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The red shoes

Image: discogs.com

The first time I heard about this album I thought there was something more but I couldn't tell what it was.

By the time I already knew that Kate was a dancer since a really young age, so the chances that this album was a farewell from scenarios was actually not a bad hypothesis.

Now I see it also as portraying a decision: leave the artistic impulse or pause it so she could fulfill another longing awaited for so long called motherhood. It has been so common for women to choose between their careers and family life that, I don't even wonder why something like that would pass through her head.

Also there's this idea about incompatible paths when thinking about a professional career and motherhood. Sometimes is not only motherhood but anything apart from the professional path: you want a partner? It's too demanding, you have to choose either your career or your partnership.

So, the first time I listened to this album I had the sensation that it was a little like listening to an inside battle between the domestic life and the rush of showbiz. As a result, the album seems to be a close listen to a resolution: a decision was made and showed up not only in the last songs but also in the hiatus that Kate took from music and arts, publicly at least.

Listening to the album again now, I discover a very personal and intimate route that leads us through all the processes and life that Kate was experiencing at the moment. It's not casualty that "Rubberband girl" is a pop song that invites to dance: this is the dinamic and mood that was leading Kate to create in those days.

Right after there's this kind of chaotic and troubled song that talks about love and how, even there, we find sadness. "And so is love" sounds as if it had nothing to do with the decision she was about to take, seems more a portrayal of the life (and love) to her at the time. Nevertheless, all of these no related elements can (and probably did) set the ideal conditions to make a radical decision and a huge change in life.

The path follows with a joyous track as "Eat the music", there's celebration and dance again and, as it shows, the arts can't stop appearing and playing an important part in her life. Between these two tracks and their moods I see in a very obvious way the battle of which I spoke on first place, but it's not only about showing up these topics as shallow elements: it's a personal look at them and how she's living them.

There's no doubt about this personal level when the album continues as it does. "Moments of pleasure" is a love letter to Kate mother's and a tribute. How else could an artist honour her ancestress if not with a song? And what a better moment to do a tribute if not in a moment of transition.

Then "Solomon's song" is a piece where Kate shows the way she has lived and explored. Just as with the second track on the album ("And so is love"), here's a song that takes a look at the thoughts and experiences that Kate is living and what configures her thoughts and way of seeing life, this helps to understand the reasons why she'll make her final decision.

Later there's another song composed after a special person for Kate: Lily. With the same name as title, this song portrays an almost epic story that shows a sort of heroine being protected by archangels. The position of this track right after "Solomon's song" is not a coincidence, I'd say, but a conceptual decision and a connection between each passage of this long story being told.

I say it's so, because the next track is "The red shoes": a confrontation with a light that burns. Anyone who knows this story is well aware about the dangers of the red shoes: they can lead to exhaustion because they are doomed. How much of all this simbolic meaning was used to describe the sensation Kate felt through her musical career?

Arts and the music industry are indeed a slippy road and can feel as dangerous as the red shoes, which won't let its host rest. Yet there has just been a protection song that can provide a sensation of hope and calmness even when there's knowledge about what the red shoes can imply when used.

The album follows with "Top of the city", a song that shows the confusion to which the fame and show business can lead. So long, the album has shown how there's a level that is risky and dangerous, the "angel shoulders" mentioned by Kate can be nothing but the final goal for every public figure: fame and stability. In addition, it can be noticed the appearance of another person: there's now a couple so changes to a different life seem to be closer and closer.

This to me looks as something confirmed by the next song, "Constellation of the heart". Now, even though this new life is showing, the thoughts and considerations are still full of doubts about where all this experience will lead. The metaphor about what a constellation inside of anyone can tell, to me, is really an outstanding image.

In this song, besides there's a reference to "Moments of pleasure" but with a deeper development of the idea. It's true, "just being alive it can really hurt" anyway, that same hurt and pain can lead to learnt and grow. Therefore, this is the entrance to a new life.

Yet, this beginning is not easy, that's what can be heard in the lyrics of the next two songs and, in fact, even the ambient drawn by the music of "Big stripey lie" is a little chaotic. It follows "Why should I love you" where, although the music seems festive, there's still a chaotic feeling about this new situation.

The lyrics saying "of all the people in the world, why should I love you?" show this offering of love and a new life still full if doubts and circumstances that make things hard and the decision is still not taken because of this, until...

This album closes with song "You're the one": a decision has been made, yet this is more a farewell song and not a love song. Somehow I feel this goodbye was not only intended to a person but also to the life she had build for more than a decade and to the scenarios.

The red shoes to me portrays an era in the life of Kate, shows the struggles, doubts, risks and realizations (personal, professional and even philosophical ones) before a really important decision was taken. It's the closure where its shown how any performer can be entangled with their personal life: a close look to the artistic life and feelings of Kate.

To me, that's why this is such and amazing and beautiful album and it still shooks me how some critics at the moment considered the job done as poor and not worthy, or at least that's what I once read, sadly.

As with other albums by Kate, I feel the process and concept of the album was lead by a deep desire to portray what was inside her mind without taking any other consideration that could be of importance to the industry.

If you ask me, this is an album that could have not been any better or more meaningful: it's the consummation of a career and a very symbolic and beautiful goodbye, even if temporary.

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Volver a las historias de amor

En el transcurso de la semana pasada, un amigo me envió el enlace para leer el manga Kakeochi Girl. Comencé a leerlo el viernes por la noche. Eran cuatro tomos así que no los terminé ese día sino al siguiente. 

Me sorprendió por el inicio que tiene; me hizo pensar en lo abierta que a veces pareciera la sociedad japonesa por cierto géneros de escritura que se cultivan -hablo del shonen ai, yaoi, shojo ai y yuri- y por lo fácil que la ropa o el arreglo pueden ir de hombres a mujeres, pero siempre queda algo: un mandato inconsciente que rompe toda la avanguardia que parecieran abanderar.

En fin, ese no es el tema que quería tratar ahora, sino la construcción de una narrativa más allá de los conceptos convencionales. Spoiler alert, buscaré no arruinar la historia, pero no prometo nada.

Una vez hecha la advertencia, comienzo con la narración. La historia comienza con una chica contándonos su historia de amor en la preparatoria y, aunque quedan muy en claro los sentimientos de una de las chicas contrastados con la indiferencia de la otra, no hay drama. Eso para mí fue toda una novedad y una buena. Aceptar que se amó -o se ama todavía- a alguien, es algo que no suele encontrarse muy comúnmente en las narrativas de amor convencionales.

Sigue la historia y, para no arruinar mucho la trama, lo que me sorprende es el grado de realismo con que los personajes pasan por distintas experiencias: no hay una exageración en las emociones; ni para bien ni para mal.

Además, un elemento que me gustó mucho de la historia es que la felicidad la equiparan más a la sensación de un sueño -tranquilo y leve- y no a una euforia desmedida. En resumen, la diversidad va más allá de la representación de una pareja lésbica: es una historia que presenta modos de relacionarse diferentes.

Las emociones son más reales y la historia que vemos es más accesible para quienes leemos. Ya para finalizar, hay varias escenas y experiencias que suceden que dejan muy en claro que el amor es algo que se construye y que necesita mantenerse y cuidarse y no algo que sucede porque estemos con “la persona correcta”.

Por todo lo anterior, este manga fue una historia que disfruté y que me hizo volver a consumir historias de amor. Espero pronto contarles de más -mi amigo ya me pasó más recomendaciones, jajajaja.

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Cine LGBT+ online

Imagen: Filminlatino

Hace un par de meses, quizá un poco más, me enteré por una amiga de una plataforma para ver cine: filminlatino.

En términos prácticos, es un servicio de streaming como cualquier otro, pero cambia por el tipo de contenido que ofrece: cine latinoamericano y 'de autor'. Ah, y también hay series.

Aunque puede ser un servicio de paga, como las otras plataformas de streaming, también ofrece la visualización gratuita de una selección de materiales -que va cambiando cada cierto tiempo.

Para acceder a los títulos gratuitos, sólo necesitan registrarse con un correo, datos generales y vivir en México. Y claro, desde fuera del territorio mexicano pueden acceder a la plataforma como lo harían con cualquier otro servicio de streaming: pagando suscripción.

Podrían pensar que es lo único que vengo a contarles, pero no. Filminlatino tiene canales y también hace parte de varios festivales de cine: uno de mis canales favoritos es el canal LGBT+. En cuanto a festivales, ahora tienen activo el festival Cinema Queer México, por lo que hasta las 23:59 de este domingo 25 podrán ver el documental Siempre Amber, que forma parte de esta muestra. Además, en su última semana ofrecerán un nuevo título que estará disponible desde el lunes 26 y hasta el primer día de noviembre.

Por si eso fuera poco, en la semana del 16 al 22 de noviembre alojarán una selección de películas que forman parte del festival Mix de cine y diversidad sexual. Así que ya saben, si están buscando una plataforma para ver cine LGBT+, filminlatino es su opción.

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El Festival que se volvió Maratón: cabaret para todo el mundo, en línea y en fin de semana

Imagen: Maratón Internacional de Cabaret

Recuerdo el primer texto publicado aquí: hablaba sobre el Festival Internacional de Cabaret y lo escribí emocionada.

También recuerdo que al Festival lo conocí caminando por los pasillos de la facultad en la que estudié. Lo que más me llamó la atención en ese entonces en el cartel fue una sección que se llamaba El vicio Académico, “claro, tan ñoña soy, que hasta el vicio tiene que ser académico, es para mí”, pensé.

Acudí a un par de talleres -si no recuerdo mal- y a varias funciones: me volví fan casi de manera inmediata.

El teatro en general es una actividad poco frecuente, pero hablar de cabaret es aún más raro -o al menos lo fue hasta que me enteré del festival. En esta ocasión, con mucha tristeza, vi cómo llegaban las fechas para el festival, pero no las actividades- Esperaba que al menos se realizara de manera virtual y, algo tarde, pero no me fallaron. El Festival se vistió de Maratón, por lo que podrán conocer más del género del que poco se dice y que casi siempre se reduce a una de sus manifestaciones: el neoburlesque.

Y claro, no está mal, pero no es lo único que conforma al cabaret, ni cómo género ni cómo lugar en el que se presentan una inmensa variedad de espectáculos. Para consultar las actividades que se llevarán a cabo en el  maratón este 24 y 25 de octubre, pueden consultar la página festivaldecabaret.com.

Conferencias, clases magistrales, mesas, obras gratuitas, y otras actividades para personas curiosas e infancias de todo tipo, son las actividades que conforman al primer maratón internacional de cabaret en formato digital; cortesía de este peculiar 2020.

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Ambulante 2019: #ElOjoQueGira y genera revoluciones internas

El festival Ambulante está celebrando su decimocuarta emisión este año y, aunque no es la primera vez que asisto a sus funciones, es la primera vez que voy con tanta asiduidad.

Para quien no conozca mucho este festival les comento: Ambulante es uno de los muchos esfuerzos que realiza la asociación civil con el mismo nombre desde 2005. En principio puede considerarse que su objetivo es acercar el cine a la gente y generar un cambio a través del arte y sí, pero hay algo más escondido.

En el camino mucha gente no sólo cuestionará su forma de ver la vida, sino que también puede expandir su criterio. Podría comentarles todos los cambios que ha generado en mí el exponerme de manera continua a estos estímulos, pero considero más valioso comentar la experiencia de una persona cercana que me acompañó a unas cuantas de las proyecciones: mi madre.

Ambulante, pese a la proyección de algunas obras con corte experimental que poco se acercan al género principal, busca cambiar a la sociedad mediante la apreciación de un género cinematográfico con poca difusión y escaso público: el cine documental.

Y claro, con esta visión no se menosprecian a los géneros más convencionales, pero sí se apelan a la consciencia y a la memoria, además de que se motiva a la capacidad de generar crítica mediante el confrontamiento con distintas realidades.

Andábamos ya en camino a vuelta cuando me comentó una escena sobre el documental de Ai Weiwei: Nunca se arrepiente. Me dijo: “Lo que más me gustó fue cuando rompió el jarrón”. A mí me dejo estupefacta oírla decir eso porque mi madre es de esas personas que no le ven mucho sentido al arte contemporáneo. Al preguntarle sobre el por qué me dijo: “eso es lo que yo debo hacer, romper con el pasado y empezar algo nuevo”.

Acudí con ella el viernes 10 de mayo sin olvidar preguntarle si es lo que deseaba, accedió gustosa -paréntesis, cabe la duda de si accedió sólo porque así se ha formado a las mujeres cuando son madres, pero bueno digamos que sí quería por ella misma y no para complacerme.

Hablamos sobre lo que nos despertó Tío Yim -una de las películas más hermosas del festival desde mi perspectiva, por cierto- y generamos una discusión que no me esperaba; al día siguiente me acompañó también al maratón que se realizó en Artz Pedregal y al regresar de la larga sesión sucedió una cosa que me pareció hermosa.

¿Cuántas maneras de mirarnos en el otro existen y cuántos puentes no se pueden crear a través de la mirada hacia el otro? -sin importar la distancia ni las diferencias que nos separan y hacen distintas personas. A mi madre ver documentales le ayudo a ampliar su horizonte estético y artístico, le ayudo a entender de qué va el arte contemporáneo y le dio herramientas para construir un criterio que no la dejará indiferente ante estas expresiones en un futuro, pero también le dio un esbozo de lo que la vida a veces se trata mediante ese símbolo que vio en el acto -aparentemente insignificante y hueco- de romper un jarrón.

El cine documental nos permite ver las realidades: generar consciencia, propiciar cambios para mejorar como sociedad. Por fortuna, también nos muestra en metáforas y lecturas superpuestas los atisbos de luz que muchas veces en épocas de crisis buscamos como náufragos perdidos en el desierto de la impredecible vida.

Aunque está a tiempo muy corto, todavía quedan unos días para disfrutar del festival, así que vayan si pueden y cuéntenme qué les dejó a ustedes -por un mensaje en twitter, fb o su red social favorita.

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Una visita al Anahuacalli (museo Diego Rivera)

Hace dos meses, aproximadamente, fui de visita al museo Diego Rivera o Anahuacalli. Si una cosa me quedó clara fue que Rivera, además de pintor y muralista, fue un ávido coleccionista de arte prehispánico. Aunque yo no me considero una coleccionista, mi visita la realicé con un coleccionista y de su parte no hubo más que un enorme respeto hacia Rivera como tal.

No es para menos pues el museo alberga una cantidad enorme de piezas y tiene más salas de las que se encuentran en el museo de Antropología e Historia, y no, no exagero (bueno, quizá un poco). Eso sin contar que también hay en exhibición algunos de los bosquejos de murales que hizo Diego y una sala que, según nos dijeron, muestra una variedad de judas y alebrijes elaborados exclusivamente para la colección privada de Rivera.

Eso último lo apunto de oídas porque una sala estaba en mantenimiento al momento de nuestra visita, pero si corren con suerte tal vez el acceso a ésta será permitido nuevamente.

Este museo es meritorio de visita no sólo por la cantidad de piezas que conforman a la colección sino también porque el recinto mismo fue ideado y construido con el fin expreso de albergar a las piezas que expone.

En resumen, si son coleccionistas adoraran visitar el museo porque verán el sueño de otro coleccionista consumado en su máximo esplendor y si no lo son igual terminarán fascinados por la magnitud y extensión que no sólo se aprecia en las piezas sino también en el número de pisos, salas, el tamaño del edificio principal y por los jardines que lo rodean.

Considero como un plus que el museo se encuentra retirado de avenidas principales por lo que también puede ser una buena oportunidad para alejarse del caos y el ruido por unas horas o, si van preparados para comer allí, es un buen retiro para todo un dìa completo del fin de semana.

P.d. Lamento haber dejado un poco abandodano el blog, quisiera prometer que no volverá a pasar, pero me conozco, en vez de la promesa, procuraré reseñar cada que me entre la gana de compartir buena música, libros o simplemente un sitio de internet.

P.d. 2 En esta ocasión, agradezco y dejo el crédito de imágenes para wikipedia y sus respectivos autores.

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Los días lluviosos son de MELANCOLÍA

Las lluvias ya comenzaron, por eso, por la curaduría y porque ésta es su última semana, no hay mejor exposición que la que estará hasta este 9 de julio en el Museo Nacional de Arte (MUNAL). 

Lleva por título Melancolía y, como su nombre lo dice, guía el recorrido con la melancolía como tema principal. Enumera varios de los motivos pictóricos que representan a este estado de ánimo y hace un recorrido que abarca pinturas de distintas corrientes y épocas que van desde finales del siglo XVI y llegan hasta la última década del siglo XX, desde la época virreinal hasta el México posmoderno.

Aunque breve y de manera sintetizada, la exposición  explica la definición etimológica de la palabra que hace referencia a la bilis (o humor) negra, aborda la historia de la melancolía y explica ciertos motivos pictóricos como la cabeza agachada, el memento mori y otros como los más representativos en el imaginario colectivo que remiten a la melancolía.

Si disfrutan sumergirse en la tristeza cuando la vida se pone difícil, probablemente adorarán esta exposición, pero si son de los que prefieren días soleados no se preocupen que las obras también complacen a los más animados aunque no los haga saltar de alegría (avalado por mi acompañante, quien disfruta los baños de sol).

Además, probablemente varias de las obras representarán un grato descubrimiento para muchos. En mi caso hubo varias obras de autoría anónima que me encantaron y entre los artistas conocidos gracias a la exposición están Manuel González Serrano, mexicano con cortes surrealistas y metafísicos, Lorenzo Zendejas, Ricardo Martínez y otros más. También hay algunas esculturas que son muy buenas, pese no ser muchas.

“Las urracas”, Manuel González Serrano

Aunque a mí no me cuadró la información con mi caso personal, hay una sala en la que podrán consultar de manera fácil la teoría sobre los humores y los ánimos a los que conduce la prevalencia de cada uno de acuerdo a su fecha de nacimiento (si su temperamento es flemático, melancólico, colérico o sanguíneo).

De manera adicional a la exposición de obras visuales hay unas pequeñas salas que presentan fragmentos de obras literarias, un acervo literario con libros para hojear o leer, una compilación de obras cinematográficas y musicales que atraviesan por la melancólica con nombres de artistas como William Shakespeare, Sergei Rachmaninoff, Cesare Pavese, Lars von Trier, Jorge Luis Borges, entre otros.

Actualización. Esta semana podrán asistir en un horario extendido de jueves a sábado, esto es de 10:00 a 20:00 hrs.

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¡Feliz día del libro! Atrasado...

Hace años yo festejaba el 23 de abril por ser el natalicio de un cantante que me gustaba mucho. Tiempo después me enteré de que también era el día del libro y la rosa, que era el aniversario luctuoso de Shakespeare y Cervantes, y que era cuando todos podíamos manifestar nuestro amor por los libros. Por este motivo, aprovecho y hago la recomendación sobre un libro. Además, qué mejor manera de inaugurar las reseñas literarias hay que en estas fechas y con este título

El título es La isla misteriosa y el autor es Julio Verne. Seguramente una o ambas cosas les suenan a algunos, pero la imagen que tengan del autor es otra cosa. En la cultura popular Julio Verne es conocido como un ‘adelantado a su época’ con una capacidad predictiva del futuro que casi espanta, lo que pocas veces he oído que traten es el motivo que le permitió dibujar esas ‘premoniciones’.

En el caso de este libro, La isla misteriosa, se observa más de cerca ese aspecto sin mirar al Verne vidente de tecnologías y avances en la ciencia. Precisamente en este libro, como en su Eterno Adán, Julio Verne se dedica más a desarrollar las inquietudes que despiertan en él la naturaleza humana y la ambivalencia del género sapiens. Curiosamente es un libro que, más allá de artefactos complejos y visiones futuristas se centra en desarrollar sus habilidades como narrador de misterios que conducen finalmente a desentrañar el secreto que esconde esa isla.

Quienes ya hayan leído el libro sabrán que puede considerarse como parte de una ‘saga’, pues un personaje presentado en el tramo final es protagonista en otra de las obras de Verne, no obstante la obra tiene valor en sí misma porque dibuja con claridad las dudas existenciales de Verne con respecto a la naturaleza humana, las virtudes y los vicios del hombre. La observación de los otros personajes desde la voz del narrador omnisapiente atraviesa el tema de la naturaleza humana y su desenvolvimiento a través de la interacción del hombre con la intemperie, y en la vida del autor es éste el motivo que lo condujo a predecir las maravillas tecnológicas y avances de la ciencia a los que acertó.

El carácter premonitorio, creo yo, se lo da por un lado la investigación en ciencia y tecnología que hizo en su momento y por el otro la duda permanente sobre la bondad o malignidad del hombre. Verne estuvo siempre informado sobre los últimos desarrollos en tecnología y ciencia, pero también mantuvo un constante signo de interrogación sobre la humanidad y su carácter más genuino, ¿los avances e inventos de la raza humana eran desarrollados realmente para un bien común o eran guiados por avaricia y egoísmo?

Al leer la isla misteriosa, nos encontramos con el desarrollo ideológico del autor respecto al hombre de forma directa. Incluso expone sus conclusiones a través de la voz del personaje que está siempre presente sin revelar su identidad, hasta el último momento. El mensaje en esta obra todavía es luminoso y parece ser que la fe en duda es resanada, en cuanto a lo que Verne pensó en sus últimos días, es una cosa que desarrolla en otros libros y que les contaré en otra recomendación de lectura.

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Grabado norteamericano (y unos pocos mexicanos) en San Ildefonso

Si la semana santa se les fue como agua y en esta semana siguieron sin poder resignarse a la triste realidad, no se preocupen que todavía quedan varias exposiciones que podrán ver gratis en la Ciudad de México que los harán sentir como si siguieran de receso.

“Peces extraños”, Mabel Dwigth, 1936 Litografía

El grabado es un arte que tiene ya bastantes décadas de historia, aunque varios pintores expresionistas han acercado el grabado, la verdad es que es raro encontrar una exposición enfocada de forma exclusiva al grabado al pasar de los años.

Si alguna vez se preguntaron cómo se veían los primeros grabados o cuáles fueron los primeros temas y estilos que ocuparon a los artistas del grabado, esta exposición es para ustedes. 

“La tarde sobre un río con un barquero”, Charles A. Walker, 1885 Monotipo

Pese a que aborda el grabado dentro de una zona geográfica casi exclusiva, Estados Unidos pues sólo hay unos cuantos trabajos de mexicanos como Siqueiros o Diego Rivera, la exposición es un compendio bastante completo que muestra las distintas facetas del grabado y la evolución de la estética y los métodos a lo largo de ya más de tres siglos de historia.

“Ne-Sou-A Quoit, un Jefe Zorro, de Historia de las tribus Indias de Norteamérica”, Albert Newsam a partir de Charles Bird King, 1837 Litografía coloreada a mano

“Cantante ciego”, William H. Johnson, 1940 ca. (aproximadamente) Serigrafía con añadidos en tempera

Los materiales no se limitan a pintura y papel sino que hacen uso de más recursos y los conceptos también cambian conforme a la época en que fueron realizados. Es grato encontrar obras de temáticas tan diversas que contemplen retratos, estampas de fauna local, paisajes, escenas cotidianas de 1800 y obras de un corte más contemporáneo, como carteles y otras piezas provocativas. 

“Sín título: cuatro aguafuertes [B]”, Glenn Ligon, 1992 Grabado al aguafuerte, barniz blando, aguatinta, ácido directo y tinta china con azúcar

“Accidente”, Robert Rauschenberg, 1963 Litografía

Así que si no tienen ningún otro plan para el fin de semana y se sienten curiosos, ya saben: siempre pueden acudir a san Ildefonso. Recuerden, si no tienen dinero para financiar su boleto la entrada libre en este museo es los días martes.

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Última oportunidad para ver las influencias del punk en el arte contemporáneo

El punk, más que un estilo musical es un estilo de vida. Y sí, tal vez eso suena muy trillado o parece el cliché de cada cosa que se nos atraviesa en estos días, pero no estoy diciendo más que la verdad. El punk es un movimiento que surgió como respuesta a la situación económica y social de una época de crisis. Surgido a finales de los setenta, planteaba cuestionar muchos de los paradigmas que hasta entonces se habían tomado como cánones.

Como movimiento plenamente activo el punk se desarrollo durante la década de los 80’s, pero el espíritu del movimiento y los influjos posteriores llegan a obras que surgieron de forma posterior e incluso muchas de las actividades cotidianas y legitimadas por el sistema actual tienen un parentesco con la esencia punk. Si me preguntan por un ejemplo, diré uno que no es muy agradable, pero que está a la vista de todos: los tutoriales DIY (Do It Yourself o hazlo tú mismo) de youtube y otras páginas de internet surgen de la filosofía con el mismo nombre y que surgieron como parte de las protestas punk de la década de los ochenta.

Como ese ejemplo hay muchas otras obras visuales, plásticas y multidisciplinarias que mantienen un lazo con el punk y su carácter contestatario, si quieren ver una muestra de ello, deben aprovechar este fin de semana para visitar la exposición Punk: sus rastros en el arte contemporáneo. Si quieren disfrutarla y sacar el máximo provecho les recomiendo asistir con tiempo y dinero para comer por allí porque hay varios documentos audiovisuales de larga duración.

Más allá de si les gusta el punk o no, conviene asistir para conocer la materia prima de la que se nutren muchas de las obras artísticas contemporáneas y porque, probable y lamentablemente, se sentirán identificados y un poco reconfortados al saber que la crisis no es exclusiva de estos días y que hay alternativas para conciliarse con el caos. Aunque los modos no les gusten a muchos, a nosotros nos dejan tranquilos y con el alma más ligera.

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Archivo General de la Nación, un ‘museo’ fuera de lo común.

Independientemente del cambio de temática, a veces los museos pueden ser monótonos, pero éste no es el caso cuando se trata de museos cuyos recintos tienen una historia anterior a su uso como lugar de esparcimiento cultural.

Aunque el lugar que recomiendo esta vez no es el único con esas características, probablemente sí sea el que tiene la historia más interesante de todos los edificios de esparcimiento cultural.

El Archivo General de la Nación es más conocido por haber sido la prisión de Lecumberri que por ser el recinto que alberga los registros más importantes de la Nación Mexicana. Lo digo no porque lo haya escuchado con anterioridad, sino porque también estuve oyendo constantemente preguntas que hacían varios de los visitantes sobre cómo era el lugar antes o de las historias de algunos de los presos más famosos.

A pesar de ser un edificio con una historia muy densa, la atmósfera no guarda ningún tipo de sobriedad o misterio, al menos de día, y se presta bastante bien incluso para una sesión de fotos con amigos o familia. Además, hay salas que cuentan la historia de los símbolos patrios y su evolución. Van a encontrar facsímiles de la Constitución de 1917 y también reproducciones de varias versiones de la bandera mexicana.

Además de conocer sobre la historia del Archivo General de la Nación y el edificio que lo alberga, que antes fue la penitenciaria de Lecumberri, pueden consultar documentos, fotos, pedir copias certificadas y reproducciones o tomar talleres. Todo esto es sumamente útil, sobre todo para algunas personas especializadas en la historia de México como sociólogos, historiadores y otros profesionistas. Pero si no son investigadores también pueden consultar e incluso contar con la asesoría especializada de gente apta en la materia.

Dejo un link aquí con un pdf que tiene precios y acá la página de facebook. Desafortunadamente no funciona el sitio web oficial, pero estoy segura de que si preguntan con un mensajito en facebook o marcan al 5133 9900 que aparece allí les brindarán más detalles sobre los servicios, precios y otra información adicional que necesiten.

El recinto, mejor conocido como ‘el palacio negro’, está abierto al público general de lunes a viernes con un horario de 9:00 a 17:00 horas, la entrada es gratuita y hay visitas guiadas. Si desean ir en sábado, también pueden hacerlo sólo que el horario se acorta dos horas (de 10:00 a 16:00 horas).

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Porque LO QUE SE VE, NO SE PREGUNTA

En los últimos meses del año pasado me topé con el video de una adolescente trans. No lo buscaba, pero lo vi para saber un poco más al respecto; en ese entonces me quedaron algunas cosas claras y otras tantas quedaron como incógnitas.

Aunque no era la primera vez que me topaba con temas sobre la comunidad trans, hubo muchas cosas que no entendí, sobre todo cuando se trataba de qué construía a la identidad de género y el que tuviera que empatar la expresión del mismo con la identidad.

Pero entonces llegó una hermosa exposición, que se encuentra en el Centro Cultural de España, Lo que se ve, no se pregunta. A lo largo de varias salas, en pasillos y hasta con actividades paralelas organizadas de acuerdo a la temática de la comunidad trans, esta exposición aborda de una manera comprensible y amena quiénes son las personas trans,

¿Ustedes saben la diferencia entre una persona transexual y una transgénero o por qué puede ser mejor simplemente referirse a ellas con la etiqueta trans? Yo no lo tenía completamente claro hasta que vi esta exposición. Además también me enteré sobre las personas intersexuales, trasvestis y las personas de género no conforme. Debido a la temática, que aborda la construcción de identidad, no se extrañen si de repente se sienten de vuelta a su adolescencia, llenos de inseguridades y dudas sobre quiénes son.

También podrán enterarse de la historia de la comunidad trans a lo largo de la historia en distintos lugares del mundo y entre una multiplicidad de culturas. Una parte en la exposición que enuncia algo así como “nosotros hemos existido siempre”. Es algo que deberían saber todos, pero que mucha gente con transfobia prefiere olvidar o simplemente ignorar.

Montada desde finales de octubre, esta exposición es un recorrido que, además, también muestra en videos el panorama político y social que tienen que enfrentar las personas trans y las barreras que les pone la sociedad, a pesar de las supuestas apertura y tolerancia de ahora.

En fin, yo les recomiendo que se den una vuelta al CCE ya que ésta es la oportunidad perfecta de asomarse a una de las realidades alternas dentro de los distintos grupos que conforman a la comunidad de diversidad sexual. Ya de perdida, al menos échenle una ojeada a la cartelera de actividades programadas en el marco de esta muestra dentro del CCE.

Para consultarla pueden pinchar aquí. Por cierto, una vez que vayan, tendrán que regresar porque hay mucho material audiovisual, en serio mucho, que los hará volver una, dos, tres y hasta cuatro veces.

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Redimirse con el año nuevo (pero por hechos y no por arte de magia por favor).

La gente siempre habla de propósitos y deseos cada que comienza un nuevo año. Como si fuera mejor pensar en el futuro, deciden olvidar todo lo malo del pasado, incluidos arrepentimientos y tareas no cumplidas a lo largo del año que terminó, pero yo, yo digo que no. 

Por eso, para empezar bien el año, voy a iniciar publicando una recomendación musical que el año pasado me quedé en deuda de una recomendación de buena música.

Pájaros y cuchillos es la más reciente producción discográfica de Monocordio, pero es la primera de Monocordio trío. Para explicar todo el merequetengue me tardaría quizá dos o tres párrafos, así que sólo diré que esta es la primera vez en muchos años que Monocordio cambia su alineación en el estudio con la participación de los hermanos Arreola. Eso sí, las letras de las canciones siguen corriendo a cargo de Fernando Rivera Calderón, mente maestra detrás de Monocordio.

Es un gusto poder reseñar este disco porque estuve esperando impaciente la salida al mercado del mismo. Con decirles que la primera vez que escuché el tema que abre, “Tratando”, era el cuarto mes de 2015. 

Yo solita me quemé porque de las canciones en el álbum ya había escuchado tres (¿y media?) y la que más me había gustado era justamente la abridora, “Tratando”. ¿Qué por qué? Pues digamos que las circunstancias temporales me colocaban en una situación muy similar a la del yo lírico de la canción... con suerte sólo yo me entendí. 

Y bueno, qué decir de esa colaboración con Mardonio Carballo, si no me equivoco, en el “Fuego en el Tepozteco”. La noche del concierto de Monocordio trío en el lunario fue mágico, pero no se queda atrás el disco que derivó de este trabajo y es que a mí hasta me hizo llorar la canción que en su nombre no tiene más que la puritita verdad “Triste, pero feliz”. 

Remata el dolor en la caja torácica la canción que le sigue, “No existe más”, y cambia el humor con su “Beso de tres”: arrabalero y con un aire oscuro, pero muy sensual. También encontrarán una versión remasterizada de “Tú” y dos canciones llenas de energía y buena vibra: “Chicas en bici” y “La vida de un beso”.

De la última canción no me olvidé, pero creo que merece un párrafo aparte por lo desgarradora que es la inspiración: la situación actual que se vive en México “¿cómo decir lo que quiero decir?, ¿cómo gritar lo que quiero gritar? si no escucho el eco [...] no tiene caso gritar” nos dice el señor Rivera Calderón. Es imposible no recordar el ambiente al que se tienen que enfrentar a diario los periodistas en México en las estrofas de la canción, como es imposible también no recordar la impotencia de muchos de nosotros, mexicanos, al vivir rodeados de un panorama cada vez más precario y limitado.

Si son ‘fans’ de Monocordio se van a sorprender en muy buen sentido por el cambio en el estilo que al mismo tiempo dejó intacta la esencia. Si no conocen a Monocordio, no hay mejor manera de introducirse a su música que mediante este disco, un poco más rockero pero fresco, melancólico y vital.

Como dijera hace algunos años, larga vida al Monocordio.

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Anna Calvi, ONE BREATH

En esta semana muchos museos están cerrados, pero tengo por ahí recomendaciones musicales, al menos compartiré dos de ellas y ésta es una de ellas.

One breath, salido al mercado en 2013, es el segundo material discográfico de la guitarrista, cantante y compositora Anna Calvi. En esta ocasión, Calvi vuelve a deleitar con melodías que, no por sencillas son simples, motivos vocales que se funden con riffs de guitarra, distorsiones y solos bien elaborados. Notables y muy atinados son los arreglos de cuerdas que dan un aire íntimo y tranquilo a canciones como “Piece by piece” y “Sing to me” y que cuadran a la perfección con las letras introspectivas pero directas de Anna. 

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La última maleta

¿Alguna vez han contestado la típica pregunta de qué llevarían a una isla desierta? Ya es un cliché, pero todo cambia si no es una isla la que nos hace empacar sino la muerte.

En la exposición del MAP “La última maleta” encontrarán maletas de todo tipo. Hay muchas hechas por artistas, sí, pero también hay algunas que fueron realizadas por médicos, arqueólogos, comerciantes y hasta la maleta de una niña está ahí. Además, ya que fue una exposición realizada durante el año de cooperación Alemania-México, no sólo verán maletas hechas desde la peculiar perspectiva mexicana, sino que también verán las maletas que hicieron algunos con el alma más métodica.y menos acostumbrada a la muerte.

Si quieren ver con atención cada una de las maletas, y leer lo que cada una de las cien personas pensó sobre esa cuestión y los significados de los objetos que eligieron (o por qué no eligieron nada), les sugiero que vayan con mínimo tres horas de disponibilidad para disfrutar de la exposición “Hacia el más allá y de regreso. Una maleta para el último viaje” que estará hasta el 29 de enero del siguiente año.

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Melody Gardot, Some lessons

En esta ocasión, el disco recomendado es producto del uso de los servicios de streaming online (y no, no es anuncio porque no diré qué servicio usé pero bueno, mejor sigo). Melody Gardot es una cantante y compositora americana que entró al mundo de la música por un accidente, que no por accidente. Después de haber estudiado diseño, a los 19 años de edad, fue arrollada por un coche y durante su rehabilitación la música, que ya había antes estudiado, fue la que la sanó por completo. 

Leí en un artículo, pinchen aquí si quieren leerlo completo, que su médico le recomendó la música para ayudar a regenerar las conexiones cerebrales que había perdido (Melody no podía hablar o caminar después del accidente). Cosa tremenda, pero al mismo tiempo una oportunidad perfecta pues fue por este accidente que Melody comenzó a cantar y aprendió a tocar la guitarra, porque al tocar el piano, que había estudiado antes, le daban unos tremendos dolores de espalda.

También leí que ella misma califico estas canciones como “muy personales” y que por eso, en principio, no consideró hacer de ellas un álbum. Sin embargo, agradezco inmensamente que el tiempo haya logrado borrar el sentimiento de dolor y que haya compartido con todos los que queramos estas siete canciones. 

Some lessons, después de saber la historia de fondo, sí es un disco muy íntimo, pero por ello es también universal. Y es que ¿cómo no pensar que ese “wicked ride” es el fatídico día de su accidente?, pero al mismo tiempo habla de la vida de “cada niña, cada mujer”. Por si quedaban dudas sobre si habla del asunto o no, en “Down my avenue” es evidente con sus versos “why do you think it’s alright to go and hurt me”. Pero también hay amor de ese que se expresa en pocos acordes, pero llega hasta el alma en su track número cuatro “Don’t you worry, baby”. Lo que me queda de Melody es la enseñanza de que se puede salir hasta de la experiencia más trágica y... su música, claro. 

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Polvo somos...

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A los mexicanos nos asocian con muchas cosas, tacos, sombreros de ala ancha, de llegar tarde, pero hay algo que también es igual de común oír después de un mexicano y es el peculiar modo que tenemos de ver a la muerte.

La recomendación de hoy es sobre la muerte, precisamente, y una serie de reflexiones alrededor de ella. Pensar la muerte es el título que el Colegio Nacional le dio a esta serie de conferencias, conciertos, mesas de debate, entre otras actividades. 

Del 16, sí hoy, al 22 de octubre se dictarán conferencias relacionadas con la muerte desde las más distintas perspectivas: la muerte de las lenguas o idiomas, la extinción, la pervivencia a través de los genes, la muerte en la literatura y el arte mexicano, un par de conciertos con temática alusiva, el del día de hoy será sobre Dante y su visión de los mundos que concebía después de la muerte, y más. Así que si querían opciones para calentar los motores y recibir a la flaca como se debe el próximo mes de noviembre, ya las tienen.

Si están de visita en la Ciudad de México o viven en ella, no duden en ir a alguna de las actividades de este encuentro. Para más información, consulten el programa aquí.

Actualización Si no pudieron asistir a alguna de las conferencias o se quedaron sin ver el concierto de clausura, como yo, pueden ver la grabación en el canal de youtube del Colegio Nacional. Clic aquí para ir a los videos del Colegio.