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Los personajes de “The Crown” y su impactante parecido con la realidad

Netflix ha puesto a disposición del mundo entero el proyecto más ambicioso en su historia: “The Crown”. Con un presupuesto de 122 millones de dólares, está compuesta por 10 episodios y ya ha dado que hablar por la calidad de su producción y los parecidos que tienen los actores con los personajes de la vida real.

Realizada por Peter Morgan, el mismo que nos ofreció la película “The Queen”, la serie nos ofrece una mirada de la vida de la Reina Elizabeth II, específicamente cuando tenía 25 años de edad y afrontó la responsabilidad de convertirse en la monarca del Reino Unido.

Su relación con el legendario Primer Ministro, Sir Winston Churchill, las peleas dentro del seno familiar y la presión por volver a darle prestigio al Imperio Británico dentro del Palacio de Buckingham.

Cuando sólo tenía 25 años de edad, la Princesa Elizabeth esperaba tan sólo disfrutar durante muchos años de su reciente boda con el Príncipe Philip.

Sin embargo su vida se revolucionó cuando su padre, el Rey George VI, murió de manera repentina y ella heredó la Corona en 1953, un año más tarde del fallecimiento del Rey.

Hoy en día tiene 90 años y es la monarca que ha permanecido en el trono por mayor cantidad de tiempo en la historia.

A pesar de sus 32 años de edad, Claire Foy fue la elegida para interpretar a la Reina en su juventud. 

Y lo cierto es que la actriz ya ha tenido experiencias en dramas de época. Pudimos verla interpretando a Anne Boleyn en “Wolf Hall” y también ha aparecido en "Upstairs Downstairs”.

Según ella misma, el personaje que tiene que interpretar es “algo naïve pero a la vez responsable y consciente. Desde los 11 años la criaron con la noción de que, algún día, iba a convertirse en Reina”. 

La actriz también contó que para ella, una británica hecha y derecha, la Reina Isabel es “una mujer muy amable, adorable, fuerte, determinada e inteligente.  A veces se le permite demostrar todo eso y muchas veces no”. 

Philip, el Duke de Edinburgo, es según dicen muchos, todo lo contrario que su esposa. 

Con una propia historia familiar pesada en su espalda, que incluye haber quedado huérfano desde muy pequeño, siempre fue reacio a que el Poder de la Corona Británica lo atemorizara.

Según Smith, el actor que lo interpreta en la serie,  “Philip es una persona leal y con algo de irreverencia y curiosidad. Tiene sed por el progreso, el conocimiento y la modernidad, además de un gran sentido del humor”.

Matt Smith tiene 34 años y para la gran mayoría del público es conocido por haber sido el “Doctor Who” número 11, además del más joven en darle vida al famoso personaje de la TV  (tenía 26 cuando fue elegido).

Smith reveló que tuvo un incidente durante la filmación de The Crown que casi le cuesta la vida cuando el caballo en el que estaba montado se descontroló mientras filmaban una escena de amor en Sudáfrica. 

A los 78 años de edad, Winston Churchill retomó el poder con la intención de redefinir su legado como un pacifista.

Con una Reina joven tomando el trono tan sólo unos meses después del regreso de Churchill,  el Primer Ministro pudo tener gran influencia en la monarquía y el estado de su país.

John Lithgow tiene 71 años y a pesar de haber nacido en New York fue el elegido para interpretar a esta enorme figura de la historia británica.

El actor ha comentado que su personaje afronta dos dramas diferentes: “el de enseñarle a la Reina a reinar y el otro es el de continuar siendo Primer Ministro cuando ya no debería serlo. Un león en el invierno”.

Lithgow se ha destacado en el mundo de la TV interpretando a personajes tan emblemáticos como diferentes: Ha sido el Dr. Dick Solomon en la comedia “3rd Rock from the Sun” y ha aterrorizado a los fans de “Dexter”  en una de sus mejores temporadas cuando se convirtió en el asesino Arthur Mitchell.

El padre de Elizabeth y Margaret fue el Rey George VI (también conocido como Albert o Bertie).

Según cuentan los libros de historia fue un caballero estoico y extremadamente amable que nunca estuvo cómodo con la presión que tuvo que afrontar al recibir la Corona.

Sin embargo él, al igual que su hija tras su muerte,  intentó cumplir su rol como el máximo Soberano frente a su pueblo.

Nacido en Londres hace 55 años, Jared Harris ya ha formado parte de grandes proyectos tanto en la televisión como el cine antes de ponerse en la piel del Rey George VI.

Lo vimos interpretando a Lane Pryce en Mad Men, trabajo que le valió una nominación al Emmy y también ha formado parte de películas como "The Curious Case of Benjamin Button” o "Sherlock Holmes:  A Game of Shadows”.

Según Harris, el personaje que interpreta “siempre entendió que era una especie de pieza de repuesto pero nunca quiso ser utilizado. Él era un feliz hombre de familia y siempre quiso que sus hijas tuvieran la vida más normal que pudieran”. 

Margaret fue la hermana menor de Elizabeth, con más libertad y sin la carga que padeció la Reina.

Muchos la marcan como una estrella natural, atractiva y que ha tenido muchos y sonados romances, entre ellos con el Coronel Townsend,  cuya pareja no pudo prosperar debido a que él era divorciado.

La británica Vanessa Kirby, de 28 años, es la encargada de darle vida a Margarita.

La actriz ha aparecido en un amplio rango de películas como  "About Time”, “Everest”, “Me before you” y ha formado parte de la serie de época “The Frankenstein Chronicles".

Según Kirby, el personaje que interpreta es “completamente diferente a su hermana Elizabeth. Así como la mayor es confiable en su posición y su rol en la monarquía, la relación entre ellas se vuelve más y más tensa”.

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"Ven y canta” con estas voces latinas

Situada en un mundo como el nuestro, pero habitada totalmente por animales, SING: VEN Y CANTA es protagonizada por un grupo de simpáticos personajes que nos ofrecerán su talento para la comedia y, sobre todo, para el canto.

La productora Illumination, creadora de películas como “Mi Villano Favorito”, “El Lórax", “Minions” y "La Vida Secreta de tus Mascotas” ahora nos ofrece el estreno de  “SING: VEN Y CANTA” que se dará durante la temporada navideña de 2016.

El filme contará con más de 85 éxitos musicales y tendrá las voces de reconocidos actores y actrices en la versión original pero también aportarán su talento estrellas de Latinoamérica para el doblaje en nuestra región. 

Aquí les proponemos conocer a los personajes y a las estrellas (nuestras y no tanto) que les ponen su voz.

Buster Moon es un koala que está al frente del que alguna vez fuera uno de los teatros más importantes de la ciudad, pero que actualmente pasa por tiempos difíciles.

Buster es un eterno optimista (y quizás hasta un poco sinvergüenza) pero ama tanto a su teatro que hará hasta lo imposible por conservarlo. Poco a poco ve como su sueño se desmorona, y es ahí cuando tiene la idea de revivir la gloria de su teatro a través del más grande concurso de canto del mundo.

BENNY IBARRA: Nacido en México hace 46 años, es actor, presentador de televisión y cantante  reconocido por su paso como integrante del grupo Timbiriche.

Es su debut como actor de doblaje en una película animada y lo hará como protagonista poniéndole la voz a esta koala tan especial.

MATTHEW MCCONAUGHEY tiene 46 años de edad y es quien le pone la voz al koala Buster Moon en la versión original.

Ya había hecho doblaje en un pequeño personaje del filme animado “Kubo and the Two Strings" pero será la primera vez que cantará. De hecho por ejemplo escucharemos el hit “Call me maybe” en su voz.

Rosita es una abnegada cerda doméstica que tuvo que dejar de lado su sueño de cantar para convertirse en la devota esposa de Norman y madre de 25 cerditos.

La convocatoria de Buster la hará volver a luchar por una oportunidad perfecta para cambiar el rumbo de su vida.

HANNA NICOLE PÉREZ tiene 31 años y a pesar de haber nacido en Estados Unidos es bien mexicana y miembro del dúo pop Ha*Ash, junto a su hermana menor Ashley.

Este será su debut en el doblaje y en el cine de animación, poniéndole su voz a hermosas reversiones de canciones históricas.

REESE WITHERSPOON tiene 40 años y ya ha mostrado sus dotes de cantante en “Walk the Line”.

No tiene una gran experiencia en cuanto a voces de doblaje pero al menos había interpretado personajes importantes en los filmes “The Trumpet of the Swan" y “Monsters vs. Aliens", realizados hace más de 15 años.

Ahora será la encargada de darle vida a Rosita, y al fin y al cabo ambas son madres y con grandes dotes para el canto.

Mike es un ratón ambicioso que toca el saxo y es amante del jazz.

Su estilo a lo Frank Sinatra y su actitud arrogante lo convertirán en uno de los personajes más interesantes del filme. 

¿Pero será poco querible?

El actor argentino LEONARDO SBARAGLIA, de 46 años, ha sido el elegido para darle vida al ratón en la versión latina.

A pesar de tener una importantísima trayectoria en cine y televisión tanto en su país natal como en España y hasta en el filme “Red Lights” junto a Robert De Niro, será su debut poniéndole la voz a un personaje animado. 

SETH MACFARLANE, contrariamente a quien le pondrá la voz en la versión latina, es uno de los más expertos actores de doblaje del mundo.

Al fin y al cabo es el responsable de las voces de una enorme cantidad de personajes en las series que él mismo creó: “Family Guy” y “American Dad”.

Tiene 43 años y en la versión original le dará un toque “a lo Frank Sinatra” a la voz del ratón. 

Ash es una rockera puercoespín quien debe alejarse de su complicado novio, con quien integra una banda de rock alternativo, para poder iniciar una vida como solista.

ASHLEY PÉREZ no sólo comparte el nombre del personaje sino también el mismo peinado y la actitud rebelde.

Es la otra parte del dúo pop mexicano Ha*Ash, junto a su hermana mayor Hanna. Ashley tiene 29 años y también debutará en el mundo del doblaje y la animación.

SCARLETT JOHANSSON tiene 31 años y es la encargada de darle vida a la puercoespín rebelde en la versión original.

La actriz ya tiene experiencia suficiente para doblar las voces de otros personajes ya que este año participó de “El Libro de la Selva” y también le había puesto su voz al sistema operativo Samantha en “Her”.

Pero en cuanto a personajes de animación, sus mayores experiencias son en TV, participando de varios capítulos de “Robot Chicken” y recientemente de “Assassin Banana".

Meena es una tímida elefanta adolescente que tiene una voz maravillosa pero también un gran problema: pánico escénico.

¿Podrá superarlo para presentarse en el teatro y cumplir su sueño? 

EUGENIA “CHINA” SUÁREZ nació en Argentina y con sólo 24 años de edad es una de las actrices más famosas y de mayor éxito en ese país, gracias a su belleza y talento.

Luego de surgir de “Teen Angels” de la mano de Cris Morena junto a Lali Espósito, se dedicó de lleno a su carrera en la actuación llegando a protagonizar en los últimos años los filmes “Abzurdah” y “El Hilo Rojo”.

En ambos volvió a hacer gala de su dulce voz haciéndose cargo de cantar las canciones que fueron utilizadas como música de fondo para los créditos.

TORI KELLY tiene 23 años y ha surgido de las entrañas de internet, a través de sus videos posteados en Youtube cuando sólo era una niña de 14.

Dos años más tarde participó de “American Idol” pero allí ni siquiera pudo convertirse en una de las Top 24.

Este será su debut absoluto en el cine y también en la animación.

Johnny es un gorila adolescente que desea cantar pero cuyo padre quiere que siga sus pasos dentro del mundo criminal.

En la versión original, está claro que es británico, habrá que ver que vuelta le encuentran para nuestra región.

ROGER GONZÁLEZ nació hace 29 años en Monterrey y es otro de los chicos surgidos de la factoría Disney, en el programa “Zapping Zone".

Actualmente se desempeña como actor de teatro, TV y radio pero también fue conductor de la alfombra naranja de la última edición de los Kids Choice Awards.

Este será su debut en el mundo del cine y desde ya también en el doblaje de un personaje animado.

TARON EGERTON tiene 26 años y nació en Gales.

Saltó a la fama luego de un par de grandes performances en las películas “Eddie the Eagle" y “Kingsman: The Secret Service".

Sin embargo nunca había realizado un papel en una película animada y tampoco lo habíamos escuchado cantar, así que será toda una novedad en el rol del gorila.

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Los payasos terroríficos del cine

En los últimos tiempos en Estados Unidos y el Reino Unido se han visto a varias personas disfrazadas de payasos pero utilizando máscaras terroríficas pretendiendo atemorizar a sus vecinos.

Lo cierto es que esta moda tiene su origen en el cine ya que un gran número de películas nos ha hecho mirar de otra manera a estos personajes.

Pasen y vean esta galería del terror que ha convertido a los payasos que nos hacían reír en la peor de nuestras pesadillas.

Pennywise (”IT”, 1990): Surgido de la mente terrorífica de Stephen King, este "algo" (it) adopta formas diferentes para asesinar a los niños de un pequeño pueblo de Maine. 

Fue interpretado por Tim Curry y es sin lugar a dudas el payaso más terrorífico por excelencia. 

Tanto es así que cuando filmaron la película, todos los miembros del staff intentaban alejarse del actor cuando estaba disfrazado porque les provocaba pesadillas.

El año próximo habrá una nueva película que será dirigida por el argentino Andrés Muschietti y en la que Bill Skarsgard se hará cargo del rol del payaso.

KILLER KLOWNS FROM OUTER SPACE (1988): La década de los ochenta es grandiosa en el cine incluso por la posibilidad de ofrecernos filmes como éste. La idea era que extraterrestres que lucían de esta manera llegaban a la Tierra para aterrorizarnos..

La película no tuvo gran recepción en los cines cuando fue estrenada pero se convirtió en un filme “de culto” cuando salió en DVD y de hecho aún hoy en día los muñecos de colección y camisetas todavía se venden muchísimo.

Capitán Spaulding (”HOUSE OF 1000 CORPSES”, 2003): En su debut en la dirección, Rob Zombie mostró su fijación con los payasos macabros. De hecho ya lo demostraba en sus conciertos que eran un auténtico circo del horror.

El actor Sid Haig se puso en la piel del Capitán Spaulding, el dueño de una estación de gasolina que luego revela los secretos terroríficos de su hogar. 

Convertido en uno de los payasos que aman los fans de este género, Zombie lo volvió a convocar para “The Devil’s Rejects”, la secuela de este filme.

GACY (2003): ¿Qué peor que enterarse que este payaso no es producto de la imaginación sino que realmente existió? 

Y es que John Wayne Gacy era un ciudadano modelo, buen vecino y que hasta se disfrazaba de payaso para animar las fiestas de cumpleaños de los niños del vecindario.

El problema es que ocultaba un pequeño secreto. Era un asesino serial, de los más temibles de la historia. 

Esta película cuenta su historia y es Mark Holton quien fue elegido para interpretarlo. Les aseguro que cuando se pone el traje de “Pogo” el payaso, se les va a poner la piel de gallina...

Clown (”SPAWN”, 1997): No muchos recuerdan que en este filme, uno de los primeros que apeló a personajes conocidos para los amantes del cómic, había un payaso malvado que hacía las veces del villano.

Aunque resulte difícil identificarlo, el que está detrás del maquillaje es John Leguizamo, que se puso en la piel de un demonio obeso conocido como Clown.

A pesar de que usualmente se la nombra entre las peores películas basadas en personajes de cómics, nadie puede decir que la actuación de Leguizamo no es terroríficamente convincente.  

STITCHES (2012): En comediante de stand-up británico Ross Noble sorprendió en este filme clase B al interpretar a un payaso que volvía de la muerte para vengarse de todos los que provocaron su deceso en una fiesta de adolescentes.

La película tenía una capacidad notable para mostrar inventivas maneras de asesinar, convirtiéndose en una auténtica pieza de colección para los amantes del gore.

Una abominable comedia de terror que hace gala de puro humor negro.

Shivers (”FEAR OF CLOWNS, 2004): De las caras más terroríficas que podrás encontrar en este repaso, sin lugar a dudas. 

Un payaso llamado Shivers acosa a un artista que sufre de la fobia mencionada en el título del filme. 

Otra película de clase B de horror que a pesar de ser bastante pobre en su planteo argumental, conquistó al público y logró tener su secuela.

Al fin y al cabo todo es gracias a Shivers, o mejor dicho gracias al maquillador que supo darle esa risa de costado espantosa al personaje.

Javier (”BALADA TRISTE DE TROMPETA”, 2010): Sólo de la cabeza de Alex de la Iglesia podía salir este personaje que pasa de ser entrañable a una auténtica pesadilla.

El gran trabajo de Carlos Areces y unos maquilladores al mejor estilo de Hollywood le ponen la cereza del postre a esta obra maestra del cine español que hasta llegó a conquistar al mismísimo Quentin Tarantino.

El payaso triste que compite con su par feliz por el amor de la bellísima trapecista (Carolina Bang) y que llegará hasta límites insospechados. Ya sabemos que algunos amores pueden llevarte a la locura no?

“ZOMBIELAND", 2009: ¿Se pueden imaginar algo peor que encontrarnos con un payaso terrorífico convertido en zombie?

Eso es lo que nos propone esta película que mayormente nos hace reír hasta que en una de sus escenas aparece con movimientos lentos, globos en la mano y... masticando carne humana.

Derek Graf es quien lo interpreta y la particularidad es que usualmente no actuaba sino que se desempeñaba como doble de acción hasta que mostró sus dotes para aterrorizar... 

“CLOWN”, 2014: Y ya más cerca en el tiempo tenemos esta película que sorprendió por ponerle un interesante trabajo argumental al terror de payasos.

Un padre que quiere agasajar a su niño disfrazándose de payaso para su cumpleaños alquila un traje que poco a poco se va metiendo literalmente en su piel hasta tomar su personalidad.

El demoníaco payaso se convierte realmente en algo terrorífico, tanto es así que enamoró a uno de los nuevos padres del terror en Hollywood: Eli Roth. El realizador vio el trailer de esta historia y decidió producirla para que finalmente la película tome forma.

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Conozcan las caras de Rogue One, la nueva película de “Star Wars”

El universo de “Star Wars” se amplía y estamos muy cerca de conocer el primero de los spinoffs de la saga.

“Rogue One” nos contará la historia de un grupo de rebeldes que planeó robar los planos de la Estrella de la Muerte, algo que sabemos por las películas que no fue exitoso. Sin embargo la posibilidad de seguir explorando historias del mundo creado hace tantos años por George Lucas sigue despertando el interés del público.

Aquí les presentamos los posters oficiales de los personajes que aparecerán en el filme.

DIEGO LUNA es Cassian Andor. Un oficial de inteligencia de la Alianza Rebelde con experiencia en los campos de combate.

El Capitan Andor obtiene el respeto de sus subordinados en las tropas rebeldes gracias a su capacidad para mantener la cabeza fría en los momentos de más tensión en los combates además de completar sus misiones con la mínima cantidad de recursos.

El actor que lo interpreta es el mexicano Diego Luna, de 36 años y a quien ya vimos en producciones de Hollywood importantes como “Elysium”, “Milk” y “La Terminal”, entre otras.  

WEN JIANG es Baze Malbus. Soldado y amigo que cubre las espaldas de Chirrut.

La dura realidad de tener a su hogar ocupado por el Imperio ha transformado a este hombre en un soldado pragmático que es extremadamente eficaz con su pesado cañón de repetición.

Baze propone un contraste interesante a la espiritualidad de su mejor amigo Chirrut Îmwe.

El chino Wen Jiang tiene 53 años y es quien le da vida a este importante personaje en lo que será su primer gran papel en Hollywood. 

RIZ AHMED es Bodhi Rook. Ex-piloto imperial que tiene enormes dotes para pilotear las naves y también posee gran capacidad tecnológica que pone al servicio de la Rebelión.

Siempre es práctico aunque demasiado ansioso y algo alocado. Proviene del planeta Jedha, un lugar sagrado para los que creen en la Fuerza. Lo que no se puede negar es su coraje para batallar contra el Imperio. 

El actor que lo interpreta es Riz Ahmed, nacido hace 33 años en el Reino Unido y a quien vimos este año al frente de la serie “The Night Of”, de enorme suceso a través de HBO. 

DONNIE YEN es Chirrut Îmwe. Un monje guerrero con fe en la Fuerza.

Profundamente espiritual, cree que todos los seres vivos están conectados a través de la Fuerza.

Es ciego pero eso no le impide ser uno de los guerreros más hábiles del universo. 

A través de sus habilidades para invocar a la Fuerza, este monje ha tallado su cuerpo y sus sentidos con una gran disciplina y un intenso entrenamiento físico.

Nacido en China hace 55 años, el actor Donnie Yen es el encargado de interpretarlo gracias a su habilidad como experto en artes marciales y es reconocido como uno de los mejores de la historia en su país. 

ALAN TUDYK es la voz de K-2SO. Conocido también como Kay-Tuesso, era un androide imperial que ahora ha sido reprogramado para pelear contra sus creadores.

K-2SO es presentado como la antítesis de C3PO, es pragmático y un efectivo agente de los que puede mezclarse sin ser divisado en las instalaciones del Imperio.

Alan Tudyk es quien le pone la voz al androide.

El actor tiene 45 años y nació en El Paso, Texas. 

Es reconocido por haberle puesto su voz a personajes en “Frozen” y “Wreck it Ralph”, aunque también formó parte de “Yo, Robot”, en la que premonitoriamente interpretó a un androide.  

FELICITY JONES es Jyn Erso. 

Dejando atrás un pasado complicado, ofrecerá sus habilidades por una causa mayor.

Jyn Erso es impetuosa, desafiante y está ansiosa por darle batalla al Imperio.

Pese a que en su pasado operaba en soledad, encontrará un propósito mayor al liderar la desesperada misión que comanda su padre para la Alianza Rebelde.

La actriz que la interpreta es Felicity Jones, nacida en Inglaterra hace 33 años y que fue nominada a un Oscar por su labor en “La teoría del todo”.

BEN MENDELSOHN es el Director Orson Krennic. Es el personaje clave tras la Estrella de la Muerte. 

Como director de la división de Investigación de Armas Avanzadas del Imperio, Krennic se obsesiona con completar el largamente postergado proyecto de la Estrella de la Muerte.

Un hombre tan cruel como brillante que ha forjado su reputación luego de construir la estación de batallas del Emperador.

El australiano de 47 años Ben Mendelsohn es quien interpretará a este villano. Un rol al que nos tiene acostumbrados a los que vimos recientemente la serie “Bloodline” o si nos remontamos al filme más prestigioso de su país, “Animal Kingdom”.

FOREST WHITAKER es Saw Gerrera. Resuelto a ganar la lucha contra el Imperio, él es un veterano de la Guerra de los Clones y también sigue combatiendo en la rebelión contra el Imperio.

Saw Gerrera es el líder de una banda de extremistas y ha perdido tanto en su década de batallas que se ha transformado en un hombre oscuro pero que ocasionalmente es capaz de mostrar el hombre carismático que alguna vez brilló.

Gerrera permanece en el antiguo mundo de Jedha, coordinando una prolongada insurgencia contra la ocupación imperial occupation. 

Forest Whitaker tiene 55 años, nació en Texas y es ganador de un Premio Oscar como Mejor Actor Principal en 2007.

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Estas son las películas que nos hacen adelgazar

El sueño de perder peso sin siquiera movernos y además mirando una película parece que ya es realidad. 

Al menos así lo indica el sitio Medical Dailly que publica una investigación realizada por científicos de la Universidad de Westminster. En la misma aseguran que hay películas de terror que pueden hacer que el organismo humano llegue a quemar tantas calorías como una caminata de 30 minutos.

Aquí los invitamos a conocer cuales son las 10 películas que los van a hacer adelgazar sin moverse de su sillón:

10. [REC] - 101 calorías

La película española que sorprendió al mundo con el reporte de una periodista y su camarógrafo en primera persona tratando de mostrar como era una noche en un cuartel de bomberos, se mete en el top ten.

Jaume Balagueró y Paco Plaza eligieron rodar el filme en orden cronológico, en locaciones reales y también con actores que no fueran conocidos para que la experiencia simulara ser aún más real, de hecho la protagonista (Manuela Velasco) trabajaba como cronista de noticias en su país.

El presupuesto del filme fue de 1,5 millones de euros y consiguió recaudar más de 33 millones de dólares, dándole vida a una saga que hasta ahora consta de 4 películas.

9. THE TEXAS CHAIN SAW MASSACRE - 107 calorías

El filme realizado en 1974 ocupa el penúltimo lugar de la lista.

Cuenta la historia de dos hermanos y un grupo de amigos que al ir a visitar la tumba de su abuelo en Texas, son atacados por una banda de caníbales.

La figura de “Leatherface” se convirtió en una de las más temidas de la historia del cine y cuando se estrenó aterró tanto a los espectadores que había gente que se escapaba aterrada de las salas. 

El filme tuvo un presupuesto de U$S 140.000 pero logró recaudar nada menos que U$S 30 millones, sólo en los Estados Unidos.

Hasta el día de hoy, el filme tuvo cuatro secuelas y una remake. 

8. THE BLAIR WITCH PROJECT - 105 calorías   

En el año 1999 todavía no se conocía el género de “falso documental” como se ha popularizado en los últimos años, especialmente dentro de los filmes de terror.

Por eso esta película irrumpió como una supuesta historia real de tres estudiantes de cine que se perdían en los bosques de Black Hills cuando intentaron filmar la historia de la Bruja de Blair. 

Los realizadores Daniel Myrick y Eduardo Sánchez incluso habían publicado avisos con fotos de los actores reportándolos como desaparecidos.

Ese morbo de la gente creyendo estar viendo imágenes reales encontradas en el bosque provocó una auténtica revolución que recaudó más de US$ 248 millones en el mundo entero.

7. PARANORMAL ACTIVITY - 111 calorías

Otro filme que sorprendió al mundo al presentarse como un supuesto documental realizado con cámaras de seguridad, webcams, etc.. fue el de Oren Peli en 2007.

Esa “presencia” que acosaba a una pareja se convirtió en un auténtico éxito en el mundo del terror y fue filmada en la propia casa del director durante 10 días, ya que no contaban con demasiado presupuesto.

Los actores Katie Featherston y Micah Sloat tan sólo recibieron US$ 500 cada uno por su trabajo. El presupuesto total fue de U$S15 mil y recaudó U$S 193 millones en todo el mundo.

Steven Spielberg es uno de los amantes de esta cinta y reveló que cuando comenzó a verla tuvo que pararla en un momento y terminar de verla al día siguiente y con la luz del sol debido al miedo que le causaba.

Luego se desató la locura de las “Actividades Paranormales” y ya contamos con títulos como "Paranormal Activity, 2, 3 y 4″, además de "Paranormal Activity: The Ghost Dimension”, "Paranormal Activity: The Marked Ones” y "Paranormal Activity 2: Tokyo Night”.

6. A NIGHTMARE ON ELM STREET - 118 calorías   

Hoy puede parecer difícil pensar que Freddy Krueger puede dar miedo real, sin embargo esta “Pesadilla” realizada en 1984 aparece bastante alto en la lista.

Realizada por el maestro del terror, Wes Craven, muchos de nosotros tuvimos temor de irnos a dormir esa misma noche para no encontrarnos con las garras de Freddy en nuestros sueños.

La película que marcó el debut cinematográfico de Johnny Depp recaudó casi 26 millones de dólares en taquilla y había tenido un presupuesto inferior a los 2 millones.

Krueger volvería a aparecer en seis películas de la saga, además de una remake en 2010 y la pobrísima “Freddy vs. Jason” en la cual se enfrentarían dos personajes icónicos del cine de horror.

5. SAW - 133 calorías

Para algunos en Latinoamérica fue “El juego del miedo”, la película de 2004, la que volvió a revitalizar el género del terror.

La obra dirigida por el ahora reconocido como uno de los nuevos maestros del terror, James Wan, sorprendió por hacer gala de un guión en el que se incorporaron efectos psicológicos a la trama del horror a la que Hollywood se había acostumbrado.

Wan le tenía tanta fe a su historia que decidió no recibir ningún pago por su trabajo y apostó por recibir regalías cuando el filme se estrenara. La recepción fue tan buena que el primer fin de semana en el que estuvo disponible en los cines, le encargaron a los realizadores la producción de la secuela.

El propio James Wan fue el encargado de diseñar y crear el ahora famosísimo muñeco “Jigsaw”.

La saga consta, hasta el momento, de siete películas.

4. ALIEN - 152 calorías    

En el año 1979 las películas de ciencia ficción estaban bastante lejos de atemorizar a alguien, hasta que llegó esta obra de Ridley Scott que revolucionó ambos géneros.

La icónica escena que ven en la foto en la que el alien emerge del pecho fue filmada en sólo una toma y requirió de cuatro cámaras para no perder ni un detalle.

Pocos saben que el Alien no era un robot ni una animación sino que era un actor sobre el cual se montaba un disfraz. El nigeriano Bolaji Badejo tuvo el difícil trabajo de interpretarlo. Tuvo que realizar clases de Tai Chi para aprender a mover su cuerpo de manera más lenta y amenazante. 

Alien se convertiría en una franquicia que tiene tres secuelas, dos películas situadas en el mismo universo (Prometheus y Alien: Covenant) y dos crossovers en las que combatió con Predator.

3. THE EXORCIST - 158 calorías  

Desde 1973 que esta película acecha durante varias noches a quienes se atreven a verla...

En su momento, el filme provocó una auténtica conmoción en los espectadores que se desmayaban y tenían que ser atendidos por paramédicos en las salas de proyección.

El filme obtuvo un total de diez nominaciones para los Premios Oscar, un hecho completamente inédito para el género del terror.

Linda Blair sufrió muchas amenazas de muerte por parte de fanáticos religiosos que creían que el filme “glorificaba a Satanás”. La actriz tuvo que moverse con guardaespaldas hasta seis meses después del estreno.

2. JAWS - 161 calorías

Casi al tope de la lista aparece una de las obras maestras de Steven Spielberg que cambiaría la forma de hacer cine en su época y que aún hoy sigue asustando.

El cineasta apeló a sugerir la presencia del tiburón blanco con la música compuesta por John Williams, al mejor estilo de Alfred Hitchcock. Lo cierto es que la decisión fue tomada luego de que el departamento de efectos especiales no pudiera resolver el funcionamiento del tiburón robótico.

Tras su estreno, precedido por una campaña de marketing sin precedentes en Estados Unidos, se convirtió en la producción más taquillera de la historia del cine, hasta que en 1977, fue superada por Star Wars.

A este filme le siguieron tres secuelas aunque Spielberg no participó de ninguna de ellas.

1. THE SHINING - 184 calorías    

Stanley Kubrick y su adaptación personal de la obra de Stephen King ocupan el primer lugar del ranking a puro terror e imágenes inquietantes.

La historia de Jack Torrance (Jack Nicholson), un escritor en recuperación por alcoholismo que se muda junto a su familia a un solitario hotel de alta montaña en el que se desatan sus trastornos de personalidad. 

A pesar de que hoy en día es mencionada como una obra maestra, incluso más allá del género del terror, en su momento no tuvo una gran afluencia de público ni cariño por parte de los críticos.

La película es tan terrorífica que el niño (Danny Lloyd) fue sobreprotegido por Kubrick durante toda la filmación e incluso no vio el resultado de su trabajo hasta que cumplió 17 años (11 años después del estreno). 

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Descubran a estos actores cuando debutaron siendo niños

Ya hemos analizado en pasadas ediciones lo que ha ocurrido con muchos niños actores que luego han evolucionado de la peor manera, alejándose del mundo del cine y cayendo en desgracia al no poder superar el lado oscuro de la fama.

Sin embargo hay otros casos de actores y actrices muy famosos hoy en día que habían participado de películas cuando eran apenas niños e incluso bebés.

Les proponemos entonces un paseo por el pasado adorable de estas estrellas de Hollywood.

Angelina Jolie en “Lookin' to Get Out” (1982): Cuando tenía sólo 7 años debutó en la pantalla grande de la mano de su padre, Jon Voight, en esta comedia.

De hecho en los créditos figura como Angelina Jolie Voight, interpretando a Tosh, la hija de Patti Warner (Ann-Margret).

Luego se alejaría del cine para estudiar en el Lee Strasberg Theatre Institute, en la adolescencia comenzaría a modelar y hasta protagonizaría cinco películas dirigidas por estudiantes de la USC, entre ellos uno de su hermano James Haven.

Tras aparecer en comerciales televisivos y en videos musicales como el de Meat Loaf "Rock and Roll Dreams Come Through", finalmente a los 18 años de edad realizaría los cortometrajes de sólo 2 minutos de duración titulados "Alice & Viril" y "Angela & Viril", realizados por Steven Shainberg, el director de “La Secretaria”.

Su primera película fue “Without Evidence", en 1995 cuando ya tenía 20 años.

Angelina Jolie en “By the sea” (2015): La última vez que la vimos en pantalla grande fue a sus 40 años junto a su ahora ex marido en esta premonitoria película que también dirigió y escribió.

Curiosamente en los créditos también figura con un nombre “diferente”: Angelina Jolie Pitt, por primera vez (y probablemente última) en su carrera.

Y es que la filmación de esta película, en la que una pareja atraviesa una crisis casi terminal, fue realizada en plena luna de miel de Brad y Angelina.

Kirsten Dunst en “La hoguera de las vanidades” (1990): A los 8 años de edad y con un color de cabello diferente al actual, se presentó nada menos que junto a Tom Hanks,  Bruce Willis y Melanie Griffith en este filme dirigido por Brian de Palma.

Cabe aclarar que en realidad ya había estado en una película el año anterior. En “New York Stories”, en el segmento realizado por Woody Allen titulado “Oedipus Wrecks", aparece como la hija de Lisa pero en esa ocasión su participación no figuró en los créditos.

A pesar de que quizás se la recuerda por sus papeles de “niña actriz” en “Entrevista con el Vampiro” y “Jumanji”, lo cierto es que Kirsten debutó poniendo su cara en esta película. 

Kirsten Dunst en “Midnight Special” (2016): Con 34 años de edad, la actriz luce así en el último filme en el que la pudimos ver en pantalla grande.

Kirsten no utiliza maquillaje en ninguna de las escenas en las que aparece en el filme y tuvo que luchar para que Jeff Nichols le diera la posibilidad de trabajar junto a él ya que el director tenía a otra persona en mente.

Dunst interpreta a Sarah, la madre del chico con poderes especiales que protagoniza el filme y que es buscado por una secta que lo adora y por el gobierno de los Estados Unidos.

Shailene Woodley en “Replacing Dad” (1999): Con tan sólo 6 años de edad y este adorable corte de pelo, la ahora estrella del mundo “Divergente” debutó en la pantalla grande tan sólo como “la pequeñita”, un papel que ni siquiera tenía nombre.

El filme fue directamente a la televisión y no tuvo estreno en los cines, además fue filmado en 1997, cuando Shailene tenía 6 años, pero fue exhibido dos años más tarde.

Shailene Woodley presentando “Snowden” (2016): Esa tierna pequeñita se convirtió en esta bellísima joven de 24 años que por estos días estuvo presentando el filme de Oliver Stone en el que interpreta a la novia del ex agente de inteligencia que desató un escándalo.

Para realizar este papel, Shailene tuvo que tomar clases de pole-dance.

En las últimas semanas, Shailene también ha sido noticia por haber sido arrestada durante una protesta en en el paraje de Standing Rock para evitar que instalaran un oleoducto en pleno territorio de la tribu Sioux.

Joseph Gordon-Levitt en “Stranger on my land” (1988): Cuando tenía sólo 6 años de edad y de la mano de Tommy Lee Jones, debutaba en la pantalla este pequeño gran actor en un filme realizado para la TV.

Sin embargo la mayoría lo recuerda por su rol en la serie televisiva “3rd Rock from the Sun", protagonizada por John Lithgow.

Lo cierto es que luego de pasar por la televisión, Joseph se retiró brevemente de la actuación para asistir a la Universidad de Columbia. Cuando volvió a actuar, a comienzos del 2000, se alejaría de las comedias para dedicarse a papeles más dramáticos en filmes independientes.

Joseph Gordon-Levitt en “Snowden” (2016): Con 35 años de edad, así lo vemos en su última película interpretando a Edward Snowden, bajo la dirección de Oliver Stone.

Joseph se comprometió a donar todo el salario recibido en el filme para “ayudar a facilitar la conversación” acerca de la relación entre la tecnología y la democracia.

Rumer Willis en “Now and then” (1995): La hija de Demi Moore y Bruce Willis tuvo un temprano debut en la pantalla grande a los 7 años de edad en un filme en el que también aparecía su madre y otras niñas actrices precoces como Thora Birch, Christina Ricci y Gaby Hoffmann.

En los créditos, Rumer figuró con el nombre Willa Glen porque no quería aprovechar la fama de sus padres para trabajar.

Lo cierto es que su próximo papel cinematográfico volvió a ser junto a mamá Demi en la inolvidable “Striptease”.

Rumer Willis en “The Escort” (2015):  En la actualidad tiene 28 años y así luce en la última película en la que la pudimos ver hasta el momento en la pantalla grande, junto a Lyndsy Fonseca en un filme independiente sobre el mundo de la prostitución en las clases altas.

A pesar de que todavía no ha tenido grandes papeles en el cine, el año pasado estuvo en el candelero al formar parte de “Dancing with the stars”, su silueta ha cambiado muchísimo y se ha convertido en un icono de la belleza.

Además es una defensora de las “fotos naturales” y no hace mucho tiempo tuvo una fuerte controversia con “Vanity Fair” luego de que la publicación utilizara Photoshop para retocarle sus facciones.

Thora Birch en “Purple People Eater" (1988): A pesar de que muchos la recuerdan por el papel de Dani en “Hocus Pocus”, en realidad había debutado en la pantalla con 6 años de edad cuando lucía estos adorables ricitos dorados.

Thora también participaría de “Now and then” interpretando la joven versión de Melanie Griffith pero se convertiría en una auténtica celebridad por su rol en “American Beauty” en 1999.

Thora Birch en “Colony” (2016): Con 34 años de edad, Thora está retornando al mundo de la actuación con un papel en la serie televisiva “Colony” pero también formando parte de cuatro películas independientes.

Tras su repentino éxito en “American Beauty” y protagonizar la aclamada “Ghost World” junto a Scarlett Johansson, Thora  decidió alejarse un poco de los sets de filmación y dedicarse a la vida académica.

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Aquí están las elegidas para traer un Oscar a Latinoamérica

Poco a poco se nos va acabando otro año y en estas épocas en las que ya se han llevado a cabo los principales festivales de cine del mundo todos los ojos ya se ponen en la entrega de los Premios Oscar que se llevará a cabo el 26 de febrero de 2017.

Por eso los países que están fuera de Hollywood ya se han encargado de elegir a las películas que los representarán en la categoría de “Mejor Película Extranjera”.

Aquí les ofrecemos la lista completa de los filmes que nos interesan ya que han sido las elegidas para ser enviadas a la Academia en representación de cada país de América Latina.

Tendrán que competir con más de 85 países y recién el 17 de enero de 2017 vamos a conocer a las 9 finalistas de las que luego se terminarán seleccionando a sólo 5  nominadas, el día 24 de enero.

EL CIUDADANO ILUSTRE (Argentina): Tras obtener buenísimas críticas y una ovación de pie de parte del público en el Festival de Venecia, la película dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat es la esperanza albiceleste para volver a ganar la estatuilla que en el año 2010 se llevó “El secreto de sus ojos”.

En Venecia la película se llevó un premio muy importante: La Copa Volpi al Mejor Actor gracias a la tarea de Oscar Martínez. Cabe recordar que él formó parte del elenco de “Relatos Salvajes”, el última filme argentino finalista en la categoría.

“El ciudadano..” cuenta la historia de Daniel Mantovani, un escritor que luego de obtener el Premio Nobel de Literatura es invitado a Salas, el pueblo de donde es oriundo  y al cual nunca volvió, pero sirvió de inspiración para su obra literaria. 

CARGA SELLADA (Bolivia): El filme dirigido por Julia Vargas es una coproducción entre Bolivia, México, Venezuela y Francia e intentará llegar por primera vez en la historia a ser una de las finalistas del país del altiplano en la categoría.

El filme cuenta con un elenco compuesto por actores de diferentes países: el mexicano Gustavo Sánchez, los venezolanos Prakriti Maduro y Gonzalo Cubero y los bolivianos Luis Bredow, Fernando Arze, Daniela Lema, Jorge Hidalgo y Marcelo Quina.

Es una ficción, basada en un hecho real, que hace foco en un tren que en 1995 recorría el país a través de un sistema ferroviario abandonado con la misión de deshacerse de 400 toneladas de minerales y desechos tóxicos generadas por países  desarrollados.

NERUDA (Chile): Pablo Larraín es un director que con tan sólo 40 años de edad ya se ha convertido en uno de los niños mimados de Hollywood. Luego de haber logrado hacer historia al conseguir la primera y única nominación de un filme chileno en la categoría por “No” en 2013, fue convocado para dirigir a Natalie Portman en “Jackie”.

Por lo tanto el de Larraín es un apellido que puede llegar a dar sorpresas logrando nominaciones no sólo como película extranjera sino también en las categorías principales.

En este caso, “Neruda” se exhibió en el Festival de Cannes y cuenta la historia del poeta que a fines de 1940, cuando se desempeñaba como senador por el Partido Comunista, fue perseguido y obligado a exiliarse.

El contrapunto actoral entre el escritor (interpretado por Luis Gnecco) y el policía que lo persigue (encarnado por el mexicano Gael García Bernal), sumado a la brillante dirección de Larraín le otorgan enormes chances de ser una de las  finalistas.

ALIAS MARÍA (Colombia): Tras haber logrado una histórica primera nominación el año pasado con “El abrazo de la serpiente”, los cafeteros quieren seguir estando entre los finalistas.

Para ello eligieron este filme en el que una adolescente de 13 años que combate en la guerrilla es enviada en una misión para llevar al hijo recién nacido de su comandante, a través de la selva, hasta un pueblo seguro. Ella también está atravesando un embarazo y debe guardarlo en secreto. 

El segundo largometraje de José Luis Rugeles participó de la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes y se estrenará, antes de saberse si es una de las elegidas o no, en  10 países.

EL ACOMPAÑANTE (Cuba): Desde 1994 con el filme “Fresa y Chocolate” que los cubanos no alcanzan la posibilidad de ser finalistas en la categoría. 

Esta vez han seleccionado esta película dirigida por Pavel Giroud que está ambientada en la década del ‘80 y cuenta la historia de amistad que entabla un reconocido boxeador sancionado por dopaje, con pacientes que padecen del virus del VIH-Sida.

El reconocido cantante Yotuel Romero, del grupo Orishas, es el encargado de darle vida al boxeador Horacio Romero mientras que Armando Miguel Gómez realiza el papel de un joven militar que contrajo el virus en  Africa.

SIN MUERTOS NO HAY CARNAVAL (Ecuador): Otro país que busca meterse por primera vez en la final por la estatuilla a Mejor Filme en idioma extranjero es Ecuador.

Esta vez eligieron el filme dirigido por Sebastián Cordero que narra los conflictos políticos, sociales y económicos que se dan alrededor de las invasiones de tierra en la ciudad de Guayaquil.

Una de las historias que se entrelazan en la película está protagonizada por el mexicano Diego Cataño, cuyo rostro es más que reconocido por haber interpretado a “La Quica” en “Narcos”, la serie producida por  Netflix.

DESIERTO (México): Parece mentira pero a pesar de que realizadores como Guillermo Del Toro, Alejandro González Inárritu o Alfonso Cuarón han ganado estatuillas y son poco menos que dioses en Hollywood, México nunca ha logrado imponerse en la categoría de Mejor Película Extranjera.

Y precisamente este año el elegido es un filme realizado por Jonás, el hijo de Alfonso Cuarón que obtuvo el premio de los críticos del FIPRESCI en el Festival de Toronto.

Cuenta la historia de un inmigrante mexicano (Gael García Bernal) que buscando un mejor futuro intenta cruzar la frontera rumbo a Estados Unidos junto a varios compatriotas y deben luchar por su vida escapando de un implacable vigilante  (Jeffrey Dean Morgan).

SALSIPUEDES (Panamá): La primera vez que Panamá envió una película a participar por un Oscar fue recién en 2014 y esta será tan sólo la tercera ocasión en la que lo hacen.

Es un filme dirigido por el panameño Ricardo Aguilar Navarro y el cubano Manolito Rodríguez que cuenta la historia de un joven que regresa por primera vez a su Panamá natal tras haber estado exiliado desde su infancia.

Corrupción, desempleo y pérdida de valores, son los temas que aborda el filme desde el punto de vista de un boxeador derrotado y una madre que aleja a su hijo del barrio para que su futuro sea más  prometedor.

VIDEOFILIA Y OTROS SÍNDROMES VIRALES (Perú): En el año 2009, Claudia Llosa hizo historia para el cine peruano cuando “La teta asustada” logró colarse entre las finalistas para un Oscar.

Esta vez seleccionaron una película que viene con un importante derrotero en varios festivales de cine como el de Mar del Plata, Lisboa y Rotterdam, en el cual obtuvo el premio mayor.

Sin embargo, cuando el filme participó en un concurso nacional en su país, el premio fue declarado desierto, aunque después volvieron sobre sus pasos y le otorgaron el galardón a “Videofilia” tras su logro en Holanda.

La película plantea la vida de los adolescentes en Lima desde un punto de vista psicodélico, inmersos en crecer y relacionarse con otros miembros de esta generación  virtual. 

FLOR DE AZÚCAR  (República Dominicana): Esta será tan sólo la novena película en la historia que mandará el país en toda su historia en la que nunca han logrado ser nominados.

Este filme dirigido por Fernando Báez, está ambientado en 1948 en plena dictadura de Rafael Trujillo y narra la historia de un joven campesino dominicano de nombre Samuel que debe afrontar la cacería en su contra por haber dado muerte involuntaria a un sargento del ejército, teniendo que abandonar a su esposa y  sus dos hijas.

MIGAS DE PAN (Uruguay): En 1992, en Uruguay todos se pusieron felices cuando vieron su nombre entre las finalistas de la categoría, pero rápidamente la Academia de Hollywood descalificó a “Un lugar en el mundo”, porque en realidad había sido escrita y dirigida por el argentino Adolfo Aristarain.

Esta vez también cuentan con presencia argentina pero sólo en el elenco ya que Cecilia Roth es la protagonista y es acompañada por la nueva estrella de aquel país, Justina Bustos, que interpreta el mismo papel que Roth, pero en su juventud.

Estrenada en el Festival de Montreal, cuenta la historia de Liliana que al volver desde España a Uruguay tiene que enfrentar el dilema de elegir entre representar a un grupo de mujeres que fueron violadas en prisión durante la dictadura militar o reconciliarse con su hijo y vivir pacíficamente en su rol de madre y  abuela.

DESDE ALLÁ (Venezuela): Este país casi da la sorpresa en 2014 cuando “Libertador” llegó a estar en la lista de nueve pre-clasificadas pero luego no pasó el corte y se quedó afuera de las cinco finalistas.

Esta vez, la ópera prima de Lorenzo Vigas cuenta con muchísimas chances de hacer historia para su país.

Y es que el filme llega precedido de una gran cantidad de premios y reconocimientos internacionales, entre ellos nada menos que el “León de Oro” del Festival de Venecia, algo que no había conseguido ninguna obra venezolana.

Cuenta la historia de Armando, un fabricante de dentaduras de familia adinerada, que entabla una amistad muy particular con Elder, un joven de la calle a quien le paga por su compañía. 

El papel de Armando es realizado por el chileno Alfredo Castro, quien ya estuvo con posibilidades de ganar un Oscar cuando formó parte de la cinta  “No”. 

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Las remakes que próximamente veremos en los cines

En estas épocas del cine en las que las palabras “remake” o “reboot” se han metido de lleno en el diccionario del público en general, vale la pena repasar las próximas películas que generarán polémica dentro de poco tiempo.

Y es que hay películas que uno imagina que no deberían volver a realizarse porque será imposible mejorar la original pero también es cierto que hay algunos casos en los que el resultado puede ser sorprendente.

Lo que queda claro es que las ideas originales parecen estar en período de extinción y lo que nos queda es pedirle a los zares de la industria que estas obras, que algunos consideran sagradas, sean revividas de la mejor manera... 

PAPILLON (1973): En la década del ‘70 uno de los actores por excelencia en el cine de Hollywood era Steve McQueen y terminó de demostrarlo con este drama carcelario en el que compartió cartel con un jovencísimo Dustin Hoffman.

Sin embargo Steve McQueen y Dustin Hoffman tuvieron algunos problemas para relacionarse durante la filmación, tanto es así que ni siquiera se dirigían la palabra cuando no estaban las cámaras encendidas.

McQueen le daba algunas directivas actorales que molestaban a Hoffman e incluso cuando Dustin invitó a algunos amigos al set, Steve decidió echarlos del mismo. Lo cierto es que cuando Hoffman descubrió que McQueen estaba recibiendo U$S 750,000 más que él, la relación fue aún peor pese a que siempre se comportaron profesionalmente en el set. 

PAPILLON (2017): El director danés Michael Noers ("Nordvest") es el encargado de llevar adelante la ardua tarea de hacer una película mejor o al menos igual que la original.

Lo cierto es que al menos contará con dos actores de enorme prestigio entre los fans de las mejores series televisivas.

Charlie Hunnam (Sons of Anarchy) estará a cargo del rol interpretado por McQueen mientras que el reciente ganador del Emmy Rami Malek (Mr. Robot) tendrá que interpretar a Louis Dega, papel que hizo brillantemente en pantalla Dustin Hoffman. 

El listón es realmente muy alto para que esta remake sea por lo menos decente, será difícil pero cuentan con interesante material actoral y detrás de las cámaras como para lograrlo. 

A STAR IS BORN (1976): Aunque sea difícil de creer, esta película ya en sí misma era una remake del filme protagonizado por Janet Gaynor en 1937 y que también había realizado Judy Garland en 1954.

En 1976 la estrella musical del momento era Barbra Streisand y fue la encargada de volver a revivir el papel de la jovencita cantante que enamora a uno  rockero en decadencia (Kris Kristofferson).

Entre las tres películas obtuvieron nada menos que 12 nominaciones la Oscar y precisamente fue Streisand quien se llevó una estatuilla a casa por la canción “Evergreen” que compusieron para esta película.

A STAR IS BORN (2017): Fueron varios los que quisieron realizar una nueva versión de este filme, de hecho nada menos que Clint Eastwood estaba dispuesto a dirigir a Beyoncé Knowles, hasta que la morena abandonó el proyecto en 2012.

Fue Bradley Cooper quien se animó a adquirir los derechos y ahora no sólo será el protagonista sino que además debutará como realizador en esta nueva remake.

Cooper ha elegido a una de las estrellas musicales del momento para acompañarlo: Lady Gaga, quien también ha comenzado a mostrar sus dotes de actriz en las últimas temporadas de American Horror Story.

SUSPIRIA (1977): Este filme se convirtió en un auténtico clásico del terror gótico dirigido por el italiano Darío Argento.

Allí veíamos a la joven bailarina de ballet Suzy Bannion (Jessica Harper) que llega desde New York para unirse a una prestigiosa y famosa academia de danza, pero allí descubrirá que los asesinatos y prácticas oscuras están a la orden del día.

Una película oscura que estaba acompañada por una banda de sonido aún más terrorífica compuesta por el propio Argento e interpretada por la banda Goblin. El realizador la ponía a todo volumen en el set para que el terror de los actores pareciera aún más real.

SUSPIRIA (2017): Para esta remake el estudio eligió a otro italiano, Luca Guadagnino, que acaba de dar el gran salto a Hollywood con el filme “A Bigger Splash".

Y precisamente para su versión del filme de Argento, el realizador contará con las dos estrellas de su último filme: Dakota Johnson y su “fetiche” Tilda Swinton.

Guadagnino señaló que quiere rendirle homenaje a “Suspiria” haciendo foco en el concepto de terror en la maternidad, el elemento que más le llamó la atención cuando tenía 14 años y vio el filme por primera vez en su país.

Por su parte Darío Argento señaló que no está de acuerdo con que se haga una nueva versión de su filme.

SPLASH (1984): Dirigida por Ron Howard y con Tom Hanks y Daryl Hannah a la cabeza, esta comedia romántica con toques fantásticos se robó el corazón de millones de personas a lo largo de estos años y logró recaudar 69 millones de dólares en los Estados Unidos.

La historia de la sirena y un hombre común que se enamoran había sido escrita muchas veces en diferentes libros, pero fue llevada al cine con un guión innovador para la época. 

Tanto es así que Madison, el nombre utilizado para nombrar a la sirena, se convirtió en uno de los más populares para las bebés nacidas en aquel año.

WET (2017): Finalmente la remake de “Splash” llegará luego de más de 30 años y según Brian Grazer, el mismo productor del primer filme, será una "versión" de la idea original y estará narrada desde el punto de vista de la sirena. 

Lo más extraño de la “idea” es que la bellísima sirena encarnada por Daryl Hannah será reemplazada por “el sireno” Channing Tatum. Así es, la novedad es que habrá cambio de géneros ya que Jillian Bell será quien interpretará el rol realizado por Tom Hanks.

Para muchos, es un intento banal de lograr el interés de la platea femenina pero tanto Ron Howard como Tom Hanks han señalado que están entusiasmados con este nuevo giro.

JACOB’S LADDER (1990): Tim Robbins ofreció una de sus mejores actuaciones interpretando a Jacob Singer, un perturbado veterano de la guerra de Vietnam al que le cuesta disociar sus sueños de la realidad.

El filme realizado por Adrian Lyne, que en la década del ‘90 era uno de los directores más prestigiosos del mundo del thriller y el horror psicológico, no tuvo gran suceso en la pantalla grande pero se convirtió en un “filme de culto” cuando fue lanzado en VHS.

Es que el filme no es para nada fácil de ver, es más bien una experiencia que hace sentir incómodos a los espectadores y provoca una profunda depresión. 

JACOB’S LADDER (2017): El filme original es tan particular que el guionista señalado para escribir la remake, Jeff Buhler, se apresuró en decir que será más que nada una “re-imaginación” del filme.

De hecho, según han confirmado desde la productora, el filme será “un thriller de acción y paranoia moderna acerca de dos hermanos”.

Así será entonces que Michael Ealy (”The Perfect Guy”) será uno de los protagonistas del filme dirigido por el realizador de esa misma cinta, David M. Rosenthal y estará acompañado por otro moreno de ojos claros: Jesse Williams, a quien hemos visto en “Grey´s Anatomy” en el rol del Dr. Jackson Avery.

La mexicana Karla Souza, que se ganó un lugar importante en los castings luego de su rol en "How to Get Away With Murder", va a interpretar a Annie/Angel, una enfermera que trabaja con el equipo médico de Jacob en Afghanistan.  

THE CROW (1994): Este filme fue famoso por un motivo especial: La muerte de su protagonista Brandon Lee en pleno set de filmación.

Si a esto le sumamos que el guión basado en el cómic nos hablaba de un hombre que era asesinado y volvía de la muerte para hacer justicia, el morbo estaba garantizado.

Como triste anécdota, podemos recordar que la escena en la que Funboy (Michael Massee) le dispara al Cuervo no estaba escrita en el guión. Fue cambiada a último momento por el director Alex Proyas y el resultado fue la muerte de Brandon Lee al recibir un proyectil que estaba dentro del revólver de utilería.

El material fílmico fue utilizado como evidencia en la investigación de la muerte del hijo de Bruce Lee. Como parte del arreglo judicial, el rollo que contenía las imágenes fue destruido. 

THE CROW (2018): Hubo numerosos intentos por volver a realizar esta película, al menos desde 2010, mencionando actores como Luke Evans, Bradley Cooper, James McAvoy y Tom Hiddleston para hacerse cargo del papel que realizó el hijo de Bruce Lee.

Ahora sí, finalmente se llegó a un arreglo con el director Corin Hardy, quien recientemente nos ofreció el filme de terror “The Hallow" para que se haga cargo de la remake.

Lo más interesante es la elección de Jason Momoa, quien luego de saltar a la fama como Kal Drogo en “Game of Thrones”, se mostrará con el traje de Aquaman en “La liga de la Justicia”.

La duda pasa por saber si Momoa puede estar a la altura de un papel tan demandante como el de “El Cuervo” ya que no ha mostrado grandes dotes actorales hasta el momento al protagonizar "Wolves” o “Conan, el Barbaro”.

SCARFACE (1983): Brian De Palma es uno de los directores más infravalorados de la industria porque al parecer muchos creen que hacer cine de acción es “más fácil”.

Claramente esto no es así y prueba de ello es esta película que si bien todos los que amamos el cine consideramos un clásico, fue absolutamente desconocida por los premios de la Academia a pesar de la notable actuación de Al Pacino y un guión impactante escrito por Oliver Stone.

De Palma tuvo que luchar muchísimo para que el comité de expertos que califica las películas le de una “R” y así se permita que se exhiba en los cines. Llevó un grupo de especialistas de la DEA que observó el filme y pidió que fuese exhibido para que la gente conozca un retrato muy real de cómo es la vida en el bajo mundo de las drogas.

SCARFACE (?): Todavía no tenemos fecha para la nueva versión de uno de los clásicos más importantes del cine pero al menos sabemos que quien se va a encargar de la nueva versión es un especialista: Antoine Fuqua.

Y es que el director viene realizando una remake tras otra, de hecho este año estrenó “Los 7 magníficos”, pero previamente había hecho "The Equalizer", ambos con su actor fetiche al frente: Denzel Washington.

Es difícil imaginar que pueda ser Denzel el encargado de reemplazar a Pacino en la nueva versión ya que, según confirmó el propio Fuqua, el protagonista del guión es un mexicano, por lo que al menos sabemos que el nuevo Tony Montana puede llegar a ser un latino.

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Descubran qué lindos están ahora estos “niños del terror”

Es bastante habitual ver que en las películas de terror hay niños o adolescentes que hacen que la trama sea aún más difícil de tolerar para los espectadores.

Muchas veces ellos aparecen de maneras realmente originales, gracias al maquillaje o a las propias caras que son capaces de hacer si son buenos actores, provocándonos reales pesadillas.

Pero es interesante ver que esos pequeños que supieron asustarnos desde una pantalla grande, en la vida real han crecido para convertirse en auténticos sex symbols. 

Conozcan aquí algunos casos de chicos y chicas que, más que miedo, nos provocan ganas de pedirles su número de teléfono...

Samara - “The Ring” (2002): A pesar de que saltó a la fama con esta película en la que casi no se le veía la cara, Daveigh Chase ya tenía una interesante carrera en el mundo del cine y la televisión.

Tenía 12 años cuando ganó la posibilidad de interpretar este papel y fue muy importante para ella ya que días antes había perdido ante Kirsten Stewart la chance de trabajar en “Panic Room” junto a Jodie Foster.

Samara sin dudas se adueñó de nuestras pesadillas y nos hizo dudar cada vez que sonaba el teléfono en ese ya clásico del terror en el que se convirtió la adaptación norteamericana de “La Llamada”.

Al mismo tiempo que compuso el papel de Samara, parece mentira pero ella fue la encargada de darle la voz a la dulce Lilo en el filme de Disney “Lilo & Stich”.

Daveigh Chase tiene hoy 26 años y ya mostró su belleza en plenitud en la serie “Big Love”, en la que interpretó durante 5 temporadas a Rhonda Volmer.

En febrero del año que viene la veremos de nuevo en el rol de Samara Morgan en la película “Rings”, en la que será la tercera de la saga aunque será a través de flashbacks.

Además de su carrera en la actuación, Chase es una muy buena cantante y le ofrecieron grabar discos en varias oportunidades pero ella decidió concentrarse en su carrera actoral y dejar para más adelante la guitarra.

Jamie Lloyd - Halloween 4 (1988): La aparición de la sobrina de Michael Myers siguiendo (literalmente) los pasos asesinos de su tío despertó la admiración de los fans de una saga que para muchos estaba terminada.

Danielle Harris fue la niña que se vistió con el traje de payaso y el cuchillo ensangrentados y festejó su cumpleaños número 11 en el set de filmación. Un año más tarde volvería a interpretar el personaje en Halloween 5 y allí también coincidieron su cumpleaños y la filmación.

Danielle Harris luce así hoy a los 39 años de edad y forjó su carrera gracias al papel de la sobrina de Myers, tanto es así que es considerada una de las “scream queens”, apodo con el que se nombra a las mujeres que suelen participar en muchas películas de terror.

Harris participó en gran cantidad de filmes incluyendo la sangrienta trilogía Hatchet (2006-2011) y es recordada su participación en la miniserie “Fear Clinic” en la que compartió cartel con Robert “Freddy Krueger” Englund.

En 1995 su belleza obsesionó a un fan que le escribía cartas amenazantes, hasta que finalmente fue arrestado cuando lo encontraron con una escopeta y un oso de peluche en la puerta de la casa de la actriz.

Angela Baker - “Sleepaway Camp” (1983): Felissa Rose tenía 14 años y nula experiencia actoral cuando apareció en este filme que luego se convertiría en un auténtico clásico del género “slasher”.

Lo cierto es que la madre de Felissa no quería que ella estuviera en una película tan sangrienta para no exponer a Rose siendo tan joven. El director Robert Hiltzik la convenció al prometerle que reemplazaría a la actriz en cada escena en la que hubiera una muerte y así fue que colocó a un actor utilizando una peluca cuando tuvo que filmar esas tomas.

Felissa Rose tiene hoy 47 años y es otra de las mujeres que es considerada como una auténtica “scream queen”.

Sin embargo luego de hacer su debut en pantalla en “Sleepaway Camp”, decidió alejarse de la actuación e ingresar a la New York University (NYU), recién en 1999 fue contactada nuevamente por un fanático de la película y juntos se pusieron en campaña para realizar la secuela.

Mientras tanto realizó todo tipo de papeles en películas de horror mezcladas con la comedia y cine clase B. En una de ellas, “Caesar and Otto's Summer Camp Massacre”, conoció a quien hoy es su marido, Deron Miller, con quien tuvo dos hijas.

David y Mara en Village of the Damned (1995): El genio del terror, John Carpenter, nos hizo tenerle miedo, pero mucho mucho miedo a un grupo de niños cuyas miradas se clavaban en nuestra cabeza y se aparecían en las pesadillas.

Thomas Dekker y Lindsey Haun se pusieron en la piel de David McGowan y Mara Chaffee, los “líderes” de estos niños con poderes traídos del espacio exterior.

Thomas tenía 8 años y Lindsey 11 cuando filmaron esta tenebrosa participación.

Thomas Dekker ya anda hoy por los 28 años de edad y se ha convertido en una cara más que bonita para las chicas en Hollywood.

Al fin y al cabo ha recibido los genes de la actuación ya que su madre es actriz, cantante y concertista de piano mientras que el padre es cantante de opera, actor y diseñador escenográfico.

Gracias a su actuación en las series Terminator: The Sarah Connor Chronicles y Héroes, además de su pasado como “chico de terror”, fue convocado para formar parte del remake de “A Nightmare on Elm Street" en 2010.

Dekker además es cantante y ya ha sacado a la luz su propio album el cual define como “electrofolk”, llamado “Psyanotic”. Para el año próximo se espera la salida de su segundo material discográfico. 

Lindsey Haun se convirtió en esta belleza de 31 años y también ha desarrollado su carrera entre los sets de filmación y los estudios de grabación gracias a sus dotes para el canto. Será que algo de talento heredó de su padre Jimmy Haun, guitarrista de la banda YES.

Luego de formar parte del filme de horror de John Carpenter, se convirtió en una “chica Disney”, estando involucrada en varios proyectos para el canal de TV de la compañía.

Más cerca en el tiempo, volvió a sus orígenes un poco más terroríficos y formó parte de “True Blood” en el rol de Hadley, la prima de Sookie.

Gage - Pet Semetary (1989): Con poco menos de 3 años de edad, Miko Hughes se convirtió en este terrible niño que sólo la mente de Stephen King podía imaginar.

El adorable chiquito que luego se convierte en uno de los villanos más terroríficos del cine, persiguiendo a todos con su escalpelo y una risa macabra puede haber sido quien luego originó al temible “Chucky”.

Lo cierto es que su carrera había comenzado aún antes, con tan sólo 22 meses de edad en un anuncio para un canal público.

Claro que semejante actuación en “Cementerio de animales”, lo perfilaron como un niño del terror como pocos. De hecho, formó parte de "New Nightmare", en el papel de Dylan.

Miko Hughes tiene hoy 30 años de edad y si bien ha tenido una activa carrera cuando era sólo un niño, no estuvo actuando activamente en todo este tiempo,

Entre 1989 y 1995 era una auténtica estrella ya que luego de “Cementerio de Animales” trabajó en “Apollo 13″ interpretando el rol del hijo de Jim Lovell, luego estuvo junto a Bruce Willis en “Mercury Rising” y hasta formó parte de la serie televisiva “Full House”.

Luego se tomó un descanso en su carrera actoral para dedicarse a la música. De hecho editó dos discos cuando sólo tenía 9 años, en ambos con canciones escritas por él mismo.

Tras largo rato sin su presencia en el mundo del cine y la TV, volveremos a verlo el año que viene en la serie “Peaky Blinders”.

Sharon / Alessa / Dark Alessa - Silent Hill (2006): Jodelle Ferland mostró sus enormes capacidades actorales e impresionó a los espectadores y a sus propios compañeros en el set ya que con sólo 10 años de edad pudo componer tres personalidades diferentes.

El escritor del filme, Roger Avary, incluso se disculpó personalmente ante los padres de Jodelle pensando que quizás le había causado algún trauma mental a la pequeña. 

Lo cierto es que Jodelle ya había interpretado en 2002 a la pequeña versión de Carrie White en la remake de “Carrie”, algo que le jugó a favor teniendo en cuenta que Alessa en el juego de video que le dio origen a este filme es precisamente un homenaje al personaje creado por Stephen King.

Jodelle Ferland es esta belleza canadiense que ya cuenta con 21 años de edad y ya la hemos visto en la exitosa The Twilight Saga: Eclipse pero también el año pasado en un importante papel en la serie “Dark Matter”.

Sin embargo a la bella Jodelle suelen elegirla para papeles terroríficos como el que interpretó en “They”, dirigida nada menos que por Wes Craven, fue la endemoniada Lilith en “Caso 39″ junto a Renée Zellweger y tuvo un pequeño rol en “Cabin in the Woods” como una zombie de un sólo brazo.

Según ella la eligen porque al público le gusta que parece una chica adorable pero que puede convertirse en todo lo contrario.

Esther - El Orfanato (2009): Si alguien irrumpió en la escena del mundo del terror cargándose en el hombro el peso completo del filme fue Isabelle Fuhrman.

Tenía 12 años y nada que ver con lo que decía el guión respecto a Esther, a quien habían imaginado como de piel suave, delicadas facciones y cabello rubio y platinado. Pero Isabelle impresionó tanto al director y los productores en su audición que decidieron contratarla y cambiar ciertas partes del guión.

Ella confesaría más tarde que para preparar su papel como Esther, estudió las actuaciones de Glenn Close en “Dangerous Liaisons” y Anthony Hopkins en “El silencio de los inocentes”.

Isabelle Fuhrman ya tiene 19 años y se ha convertido en toda una it-girl habiendo aparecido en las portadas de revistas como Vanity Fair, Nylon, Marie Claire y Teen Vogue, entre otras, gracias a su actividad permanente en las redes sociales y su intrigante rostro.

Isabelle es una gran fan de los libros de “The Hunger Games” y por ello le escribió al director Gary Ross, pidiéndole por favor que le de un papel en la película. La convocaron para realizar la audición de Katniss, pero finalmente la convocaron para que se transforme en Clove.

Este año volvió al mundo del terror al formar parte de “Cell”, la adaptación cinematográfica del libro de Stephen King, y también protagonizó “Don´t let me go”.

[arielhergott-blog]

Las mejores películas de los 80's

Hay una sentencia que deben haber escuchado miles de veces: “En la década del ‘80 se hicieron las mejores películas”. No estamos aquí para discutir semejante afirmación sino más bien para explicar porque ese puede ser el sentimiento de tantos amantes del cine.

A finales de los ‘70 dos jóvenes talentos ya se habían comenzado a adueñar de las taquillas con historias fantásticas pero que no dejaban de apelar al sentimiento de los mejores libros de cuentos. Steven Spielberg y George Lucas hicieron escuela y nos dejaron a varios de sus mejores discípulos que precisamente explotaron en los ‘80.

La mezcla de géneros comenzó a dar sus mejores frutos en estos años y así pudimos ver comedias con toques de ciencia ficción, o películas de acción y sci-fi planteadas como auténticos westerns. 

Bienvenidos al repaso por las mejores obras de una década que, gracias a "Stranger Things”, sigue en el corazón de los que la vivieron y los que no, al menos pueden amarla a través de estas películas.  

RAIDERS OF THE LOST ARK (1981)

Y si hablábamos de la influencia de George Lucas y Steven Spielberg, cómo no mencionar la primera colaboración de ambos en un filme. Indiana Jones fue un personaje creado por la mente de Lucas basado en las series de la década del ‘30 sólo que a esas aventuras les sumaron el lenguaje que se manejaba en ese momento y comenzaron a ponerle importantes toques de humor.

Ambos venían con experiencias más que positivas frente al público y la crítica. Spielberg había arrasado en la taquilla con “Tiburón” (1975), mientras que George había creado una franquicia que comenzaba a arrastrar a miles de fanáticos: "Star Wars" (1977).

Fue nominada nada menos que a ochos Premios Oscar, incluso el de Mejor Película, algo impensado para un género menospreciado como el de aventuras.

Dirigida por Spielberg, “Los cazadores del arca perdida” se convirtió en una de las de mayor recaudación de todos los tiempos y dio origen a una saga que aún hoy sigue activa, no sólo a través de las repeticiones incansables de los cuatro filmes que la componen, sino también recibiendo millones de pedidos de fanáticos que quieren una entrega más.

E.T, EL EXTRATERRESTRE (1982)

Como si no hubiese sido suficiente su aporte al mundo del cine con Indiana Jones, un año más tarde Spielberg nos trajo esta obra maestra que se convirtió en bisagra a la hora de formar generaciones de cineastas.

Detrás de una historia de ciencia ficción, nos trajeron un cuento de hadas en el que un niño con problemas para interactuar con el resto de la humanidad encuentra el valor para ayudar a un amigo extraterrestre a volver a casa.

Está de más contarles y mostrarles todas las referencias que la serie del momento, “Stranger Things”, tomó de este filme. Lo cierto es que enamoró a toda una generación y obtuvo 4 de los 9 Oscars a los que estuvo nominada.

BLADE RUNNER (1982)

Les prometo que este no será un repaso por las películas protagonizadas por Harrison Ford pero, ¿como evitar mencionarlo a él como una de las grandes estrellas de la década?

Parece mentira pero no estamos tan lejos de noviembre de 2019, la fecha en la que está ambientado este filme dirigido por Ridley Scott y que es una referencia cuando hablamos de cine de ciencia ficción.

Proponiendo otro cruce de géneros, en este caso entre novela negra y sci-fi, proponía una versión de futuro bastante creíble: Ciudades hiperpobladas, multirraciales, extremadamente tecnificadas y con un grave problema de criminalidad.

Nominada tan sólo a dos Premios Oscar, en realidad esta obra fue una piedra fundamental para posteriores películas del género pero además hizo un enorme aporte al mundo del cómic.

GREMLINS (1984)

Otra de las innovaciones de Steven Spielberg, esta vez convertido en productor, fue introducir la comedia al mundo del terror.

Para ello puso a Chris Columbus como guionista y a Joe Dante en la dirección, dos de sus amigos del mundo de la filmografía, y juntos dieron a luz esta película que revolucionó la industria.

Tanto fue así que para muchos críticos el filme contenía escenas violentas que no podían ser exhibidas para los niños, algo que provocó que más adelante se creará la calificación PG-13 (apta para mayores de 13 años).

Las criaturas creadas para el filme fueron una auténtica innovación, en ese momento no existían los efectos especiales CGI (con los cuales se puede incluir escenas animadas de manera computarizada). Los Gremlins eran muñecos reales que contaban con el sistema de animatronics y cada uno costó nada menos que entre 30 mil y 40 mil dólares.

LOS CAZAFANTASMAS (1984)

Otro ejemplo de cruza de géneros es este filme que supo armar un guión con anclaje en la comedia pero que aportaba también elementos fantásticos, efectos especiales innovadores para la época y algo de terror.

Todos esos ingredientes y la suma de una canción que se metió hasta el hartazgo en los charts radiales, convirtieron a esta película en una referencia obligada cuando hablamos del cine de los 80′s.

Parece extraño imaginar que en realidad la película había sido pensada para ser protagonizada por John Belushi, Dan Aykroyd y Eddie Murphy, tres comediantes que eran compañeros en “Saturday Night Live”. Ante la muerte de Belushi, Harold Ramis se vio obligado a aparecer en pantalla (él sólo quería limitarse a escribir el guión) y Bill Murray se subió al proyecto en lugar de Murphy. El homenaje a Belushi está en “Slimer”, el fantasma más famoso del filme que fue creado por Dan Aykroyd a imagen y semejanza de su amigo fallecido.

THE KARATE KID (1984)

Una película capaz de unir los mundos de las artes marciales con el espíritu de los ochenta: un adolescente solitario con problemas para interactuar en la nueva ciudad a la que se mudó con su madre.

Para ello recurrieron a la vieja y conocida figura del “maestro iniciador” y recurrieron a crear al señor Miyagi. A través de sus enseñanzas, Daniel podrá defenderse de los matones de turno que lo maltratan en el colegio.

Lo cierto es que todos aprenderemos mucho más que karate gracias a Miyagi, una película con una moraleja hermosa sobre el código de honor y las maneras de comportarse en la vida cuando desarrollamos capacidades diferentes. 

TERMINATOR (1984)

El tema de los cyborgs continuó influenciando a otros realizadores y así fue como James Cameron ofreció su primera película en la que un poderoso humanoide es enviado desde el futuro para aniquilar a Sarah Connor.

Por supuesto que la película fue mucho más que eso, nos ofreció a una de las primeras heroínas del cine moderno y técnicamente supuso toda una revolución por las innovaciones mostradas en cuanto a efectos especiales.

El cine de acción y la ciencia ficción se fusionaban a través de esta historia y ya los espectadores podían ir al cine a observar los efectos en pantalla grande, algo que hoy en día es moneda corriente en la industria.

VOLVER AL FUTURO (1985) 

Hablando de viajes en el tiempo, fue otra vez Steven Spielberg quien se animó a producir esta historia creada y dirigida por Robert Zemeckis que fue rechazada más de 40 veces por diferentes estudios porque, según ellos, ese tipo de películas no era rentable.

Sin embargo, “Volver al Futuro” fue la película más taquillera de aquel año recaudando nada menos que 383 millones de dólares en todo el mundo. Una ganancia impresionante teniendo en cuenta que el presupuesto había sido de apenas 19 millones.

La historia de Marty McFly hizo crecer a Michael J. Fox a puntos insospechados de popularidad en Hollywood aunque lo encasilló como un adolescente perpetuo, especialmente luego de las otras dos películas de la saga.

LOS GOONIES (1985)

Otra de las ideas revolucionarias de Steven Spielberg fue que una película de aventuras podía ser protagonizada por un grupo de niños.

Para ello recurrió a su amigo Chris Columbus para que escriba un guión y otra vez se puso en el sillón de productor para que Richard Donner dirija este filme (Igualmente Spielberg dirigió algunas escenas de la película).

La película muestra el viaje bajo la tierra de un grupo de amigos en busca de un tesoro perdido y dejó a muchísimos fanáticos que pugnan año a año para que finalmente llegue la secuela del filme.

TOP GUN (1986)

¿Cómo hacer para que los hombres acompañen a sus mujeres al cine pero puedan apasionarse de igual forma con una historia clásica romántica?

Mientras su hermano Ridley nos ofrecía “Blade Runner”, Tony Scott decidió darle su sapiencia en el cine de acción a esta historia con una competencia entre dos varones (Maverick vs. Iceman) por ser el mejor piloto, pero también para conquistar el amor de una mujer.

¿Qué si les fue bien con la estrategia? Para que se den una idea, integrantes de la US Navy se paraban en la salida de los cines para reclutar a los hombres que salían con la adrenalina a tope. Así consiguieron el mayor porcentaje de aplicaciones exitosas en casi toda su historia.

Por supuesto que para las chicas el condimento era ver en pantalla a ese nuevo galancito que habían visto bailar en ropa interior tres años antes en “Risky Business”. 

FERRIS BUELLER’S DAY OFF (1986)

John Hughes se especializó en las historias de adolescentes y no sólo nos ofreció “The Breakfast Club”, “Pretty in Pink” o “Sixteen Candles” en esta misma década, sino que también revolucionó el mundo de las comedias para jóvenes con este filme.

Hasta aquí, el recurso de que el protagonista nos hablara a la cámara a los espectadores haciéndonos partícipes de sus fechorías prácticamente no había sido utilizado, o no con esta sapiencia al menos (Cada vez que vean “House of Cards” y se encuentren dialogando con Frank Underwood, recuerden esta película).

La premisa del filme es muy simple, un día Ferris Bueller se levanta con ganas de no ir al colegio y pasarse todo un día junto a su novia y a su mejor amigo, divirtiéndose por la ciudad de Chicago. 

DIE HARD (1987)

El cine de acción y podríamos decir que hasta las películas navideñas tienen un antes y un después de esta película dirigida por John McTiernan y que obtuvo nada menos que 4 nominaciones al Oscar.

En aquel entonces Bruce Willis era un actor conocido principalmente por su rol en la comedia romántica de TV “Moonlight” y lejos estaba de ser posicionado como una estrella de acción.

El personaje de John McClane le daría fama mundial y lo convertiría en una estrella masiva que cambiaría para siempre los papeles de los protagonistas de películas de acción. A partir de este guión, muchos héroes fueron escritos con mucho más sarcasmo, bromas y no con tanta solemnidad.

Esta película tuvo un presupuesto de 28 millones de dólares y generó nada menos que 140 millones... ¡Yipi ka yei, m.. fu...! 

DIRTY DANCING (1987)

La resignificación de la historia de amor entre el chico malo de buen corazón y la niña inocente que tantas veces habíamos visto antes, pero ahora mezclada con baile, provocó una auténtica revolución.

Patrick Swayze se convirtió en un auténtico sex symbol a partir de este filme. A pesar de la muy mala relación que tenían con su compañera Jennifer Grey, lo cierto es que en pantalla la química parecía real. 

¿Que raro hubiese sido ver a Billy Zane y Sarah Jessica Parker en estos mismos roles no? Sin embargo esas eran las primeras elecciones a la hora de empezar a filmar la película. Nos salvó el hecho de que Billy no fuera tan buen bailarín como Patrick.

BEETLEJUICE (1988)

Todas estas características que vinimos mencionando en las películas anteriores (fantasía, cruce de géneros, que las historias de terror tengan humor) eran el caldo de cultivo necesario para que irrumpiera en la industria Tim Burton.

Y en la primera cinta en la que nos presentó el universo (que hoy conocemos ya de sobra) en el que los muertos no son nada solemnes fue esta protagonizada por Michael Keaton y que se llevó un Oscar gracias al gran trabajo de maquillaje.

El guión original era esencialmente de terror en el que Beetlejuice era un demonio alado con forma de reptil pero poco a poco fueron dandole forma a un fantasma divertido y al que Michael Keaton le dio su toque personal, improvisando una enorme cantidad de líneas en su participación en la película. 

[arielhergott-blog]

La próxima ganadora del Oscar 2017 está aquí

Con el último trimestre del año a la vuelta de la esquina, los popes de la industria cinematográfica comienzan a poner sus cañones en la temporada de premios con el Oscar como objetivo final.

Con muchísimas obras ya exhibidas en los principales festivales alrededor del mundo, los productores ya piensas en los estrenos comerciales en Estados Unidos pensando conmover a la audiencia y a los votantes de la Academia.

Con un panorama un poco más claro,  les proponemos repasar este listado de películas de las que por ahora pocos hablan pero que serán las que se robarán los titulares de los periódicos cuando llegue el esperado período de las nominaciones para el Oscar 2017. 

THE BIRTH OF A NATION

El año arrancó con el estreno de este filme en Sundance, en el que conquistó al público y también al Jurado, llevándose los dos galardones principales del Festival.

Y es que el filme de Nate Parker tiene todo lo que la Academia adora premiar: una historia real muy bien contada (al igual que “Spotlight,” “Argo” o “12 Years A Slave”), pero además puede jugar con el factor de la controversia del año pasado con la poca presencia de afroamericanos entre los nominados.

El filme es una biopic sobre Nat Turner, un esclavo que llevó adelante una rebelión de esclavos en el Condado de Southampton en 1831. La película fue escrita, producida, protagonizada y dirigida por Nate Parker en su ópera prima como realizador. 

Otro factor a tener en cuenta es que la productora Fox Searchlight, ganadores de 13 nominaciones a Mejor Película en los últimos 12 años, invirtió 17,5 millones de dólares para adquirir los derechos de distribución de este filme, convirtiéndose en la transacción más cara de la historia del Festival de Sundance.  

Lo que puede jugar en contra del filme es la controversia que generó una acusación de violación contra Parker  que lo ha mantenido al margen de las giras promocionales del filme incluso en el Festival de Toronto, uno de los más importantes a la hora de definir las nominadas al Oscar.

LA LA LAND 

Si pensamos en un niño mimado recientemente por la Academia, sin dudas hay que mencionar a Damien Chazelle, que se llevó una sorpresiva cantidad de estatuillas por su segundo filme, “Whiplash”.

Ahora pretende volver a tomar por asalta a Hollywood con una propuesta diferente que se llevó todos los aplausos en los Festivales de Venecia y Toronto gracias a su propuesta musical protagonizada por Emma Stone y Ryan Gosling.

El filme cuenta la historia de Mia y Sebastian, una aspirante a actriz y un pianista de jazz que se enamoran en la ciudad de Los Ángeles. Su amor se  pondrá en juego cuando descubran las complicaciones para destacarse en sus respectivas carreras.

Stone y Gosling vuelven a mostrar su química en pantalla y esta vez están acompañados por el nuevo actor preferido de Chazelle, el ganador del Oscar J.K. Simmons, Rosemarie DeWitt, y el cantante John Legend.

El estreno comercial estaba planeado para julio, pero Lionsgate decidió postergarlo para la noche de navidad,  estrategia que suelen elegir varias productoras con el fin de que la película esté mucho más fresca en la consideración de la gente y los votantes de la Academia de cara a las nominaciones en febrero.  

SILENCE

Tres años después de El Lobo de Wall Street se produce el retorno del enorme Martin Scorsese y eso ya deja a críticos, miembros de la Academia y público en general, con los ojos bien abiertos.

Y es que este filme es una obra que el realizador quiso llevar adelante durante varias décadas para cerrar una suerte de trilogía religiosa personal luego de “The Last Temptation of Christ” y “Kundun.” 

En esta ocasión deja de lado a Leo DiCaprio pero convoca a dos de los actores jóvenes más prometedores del momento como Adam Driver y Andrew Garfield que están acompañados por Liam Neeson, a quien por fin lo veremos alejando al menos por un rato de sus papeles en el cine de acción al mismo estilo de “Taken”.

El filme cuenta la historia de dos sacerdotes jesuitas en el Japón del siglo XVII que serán perseguidos debido a sus diferencias culturales y lucharán por sobrevivir y encontrar a su autoexiliado maestro (Liam Neeson).

No parece ser la típica cinta de Scorsese por lo que precisamente por eso, puede haber varias nominaciones en diferentes rubros ya que según comentaron quienes la vieron, la película es tan atrevida y singular como “Gangs of New York”,  una de las cintas que más conmovió a la Academia en su momento. 

THE LIGHT BETWEEN OCEANS

Luego de habernos traído “Blue Valentine” y “The Place Beyond the Pines”, el director Derek Cianfrance se ha hecho un lugar de privilegio en Hollywood y por eso esta vez ha logrado armar un auténtico seleccionado de ganadores y nominados al Oscar.

La pareja en la vida real Michael Fassbender y Alicia Vikander en los roles protagónicos, Alexandre Desplat en la música y Adam Arkapaw a cargo de la fotografía.

Es un drama de época en el que una pareja se hace cargo de una niña que llega en un bote y se hacen cargo de criarla creyendo que fue abandonada por su madre. 

En el Festival de Venecia recibió muy buenas críticas y seguramente tendrá más de una nominación,  aunque se cree que es más probable que las obtenga en los rubros actorales.

BILLY LYNN´S LONG HALFTIME WALK

Otro que despierta la admiración de la Academia con sus obras es el dos veces ganador del Oscar, Ang Lee.

En esta ocasión adapta la novel de Ben Fountain del 2012 en la que se narra la historia de un joven soldado que regresa de una misión en Irak sin haber superado sus traumas y es llamado nuevamente al campo de batalla, aunque antes de irse, es la estrella en un entretiempo de un partido de fútbol americano.

Como lo hizo con “Life of Pi”,  tiene como protagonista a un joven desconocido para todos en Hollywood, Joe Alwyn, pero que está acompañad por Steve Martin, Kristen Stewart y Vin Diesel, quien luego de muchísimo tiempo se reencuentra con un papel dramático. 

La buena recepción que han tenido en la Academia historias bélicas con un costado humano como “The Hurt Locker” o “American Sniper”, pueden poner a esta cinta entre las contendientes más fuertes.

NOCTURNAL ANIMALS

El diseñador de modas Tom Ford debutó en 2011 con "A Single Man” y recién ahora vuelve al ruedo con una propuesta que ya ha despertado admiración por parte de los críticos que la vieron en los Festivales de New York y Venecia. 

El filme tiene a Jake Gyllenhaal y Amy Adams como protagonistas en una historia que mezcla el drama y el suspenso, según cuentan, al mejor estilo de Alfred Hitchcock.

La sinopsis habla de una mujer divorciada que pierde la noción de la realidad y se sumerge en una historia que le da emoción a su vida mientras lee la última novela de su ex esposo. 

Amy Adams es  la señalada para sumar su sexta nominación al Oscar por este filme aunque algunos aseguran que también tiene chances de ser galardonada por "Arrival”, la película de ciencia ficción dirigida por Denis Villeneuve.

LOVING

Otra fuerte candidata a llegar a la gran noche de la Academia es este drama dirigido por Jeff Nichols que llamó la atención de la crítica en el Festival de Cannes de este año.

La película también se mete en el tema racial al contar la historia de Richard y Mildred Loving, una pareja de un blanco y una afroamericana que es sentenciada a prisión en Virginia en el año 1958 luego de que decidieran contraer matrimonio. 

Al menos, de no  llegar la película como contendiente al Oscar, ya se habla de que los dos actores protagónicos (Joel Edgerton y Ruth Negga) pueden llegar a estar entre los nominados en sus correspondientes categorías.

JACKIE

Luego de haber llegado a estar nominado al Oscar con “No” a Mejor Película extranjera en 2013 y pasar por los Globos de Oro con “El club” el año pasado, el camino parece estar allanado para que la nueva obra del chileno Pablo Larraín sea una de las mimadas de la Academia.

La cinta acaba de ganar un premio en el Festival de Toronto y ha despertado elogios en la crítica y espectadores abordando la vida de Jacqueline Kennedy, pero haciendo foco en los sucesos ocurridos días después de la muerte de John F. Kennedy.

La reaparición de  Natalie Portman en un rol protagónico central y en la piel de una mujer adorada por Estados Unidos, le da a esta película muchísimas opciones de llegar lejos y con varias nominaciones de la Academia.

THE FOUNDER

A lo que se trae entre manos uno de los productores más reconocidos en Hollywood como Harvey Wenstein siempre hay que prestarle atención si del Premio Oscar estamos hablando.

The Founder llegará en diciembre por especial pedido de él para contar la historia de Ray Kroc un vendedor casi en ruinas que pasó a ser uno de los empresarios más ricos del mundo cuando expandió una cadena de comida rápida conocida como McDonalds. A pesar de que el título habla de un fundador, Kroc no fue quien creó la compañía, sino el ejecutivo que compró el restaurante original en 1955 y lo convirtió en una franquicia internacional.

Tras sus maravillosas temporadas de premios con  Birdman y Spotlight, Michael Keaton protagoniza un filme que podría volver a ponerlo en el candelero en el rubro actoral.

El director del filme es un conocedor de las biopics como John Lee Hancock, quien años atrás nos trajo “The Blind Side” y “Saving Mr. Banks”.

RULES DON´T APPLY

Luego de 18 años alejado de la dirección, Warren Beatty regresa a esa labor y también se pone al frente como protagonista y guionista de este filme en el que se narra la vida del excéntrico empresario y director de cine Howard Hughes. 

En 1981 Beatty obtuvo su primera y única estatuilla por  “Reds”, una cinta que también escribió, dirigió y protagonizó. 

En esta ocasión lo hace con una suerte de comedia de amor y drama ambientada en el Hollywood de los años 50 junto a Lily Collins, Annette Benning, Alec Baldwin y Alden Ehrenreich.

FENCES

Luego de haber protagonizado esta obra en Broadway junto a Viola Davis, Denzel Washington decidió sentarse en la silla del director por primera vez en su carrera y también ponerse al frente de la pantalla en esta adaptación cinematográfica.

Es la historia de un hombre que en los años 50 tiene que luchar con los problemas de la época para sacar su familia adelante y también se estrenará en la noche de navidad en los Estados Unidos con muchísima expectativa creada por los pocos críticos que pudieron ver el trabajo de Denzel y que ya aseguran que estará en carrera para llevarse el tercer Oscar de su vida en el rubro actoral

La controversia del año pasado (#OscarsSoWhite)  puede ayudar también a esta película a que logre colarse entre las favoritas en los principales rubros de la Academia.

HACKSAW RIDGE

Luego de haberlo visto presentando un clip de Mad Max en la última entrega de los Globos de Oro, Mel Gibson podría hacer su gran retorno a los máximos premios de Hollywood con este filme.

A pesar de la controversia que ha despertado su relación con su ex mujer, nadie discute que el australiano es uno de los mejores directores en el mundo a la hora de narrar historias profundamente violentas. 

En este caso la película refleja la historia real de Desmond T.  Doss, un soldado que tuvo que estar en plena Batalla de Okinawa durante la Segunda Guerra Mundial y que se rehusaba a utilizar armas por cuestiones religiosas.

Andrew Garfield es el protagonista y el filme ya ha dejado boquiabiertos a quienes pudieron verlo en el Festival de Venecia.

MANCHESTER BY THE SEA 

Otra de las películas que conmovió en el Festival de Sundance es este drama familiar sobre un hombre que regresa a su pueblo natal para hacerse cargo del hijo de su hermano fallecido.

Casey Affley y Michelle Williams parecen estar en todas las listas previas de los favoritos para alcanzar nominaciones en los rubros actorales gracias a esta cinta dirigida por Kenneth Lonergan.

Es claramente el tipo de película que suele gustarle a la Academia haciendo hincapié en las dificultosas relaciones humanas, pero será interesante ver si una película que será distribuida por Amazon puede hacerse un lugar entre las finalistas ya que la Academia suele “olvidarse” de los servicios de streaming.

El año pasado “Beasts of no Nation”  fue absolutamente marginada por la Academia y según la creencia de muchos fue exclusivamente por pertenecer a Netflix. 

LIVE BY NIGHT

Luego de obtener una estatuilla por “Argo”  y alejándose un poco del mundanal universo de los superhéroes, Ben Affleck vuelve al ruedo con este filme que protagoniza y dirige.

Warner Bros adelantó el estreno de este filme previsto para Octubre de 2017, para el mes de enero con el fin de que llegue a estar considerada en la carrera por el Oscar.

Se trata de la adaptación de la novela de Dennis Lehane y cuenta con un reparto encabezado por Affleck junto a Chris Messina, Elle Fanning, Zoe Saldana y Sienna Miller 

Ambientada en la década de 1920, narra la historia de Joe Coughlin, el hijo de un capitán de la policía de Boston que se convierte en un contrabandista y notorio gángster.

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¿Cuál de ellos puede ser el nuevo James Bond?

Hace unos días nos sorprendíamos con la noticia de que le ofrecían 150 millones de dólares a Daniel Craig para que se vuelva a poner el traje de Bond a pesar de que él mismo dijo que prefería “cortarse las venas” antes de volver a utilizar.

Lo cierto es que esas versiones fueron desmentidas y según varios medios fueron esos fuertes comentarios del actor los que habrían decidido la balanza para que los productores se comiencen a olvidar de Daniel y comiencen a buscar un nuevo actor capaz de llenar los zapatos del agente más famoso del cine.

Aquí vamos a repasar algunos de los nombres que están comenzando a sonar en Hollywood y les proponemos que elijan a su favorito:

TOM HUGHES (30 años)

Según el “Daily Mirror”, el protagonista de la serie “Victoria” habría impresionado a la legendaria productora de la saga Bond, Barbara Broccoli, por su rol el thriller de la BBC “The Game”.

Hughes interpreta a Joe Lambe, un joven agente del MI5 en la década del ‘70 que es contratado para investigar una inminente amenaza contra Londres. 

Al ser consultado sobre la posibilidad de interpretar al 007, Hughes dijo que “es un orgullo tan solo que me pregunten al respecto. Como cualquier otro papel importante, es absolutamente algo que será considerado con todas mis fuerzas si me lo ofrecen.”

Lo cierto es que según el periódico británico, Barbara Broccoli ya habría pedido los videos de todos los papeles interpretados por Hughes en su joven carrera para analizar si estaría a la altura de reemplazar a Craig.

AIDAN TURNER (33 años)

El actor nacido en Irlanda del Norte siempre es mencionado como un posible Bond y seguir así los pasos de su compatriota Pierce Brosnan. 

Según el periódico “The Sun”, en estos momentos está liderando las encuestas que se están realizando en Inglaterra para convertirse en el sucesor de Craig, algo que observan de cerca los productores de la saga.

El rol que interpreta en la serie de la BBC “Poldark”, es el que convence a la mayoría de que Turner es el indicado para ser el próximo 007, pero lo que le juega en contra es que acaba de firmar contrato para una nueva temporada de esa serie que se filmaría precisamente al mismo tiempo que la próxima película de Bond.

TOM HIDDLESTON (35 años)

Luego de su impactante labor en la serie “The Night Manager”, que le valió una nominación al Emmy como Mejor Actor, todas las encuestas no dudaban en ponerlo como el número 1 en las listas para ser el nuevo James Bond.

Tom tiene una base de fanáticos muy importante alrededor del mundo gracias a su labor como “Loki” en la saga de Los Vengadores y además crecían sus posibilidades cuando se reveló que Susanne Bier, la directora de la serie mencionada, estaba en la lista final para ser la realizadora de la próxima película de Bond.

Incluso en el mes de junio, el periódico “The Sun” revelaba que el actor había comenzado a trabajar en una dieta especial de proteínas y gimnasia para que sus músculos aumente de tamaño y así lucir más parecido a Craig, algo que los productores tienen muy en cuenta.

Sin embargo por estos días su nombre ha perdido fuerza, especialmente por su mediático romance y ruptura con la cantante Taylor Swift. "Bond necesita un aire de misterio y su romance público con Taylor lo han convertido en alguien totalmente inelegible”, le reveló una fuente a The Sun.

IDRIS ELBA (44 años)

¿Puede el próximo James Bond ser de raza negra?

Aparentemente para muchísimos fans alrededor del mundo sí, siempre y cuando lo interprete este actor británico.

Él mismo se refirió a la noticia en “Good Morning America” diciendo que “es el rumor más salvaje del mundo” y que a pesar de que no ha habido ningún tipo de charla con los estudios al respecto, en cada lugar que visita se encuentra con gente que le pide que acepte el papel.

Al referirse seriamente al asunto, Elba dijo que: “honestamente, creo que estoy demasiado viejo para eso. Corriendo por ahí, saltando en autos y persiguiendo mujeres mientras tomas martinis..”

El rol en la popular serie de la BBC “Luther”, lo ha colocado entre los posibles candidatos, especialmente porque nadie opina que es una locura tener a un Bond de un color diferente por primera vez en la historia.

La única desventaja para él es precisamente esa. La productora Barbara Broccoli no suele tomar decisiones esperables o que agraden a la gente.  

GILLIAN ANDERSON (48 años)

Y si un James Bond de raza negra sería una sorpresa, ¿que me cuentan de una 007 mujer?

La propia Gillian Anderson se pronunció en las redes sociales diciendo que estaría encantada de ser la próxima Bond y hasta tuiteó la imagen que aquí vemos, con ella posando como la nueva 007 y poniendo  “It’s Bond, Jane Bond.”

Lo cierto es que su “broma” despertó una auténtica locura en las redes sociales y miles de mujeres se sumaron a la cruzada de que ella sea la nueva agente o, al menos, pueda compartir protagonismo y que el filme sea entre Jane y James Bond.

La actriz que saltó a la fama en el rol de Dana Scully en los X-Files se ha vuelto a poner en consideración para papeles de mujeres duras, atractivas y enigmáticas al protagonizar la serie “The Fall”.

JAMIE BELL (30 años)

Tanto para el Daily Mail como para The Sun, el próximo James Bond será nada menos que el actor que debutó en la pantalla grande interpretando a “Billy Elliot”, aquel niño bailarín.

Según ambas publicaciones, Jamie ya se habría reunido con la productora Barbara Broccoli y su equipo para discutir las posibilidades respecto al papel del 007.

La ventaja de Bell es que Broccoli, está produciendo la película “Stars Don't Die in Liverpool”, la próxima que va a protagonizar el actor y la habría deslumbrado con sus habilidades.

The Sun agrega que una fuente cercana a la producción reveló que Barbara ha sido fan de Jamie desde hace mucho tiempo y que incluso pensó en él para sumarlo a la saga en 2010 para interpretar a un joven agente que sería rival del Bond interpretado por Craig en “Skyfall”.

DAMIAN LEWIS (45 años)

Para muchos él es el indicado por sobre todas las otras opciones por ser el más parecido físicamente a Daniel Craig y porque además tiene el mismo rango de actuación.

Luego de dar el salto a la fama por su papel en “Homeland”, el actor aún espera por una película que le haga dar el salto definitivo a la fama.

Respecto a los rumores que lo unen con una posible llamada para ser el nuevo Bond, Lewis le dijo a Sunday Times Magazine: "todo es hipotético. Nadie me ha contactado".

Pero el actor no se quedó allí sino que agregó que “he mandado postales desde localidades exóticas, mandé selfies de mis abdominales en el gym.. Lo he hecho todo para obtener el trabajo y... nada", bromeó.

Sin embargo, Damian considera que unirse a la franquicia, además de ser un papel soñado puede tener un costado negativo: “si en general nos dicen que no es bueno conocer a nuestros héroes.. ¿no puede ser peor interpretarlos?” 

JAMES NORTON (31 años)

El actor que más ha estado creciendo últimamente en las apuestas hasta acercarse a los primeros lugares comparte al menos su nombre con el del agente más famoso.

James tiene ciertamente el look atractivo y sin ir más lejos acaba de ser elegido como el Hombre del Año por la revista Glamour probablemente gracias a haberse convertido en un sex symbol con sus escenas con el torso desnudo en la serie "Happy Valley,”.

Pero además de mostrar su valía en ese show, también ha mostrado diferentes rangos de actuación en las miniseries “War and Peace” y también en “Grantchester”.

TOM HARDY (38 años)

Y llegamos a un actor que no podía faltar en esta lista, como no falta en prácticamente todas las encuestas en las que se busca a un reemplazante para un rol icónico.

Lo cierto es que Tom tiene todas las cualidades que un buen Bond debería tener. Se ha probado en películas de acción, ha demostrado que puede hacer reír, su físico trabajado es el ideal para reemplazar a Craig e incluso el propio Tom reveló hace pocos días en Sky News que de ser llamado por los productores consideraría instantáneamente hacer el papel.

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Las grandes de la música, revividas en el cine

No son pocas las historias maravillosas que el cine nos ofrece día a día, pero cuando sabemos que la película que vamos a ver está basada en una historia real nos ocurre algo diferente y mucho más si esa persona que vuelve a ser representada en la ficción, formó parte de nuestra vida en forma musical.

Contar la vida de una estrella de la música puede resultar bien difícil y no siempre los resultados son los mejores, pero a pocos días de que en la Argentina se estrene un filme sobre Gilda, una de las más grandes estrellas de la música popular de aquel país,  nos parece un buen momento para repasar otros casos que aún hoy nos hacen salir corriendo a escuchar las canciones de las artistas que nos presentaron en estos filmes:

What's Love Got to Do with It (1983): Brian Gibson llevó adelante la adaptación de la autobiografía de Tina Turner aunque puso el foco en la relación violenta que tuvo la cantante con su marido Ike.

Angela Basset fue la encargada de darle vida a la cantante y lo hizo tan bien que recibió una nominación al Oscar por su labor pero no le fue nada fácil hacerse con el rol ya que las primeras opciones fueron Halle Berry y Whitney Houston.

Lo cierto es que Angela sacó como nadie los pasos y la manera de moverse de Tina, pero no es quien cantó en el filme.  Las canciones fueron regrabadas especialmente por la propia cantante.

Laurence Fishburne, que también fue nominado al Oscar por su interpretación de Ike Turner, había rechazado la oferta cinco veces. Sólo dijo que sí cuando se enteró que Angela Basset haría el rol de Tina.

El nombre real de Tina era Anna Mae Bullock. Ella ha dicho públicamente que nunca ha visto la película pero aclaró que muchas de las situaciones allí dramatizadas no ocurrieron de esa misma forma.

Cuando a Tina Turner le presentaron a Angela Basset para mostrarle quien la iba a interpretar,  la cantante la miró de arriba a abajo, sonrió y luego dijo a los gritos: “Ella es perfecta!”.

Lady Sings the Blues (1972): Este filme obtuvo nada menos que cinco nominaciones al Oscar, entre ellas la de Mejor Actriz Protagónica para Diana Ross que interpretó a la legendaria cantante Billie Holiday. De esa manera se convirtió en la primera biopic afroamericana en ser considerada por la Academia.

Diana Ross  estaba embarazada de su hija Rhonda cuando se preparaba para filmar el filme y no estaba segura si iba a poder realizar una película que demandara tanto estrés físico y psicológico.

Para las escenas en las que tenía que utilizar drogas, Diana se apoyó en uno de sus compañeros, Richard Pryor, que por experiencia propia le enseñaba cómo debía comportarse. 

Su nombre real era Eleonora Fagan y tuvo una durísima adolescencia creciendo en burdeles en los que la obligaban a trabajar en la limpieza del lugar y también como prostituta. Sin embargo su sueño era convertirse en una cantante de jazz.

Toda su historia está contada por ella misma en su libro “Lady Sings the Blues", publicado en 1956,  en el cual se basó la película que mencionamos aquí.

Selena (1997): A tan sólo dos años de la muerte de Selena Quintanilla-Pérez, “La Reina del Tex-Mex”, Jennifer Lopez tuvo la oportunidad de dar el gran paso para convertirse en una estrella con este filme.

Obteniendo una nominación al Globo de Oro como mejor actriz en comedia o musical, JLo se convirtió en la primera latina en ganar 1 millón de dólares de salario al realizar esta película. 

Lo cierto es que antes de firmar a JLo, la producción quería que Salma Hayek realizara el papel pero la actriz mexicana lo rechazó porque estaba abocada a conseguir interpretar a Frida Kahlo. Incluso Constance Marie, que en el filme interpreta a la madre de Selena, originalmente audicionó para realizar el papel de la cantante. 

Cuando Jennifer Lopez finalmente firmó el contrato para convertirse en Selena, esperaba que le dieran la posibilidad de cantar en la película, sin embargo como el filme saldría muy cerca de la muerte de la cantante real, los productores creían que los fans no aprobarían otra voz que no fuera la de la propia Selena. Por eso JLo recibió entrenamiento para hacer el playback de las canciones en pantalla, a excepción de la intro de  "Como La Flor", que canta brevemente en la escena del concierto en Monterrey.

Fue tal el compromiso de Lopez con el papel que le pidió a la familia Quintanilla-Perez vivir con ellos durante unos días, antes de comenzar la filmación.

Selena Quintanilla fue asesinada por Yolanda Saldívar, la presidenta de su club de fans, un 31 de marzo de 1995 y provocó una conmoción tal en la comunidad latina que hasta fue comparada con lo ocurrido tras las muertes de Elvis Presley o John Lennon.

Al poco tiempo salieron a la luz ocho biografías y seis documentales por lo que dos grandes compañías cinematográficas intentaron seducir a la familia Quintanilla para realizar un filme de la vida de la cantante. Así fue como Abraham, el padre de Selena fue quien se puso en campaña para contar la historia y que de esa manera  “cesen los falsos rumores” sobre los motivos del asesinato.

Según la mayoría de los fans, el trabajo de JLo al personificar a Selena es casi perfecto, a excepción del acento que utiliza al hablar. Selena era de Texas y tenía un fuerte acento sureño mientras que Jennifer Lopez, es de New York y no realizó cambios en su forma de hablar.

Gloria (2014): Sofía Espinosa fue la encargada de darle vida a Gloria Trevi, la cantante que irrumpió en el mundo del pop rock mexicano con sus canciones irreverentes en la década del ‘90 pero que luego se vería envuelta en uno de los escándalos sexuales más grandes de la historia de Mexico.

Sofía nunca conoció a la Gloria Trevi real, pero vio miles de horas de su material en VHS para intentar imitar su forma de moverse.

Además, tomó lecciones de canto para cantar específicamente como Trevi en la película y de hecho es su voz la que se escucha en "Dr. Psiquiatra", "La Papa Sin Catsup" o "El Recuento de los Daños", algunos de los éxitos que se escuchan en el filme.

A pesar del gran trabajo de  Espinosa y la buena realización del fillme, la cinta no contó con buena recepción en la taquilla ya que, para la mayoría de los críticos, el público ya estaba demasiado cansado del escándalo denominado "Clan Trevi-Andrade".

Gloria de los Ángeles Treviño Ruiz se convirtió en Gloria Trevi y apareció como una rebelde cantautora capaz de hablar abiertamente en su música de temas sexuales y religiosos con la ayuda de su manager, Sergio Andrade.

Sin embargo ese mismo hombre es quien la llevaría a la perdición cuando se dio a conocer que se acostaba con chicas menores de edad y abusaba de ellas durante las giras de la cantante.

Gloria se había mostrado muy abierta a colaborar en un principio cuando se iba a realizar la película e incluso se reunió en numerosas ocasiones con el director Christian Keller y la guionista Sabina Berman pero luego de ver el corte final,  la calificó de “aberrante”.

La vie en rose (2007): Marion Cotillard se convirtió en la primera actriz francesa en ganar un Oscar como Mejor Actriz Protagónica hablando y cantando en francés, poniéndose en la piel de Edith Piaf.

Lo cierto es que la actriz se compenetró para realizar el papel de su carrera, tanto que se afeitó por completo sus cejas y también gran parte de su cabello, pero además durante todo el proceso encorvó su cuerpo para obtener un parecido casi idéntico a la cantante real. Además, se sometió a cinco horas diarias de maquillaje para lograr un parecido impactante.

El director del filme, Olivier Dahan, siempre tuvo en mente a Cotillard a la hora de escribir el guión incluso antes de conocerla.  Según él, la actriz y Piaf tienen la misma mirada. 

Édith Piaf, cuyo verdadero nombre era Édith Giovanna Gassion, fue una de las cantantes francesas más importantes de la historia.

Lo cierto es que su vida estuvo lejos de ser un lecho de rosas desde su infancia. Criada casi en las calles por sus padres, dos artistas callejeros, comenzó a cantar para acompañarlos, luego también fue madre muy joven, a los 17 años pero su bebé falleció cuando tenía sólo 2 años de edad.

A los 20 años un empresario la escuchó cantar y la sacó de las calles rebautizándola como "La Mome Piaf", algo así como “pequeño gorrión”.

A pesar de su enorme suceso internacional como cantante,  termina con enormes dolores, sumida en la pobreza y cantando sólo gracias a la ayuda de la morfina debido a un cáncer a los 47 años de edad.

Gilda, no me arrepiento de este amor (2016): Natalia Oreiro cumplió el sueño que tenía desde los 19 años cuando conoció la música de la estrella de la cumbia argentina y se propuso interpretarla alguna vez en el cine.

Oreiro se sometió a una rigurosa dieta para ser aún mucho más flaca y parecerse a la cantante. Además, junto a la directora Lorena Muñoz, vieron miles de horas de material fílmico de Gilda y también se entrevistaron en repetidas ocasiones con los miembros de la familia para conocer a fondo la vida de la cantante e imitar casi de manera idéntica los movimientos de la estrella sobre el escenario.

La propia Natalia Oreiro es quien reversionó cada uno de los éxitos de Gilda que se escuchan en el filme y según ella fue el proceso más difícil debido a que tuvo que prestar atención a su "manera tan particular de cantar.  Cómo fraseaba y dónde respiraba”. 

Gilda se llamaba en realidad Míriam Alejandra Bianchi, y con sólo 16 años de edad tuvo que hacerse cargo de su hogar luego del fallecimiento de su padre. Casada y siendo madre de Mariel y Fabrizio decidió responder al aviso de un diario en el que pedían una voz femenina para una banda tropical, y allí comenzó su carrera musical.

Poco a poco fue creciendo en el mundo de la cumbia y la música tropical aportando su estilo personal de canto y también escribiendo canciones como "Corazón valiente", "Fuiste", "No me arrepiento de este amor", "Se me ha perdido un corazón" y "Te cerraré la puerta" entre muchas otras.

En tan sólo cuatro años de carrera se convirtió en un auténtico clásico pero no sólo de la cumbia sino también trascendiendo las fronteras de otros estilos musicales siendo reversionada por bandas de rock y pop aún hoy en día.

Encontró la muerte en la ruta el 7 de septiembre de 1996, camino a Entre Ríos cuando un camión embistió al autobús en el que viajaba junto a su madre,  su hija mayor y tres de sus músicos.

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Tom Hanks, el camaleón de los personajes reales en cine

No son muchos los actores que son capaces de interpretar a personajes reales y salir airosos de la situación.

Pero hay uno en particular que está en cada listado de los productores cuando hay que ponerle el cuerpo a estas historias, no solo por su capacidad para trabajar sino también por lo que provoca en las audiencias.

Claro está que hablamos de Tom Hanks, uno de los intérpretes más famosos y queridos en el mundo entero y que en pocos días va a ofrecernos una nueva biopic, esta vez bajo la dirección de Clint Eastwood.

Aprovechamos la ocasión para hacer un repaso sobre las personas reales que fueron llevadas a la  pantalla grande en la piel del gran Tom Hanks: 

Apolo 13 (1995): La primera vez que lo vimos a Tom ponerse en la piel de un personaje real fue en esta inolvidable película dirigida por Ron Howard que popularizara aquella frase "Houston, tenemos un problema”.

Allí, Hanks se puso en la piel de Jim Lovell y según Marilyn, la esposa del astronauta que escribió el libro en el cual se basó la película, Tom replicó de manera exacta la manera en la que se mueve su marido y hasta su forma de hablar.

A pesar de que este trabajo no le valió nominaciones para el Oscar ni el Globo de Oro, al menos conmovió a varios trabajadores de la NASA. Tanto es así que un asteroide fue nombrado  "12818 Tomhanks (1996 GU8)" en honor al actor en 1996. 

El Jim Lovell real creía que Kevin Costner se parecía más a él que Tom Hanks, sin embargo Costner nunca tuvo la oportunidad de audicionar.

John Travolta fue quien recibió la oferta de interpretar al astronauta pero la rechazó.

Ron Howard sabía del fanatismo de Tom Hanks por las historias espaciales por lo que le envió un guión para convencerlo y en la primera reunión que tuvieron se pusieron de acuerdo en que Tom era el más adecuado para hacer de Lovell. 

Cuando Jim vio el resultado final de la película quedó tan impresionado que creyó que los directores habían conseguido material real que guardaba la NASA y no que lo realizaron ellos mismos  con CGI (efectos especiales computarizados).

Atrápame si puedes (2002): En su colaboración con Steven Spielberg, Tom Hanks se puso en la piel de un agente del FBI que persiguió durante casi toda su vida a Frank Abagnale Jr., un estafador capaz de engañar al mundo entero (interpretado por Leonardo DiCaprio).

A pesar de que en la película se le da el nombre de Carl Hanratty, en realidad el agente que persiguió a Abagnale se llamaba Joe Shea. Incluso en su libro, Frank utilizó el seudónimo "Sean O'Reilly" para referirse al agente debido a que él todavía estaba en actividad en  el FBI.

Por esas razones, no conocemos la cara real del hombre al que Hanks tuvo que interpretar aunque el Frank Abagnale real lo acompañó en el proceso contándole en detalle los movimientos de Shea. 

Charlie Wilson's War (2007): En esta ocasión, Tom interpretó al congresista de Texas Charles Wilson quien, animado por las ideas anticomunistas extremas de su amiga Joanne Herring, consiguió muchísimo dinero de parte del gobierno de Estados Unidos para entregar armas de forma encubierta a los afganos y combatir a los soviéticos.

Para llevar esta historia adelante en pantalla grande, decidieron darle un fuerte sentido del humor al guión, y así vemos a un Tom Hanks inmerso en los excesos de las drogas y el alcohol.

Su interpretación le valió halagos de la crítica por interpretar a un hombre con tantas complejidades, su mirada es muy particular y diferente a sus papeles anteriores. Tanto es así que obtuvo una nominación como Mejor Actor de Comedia en los Globos  de Oro. 

El Charlie Wilson real nunca quiso iniciar acciones legales contra la producción del filme a pesar del estilo de vida controversial que se ve en la película. De hecho, el político fue acusado de atropellar a una persona y escaparse estando bajo los efectos del alcohol, aunque nunca llegó a tener una causa judicial.

La noche del estreno del filme, Wilson no se lo quiso perder y asistió a la alfombra roja a pesar de que se estaba recuperando de un transplante de corazón. 

Falleció el 10 de febrero de 2010 a causa de un paro cardiopulmonar, en el Memorial Medical Center en el noreste de Texas,  arrepintiéndose de todo lo que luchó por Afganistán y que posteriormente eso fuera utilizado en contra de los Estados Unidos. 

Saving Mr. Banks (2013): Ponerse en la piel de Walt Disney no es una tarea para muchos en Hollywood y mucho menos en estos tiempos en los que ya hemos visto tantas veces la imagen real del creador de Mickey Mouse.

Sin embargo Tom lo hizo en este filme en el que se narró el largo período de charlas y negociaciones a través del tiempo entre Disney y P.L. Travers para adaptar la novela literaria de Mary Poppins y convertirla en el exitoso filme musical.

Tom Hanks reveló que el CEO de Disney,  Robert Iger, lo llamó insistentemente pidiéndole que él sea el encargado de darle vida a Walt. Especialmente porque habían perdido el control sobre el guión y querían a un hombre confiable como es Hanks para interpretar a semejante figura.

Para prepararse para el papel, Hanks realizó muchas visitas al Walt Disney Family Museum en San Francisco y se entrevistó con algunos de los parientes de Walt, entre ellos, con su hija Diane Disney Miller.

El elegido para interpretar a Walt Disney en el filme fue Tom Hanks quien, en el árbol genealógico de la familia, aparece como un primo lejano en la vida real.

El equipo de producción de la película fue muy meticuloso con cada detalle del retrato de Hanks respecto a Disney, tanto es así que cada día medían incluso el grosor y largo exacto del bigote que lucía el actor. 

En el filme descubrimos algo que  Walt nos ocultó durante años. Disney no quería que públicamente se supiera que fumaba, especialmente los niños. Hanks quiso que su reflejo sea lo más cercano a la realidad e insistió para aparecer fumando en pantalla. Finalmente llegaron a un arreglo y lo vemos apagando los cigarrillos, dando a entender su hábito. 

Hanks reveló que en las charlas con amigos y familiares de Disney le contaron que Walt fumaba hasta 2 paquetes de cigarros por día y que se podía escuchar que él venía por los pasillos debido a su tos. 

Captain Phillips (2013): Aquí, Tom se puso en la piel del Capitán Richard Phillips, cuyo barco fue secuestrado por piratas somalíes en el año 2009.

Para interpretar el papel de manera más cercana a la realidad, las escenas filmadas en interior de los barcos y botes fueron realizadas en modelos a escala pero que realmente flotaban sobre el agua. Esto provocaba malestares en los miembros del staff, que incluso a veces terminaban vomitando sobre el actor.

Para que la tensión entre Hanks y los actores que interpretaban a los piratas fuera aún más real, no tuvieron contacto ni hablaron hasta el momento en el que tuvieron que actuar la primera escena frente a las cámaras. 

Esta fue la última vez, hasta el momento, que vimos nominado a Tom en la temporada de premios. Fue en los Globos de Oro que tuvo su opción para ganar como Mejor Actor Protagónico en Drama, aunque perdió con Matthew McConaughey, por  “Dallas Buyers Club”. 

En la vida real, Richard Phillips tuvo que afrontar una demanda por parte de uno de los miembros del staff de su barco. Le reclamaba que él sabía de los peligros de introducirse en aguas somalíes.

Durante el secuestro, Phillips fue encerrado durante 5 días en el bote salvavidas siendo torturado psicológicamente por los piratas que lo amenazaban con dispararle en la cabeza en repetidas ocasiones. A pesar de que en la película hay varios sucesos narrados de otra forma más efectiva para la pantalla, lo cierto es que el Capitán nunca pudo escribir una carta de despedida para su familia.

De hecho tampoco se escapó luego de pedir ir a orinar fuera del bote. En realidad vio a un somalí que estaba realizando esa acción y utilizó la distracción para saltar del bote. El propio Phillips relató que a pesar de que nadaba en aguas repletas de tiburones,  el haber saltado de un bote en el que tuvo que soportar 38 grados Celsius durante varias jornadas le daba mucha más satisfacción por el refresco que sentía su cuerpo.

Bridge of Spies (2015):  La historia real del abogado James B. Donovan, quien actuó en defensa de un espía ruso en plena Guerra Fría, no podía ser mejor representada por ningún otro actor.

En la vida real el letrado estaba en sus 40′s cuando estos sucesos ocurrieron. De hecho murió a los 53 años de edad. Poco importa que en realidad Tom Hanks tenía 59 años al interpretar a Donovan en el filme.

La productora del filme Kristie Macosko Krieger explicó mejor que nadie porqué eligieron a Hanks para el rol:  "Donovan era un hombre común y corriente. Es como el mejor amigo de cualquiera de nuestros padres. Así es como la gente ve a Tom, como un hombre común, como el vecino de casa."

Hanks quedó tan apasionado con la historia de Donovan que quiso aprenderse de memoria y no cambiarle ni una coma a los argumentos que esgrime ante la Corte Suprema en el momento en que tiene que defender al espía soviético.

El abogado James B. Donovan fue reclutado por la CIA en plena Guerra Fría y fue el encargado de las negociaciones para recuperar a un piloto norteamericano que quedó arrestado por los soviéticos,  intercambiándolo por un espía de la KGB que había sido encarcelado en Estados Unidos.

Para Steven  Spielberg era fundamental llevar a la pantalla grande la historia de Donovan porque representa las ideas de una persona realmente altruista. Un hombre tenaz que fue capaz de llevar adelante la defensa de Rudolf Ivanovich Abel más allá de su comodidad ya que realmente creía que la Ley debía ser respetada ante todo.

Sully (2016): La primera vez que Clint Eastwood tiene la posibilidad de dirigir a Tom Hanks para retratar la historia de un héroe reciente de la historia de la aviación norteamericana.

A pocos días de poder ver la cinta, todo indica que será una de las claras contendientes en la temporada de premios.

Según Variety,  "con su pelo  blanco cubierto de nieve y con un bigote a juego, Hanks transmite ser un hombre que confía en sus habilidades, aunque humilde en sus acciones, lo que también podría decirse de Eastwood como director".

El capitán Chelsey Burnett Sullenberg, a quien sus colegas conocían simplemente como Sully, era piloto de un avión de US Airways que sorprendió al mundo al salvar a las 154 personas que lo acompañaban al intentar un aterrizaje forzoso sobre las gélidas aguas del río Hudson, en New York. 

Luego de convertirse en el héroe  del momento y sufrir el asedio de los periodistas, fue jubilado en forma forzosa por la aerolínea y sólo ha vuelto a volar aviones pequeños. 

Aún así, cuando se lo consulta,  Sully suele recordar que "el milagro del Hudson" sólo fue posible por la colaboración de todas las partes involucradas: su copiloto, Jeff Skiles, las azafatas e incluso los mismos pasajeros que siguieron al pie de la letra las indicaciones de la tripulación. 

El piloto tampoco se olvida de todos los que acudieron a asistir a los 155 en el medio del río, y que fueron rescatados mucho de antes de que el avión se hundiera para siempre. 

[arielhergott-blog]

Las películas que no podemos esperar para ver en 2016

A pesar de que la temporada en la que los grandes estudios lanzan sus filmes con chances más recaudadoras ya ha quedado atrás, en los cuatro meses que restan se vienen grandes títulos que no podemos aguantar para ver.

Y es que en la última parte del año se estrenan las películas que la Academia de Hollywood comienza a analizar para sus candidaturas a una nueva edición de los Premios Oscar.

Si ustedes son de los que creen que lo mejor del cine ha quedado atrás, los invitamos a darse un paseo por estas imágenes y que vayan haciendo lugar en sus agendas para una gran cita en el cine. 

SULLY

Cada película de Clint Eastwood siempre tiene los ojos de la Academia puestos en ella y una casi segura nominación pero si además le sumamos una historia real que conmovió a New York y a Tom Hanks, un actor con el que nunca había trabajado el realizador, tenemos el combo completo.

Tras la primera semana de septiembre, nos contarán la historia del "Milagro en el Hudson", hazaña realizada por el Capitán Chesley Sullenberger, en la que logró posar un avión con problemas mecánicos sobre las aguas congeladas del río Hudson, salvando las vidas de 155 personas.

Pero como no todas son sonrisas en el universo que retrata Eastwood, el filme se meterá en las investigaciones posteriores al hecho que dejaron la vida y el trabajo de Sully,  a punto del quiebre.

SNOWDEN

A mediados de Septiembre veremos el regreso de Oliver Stone detrás de las cámaras para retratar la historia del famoso ex espía que puso en jaque la seguridad de los Estados Unidos al revelar cómo se estaba vigilando a todas las personas.

Cuenta con un elenco más que relevante, con Joseph Gordon-Levitt al frente y acompañado por Shailene Woodley, Scott Eastwood, Melissa Leo, Zachary Quinto y Nicolas Cage, entre otros.

Será interesante ver la historia real que hemos visto narrada por periodistas, policías y hasta por él mismo en un premiadísimo documental, pero esta vez llevada a la ficción y dirigida por un genio de la realización como lo es Stone, en la vigésima película de su vasta carrera.

El propio Edward Snowden aconsejó al director respecto al centro de comando de la NSA. Le reveló que se maneja con poco presupuesto y no tiene nada que ver con los glamorosos escenarios que solemos ver en cine y TV cuando reflejan como trabajan los espías.

Además, Stone viajó a ver a Snowden cuando terminó de filmar la película para mostrarle el resultado.  Según comentan, el ex espía quedó más que conforme con el filme. Ahora nos tocará a nosotros juzgarlo.

MISS PEREGRINE’S HOME FOR PECULIAR CHILDREN

Con sólo esta foto ¿pueden ustedes imaginarse quien es el director de esta película?

Claro está, es Tim Burton que una vez más nos introducirá en un mundo bastante peculiar durante la última semana de septiembre.

Contará la historia de Jacob que descubre pistas para introducirse en diferentes mundos y épocas hasta que encuentre el hogar de Miss Peregrine, donde verá niños con bastantes peculiaridades.

Al conocer a los residentes del lugar y sus poderes especiales se acrecentará el peligro y el misterio. 

La nueva musa de Burton, Eva Green, estará al frente del filme y eso ya es todo una garantía luego de haber visto el crecimiento de la actriz en estos últimos años tras ser dirigida por Burton en “Dark Shadows”, en 2012.

Según el propio Burton, Miss Peregrine es una  “Mary Poppins que da miedo". ¿No les dieron ganas de descubrir de qué se trata?

THE GIRL ON THE TRAIN

La primera semana de Octubre nos traerá una película basada en un libro que vendió nada menos que once millones de copias en todo el mundo.

Está claro que habrá comparaciones con Gone Girl pa que también la escribió Paula Hawkins y porque además tenemos nuevamente a un personaje muy fuerte encarnado por una mujer en un rol principal.

Emily Blunt está al frente del filme en un personaje que amó hacer, y ella mismo lo definió así: "Me encanta que tu heroína, tu personaje principal, es el testigo en el que menos puedas confiar porque es una alcohólica”. 

La historia nos traerá a Rachel que en sus viajes diarios en tren pasa por la casa de su ex marido que se ha vuelto a casar y también por la de una pareja joven cuya vida, ella imagina como perfecta.  Su obsesión por ellos se verá interrumpida cuando la mujer desaparezca y Rachel no pueda recordar con claridad lo que ocurrió la noche de ese suceso. 

DOCTOR STRANGE

En la semana del 27 de Octubre podremos ver finalmente a Benedict Cumberbatch poniéndose en la piel de este ícono del universo de Marvel.

La presencia de este enorme actor junto con un elenco integrado por Rachel McAdams, Chiwetel Ejiofor y Tilda Swinton, entre otros, no puede más que entusiasmarnos. 

Si les gustan las películas de superhéroes, tenemos que decirles que a pesar de que hoy por hoy Iron Man y Capitán America son los reyes del universo cinematográfico, en cuanto a los comics comparten igual protagonismo con Doctor Strange.

La historia cuenta que luego de un accidente de auto, un cirujano pierde su habilidad para operar, aunque de alguna manera consigue acceder a dimensiones ocultas.  Con la ayuda de The Ancient One (Swinton), se convierte en un hechicero que tendrá la tarea de proteger el mundo del villano Kaecilius (Mads Mikkelsen).

HACKSAW RIDGE

La primera semana de Noviembre nos traerá un interesante elenco en una historia situada en la Segunda Guerra Mundial pero eso no es lo más importante.

Todos podemos discutir sobre si Mel Gibson es o no una buena persona o si compartimos sus valores o, todo lo contrario. Lo que no puede decir nadie es que es un mal director.

Y luego de 10 años, Mel retorna a esa tarea en una película que, según quienes la vieron, es “de las que ya no se hacen” y ya ha comenzado a sonar fuerte para la temporada de premios. 

Es una historia real y que cuenta con el paquete que suele gustarle a los votantes de la Academia.  Un joven granjero de Virginia que se rehúsa a tocar un arma y es llamado cobarde por sus compañeros, sólo que en el campo de batalla es capaz de salvar a 75 soldados en sólo una noche. 

Si creen que en La Pasión de Cristo vieron demasiada sangre, imaginen lo que puede hacer Gibson a la hora de retratar realismo en escenas de guerra.

ARRIVAL

El 10 de Noviembre, exactamente un año después del estreno de Sicario, Denis Villeneuve, uno de los directores jóvenes más respetados y renombrados de Hollywood nos traerá una nueva historia antes de dirigir nada menos que la secuela de Blade Runner.

Otra vez tendrá como protagonista a una mujer (Amy Adams), y ya antes de estrenarse, tan sólo al lanzar el trailer,  se convirtió en uno de los principales temas de conversación en las redes.

A pesar de que las historias de ciencia ficción no suelen ser las más premiadas en los Oscar, ya se empieza a mencionar que Adams podría tener su sexta nominación con este ambicioso proyecto. 

Amy interpreta a una experta lingüista que es reclutada por el ejercito para intentar comunicarse con los aliens que en naves gigantes se han posado sobre la Tierra y han recibido todo tipo de maltrato por parte de la humanidad. Ella será la última esperanza para convencerlos. 

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM

El 17 de Noviembre es el día marcado en las agendas de todos los fans de Harry Potter que se han quedado sin poder disfrutar de nuevas historias creadas por la mente de J.K. Rowling.

En esta ocasión ella es quien no sólo escribió la novela sino que por primera vez decidió involucrarse en el guión de este filme protagonizado por Eddie Redmayne, Colin Farrell, Katherine Waterston y Ezra Miller.

La presencia de “bestias fantásticas” en pantalla grande está asegurada y el mismo Redmayne aseguró en la pasada CinemaCon que realizar este filme fue como “meterse literalmente en la imaginación de  J.K. Rowling”.

La historia se sitúa 70 años antes de la aparición de Harry y sigue la vida de un estudiante de Dumbledore. que al ser apartado de Hogwarts, con sus poderes logra viajar a 1926 en New York pero también libera accidentalmente a algunas criaturas mágicas que harán de las suyas en el mundo entero.

ALIADOS

Si de contendientes al Oscar hablamos, este filme cuenta con dos protagonistas que cuentan con la simpatía de la Academia como Brad Pitt y Marion Cotillard, pero también con un realizador de grandes kilates. Robert Zemeckis (Forrest Gump).

En la última semana de noviembre llegará esta historia ambientada en 1942, cuando un oficial de inteligencia apostado en Africa se encuentra con una luchadora por la resistencia francesa en una misión en pleno terreno enemigo.  Su relación se verá amenazada al reencontrarse en Londres con la guerra a sus espaldas. 

ROGUE ONE: A STAR WARS STORY

Cuando resten solamente 15 días para que se acabe el 2016, llegará el primer spinoff del universo Star Wars que promete estar a la altura de las mejores películas de la saga.

Contará con la nominada al Oscar Felicity Jones como protagonista pero el elenco además tendrá al enorme Forest Whitaker y estrellas del mundo de las series como Ben Mendelsohn (Bloodline), Mads Mikkelsen (Hannibal) y Riz Ahmed (The Night Of).

La historia estará situada entre los episodios Revenge Of the Sith y A New Hope y contará las aventuras de una banda de rebeldes liderados por Jyn Erso (Jones) que intentará robarse los planos de la Estrella de la Muerte.

Pero todo esto no le importa a los fans que están desesperados por verla desde que se enteraron que estará presente un villano de caso y traje negro, con una respiración muy particular...  ¿les suena?

ASSASSIN’S CREED

Los fans de los que conocimos y jugamos este videogame no podemos esperar para ver el resultado en la pantalla grande, especialmente porque vamos a ver nada menos que a Michael Fassbender al frente.

Lo extraño es que Fassbender jamás jugó ni supo del juego, tan sólo leyó el guión y le pareció una idea muy interesante de llevar a cabo. Tanto es así que se puso en el rol de productor y así fue como él mismo quiso que Justin Kurz sea el director y Marion Cotillard su compañera de elenco luego de trabajar con ambos en Macbeth, el año pasado.

El filme se meterá en la historia de Callum Lynch, quien a través de una revolucionaria tecnología puede meterse en su memoria genética y revivir la historia de su antepasado, Aguilar, en la España del siglo XV.

Así descubrirá una misteriosa sociedad secreta conocida como los Assassins, pero además contará con increíbles conocimientos y habilidades para combatir a los opresivos y poderosos templarios,  una organización que opera aún hoy.

Llegará a los cines del mundo en la última semana del año.  

[arielhergott-blog]

Todas las referencias a otras películas en “Stranger Things”

Ya no es novedad decir que la serie original de Netflix “Stranger Things” se ha convertido en una fiebre global que atrapó a millones de fanáticos con sus referencias al cine de los ochenta.

Pero la creación de los hermanos Duffer no sólo cuenta con elementos fantásticos, innovadores y geniales niños actores en papeles principales y el gran retorno de Wynona Ryder.

Para sumergirnos en toda esa estética “ochentosa”, los realizadores se han nutrido de muchísimo cine de aquella década y aquí pretendemos mostrarte y contarte cuáles son y en que momento de la serie fueron utilizadas, por lo tanto, si eres de los pocos que aún no se deglutió los ocho capítulos de la serie en menos de una semana, te aconsejamos guardarte este link y verlo más tarde porque contiene SPOILERS.

Alien (1979 / 1986): No sólo la criatura que finalmente muestra su rostro en Stranger Things combina algunos elementos de las primeras películas del universo Alien. También la sustancia pegajosa que la criatura deja a su paso y utiliza para atrapar a sus víctimas en la serie es muy parecida a la del filme. Incluso la forma de abertura de la cara del monstruo tiene la misma forma que los huevos del filme protagonizado por  Sigourney Weaver.

En el último episodio de la serie incluso descubrimos que los seres humanos también son utilizados como una suerte de incubadora, alimentando a sus huevos mientras aún están vivos,  lo mismo que vimos en el filme. 

SI hablamos de películas de los ochenta, con niños como protagonistas caminando en busca de algo y le sumamos el nombre de Stephen King como gran creador de historias, y como frutilla del postre los vemos caminando sobre una vía del tren en el quinto episodio...  ¿no hay mucho más que decir respecto a la película que se les viene a la cabeza no?

Stand by Me (1986): Mike, Lucas, Dustin y Will son los nombres de los personajes de Stranger Things pero tienen casi todas las características similares a los de este inolvidable filme dirigido por Rob Reiner.

Es cierto que también algunos pueden mencionar a Los Goonies como otra referencia de la serie, pero lo cierto es que los paralelismos entre las historias tienen más que ver con los tonos en las que se narra esta amistad y la manera de moverse en los diferentes pueblos.  La diferencia radica en la tragedia y búsqueda real que deben afrontar los chicos de nuestra serie favorita. 

La pequeña “Ele” solo es capaz de alcanzar su potencial máximo a la hora de desarrollar sus funciones telequinéticas cuando la colocan dentro de un tanque de agua. De esa manera, puede alcanzar otro plano u otra dimensión la cual es conocida en la serie como "Upside Down.”

Estados Alterados (1980): Pero esta idea no es original de la serie de Netflix sino que ya apareció en el filme Altered States, en el que William Hurt era un científico que realizaba un experimento similar,  debajo del agua, sólo que utilizando algunas drogas más potentes.

Joyce (Winona Ryder) descubre que su hijo perdido se comunica con ella a través de la energía eléctrica y a partir de allí se obsesiona con conseguir cuanta luz de navidad pueda conseguir y hasta pinta letras en su living para lograr comunicarse... algo que ya hemos visto en...

Encuentros cercanos del tercer tipo (1977): En aquel gran filme dirigido por Steven Spielberg, el personaje de Richard Dreyfuss también se obsesiona a niveles increíbles con el fin de seguir su premonición respecto a los aliens.

El sistema de comunicación que terminan utilizando en el climax de la película,  con luces y sonidos es en el que se inspiran los Duffer para su serie. 

En Stranger Things,  Jonathan utiliza su cámara para intentar descubrir a Will, su hermano perdido entre la maleza, sólo que en el camino descubre a la chica de sus sueños.

Que veamos a Nancy en la ventana de la casa de su novio de esta manera, a través de la lente y no con tanta claridad, no es para nada casual.    

Doble de Cuerpo (1984):  La imagen nos trae a colación el inolvidable poster de Body Double, uno de los filmes más recordados de Brian De Palma en el que él mismo homenajeaba de alguna manera la obra de Alfred Hitchcock.

Allí también había deseo en el personaje interpretado por Craig Wasson mientras espiaba a una bella mujer y descubría un asesinato. 

La telekinesis es uno de los grandes temas que vemos en la serie y para ello hay un autor que tiene un doctorado en sus libros: Stephen King.

Podemos hablar de Carrie,  claro está pero hay otra obra de King un tanto menos conocida de la cual los Duffer tomaron muchos más elementos.

Firestarter (1984): Elle y el personaje interpretado por Drew Barrymore en este filme están mucho más cerca en edad y además allí también vemos como le colocan sensores en el cerebro cuando realizan las pruebas a ambas niñas.

También en ambos casos,  las chicas sangran por la nariz cuando utilizan sus poderes y en todo caso la diferencia es que Drew termina siendo piromaníaca, mientras que Elle utiliza sus poderes con otros fines.

E.T. El extraterrestre (1982): Y llegamos a la madre de la mayoría de las referencias de la serie, desde la manera en la que descubren a Elle, hasta como la tratan y por supuesto, como intentan que pase desapercibida para el “mundo adulto”, como en esta imagen.

También hay una similitud en cómo Elle incorpora el mundo a través de la televisión, algo que también hace  E.T. en su momento y, por supuesto, están las bicicletas con las cuales se mueven los chicos en ambos pueblos.

[arielhergott-blog]

Las mejores películas del Siglo XXI

Si les parece que el título de este artículo es un poco presuntuoso, no pueden culparnos a nosotros sino a los colegas de la sección de cultura de la BBC.

Los británicos tuvieron la interesante idea de convocar a un grupo de 177 críticos de todo el mundo para ver si ellos eran capaces de elegir los mejores filmes desde el año 2000 hacia aquí.

Claro está, no son pocos los que señalan que el mejor cine era el de antes, sin embargo los especialistas fueron invitados a postular 10 filmes realizados en lo que va del siglo, para luego determinar a los mejores 100.

Como no nos alcanzaría lo que queda del siglo para que las conozcan todas, los invitamos a que repasen las 25 películas que obtuvieron mayor cantidad de votos y que, si no las vieron, vayan anotándolas en su lista para ver si están de acuerdo o no con los especialistas.

25. ​Memento (Christopher Nolan, 2000): Antes de revolucionar el universo de los superhéroes con la trilogía de Batman, Nolan le ofreció al mundo esta particular historia “desordenada” sobre un hombre que intenta reconstruir el camino que lo lleve a encontrar a los asesinos de su esposa, a pesar de sufrir de pérdida de memoria a corto plazo.

El filme tuvo dos nominaciones al Oscar, entre ellas la de Mejor Guión Original para los hermanos Jonathan y Christopher Nolan, a pesar de que la historia está basada en un cuento corto escrito por Jonathan. Por supuesto que la edición de tan particular guión también obtuvo una nominación.

24. The Master (Paul Thomas Anderson, 2012): Este filme polémico desató la furia de muchos devotos de la Cienciología, especialmente luego de que el director reconociera que el personaje principal, interpretado por Philip Seymour Hoffman, está ligeramente basado en L. Rob Hubbard, el creador del culto.

De hecho Anderson y Tom Cruise eran grandes amigos luego de haber trabajado juntos en “Magnolia”, pero el actor dejó de hablarle al realizador tras una fuerte discusión cuando vieron juntos la película en una función privada. 

Los tres actores principales, Philip Seymour Hoffman, Joaquin Phoenix y Amy Adams, recibieron sendas nominaciones a los Premios Oscar.

23. Caché (Michael Haneke, 2005): Uno de los directores favoritos de los críticos es este alemán que tiene nada menos que tres películas dentro de las cien mejores del siglo.

Este filme protagonizado por los franceses Daniel Auteuil y Juliette Binoche narra la historia de una pareja aterrorizada por la aparición de una serie de videos de vigilancia que son dejados misteriosamente en su puerta.

22. Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003): Esta historia sorprendió por mostrar una historia romántica sin apelar a las fórmulas a las que Hollywood nos tenía acostumbrados.

Tanto es así, que el guión de la hija de Francis Ford Coppola se llevó un Oscar e incluso el filme, que fue realizado de manera independiente, sumó nada menos que cuatro nominaciones a los premios de la Academia.

Todos recordamos esta película como la que marcó un papel inolvidable de Bill Murray y el gran salto a la popularidad de Scarlett Johansson.

21. El gran hotel Budapest (Wes Anderson, 2014): Otro de los mimados de la crítica que con tan sólo 47 años ha metido nada menos que tres películas dentro de las 100 primeras del siglo.

En este caso, la comedia ganadora de 4 Premios Oscar, que narra las aventuras de Gustave, un particular conserje de hotel que interactúa con todo tipo de huéspedes extraños interpretados por diversas estrellas de Hollywood.

Y es que no hay actor de Hollywood que se resista a la tentación de ser dirigido por el fenomenal Wes Anderson.  

20. Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, 2008): Uno de los guionistas más brillantes de Hollywood debutó en la dirección con esta extraña película que en un principio iba a tener a Spike Jonze en la realización.

El filme que cuenta con el genial Philip Seymour Hoffman en el rol de un director teatral que, atravesando una crisis tras el abandono de su mujer, decide crear una pieza de realismo brutal montando la ciudad de Manhattan en un galpón para su nueva obra.

Una película que en su momento fue bastante criticada pero que con el paso de los años gana más adeptos. Un filme que al verlo por segunda o tercera vez, cobra nuevos significados, como suele ocurrir con las obras de Kaufman.

19. Mad Max: Fury road (George Miller, 2015): Una de las grandes sorpresas del año pasado fue este reboot brillante de la saga de filmes que en los ochentas nos hizo conocer a Mel Gibson.

De la mano de Miller, el filme obtuvo nada menos que seis Premios Oscar y muchos de nosotros creemos que debería haberse quedado con muchos más.

Tom Hardy se puso en la piel del personaje que conocimos por Gibson, aunque fue Charlize Theron y su interpretación de Furiosa la que se llevó las palmas por parte de los fans.

18. Das weiße Band -The white ribbon- (Michael Haneke, 2009): Otra de las obras del director austríaco-alemán que es habitué en los principales festivales del mundo con cada una de sus películas.

En este caso, se remontó a la vida en un pequeño pueblo de Alemania para reflejar los albores del nazismo y demostrar que no todo fue obra de un “loco”.

El filme obtuvo dos nominaciones a los Premios Oscar pero extrañamente no pudo superar a “El Secreto de sus Ojos” para quedarse con el de Mejor Película Extranjera.

17. El laberinto del Fauno (Guillermo Del Toro, 2006): Ganadora de 3 Premios Oscar, esta obra del mexicano Del Toro sin dudas ha quedado en el recuerdo de miles de personas alrededor del mundo.

La película se remonta a la España de la era de Franco en 1944, cuando una niña hija de un sádico militar se escapa de toda esa locura penetrando a un cautivante mundo de fantasía.

Del Toro había recibido millonarias ofertas por parte de productor de Hollywood para que realizara el filme en inglés pero se negó porque no quería comprometer la historia que tenía pensada en pos de las “necesidades del mercado”. 

16. Holy Motors (Leos Carax, 2012): Una película “diferente”, de esas que no sigue los canones normales de Hollywood.

Sin embargo ha logrado cautivar a varios críticos gracias a la potencia visual de su obra y teniendo una vez más a Denis Lavant, su actor fetiche, en el/los rol/roles principales del filme.

La película cuenta además con las apariciones estelares de Eva Mendes y Kylie Minogue, ambas admiradoras del trabajo del realizador francés.

15. 4 meses, 3 semanas, 2 días (Cristian Mungiu, 2007): Una durísima historia situada en 1987 en Rumania, en pleno apogeo del regimen brutal de Ceausescu en el que el aborto es un delito que puede llevarte a la pena capital.

Narra la historia de Gabita, que tiene cinco meses de un embarazo no deseado y es acompañada por Otilia buscando la manera de someterse a un aborto. La aparición de un hombre que les promete cumplir sus deseos, pero a cambio de satisfacer primero los suyos, completa este oscuro drama europeo.

14. The Act of Killing (Joshua Oppenheimer, 2012): Por más increíble que les parezca, tan arriba en la lista aparece nada menos que un documental.

La obra del norteamericano Joshua Oppenheimer muestra a los ex miembros de los escuadrones de la muerte de Indonesia a volver a llevar a cabo sus matanzas pero en géneros cinematográficos y musicales reconocidos de Hollywood.

Una impresionante obra dantesca.

13. Children of Men (Alfonso Cuarón, 2006): Seis años antes de revolucionar el mundo de las películas espaciales con “Gravedad”, el realizador mexicano ofreció esta impactante obra post apocalíptica con Clive Owen en el rol principal.

Con tres nominaciones a los Premios Oscar, el filme narraba un mundo caótico situado en 2027, en el que las mujeres se han convertido en seres infertiles hasta que, una de ellas, finalmente se convierta en la esperanza de la humanidad al ser protegida por un activista.

12. Zodiac (David Fincher, 2007): Jake Gyllenhall acompaña a los futuros Vengadores Robert Downey Jr. y Mark Ruffalo en esta historia real de periodistas e investigadores que intentan descubrir la identidad de un asesino serial que azotó San Francisco en la década del ‘70.

Una película que en su momento no fue de las más aclamadas a pesar de la enorme capacidad de su realizador pero que sirvió al menos para que se reabriera el caso en busca del asesino.

11. Inside Llewyn Davis (Joel y Ethan Coen, 2013): Los hermanos tienen también tres filmes dentro de los 100 más destacados por los críticos. 

En este caso nos retratan como pocos la escena del folk de los sesenta en New York a través de un joven cantante que intenta meterse de lleno en ese apasionante universo.

La película obtuvo dos nominaciones a los Premios Oscar.

10. No Country for Old Men  (Joel and Ethan Coen, 2007): Otra de las obras de los hermanos, con un toque bien personal, al que nos tienen acostumbrados.

Una historia simple en la que un hombre encuentra dinero y en lugar de reportarlo decide quedárselo sin saber que un asesino sin piedad comenzará a perseguirlo. Personajes brillantes, notablemente interpretados por Josh Brolin, Tommy Lee Jones y especialmente, Javier Bardem.

Cuenta la historia que Joel y Ethan Coen se acercaron al actor español para ofrecerle el rol de Chigurh, y Bardem les dijo: “No sé manejar, hablo un inglés muy malo y odio la violencia." Los Coen le respondieron: "Precisamente por todo eso es por lo que te convocamos”.

Un filme que obtuvo 4 Premios Oscar, entre ellos, el de Mejor Película de aquel año.

9. A Separation (Asghar Farhadi, 2011):  Ganadora de un Premio Oscar y de todos los premios importantes en festivales durante aquel año, este filme llegó en un momento muy particular de la relación de Irán con el mundo.

La película narra la historia de una pareja que enfrenta la difícil decisión de intentar mejorar la vida de su hijo mudándose a otro país o quedarse en Iran debido a la responsabilidad por cuidar del padre de Nader, que sufre de Alzheimer.

Es la primera película iraní que ganó un Globo de Oro, pero también la única que obtuvo un Oscar.

8. Yi Yi (Edward Yang, 2000):  Este filme taiwanés narra la historia de la familia Jian, desde tres perspectivas diferentes: una de un padre de mediana edad, otra es la del joven Yang-Yang y finalmente la de la hija adolescente.

Examina las dificultades de la vida familiar desde el matrimonio y hasta un funeral, claro está, de manera poética y a lo largo de tres horas de duración.

A pesar de que es considerada como la mejor película taiwanesa de la historia, lo cierto es que este filme nunca fue estrenado en ese país.

7. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011): Una de las sorpresas de la lista es esta película que recibió muchísimas críticas durante su estreno en el Festival de Cannes e incluso cuando llegó a recibir tres nominaciones a los Premios Oscar.

Lo cierto es que el poder visual y poético de las imágenes de Malick, además de contar con actuaciones notables de Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain la convierten en favorita de algunos críticos que prefieren el arte a historias más convencionales.

El director de fotografía fue el mexicano  Emmanuel Lubezki que supo explicar como pocos la idea de Malick a la hora de filmar la película: “está hecha para disparar toneladas de recuerdos, como si fuera un perfume".

6. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry, 2004): Ganadora de un Premio Oscar gracias al brillante guión de Charlie Kaufman, esta película supo atrapar a los críticos más avezados pero también a millones de espectadores que saben apreciar el valor de una historia romántica contada de manera diferente.

¿Se imaginan recibir  una carta que diga "alguien que conoces te acaba de borrar de sus recuerdos”? Esa es la premisa del filme y fue a partir de una idea de un amigo de Gondry que comenzaron a darle forma a esta brillante película. 

5. Boyhood (Richard Linklater, 2014): La primera película en la historia que fue capaz de seguir la vida de todo su elenco durante 12 años reales no podía faltar de este listado, precisamente por convertirse en un proyecto que probablemente sea irrepetible.

Nominada a seis Premios Oscar, se quedó con la estatuilla correspondiente a Mejor Actriz gracias a un papel notable que interpretó Patricia Arquette dando la sensación real de haber sido la madre de ese pequeño al que vemos crecer en la pantalla.

Una película que habla de la niñez y la adolescencia,  pero no deja de lado las características de ser padre a lo largo de toda una vida, casi como un registro documental.

4. El viaje de Chihiro (Hayao Miyazaki, 2001): Para muchos, esta es una de las mejores películas animadas de todos los tiempos. Ganadora de un Oscar en esa categoría también ha hecho historia siendo el primer animé que obtuvo el Oso de oro en el Festival de Berlín.

La obra del genial Hayao Miyazaki cuenta el viaje fantástico de una niña de 10 años dentro de un mundo gobernado por dioses, brujas y espíritus, donde los humanos se han convertido en bestias.

Fue la obra definitiva del genio japonés  que había decidido retirarse en 1997, pero luego de conocer a la hija de un amigo que realizaba un viaje similar al de Chihiro, se inspiró para escribir y realizar este filme.

3. There Will Be Blood (Paul Thomas Anderson, 2007): Nominada a ocho Premios Oscar de los cuales se quedó con 2, este filme es el tercero de la lista de 100 dirigidos por Anderson.

Narra la historia de Daniel Plainview, un hombre decidido a hacer lo que sea necesario para conseguir sus objetivos, acompañado de un hijo adoptivo que de vez en cuando lo saca de la locura. 

Uno de los papeles inolvidables de  Daniel Day Lewis y que según el propio director no se hubiera filmado si el actor no hubiese dado el sí ya que consideraba que nadie más podría “ser” Daniel Plainview.

2. In the mood for love (Wong Kar-wai, 2000): En el altísimo segundo lugar del listado aparece este filme para muchos desconocido pero que conmovió en la temporada de festivales de la época.

Cuenta la historia de un hombre y una mujer que son vecinos y comienzan a acercarse amistosamente pero descubren que sus parejas los engañan teniendo un romance.

La particularidad de  este filme es que el director trabaja sin guiones y hace improvisar las líneas y los estados de ánimo a sus actores. De hecho el filme en principio iba a ser un clásico romántico pero eventualmente fueron trabajando en bajar y oscurecer el tono de los personajes, dandole vida a una película muchísimo más inquietante.

1. Mulholland Drive (David Lynch, 2001): Una de las obras maestras del creador de “Twin Peaks” cuenta la historia de una joven que llega a Hollywood para convertirse en una estrella de cine y allí entabla una relación con Rita, una mujer amnésica.

El fuerte del filme son los personajes ambiguos, una trama que a veces confunde pero que se convierte en un auténtico thriller psicológico de tres horas de duración con una brillante Naomi Watts al frente.

Una película que no es para nada fácil de ver y que exige más de una mirada para que uno pueda encontrarle diferentes significados, aunque claro está que una ácida mirada del mundo de Hollywood está presente, como en gran cantidad de las obras de  Lynch.