#sampleo

[testproduitsmarques]

Déjà je tenais a remercier ce petit partenariat avec Tropicana Juicy . Je vais testé pour vous cette boisson qui , à mon humble avis ne va pas me décevoir , mais sait on jamais ?

Au visuel : Pack de 6 canettes , très colorées , couleur d'été , violet , jaune , orange , vert .. Comme ingrédients , de la pomme , l'orange , l'ananas , de la mangue et fruit de la passion (comme dirait Franky Vincent) ^^ , du sucre mais pas trop , une larme . L'avantage de ce jus de fruits c'est qu'il est sans conservateur , sans arômes artificiel , ni édulcorant ..

C'est une canette classique , nous pouvons donc l'emporter partout , se glisse parfaitement dans un sac , besace , sac banane .. Niveau goût , je ne suis pas déçu , le mélange des saveurs exotiques font bien les choses , un jus par excellence , je sens bien la délicatesse de la mangue , un de mes fruits favoris, mélanger aux autres saveurs , c'est un cocktail jouissif , idéal pour le petit déjeuner, lors des ballades solo , en famille , ou même après un entrainement pour récupérer de l’énergie . Se boit facilement . Existe aussi en bouteille d'un litre cinq .

Le soleil et la motivation sont réunis en une seule canette !

Êtes vous Juicy ?

[frociaggina97]

nada q ver pero no me gusta mucho la canción de doechii con el sampleo de gotye *la cuelgan en plaza de mayo*

[julio-viernes]

Calores para Dolores. Nunca presté demasiada atención a Big Audio Dynamite, ahora escucho su primer LP por recomendación de Tormento Caribeño y se lo estoy agradeciendo. Con la espantosa canícula me he puesto con el grupo que hizo Mick Jones tras ser expulsado de los Clash. En realidad, lo primero que hizo fue crear General Public con Ranking Roger y Dave Wakeling de The Beat, pero ese no era su grupo, y en mitad de la grabación se fue con Don Letts y compañía. "This Is Big Audio Dynamite" no es ninguna maravilla, pero es un entretenido elepé que tiene el inconveniente de un abuso de sampleo a veces de un modo tontaina y patocho (no al nivel de la ultra patochada de S. S. Sputnik) que estropea en parte el disco. En cualquier caso lo que hizo Jones me parece fresco y atrevido, y aunque suene en 24 un tanto trasnochado, Jones le ganó con claridad la partida a Joe Strummer con aquella cosa en LP que sacó a nombre de Clash en 1985. Esto es mejor, más lanzado, más vacilón, más divertido y bailón. En cierto modo creo que me gusta por la misma razón que me encanta "More Specials". "The Bottom Line", por supuesto, le debe todo al "White Lines" de Grandmaster Flash.

[zerounotvadri]

Reseña de Rat Wars de Health

por Loma Vista Recordings

El disco ya está disponible en esta liga: https://i.hlth.band/ratwars

Rat Wars, el nuevo álbum de Health, banda de rock industrial de Los Ángeles, es el más violento pero vulnerable de su carrera. De alguna manera es apropiado que una colección de canciones tan brutal sea al mismo tiempo su declaración artística más completa.

Los detalles de producción meticulosamente agresivos chocan con confesiones dolorosamente personales y una extraña gracia salvaje se combina con un humor gélido y negro... sorprendentemente, aún con todo eso es increíblemente divertido.

Con Rat Wars, Health se une al linaje de bandas heavy innovadoras como Nine Inch Nails y Ministry, que volvieron a trazar las fronteras entre el metal, la electrónica y la música pop. También habla directamente de la joven y ferviente subcultura en línea de la banda.

Podría ser el “The downward spiral” para personas con al menos dos monitores y deficiencia de vitamina D.

Escrito durante el período más difícil a nivel emocional de la vida de la banda, el álbum se basa en sus caóticos pero revitalizantes años de pandemia. En ese tiempo, Health grabó docenas de temas con héroes y herederos como Nine Inch Nails, Lamb of God, 100 Gecs, Poppy y Pertubator en DISCO4.

Rat Wars captura toda la furia y ambición a la que hasta ahora han aspirado sus LP. Es su declaración más audaz sobre la locura y la insipidez de la vida contemporánea. La grandeza del arena-rock de “Demigods” da paso al nervioso techno de “Hateful” (coescrito con el artista español de EBSM Sierra) y al despiadado gabber-thrash de “Crack Metal”. “Children of Sorrow” (con la guitarra de Willie Adler de Lamb of God) y “Sicko” (que usa un sampleo de “Like Rats” de Godflesh) se deslizan con la

amenaza gótica de los noventa. “Ashamed” es un R&B corrompido con Pop, mientras que “DSM-V” es el momento cumbre del Blood Rave. Nacidos en la embriagadora suciedad de la ruidosa escena del centro de Los Ángeles, el cantante y guitarrista Jake Duzsik, el bajista y productor John Famiglietti y el baterista BJ Miller se propusieron generar división mientras creaban canciones filtradas a través de pedales de guitarra. Pero ya desde Get Color de 2009, todos sabían que esta banda era algo diferente. Tocaron en importantes festivales globales como Coachella y Primavera Sound, y después de un breve descanso para componer el innovador título de Rockstar Games, Max Payne 3, regresaron en 2015 con el esperado Death Magic. Ese LP aprovechó al máximo las herramientas de producción digital, injertadas en su ruido estridente y paisajes sonoros de vanguardia. El álbum se convirtió en un punto de entrada para una nueva generación de fans, encontrando audiencia tan fácilmente en clubes góticos como en estudios de producción de dormitorio. Vol. 4: Slaves of Fear de 2019 se ganó a los fanáticos de la música heavy con sus riffs de thrash que se disuelven en melancolía ambiental y ritmos de hip hop, mientras que en la era del encierro, Disco4 exploró completamente la composición colaborativa con amigos de los mundos del metal, rap, electrónica, y rock independiente. Este arco profesional largo y deliberadamente poco convencional se ha fusionado en Rat Wars. Son, por fin, una banda que se siente cómoda con su propia incomodidad.

Agradeciendo Información a

Bajo Tierra Prensa Luis Jasso

[zeiashtar]

Track 02: ALIEN ¿SUPERSTAR?

¿A cuántos balls ha asistido Beyoncé? ¿Cuáles son las bases sobre las cuales Beyoncé puede hacer un disco y una gira inspirada en la cultura ball sin ser considerada una multimillonaria apropiadora cultural? ¿Basta con ser negra? ¿Es porque es famosa o simplemente porque es Beyoncé puede hacer lo que quiera? Estas preguntas rondaron mi cabeza cuando Beyoncé sacó Renaissance el año pasado y se revitalizaron en estas semanas que comenzamos a trabajar en el Club Summer Renaissance Kiki Ball. 

Después de investigar y buscar declaraciones de las personalidades del ballroom que ubico, mi conclusión tiene dos partes. Efectivamente, Beyoncé puede hacer lo que quiera sólo por ser Beyoncé; pero, por otro lado, Beyoncé estudió profundamente la cultura ball cuando hizo Renaissance inspirado en ella. La señora es una perfeccionista y nos tiene acostumbradxs a hacerlo todo bien. El verdadero Virgo’s Groove, supongo.

Uno de mis músicos favortios es Cakes da Killa, un rapero queer negro que incorpora mucho el houseen sus grabaciones; en 2020 sacó un EP glorioso junto con Proper Villains llamado Muvaland EP que todo el mundo debería escuchar. El año pasado, cuando sacó su álbum más reciente –Svengali—declaró lo siguiente en una entrevista:

No culpo a los artistas mainstream por obtener su inspiración de la cultura alternativa porque ellos necesitan cosas interesantes de qué hablar. […] Siento que como artistas negros, es importante que haya alguien en el nivel de Beyoncé que eleve lo que la gente describe como subcultura —porque para mi no es una subcultura, es mi cultura. Solo quisiera que los consumidores hicieran su investigación acerca de los pioneros y las personas que lo han estado haciendo desde antes. El ballroom y el drag no son términos de moda ni tendencias, son realmente estilos de vida y la gente debe respetarlos como corresponde.

Me parece que la declaración de Cakes captura ambas partes de la situación. Por un lado, Beyoncé en tanto artista mainstream no sólo reconoce la cultura alternativa, sino que la amplifica, exponiendo a sus escuchas a sampleos de canciones icónicas del ballroom (Cunty, Miss Honey, etc.) Muchxs nos conmovimos al ver en redes sociales la reacción de Kevin Aviance durante su asistencia al Club Renaissance Tour —espero que Beyoncé al menos le haya pichado el boleto, por cierto—. Por otro lado, Beyoncé claramente hizo su investigación y se acercó a personas que tienen mucho tiempo trabajando en la escena ball, como el productor MikeQ, a quien invitó a colaborar en la producción de varias pistas del álbum. Kevin Aviance también declaró en una entrevista que era evidente que “Beyoncé hizo su tarea”.

Hablar de investigaciones y de hacer la tarea dan la impresión de que el acercamiento de Beyoncé al ballroom es principalmente intelectual. Sin embargo, esto podría no ser el caso. Es bien sabido que el Uncle Johnny que le hizo el vestido de spandex barato en HEATED y a quien el álbum está dedicado era un familar muy cercano a Beyoncé, un hombre gay que lucho contra el VIH/SIDA y quien la introdujo a la música house. En una entrevista de 2006, Beyoncé declaró lo siguiente:

[Beyoncé] piensa en su personalidad del escenario como una mujer llamada Sasha, y me dice lo mucho que se ha inspirado en todo el circuito drag-house en los Estados Unidos, una parte poco discutida de la cultura afroamericana donde hombres gay de la clase trabajadora canalizan el ultraglamour en shows de pasarelas. “Todavía tengo eso en mí […] pero hay un lugar y un momento apropiados para las cosas”.

Podemos imaginar, quizás, que el Tío Juanito introdujo a Beyoncé al ballroom. Tal parece que este acercamiento de Beyoncé a la cultura ball tiene una profunda conexión emocional. Qué afortunadxs nosotrxs de que el momento y lugar apropiados sean aquí y ahora.

***

Recurrí a esta breve investigación documental porque yo mismo cuestiono mi participación la escena local y lo que significa para mí acercarme nuevamente al ballroom tanto a nivel político como personal. En este proceso ha sido inevitable revisar mi primer encuentro con la escena por allá en el lejano año 2008.

Mi encuentro con la cultura ball fue uno principalmente intelectual, resultado de mi actividad académica juvenil. Al estudiar Letras Inglesas en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM descubrí la crítica feminista, los estudios poscoloniales y la teoría queer; desde entonces pienso ese proceso como el redescubrimiento de mi brújula moral. Al explorar estos temas, llegué inevitablemente a Judith Butler, a la teoría de la performatividad del género y a Bodies That Matter, uno de sus dos libros más importantes para establecer el paradigma del género como acto performativo y la distinción entre sexo y género en las ciencias sociales. En Bodies That Matter, Butler dedica un capítulo completo llamado “Gender is burning” al documental de 1990 Paris is Burning y al texto de bell hooks (una importante pensadora afroamericana) sobre el mismo documental titulado “Is Paris Burning?”. Ambos textos son fantásticos, pero lo importante en este caso es que el documental se encontraba en el centro de las discusiones teóricas que estaba estudiando, así que decidí explorarlo.

Paris is Burning (1990) es un documental hecho por una cineasta lesbiana blanca llamada Jennie Livingstone que se enfoca en la cultura ballroom en Nueva York de finales de los 1980. El documental muestra casas vogueras y legendarias personalidades del como House of Xtravaganza, House of LaBeija y al mismísimo Willi Ninja de la House of Ninja. Ver este documental me abrió los ojos a un conjunto de realidades que en 2008, a mis 22 años, como un muchacho cis gay de la clase media de la CDMX hasta entonces desconocía, entre ellas, a la escena ball. La película me pareció triste, en realidad, y perturbadora. En retrospectiva, concuerdo con la crítica de bell hooks en “Is Paris Burning?” cuando señala que, como mujer queer negra, la película le resulta un poco perniciosa en la medida en que retrata las comunidades queer negras y latinas de clase baja como un espectáculo para las clases media y alta desde la perspectiva de una lesbiana blanca que no forma parte de la comunidad.

Aquí doy un salto cuántico al año 2014 (¿quizás 2013?). Mi entonces muy querido amigo y sensei Omar Feliciano ALIAS Franka Polari me pregunta por Facebook Messenger si sé qué es el vogueing. “Claro, un estilo de baile típico de las comunidades urbanas queer negras y latinas de clase trabajadora que Madonna se apropió en los 1990”, le respondo, “Sí vi Paris is Burning”. Me responde que todavía hay una escena ballroom, que quiere que la escena suceda en México; que tiene varixs conocidxs con interés en formar casas y que quiere fundar una casa multidisciplinaria de la cual yo sería parte: House of Apocalipstick. Recuerdo un primer evento en un bar en Gribaldi, esa noche conocí a La Mendoza. Después comenzaron las prácticas, dos veces a la semana, a las cuales nunca pude ir por mis horarios de trabajo. Después un ball en un bar en la colonia Roma. Omar me cuenta que planea una exhibición de vogueing en un museo de la CDMX; le comparto mis reservas, que no me agrada la idea de exhibir a la comunidad como pieza de museo para el consumo blanco heterocis. Después vino nuestro desencuentro por cuestiones personales que no vale la pena registrar y mi subsecuente expulsión de Apocalipstick. La parte más dolorosa fue perder a un buen amigo; la más traumática fue ver la cara más desagradable de alguien a quien por muchos años admiré y a quién consideré mi mentor.

Otro salto cuántico. Esta vez a febrero de 2020. Con la pandemia de COVID-19 vino también su muerte, y con ellas las acusaciones de acoso y abuso sexual, de las cuales yo —al igual que muchas otras personas cercanas a ella— nunca supimos nada anteriormente. De Franka aprendí muchísimas cosas, pero su enseñanza más importante fue que no quiero ser cómo ella. Saludos afectuosos hasta el inferno, mi Tipi. Si me vieras ahora, serías el primero en cancelarme por andar involucrado en la organización de kikis. Mi Franka Polari, que en Gloria Estefan y en pants espante.

Cuando mencionaba en el Track 01 que involucrarme en la escena ball de Yucatán significaba hacer las paces con el pasado me refería a esto. Por muchos años miré con sospecha la escena porque veía en varias vogueras en redes sociales replicar y reflejar las actitudes y acciones menos bondadosas de mi Franka Polari. Si bien no puedo simplemente sacarme el ojo crítico, si debo reconocer que mi acercamiento al ballroom Yuca y las amistades que he hecho que forman parte de la comunidad me han mostrado también otra faceta: el ball como un espacio gozoso, un espacio donde las disidencias sexo-genéricas y las personas racializadas pueden existir y manifestarse, redescubrir y reapropiarse de su identidades, de sus cuerpos y expresiones, un espacio donde pueden sanar y ser felices, una comunidad que se apoya y que resiste. Es en esta medida que entiendo que el ballroom es un espacio que debe ser resguardado.

***

“Alien” es una palabra curiosa. Sí, se refiere a seres de otro planeta; en el contexto de Renaissance alude a Beyoncé y las disidencias sexo-genéricas que son únicas, con demasiada clase para ser de este mundo; pero también se refiere a lo extranjero, a las personas que cruzan fronteras para llegar a país que no es el suyo, quizás incluso a un espacio que no les corresponde. ¿Qué haces organizando una bola?

Honestamente, no sé qué responderme. Sé que mi afiliación política está con las disidencias sexo-genéricas (de las cuales me considero parte) y en contra de cualquier posición y acción culera que pretenda deshumanizar a las personas y tratarlas de manera injusta y desigual; sé que admiro a muchxs personas racializadas y sus contribuciones al pensamiento, a la música, al arte y a la cultura en general; sé que cada vez es más necesario tener espacios para disentir, para explorarnos, para gozarnos, para crecer y aprender;  sé que quiero mucho a mis amigxs voguerxs y que quiero contribuir en la medida de lo posible a que logren lo que quieren y a su bienestar y felicidad; sé también que me gusta la música electrónica, bailar y el despapaye. 

Son raros los aliens, también. En el cine suelen son seres más bien perturbadores, que buscan invadir, que se introducen para destruir, como los migrantes según los grupos conservadores en países del primer mundo, o como los huaches en Yucatán. No siempre pensamos en los seres vulnerables que necesitan ayuda y protección como E.T. , o en los que buscan ser aliados como los de Arrival; esos también son aliens. ¿Han visto Doctor Who? Si tuviera que escoger un alien, me gustaría ser un eterno enamorado de las maravillas del universo y la diversidad interestelar como el Doctor: un alien que ama a los aliens, quizás.

[decibelico]

Spam Allstars – Electrodomésticos

2007. Spamusica Records. Acid Jazz/Funk. Por: Chel

El carácter independiente del mercado musical ha permitido  que tengamos acceso frecuente a proyectos con fusiones musicales interesantes. En la búsqueda reciente, me encontré con Spam Allstars, una banda originaria de Miami, Florida.

Al principio pensé que sería una banda más que se amarra a un DJ para resolver todos sus problemas, pero no fue así. Electrodomésticos, su producción más reciente, se encarga de avalarlos en todos sentidos mostrando capas de sonido que permiten apreciar las cualidades de cada uno de sus músicos.

En una primera pasada, parecería un colectivo con bases Acid Jazz y Funk. Sin embargo, la característica que aporta es la fusión de los géneros mencionados con ritmos afrocubanos que terminan de cerrar su propuesta.

Electrodomésticos arranca con Charanga E-350, un tema sabroso que se anuncia con un tumbao apoyado por una guitarra funk que poco a poco se va colando entre las percusiones hasta encontrarse con las líneas de bajo. Esa combinación va subiendo a lo largo de todo el disco hasta llegar a La Mareada, uno de los temas más completos del disco por su instrumentación. En este tema la sección de metales hace su aparición gritando que también tiene lo suyo.

Spam Allstars está encabezado por DJ Spam (Andrew Yeomanson), pero en la alineación hay muchísimo talento que hemos escuchado en otras partes. Por mencionar solamente a algunos, sobresalen Mercedes Abal quien fue flautista de la banda de Albita Rodríguez, así como Lázaro Alfonso en las percusiones, quien estuvo en la banda de jazz latino Irakere.

El disco cierra de manera nostálgica con un arreglo Trip-Hop del conocido tema Oración Acere. La versión del tema compite mucho con otras versiones realizadas anteriormente por grupos cubanos como Síntesis y Yoruba Andavo. Sobre una base de percusiones, una vez más el sampleo le da forma al tema, deja que una guitarra melancólica complete la melodía y construya el camino para una completa sección de metales  que va marcando con notas alargadas.

Por su calidad musical, Spam Allstars es una banda que se. Miami no suena tan lejos, por lo que ojalá pronto tengamos la oportunidad de ternerlos en México.

Para más información sobre Spam Allstars:

www.spamallstars.com

www.myspace.com/spamallstars

Publicado el 29 de junio de 2007 en Milenio Blogs

[quisiera-aprenderme-tu-nombre]

Como que uno de mis raperos favoritos sampleo Smoth operator y it is a crime😭😭😭🥹🥹🥹🥰

[momazosangel]

El Peor EP - The Worst EP

Hice un EP hace como tres semanas. Es de música ponchis ponchis y ruidos y sampleos estúpidos xd

Si lo quieren escuchar, les dejo el link a Soundcloud y a Newgrounds :3

[danielpico]

A 52 AÑOS DE THE DARK SIDE OF THE MOON DE PINK FLOYD

🔗 Durante las sesiones en Abbey Road, descubrieron el EMS VCS 3, un sintetizador analógico con el que crearon On the Run, una pieza basada en loops y efectos de delay que anticipó el IDM. Lo que comenzó como un experimento con sonidos sintéticos terminó convirtiéndose en un emblema de la experimentación sonora.

🔗 Alan Parsons, el ingeniero de sonido, aportó técnicas innovadoras como paneos extremos, loops de cinta y efectos envolventes que hicieron que el álbum se sintiera como un viaje sonoro. No se trataba solo de tocar instrumentos, sino de manipular el sonido para crear una experiencia inmersiva. En Time, por ejemplo, los relojes que suenan al inicio fueron grabados uno por uno y sincronizados manualmente, un método que más tarde inspiraría la producción de música electrónica basada en sampleos.

🔗 Otro aspecto revolucionario de The Dark Side of the Moon fue su estructura rítmica. Sin cajas de ritmos ni secuenciadores digitales, On the Run logró un pulso mecánico y repetitivo que marcó el camino para la electrónica psicodélica de The Orb en los '90. No era una simple canción, sino una sensación de movimiento continuo, como un tren que no se detiene. Esta idea del ritmo hipnótico y constante sería clave en el desarrollo de la música electrónica en las décadas siguientes.

🔗 Además, el uso de sintetizadores en el disco no fue un mero adorno. Any Colour You Like es una pieza instrumental donde los teclados y efectos electrónicos llevan la delantera, creando una atmósfera que, sin pertenecer aún al ambient, ya coqueteaba con él. En muchos aspectos, Pink Floyd estaba creando paisajes sonoros antes de que la música electrónica adoptara ese término.

[densidad-tiemposs]

Amplificador de válvulas o de transistores? Se puede con el de válvulas?

En amplificador, cumple la función de pre amplificar la señal para esta luego ser amplificadas. La pre amplificación consiste en ampliar una onda para ser detectada por el amplificador. La pre amplificación es la entrada y la amplificación la salida, todo en el medio es concentración de energía o movimiento focal. Los amplificador de transistores usan resistencia o puntos de resistencia, resortes y bobinas, concentrado de cobre para la concentración de la energía, de inicio cerca de la entrada y de final cerca de la salida y en el medio mas concentración. El movimiento de salida es por gradiente o tensión, si la máxima concentración está en el entre, la salida debe ser por tensión, un punto de igual energía o son gradiente que hace salir el sonido, muy típico de los de transistores, o con gradiente muy típico de los de válvulas , y muchas formas hay aquí, una tensión máxima en la entrada o pre amplificador, todo en el pre amplificador, depende de lo rio arriba, o separado la pre amplificación de la amplificación conectado ambos sectores de igual forma de gradiente, o un tres sectores pre amplificación, amplificación y medio entre concentrativo. Y otro es el máximo en todo el trayecto o máximo rio abajo con un sector de tensión o sin gradiente que genere la expulsión más que salida del sonido. La tensión o expulsión es una salida por vibración no homogénea e inestable en el tiempo por eso hay distorsión o molestia de sonido, no así la salida homogénea del sonido de las vibraciones de salida condescendiente sin tensión. Por ser los de transistores de tensión de considera mejor a los de válvulas con eso color característico grave y ancho. El problema con estos es el retorno de señal que hace que nos preguntemos, de puede con uno de válvulas? El de válvulas consiste en que tiene pequeñas cámaras e intrincados laberintos y bujías donde se concentración la energía, resorte hueco de entrada y salida y materiales aislante y telares de textura , todo esto hace su sonido grave, no rico en graves, grave, y ancho pero con una retorno o salida de retorno lenta de dos notad y medio hacia arriba lo que hace ser imposible de ser tocado salvo rítmicas armónica en crudo. Así que cuando se graba si no es grupal se manda una señal un sampleo al intérprete fuera del sistema del amplificador para que pueda tocar, esto queda descartado en vivo donde se usan digitales o transistores para la señal madre y valvulares solo para dar cuerpo y textura y evitar el rebote de sonido o de escenario y lograr homogéneo sonido con señal digital para el intérprete. Lo que si se puede hacer para evitar o tratar de utilizar estos amplificadores es subir los grados el doble de los grave y anular los medios, o medio a tope y agudos tres veces tres veces y media de los grave, ahí con los números, guitarra y amplificador. Los micrófonos cercanos del mástil los grave los cerca del puente agudos refiriéndonos al volumen, en el tono es variable pero si da problemas poner lo opuesto al volumen, dos veces y media los grave por sobre los agudos.

En cuanto al amplificador se puede agregar un sistema de salida Intermedio digital para mejorar la velocidad de llegada de retorno como si fuera en vivo, acelerar la señal de salida no es muy útil, sigue el retraso

[posteario]

Para disfrutar hay que creer en lo que sucede. Entender que quisieron hacer los compositores, los intérpretes, o en todo caso que intentaron. 

Me pasó con Tangana, a quién conocía sin saber que era Tangana.

Tu me dejaste de querer cuando más te quería, cuando más falta hacía 

No me interesaba, hasta que alguien me sugirió que le diera otra oportunidad. Las recomendaciones siempre cambian el enfoque. Así ingresé por la canción "Los tontos”, la cual forma parte del disco El Madrileño lanzado a la salida de la pandemia en febrero de 2021. 

Antón Álvarez Alfaro, alias Pucho o Tangana canta con autotune. Su voz parece siempre estar excesivamente cerca del micrófono, casi como un susurro. Levanta el tono casi a punto de desgarrarse, pero no se rompe. El autotune hace lo suyo

Los tontos comienza con una suerte de “tarareo” que uno puede rápidamente imaginar cantada por alguna tribuna de estadio,

La la la laaaaa, la la la laaaaa, la laaaaa. 

Porque te advierto que me he cansa'o / Que hasta los tontos tenemos tope. 

La canción habla básicamente de los que se han dejado pisotear por algún supuesto entuerto o malentendido amoroso, no hay muchas novedades en el tópico. Pero es universal y funciona.

Crees que eres el sitio

Donde estoy cayendo

Pero con la misma que has veni'o te puedes ir yendo

El que posee dolor se reafirma como dolido, desde ahí se planta. Poco importa si tiene razón en el desencuentro amoroso, todos hemos sido los dolidos y podemos sentirnos en órbita con el personaje que canta. 

No hay rencor, el daño está hecho, cada cual se va por su camino. Una suerte de reivindicación de aquello que fue amado, pero claro, hasta acá llegamos. 

Los tontos es una rumba, forma parte de la propuesta innovadora en la cual Pucho mezcla géneros y reivindica artistas de otras épocas. Ritmos flamencos, bulerías con tintes latinoamericanos como el bossa nova o bachata. 

Kiko veneno, un frontman de pop ibérico muy popular en la década del 80, ingresa triunfante en el estribillo. Con una voz gastada por el paso del tiempo, en tonalidad precisa, genera una suerte de cercanía entre artista y público. Una suerte de: “este podría ser yo cantando aquella vez que me dejaron”

Cuando quieras baja a verme/ Ya verás la que te espera/ Con culebras y serpientes

Y la propuesta cumple: se puede bailar en medio de un desaire amoroso. Y pues, bailemos

Por si faltaba alguna sorpresa, a los 2.20, ingresa una voz en inglés un un primerísimo primer plano, otra vez, casi como si fuese un susurro o  un secreto que todos vamos a escuchar. 

Every time I see you falling, I get down on my knees and pray. (Cada vez que te veo caer, me arrodillo y rezo)

¿Qué está sucediendo?, ¿porque estamos ahora cantando en inglés en medio de un flamenco rumbeado español?. El sampleo de una vieja canción de la década del 80 ingresa allí donde parecía no haber más sitio. Bizarre Love Triangle de New order aporta unos segundos de parate antes que el tecno vaya increscendo hasta retomar con un estribillo que explotará.

I feel fine and I feel good. Y como al inicio, podríamos estar nuevamente en un estadio. La la la laaaaa, la la la laaaaaa, tu que te has creído

Los tontos es una fiesta en medio de la tristeza, una juntada de amigos obligada por la angustia y falta de brújula del dejado. Compartir unos tragos para reír en medio del desastre. Esta vez, lo hizo tangana.

[ravens-newworld]

Mi identidad: Fe y resistencia en las sombras

En las calles olvidadas del Nuevo Orden, donde las torres de neón y el concreto ahogan la humanidad, un puñado de almas se resisten a desaparecer. Los que alguna vez nos identificamos con la oscuridad, con las notas disonantes del cine y los ecos de guitarras distorsionadas y con ritmos comunistas en los bares de Bogotá, aún caminamos entre los escombros de la globalización fallida. Nosotros, los hijos del cine, del arte, del punk, del gótico urbano, seguimos siendo los portadores de las historias que el sistema nunca pudo consumir.

Pero, entre la oscuridad de este futuro, hay una luz que jamás fue aplastada. El nombre de Cristo, que en el caos parece una reliquia antigua, resuena como un faro en la tormenta. Las enseñanzas de Dios sobreviven, no como un dogma ciego, sino como una verdad rebelde. En un mundo que busca deshumanizarnos, el mensaje de amor y resistencia de Cristo se convierte en la última chispa de esperanza. Él no vino a crear autómatas; vino a liberar, a enseñarnos que en medio del caos, aún podemos encontrar propósito, aún podemos ser radicales con nuestra bondad. El cristianismo es rebelde.

Yo, que crecí en las sombras, me encontré con esa verdad en los espacios más inesperados: en una mirada compartida durante un concierto de post punk, en una conversación con una extraña en los rincones oscuros de un cine, en un sampleo de Kendrick Lamar, en los versos de una canción que no encajaba en el mundo que intentaban imponernos. Mi fe en Dios no es la fe de templos dorados o reglas arcaicas; es la fe que me impulsa a seguir cuando todo lo demás se derrumba.

En este futuro post-apocalíptico, no hay promesas fáciles, no hay salvación instantánea. Pero Cristo nos enseñó que incluso en los peores momentos, podemos elegir. Elegir amar. Elegir resistir. Elegir ser humanos en un mundo que olvida lo que eso significa. La verdadera rebelión es no permitir que nos quiten eso.

Los cuervos del apocalipsis sobrevuelan nuestras cabezas, pero en nosotros, aquellos que mantenemos viva la chispa de la escena gótica, cinéfila e indie, aún queda fuego. Y donde hay fuego, hay vida.

[zigzagderogeliogarza]

Por: Rogelio Garza

En agosto de 2003, cuando el polémico Lance Armstrong ganaba su quinto Tour de France — la carrera de bicicletas a través del territorio francés que dura 21 días y 3 mil 498 kilómetros—, el grupo Kraftwerk lanzaba su último disco de música electrónica inspirado en la competencia: Tour de France Soundtracks, creado para celebrar los 100 años de la épica carrera.

El ciclismo deportivo es tan popular en Europa, que los aficionados se vuelcan en las calles y carreteras no sólo para animar a los ciclistas, sino para ser parte de una verbena tradicional sobre ruedas. Este año la competencia ha tenido, además, la difusión a través de una campaña de marketing deportivo con la serie de Netflix en 2023 y 2024, que atrajo a nuevos seguidores y posicionó a los ciclistas y a los equipos en el interés del público no especializado. Para los aficionados del pedal ha sido un tour histórico por donde se le vea: el pique espectacular entre Tadej Pogacar y Jonas Vingegaard, quien hace tres meses tuvo una caída mortal. O la marca de Mark Cavendish, quien ganó su etapa 35 en el tour antes de retirarse a los 39 años y rompió el récord que tenía el gran Eddy Merckx como ganador absoluto. Lo más trascendente sin duda fue la participación de Biniam Girmay, el ciclista negro africano que ganó tres etapas de la carrera. Un hito en el Tour de France, desde hace 111 años que inició nunca había ganado un ciclista negro.

UNA GRAN COMPETENCIA merece un gran disco como el de Kraftwerk, que acaba de cumplir 21 años —el mismo número de etapas— como el tema oficial del tour. La idea se remonta a 1982, cuando apareció el disco Electric Café. Ahí, Ralf Hütter incluyó la canción “Tour de France” que se lanzó como sencillo en 1983. Entonces tuvo la idea de hacer un disco dedicado a la bicicleta. Por aquellos días era un ciclista empedernido, logró convertir a todo el grupo al ciclismo y al vegetarianismo mientras pedaleaban las ideas musicales. Pero sucedió el accidente al caer de una bici y se quedó en estado de coma durante días. Tardó meses en sanar las heridas y las lesiones de la cabeza. El proyecto del disco se retrasó años. 

Dos décadas más tarde, por fin apareció uno de los discos de techno más populares de la historia, Tour de France Soundtracks, para conmemorar el centenario de la carrera. Fue escrito y producido por Ralf Hütter, Florian Schneider y Karl Bartos, con Henning Schmitz y Fritz Hilpert. La gira también fue mundialmente famosa porque la hicieron sólo con cuatro laptops cargadas con las secuencias, los sampleos y los sintetizadores. Doce temas que capturan la fibra vertiginosa y la emoción de pedalear a esa velocidad. Este disco inspirado en la bicicleta forma una trilogía dedicada a los medios de transporte con Autobahn (auto / carreteras) y Trans-Europe Express (ferrocarril / vías). La portada también es clásica, basada en una estampilla postal húngara de 1953 a la que le agregaron los colores franceses. Siempre lo he dicho, la bicicleta y la música van del pedal.

[ardeportal]

Caliope Family y Dostrescinco encendieron la pista de Live Era

La dupla montevideana/rosarina probó su éxito una vez más

Por Ginny Lupin Fotos Gino Bomba

Si bien Caliope Family y Dostrescinco ya se habían cruzado en Montevideo, mucho pasó desde aquel show en la Sala del Museo.

En primer lugar, la banda de hip hop y blues rosarina viene de lanzar 341, su último disco, aplaudido por sus seguidores y declarado de interés municipal por su homenaje a Rosario,que busca sacar a la ciudad del estigma de violencia bajo el que protagoniza los titulares últimamente.

En este tiempo, los Dostrescinco también cocinaron canciones nuevas y lanzaron Esencia, un disco que abre aún más el amplio abanico de influencias del grupo, sumergiéndose en ritmos latinos y animándose a un feat con Agarrate Catalina.

Rosario in the house

Conocidos por priorizar el lado estético del proyecto, los Caliope presentaron el disco con un combo de videoclips y visualizers a la altura, que se trasladaron a Live Era con una atractiva propuesta de visuales.

Con una base bien rockera, la banda pasea por clásicos y nuevas canciones, blues, R&B, soul y hip hop, las bases más upbeat y las letras más crudas. Brapis, la voz de la banda, también se mueve entre dicotomías, canta y rapea, grita y susurra y hasta se la juega con breves acapellas en las intros que hacen lucir su versatilidad. Sobre esas variaciones, la banda construye un show íntimo e interactivo.

En un Live Era más que lleno frente al sold out de la fecha, los seguidores de Dostrescinco fueron locales, pero los rosarinos llevaron su hinchada. Desde los primeros temas, unas cuantas voces se sumaron a corear hasta los más recientes lanzamientos, sonando todavía más fuerte en hitazos como "Par de niños".

Un corte instrumental es la excusa para los primeros bailes tímidos de la jornada, pero sobretodo, para entender el calibre de los músicos sobre el escenario. Ambos proyectos tienen el atrevido distintivo de tocar a banda completa un género construido sobre sampleos y sintetizadores y frente a artistas de nivel que se lucen sobre buenas composiciones, el público responde.

Lo bueno se hace esperar

Es una frase hecha y fue puesta en duda cuando el corte entre bandas se extendió durante casi una hora. Si bien DJ Magallan rellenó los espacios con soltura, los ánimos fueron cayendo frente a una espera que se sumaba a la tardía apertura de puertas.

Sin embargo, apenas comenzó a sonar la intro de Dostrescinco, el cansancio quedó atrás y aunque moverse en el limitadísimo espacio de la pista era un desafío, el público supo encontrarle la vuelta, convirtiendo la noche en una verdadera fiesta. Así vienen siendo las últimas fechas de la banda, que si bien comenzó su trayectoria en mayor cercanía al rap, en los últimos años ha optado por experimentar con ritmos más bailables, captando un público amplio y diverso.

Con vientos invitados y la participación de Mili Milanss en el feat "Agradecido", Dostrescinco presentó temas de Esencia y viejas conocidas. Hitazos como "Agua" o el cierre con "Por el Funk" fueron de los más agitados, aunque el entusiasmo se mantuvo bien arriba en todo momento. "Muy gozada la energía hoy en la sala", agradeció Gabino.

"Dos pasajes", su colaboración con Agarrate Catalina, fue dedicado "A todos los yoruguas por el mundo", representando uno de los momentos emotivos de la noche.

Con una setlist de más de 20 temas y la característica dinámica de la banda que intercambia sus voces entre canción y canción, la propuesta de Dostrescinco hizo a una noche de goce a pesar de las demoras. Sin dudas, rosarinos y locales se encuentran en un momento de explosión de sus carreras y han descubierto que juntos se potencian.

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