida y expresan la antítesis de lo estético.  La innovación de Palladio consigue una dualidad de valores entre distintos elementos. En caso de los órdenes, ya no tienen solamente un valor estructural, sino que adquieren una importancia meramente decorativa y compositiva para la época en términos de perspectiva.

A pesar de la influencia evidente de la arquitectura clásica en sus obras, el texto sugiere que Palladio no puede ser etiquetado fácilmente como clasicista. Más bien, nos sumerge en la esencia del pensamiento arquitectónico de Palladio, destacando su singular manera de abordar la arquitectura. Nos hace cuestionar la idea preconcebida de asociar a Palladio con movimientos estilísticos específicos como el clásico, romano, renacentista o barroco, ya que su enfoque escapa a estas categorías.

Argán hace un análisis crítico de Palladio para explicarnos como, según su punto de vista, es totalmente anticlásico, finalmente nos presenta esta idea de la fórmula del cromatismo de Palladio que según Argán “es la única, de hecho, que puede explicar el valor luminoso, que es fundamental para la expresión artística de Palladio. El efecto máximo al que tiende este artista es la yuxtaposición del negro y del blanco, es decir, de la máxima intensidad de oscuro y la máxima intensidad de claro...” de esta manera también nos presenta a Palladio como un artista en cierta medida, pero aún después de todas estas comparaciones nos damos cuenta de que él parece encajar en todo y en nada a la vez, Palladio básicamente maneja la Yuxtaposición de diferentes elementos logrando así un estilo único y siendo así vemos que no hay una corriente en la que podamos encasillar a Palladio, llegando así a la conclusión de que no hay una conclusión a la que podamos llegar con Palladio, él puede ser analizado desde diferentes puntos de vista y puede encajar en cualquiera de estos.

Aunque el texto presenta un argumento contundente, los lectores somos instados a reflexionar y formar nuestras propias opiniones. Mientras el autor sostiene que Palladio no se adscribe a ninguna corriente arquitectónica de su época, el texto deja espacio para la interpretación y la discusión. Desde nuestra perspectiva, basada en experiencias en clase, compartimos la noción de que Palladio no puede ser fácilmente clasificado dentro de los confines de un estilo arquitectónico específico. Su impacto trasciende las etiquetas tradicionales, y tal vez, Palladio representa un movimiento arquitectónico en sí mismo, influenciando y transformando el paisaje arquitectónico de su tiempo y más allá.

Grupo #5

Mariana Bonilla

Dubrasca Maldonado

Alessandro D'Agostino

Gabriela Caicaguare

[alessandrodag]

Parcial II

PARCIAL II. EQUIPO #5: PALLADIO.

Después de una investigación y una charla en clases pudimos llegar a las siguientes conclusiones:

Giulio Carlo Argán que fue un Profesor y político decide escribir este ensayo donde busca argumentar el anticlasicismo de Palladio. En principio lo compara con diferentes personajes como lo son Milizia, Winckelmann y Mengs que fueron exponentes del Neoclasicismo y de esta manera a pesar de que en un principio podríamos pensar que Argán nos está presentando a Palladio como un referente del Neoclasicismo, nos damos cuenta de que este no es su propósito, sino más bien, nos quiere mostrar como a pesar de que este tiene características que lo podrían sitiuar como un neoclasicista, este no termina de serlo. Argán nos explica como Palladio toma elementos clásicos, pero los usa de tal forma que sale de los estándares clásicos que se perfeccionaron durante el Renacimiento, logrando una reinterpretación de los mismos y obteniendo nuevas cualidades espaciales, este "absurdo", como dice Argán, nos lleva a ver que, dentro de los esquemas clásicos, los gustos de Palladio no tienen cabida y expresan la antítesis de lo estético. La innovación de Palladio consigue una dualidad de valores entre distintos elementos. En caso de los órdenes, ya no tienen solamente un valor estructural, sino que adquieren una importancia meramente decorativa y compositiva para la época en términos de perspectiva.

A pesar de la influencia evidente de la arquitectura clásica en sus obras, el texto sugiere que Palladio no puede ser etiquetado fácilmente como clasicista. Más bien, nos sumerge en la esencia del pensamiento arquitectónico de Palladio, destacando su singular manera de abordar la arquitectura. Nos hace cuestionar la idea preconcebida de asociar a Palladio con movimientos estilísticos específicos como el clásico, romano, renacentista o barroco, ya que

su enfoque escapa a estas categorías.

Teniendo en cuenta que, para los tiempos de la formación de Palladio, el manierismo era el nuevo movimiento que desplazaba paulatinamente al renacentista, un movimiento que buscaba todo lo contrario de la tradición clásica. Siendo los protagonistas del mismo la complejidad, la tensión en la composición y la inestabilidad como nuevas formas de representación, ajenas a la proporción y a la armonía que caracterizaba a la arquitectura de los antiguos. Por otro lado, tenemos a la obra de Palladio que se sirve de los cánones clásicos, pero los reinterpreta de una forma distinta, rompiendo las tipologías prestablecidas, más coherente, más racional, su propia forma, una que se separa por completo de los congéneres de su profesión quienes habían abrazado por completo al manierismo.

Argán hace un análisis crítico de Palladio para explicarnos como, según su punto de vista, es totalmente anticlásico, finalmente nos presenta esta idea de la fórmula del cromatismo de Palladio que según Argán "es la única, de hecho, que puede explicar el valor luminoso, que es fundamental para la expresión artística de Palladio. El efecto máximo al que tiende este artista es la yuxtaposición del negro y del blanco, es decir, de la máxima intensidad de oscuro y la máxima intensidad de claro..." de esta manera también nos presenta a Palladio como un

artista en cierta medida, pero aún después de todas estas comparaciones nos damos cuenta de que él parece encajar en todo y en nada a la vez, Palladio básicamente maneja la Yuxtaposición de diferentes elementos logrando así un estilo único y siendo así vemos que no hay una corriente en la que podamos encasillar a Palladio, llegando así a la conclusión de que no hay una conclusión a la que podamos llegar con Palladio, él puede ser analizado desde diferentes puntos de vista y puede encajar en cualquiera de estos.

Aunque el texto presenta un argumento contundente, los lectores somos instados a reflexionar y formar nuestras propias opiniones. Mientras el autor sostiene que Palladio no se adscribe a ninguna corriente arquitectónica de su época, el texto deja espacio para la interpretación y la discusión. Desde nuestra perspectiva, basada en experiencias en clase, compartimos la noción de que Palladio no puede ser fácilmente clasificado dentro de los confines de un estilo arquitectónico específico. Su impacto trasciende las etiquetas tradicionales, y tal vez, Palladio representa un movimiento arquitectónico en sí mismo, influenciando y transformando el

paisaje arquitectónico de su tiempo y más allá.

[durchiq]

PARCIAL II - conclusión grupal

Lectura de Guilio Carlo Argan - El Anticlasicismo de Palladio

Después de una investigación y una charla en clases pusimos llegar a las siguientes conclusiones:

Giulio Carlo Argán que fue un Profesor y político decide escribir este ensayo donde busca argumentar el anticlasicismo de Palladio. En principio lo compara con diferentes personajes como lo son Milizia, Winckelmann y Mengs que fueron exponentes del Neoclasicismo y de esta manera a pesar de que en un principio podríamos pensar que Argán nos está presentando a Palladio como un referente del Neoclasicismo, nos damos cuenta de que este no es su propósito, sino más bien, nos quiere mostrar como a pesar de que este tiene características que lo podrían sitiuar como un neoclasicista, este no termina de serlo. Argán nos explica como Palladio toma elementos clásicos, pero los usa de tal forma que sale de los estándares clásicos que se perfeccionaron durante el Renacimiento, logrando una reinterpretación de los mismos y obteniendo nuevas cualidades espaciales, este "absurdo", como dice Argán, nos lleva a ver que, dentro de los esquemas clásicos, los gustos de Palladio no tienen cabida y expresan la antítesis de lo estético. La innovación de Palladio consigue una dualidad de valores entre distintos elementos. En caso de los órdenes, ya no tienen solamente un valor estructural, sino que adquieren una importancia meramente decorativa y compositiva para la época en términos de perspectiva.

A pesar de la influencia evidente de la arquitectura clásica en sus obras, el texto sugiere que Palladio no puede ser etiquetado fácilmente como clasicista. Más bien, nos sumerge en la esencia del pensamiento arquitectónico de Palladio, destacando su singular manera de abordar la arquitectura. Nos hace cuestionar la idea preconcebida de asociar a Palladio con movimientos estilísticos específicos como el clásico, romano, renacentista o barroco, ya que su enfoque escapa a estas categorías.

Teniendo en cuenta que, para los tiempos de la formación de Palladio, el manierismo era el nuevo movimiento que desplazaba paulatinamente al renacentista, un movimiento que buscaba todo lo contrario de la tradición clásica. Siendo los protagonistas del mismo la complejidad, la tensión en la composición y la inestabilidad como nuevas formas de representación, ajenas a la proporción y a la armonía que caracterizaba a la arquitectura de los antiguos. Por otro lado, tenemos a la obra de Palladio que se sirve de los cánones clásicos, pero los reinterpreta de una forma distinta, rompiendo las tipologías prestablecidas, más coherente, más racional, su propia forma, una que se separa por completo de los congéneres de su profesión quienes habían abrazado por completo al manierismo.

Argán hace un análisis crítico de Palladio para explicarnos como, según su punto de vista, es totalmente anticlásico, finalmente nos presenta esta idea de la fórmula del cromatismo de Palladio que según Argán "es la única, de hecho, que puede explicar el valor luminoso, que es fundamental para la expresión artística de Palladio. El efecto máximo al que tiende este artista es la yuxtaposición del negro y del blanco, es decir, de la máxima intensidad de oscuro y la máxima intensidad de claro..." de esta manera también nos presenta a Palladio como un

artista en cierta medida, pero aún después de todas estas comparaciones nos damos cuenta de que él parece encajar en todo y en nada a la vez, Palladio básicamente maneja la Yuxtaposición de diferentes elementos logrando así un estilo único y siendo así vemos que no hay una corriente en la que podamos encasillar a Palladio, llegando así a la conclusión de que no hay una conclusión a la que podamos llegar con Palladio, él puede ser analizado desde diferentes puntos de vista y puede encajar en cualquiera de estos.

Aunque el texto presenta un argumento contundente, los lectores somos instados a reflexionar y formar nuestras propias opiniones. Mientras el autor sostiene que Palladio no se adscribe a ninguna corriente arquitectónica de su época, el texto deja espacio para la interpretación y la discusión. Desde nuestra perspectiva, basada en experiencias en clase, compartimos la noción de que Palladio no puede ser fácilmente clasificado dentro de los confines de un estilo arquitectónico específico. Su impacto trasciende las etiquetas tradicionales, y tal vez, Palladio representa un movimiento arquitectónico en sí mismo, influenciando y transformando el paisaje arquitectónico de su tiempo y más allá.

Historia II - Dubrasca Maldonado - parcial II

[alejandrotexidore]

Gehry vs Moneo

Uno de los arquitectos contemporáneos más aclamados y polémicos es el canadiense Frank Gehry, cuyos diseños futuristas y esculturales contrastan drásticamente con el estilo más sóbrio y clasicista del español Rafael Moneo. Mientras que Gehry opta por formas fluidas, curvilíneas y casi surrealistas, Moneo prefiere líneas rectas, geometrías simples y una estética más bien conservadora. Gehry se ha hecho mundialmente famoso por edificios como el Museo Guggenheim de Bilbao, el Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles o la Fundación Louis Vuitton en París. Estas extravagantes creaciones se caracterizan por paredes y paneles metálicos de formas irregulares que se pliegan, tuercen y expanden de manera orgánica. Son volúmenes escultóricos que evocan el movimiento y que ignoran las nociones tradicionales de arquitectura.

Los interiores fluidos y diáfanos contrastan con las fachadas recargadas y casi caóticas. Por su parte, Moneo ha diseñado importantes museos como el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida o el Museo del Prado en Madrid, así como numerosos edificios universitarios y religiosos. Sus diseños son más bien sobrios, funcionales y depurados, con tendencia a la simetría, la austeridad en los materiales y el equilibrio entre los elementos constructivos. Moneo suele optar por formas geométricas simples como cubos, prismas y pirámides truncadas, evitando cualquier tipo de ornamentación o espectacularidad.

Mientras el estilo de Gehry ha sido ampliamente celebrado como visionario e innovador, también ha recibido críticas por su falta de funcionalidad práctica y su priorización de la forma sobre la utilidad. Asimismo, la complejidad técnica y altos costos de sus creaciones orgánicas resultan controversiales para algunos. En contraste, Moneo es visto como un arquitecto más mesurado y serio, que antepone siempre las necesidades reales del edificio sobre el simple lucimiento estético. Su lenguaje más universal y atemporal también facilita la integración de sus obras en entornos históricos.

En definitiva, tanto los fluidos diseños escultóricos de Gehry como los respetuosos pero innovadores edificios de Moneo representan dos maneras complementarias de concebir la arquitectura contemporánea. Sus contrastantes enfoques y estilos enriquecen el panorama arquitectónico actual combinando experimentación radical con sobriedad clasicista.

[blog-de-jose-joel]

El redescubrimiento del manuscrito de Arquímedes: Una historia perdida que podría haber cambiado la ciencia

Autor

José Joel Ibañez Padilla

Resumen

Este artículo académico narra la fascinante historia del manuscrito de Arquímedes, un antiguo documento que estuvo perdido durante más de mil años y que contiene ideas revolucionarias del genio griego Arquímedes. El manuscrito, conocido como "El Método", fue redescubierto en el siglo XX, desvelando la profundidad de los logros matemáticos de Arquímedes, que estuvo siglos adelantado a su tiempo. A través de imágenes multiespectrales y tecnologías de rayos X, se revelaron no solo los siete tratados matemáticos de Arquímedes, sino también otros textos clásicos. Entre los hallazgos más notables se encuentra el "Stomachion," un acertijo matemático que demuestra que Arquímedes ya había avanzado en el estudio de la probabilidad, una teoría que se creía que había surgido en épocas posteriores. Además, el manuscrito muestra cómo Arquímedes exploró conceptos relacionados con el infinito y el cálculo, anticipando la ciencia moderna.

Introducción

Esta es la historia de un libro perdido que podría haber cambiado la historia del mundo. Durante más de mil años, un manuscrito olvidado albergó los tesoros matemáticos y científicos de uno de los pensadores más brillantes de la antigüedad, Arquímedes de Siracusa. Este artículo se adentrará en la emocionante narrativa de la recuperación de ese manuscrito, titulado "El Método," y explorará cómo las ideas contenidas en él habrían revolucionado la ciencia si no hubiera permanecido perdido por tanto tiempo.

Cuestiones Metodológicas

Método Heurístico.

Se conoce como heurística al conjunto de técnicas o métodos para resolver un problema. La palabra heurística es de origen griego εὑρίσκειν que significa “hallar, inventar”.

La heurística es vista como el arte de inventar por parte de los seres humanos, con la intención de procurar estrategias, métodos, criterios, que permitan resolver problemas a través de la creatividad, pensamiento divergente o lateral.

Resultados

Arquímedes realizó experimentos famosos, como el de la corona del rey, en el cual determinó si estaba mezclada con plata midiendo su volumen sumergiéndola en agua. estimó el valor de π (pi) al inscribir y circunscribir polígonos regulares alrededor de un círculo. Su aproximación de π es 3.1408 < π < 3.1429 y sigue siendo útil en la ingeniería. Y cabe recalcar que unas de las obras incluidas es el "Stomachion," que trata sobre la combinatoria y es esencial para la teoría de la probabilidad. Los expertos sugieren que si el manuscrito no se hubiera perdido, habría tenido un impacto significativo en el desarrollo de las matemáticas y, por ende, en la evolución de la ciencia en general.

Discusión de los Resultados

Los hallazgos en el manuscrito de Arquímedes abren nuevas perspectivas sobre la contribución de Arquímedes al desarrollo de las matemáticas y la ciencia. Su capacidad para abordar conceptos relacionados con la probabilidad y el infinito, junto con su utilización de técnicas matemáticas avanzadas, sugiere que Arquímedes estaba mucho más avanzado de lo que se pensaba en su época. Su trabajo habría tenido un impacto significativo en el desarrollo de las matemáticas y la ciencia si no se hubiera perdido.

Recomendaciones

Este artículo destaca la importancia de la preservación y recuperación de textos históricos para avanzar en nuestro entendimiento de la ciencia y la matemática. Se recomienda la continuación de esfuerzos para descubrir y preservar manuscritos antiguos que puedan contener valiosos conocimientos científicos y matemáticos. Además, se sugiere fomentar la colaboración interdisciplinaria entre científicos, conservadores, clasicistas e historiadores para abordar la recuperación de estos documentos con éxito.

El manuscrito de Arquímedes es un recordatorio de que el pasado puede albergar tesoros que siguen siendo relevantes para la ciencia y la matemática modernas, y que su redescubrimiento puede tener un impacto significativo en el desarrollo de estas disciplinas. Por lo tanto, se recomienda un mayor apoyo a la investigación y preservación de manuscritos antiguos.

Referencias bibliográficas