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¿Quién es Six Sex? 5 videos para entrarle a su estética ravetón

Por Antonio Carlos

Imaginen que el perreo se perdió en un rave, chocó contra una laptop cargada de hentai, y despertó en un mundo donde lo erótico, lo queer y controversial bailan hasta el suelo en fiestas underground sin pedir permiso. Y algo así suena Six Sex.

Esta artista argentina nacida en Morón, no hace reggaetón convencional, sino una mutación que, aunque no es novedosa, supone una ruptura con los sonidos complacientes actuales de lo urbano. Así entra en los terrenos de la electrónica, el reggaetón clásico, el neo perreo y construye una propuesta sudorosa, visualmente glitchy y que termina siendo profundamente política por la anti-vía. 

Lo suyo es el ravetón, una mezcla de la cultura raver y beats de reggaetón, mucho de estética de internet actual, anime erótico, y un performance que no le debe nada a nadie. En dicho sentido, Six Sex no está aquí para complacer listas amigables de popularidad. Su música está cabrona para bailar,  incomodar, liberar y encender la pista.

¿Por qué importa Six Sex?

Sacada de las fiestas underground porteñas, esta artista levanta una bandera anticonformista a través de una disidencia audiovisual y corporal. Su música no sólo nos pone a mover el culo, sino que lo hace por medio de narrativas que se alejan de lo vainilla y seguro de la heteronormatividad.

Tanto el performance como la estética de Six Sex se nutren de diversos registros, la cultura digital, guiños al hentai, el pop, el electro y experimentaciones en el terreno de lo urbano. Todo para encarnar explícitamente al deseo. Así tenemos una propuesta que no sólo alude a escandalizar y ser controversial como fines en sí mismos. Sino como la manifestación de aquéllas dinámicas que históricamente se han encontrado más allá de los márgenes de lo heteronormado. Y entonces se convierte en un ejercicio de liberación y empoderamiento a través de lo queer, visibilizando el deseo no normado, apropiarse del reggaetón y la cultura rave como espacios de goce, protesta y posibilidad. 

Su propuesta se vuelve no sólo relevante, sino urgente en un panorama saturado de fórmulas vacías y estéticas domesticadas y con vuelcos retrógradas hacia el conservadurismo y las derechas, tan peligrosos para la comunidad queer y no conformista.

5 canciones y videos para entrarle a Six Sex

1. Tócame (ft. Dillom)

Un tema con energía sucia y sensual, que va del doble sentido y simbolismo visual y lírico, a lo completamente explícito y abierto. Con capas electrónicas y una química explosiva con Dillom. El video parece un cruce entre videoclip noventero, videojuego porno, glitch art y un tutorial de cómo realizar un RCP sexual.

Por favor, que llamen a un doctor Me siento rara, siento mucho calor Vení, seguime, vamos al sillón Abrí la boca, que se viene lo mejor

 2. Bitches Like Me

Empoderamiento sin filtro de su más reciente álbum. Six Sex se planta con voz una voz juguetona pero con un mensaje contundente.

Oh my god, those bitches can’t see All they do is go against me

Una manera para entender su propuesta estética: colores y vestuarios vibrantes y sensuales, frente a una escenografía minimalista. Todo con un delivery que va de lo festivo a lo desafiante.

3. Performance Actitud (Pose)

Aquí entra la escena del ballroom, el voguing y una actitud no conformista y afilada. Y así la canción y el video se convierten en momentos icónicos del goce nocturno.

Es de noche y esta todo bien Aunque mis amigas se porten mal Call me later i don't know what's happening now Me divierte la música El show Performance actitud Pose

Esta canción es uno de esos puentes entre lo bailable y lo performático. Su estética recuerda al under queer que podemos encontrar en Buenos Aires y el resto de Latino América.

4. U&ME

La sexualidad alejada de la monogamia y la heteronormativad en una canción y video. El beat es más suave, pero no por ello menos atrevido.

Papi, dime lo que quieres hacer Ella, vos y él, también Encerrados en el cuarto de hotel We are six, I love sex

Aquí mezcla texturas sonoras y liricales que dan cuenta de la diversidad sexual. Un video que se siente el entrecruce entre el porno y el Dance Dance Revolution.

5. Area 69

Este track se va por los parajes de un viaje enervante, noches de desenfreno y hasta cierto punto grotescas, como alegoría de la escena underground.

Lo que quiero me lo consigo me quiere hacer lío pero es un desconocido A la noche pendiente de mi Pero cuando culeo ya no pienso en ti Miro el celu un porro en la boca me muestra lo que tiene pero ya no tomo coca ah Me dice mala Cuando le queda poca Y ahora cuando sonríe Su cara parece rota

Una referencia sci-fi cruzada por la felación y el cunnilingus, sonorizados con un reggaetón y cumbia villera sucios con tonos cyberpunk. Ideal para cerrar este viaje por el universo ravetón de Six Sex.

La performer argentina, que ha ido abriéndose paso desde el underground, tendrá un concierto en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México el jueves 10 de abril de 2025 a las 19 horas.

Los boletos para el concierto están en 600 pesos mexicanos y pueden conseguirse a través de la plataforma Passline.

Acá pueden escuchar su nuevo EP, X-sex.

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Madvillainy: Celebrando 21 años de un clásico adelantado a su tiempo

Texto por Antonio Carlos

El 23 de marzo de 2004, MF DOOM y Madlib lanzaron Madvillainy, un álbum que, desde lo underground, redefinió los lindes del Hip Hop con una estética adelantada a su tiempo. Los sonidos experimentales y samples singulares de Madlib, así como las letras enigmáticas y flow único de DOOM, han hecho que este álbum haya pasado de ser una obra de culto a una que con cada año que pasa se escucha más y más. Hecho que ha convertido a esta obra en un clásico del Hip Hop. Y hoy les hablaré de algunos datos poco conocidos de esta producción icónica.

De hongos alucinógenos, cannabis y Brasil

En 2002, Madlib viajó a São Paulo para participar en la Red Bull Music Academy. Durante su estancia, produjo una parte importante de los beats del Madvillainy en su habitación de hotel. Para hacerlo echó mano de un tocadiscos portátil, una grabadora de cassettes y un sampler SP-303. En una dinámica de producción que se ha hecho más ubicua en diversos géneros musicales con el paso de los años, en la que músicos y productores crean incluso cuando se encuentran viajando y hospedándose en habitaciones de hotel.

Además, las sesiones de grabación estuvieron marcadas por el consumo de hongos alucinógenos y cannabis, lo que se notó en la impronta psicodélica, onírica -e incluso pesadillezca- del Madvillainy.

¿Benditos cleptómanos?

Catorce meses antes del lanzamiento oficial, una versión incompleta del Madvillainy fue robada y filtrada en internet. En ocasiones, la filtración de producciones puede resultar contraproducente y termina afectando negativamente la distribución y recepción de un álbum. No obstante, ese no fue el caso de esta producción. La filtración, por el contrario, creó una especie de anticipación y hype inigualables en la escena underground, aumentando la antelación con el que el público esperó el lanzamiento oficial del Madvillainy.

La historia detrás de la icónica portada

La portada de Madvillainy, la imagen en blanco y negro de DOOM con su máscara (que ha resignificado a este motivo de la cultura pop) tuvo varios referentes como inspiración. El director de arte de Stones Throw Records, Jeff Jank, reveló hace años en entrevista que la portada del Madvillainy, incluyendo el cuadrado naranja en la esquina superior derecha, fue un guiño al álbum debut homónimo de Madonna (1983).

La foto en blanco y negro me recordó a la portada de Madonna, donde la 'O' era naranja. Quise hacer un pequeño chiste interno con ello. Jeff Jank en entrevista con Egotripland

Comparativa de portadas de Madonna (1983) y Madvillainy (2004)

Jank también compartió que se inspiró en la portada clásica del disco In the Court of the Crimson King de King Crimson, cuyo rostro rojo lo aterrorizaba de niño y deseaba que la imagen de DOOM generara un impacto similar en futuras generaciones.

Portada de In the Court of the Crimson King (1969) de King Crimson

¿Samples de terror en "The Illest Villains"?

Madlib es conocido por su maestría al encontrar samples oscuros y difíciles de identificar. En el track "The Illest Villains", el intro del álbum, sampleó siete películas de terror clásicas: Frankenstein (1931), I Was a Teenage Frankenstein (1957), Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1941), I Was a Teenage Werewolf (1957), Dracula (1958), The Ghost of Frankenstein (1942) y, como cereza del pastel y haciendo un guiño intertextual al título del álbum y el dúo, The Documented History of the Fabulous Villains (1989).

Posters de películas sampleadas en "The Illest Villains" de Madvillainy (2004)

Una (r)evolución en la estructura del Hip-Hop

A diferencia de la mayoría de los álbumes de Rap de su tiempo, Madvillainy no tiene coros ni ganchos tradicionales. El disco está sumido en una estética onírica que visita las costas del Jazz, Soul, Funk, Rap y demás itinerancias sonoras. Las canciones son relativamente breves (la mayoría no supera los tres minutos) lo que crea una experiencia fluida e hipnotizante mientras vamos de la mano de las letras de DOOM. Esta estructura y manera de urdir universos sonoros ha influenciado a generaciones posteriores de artistas (tanto de la música comercial como del underground) y consolidó a Madvillain (MF DOOM y Madlib) como exponentes que revolucionaron el género.

¿Cuáles son sus canciones favoritas del Madvillainy? ¡Díganme en los comentarios!

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Concierto de RaiNao en Antro Juan: Una noche de perreo, disfrute y resistencia

Texto y fotografías por Antonio Carlos

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

RaiNao salió a la tarima de Antro Juan a la una de la mañana del domingo. El antro estaba a reventar para ver a esta artista boricua multidisciplinaria que, desde hace años, viene configurando una carrera muy sólida. Una trayectoria que soportará los embates del tiempo y las veleidades de las tendencias, a diferencia de otras propuestas que se mueven en los terrenos de lo Urbano y se sienten erigidas sobre castillos de naipes. 

No así la carrera de RaiNao, quien se ha tomado el tiempo de experimentar sonora, visual y performáticamente. En el proceso ha sacado muchos sencillos y colaboraciones notables, lanzó su EP, ahora A.K.A. NAO (2022), también su álbum, CAPICÚ (2024), y la reedición de aniversario de éste de 2025. Así pues, RaiNao se presentó en Antro Juan con una labor creativa a cuestas que denota tiempo, esfuerzo y reflexión dedicados, alejados del pavor a la irrelevancia (o de “estar apaga’os”) en una industria que pelea constantemente por nuestra atención. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

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El concierto en Antro Juan se sintió, dentro de su brevedad y sencillez, como un acto de goce y disfrute y también como uno de resistencia (¿Y no son el goce y el disfrute actos de resistencia en un sistema que nos otorga valor en la medida en que producimos?). Hecho que no sorprende viniendo de una artista puertorriqueña, con todo lo que ello implica desde una perspectiva histórica. En dicho sentido, podemos pensar cómo Antro Juan se ha convertido en los últimos tiempos en un espacio de referencia para propuestas musicales emergentes o en ascenso. 

Desde dicha perspectiva, para quienes no han seguido la carrera de RaiNao desde hace años, puede percibirse como una artista en ascenso, aunque artísticamente tiene muchas más tablas que otras personas de su generación que en menos tiempo han logrado fama y notoriedad y no es que se trate de una competencia, aunque el mercado y el sistema económico en que vivimos planteen la producción y consumo del arte y entretenimiento desde dicha perspectiva. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

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Por ello el quehacer creativo de RaiNao supone un acto de agencia y resistencia en una industria que gusta de fórmulas fáciles y complacientes. Aquéllas que están dispuestas a deshacerse de las características incómodas en las que su complejidad y ángulos más interesantes se entrañan, pero que suponen filos que resultan peligrosos a la hora de mercadear esas propuestas a las masas. Mismas que son hiper simplificadas por mercadólogxs a través de segmentaciones de mercado para saber qué, cómo y cuándo venderles. Si bien existe una tradición de mercadear identidades no conformistas, también es cierto que aquéllas que no terminan convirtiéndose en una caricatura de sí mismas y se atreven a mutar con el paso del tiempo, suponen un problema para ser controladas, manejadas y vendidas. Sobre todo cuando se piensa en el afán que tienen muchas disqueras, sellos y productoras de recuperar sus inversiones.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El concierto de RaiNao fue un recordatorio de ello. La artista boricua no tiene empacho en mostrar su lado más artístico, como cuando lleva su saxofón incluso en un espacio tan reducido como la tarima del Antro Juan,  un recordatorio simbólico de cómo figura el arte en su propuesta. Tampoco tiene reparo en habitar narrativas sensuales y eróticas en escena empleando su lado más performático a través de la danza, que nos llevan a asumirnos como seres que no sólo buscamos, sino que merecemos, gozar y disfrutar. Y entonces uno se imagina medios de comunicación, revistas, diarios, televisoras, jefes de programación y publicistas rompiéndose la cabeza: “Esto está demasiado artístico, muy erótico, por demás queer para el gusto heteronormado, ¿Qué hacemos? No sabemos dónde carajos ponerla”. 

Y es que con propuestas como las de RaiNao, difíciles de encasillar en un solo ámbito, el afán de mercantilización se encuentra con diversos obstáculos que no siempre se enfrentan de la mejor manera. Así, volviendo a una noción superficial regida por la narrativa de la comercialización de la carrera musical de RaiNao,  pareciera que su carrera apenas va en ascenso. Entonces llegan las preguntas: ¿Ascenso a dónde? ¿A la fama? ¿Al éxito comercial? ¿A figurar en tendencias y que por fin se recupere la inversión de tiempo, dinero y capital humano en mercadear su propuesta? En medio de estas reflexiones que me quedaron a partir del concierto de la bori en el antro ubicado en la Roma Norte de la CDMX, recuerdo que muchas veces las narrativas del sistema en que vivimos están mediadas por el afán de ganancia más que por la autenticidad artístico-musical, como sea que ésta se manifieste individual o colectivamente al interior de un proyecto artístico. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El público del show respondió con intensidad el performance de RaiNao, quien demostró que utiliza más de un lenguaje para comunicar su propuesta artística. Y es que no sólo emplea su voz para contar las historias de sus canciones. También usa su cuerpo para comunicar a través de la expresividad de la danza. Del mismo modo, conecta con un carisma natural que no se siente trabajado por una agencia que le enseñó a manejar medios y públicos. Así como el empleo de su saxofón, aunque en esta ocasión no utilizó tanto como lo ha hecho en otras presentaciones. Del mismo modo, lleva invitadxs al escenario que son parte del oldschool del Reggaetón, como Randy Nota Loca, o MJ Nebreda, con quien colaboró en su tema “EVA”. Y demuestra la sinergía profunda y el trabajo colaborativo al que ha llegado con su equipo. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

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Así el Antro Juan, en medio de los gritos del público, las canciones coreadas, el perreo y guayeteo, fue testigo de una noche en la que RaiNao volvió a poner el dedo en el renglón: llegó para quedarse, para hacer de su carrera un acto de resistencia frente a las exigencias de una industria que busca mercantilizar las propuestas artísticas, aunque en el proceso se deshagan de todas aquellas características que les permiten conectar con personas no conformistas que están buscando algo distinto entre tantas propuestas idénticas y autorreferenciales, producto de una industria cínica que termina depredándose a sí misma. Por eso creo que dentro de unas cuantas décadas, cuando se escuchen otros géneros alejados de los lindes sonoros del Reggaetón, R&B, Trap y demás estéticas metidas a cojón bajo la categoría de lo Urbano, la discografía de RaiNao habrá trascendido las barreras espacio-temporales y permanecerá como un referente artístico genuino sinónimo de resistencia, mientras otras propuestas habrán quedado en el lugar efímero de entretenimiento de un solo uso.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

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Pueden escuchar la versión de aniversario de CAPICÚ (2025) en plataformas de streaming.

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Descubre estos secretos del Morning View de Incubus: 5 datos que no conocías

Texto por Antonio Carlos

El álbum icónico Morning View de Incubus, lanzado el 23 de octubre de 2001, es una de esas producciones de principios del siglo XXI reconocida por su mezcla de Rock Alternativo, Metal, Funk y otras experimentaciones sonoras. A continuación, les presento cinco datos no tan conocidos sobre uno de los discos más notorios en la discografía de la banda californiana.

1. Grabación en una mansión junto al mar

Para la producción de Morning View, Incubus alquiló una mansión en Malibú, California, ubicada en la calle Morning View Drive, de la que el álbum toma su nombre. Durante poco más de un mes, los integrantes de la banda vivieron y trabajaron en esta casa idílica frente al mar. Allí compusieron y grabaron día y noche los temas que conforman el álbum. El vocalista Brandon Boyd comentó en algún momento que el ambiente relajado de la mansión les permitió conectarse con su creatividad. Este campamento se convirtió en una especie de lugar seguro en el que pudieron crear sin la presión de igualar el éxito de su álbum anterior, el Make Yourself lanzado en octubre de 1999. 

2. Influencia de Björk en "Aqueous Transmission"

El corte etéreo y con tintes Trip-Hop de casi ocho minutos, "Aqueous Transmission", destaca por su empleo del instrumento chino llamado pipa (que Steve Vai le regaló al guitarrista Mike Einziger) y una orquestación de estilo japonés que estuvo a cargo de Suzie Katayama. Brandon Boyd ha mencionado que la canción fue influenciada por la música de Björk, ya que tanto él como Einziger eran admiradores del trabajo de la islandesa y buscaron emular su estilo experimental en este track. Cabe destacar que el último minuto del track son las grabaciones que la banda hizo de ranas croando afuera de la casa en Malibú.

3. Cambio de sonido y rechazo al Rap-Metal

Con el Morning View, Incubus buscó alejarse de manera consciente y deliberada del Rap-Metal, género por demás popular en la época, para explorar un sonido más melódico. Einziger expresó en una entrevista de 2001 que consideraban a la escena del Rap-Metal como "patéticamente ridícula" y que no querían ser parte de ella, lo que los llevó a buscar nuevas direcciones musicales. Incluso alejándose del sonido del Make Yourself que habría resultado una apuesta segura en términos de ventas y figurar en listas de popularidad. 

4. "Nice to Know You" inspirado en una experiencia física

Mucha gente creía que la letra del tema "Nice to Know You" trataba sobre una relación fallida. Sin embargo, ese no era el caso. La realidad tiene qué ver con una experiencia física de Boyd. El cantante se inspiró en una experiencia personal en la que su mano se durmió durante un vuelo a Europa y permaneció entumecida durante diez días. ¿Se acuerdan de la expresión “Pins and needles” que aparece en los versos de la canción? Es una expresión en inglés que sirve para referirse a una sensación de comezón y entumecimiento, también conocida como parestesia.  A medida que la mano de Boyd recuperaba la sensibilidad, el vocalista empezó a experimentar algo parecido a un despertar emocional, que lo llevó a escribir esta canción para narrar la experiencia. 

5. Regrabación del álbum en 2024

En 2024, Incubus lanzó Morning View XXIII, una regrabación completa del álbum original. Esta versión buscó ser una recreación de las canciones, grabada con tecnología moderna y con la madurez musical que la banda ha adquirido a lo largo de los años. Y, del mismo modo, retratando la evolución y altibajos que ha habido al interior de ésta, como los cambios que han habido en la voz de Boyd, integrantes distintos a los que originalmente grabaron el álbum en 2001 y una carrera larga y prolífica a cuestas.

El Morning View no sólo consolidó a Incubus como una banda versátil, dispuesta a experimentar y salirse de los márgenes impuestos por la escena del Rap-Metal y la industria musical, sino que también dejó una huella imborrable en la escena del Rock Alternativo de principios del siglo XXI.

Y este 21 de marzo lxs fans de la banda podrán escuchar el disco íntegro en vivo en la Ciudad de México en el Velódromo Olímpico.

Aquí pueden escuchar el Morning View.

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¡Release party de PISTOLA de Immasoul en CDMX!

Texto y fotografías por Antonio Carlos

Immasoul, la cantante afromexicana de R&B, rompió el escenario del espacio musical Tonal de la Ciudad de México. Con motivo del lanzamiento de su álbum debut PISTOLA nos congregamos en el recinto ubicado en Álvaro Obregón de la colonia Roma Norte y aquí les cuento cómo fue la noche. 

La cita a la release party fue a las nueve de la noche. Durante un par de horas hubo un DJ set sólido por parte de Joaquina Mertz que sirvió para calentar motores y poner a bailar al público. Acto seguido, al punto de las once de la noche, Immasoul salió al escenario. Vestida con un traje entallado negro de fishnet, una cazadora varsity negra con el logo y las letras de EMPIRE, cadenas, anillos y el cabello arreglado en microtrenzas. 

A partir de ese momento la cantante mexicana interpretó quince canciones que la llevaron por los sencillos y temas lanzados desde hace años hasta los nuevos de PISTOLA. Desde el principio hizo explícito su deseo de cantar esos temas previos y no sólo dedicar la velada a cantar de manera íntegra su más reciente producción. Cosa que fue bien recibida por el público, quienes la acompañaron coreando “Wifey Material”, “Cerquita del Mar”, “Dejarte Ir”, “Vuelvo a Ti”, “Real Luv”, “Belize” y “Suerte”. Recordemos que aparte de PISTOLA, la artista cuenta con los EPs Natural de 2021 y Amores Pasajeros de 2023. 

Después interpretó ocho de las once canciones que conforman su debut oficial. Y así nos fuimos en un viaje musical que nos llevó por diversos géneros, pasando por Afrobeats, R&B, Reggaetón, Corrido y más. En el lanzamiento pudimos ver a Immasoul hablar en varias ocasiones. “Siempre hablo poco, pero es mi release party, así que hoy hablaré todo lo que quiera”, dijo con una sonrisa en la cara. La cantante se mostró auténtica, feliz, nerviosa, satisfecha y conmovida estando sobre el escenario.

Algunos de los momentos memorables de la noche fueron cuando subió al escenario al guitarrista, compositor y productor Ilan Bar-Lavi para interpretar “LADIOSA”, el corrido de su nuevo disco. Después trajo a la matatana, la reggaetonera mexicana Charly Gynn e interpretaron “ZUMZUM”, un perreo mexa con todas las de la ley que puso al público a bailar. Por último, introdujo un tema para las grandotas, las mamasotas, las big shorties, esas mujeres que se salen de los estereotipos hegemónicos de belleza. 

Y así cerró la velada, interpretando “BIGSHORTYS”, su corte con el rapero boricua PJ Sin Suela. Durante esta canción lanzó camisetas con la portada del disco al público y después bajó del escenario para perrear hasta el piso con sus fans, quienes la recibieron con alegría. La noche terminó de manera inolvidable con un abrazo grupal entre Immasoul y su público.  

Ya pueden escuchar PISTOLA en plataformas digitales de streaming.

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¡Por ahí viene el Pitchfork Music Festival CDMX Edición 02!

Por Antonio Carlos

El Pitchfork Music Festival CDMX, que en 2025 tendrá su segunda edición, por fin reveló su programación completa. Ésta se llevará a cabo del 2 al 4 de mayo en dos recintos emblemáticos de la capital. Así que lean la información a continuación para que sepan más de lxs artistas que se presentarán, lugares, fechas y precios de esta edición que no deben perderse.

La segunda edición del Pitchfork Music Festival CDMX incluirá a artistas como Beth Gibbons (de Portishead), la rapera británica Little Simz, el rapero y productor estadounidense Earl Sweatshirt (que viene desde los tiempos de Odd Future), la cantautora mexicana Silvana Estrada y muchxs más.

Los recintos que albergarán esta edición del 2 al 4 de mayo de 2025 serán el Estadio Fray Nano (en el que se realizan cada vez más conciertos y festivales), así como la icónica Casa del Lago UNAM.

Viernes 2 de mayo

El  festival empieza el viernes 2 de mayo con el Opening Show en la Carpa del Estadio Fray Nano, ubicado en la Jardín Balbuena. Silvana Estrada presentará "Primera Lluvia" y también habrán shows de Rodrigo Amarante, Tim Bernades, Bedouine y A veces siempre. Cabe destacar que el line up del primer día está curado por la cantautora mexicana Silvana Estrada.

Sábado 3 de mayo

El sábado 3 de mayo probablemente será uno de los días más interesantes en términos musicales que tendremos en la ciudad en la en la primera mitad del año. Y es porque el festival tendrá un día completo de música en el Estadio Fray Nano.

La cartelera del día, que se antoja imperdible, incluye a Beth Gibbons (Portishead), Little Simz, Earl Sweatshirt, Oneohtrix Point Never Live video and puppetry by Freeka Tet, Black Country, New Road, Roc Marciano + The Alchemist, Machine Girl, NAAFI presenta: DJ Fucci, IMAABS B2B ZUTZUT, Ross from Friends presents bubble love, Rejjie Snow, Dummy, Untitled (Halo), Luz Luz Luz! y Rosas. 

Domingo 4 de mayo

La clausura del festival será el domingo 4 de mayo en la Casa del Lago UNAM. Así ese recinto será testigo de un show gratuito en su Espacio Sonoro, como parte del programa público del Pitchfork Festival CDMX. La tarde contará con las presentaciones de James K y E-ENFOQUE de Edgar Mondragón & IMGN.

Boletos Fase 2 para el Pitchfork Music Festival CDMX

Estos son los distintos tipos de boletos del festival que pueden adquirir en la Fase 02.

PASAPORTE 

Incluye acceso al Opening Show (el viernes 2 de mayo) y al Festival en Estadio Fray Nano (3 de mayo). Tienen estos en las modalidades Pasaporte General y Pasaporte VIP.

Boleto General 

El boleto General incluye acceso a la zona general, alimentos, bebidas y baños. Disponible para el Opening Show  (2 de mayo), y el Festival  (3 de mayo) y el Pasaporte.

Boleto VIP 

El boleto VIP incluye acceso al área VIP, mejor vista al escenario, baños VIP, áreas de comida y bares exclusivos. Disponible para el Opening Show  (2 de mayo), Festival  (3 de mayo) y Pasaporte.

Pueden conseguir los boletos sin cargos en taquilla en la Tienda Foro Indie Rocks!, ubicada en Zacatecas 43, en la colonia Roma Norte, de miércoles a domingo, en un horario de 14 a 21 horas.

También pueden conseguirlos en línea a través de la plataforma Fever, en donde pueden pagarlos a 3 y 6 meses sin intereses.

¿A quién quieren escuchar en el Pitchfork Music Festival CDMX? ¡Díganme en los comentarios!

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¡Six Sex traerá sus vibras underground a la Ciudad de México!

Por Antonio Carlos

Six Sex, la modelo, cantante y actriz argentina, que ha llevado al Reggaetón por estéticas que se salen del lugar común, se presentará el mes de abril en la Ciudad de México. Y aquí les tengo la información para que no se pierdan de su concierto que promete traer las vibras de las fiestas underground porteñas.

La performer argentina, que ha ido abriéndose paso desde el underground, tendrá un concierto en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México el jueves 10 de abril de 2025 a las 19 horas.

Six Sex es una personaje traída a la vida a través de la música y videos provocadores de Francisca Agustina Cuello, nombre de pila de esta artista.

La propuesta de Six echa mano no sólo de narrativas sexuales explícitas, enmarcadas en el Reggaetón y el perreo, sino que también intersectan con la cultura raver, la Electrónica y el hentai. Esto la ha convertido en la reina del Perreo Rave y supone una mezcla que hay que experimentar en vivo, sobre todo para aquellas personas que lo mismo perrean que van a raves para embarcarse en viajes sonoros.

Los boletos para el concierto están en 600 pesos mexicanos y pueden conseguirse a través de la plataforma Passline.

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JMSN en el Foro Indie Rocks: Una noche de deseo, intensidad y profundidad

Fotografías y texto por Antonio Carlos

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

JMSN descendió las escaleras en medio de la oscuridad hacia el escenario de la Sala A del Foro Indie Rocks. La tarima estaba iluminada sólo con una pantalla roja, dibujando las siluetas de Christian Berishaj (nombre de pila de JMSN) y sus músicos acompañantes, el bajista, Ricky Bakken y el baterista, Ryan McDiarmid. Como si estuviéramos dentro de su video musical de “Don’t Make Me Change”. En cuestión de segundos, nos sumió en infierno de llamas sonoras que lo mismo acariciaban que consumían. Y es que el concierto de JMSN en el Foro Indie Rocks nos recordó su música es una hoguera de deseo, intensidad y profunidad. Un viaje al abismo en el que se exploran pulsiones oscuras y víscerales pero, a final de cuentas, muy humanas. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El concierto duró poco más de una hora, pero como decía Baltasar Gracián: “lo bueno, si breve, dos veces bueno”. Por lo que la noche del 15 de febrero en el Indie Rocks se convirtió en una odisea sonora que nos llevó por el R&B alternativo, Neo Soul, Rock e incluso con guiños al Hard Rock y atisbos de Noise. De ahí que nos sumergimos en la intensidad del proyecto musical de Berishaj, el talentoso músico, productor y compositor multiinstrumentista de Estados Unidos, que cerró su gira por México en la capital del país.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Abrieron la velada con los riffs hipnóticos de “Cherry Pop” del Soft Spot en medio del pandemonio que desataron entre el público. Los gritos del público hacían eco de la intensidad performática que el trío desplegaba en el escenario. Prosiguieron con “Groovy”, corte también del Soft Spot muchísimo más cargado al Blues y en el que Berishaj se lució con el solo de guitarra (como lo hizo a lo largo del concierto). Después llegó un momento luminoso cuando interpretaron “Love Me”, esa canción plagada de melodía y de un coro casi Gospel que todxs lxs presentes corearon en el recinto. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Las canciones de sus distintas producciones se sucedieron las unas a las otras. Escuché uno de mis temas favoritos, “Don’t Make Me Change” del Heals Me y reflexioné acerca de cómo conectamos con otrxs seres humanxs a través de la música y de las historias que ésta puede contar. También lo vimos bailar en varias ocasiones con sus pasos inconfundibles, esos que nos recuerdan la frase “baila como si nadie estuviera viéndote”. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

En la recta final tocó “Soft Spot”, “Inferno” y “Addicted”. La versión en vivo de esta última fue un viaje de más de 10 minutos en el que dejaron todo en la interpretación. Batería, guitarra y bajo tuvieron sus solos y el público quedó de nueva cuenta rendido frente a lo que ocurría en el escenario. JMSN se despidió del escenario y tuvo qué regresar poco tiempo después frente al ruido ensordecedor del público que clamaba, “¡Otra! ¡Otra! ¡Otra!”. Retornó para interpretar un último tema, “‘Bout it” de su álbum homónimo JMSN de 2014, pieza con la que cerró oficialmente su gira por México.  

  Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El público del Indie Rocks no sólo se embriagó con los litros y litros de alcohol que tomaron y derramaron en el piso, sino por la experiencia musical que ocurrió frente a ellxs. Todxs lxs allí presentes se convirtieron en una especie de espejo colectivo que reflejó el nivel de intensidad que JMSN desplegó en el escenario. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El músico quedó sorprendido en más de una ocasión por la intensidad y aceptación que demostró el público. Pero no era de sorprender la respuesta, ya que su acto es la intensidad hecha música. Y ésta se siente genuina en un contexto de propuestas musicales que buscan fórmulas sencillas y masificadoras que aseguren reproducciones y figurar en las listas de popularidad. 

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

El concierto de JMSN en el Foro Indie Rocks fue una conmemoración de cómo un acto de sólo tres músicos puede llevarnos en una travesía embriagante e intensa que no necesita de grandes producciones y afeites, tan prevalecientes en algunos shows hoy en día. Las pieles se erizaron, la gargantas se desgarraron y los cuerpos vibraron al compás de cada uno de los trece temas que se interpretaron en escena. Canciones que nos recordaron que el goce de la vida se experimenta tanto en el fuego que aviva como en el que consume.

Fotografía por Antonio Carlos - thespectraltiger.com

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¡Conciertos y festivales del 11 al 16 de Febrero!

Por Antonio Carlos

Estos son algunos de los conciertos y festivales que habrán del 11 al 16 de febrero en la Ciudad de México y Morelos a los que les recomiendo ir.

Martes 11 de febrero

El trío regiomontano de Rock, The Warning, compuesto por Daniela, Paulina y Alejandra, tendrá otra fecha en el icónico Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Con una discografía que cuenta con cuatro álbumes de estudio y dos EPs, The Warning promete tener un show cabrón en la capital. Boletos con poca disponibilidad a través de Ticketmaster. (Actualización: SOLD OUT).

Miércoles 12 de febrero

¿Quieren irse en un viaje profundo y embargado de emoción? Pues la noche del miércoles 12 de febrero podrán escuchar a dos bandas en la Sala A del Foro Indie Rocks! En primera instancia, tendremos a Earthless (trayendo su Stoner Rock for the win!). En segunda, estará la banda King Woman con sus pasajes de Drone, Shoegaze y Doom Metal. Los precios van de los 650 a los 920 pesos y pueden conseguirlos a través de la plataforma Passline.

Jueves 13 de Febrero

Del 13 al 15 de febrero podrán asistir al Downtown Guitar Festival CDMX. El jueves 13 se presentará Ireri Almonte en Jazzatlán Capital a las 8 de la noche (entrada 100 pesos). Esa misma noche y en el mismo recinto se presentarán Francisco Lelo De Larrea, Federico Sánchez, Alonso López y Reona Sugimoto (entrada 250 pesos). El festival continuará el jueves 14 a las 6 de la tarde y el viernes 15 a las 3 de la tarde. Ambos días serán entrada libre y tendrán lugar en Rabioso.

Viernes 14 de febrero

Del viernes 14 al domingo 16 de febrero podrán asistir a la quinta edición del Festival Bahidorá en el Parque Natural Las Estacas, Morelos. El festival cuenta con un lineup interesante que incluye a diversxs artistas como son: Ca7riel y Paco Amoroso, Rosa Pistola & Freebot, Kaytranada, Cachirula, Yu Su, Los Askis y muchos más. Boletos disponibles a través de Bahidorá.

La noche de San Valentín podrán perrear y bellaquear en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México con Dj Bear y El Bogueto, quien sacó su segundo álbum, No Hay Loco que No Corone, a finales de septiembre del año pasado. Boletos desde 800 hasta 1600 pesos. Disponibles a través de Passline.

Sábado 15 de febrero

El sábado 15 de febrero tienen la oportunidad de asistir al festival más grande de Hip Hop hoy día en México con el Urbano Fest CDMX Vol. 1. Esta primera edición del festival en la capital del país marca la undécima en la historia de este evento. Habrán artistas tanto mexicanos como internacionales. El evento empieza a las 4 pm en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. Los boletos se encuentran a la venta a través de Ticketmaster.

Del mismo modo, el sábado 15 de febrero podrán asistir al que probablemente será uno de los mejores conciertos que podamos ver en la capital este 2025. El artista norteamericano JMSN nos volará la cabeza en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México a partir de las 9 de la noche. Tal fue la demanda para este concierto que cambiaron el recital a la Sala A del Foro, misma que tiene más espacio para disfrutar de una velada íntima e intensa escuchando RnB, Soul, Electro, Gospel y Pop. Los boletos van de los 575 a los 850 pesos y se encuentran disponibles a través de la plataforma Passline.

¿Irán a alguno de estos conciertos y festivales? ¡Díganme en los comentarios!

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¡Urbano Fest CDMX Vol. 1 en el Palacio de los Deportes!

Por Antonio Carlos

Después de varias ediciones en Guadalajara, se presenta por primera vez el Urbano Fest CDMX Vol. 1. Esta primera edición en la capital del país tendrá lugar en el Palacio de los Deportes el próximo 15 de febrero de 2025. Aquí les comparto lo que Neto Peña, Toser One y C-Kan dijeron en conferencia de prensa, así como detalles del festival, incluyendo horario de inicio, exponentes a presentarse, venta de boletos y más.

"Está bien representado el Rap mexicano y hacer este tipo de festivales, como lo es el Urbano, le beneficia a todos para que siga creciendo la escena en México", dijo el rapero Toser One en conferencia de prensa.

A propósito del purismo que ha existido durante mucho tiempo en sectores del Rap y de la cultura Hip Hop, Neto Peña comentó que antes no estaba bien visto hacer colaboraciones con otros géneros, pero que con el paso de los años esos estigmas han dejado de existir no sólo en el Rap mexicano sino en la música mexicana en general. "Creo que ya no existen esos celos entre géneros. Ya mas bien hay un respeto entre artistas y si a ti te gusta la música de un artista y esa persona quiere trabajar contigo, se arma. Creo que eso es lo que ha hecho que la música mexicana crezca a nivel mundial", puntualizó el rapero.

En dicho sentido, las posturas de Toser One y Peña apuntaron en la dirección de cómo el Rap mexa se ha movido de un ámbito underground a uno más comercial y que se ha convertido en un negocio. No olvidemos, por ejemplo, que ambos pertenecen al sello discográfico Alzada, un colectivo de Rap, Hip Hop y R&B que se encuentra en Guadalajara.

"Todos los que hemos participado en el Urbano Fest nos sentimos contentos porque no ha sido C-Kan el que ha llevado el festival hasta donde está. Son todos mis carnales que, año tras año, cuando les hago la invitación, me dicen que sí. Eso hace que la comunidad de Hip Hop que los sigue a ellos y que nos sigue a nosotros, se reúnan, no importa el recinto, no importa la fecha", contestó enfático el rapero C-Kan.

Y es que si bien ésta será la primera edición en la Ciudad de México, el Urbano Fest cumple con ésta once ediciones hasta la fecha. Lo que supone un recordatorio del poco reconocimiento que en ocasiones tienen las gestiones culturales y artísticas realizadas fuera de la Ciudad de México. Convirtiéndose así en un ejemplo claro de cómo México sigue lidiando con los efectos de la centralización cultural, política y económica.

El festival pinta para ser un día memorable para lxs fans del Rap y de la cultura Hip Hop. En el cartel se encuentran exponentes como Aczino, Dharius, Toser One, Neto Peña, C-Kan, Yoss Bones, Badly Rose, Tempo, Chyno Nyno y muchos más.

El próximo sábado 15 de febrero de 2025 tendrá lugar el Urbano Fest CDMX Vol. 1 en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México a partir de las 4 pm. Los boletos están a la venta a través de la plataforma Ticketmaster.

¿A quiénes quieren escuchar en vivo en este festival? ¡Díganme en los comentarios!

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¡Actualización del concierto de JMSN en el Foro Indie Rocks! ¡Nueva sede!

Por Antonio Carlos

Ya desde octubre del año pasado les había anunciado del concierto que el talentoso artista multiinstrumentalista, compositor y productor norteamericano JMSN tendrá en el Foro Indie Rocks! el próximo 15 de febrero del 2025.

Hace un par de días notificaron a través del Instagram del Foro Indie Rocks! que, frente a la demanda alta del evento, el concierto tendrá lugar en la Sala A del icónico foro de la colonia Roma y que todo boleto previamente adquirido será válido en la sala nueva.

Es por ello que hay boletos disponibles de nueva cuenta a través de la plataforma Passline, en donde podrán conseguir entradas para este músico que no deben perderse en vivo.

El precio de los boletos será de 575 pesos en General; 784 pesos en Balcón lateral; y 850 pesos en Balcón central.

¿Y ustedes qué canciones quieren escuchar en vivo de este icónico artista?

Aquí pueden escuchar su EP Soft Spot (Deluxe Edition) lanzado en diciembre del año pasado, en el que revisita y trae mixes nuevos de su corte "Soft Spot" del álbum homónimo del 2023:

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¡Cuatro Artistas a seguir este 2025!

Texto y video por Antonio Carlos

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¡En este video descubran a cuatro artistas que deben seguir en 2025! Les comparto cuatro talentos únicos que están rompiendo esquemas en la música.

Si son amantes del Rap, R&B, Trap, Reggaetón, Pop, Hyperpop y demás experimentaciones sonoras, tienen qué ver este video hasta el final.

Les hablo de dos talentosas mujeres, Kya y Doechii, así como de dos hombres, elmalamía y mediopicky, que están experimentando en sus respectivas esquinas. Estxs artistas no sólo cantan, sino que cuentan historias y crean experiencias sonoras que vale la pena escuchar.

¿Listxs para ampliar sus playlists este 2025?

Y si quieren descubrir más artistas vayan a la publicación Me Hace Ruido en donde podrán leer los perfiles de estxs cuatro artistas y otrxs dieciocho más en la entrada de Bandas a Seguir 2025.

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"Me gustaría ver más mujeres en estas sillas": cKovi en conferencia de prensa del Vive Latino 2025

Texto, fotografías y video por Antonio Carlos

Uno de los momentos más relevantes de la conferencia de prensa del Vive Latino 2025 celebrada en el Teatro Metropolitán de la Ciudad de México, fue cuando la artista mexicana Ckovi pidió que haya más participación de mujeres en el festival.

De casi treinta artistas invitadxs al escenario del Metropolitán, tan sólo dos eran mujeres. La cantante mexicana cKovi y la exponente colombiana Martinika, perteneciente a la agrupación Alto Grado, fueron las únicas artistas en la conferencia de prensa de la vigésimo quinta edición del festival Vive Latino.

"Me gustaría ver más mujeres en estas sillas", dijo enfática cKovi. Prosiguió diciendo que era un honor representar a todas aquellas artistas que no pudieron estar en la conferencia de prensa o que no fueron invitadas.

Sus palabras ponen el dedo en el renglón en la poca representación y participación de mujeres en muchas industrias, incluyendo la musical. Contribuyendo a la invisibilización de las mujeres en la historia de la música y el Rock, situación por demás cuestionable en pleno 2025.

En este video que hice de la conferencia pueden escuchar el testimonio de cKovi y Martinika al respecto; ver un fragmento de la presentación de Meme del Real presentando su tema nuevo "Princesa"; así como escuchar a Robot95 tirando barras.

Del mismo modo pueden escuchar mi opinión y reflexión a partir de las palabras compartidas por la artista mexicana en la conferencia de prensa del 25 aniversario del Vive Latino.

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¡Ca7riel y Paco Amoroso en el Foro Puebla!

Texto y video por Antonio Carlos

Desde hace unos cuantos meses tengo en repeat hasta el cansancio el Tiny Desk Concert de Ca7riel y Paco Amoroso. Me parece, sin lugar a dudas, el mejor de todo 2024 y que se encuentra en el top 10 de las mejores presentaciones de los Tiny.

Lo mejor del caso es que vamos poder escuchar en vivo a Ca7riel y Paco Amoroso en el Foro Puebla de la Ciudad de México.

El concierto será el 17 de noviembre en el Foro Puebla de la Ciudad de México, ubicado en Puebla 186 en la Colonia Roma Norte. Los boletos están disponibles a través de la plataforma Boletia.com.

El concierto será parte de su Tour 2024 Baño María, que lleva el mismo título que su disco lanzado en abril de este año.

¿Ustedes qué canciones quieren escuchar en vivo de estos talentosos músicos argentinos?

Mientras tanto aquí pueden escucharlos en vivo para ir calentando motores.

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Quincy Jones y su conexión con el Hip-Hop

Texto y video por Antonio Carlos

¿Sabían que Quincy Jones fue una de las primeras leyendas en reconocer y tratar de legitimar la cultura del Hip-Hop? De eso les hablaré en el post del día de hoy.

Este ícono del Jazz, que ya tenía un lugar asegurado en la historia de la música, decidió romper barreras y unir dos géneros que parecían polos opuestos. En una entrevista, Jones afirmó:

“Me enamoré del hip-hop a finales de los setenta porque me recordaba muchísimo al bebop”

Recordemos que el Bebop es un estilo de jazz surgido en los años cuarenta, caracterizado por un tempo rápido, progresiones complejas e improvisación. No es de sorprender que Jones encontrara puntos en común entre el Bebop y Rap, tomando en consideración sus cualidades rítmicas y de improvisación.

La primera incursión de Quincy Jones en el hip-hop

Por esta razón, Jones comenzó a experimentar con el Rap en 1981, en su álbum The Dude. Más adelante, su influencia en la cultura pop se amplió cuando compuso el tema principal de The Fresh Prince of Bel-Air (El Príncipe del Rap), la icónica canción que ayudó a lanzar la carrera de Will Smith.

Back on the Block: La fusión definitiva de Jazz y Rap

Pero su álbum más ambicioso en términos de explorar y fusionar Rap y Jazz llegó en 1989 con Back on the Block. En esta producción, Jones reunió a distintas generaciones de músicos afroamericanos en un solo disco. La obra conectó íconos de la época dorada del Jazz, como Ella Fitzgerald, Miles Davis y Dizzy Gillespie, con leyendas del Hip-Hop como Ice-T, Melle Mel y Big Daddy Kane.

Q’s Jook Joint: Una joya oculta del Jazz y el Rap

En 1995, Quincy Jones lanzó Q’s Jook Joint, un disco que pasó hasta cierto punto desapercibido, pero que merece ser escuchado por su innovadora fusión de Jazz y Rap. Recordándonos la visión y talento del afamado músico y productor estadounidense.

La influencia de Quincy Jones en el Hip-Hop

Más allá de sus propias producciones, Quincy Jones ha sido sampleado y referenciado en múltiples canciones de Rap. Su legado sigue vivo en la música contemporánea, y su influencia en la cultura Hip-Hop es innegable.

La carrera de Quincy Jones es tan prolífica y esencial en la música estadounidense del siglo XX que resulta difícil resumirla en unos cuantos párrafos. Sin embargo, lo que es indiscutible es el poder de sus producciones y la huella imborrable que ha dejado en la historia de la música.

Si aprendiste algo nuevo con este artículo, compártelo con alguien a quien pueda interesarle y déjame tus comentarios. ¿Cuál crees que fue la mayor contribución de Quincy Jones al Hip-Hop?

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¡Residente en el Palacio de los Deportes!

Por Antonio Carlos

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Éstas son algunas de las fotografías que tomé de Residente en su concierto en el Palacio de los Deportes en la Ciudad de México, como parte de su gira Las Letras Ya No Importan.

Si quieren leer la crónica y reseña completa que escribí del concierto, así como ver las fotografías que tomé de este cantante boricua, vayan al siguiente vínculo de la publicación Me Hace Ruido.

Aquí un fragmento de la crónica:

"El concierto de Residente en el Palacio de los Deportes estuvo caracterizado por la teatralidad, performance, honestidad y experimentación musical en vivo. Un conjunto de artistas multidisciplinarios talentosxs le acompañaron en tarima para crear una experiencia inolvidable que se sintió a un mismo tiempo grande y poderosa, así como entrañable e íntima. Recordándonos sus famosas barras de “Adentro”: “Soy como los boxeadores / manejo mal el dinero / invierto todo en mi carrera, porque el arte va primero”. Y es que el performance que montaron en el escenario del Palacio de los Deportes ratifica que Residente es un artista que busca ser congruente con lo que profesa."

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La misteriosa joya del Soul que se vendió en 20 mil dólares

Texto y video por Antonio Carlos

Hace poco, una de las joyas más raras del Soul se vendió por la asombrosa cantidad de 20 mil dólares. Parece una cifra absurda y exorbitante, sobre todo si pensamos en la crisis económica global. Pero por inaudito que esto parezca, alguien desembolsó dicha cantidad en una copia original de un álbum de 1971. Y a continuación les hablaré de esto.

El álbum que se vendió por 20 mil dólares fue el Soft Sexy Soul, de la enigmática cantante estadounidense Susan Phillips. La copia se vendió en este precio a través de la plataforma Discogs.

Desde su lanzamiento en 1971, este álbum ha estado rodeado de un aura de misterio y esa es una de las razones por la que alcanzó una cifra tan elevada en la plataforma.

El misterio de Soft Sexy Soul

Es cierto que algunas producciones se convierten en una especie de santos griales entre coleccionistas. Sin embargo, es importante entender las narrativas que se crean alrededor de dichas producciones y analizar si éstas se encuentran al servicio de la mercantilización dentro de un sistema capitalista de producción, consumo y coleccionismo.

Lo cierto es que el Soft Sexy Soul tuvo un par de razones que contribuyeron a que, dentro del contexto capitalista de producción-consumo-coleccionismo, alcanzara el precio de 20 mil dólares.

En primera instancia, el Soft Sexy Soul tuvo un tiraje extremadamente limitado. Sabemos que existen muy pocas copias originales, lo que lo ha convertido en un objeto de deseo para coleccionistas.

En segunda instancia, Susan Phillips se antoja como una figura esquiva y misteriosa en la historia del Soul. Hay muy poca información sobre su vida o carrera. Algunas personas creen que su nombre podría ser un seudónimo, lo que ha alimentado muchas teorías sobre su identidad.

Este enigma en torno al disco y la propia Susan Phillips, ha llevado a que durante años la existencia del disco fuera considerada casi un mito dentro de la comunidad de coleccionistas de vinilos.

Un sonido hipnótico que transporta a otra época

Musicalmente, el Soft Sexy Soul es una joya. Su sonido característico, respaldado por el sello All Platinum, es una mezcla balanceada de Soul, R&B y Funk.

Con grooves hipnóticos, baterías marcadas, cuerdas envolventes y una sección de metales brillante, cada pista del disco transporta a otra época. Pero lo que realmente destaca es la voz de Phillips, tersa, elegante y cargada de emoción. Ecos de otro tiempo que musicalizaron al amor y desamor y que se convirtieron en cortes que dejaron una huella imborrable en el Soul de New Jersey.

De mito a objeto de colección

El misterio que envuelve a Soft Sexy Soul, sumado a su escasez, lo ha convertido en una pieza codiciada en el mundo del coleccionismo. En una era donde los vinilos han pasado de ser objetos cotidianos a convertirse en artículos de lujo y sinónimo de estatus, el caso de este disco demuestra cómo la mercantilización y el fetichismo pueden disparar los precios de piezas históricas.

Afortunadamente, no es necesario gastar 20 mil dólares para escucharlo.

Si son amantes del Soul, Funk y R&B, pueden encontrar el álbum gratis en YouTube (les dejé la playlist completa más arriba), y también hay una reedición mucho más asequible lanzada en 2017 por Soul Brother Records. Aunque las copias de ésta también volaron como pan caliente.

Y ustedes, ¿pagarían 20 mil dólares por un disco de colección?

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