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Macrotendencias & microtendencias

INCLUSIÓN SOCIAL “Moda que no discrimina”

realizado por: @y0uthishere

En estos últimos años, la generación Z se ha vuelto uno de los factores sociales más influenciales de la sociedad peleando por derechos e injusticias actuales, por lo tanto el concepto de la inclusión social está frecuentemente presente en la moda, ya que la moda implica un cambio, en este caso un cambio hacia una sociedad más comprensiva.

Cuerpos reales y la curva de talles

Tradicionalmente las publicidades han sido un factor influencial que impulsó los estereotipos convencionales que no sólo restringía y encapsulan la identidad de lo que es cada uno realmente, indirectamente mostrandonos lo que debería ser correcto, sino que también generaba un estándar inalcanzable y no realista hacia el público que apuntaba. Principalmente, esto se puede ver en las pasarelas de moda, donde las modelos siempre fueron flacas, altas y de alguna manera “perfectas”. Sin embargo, en los últimos años surgió el movimiento del body positivity y del self care donde va de la mano con el amor propio que se tiene uno mismo y no precisamente es trabajar hasta llegar a ese cuerpo no realista, sino aceptarse a uno mismo y entender que es normal y está bien tener cuerpos diferentes, desde allí empezaron a surgir modelos como Precious Lee y Ashley Graham que representan la comunidad plus size y rompiendo ese estereotipos de que solos las modelos flacas pueden ser modelos y esto va de la mano de la modificación de la curva de talles, donde existen más cuerpos que deben ser incluidos y respetados de la misma manera. Asimismo, las marcas también trabajaron con modelos de la comunidad LGTBQ+, como también modelos adultas y modelos discapacitadas, de esta manera adoptando la inclusión social a su mejor manera.

Genderless

El Genderless estuvo presente ya hace varios años donde surgió en la década de los 60 y 70 con la aparación del unisex, es decir, la unión de sexos. El jean, las zapatillas y la camisetas eran los símbolos de este movimiento en su principio donde buscaba diluir la línea entre lo feminino y lo masculino. Hoy en día esta tendencia ya está adoptada en muchos aspectos de la vida diaria de las personas, sin embargo, buscan algo más allá que eso. Recientemente, con la concientización de los géneros y de la búsqueda de lo que es uno mismo, muchas personas encuentran comodidad en lo andrógino donde no buscan identificarse ni en el género masculino tampoco en el femenino, al punto de que la clasificación de hombre y mujer no es necesariamente una necesidad.

Nueva Masculinidad

Actualmente, la masculinidad está siendo cuestionada y mirada de otra manera drásticamente diferente en comparación a lo que era tradicionalmente. Muchos jóvenes de la generación Z empiezan a cuestionar los canon hegemónicos de la sociedad y buscan pelear la injusticias dentro de ellas, una de ellas es la presión de los hombres en actuar masculinos y fuertes generando opresión en ellos mismo a lo que “deberían” ser en los ojos de la sociedad. Afortunadamente, la actualidad rompe con esas restricciones donde celebridades como Harry Styles, Jaden Smith, Timothée Chalamet muestran la comodidad de poder ser hombre sin ser presionado por la masculinidad. Cabe destacar que el hubieron otros icónos que cuestionaron la masculinidad como Kurt Cobain, Freddie Mercury, Prince y Boy George. La masculinidad de hoy en día permite al hombre vestirse con polleras, maquillarse y pintarse las uñas, donde tradicionalmente eran cosas que eran consideradas femeninas.

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How to: Mei Pang

Realizado por: @y0uthishere

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How to: Emma Chamberlain

Realizado por:@y0uthishere

Emma Chamberlain es una influencer y creadora de contenidos en las redes, donde a mediados de los años se convirtió en una de los líderes de la moda entre los jóvenes y la generación Z. Emma comenzó creando contenido en la plataforma de YouTube mostrando vídeo de situación de su día a día dejando que su audiencia pueda empatizar con ella, mostrando su gran interés en la moda y en el café. Emma logró colaborar con muchas marcas como Louis Vuitton y Pacsun, incluso fue invitada en el Met Gala 2021 como entrevistadora para Vogue. Emma Chamberlain es una influencer que predomina el mundo de la moda, en especial de los jóvenes adultos y la generación Z que es su público objetivo, muchas personas siguen sus consejos y su estilo, ya que Emma tiene un estilo variado y divertido pero al mismo tiempo accesible y en tendencia, creando looks que se pueden usar en la vida cotidiana pero siendo especial a la vez.

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Mei Pang: La resignificación de la belleza

Realizado por:@y0uthishere Mei Pang es una maquilladora y creadora digital donde utiliza sus redes para mandar un mensaje más allá de los estándares de la belleza y su camino hacia entenderla convirtiendo al internet en un canva para jugar con su arte desafiando las estéticas tradicionales e inspirando a jóvenes de todo el mundo. Mei Pang es una influencer canadiense donde expresa su arte y su belleza mediante el maquillaje pero también es conocida por sus looks excéntricos y sus tatuajes simétricos. La influencer tiene una plataforma en Instagram, Youtube y recientemente en Tiktok, donde comenzó subiendo vídeos de maquillaje y contenidos cortos a la plataforma logrando conseguir la atención de al menos 1,7 millones de seguidores por sus looks, estilo, tatuajes y su cabeza rapada. Como una jóven adulta, Mei Pang estudió dibujo y pintura en la Universidad OCAD, en el cual se dio cuenta que ese tipo de arte no era su pasión por lo que le dio otra mirada llevándola al maquillaje donde esta vez en ves de levantar un pincel de pintura, esta levanta una brocha de maquillaje. Una de las razones que Mei dejó la universidad fue por el sistema estructurado que la desmotivo a cumplir la carrera, esto va de la mano donde Mei creció en un colegio religioso donde asistían solo mujeres, haciendo que su proceso de encontrar y entender su identidad se sintiera como una rebeldía, donde los sistemas estructurados y las reglas tradicionales no pegaba bien con ella. Sin embargo, al atravesar esas experiencias hoy en día Mei con sus plataformas busca mostrar su propia definición de belleza y que no busca entrar ni encajar en ningún tipo de etiqueta ya predeterminada, sino crear imágenes que la hagan feliz. Mei comenzó en 2015 en Instagram donde compartía sus maquillajes con amigos y familias tratandolo de alguna manera más como hobby, sin embargo, a medida que pasaba el tiempo consiguió una cantidad de seguidores fieles que se alinean con el mensaje que quiere distribuir y con su crecimiento en la plataforma de Tiktok, la ayudaron a Mei a trabajar junto a grandes marcas de cosméticos como Gucci Beauty, M.A.C, Dior Beauty, Urban Decay, Make Up Forever, NYX, Laura Mercier y recientemente también participó en el desfile de Savage x Fenty Show Vol. 3. Los contenidos que se concentra Mei Pan en su redes son looks de maquillajes que usualmente no se ven en cualquier otra plataforma, lo que tiene de especial es que son originales y atrevidas donde combina sus habilidades del dibujo y de la pintura en el maquillaje donde la permite plasmar su arte sobre su cara. Los looks que hacen incluye colores brillantes, formas inusuales, experimenta con otros pigmentos y consistencias donde no solo trabaja en el párpado sino que se expande más allá de la zona y trabaja en toda su cara e incluso en su cuerpo rompiendo el maquillaje convencional y el arte tradicional. Finalmente, Mei Pang trabaja para concientizar a su público que la belleza no debe depender de los estándares predeterminadas de la sociedad, sino que cada uno define su propia belleza y en la búsqueda de ese camino conseguir ser feliz con tu propia belleza y cuerpo, donde la influencer menciona encontrar ese estado de comodidad donde una se pueda sentir como realmente es y en paz y si eso significa tener tatuajes o tener el pelo rapado, que sea asi.

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Versace x Fendi: "Fendace" The Swap

Esta semana de la moda en París, se pudieron ver shows extraordinarios e únicos, donde también se dio a cabo la colaboración creativa entre Fendi y Versace en el cual los directores creativos de las marcas, Donatella Versace y Kim Jones, llevaron a la realidad una colección especial llamada Fendace, un homenaje a la moda italiana y una revolución en la industria que representa la “libertad, la diversión y amistad”.

Realizado por Catalina Lin (ig: @y0uthishere)

En el Palazzo de Versace en Via Gesu, Milán, ocurrió un suceso inolvidable en la historia de moda, se llevó a cabo la colaboración creativas entre las marcas italianas Fendi y Versace que nació de un “verdadero diálogo creativo que surge del respeto y la amistad”, en el cual lo llevó a los diseñadores a intercambiar roles e inspirarse en el otro para crear esta colección. Existen muchas colaboraciones entre marcas como la colaboración de Gucci y Balenciaga, sin embargo, lo único de este evento que lo hace histórico es la colaboración entre estas dos marcas puramente para presentar algo creativo, ya que las dos firmas pertenecen a diferentes empresas, en el cual Gucci y Balenciaga ambas pertenecían al grupo Kering. Donatella asegura: “Es la primera vez en la historia de la moda que dos diseñadores tienen un verdadero diálogo creativo que surge del respeto y la amistad. Esto nos llevó a intercambiar roles para crear estas dos colecciones”.

Las modelos que participaron en la pasarela incluyeron a varias generaciones como Naomi Campbell y Amber Valleta, ambas habituales de los desfiles de Versace en los primeros años de la marca. Además, participó la protagonista eterna Kate Moss junto a su hija, Lila Moss, también participó la española Esther Cañadas, un símbolo de la era de las supermodelos donde ha formado parte del casting que promueve la diversidad de cuerpo. Precious Lee, Gigi Hadid y Emily Ratajkowski también formaban parte de esta pasarela junto a Kristen McMenamy, Vittoria Ceretti, Kirsten Owen, Karen Elsoni, Mariacarla Boscono y Shalom Harlow. Por otra parte, el front row consistía en una lista de invitados impecable donde participó Dua Lipa por su estrecha relación con Versace, donde desfiló hace unos día debutando sobre la pasarela. Como también se pudo ver a la actriz Ester Expósito y la tiktoker Addison Rae como representantes de la generación Z. Participaron también Demi Moore, Elizabeth Hurley con su hijo Damian, Chiara Ferragni, Jon Kortajarena, Fedez, Anna Dello Russo y Winnie Harlow, entre otros. Cabe destacar que se presentaron varios fotógrafos como Danielle Venturelli y Daniele Schiavello.

El concepto de este desfile consistió en la mirada de Kim Jones de Versace y la mirada que tenía Donatella de Fendi, presentando diferentes piezas incluyendo las prendas, accesorios como carteras, bolsos mini, pañuelos con los estampados de las firmas, bufandas, cinturones con el nombre Fendance, joyas que combinaban ambos logotipos, anteojos, sombreros hasta zapatos y sandalias que eran adornadas con lentejuelas y apliques de esta manera creando piezas modernas y elegante , donde se podía ver la fusión entre la dos firmas de allí surgiendo el nombre de la colección: The Swap.

Se presentaron 50 looks y comenzó el show con el símbolo inconfundible de Versace repleto por el show con hojas alrededor de ella acompañada con luces apuntadas hacia las modelos y música rítmica de “Brighter Day de Todd’s TNT Remix”, presentando los 25 looks de Versace by Fendi que se inspiró en el periodo de los 90’ de Versace que explora la idea de la dualidad, fusionando el monogram de Fendi con la llave griega de Versace y la Medusa, en el cual el barroco y el origen griego de la firma se fusionan con el estampado icónico de Fendi, por lo tanto se podía ver los negros y dorados del barroc junto a las estampas visuales con estas. También se utilizaron colores como el blanco y el rosa y se podían ver encajes icónicos de Versace. La tipología que se presentaron incluyen vestidos, sacos y monoprendas con largos modulares, mini, midi y maxi. La intersección de estas prendas presentaban unión, superposición y coincidencias. Con respecto al maquillaje y al peinado se dirigió hacia un wet look con ojos smokeys y gloss. Luego de los 25 looks cerrado por Kate Moss y Amber Valetta salió Kim Jones para recibir su aplauso en la creación de estas. De repente, el icónico logo de la Medusa de Versace se dio vuelta para mostrar el logo de las dobles F de Fendi diseñado por Karl Lagerfeld, donde la música cambió “Way 2 Sexy” de Drake junto a la atmósfera que cambió junto a ella.

Por otro lado, Fendi by Versace se basó en una estética más rebelde a base de los pins de Versace donde perforan los símbolos de Fendi o de sus vestidos cota de malla estampados con la doble F, en el cual Donatella logra fusionar los icónicos encajes y estampados de su firma junto al monograma de Fendi. Asimismo, Donatella crea un falso denim a base de seda y genera los tejidos de borrego para crear un aire más juvenil y punk donde habla sobre la importancia de la contaminación y la interrupción. Se podía ver tipología como vestidos, crop tops, pantalones, minifaldas, sacos, shorts, polleras tubo e incluso remeras donde tenía estampas visuales con la fusión del monograma de Fendi con el estilo barroco de Versace, pero también tenía texturas táctiles como los frunces y bordados de lentejuelas. Estas prendas se relacionaba mediante la unión, la superposición y la coincidencia, en el cual los colores que predominaban es la colección de Donatella fueron el negro, dorado, denim y el verde militar pero incluyo colores como celestes y brillos. Los largos modulares que se vieron fueron mini, midi y maxi. Con respecto al maquillaje y al peinado, al contrario de la colección de Fendi las modelos se veían con pelucas rubias de pelo largo que llevaban clips en el cabello o llevaban gorras y pañuelos, a diferencia de Fendi las modelos llevaban un maquillaje más sútil con colores más cálidos en los ojos pero manteniendo el gloss en los labios. Creando de esta manera un show inolvidable para la semana de la moda, resultando en un famoso “Frankenstein” de la moda.

Finalmente, gracias a esta colaboración se creó un momento histórico en la industria de la moda, en el cual pudimos admirar una colaboración amistosa que generó una gran influencia en el público y en las redes sociales. Como explicó Kim Jones “queríamos hacer algo que fuera optimista y divertido al volver a los espectáculos en vivo. Y queríamos hacerlo porque nos apreciamos” de esta manera generando una oportunidad para crear un arte en el cual pudimos admirar y apreciar todos, una noche que nos dejó con las bocas abiertas.

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Hay artista que pueden llevar la naturaleza hacia el arte, como también brindando un mensaje para que nosotros reflexionemos, Laura Messing cumple con eso y llega hasta más allá, donde podemos ver varios temas recurrente en sus obras desde la justicia ambiental, el cambio climático hasta la sostenibilidad y el modo en que los humanos afectan y alteran el paisaje que habitan implementando un cambio en el comportamiento de los humanos con los recursos naturales a partir de nuevos vínculos entre el Arte y la Naturaleza. Nosotros nos enfocaremos en el impacto y la influencia de su plataforma reflejados en el desarrollo de sus biomateriales y cómo podría impactar la industria de la indumentaria.

Realizado por Catalina Lin (ig: @y0uthishere)

Laura Messing comienza el desarrollo de sus obras visuales bajo la disciplina de pintura y fotografía a mediados de los 80’ al finalizar su formación como Arquitecta en la Universidad de Buenos Aires en 1978. En los proyectos personales de Laura Messing se puede ver frecuentemente el uso de biomateriales como por ejemplo en su proyecto más reciente llamado “Biomateriales. Investigación sobre el valor simbólico y propiedades de la papa”, ya como el título lo dice utiliza el tubérculo para la investigación de bioplásticos donde también rinde tributo al artista contemporáneo argentino tomando su legado, Victor Grippo, en el cual este investigaba a partir de la energía de la papa y de su capacidad de producir voltaje pero también su valor simbólico. Donde finalmente el resultado de este arte solo cobra entidad cuando logra producir conciencia.

Para comenzar te quería pedir una introducción de vos misma, junto al trabajo que realizas, un poco de tu historia y cómo llegaste a lograr lo que se ve hoy en día

Yo soy arquitecta de profesión y me dediqué toda mi vida a las artes visuales en el año 2002 mi temática viró hacia la relación entre el hombre y la naturaleza, yo soy habitante urbana viví toda mi vida en esta ciudad, y digamos mi obra anterior de esa época eran siempre asfalto y ciudad. En ese momento empecé por una cuestión de necesidad de oxígeno, empecé a viajar mucho a los bosques de Argentina y ahí me conecte absolutamente con un mundo para mí, absolutamente ideal y empecé a investigar sobre estos temas, no en lo materiales sino en el tema. Fueron varios años trabajando exclusivamente sobre el tema de naturaleza fundamentalmente sobre el tema bosques y sobre la desaparición de bosques en Argentina. A partir del año 2016/2017 yo hice una obra que se llamó “Hipótesis para un mundo próximo” y esa obra marcó un límite porque ahí me conecte, pensando hipotéticos o posibles mundos de naturalezas, donde se trabajó en una obra más general que venía trabajando en los últimos años llamada “Naturaleza artificial” osea hacer que los restos del bosque que quedan en la Argentina a imaginarme como sería el futuro de nuestra naturaleza y ahí me pase de algo más fantasiosa. La hipótesis de un mundo próximo habla de la fusión de los tres reinos: animal, vegetal y mineral; y el hombre como parte del reino animal, decía que era un puro delirio; pero lo más delirante que veo hoy en día de esa obra es que estaba hecho con puros materiales plástico: siliconas, acrílicos, resina de todo un poco. No veo tan lejana la fusión entre reino como el posible uso futuro de estos materiales que para mi en lo personal ya no existen. Hasta todo mi vida de artista lo que más me importo fue la parte simbólicas de las obras; el valor comunicacional pero me di cuenta que en ese momento el material con lo que estaban fabricadas y hechas las obras tenían tanto valor simbólico como la intención de la obra, donde aca hay un contrasentido que no puedo seguir por este camino pero no conocía los biomateriales, donde fue un tiempo de búsqueda de materiales qué materiales me representaban más. Fue un tiempo intenso de la búsqueda de los materiales hasta cruzarme con los biomateriales y ahí entendí todo, mi rechazo hacia los plásticos y a conectarme más con el valor simbólico de las obras y de lo que está pasando en este momento en el planeta. Desde ya que la pandemia es un elemento y alerta más pero tenemos tomar en cuenta una cantidad de alertas impresionantes que estamos viviendo en el momento como por ejemplo los incendios, las inundaciones y el hecho de que los océanos hay 150 millones de toneladas de plástico y crecen y crecen 8 millones toneladas más al año.

Te quería preguntar con las problemáticas que hablaste previamente cómo las llevas a tus obras cómo sería ese proceso artístico? es decir de manera más conceptual o más literal o si son horas y días de pensamiento o si salen espontáneos

El proceso artístico nunca es literal lo simbólico y lo conceptual no es lo mismo pero cualquier obra de arte tiene un valor simbólico más allá del valor de la obra en sí. ¿Por qué existe el arte? es un medio más de comunicación y lo que estas comunicando no solamente lo que la obra implica por valor simbólico sino que también por valor material. No puedo hablar de que estamos en problemas ecológicamente hablando y usar plástico para hacer la obra que fue un consentido que a mi detonó en la búsqueda de los biomateriales.

¿Cómo son los procesos de los biomateriales, son experimentales o espontáneos?

En la búsqueda de los biomateriales no fue fácil, tomé varias clases, lei un montón de libros, en el mundo ya se están haciendo un montón de cosas con biomateriales y yo fui tomando de la gente que sabe más que yo, donde estos fueron mis inicios. Luego a partir de ahí agrego mi experimentación y unos 3 años de investigaciones personales donde saco mis propias conclusiones. Hace muy poco acabo de formar un grupo de 12 personas científicos del área química, biología y ambientalismo que me proveen todo el conocimiento que yo como artista visual no puedo tener y yo a ellos de mis conocimientos de biomateriales y crear un grupo donde cada uno a partir de sus conocimientos generar un camino de investigación con bases más científicas.

¿Qué crees que es lo que la gente reconoce de vos?

Yo siento que en este momento no estoy haciendo obras, estoy haciendo experimentaciones que es distinto, creo que mi lenguaje es el arte por lo que siempre va a estar metido el arte pero no la búsqueda de la obra pero por la búsqueda de soluciones matéricas, entonces este es el cambio, donde creo que este momento sirvo más a la comunidad humana aportando como yo pueda reemplazos no solo de plásticos, sino cueros y algodón, ósea materiales que no son contaminantes pero si son distractivos o como el cuero que están manufacturados en procesos sumamente tóxicos o como el algodón que esta manufacturados con extractivista porque usa una cantidad de agua extractivista y buscar posible reemplazos a ese tipo de problemáticas. La arquitectura e indumentarias son dos de las tres áreas más contaminantes que hay junto a las energías, de las industrias en la que podemos tener injerencia con los biomateriales, la indumentaria, la arquitectura y la gastronomía son tres áreas en la que podemos hacer muchísimo para reemplazar estos materiales. Más allá de lo que gasta la industria de la indumentaria hay otra cuenta regresiva que es mucho más importante el cambio climático lo estamos produciendo a base de un grado de temperatura que producimos por año, las aguas si suben alrededor 3-4 mm más, vamos a tener las ciudades costeras de todo el mundo inundadas, si continuamos con nuestros desechos y nuestro consumo de carbono por los próximos 10 años, si seguimos en la misma línea en la que estamos en este momento. Buenos Aires, Montevideo, etc va a estar bajo el agua. Tenemos una urgencia desesperada.

Para llegar a ese estado de conciencia y de aprendizaje que deberían atravesar para llegar a ese punto?

Preguntar y escuchar me parece que es un punto fundamental, la realidad es que se está haciendo muchísimo,hay mucha gente involucrada en hacer algo para detener el cambio climático, hay muchísima gente que quiere cambiar los materiales tóxicos de sus consumos y de sus producciones como los diseñadores. Ser consciente de cuáles son las propuestas. Son puertas de entradas que están bien donde se cuestionan para qué puedo usar los biomateriales pero entender que los biomateriales tampoco son un accesorio o una tendencia sino que va de la mano con todo el proceso que la que atravesamos no sólo en el accesorio sino debería ser en toda la colección. El intento no es solo reemplazar el accesorio sino pensar más allá de lo que podemos hacer y lograr. Los diseñadores son los que más involucrados están del tema porque estudian lo que hacen y se dan cuenta que no solo son consumidores sino que además a construir y ayudar a que los consumos de los compradores sean más saludables .No es un buen negocio por el momento y no es un buen negocio para nadie a la corta. Es un buen negocio a la larga porque vamos a tener un lugar para habitar a la larga y cuanto más gente se ponga a investigar o tome cursos, más gente se involucre con esto, se empezará hacer desarrollos más viables para la gente económicamente, los consumidores van a poder acceder a productos de valores similares que es lo que el consumidor necesite para poder acceder, porque por ejemplo vos me ofreces una remera de algodón a x precios y una remera hecha de biomateriales a 10 veces más, es muy poco el público que puede acceder a eso y esos costos van a ir bajando y bajando a medida que se escale la demanda.

¿Crees que los jóvenes son un factor social importante en este movimiento?

Los diseñadores y sobre todos los estudiantes y porque hago la diferencia porque los estudiantes tienen la posibilidad y porque es el momento de defender de todo lo que hay para defender cuando vos salgas de la facultad y empieces tu vida económica va a ser mucho más difícil tus verdaderos principios pero esos principios que se forman cuando sos estudiante porque sino después no hay nada para defender. Entonces me parece que hoy tener en cuenta todas estas cosas y formar los principios sobre los cuales vas a desarrollar tu actividad profesional, es fundamental porque están en el momento más adecuado para eso. Son un factor social que pueden hacer la diferencia, pueden pedir lo que hay que pedir, no solamente en la pasarela sino tener en cuenta y ver como fueron hecho cada uno de los materiales de esa prenda, como se involucran los diseñadores con el resto de la comunidad, para quién trabajan, para quien se van a desarrollar, si vamos a trabajar para la pasarela o trabajar para la gente? y cuán lejos está una cosa de la otra.

Para finalizar viste algún cambio que ocurrió a partir de tus obras, instagram, tus seminarios? ¿pudiste ver algún feedback de tu influencia?

El interés gana aumento, índices numéricos antes de comenzar con los seminarios, cuando hacía obras y las vendía tenía una plataforma estable de mil seguidores pero en este último año aumentó hasta los 7000. No porque haya hecho algo distinto sino porque le interesa más por suerte la gente, se ve más reflejada a ese cambio en los biomateriales. Por el lado de los estudiantes, lo que me dicen ellos es que les pasa lo mismo que les pasó a mi cuando empecé, te cambia la cabeza porque no dedicarse o involucrarse con los biomateriales es extremadamente cómodo porque es fácil pensar que al tirar un vasito de telgopor al tacho de basura lo hace desaparecer o ver las vidrieras o por internet una remera, un suéter o zapatos y no pensar en qué material está hecho cómo empezó qué tipo de persona lo hicieron sino que es más un me gusta o no me gusta, me gusta el detalle quiero este color, es muy cómodo solamente esa parte pero la gente a pesar de que es muy cómodo quedarse en esa parte, se está queriendo involucrar porque se da cuenta que se nos vino encima algo que nosotros produjimos y nosotros tenemos que detenerlo. Una vez hablando con una profesora sobre trabajar en la zona de confort, y me decía que está bueno trabajar en la zona de confort porque yo quiero trabajar confortablemente siempre, pero ¿sabes cual es el problema? Vos podes estar confortable en tu zona hasta que algo escucha, entendes y se te modifica, y eso que vos creía que era tu zona de comfort, ya no es más tu zona de confort porque hay un momento donde ya no podes estar cómodo tomando un cafecito en el vaso de telgopor y ahí el confort está en ponerte hacer algo por eso.

La entrevista junto con Laura Messing nos da un golpe de realidad sobre lo que realmente está pasando actualmente en nuestro planeta y la urgencia que necesitamos en tomar acción sobre ello. Ella es un claro ejemplo de que existen opciones sobre las alternativas que tenemos y no explica el fenómeno sociocultural de la mentalidad de las personas. Finalmente queremos agradecer a Laura Messing por su disposición y conocimiento sobre el tema para aportar un cambio en este mundo y poder ser parte de un poco de lo que quiere comunicar a la sociedad.

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La revolución de las minifaldas

Con 34 centímetros Mary Quant revolucionó no solo a la sociedad inglesa en la década de los 60’ sino a todo el mundo con la llegada de la mini falda que se convirtió en símbolo de liberación femenina. Esta diseñadora británica cautivó a muchísimas personas con sus propuestas estilísticas pero también escandalizó a más de uno. Es responsable de la popularización de las boutiques de moda modernas y de la minifalda, donde junto a los Beatles, fue una de las representantes de la modernidad inglesa y del Swinging London.

Revolución de la moda. Escrito por Catalina Lin (ig: y0uthishere)

¿Quién es Mary Quant? Mary Quant es una diseñadora de moda que nació en Londres de padres profesores, donde ella misma estudió para ser maestra en el Goldsmiths College de la Universidad de Londres, donde allí conoció a su futuro marido y socio, Alexander Plunket Greene, donde abrieron Bazaar en 1955 con el espíritu de dejar atrás la guerra y abrazar el color y la vida. Empezaron vendiendo ropa de otros, hasta que comenzaron a elaborar sus propios diseños, incluyendo estampados de papel y reinventando el uso de tejidos y colores. La rutina de Mary Quant era confeccionar vestidos durante el día y venderlos durante la tarde y con lo que ganaba compraba más telas para confeccionar al día siguiente.

Sus prendas estaban diseñadas para favorecer la libertad de movimiento y se inspiraban en la ropa de niño y en la danza, donde definió el “look sixties” con las medias por la rodilla, pichis y faldas cortas, leotardos o estampados de cuadros. Donde en este caso nos concentraremos en la popularización de la minifalda y cómo esta comunicación de la moda terminó siendo uno de los símbolos más influyentes en las protestas de la igualdad de derechos para las mujeres.

Su estilo extremadamente sencillo y colorista conocido por el símbolo de la margarita contrastó con la seriedad de la moda dominante, en un país en que la moda era exclusiva de modistos privados o importada de Francia, su iniciativa constituyó una exitosa novedad. Junto con Los Beatles, Mary Quant fue quien más contribuyó a crear y vender una nueva imagen británica. Con el Chelsea look fue la primera en crear ropa específicamente pensada para adolescentes y jóvenes adultos, insatisfecha con lo que otros manufacturaban, empezó a diseñar sus propios modelos con telas baratas. Pero quizás lo más revolucionario fue que sus modelos eran comprados, como ella misma dijo, "lo mismo por hijas de duques que por hijas de trabajadores del puerto", ya que quería que sus diseños llegarán a todas las clases sociales.

Con la colaboración de la modelo británica Leslie Horby conocida como Twiggy establecieron un nuevo ideal de belleza de la mujer niña con el cuerpo adolescente, piernas larguiruchas y busto casi inexistente planteó un fuerte contraste con el voluptuoso arquetipo de los 50’. Su ropa era simple pero atrevida logró con un simple corte de tela que las mujeres tuvieran una voz propia.

Por un lado, Mary Quant creó la falda de 34cm en 1965 donde tuvo un reconocimiento internacional en la industria de la moda, el boom de la minifalda también se dio por el cambio de una sociedad que reclamaba modernidad y cambios sociales donde la mujer buscaba su individualidad, empleo y autonomía. Con la minifalda, el cuerpo de la mujer tenía voz propia, donde es un lenguaje simbólico que acompaña a cómo usamos nuestro cuerpo y cómo lo movemos y construimos. Al contrario del corsé, donde se trataba de una prenda que deformaba los cuerpos para dar gusto a los hombres y de alguna manera nos decían lo que teníamos que hacer para satisfacerlos. Sin embargo, a pesar de que la minifalda nació como una prenda reivindicadora, a veces produce imágenes estereotipadas donde no trae los beneficios deseado, donde pueden ver esta libertad como una provocación y como un libre acceso a nuestro cuerpo, donde con una mala interpretación puede quedar como una prenda para mujeres jóvenes y no para mujeres casada con “mayor moral”. No obstante, Mary Quant sostiene que “en lo vulgar estaba la vida”, donde esta noción la ayudó a ella y las generaciones más jóvenes de todas las clases sociales utilizar este símbolo de libertad, reinventando la feminidad en una industria dominante, donde liberó a la mujer de las reglas y de las convenciones sofocantes.

En el Victoria & Albert Museum (V&A) de Londres prepararon un exhibición de los trabajos de Mary Quant desde 1955 hasta 1975, donde con la colaboración del público, recibieron una abrumadora respuesta en el cual demuestra la influencia y el alcance que tuvo la diseñadora. Además, estas prendas y la historia de las mujeres que lo vistieron muestran lo moderno que son los diseños de Quant, donde atesoraron esa libertad en ese momento especial de sus vidas.

Retirada de la moda desde el año 2000, se calcula que más de siete millones de mujeres en todo el mundo conservan en el armario una prenda de la diseñadora, una cifra que da cuenta de la relevancia e influencia de su legado, donde nos mostró energía, clase y rebelión.

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¿Quién fue Madame Grès?

Historia de los protagonistas de la moda realizado por Catalina Lin (ig: y0uthishere)

Germaine Émile Krebs, Alix Barton, Mademoiselle Alix o Madame Grès ¿Con qué nombre la conoces? Conocida también como la diseñadora de esculturas, la escultora de la alta costura, la diseñadora de los diseñadores. Este personaje que vestía personajes como Marlene Dietrich, Jackie Kennedy, Grace Kelly o Edith Piaf y era admirada por diseñadores como Azzedine Alaia, Jil Sander o Yohji Yamamoto, hasta pioneros del minimalismo como Calvin Klein y Jil Sander. Es la creadora de los famosos pliegues y drapeados que vemos hoy en día en las pasarelas, pero ¿Quién es ella?

La diseñadora de la que hablamos hoy es Madame Grès, nació el 30 de noviembre de 1903 en París, Francia de una familia de burguesía con el nombre Germaine Émilie Krebs. Los primeros conocimientos de costura que tuvo fueron en la maison Prémet, en la Place Vendôme, en donde ingresó como ayudante en el taller en 1924. Sin embargo, seis años después decidió deshacerse de todo, vendió telas, bocetos, prototipos, modelo, etc, con el objetivo de guardar ese dinero para abrir su propio negocio junto a su socia, Julia Barton, creando su primer negocio, La maison Alix Barton. Más adelante, La maison empezó a mostrar diseños en el año 1933, donde los inversores estaban interesados principalmente en ella, por lo tanto, decidió independizarse de Julie y de su apellido, pasando a llamarse solamente como Maison Alix. En ese entonces, el el jersey de seda, el mohair o el satén encerado era materiales populares y novedosos del momento, donde Maison Alix pudo utilizarlas para crear diseños que se enfocaban en la silueta donde creaba una mezcla entre el pudor y la sensualidad. Era conocida por su turbante que llevaba atado en alto con su cabello escondido, donde muchas mujeres lo adaptaron en la Segunda Guerra Mundial para trabajar con mayor facilidad, adaptando el estilo de Alix en sus vidas diarias.

Amante de lo elegante, el minimalismo y lo clásico, la ayudó a renovar la estética griega. Se inspiraba del mundo antiguo, influenciada por la estética griega como también en culturas norteafricanas y del subcontinente indio, donde su aparente simplicidad oculta una elaboración compleja. Tomaba prioridad el movimiento fluido, la adaptación a las formas del cuerpo y los pliegues. Creaba piezas de cualidades escultóricas, sin apenas costuras, modeladas sobre el cuerpo por líneas prolijas y volúmenes bien elaborados, de esta manera creando piezas únicas y atemporales. No era tan conocida ya que no se dejaba llevar por elitismo, pero es igual de privilegiada como Balenciaga por su talento. Sin embargo, Madame Grès no sabía de costura ni mostró interés en aprender de ella, ya que su aproximación a la moda era de un carácter ingenuo, original y creativo. En cambio, se adentro con su fuerte pasión hacia la escultura, donde le permitía trabajar las telas con sus manos hasta conseguir el efecto que buscaba. Los alfileres y destreza manual eran sus compañeros que hicieron sus diseños únicos buscando la perfección.

"Porque sólo la perfección hará que una prenda viva de una temporada a la siguiente" Alix Barton

Maison Alix diseñó modelos para el Pabellón de Francia en la Exposición Internacional de 1939 y para el Pabellón de la Elegancia en la Exposición Internacional de París de 1937. Sin embargo, con el golpe de la Segunda Guerra Mundial puso en pausa al mundo de la costura a Alix, ya que se tuvo que refugiar en Haití. En su vuelta del año 1942 con la ayuda de Lucien Lelong, director de la Cámara Sindical de la Costura, llevó un nuevo plano a cabo, pero esta vez tomó el apellido con que su marido pintaba las pinturas, Grès; De esta manera, fundando la Maison de Couture Grès, dejando a Mademoiselle Alix en el pasado para ser la única Madame Grès. Su retorno hacia la alta costura tuvo mucho furor en la prensa, ya que consideraban que esta nueva etapa de ella era una versión mejorada de la diseñadora, donde las colecciones sucedían con éxitos en los salones de su taller. Gracias a esto, pudo presentar su primer perfume “Cabochard'' en el año 1959, más tarde en 1990, crearía otra fragancia, Cabotine.

Lo distintivo de la casa Grès fueron los míticos plisados, que eran una sucesión de pliegues planos cada 3 cm con una profundidad constante de 1,5 cm jugando de derecho y revés donde jugaba para conseguir el movimiento genuino de sus vestidos. Pero como dominaba los plisados también entregaba vestidos fantásticos de cocktail y rigurosos tailleurs. Sus diseños predominan los plisados, drapeados y formas asimétricas, de colores puros. Madame Grès nunca se dejó llevar por las tendencias, nunca utilizó ballenas para resaltar la figura, a pesar de la popular tendencias del New Look de Christian Dior, ya que ella buscaba respetar el cuerpo y su forma.

Entró tarde en el negocio del prêt-à-porter, ya que rechazó con destreza el prêt-à-porter hasta incluso lo consideraba como la “prostitución” del sector. Consecuentemente lo que la llevó gestionar con poca destreza su negocio. Por lo tanto en 1984 se deshizo de él; y Bernard Tapie, Jacques Esterel y por el grupo japonés Yagi Tsusho Limited fueron dueños sucesivamente. Aquejada de pérdidas, la casa terminó por cerrar sus oficinas en el 1 de la Rue de la Paix. Tres años separan su reclusión en el sur de Francia de su muerte, en un geriátrico en 1993. El final más silencioso de ésta diseñadora que sólo quería "trabajar, trabajar y trabajar", pero dejando un legado como una fuente fuerte de inspiración para las siguientes generaciones de diseñadores.

En 2011 se organizó en París un retrospectiva dedicada a su obra, una exposición de Madame Grès, la couture à l'oeuvre, presentada en el Museo Antoine Bourdelle de la capital francesa que duró del 25 de marzo hasta el 24 de julio del 2011, que contenía un conjunto de 80 modelos representativos de su carrera que desarrolló desde 1933 hasta 1988 junto a numerosas fotografías y bocetos, donde todos estos elementos recoge los aspectos fundamentales de su trayectoria profesional.

Sin embargo, seguimos con la duda de ¿Por qué utilizó tantos nombres a lo largo de su carrera? Su necesidad de privacidad era feroz por lo que cambió su nombre varias veces a lo largo de su vida, engañaba a los periodistas sobre su fecha y lugar de nacimiento, que incluso la prensa no estaba informada de su muerte hasta luego de un año anunciado por su hija, Anne Czerefkov, en 1994. Hoy en día, se pueden ver muchos diseños de alta costura tomando inspiración en ella como Balmain, Balenciaga, Richard Malone, generando inspiración en generaciones y generaciones de diseñadores.

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Viajando al tiempo con la Moda

Historia del periodismo de la moda realizado por Catalina Lin (ig: y0uthishere)

¿Qué es la moda? Cuando se hablaba de moda, el primer pensamiento que se nos ocurre son pasarelas, frivolidad, entretenimiento y superficialidad. Sin embargo, a medida que el periodismo de moda fue evolucionando, su funcionalidad también fue progresando junto a ella, desenvolviendo una funcionalidad que brindan las revistas nunca antes vistas.

El orígen de la moda se dio en 1610 en Inglaterra con “The Ladies Mercury” que se convirtió en un guía del estilo de la nobleza londinense. Sin embargo, estas revistas no tuvieron su auge hasta 1759, cuando apareció en Francia el “Journal des Femmes”. En Estados Unidos, salió “Vogue” en 1892 y “Harper's Bazaar” en 1897, posicionándose como revistas únicamente para mujeres de la alta sociedad. Estas revistas eran la definición de feminidad y eran un lujo extravagante inalcanzable. Hasta que Condé Nast compró Vogue, donde cambió el enfoque más centrada a la moda. Vogue le dio protagonismo a la fotografía en sus ediciones, de esta manera creando tendencia, por lo cual muchas revistas siguieron el mismo camino.

Más adelante durante la Segunda Guerra Mundial, una modelo y fotógrafa estadounidense, Lee Miller, fue la fotógrafa de guerra de Vogue y retrató a través de imágenes y artículos, la cruda realidad de la guerra, de esta modo, cambiando el interés que tenían las revistas de moda para mostrar lo que sucede en la sociedad, marcando una ruptura dramática con el pasado. Sin embargo, luego de la guerra, el periodismo de moda se volvió a centrar en las imágenes de bellas modelos y pasarelas, acompañadas de un nuevo boom: Las estrellas de Hollywood.

Las revistas de moda comenzaron a girar alrededor de lo que utilizaban estas celebridades, artistas, y socialités de Hollywood, donde la moda todavía se refería a lo couture, aquello que todavía era muy difícil de alcanzar. En la década de los 60’, a partir de las innovaciones y los cambios sociales se empieza a utilizar la moda como una manera de protesta, como por ejemplo el uso de minifaldas como simbolismo de la liberación femenina o el surgimiento del movimiento hippie con su vestimenta que promovía una vida lejos del consumismo.

En la década de los 80’, ya comenzaba a revelarse un cambio estructural en todo los ejemplares de las revistas de moda a nivel mundial comenzaron a integrar temas más explícitos y controversiales como Vogue Italia con Franca Sozzani como su directora comenzó a tener posturas políticas sociales donde fue felicitada y criticada mundialmente. Sin embargo, no fue hasta el 2010 donde empezó a surgir una generación políticamente mucho más activa y consciente de las cosas que suceden culturalmente y socialmente a su alrededor, por lo tanto las revistas comenzaron a mostrar opiniones explícitas sobre temas políticos y sociales en el periodismo de moda.

De esta manera, también se dejó de ver la moda como algo puramente estético, sino también como un recurso para la protesta, donde permite mandar un mensaje más global como un instrumento político. Esto también va de la mano de los diferentes tipos de moda que existen en distintas locaciones, esto es debido a las distintas opresiones que se encuentra cada uno en su lugar, ya que como habíamos dicho previamente la moda es un instrumentos de protesta, por lo tanto, la moda de Nueva York no va a ser la misma que la moda en Singapur.

Actualmente, no solo el periodismo de moda sino que todo el periodismo en sí, se están yendo más por las inclinaciones de la audiencia sea política o cultural intentando de incorporar todo tipo de temas para su estructura periodística, como por ejemplo, personas reales, acontecimientos políticos, problemas ambientales, siendo más inclusivo y consciente de la sociedad y dejando atrás los viejos estereotipos superficiales e inalcanzables. Al estar presente con una generación socialmente y políticamente tan activa, muchas revistas optan por ir a lo seguro, que son las celebridades donde se aseguran que millones de personas que siguen a cierta figura, van a ser potenciales compradores de la revista.

Por lo tanto nos cuestionamos ¿Qué es lo que lleva a las editoriales arriesgarse con temas controversiales? Esto es debido a que en la década de los 60’ una modelo afroamericana, Naomi Sims, figuró en la sección de moda del periódico The New York Times causando un antes y después, y generando una concientización de la lucha racial que existía en Estados Unidos. Por lo tanto, hoy en día se puede decir que el periodismo de moda se entiende como un fenómeno cultural, social y político.

Actualmente, la tecnología ya es parte de nuestra vida cotidiana, por lo tanto la revistas de moda acompañadas por este avance se volvieron digitales, donde la difusión de la moda también empiezan a ampliarse a distintos canales como los fashion films y de las redes sociales y también diversifican sus franquicias con sitios webs y aplicación online. Este avance de tecnología se puede ver claramente en las estrategias de mercado de las revistas, como en el caso de Singapur y Hong Kong donde tienen revistas locales más establecidas, estas superan a las revistas internacionales. Otro de los casos, es el lanzamiento de Leaf, una revista independiente editada por Leaf Greener, ex editora de Elle, donde se publicó en la plataforma móvil china WeChat, donde tiene más de 500 millones de usuarios, por lo tanto Vogue China también lanzó su aplicación para teléfonos en WeChat.

Hoy en día, los periodistas de moda cumplen un papel más importante que en el pasado, donde dejan una marca en la historia. Existen varios personajes internacionales que son actualmente influenciadores en el periodismo de la moda como la periodista y crítica de moda, Suzy Menkes; la editora italiana de Vogue Italia, Franca Sozzani; editora icónica de Harper’s Bazaar, Carine Roitfeld; y Anna Wintour como la editora jefe de Vogue y directora creativa de Condé Nast siendo una de las personas más influenciales de la industria de moda.

“Creo que es una parte importante de nuestra industria, el vender un sueño o una aspiración” (Betty Jackson, 2015)

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Bienvenidxs a todxs*:･ﾟ✧*:･ﾟ✧
Hola, ¿cómo están? soy una estudiante Diseño Textil e Indumentaria y Producción de Moda en la Universidad de Palermo y les quiero presentar una nueva edición de un dossier destinado para la materia Taller de redacción con la Cátedra Fortini, donde vamos a hablar de distintas temas de moda y problemas de la actualidad ʕ·ᴥ·ʔ Me gustaría que puedan disfrutar de esta revista como a mi me gusto realizarla (⁄ ⁄◕⁄ω⁄◕⁄ ⁄✿)
Muchas gracias,
Catalina Lin (ꈍ ᴗ ꈍ✿) Para más info link ↴ https://www.instagram.com/y0uthishere/ Ig: @y0uthishere @catedrafortini.up