#estilo Art Noveau

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Royal Dux. Porcelana que todavía hoy atrae la atención de los coleccionistas y amantes de las antigüedades.

Y su vida no es precisamente corta. Ni tampoco ha sido fácil. Fue fundada en la década de 1850 por Eduard Eichler en la pequeña ciudad de Duchov (para situarnos con mayor claridad en el mapa, digamos que está a unas dos horas al noroeste de Praga), la capital de la recién formada República Checa. Recreando diseños históricos de Inglaterra, Dinamarca y Francia en el siglo XIX, la firma se especializó en estatuas y bustos neoclásicos de alta calidad de estilo Art Noveau, grandes figuras de porcelana y jarrones ornamentados con figuras tridimensionales.

Casi un siglo más tarde, llegando a la década de 1940, la empresa ya había producido más de 12.000 moldes diferentes. Exportaba figurillas de porcelana y loza de maestros diseñadores como Alois Hampel y Jaroslav Jezek a todo el mundo. Eso sí, su recorrido no es tan sencillo, durante su vida, la compañía ha sobrevivido a la ocupación nazi y a la turbulenta historia de su nación.

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Soy ilustradora y escritora. Estudié Bellas artes en la universidad de Málaga. Hago ilustraciónes para libros,prints, pinto cuadros por encargo y hago cartelería. Mi estilo está muy influenciado por el folklore celta y el art noveau de los años 20.

Pero soy muy versátil y pinto lo que me pidan.

Uso técnicas mixtas. Puedo hacer tu pedido en acrílico, óleo, lápices, digital, acuarelas, etc.

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GENERAR UN ESTILO PROPIO EN FUNCIÓN DEL DISEÑO.

Este artículo se centra en la discusión que hubo, y que sigue existiendo, rodeando el campo o umbral del diseño occidental, y que en sus argumentos plantea la idea de nuevas formas de expresión visual, pero más allá de conceptos señalando nuevas estructuras de pensamiento. (Bauhaus)

Discusión, debate o tan solo ideas que en su medida han sido olvidadas por el diseñador, pero que nunca dejaron de estar presente en el subconsciente de muchos académicos, inclusive artistas, a los cuales, revisando, siempre han mostrado una opinión subjetiva del comportamiento del diseño gráfico en la sociedad, específicamente en algunos espacios del tiempo.

La tendencia, el comportamiento y su expresión visual, su marca, la forma y la función que expresa es medida por el espacio en la que el diseñador se encuentra rodeado, claro ejemplo de esto, son sus hábitos, su estilo y su práctica, como la comparación que existe entre el diseño gráfico holandés y el diseño gráfico en Latinoamérica, circunstancias muy diferentes entre estas sociedades hacen que las tradiciones estén vinculadas con las ideas y representaciones visuales que se dan en esta disciplina.

El minimalismo específicamente la escuela Bauhaus (1930) que gráficamente se identifica o se relaciona al orden, a la reducción de elementos, de vivir con lo necesario, el no consumo. Concepto o arquetipo que nació de una vinculación del pensamiento que se daba en una parte del mundo. Así como lo mínimo, crecieron muchos movimientos (el Art Noveau, o modernismo, rompiendo con los estilos predominantes, siendo este una crítica al alcance del arte y la belleza, democratizándola y volviéndola más asequible a elementos de uso ordinario), pero más importante tomadas como referentes o inspiracionales en la práctica y uso que hace el diseñador de su trabajo. 

Lo interesante está cuando miramos hacia Latinoamérica, pareciera un continente olvidado para el diseño, pero nuestros antecedentes no siendo tan grandes, preceden a algunos diseñadores, específicamente hablo de Colombia, como a Ómar Rayo.

(La obra de Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Su obra demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro. Ómar Rayo utiliza el rastro de los ancestros indígenas, para descubrir nuevas maneras de ejecutar y presentar esquemas visuales y geométricos). 

Cita tomada de : http://omarrayo.com/

Así como Rayo en Colombia, está Dickens Castro, David Consuegra y otros, que vinculando sus tradiciones y hábitos creados por el entorno a sus obras, hacen de ellos un claro referente de lo que el diseño como función debe expresar, teniendo en cuenta que el diseño no expresa una emoción como lo hace el arte, sino una necesidad, y es la representación visual que los hace identificables, así en México con Abelardo Rodríguez González y Argentina con Jimena Ferreira.

Hoy en día, el diseñador de una manera promedia su estilo gráfico, obteniéndolo de muchos referentes, pero olvidando que tiene en su entorno un antecedente propio que podría servir a su oficio y que en función del tiempo, como actividad colectiva, se podría generar tendencia, así como es reconocido el diseño holandés o suizo, podríamos dar a conocer a nuestra manera el diseño latinoamericano, no sin olvidar los grandes diseñadores que existen hoy en día en estas latitudes.

Sergio Riaño

Orugax Studio

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Descubriendo bélgica

Aunque sea uno de los países más pequeños de Europa, Bélgica es un territorio que comprende ciudades impresionantes con sus cascos históricos medievales, y otras más modernas y cosmopolitas que combinan una agitada vida nocturna con delicias gastronómicas, como el chocolate belga y la extensa variedad de cervezas artesanales.

Es un país fácil de recorrer por lo que se puede realizar un itinerario para un corto tiempo, y aunque suele ser uno de los destinos olvidados por los turistas, tiene pueblos de cuento y entretenidas ciudades que compiten con cualquiera de sus países vecinos.

BRUJAS

Esta es una de las ciudades más mágicas y pintorescas para conocer en el país belga. Declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, tiene un casco histórico medieval lleno de canales, con edificios característicos construidos con ladrillos y fachada de colores.

Es una visita que se puede realizar en un día, en la que se recomienda perderse por sus calles empedradas y recorrer a la “Venecia del Norte”, con sus rincones increíblemente bien conservados entre los que se destacan la Grote Markt, el Parque Minnewater y el Muelle del Rosario.

GANTE

Es otra de las ciudades que se caracterizan por su asombroso estilo medieval, con una gran actividad nocturna, ya que más de la mitad de la población son estudiantes que la llenan de vida.

La mayoría de sus sitios de interés se encuentran dentro del centro histórico por lo que es muy sencillo de conocer. No se debe abandonar Gante sin visitar el Castillo de Gravensteen y el Puente de San Miguel, desde donde se pueden apreciar las tres torres más icónicas de esta ciudad, las de la Catedral de San Bavon, la Iglesia de San Nicolás y el Campanario del Ayuntamiento.

BRUSELAS

La capital de Bélgica es la ciudad más grande de este pequeño país, una ciudad con edificios medievales y también del Art Noveau que la hacen sumamente atractiva.

Uno de sus emblemas es la Grand Place, una de las plazas más lindas de Europa, con edificaciones góticas y barrocas que le dan un toque único.

Con una amplia oferta de sitios de interés entre los que se pueden mencionar a la estatua del Manneken Pis, el Parque Real de Bruselas, la Catedral de San Miguel y Santa Gudula, la lindísima iglesia gótica de Notre Dame de Sablon o el Atomium, construido para la Exposición Universal en el año 1958.

La capital tiene además una gran oferta gastronómica con platos y postres característicos, además de sus chocolates y cervezas.

AMBERES

Es la segunda ciudad más grande de Bélgica y su puerto es uno de los más importantes del continente, lo que la convirtió en uno de los centros comerciales más importantes de Europa.

El paseo por la Grote Mark, la réplica de la Grand Place de Bruselas, es obligatorio. Se encuentra rodeada de edificios renacentistas como la Catedral de Nuestra Señora, la mayor construcción religiosa de todo el país o la Casa Museo del pintor barroco Peter Paul Rubens, en la que vivió durante sus últimos años.

Y en Amberes hay un comercio de diamantes, cuyo tráfico se concentra en el barrio de los diamantes, repleto de tiendas y talleres muy prestigiosos a nivel mundial. Es posible, a través de una visita guiada, observar el trabajo de algunos de los mejores talladores del mundo.

LOVAINA

Se encuentra tan solo a media hora de Bruselas y es una de las ciudades universitarias más importantes, con la universidad más antigua, que data del año 1425.

Además de su sede universitaria tiene un Ayuntamiento del siglo XV que merece la pena admirar. Tiene más de 230 estatuas de personajes bíblicos, santos y destacados personajes de la historia de la ciudad.

Y también se recomienda ir a beber una cerveza en el Oude Markt, el bar más grande del mundo, donde se continúa respirando el aire estudiantil.

DINANT

Es, sin lugar a dudas, una de las ciudades más lindas y fotografiables para conocer en Bélgica. Se encuentra a orillas del río Mosa y encasillada entre rocas que le brindan un particular encanto.

Es una ciudad muy pequeña que tiene dos grandes atractivos turísticos como la ciudadela a orillas del río y su Colegiata de Notre Dame. La ciudadela se construyó en el año 1048 arriba del acantilado, por lo que para llegar se puede subir por teleférico o a pie subiendo más de 400 escalones. Pero el esfuerzo vale la pena para poder ver las vistas del pueblo que nos regala.

Muy cerca de allí se encuentra también la Cueva de la Merveilleuse, una de las más asombrosas, que cuenta con numerosas estalactitas y cascadas subterráneas.

MALINAS

El centro neurálgico de esta ciudad es la Grote Markt, donde se pueden visitar su catedral y su ayuntamiento entre otros edificios barrocos, y el edificio que despierta gran interés, la gran Torre de la Catedral de San Romualdo para comprender un poco sobre su historia. Para llegar a la cima se debe subir por una escalera de 514 escalones, pero si bien este dato puede resultar desalentador, las vistas recompensarán el esfuerzo.

Y una particular manera de conocer el centro histórico es a bordo de un barco por el Dijle, para tener una perspectiva de la ciudad diferente, o también caminando por las pasarelas flotantes de casi 2 kms. de longitud.

Originally published at on https://estilosviajes.com/March 10, 2023.

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Por riesgo de desprendimientos, removerán el arco de entrada al centro de City Bell

📬 Por riesgo de desprendimientos, removerán el #arcodeentrada al centro de #CityBell ▶️ #LaPlata | #Servicios | #Urbanismo 📲

A partir de un profundo estudio del estado de la estructura y de determinar riesgo de desprendimientos, la Municipalidad de La Plata decidió remover el arco de ingreso a la calle Cantilo, entrada al centro comercial de City Bell. Instalarán uno nuevo manteniendo las características de la zona.Según se informó, la Dirección de Restauración de Patrimonio Urbano realizó un relevamiento de la…

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MUJERES ARTISTAS DEL ART NOUVEAU, MODERNISMO Y ART NAIF

ART NOUVEAU

La historiografía ha condenado a las mujeres artistas del Art Noveau a un doble olvido: por el hecho de ser artistas del Art Nouveau, un estilo que durante décadas no ha sido valorado, y por el hecho, una vez más, de ser mujeres. Y si bien es cierto que en la sociedad del período Art Nouveau existía una gran discriminación de género que no ofrecía un entorno de igualdad que permitiese a las mujeres triunfar en el ámbito tradicionalmente “masculino” de las bellas artes, también es cierto que nuestra sociedad no comparte esa visión y que el estudio y la comunicación de la historia del arte del Siglo XXI tiene el deber de compensar esa discriminación.

Gerda Wegener, registrada al nacer con el nombre Gerda Marie Fredrikke Gottlieb (Hammelev, 15 de marzo de 1885 (quizá 1889) - Frederiksberg, 28 de julio de 1940), fue una pintora, ilustradora e ilustradora erótica danesa.

Tras vivir en provincias, se fue a Copenhague para inscribirse en la Academia de Bellas Artes. Allí mismo se casó en 1904 con el artista Einar Wegener.

En París, conoció un gran éxito como pintora e ilustradora de publicaciones como Vogue, La Vie Parisienne o Fantasio. Especialmente polémicas y admiradas fueron las doce acuarelas de contenido erótico y lésbico que pintó en 1925 para el libro Doce sonetos Lascivos de Louis Pearceau.1 De vuelta a su país, comenzó a cosechar gran reconocimiento gracias a su éxito parisino, y expuso en la Galería Ole Haslunds de Copenhague en varias ocasiones. Su carrera estaba bien edificada en un talento sobresaliente y alimentada por las peculiaridades de su matrimonio.

Gerda, que para muchos era una artista con más talento que su pareja, dejó aparcada su carrera para ayudarla, convirtiéndola en su modelo femenina favorita. Acompañó y apoyó a Lili en su transición, cuya operación fue la primera de un personaje público en 1930. El rey de Dinamarca declaró su matrimonio nulo en octubre de 1930.

En 1931, Gerda se casó con el oficial italiano Fernando Porta (1896-), con quien se mudó a Marruecos, donde intentó seguir con su carrera en vano. Finalmente se divorciaron en 1936, y la artista regresó a Dinamarca en 1938. Expuso por última vez en 1939, ya sin mucho éxito, y murió en julio de 1940.

En 2015 se estrenó un film sobre el caso, La chica danesa, dirigido por Tom Hooper y protagonizado por Eddie Redmayne en el que Alicia Vikander interpreta a Gerda. Por su interpretación impecable de la artista, Vikander ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto.

Libros ilustrados por Wegener[editar]

Le Livre des Vikings de Charles Guyot (1920 ou 1924)

Douze sonnettes lascifs de Louis Pearceau (1925)

Une Aventure d'Amour à Venise de Giacomo Casanova. Le Livre du Bibliophile. Georges Briffaut. Collection Le Livre du Bibliophile. Paris. 1927.

Les Contes de La Fontaine (1928-1929).

Contes de mon Père le Jars & Sur Talons rouges de Eric Allatini (1929)

Fortunio de Théophile Gautier (1934)

Margaret Macdonald, de casada Margaret Macdonald Mackintosh (Tipton, Staffordshire, 5 de noviembre de 1864-Chelsea, 7 de enero de 1933) fue una pintora, ilustradora y decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow, un grupo artístico cercano al modernismo y simbolismo. Los otros miembros destacados del grupo fueron su marido, Charles Rennie Mackintosh, su hermana Frances Macdonald y el marido de esta, Herbert MacNair, también conocidos como The Four (Los Cuatro). Esta escuela destacó especialmente en arquitectura y artes decorativas, y situó la ciudad escocesa de Glasgow como uno de los epicentros del modernismo internacional —también conocido como Art Nouveau en Francia o Modern Style en Reino Unido

Hija de un ingeniero que dirigía una mina de carbón, estudió con su hermana Frances en la Orme Girls' School de Newcastle-under-Lyme. En 1890 su familia se estableció en Glasgow y las hermanas entraron a estudiar artes decorativas en la Escuela de arte de Glasgow.1 En 1896 crearon la empresa de decoración Macdonald Sisters Studio en 128 Hope Street, Glasgow. En 1900 casó con el arquitecto Charles Rennie Mackintosh, con el pasó a colaborar en estrecha relación, además de con su hermana y el marido de esta, Herbert MacNair, que formaron el núcleo de la llamada Escuela de Glasgow.

El grupo se dio a conocer en la Exposición de Artes y Oficios de Londres de 1896. Su objetivo principal era la obra de arte total, para lo que diseñaban con esmero hasta el último detalle de sus obras, desde el diseño arquitectónico hasta la decoración y todos los elementos presentes en sus construcciones (mobilario, papales pintados, vidrios, metalistería, objetos decorativos, etc.). Cada objeto forma parte de un conjunto planificado, fuera del cual pierde sentido.2

Margaret se dedicó especialmente a la decoración de interiores, como en sus famosas decoraciones para varios salones de té de Glasgow, como la Willow Tea Room (1903). Su estilo decorativo era lírico y estilizado, con tendencia a la fantasía y preferencia por las formas redondas, en el que destacan los elementos vegetales —principalmente brotes y pimpollos de rosa— y unas etéreas figuras femeninas de influencia prerrafaelita.3 Por otro lado, en algunos de sus diseños se halla un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop.4 Otras influencias fueron los modernistas ingleses Aubrey Beardsley y Charles Francis Annesley Voysey, cuya obra conocieron a través de la revista The Studio, así como el arte celta tradicional.5

Utilizó preferentemente la acuarela, con un acabado parecido al esmalte, y trabajó a menudo con incrustaciones en madera, gessos, cloisonnés y repujados en oro y plata. También diseñó mosaicos, vidrieras y bordados.

Pese a su maestría e innovación artística, apenas se habla de las mujeres visionarias del mundo del arte moderno en las corrientes históricas principales.

«Cuando observas la forma en que se ha escrito la mayor parte de la historia del arte [de la época modernista], si se menciona a estas mujeres, se mencionan de pasada», afirma Deborah Gaston, directora de educación y compromiso digital en el Museo Nacional de Mujeres Artistas. «Muchas también se relacionaron con otros artistas que forman parte de ese círculo. Continúa la narrativa de ellas como seguidoras en lugar de innovadoras creativas por derecho propio».

Estas son seis mujeres ignoradas que han tenido un impacto importante en la escena del arte moderno.

Sonia Delaunay: la madre del orfismo

Nacida en Ucrania el 14 de noviembre de 1885, Sara Élievna Stern creció usando el nombre de «Sonia». Delaunay estudió arte en Alemania y Francia, donde más tarde se casó con el marchante Wilhelm Uhde en París. Esta unión evitó que su familia la obligara a volver a casa y también sirvió de tapadera de la homosexualidad de Uhde.

Además de su educación artística tradicional, Delaunay fue una gran fuerza en el mundo de las artes decorativas, con un talento especial para las telas y el diseño de interiores. Tras su divorcio amistoso de Uhde y su matrimonio con el pintor francés Robert Delaunay en noviembre de 1910, los Delaunay impulsaron el orfismo, una variante abstracta y vibrante del cubismo y del arte futurista.

«Siempre cambiaba todo lo que me rodeaba», decía Delaunay. «Hice que mis primeras paredes fueran blancas para que nuestros cuadros tuvieran un mejor aspecto. Diseñé mis muebles; lo he hecho todo. He vivido mi arte».

En 1964, Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer artista viva que tuvo una exposición en retrospectiva en el Louvre en París.

Marie Laurencin nació en París el 31 de octubre de 1883. La crió su madre y estudió arte con Georges Braque, que contribuiría al desarrollo del movimiento cubista.

Laurencin creó cuadros, acuarelas, dibujos y grabados. Es una de las pocas pintoras cubistas, junto con Delaunay, y desarrolló un enfoque único de la abstracción. Los tonos pastel y las figuras esbeltas en sus obras les dan una estética femenina. Pintó retratos de celebridades parisinas, incluyó animales en sus cuadros y produjo escenarios de teatro.

En 1983, se inauguró el Musée Marie Laurencin en Japón, convirtiéndose en el único museo de arte especializado del mundo centrado en una mujer artista. El museo alberga más de 600 obras de Laurencin en su archivo.

Aleksandra Exter: la rebelde de la escuela de arte

Aleksandra Exter, también conocida como Aleksandra Aleksandrovna Ekster, nació en Białystok, Polonia, en el seno de una familia bielorrusa acomodada el 6 de enero de 1882. En el transcurso de su educación privada estudió idiomas, música y arte y finalmente adquirió fama internacional en el panorama artístico europeo.

En la Escuela de Arte de Kiev, Exter se mezcló con otros artistas que reaparecerían en la vanguardia rusa. En 1908, se casó con un abogado de Kiev y ambos se convirtieron en destacados personajes culturales e intelectuales. Se mudaron a París, donde Exter estudió una temporada en la Académie de la Grande-Chaumière hasta que la expulsaron por rebelarse contra la visión artística de la institución.

El estilo de Exter se hizo cada vez más radical y vanguardista con el tiempo. Pasó por el impresionismo, el cubismo, el cubofuturismo y el arte no objetivo con pinturas abstractas de paisajes, formas geométricas y bodegones. Su obra es dinámica y, además de sus exposiciones, la artista de múltiples talentos destacó en su trabajo escénico e ilustraciones de libros.

Sophie Taeuber-Arp: la visionaria sin fronteras

Sophie Henriette Gertrude Taeuber nació en Davos, Suiza, el 19 de enero de 1889. Estudió dibujo en la Escuela de Artes Aplicadas en Saint Gallen y, a continuación, diseño textil en Alemania. También aprendió a tejer, a hacer artesanía con cuentas y a bailar.

Taeuber-Arp fue influyente en el Café Voltaire de Zúrich y en 1928 se mudó a la zona de París. Su obra como pintora, escultora y arquitecta —por no mencionar como consumada diseñadora de muebles y de interiores— seccionó las fronteras entre los diferentes géneros de arte.

Adoptó el modernismo y el dadaísmo, e incluso creó disfraces y marionetas para actuaciones dadá. Colaboró con otros artistas como su marido Hans para producir espectáculos, coreografías, textos y obras de arte.

Como guiño al legado de Taeuber-Arp, el gobierno suizo rediseñó el billete de 50 francos en 1995 para incluir su retrato.

Natalia Goncharova: la innovadora experimental

El 21 de junio de 1881, Natalia Goncharova nació en una familia de la élite de Nagaevo, Rusia. Empezó sus estudios en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú en 1901, inspirándose en los impresionistas, en especial en Auguste Rodin.

Como pintora, la obra de Goncharova tiene notas de la mezcla de lo sagrado y lo profano. Parte de su arte incluye a trabajadores rurales rusos realizando tareas cotidianas repetitivas, pero su estilo tradicional se presta a la interpretación religiosa. La formación formal en arte de Goncharova acabó en 1909 cuando la expulsaron del Instituto de Moscú por no haber pagado la matrícula.

Goncharova también trabajó en el sector textil y, con su marido y también artista Mikhail Larionov, exploró los estilos vanguardistas rusos que llevarían a futuros movimientos artísticos. Las obras de Goncharova en el rayonismo y el futurismo influyeron a sus contemporáneos rusos y fueron cruciales para guiar la abstracción futura.

Tarsila do Amaral: la revolucionaria con raíces

Do Amaral, a la que suelen conocer como Tarsila, nació el 1 de septiembre de 1886 en Capivari, Brasil, en el seno de una familia acomodada de productores de café. La familia de Tarsila apoyó sus propósitos educativos, animándola a que asistiera a la escuela en Barcelona, donde empezó a interesarse por el arte.

Tarsila comenzó su educación formal en arte en 1916, estudiando escultura, dibujo y pintura, pero el conservador mundo del arte brasileño y la falta de recursos creativos limitó su exposición. Los viajes a París la ayudaron a ampliar sus horizontes artísticos y finalmente se integró en el Grupo dos Cinco, un movimiento de artistas que promovían activamente la cultura brasileña sin emplear estilos tradicionales europeos.

«Quiero ser la pintora de mi país», escribió Tarsila en 1923. Su estilo de mezclar iconos locales brasileños con estética vanguardista ayudó a configurar el arte moderno de Brasil, y su legado perdura hasta la actualidad.

ART NAIF

María del Carmen Mondragón Valseca (Nahui Olin) nació en Tacubaya (México) en 1893, en el seno de una familia perteneciente a la burguesía mexicana, debido al trabajo del padre,  trasladaron su residencia a París cuando la niña apenas contaba cuatro años. En Francia Carmen permaneció en un internado donde recibió formación en danza clásica, pintura, literatura y teatro,a los diez años, ya destacaba por su innata sensibilidad para escribir, especialmente poesía.

A su vuelta a Ciudad de México se casó con Manuel Rodríguez Lozano, pero poco tiempo después, debido a la irrupción de la Revolución Mexicana, la pareja se instaló nuevamente en París uniéndose al grupo de artistas que en aquellos momentos encabezaban el movimiento de las primeras vanguardista como Diego Rivera, Georges Braque, Henri Matisse y Pablo Picasso. Al estallar la Primera Guerra Mundial Carmen y Manuel se refugiaron en San Sebastián, donde se cree nació su único hijo, que al parecer murió por asfixia. Desde la muerte del niño la relación entre ambos se fue deteriorando y Carmen regresó sola a su país natal, donde se sumergió completamente en la vida artística compartiendo largas veladas bohemias junto a Dolores del Río, Antonieta Rivas Mercado, Frida Kahlo, Tina Modotti, María Izquierdo, José Vasconcelos, David Alfaro Siqueiros, Xavier Villaurrutia, Guadalupe Marín, Tereza Montoya, José Clemente Orozco, Lupe Vélez y Salvador Novo.

En 1921 se separó de Manuel después de descubrir la homosexualidad de su marido, mientras ella destacaba por sus ideas avanzadas y su actitud que algunos tachaban de provocadora.

Apoteosis del General Mondragón

Su belleza fascinó al artista plástico Gerardo Murillo, más conocido como Doctor Atl, con quien sostuvo una relación amorosa intensa y enfermiza que duró casi cinco años y de la que se conservan más de 200 cartas escritas por ella. Atl la bautizó como Nahui Olin, que según el artista significa “Renovación continua del Universo”. Este período fue el más fructífero en la producción poética y pictórica en la vida de la artista, con su siempre personalísimo estilo naif.

Como modelo, su figura se encuentra ámpliamente representada, tanto en fotografía como en obra pictórica, concrétamente en “La creación” de Diego Rivera,  aparece como Erato, la musa de la poesía erótica, también posó para Jean Charlot y sus desnudos en las fotografías de Edward Weston y Antonio Garduño.

“Me retraté desnuda porque tenía un cuerpo tan bello que no iba a negarle a la humanidad su derecho a contemplar esta obra”

Mondragón formó parte del grupo de mujeres que durante las décadas de 1920 y 1930 produjo uno de los períodos más activos de la cultura y el arte en México, y a las que Elena Poniatowska bautizó como “Las siete cabritas” y en 1935 fundó la Liga Feminista de Lucha contra las Toxicomanías, que buscaba erradicar los vicios que, a su juicio, no permitían el progreso del país; con ella pronto se unió a otros grupos que buscarían el voto femenino, la igualdad de derechos frente a los hombres, acceso al trabajo con apoyos a la maternidad, derecho a poseer tierras, la integración de las mujeres indígenas y el acceso a la educación para todas las mujeres.

Tras terminar su relación con el Doctor Atl, Mondragón conoció al caricaturista Matías Santoyo, con quien viajó a Hollywood. Allí el director Rex Ingram le ofreció aparecer en una película, Carmen no la aceptó por manifestarse contraria a explotar su imagen como símbolo sexual.

Nahui y Agacino frente a la isla de Manhattan

A los cuarenta años conoció al capitán Eugenio Agacino, quien aparece en algunos de sus cuadros, ambos vivieron una relación tan intensa que a la muerte de Eugenio se retiró de la vida pública, optó por una soledad que derivó en locura; vivió con decenas de gatos y deambulando confusa, deshecha, demente, sucia, obesa y en estado de pobreza extrema, cayó para no levantarse jamás. Durante los últimos años de su vida, vivió dando clases de pintura en una escuela primaria y de una pequeña beca del gobierno. Murió en la casa familiar en la que había pasado su infancia a los 85 años de edad.

Séraphine Louis, también citada por algunos autores como Séraphine de Senlis, nació en Arsy-Oise (Francia) en 1864. Procedente de una familia campesina de muy pocos recursos fue hija de un obrero. La historia de Séraphine parece extraída de una novela costumbrista de podredumbre y desgracias ya que cuando apenas contaba con un año de edad falleció su madre. Su padre volvió a casarse, pero también falleció seis años después. La falta de medios la obligó a trabajar en todo tipo de labores para procurarse sustento. Séraphine era pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro y poseedora de una personalidad misteriosa. Empezó como pastora, más tarde como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia y finalmente como criada en diferentes casas de la preciosa ciudad de Senlis, donde era fácil verla caminar, siempre con prisa, por las antiguas callejuelas que rodean su muralla medieval.

Fue una artista autodidacta ya que nunca recibió ningún tipo de formación como pintora, pero en sus tiempos de pastora pudo encontrar materiales en la naturaleza que mediante un proceso intuitivo comenzó a utilizar mezclándolos con la cera de velas que cogía en la iglesia para realizar sus obras. Posteriormente, cuando trabajó como sirvienta, pudo destinar pequeñas cantidades de su salario para adquirir soportes y pigmentos más convencionales. Sabemos muy poco del drama íntimo y aun menos de sus ideas sobre la representación artística porque ella guardaba con riguroso celo el secreto de su pintura, se escondía para que nadie pudiera observar cuando y como realizaba sus cuadros, cómo mezclaba los colores y preparaba los lienzos; pero es conocido que todo ello lo efectuaba con una gran perfección artesana, fruto de muchas horas de ensayo y corrección.

El árbol de la vida (1928) Museo de Arte de Senlis

Vivió en un recogimiento casi monacal en su pequeña habitación y comenzó a pintar -según decía- por indicación de los ángeles y de la Virgen María. Cuando salía del aislamiento iba a hablar, a abrazar a los árboles y las flores. Pintaba en una especie de trance, como un jardinero místico flamantes ramilletes tras los cuales ocultaba la tentación de todo lo sagrado: plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas que en los que se adivinan ojos. La casualidad quiso que en 1912, cuando trabajaba como sirvienta, una obra fue descubierta por el coleccionista y crítico de arte Wilhelm Uhde – descubridor de Picasso, Braque y Rosseau – que quedó muy sorprendido al enterarse que la autora de la curiosa obra que esta admirando había salido del talento de la invisible mujer que estaba haciendo la limpieza.

Su carrera fue relativamente corta. En 1930, tres años después y bajo la tutela de su protector realizó la primera exposición de Louis, la crítica la calificó dentro de los “modernos primitivos” y su nombre alcanzó importancia como una de las pintoras naïf del momento. Poco tiempo después Uhde dejó de comprar sus pinturas debido a la Gran Depresión ya que, perseguido por la Gestapo, se vio obligado a regresar a Alemania y sus posesiones, incluida su colección de arte, fueron confiscadas por el estado francés.

Probablemente debido a una fuerte depresión, Séraphine Louis ingresó en el área de psiquiatría de un hospital geriátrico de Clermont, pese a su inestabilidad física sobrevivió hasta 1942 en una soledad extrema. Se especula que a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas o más probablemente muriera de hambre por la falta de alimentos que impuso la ocupación alemana de Francia y que fue especialmente letal para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. El pequeño cuerpo de la artista fue enterrado entre anónimos en una fosa común.

Feuilles (1928-29) Coleccion Dina Vierny

De los 200 cuadros que presumiblemente pintó, sólo han sido localizados 70 que pueden admirarse en el Museo de Arte de Maillol (París), el Museo de Arte (Senlis), el Museo de Arte Naif (Niza) y el Centro Georges Pompidou (París).

[jilipollo]

Naked Jilipollo

Pensé mucho en postear esta nota, que ya tiene algo de tiempo que la escribí pero en su momento había decidido dejarla en el olvido, por la paz. 

Desde que comenzaba a adentrarme en este mundo de la ilustración y en cierta medida del arte, escuchaba comentarios por todos lados acerca de los egos enormes que pupulan entre todos y cada uno de los ámbitos artísticos. Y ciertamente me he encontrado con varios casos así, pero vaya, nunca me he llegado a enojar, ni frustrar, ni odiar... por escuchar comentarios ególatras. Incluso siempre busco lo atractivo e interesante de cada argumento y lo utilizo, cuando es posible, a mi favor. De mi probablemente han hablado y, como dice el dicho, “que hablen bien o mal, pero que hablen” (¡hablen de mi por favor, necesito atención!). Y siempre había creído que la gente más grande y profesional, la que comenzó desde cero, auténtica y en verdad trabajadora es la que menos se molesta ni le importan hacer comentarios de ese tipo. Pero veo que siempre puede haber alguna excepción, puesto que supongo no todos tenemos esa misma esencia. 

Quizá les parezca a algunos este post repetitivo, necio, “ardido” o que busco llamar de alguna manera la atención. Tengo mis razones para haberme decidido a postearlo finalmente, y espero que el inglés no sea impedimento para comprender mis motivos... Disculpen si lo escribo en este idioma, pero tenía que ser así por el objetivo y naturaleza del mismo post.

I never really do this kind of things; I consider one shouldn’t make “enemies” unnecessarily, and I think I shouldn’t give my opinion more than what is strictly necessarily. But I think in certain circumstances I take the risk to harm my soul if I don’t express what I think and would damage my integrity. So I’ll say what I have to say carefully, I think hiding is a bad idea.

I got an email from a popular illustrator a while ago, where she basically claimed I was “stealing her style”. Her name is Yuko Shimizu, a Japanese illustrator based in NY. It certainly surprised me when I read it, and knowing about her popularity, well, it certainly made me feel insecure about myself and made me have my doubts about my work. So I was thinking about this situation over and over, remembrating all those things and situations that were forging and enhancing the way my work look like, what made me came up with my style and also my REAL influences. I also asked the opinion to a couple of Art Directors (who also knew her work) from NY and, honestly, they didn’t agree with her. So, I kindly replied to her email in the most proper, respectful and nice way I could and gave my opinion to her, which, of course, differed to what she wrote (if you’d like to read that post, click HERE).

I’ve already posted a few of the original great masters who used that simple but precise and elegant stroking (like Shunbaisai Hokuei), where I took a bit from it to use in my own style.

Ya había posteado algunos de los grandes maestros originales quienes utilizaban ese simple pero preciso y elegante trazo (como Shunbaisai Hokuei), de donde tomé un poco de ello para usarlo en mi estilo.

Some occidental classical painters from different art movements such as Impressionism, Fauvism, Art Noveau, etc. took that king of stroking and colouring technique for their own painting styles “La Modiste”, from Alexandre Charpentier.

También varios pintores occidentales clásicos de varias corrientes como el Impresionismo, Fauvismo, Art Noveau... retomaron este tipo de trazo y coloreado para sus pinturas. “La Modiste”, de Alexandre Charpentier.

I sent the email. I didn’t know what to expect... if there was something to expect. I started to check my social network and, just after I sent the email, I found a post on her Facebook fan page where she was talking about this “creepy” guy (me) who copies her work in every detail he could, and even the videos he uploads are made exactly “in the same” way she does (yeah, in the same way most of illustrators do, with a mobile). Then, just after that, I realized she blocked me from all her social media. Yes, really. I found this reaction a bit strange for her... age. But most important, I really thought it was very inappropriate to talk about me with all of her followers like that.

I hoped she eventually would reply my email at least, which I think was the most reasonable and respectful thing to do instead of saying those crappy things about me in the internet. I waited, and waited for weeks, but the email never showed up. By that moment I didn’t want just to know what she thought about my email. What concerned me the most was what she was posting about me, the fact to post it without telling her thoughts directly to me, and that she may continue doing it (I wouldn’t be able to know because she blocked me). As I never received a response, I decided to write another email to her, this time regarding this issue, which I think I had all the right to ask for. Again, everything with all due respect and in the best proper way in my limited English knowledge (Spanish is my mother language). Then, I finally had a response from her. If it can be called a “response”. It was an angry and bitter email where she told me she didn’t reply because my email was “counter-accusatory, dismissive, shunning, and condescending“... And just because there was one guy who didn’t agree with her, which apparently was a “punch” to her ego. It looks like she took all the negative adjectives she could find in a dictionary and throw them to my face. Well, just in case you read this one day Yuko, I think most of them certainly describes your attitude instead.

I think there are quite a few artists out there that has a more similar style as hers (...or maybe the other way around?) . I wonder if she complains with them the same way she did it with me.. Pienso que hay varios artistas que tienen un estilo más similar al de ella (¿o al revés?). Me pregunto si ella se queja de ellos de la misma manera que lo hace conmigo..

I also found it quite insulting and totally out of place from her to tell me I couldn’t have written an email in the way I did, and, above that, my English shouldn’t be that fluent, so probably somebody else have written it for me. Well, at least I was making an effort to make it understandable for her, right? Instead, when I invited her to read my past post in my blog, where I copy-pasted her entire email HERE about my first concerns, my real references and influences of my stroking style through facts, quoting great artists (which I am sure are also some of her influences), hoping she could understand and try to keep this in the best terms as possible, she just said she wouldn’t waste her time reading it. Is that fair? Then, after this other email of hers, I decided to ignore it and let it go once and for all. It obviously seemed she was just fatuous, vacuous, angry and trying to defame me in a bad way. So I thought this will take us nowhere. That was a while ago. Nevertheless, this situation has been somehow at the back of my mind all this time...

The reason why I’m posting this came after a friend of mine sent a screenshot of a post where she tells her followers somebody else made a similar illustration as one she previously made. 

This could be true, and that happens all the time with illustrators, but her work is indeed very similar to one from an illustrator colleague, “el Moreno”, who made it before hers. I know there are many works that look similar as somebody else’s work, and most of us have used other works as reference, but it’s a complete different, dishonest and kinda hypocritical thing to be openly claiming “I’m using her style” after looking at her illustration compared with my colleague’s one. So this encouraged me to openly write my thoughts through this way, my social media, just as she did when talked about me.

I hope this post could reach her and hopefully she finally could have some time to read it. Written in English with no “extra help” Yuko.

One last thing: in case you’re reading this, I don’t know if you claim to everyone you feel has a similar style as yours, which I still don’t understand why it bothers you so much instead of looking at it as a compliment, or if you only did this to me. Yuko, you shouldn’t be angry or jealous about somebody else’s work. I don’t think it’s necessary to be like that. Your work is very good too, and surely I have many things in my style that are different from yours and viceversa, which makes us different and unique. And that’s absolutely a great thing! Please stop telling people that “I’m stealing your style”. As I said, your work is great, but I’m not even a big fan of your work. I think you’re  underestimating my skills. And no, I won’t stop posting my work (and videos) on my social media, by the way.

I think the best way to finish my post is quoting the same phrase she wrote in her email: “If I get a reply from you, it’s great. If I don’t, then that’s that. No sweat. But I hope you think about what I wrote”. So, that’s my answer.

Si, a veces también escribo con seriedad, cuando es necesario. Animemos el momento con esta rola de Corine y sigamos chambeando, que hay que pagar estos malditos vicios y excesos.

PS. Compártelo por favor, eso me ayudaría mucho.

[cemeteryexploration]

Boveda Cendon-Minellono

Se ubica sobre calle 26 (la principal) y destaca por su estilo Art Noveau. Es un movimiento arquitectonico que surge como el primer movimiento internacional de ruptura con los estilos academista e historicista imperantes en la Europa del siglo XIX.

Se extendio a la arquitectura, el mobiliario, la grafica, los objetos decorativos y utilitarios, se propuso de algun modo democratizar la belleza y socializar el arte. El arte debia estar en todo y todo debia ser arte. Inspirado en las formas de la naturaleza, el arte japones, su caracteristica son las lineas curvas, la asimetria, exuberancia, sensualidad, fuerza expresiva de la vegetacion, la organicidad, desplegando una gran libertad, belleza y cierta ingeniudad. Tuvo numerosas vertientes y denominaciones segun el pais donde se desarrollo. A Buenos Aires llega de la mano de arquitectos formados en Europa que le dieron una impronta local a todas sus edificaciones. La exposicion del centenario (1910) fue un muestrario de la estetica noveau.

[super-maracaes]

Casa Familia Jiménez Sancho, Cartago)

Casa Familia Jiménez Sancho, Cartago)

Hoy quiero mostrarles esta bellísima casa que fue una de las construidas después del terremoto de Cartago en 1910. Estilo art noveau, victoriano y moderno, muestra la consolidación de nuevos intereses de élite en el país. Fue declarada Patrimonio de Interés Histórico y Arquitectónico en mayo de 1985. (more…)

[afranciscomiradiezblr-blog]

Art Nouveau en porcelana Checa Royal Dux.

Y su vida no es precisamente corta. Ni tampoco ha sido fácil. Fue fundada en la década de 1850 por Eduard Eichler en la pequeña ciudad de Duchov (para situarnos con mayor claridad en el mapa, digamos que está a unas dos horas al noroeste de Praga), la capital de la recién formada República Checa. Recreando diseños históricos de Inglaterra, Dinamarca y Francia en el siglo XIX, la firma se especializó en estatuas y bustos neoclásicos de alta calidad de estilo Art Noveau, grandes figuras de porcelana y jarrones ornamentados con figuras tridimensionales.

Casi un siglo más tarde, llegando a la década de 1940, la empresa ya había producido más de 12.000 moldes diferentes. Exportaba figurillas de porcelana y loza de maestros diseñadores como Alois Hampel y Jaroslav Jezek a todo el mundo. Eso sí, su recorrido no es tan sencillo, durante su vida, la compañía ha sobrevivido a la ocupación nazi y a la turbulenta historia de su nación.

[gabyaprendehistoriadelarte]

Del movimiento Arts and Crafts al Ready Made — Art Noveau y Art Decó

Arts and Crafts 

Situémonos en Reino Unido en la segunda mitad del siglo XIX, un grupo de jóvenes buscaba reafirmar la importancia del diseño y la artesanía en todos los campos del arte, también querían romper la jerarquía de las artes que elevaba la pintura y escultura sobre las otras disciplinas. Durante este movimiento se creaban obras de artesanía tradicional que estuvieran al alcance de las personas sin que se perdiera el valor. 

Una característica importante es que afirmaban que cualquier objeto podía ser arte. 

En cuanto a la arquitectura, desarrollaron dos principios que se vuelven fundamentales hasta hoy en día: El diseño supeditado a la función y la libertad de estilo.

Dos figuras importantes del movimiento fueron los esposos Mackintosh -Charles Rennie y Margaret MacDonald 

Art Nouveau

Siguiendo la línea del Arts and Crafts e inspirado en formas naturales encontramos el Art Nuveau. Situado sobretodo en París, este tipo de arte hacía énfasis en líneas que se vuelven más abstractas, curvas y orgánicas. Se proponía eliminar la distinción entre bellas artes y artes aplicadas.

Algunos exponentes fueron Victor Horta y Hector Guimard, o al otro lado de Europa, Gustav Klimt, que formo parte de un grupo llamado la Secesión de Viena. 

Art Déco 

París en los años 20

Un grupo de artistas que se autodenominaban “Los Modernos” crean la Exposition Internationale des Art Decoratifs donde mostraban arte con líneas más limpias que las del Art Nouveau, que se vuelven más rectas y geométricas. Además, comienzan a incluir la tecnología en la narrativa.

Para comprender este tipo de arte, me gusta pensar en el Gran Gatsby.

De estos movimientos me quedo con cómo cambiaron la manera de ver y hacer arte, de la pequeña revolución que causaron al hacer públicas sus obras. Comprendo ahora el termino Ready Made al que muchos críticos de arte hacen referencia y el poder de transformación al que estos artistas se referían y buscaban con sus obras.

[oscarmuller]

El sueño del reverendo King

El sueño del reverendo King

    El edificio ubicado en el número 427 W. de la Fifth Street de los Ángeles California, había sido construido en 1887, su fachada era una representación del estilo Gótico Español y su interior del Art Noveau, inspirado por el auditorio Louis Sullivan de la ciudad de Chicago; sirvió para varios propósitos, fue destinado al culto religioso y también sala de espectáculos en la que se realizaban…

[europetrip]

Sagrada Familia

Considerada Patrimonio de la Humanidad (aquellos lugares que tienen un valor universal excepcional).

La idea de construcción inicia por Josep Bocabella quien regresa del Vaticano y desea crear en Barcelona un lugar de importancia religiosa similar. La construcción inició en 1882 siguiendo los lineamientos de un arquitecto que tenía en mente un lugar de culto neogótico, sin embargo, en 1883 Antonio Gaudi se hace cargo del proyecto ya que habían diferencias creativas con el arquitecto anterior y modifica el estilo arquitectónico y lo transforma en Art Noveau, este es el proyecto más ambicioso de Gaudi al que le dedicó 43 años de su vida.

Gaudi dedicó su vida al proyecto, lo visionaba como “la catedral de los pobres”, de hecho nunca apresuró la construcción ya que decía “Mi cliente no tiene prisa”, refiriéndose a Dios. Tenía en mente una catedral cn 18 torres, cada una representando a personajes de la Biblia, pero al momento de su muerte en 1926 (atropellado por un tranvía), apenas se había completado el 15-20% de la obra.

El discípulo de Gaudi, Domenec Sugrañes, continúa obra. En 1936 en la Guerra Civil española, los revolucionaros entraron al edificio quemando la cripta y la mayoría de planos de Gaudi, sin embargo, algunos quedaron intactos y con estos se ha continuado la construcción. Los diseños han sido adaptados debido a los faltantes, por lo que nunca se verá en totalidad la obra original de Gaudi.

La obra no presenta ninguna línea recta en su estructura, ya que el concepto de Gaudi era basado en la Naturaleza, la Vida y la Muerte.

Hoy el proyecto está finalizado a un 70% y se estima que estará listo para el 2026 (100 años después de la muerte de Gaudi). Este será el edificio más alto de Barcelona y la iglesia más alta del mundo. La construcción depende de donaciones privadas.

Se pueden apreciar 3 fachadas: Nacimiento, Pasión y Gloria. Gaudí, consciente de que no iba a verlas terminadas, únicamente diseño en su totalidad Nacimiento y Pasión y dejó bocetos para Gloria.

Información importante:

Al visitar Sagrada Familia se debe subir a las torres: Nacimiento y Pasión. No es recomendable que personas con claustrofobia, movilidad reducida o problemas del corazón suban.

Horario: 9am – 8pm

Precio: 26 euros (no incluye visita a torres, no incluye guía)

[viajeenmoto]

La Piedad: un pasaje con historia para estacionar la moto y observar

Marcelo Hidalgo Sola visita un pasaje centenario que sigue intacto a pesar del tiempo , ubicado en el corazón del barrio porteño de San Nicolás. Testigo de una Buenos Aires que se hacía metrópolis hoy, aunque bastante silencioso, sigue aportando color y misterio al barrio.

Las motos del grupo urbano de paseadores en dos ruedas, siempre encuentran esos lugares recónditos de la ciudad de Buenos Aires que están cargados de historias interesantes. Y, el barrio porteño de San Nicolás, es uno de esos barrios que se las trae en cuestión de perlitas urbanas para regalar a sus visitantes.

Por lo pronto las motos se estacionan algunos metros antes de llegar a destino. Al descender de los vehículos, las veredas nos revelan cuánto nos habremos de remontar en el tiempo. Son muy estrechas y la calle aún conserva los viejos adoquines centenarios. Los lugares que nos convocan están a unos metros uno de otro: un viejo pasaje y una iglesia; ambos llevan el mismo nombre para distinguirse en el conglomerado urbano: de La Piedad.

Ciertamente, la iglesia de la Piedad le da el nombre al pasaje que se ubica enfrente sobre la calle Bartolomé Mitre. En antiguo pasaje muestra todo y no esconde nada, luce farolas de época y una reja protege la entrada. Es uno de esos lugares de la ciudad en los que a uno no le gustaría que se haga de noche. No asusta en sí el pasaje, lo que asusta es que de tan misterioso y mudo, luce enigmático. Uno de esos sitios cargados de tensión en sí mismo. Son pocos metros, pero uno contiene la respiración al asomarse.

Cuenta la historia que a fines del siglo XIX, la ciudad comenzaba un proceso de grandes transformaciones urbanas, con un desarrollo edilicio sin precedente alguno. Era el tiempo de la inmigración –explica Marcelo Hidalgo Sola- y la escasez de vivienda en la Buenos Aires de entonces era pronunciada, y muchos inversores, vieron aquí la oportunidad de hacer “su América”. Sin prisa pero sin pausa, se fueron levantando edificios de renta en altura y, también, conjuntos de viviendas con calles internas que procuraron sacar un máximo provecho de la subdivisión de las tierras.

Este pasaje es lo que quedó de aquellas primeras reformas urbanas y fue testigo de las primeras inmensas construcciones que llevaron mucho tiempo en terminarse: 20 años aproximadamente. Escondido entre la calle Bartolomé Mitre entre Montevideo y Paraná, parece un pedacito de barrio injertado en pleno centro.

A través de sus inmensas rejas podemos leer los inolvidables carteles azules que anuncian la entrada y salida de carruajes, que como diría Borges, tienen “el sabor de lo perdido, de lo perdido y recuperado”.

El pasaje es muy raro en cuanto a su formato ya que no es recto, como el común de los pasajes porteños, sino que tiene forma de U. La obra fue comenzada en 1866 por los arquitectos Nicolás y José Canales, y terminada por el arquitecto Buschiazzo. Dato no menor si tenemos en cuenta que este arquitecto diseñó los pórticos del Cementerio de la Recoleta , de Chacarita, la Iglesia La Redonda de Belgrano, la de La Piedad, el mercado de San Telmo , la Bolsa de Comercio , realizó la apertura de la Avenida de Mayo y la lista sigue…

Las viviendas que nuclea este pasaje se pueden dividir en dos modelos según fuera su uso: los departamentos que se alinean a la fachada con los locales comerciales en la planta baja, sobre la calle Bartolomé Mitre y en ambos accesos, y los departamentos que dan al jardín en el corazón de la manzana. Las fuentes urbanas señalan que aquí hay 49 viviendas que tienen su frente sobre el pasaje, y el resto, 65 viviendas, dan sobre las tres calles que lo circundan. En referencia a su estilo se puede señalar que recoge influencias italianas y francesas en el diseño. Esta impronta europeizante, que va del art noveau al renacentismo florentino, es notoria en las arcadas del lado norte del pasaje y en sus amplios balcones, detalles que muestran las preferencias de la progresista generación del 80’, la que convirtió a la Argentina en un poderoso país agroexportador.

Para los más curiosos, el detalle no esperado del recorrido, será el descubrimiento de un mural de arte figurativo contemporáneo en una pared que corre paralela a Bartolomé Mitre. La pared también luce artísticamente decorada con el empeño de una enredadera que la cubre parcialmente y compite en belleza con el diseño del mural. Un rincón verde que le da un toque natural y le suma encanto y que, junto con el mural, se funden para brindar una bella postal urbana de este pasaje que no mengua en encanto a pesar del tiempo que ha transcurrido desde su apertura.

En los días de semana, durante las mañanas y las tardes, el pasaje se llena de vida con el circular de los vecinos que lo vuelven dinámico y actualizan su belleza urbana con el fluir de sus existencias. Entre sus habitantes ilustres el pasaje cuenta en su haber a las glorias del tango como Juan D’Arienzo y Miguel Caló, también el bailarín Jorge Donn, el cómico Alberto Olmedo y el director cinematográfico Enrique Carreras.

Nos despedimos por hoy de este rincón de Buenos Aires y en la próxima publicación les contaremos acerca de la Iglesia de Piedad que es vecina del pasaje y también tiene su encanto e historia.

Originally published at on https://viajeenmoto.com.ar September 1, 2022.

[cofradiastv]

Álvaro Abril diseña una diadema para la Virgen del Dulce Nombre de Bellavista

Álvaro Abril diseña una diadema para la Virgen del Dulce Nombre de Bellavista

Lea la noticia en ABC La hermandad de Bellavista ha dado a conocer el diseño de la nueva diadema para la Virgen del Dulce Nombre, gracias a la donación que va a realizar el grupo joven de la corporación del Viernes de Dolores. El autor del dibujo es el artista granadino Álvaro Abril, mismo autor del boceto del palio. Se trata de una pieza de estilo art noveau y está cargada de un rico lenguaje…

[puck-maga]

La Casa Dorada que alberga la Casa de Cultura de Tarija, Bolivia, es de estilo art noveau y fue diseñada y construida por los arquitectos suizo-italianos Miguel y Rafael Camponovo.

José Strocco, arquitecto y pintor italiano, y Helvecio Camponovo, hermano de los proyectistas y constructores de la Casa Dorada, son autores del decorado de la plafonería y pinturas murales.

En el interior de la Casa Dorada hay un patio claustral a la usanza morisca, alrededor del cual se distribuyen los ambientes, conectados por galerías con columnas decoradas y arcos ojivales, pisos de piedra al estilo mudéjar, pinturas murales y plafonds pintados al óleo con escenas alegóricas de estilo afrancesado.

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