#Sellos España 1976

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Bodegón Granadas Manzanas y Uvas - España 1976

Bodegón Granadas Manzanas y Uvas – España 1976

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"Couperin es como Bach"

[El clavecinista Yago Mahúgo (Madrid, 1976) / ELENA MAHÚGO]

Yago Mahúgo publica la primera entrega de un proyecto de grabación de la obra completa para clave de François Couperin

Visita el Festival de Música Antigua de Sevilla el próximo miércoles 20 de marzo junto a su grupo Ímpetus para tocar música de Rameau, pero Yago Mahúgo (Madrid, 1976) es noticia también porque ha comenzado la publicación de un proyecto monumental, inédito en España, la integral de la música para clave de François Couperin, que aparece bajo su propia marca (CMY Baroque), aunque en realidad se trata de una coproducción con Cantus, el sello de José Carlos Cabello. Mahúgo es el músico que recuperó en tiempo récord su carrera después de sufrir un ictus que casi lo inhabilita para la vida, el músico que encontró espacio en su oficio para dedicarle un tiempo a la política, como diputado por el grupo Ciudadanos de la Asamblea de Madrid. Ha vuelto de manera decidida a la música.

–Usted había publicado ya un disco con piezas escogidas de Couperin, pero esto es distinto, es un proyecto desafiante. Nadie en España lo había afrontado antes.

–Sí, pero es que me encanta la música francesa. Es como cuando alguien se plantea grabar todo Bach al clave. Se trata de un proyecto largo, para 7 u 8 años como poco.

–¿De cuántos discos hablamos?

–De once. Son casi 230 piezas, si tenemos en cuenta los Libros de piezas y los preludios de El arte de tocar el clave.

–¿Cuál es el diseño global del proyecto?

–La obra completa de Couperin abarca cuatro libros, con veintisiete órdenes en total. La idea es grabar ahora el Primer Libro, que son cinco órdenes. En el primer CD han salido los Órdenes 1 y 3, porque el Orden 2 es muy largo: irá sólo en el segundo disco. Y los Órdenes 4 y 5 irán al tercer disco. Con eso completaremos el Primer Libro. La idea es que una vez grabados los discos vayan a las plataformas y se harán en formato CD de forma individual dependiendo de nuestra capacidad para producirlos, y eso dependerá también de la velocidad que consigamos con el proyecto. Aunque eso sí, cada vez que se complete un libro saldrá un pack físico con el libro completo. Esa es la idea del proyecto.

–Hablando de velocidad. La posproducción ha sido vertiginosa, porque este disco se grabó en septiembre pasado y en enero estaba en la calle.

–Sí, ha sido rápida. Es que tanto la grabación como la edición son mías, y la ventaja con eso es que sé lo que he grabado y cómo, y además la grabación estaba bien hecha, no había errores que corregir. Pero de todos modos sí es verdad que ha sido rápido. Tenía muchas ganas de tener este primer disco en mis manos.

–¿Por qué le interesa tanto Couperin?

–Es un músico enorme. Si en su mismo tiempo le decían el Grande sería por algo. Couperin es como Bach. Junto a él, es el mejor compositor de música para clave de su tiempo. Ahora estoy tocando mucho a Rameau, que también es una maravilla, y es otra integral que tendré que hacer en algún momento, pero esta es bastante más corta. Porque otra de las cosas que hacen grande a Couperin no es sólo la calidad incuestionable de su música, sino la cantidad. No hay nadie que tenga esa obra para clave.

–Couperin editó toda esta música de forma tardía. Tenía 45 años cuando publica el primer libro…

–Tarda mucho en publicar, es cierto. Debería tener presiones de todo tipo para que lo hiciera, porque debió de componer estas piezas toda su vida. El Primer Orden recoge mucha obra anterior: empieza con una Alemanda dedicada a Luis XIV, al que quedaba muy poco de vida cuando se edita el libro, luego hay también una zarabanda magnífica en homenaje al rey; seguramente son piezas bastante anteriores, que recupera junto a otras para ese Primer Libro, que está más cerca de la música del XVII.

–¿Por eso abre cada orden con un preludio de Louis Couperin, su augusto tío?

–Esa fue una idea a medias de José Carlos Cabello, que mientras estábamos concibiendo el proyecto me repetía una y otra vez que tenía que grabar también la música de Louis, y yo quería centrarme en esto, que no es pequeño esfuerzo, y entonces se me ocurrió que no estaría mal abrir cada orden con un preludio del tío. No me van a valer por tonalidades para todos, pero sí para muchos y cuando no valgan igual me voy a la dominante para buscar luego la tónica o algo así. Todo eso se irá viendo. Me parece que en este primer disco ha quedado muy bien así. Aunque el hacer eso nos ha provocado un problema: la duración. El disco pasaba de 81 minutos, y nos llamaron de fábrica para decirnos que no cabía, así que decidí cortar la última repetición de la última pieza (La Lutine), que tiene la típica forma AABB y le he quitado la segunda B: en la versión digital está, pero en el CD físico, no, porque no cabía. Era eso o renunciar a la idea de abrir con los preludios de Louis Couperin. Y tampoco pasa nada porque no se haga una repetición.

–¿Qué instrumento ha empleado?

–Es una copia de un��Taskin de 1769 hecha por Keith Hill en 2009. El instrumento es mío, lo que es una ventaja. Voy a mantener el mismo instrumento para todo el ciclo. Hay intérpretes que optan por lo contrario: creo que Rousset cambia de instrumento para cada libro. Son cuestiones que hay que resolver antes de empezar el proyecto. ¿Y por qué este clave? En mi opinión es uno de los mejores que hay en España, y siendo mío, yo estudio en él y grabo en él, por lo que todo son ventajas. Es el instrumento que voy a llevar a Sevilla para hacer Rameau.

–Las Piezas de clave en concierto, una obra que conoce bien, porque ha grabado. Aunque es de cámara, en el fondo está escrita para clave…

–Cada uno de los cinco conciertos incluye una pieza de clave solo, que luego se hacen camerísticas. Pero para este recital he quitado las piezas de clave solo, menos una. No me parecía elegante terminar tocando yo solo. Toco La Livri en el Concierto 1, porque está en medio. Pero las otras cierran cada uno de los conciertos y por eso no las haré. En un disco sí se hace, pero en el concierto he preferido no hacerlo, porque además lo alargaría mucho.

–Dedica el disco a Eduardo Torrico, fallecido el año pasado…

–Una persona entrañable. Acabé teniendo una gran amistad con él, y qué mejor qué dedicarle un disco de música francesa, que tanto le gustaba. Él fue uno de los que me incitó a grabar todo Couperin.

[Diario de Sevilla. 17-03-2024]

EL CD EN SPOTIFY

[marcoslohle]

“Allá, en mi patria, vive el general que ordenó el asesinato de Elisabeth. El general ha tratado una y otra vez de lavarse las manos y siempre queda el agua roja y cada vez que se lava nuevamente, más roja aparece el agua […] Me avergüenzo como argentino por el general Suarez Mason. Y no tengo otra cosa que ofrecerle a Elisabeth que mi vergüenza […]  Y el deber permanente de no dejar a verdugos ni a militares la última palabra”.

Osvaldo Bayer, Ante la tumba de Elisabeth

Su nombre está escrito a mano en imprenta en una carpeta rosa ajada y descolorida que tiene pre impreso en la tapa MINISTERIO DE RELACIONES EXTERIORES Y CULTO. La letra prolija se ocupó de incluirle la diéresis a la “a” de Käsemann. La carpeta cuenta en su interior con 88 fojas desordenadas que incluyen comunicaciones diversas: preguntas, respuestas, informes,  reclamos,  descargos entre Alemania y la Argentina que van del  4 de abril de 1977 al 2 de febrero de 1979. Todas las comunicaciones tienen como objetivo esclarecer, u ocultar, que pasó  con Elisabeth Käsemann a partir de su secuestro por miembros del ejército en la noche del 8 de marzo de 1977 cuando la llevaron a un centro clandestino de detención que funcionaba en el Regimiento I de Infantería Patricios de Palermo en Buenos Aires.Las 88 fojas de la carpeta rosa descolorida se encuentran dentro de una caja de cartón rotulada que pesa 12 kg -repleta de expedientes- y que requiere cierto esfuerzo para bajarla de la estantería situada en el  tercer piso del edificio del Archivo, especialmente construido, en 1950, para guardar documentación oficial, en la Terminal 5 de Puerto Nuevo en Buenos Aires.  

La primera hoja de la carpeta es una nota del 4 de abril de 1977 en la que la Embajada de la República Federal de Alemania presenta sus atentos saludos e informa que sabiendo que la ciudadana alemana Elisabeth Käsemann ha sido detenida solicita poder visitarla, de acuerdo lo que establece el Art. 36 de la Convención de Viena sobre Relaciones Consulares. Esa nota no tiene respuesta.

El relato de Diana.

Diana Austin contó a Amnesty International que ella y Elisabeth eran amigas. Se encontraron en la noche del martes 8 de marzo y quedaron en volver a verse al día siguiente en su departamento. Ambas eran militantes políticas con trabajo social.  En aquellos días se habían especializado en falsificar documentos para conseguir la salida del país de sus compañeros buscados por las fuerzas de la represión. Al día siguiente Elisabeth no fue a su casa y Diana comenzó a preocuparse. Igual prefirió hacer una vida normal y permaneció en su departamento.  

El sábado siguiente a las 2 de la madrugada volteó la puerta un grupo enfurecido de civiles armados -que usaban botas militares- y luego de romper los muebles buscando pruebas incriminatorias -que no encontraron- la llevaron al mismo lugar en el que se encontraba secuestrada Elisabeth y comenzaron a torturarla durante 14 horas seguidas. Al día siguiente la llevaron a su departamento y cuatro militares se instalaron allí durante  dos días y dos noches a la espera de que llegara algún compañero/a de ellas, lo cual no sucedió. Finalmente la mantuvieron vigilada durante dos semanas, con su teléfono intervenido, hasta que le permitieron salir del país. En esos días pudo comunicarse con el padre de Elisabeth que se encontraba en España y anticiparle lo ocurrido.

El 3 de abril Diana pudo llegar en avión a Lima, Perú y entrevistar inmediatamente a un abogado, amigo del Sr. Käsemann, a quién le contó en detalle lo que les  había pasado, especialmente que Elisabeth estaba viva, secuestrada en el Regimiento I de Palermo. Al día siguiente el lunes 4 de abril la Embajada de Alemania en Buenos Aires presentó la carta -que nunca tuvo respuesta- que se encuentra en la carpeta rosa ajada, con el sello de recibido de la Cancillería argentina, en la cual piden visitar a Elisabeth en su lugar de detención.

La presión de familiares, las iglesias, parlamentarios y periodistas de  Alemania.

Los cables secretos que emite el embajador Ruiz Guiñazú, jefe de misión de la embajada argentina en Bonn, reflejan una fuerte presión hacia las autoridades argentinas. Presión visible en las acciones que se llevan adelante en el parlamento alemán y en el tenor acusatorio de las publicaciones de los medios de prensa. Circula la versión que contó Diana sobre la detención de Elisabeth, que la Cancillería argentina niega sistemáticamente emitiendo comunicaciones oficiales en las que afirma que nunca fue detenida.

El padre de Elisabeth, un prestigioso profesor universitario de Teología que fue integrante de la resistencia antinazi, lleva adelante una acción de denuncia que se hace sentir. Sin embargo, la Cancillería alemana y su embajada en Buenos Aires no creen que el relato de Diana sea suficiente prueba como para exigirle a Videla que libere a Elisabeth.

A medida que pasan las semanas se va buscando una respuesta para darle al gobierno alemán. Son comunicaciones formales que se inician en la Cancillería argentina y van al Ministerio del Interior, y de allí hasta el jefe del Estado Mayor del Ejército. Ese circuito de mensajes entre instituciones legales del Estado argentino se superpone con comunicados cuyo contenido está siendo elaborado en los mismos centros clandestinos de detención donde está alojada Elisabeth Käsemann.  

La carpeta rosa ajada refleja, en la forma y el contenido de sus comunicaciones, la presencia y el accionar de unidades organizativas criminales del Estado, actuando en coordinación con  instituciones legales del Estado argentino.

Comunicados oficiales de la Zona 1 de Ejército son tipeados en papel sin membretar con información obtenida bajo tortura y/o inventada y son incorporados al expediente. Esa  información se constata inmediatamente transcripta en comunicaciones oficiales membretadas del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y/o  en  cables cifrados secretos, que generan en las representaciones en el exterior nuevas comunicaciones oficiales de contenido falso. Un ejemplo fidedigno, visible, sobre la articulación el accionar del terrorismo de Estado durante la dictadura militar. Una muestra que resulta un caso de estudio para investigadores, periodistas y para la formación de los aspirantes a ingresar al Instituto del Servicio Exterior de la Nación (ISEN).  

La más singular de las comunicaciones -y conmovedora por la verdad que intenta ocultar-  es la que realiza el coronel Pedro José Canevaro, que prestaba servicio en la jefatura de la que formaba parte el centro clandestino de detención El Vesubio. Canevaro firma en tinta azul un “Parte Circunstanciado” compuesto de 3 páginas tipeadas a máquina sin membrete  en el que señala que el mismo está “producido por el Comando Zona 1” y en el que se detallan los “antecedentes de la causante KASEMAN Isabel” desde su nacimiento el 11 de mayo de 1947 hasta el 23 de mayo de 1977 cuando “se produce un enfrentamiento en la localidad de Monte Grande (Provincia de Buenos Aires), donde mueren 16 delincuentes subversivos y se secuestra documentación y armamento. Luego de la identificación de los abatidos, se establece que uno de ellos es la mencionada Isabel Kasemann […. ].”

El llamado telefónico que pudo salvarle la vida y no llegó.

Las gestiones posteriores al asesinato de Elisabeth para recuperar el cuerpo se dan en medio de una gran conmoción de prensa en Alemania. La autopsia realizada por peritos elegidos por la familia demostró que Elisabeth fue asesinada de varios tiros por la espalda.

La magnitud de la repercusión hará que la Cancillería alemana emita semanas después un comunicado, oponiéndose “enérgicamente a la acusación de que el Ministerio y la Embajada en Buenos Aires no han hecho todo lo que estuvo a su alcance para preservar a la Sra. Käsemann de la muerte y para esclarecer su destino final.” Reconocen que estuvieron al tanto de la desaparición de Elisabeth desde el 22 de marzo. Es en esa fecha que el Sr. Käsemann fue informado por teléfono por Diana de lo que estaba sucediendo, justo el día en que la Embajada acepta que fue notificada.  

Sin embargo el primer reclamo presentado a la Cancillería argentina es del 4 de abril y lo que es peor, la carpeta rosa ajada descolorida contiene una nota -la única foliada de todo el expediente- firmada por el embajador Jorge Robbio Campos, jefe del Departamento de Europa Occidental de la Cancillería argentina, elevando recién, con fecha 3 de junio la presentación mencionada “a los efectos que estime corresponder”. Es decir se la mantuvo oculta, y sin tramitar, durante todo el tiempo que Elisabeth estuvo secuestrada, y fue elevada cuando ya había sido asesinada.  

De qué no habla el expediente.

El gobierno alemán autorizó 22 días antes del asesinato Elisabeth el envío de 6 submarinos a la Argentina por un valor de 5.370 millones de dólares actuales aproximadamente. La dictadura era el principal comprador de material bélico a Alemania de todos los países del tercer mundo.  Durante aquellos años se duplicó el importe de las exportaciones alemanas a nuestro país.

Según las actas del Ministerio de RREE con sede actualmente en Berlín, fueron 74 los detenidos-desaparecidos de nacionalidad alemana (o descendientes) entre 1976 y 1983. Indican también que, en otras  38 gestiones que realizaron la embajada y el ministerio, consiguieron que sus conciudadanos fueran liberados a través de la “diplomacia silenciosa”.

Las autoridades llevaron predominantemente la relación con la dictadura con dualidad, priorizando la relación comercial. Abundan los gestos y las quejas formales.

Un diplomático argentino relata en sus memorias que en 1977 llegó de visita a Alemania una promoción de egresados del Colegio Militar de la Nación en un avión del Ejército. La delegación estaba presidida por Reynaldo Bignone, que sería años después el último presidente de la dictadura, y que, pese a las solicitudes de atención protocolar que se realizaron con antelación, no se les permitió aterrizar en un aeropuerto militar, ni vestir uniforme durante la estadía.

El embajador Ruiz Guiñazú describe como, en el momento de mayor tensión, cuando las autoridades alemanas se hacían eco del testimonio del padre de Elisabeth que les decía desde cuándo y dónde su hija estaba detenida,  desde Buenos Aires le instruían al embajador que lo desmienta; en ese momento, en que se encontraría prácticamente sin palabras y en que sólo atinaba a relacionar a los militantes de izquierda argentinos con los integrantes de la Fracción Roja que operaba en Alemania, su interlocutor alemán en el Ministerio -remarca especialmente Guiñazú- lo despidió diciéndole: “seguimos siendo amigos”.

No hay registros de la fecha en que Elisabeth pudo haber sido trasladada desde el regimiento en Palermo hasta el centro clandestino denominado El Vesubio, ubicado en autopista Richieri y Camino de Cintura. Sí se sabe lo que contó Elena Alfaro una sobreviviente que llegó secuestrada a ese horroroso lugar el 19 de abril de 1977 y que testimonió en el Juicio a las Juntas Militares realizado en 1985.

Elena menciona especialmente haber visto allí a Elisabeth Käsemann. Contó que estaba muy herida, y muy delgada, por los tormentos que había sufrido. Y que el 23 de mayo por la noche fue trasladada junto a 15 personas más, entre los que se encontraba su propio compañero. Textualmente Elena declaró: “El traslado lo escuchamos porque era mucha gente la que salía de ahí. Los llevan a Jefatura y les cambian la ropa. Esto lo sé porque es el último día que veo a mi compañero en El Vesubio… Yo pedí a un guardia verlo, y nos permiten vernos unos 15 minutos y él me dice que les habían mirado a todos las heridas para ver si estaban curadas, las heridas de las torturas. Y que les habían medido la ropa. Los llevan esa noche a Jefatura, les dan ropa nueva y se los llevan.” Días más tarde el Comando del 1er Cuerpo de Ejército emite un comunicado en el que “informa a la población que en un enfrentamiento en la localidad de Monte Grande fueron muertos 16 delincuentes subversivos”. Clarín tituló: 16 insurgentes  sorprendidos en una reunión muertos a tiros en Monte Grande.

La familia Käsemann tuvo que luchar para que le devolvieran el cuerpo y, para conseguirlo, debió pagar 22.000 dólares. Los médicos de la familia constataron que recibió varios disparos por la espalda, uno a quemarropa. Esta denuncia sí forma parte del expediente y es la última comunicación.

De cualquier manera es difícil saber por qué las autoridades alemanas, con toda la información que disponían, no presionaron a Videla hasta conseguir la liberación de Elisabeth.

El escritor Osvaldo Bayer, que vivía en aquellos años exiliado en Alemania, escribió: “recuerdo cuando fui al cementerio a visitar la tumba de Elisabeth, una vez que sus restos fueron  trasladados a Alemania. Fui con sus padres. El dolor profundo de ellos. Mi vergüenza como argentino de que eso hubiese ocurrido en mi patria. Cada vez que se cumpla un aniversario del asesinato de ella –que figura como un “tiroteo” en los diarios de Buenos Aires–, la Embajada de la Argentina en Alemania debería depositar una corona de flores en la tumba de la joven mujer que viajó hacia nuestras tierras a ayudar a nuestras madres y niños pobres y encontró la muerte”.

https://revistamestiza.unaj.edu.ar/el-expediente-elisabeth-kasemann/

[kiro-anarka]

El músico Julio Matito, bajo y voz de los míticos Smash, grabó en 1976 un LP financiado por el PSOE, en el que se ensalzaba la lucha de clases, el socialismo y se reclamaban pistolas para acabar con la oligarquía. El 13 de julio de 1979, cuando regresaba de Barcelona a Sevilla, Julio Matito falleció en un accidente de automóvil. El día anterior había grabado un programa de Musical Express presentado por el periodista Ángel Casas, que no se quiso perder la oportunidad de grabar a Smash, uno de los grupos míticos de la psicodelia y el progresivo español que, después de años sin actuar, habían vuelto a reunirse.

El grupo sevillano se había separado en 1973 pero, a finales de los 70, Matito había contactado con Gualberto y le había propuesto reunir a la banda. Gualberto y el baterista Antonio Rodríguez aceptaron, y Smash comenzó de nuevo a ensayar, componer y actuar. El primer concierto de esta segunda época fue en un cine de verano en Huelva, cuyo escenario fue una jaima árabe; el segundo fue en la mítica sala Zeleste; y el tercero fue la actuación de Musical Express. También fue el último.

La razón por la que Matito tenía tanto interés en retomar Smash en 1979 era intentar superar una mala experiencia profesional y personal vivida unos años antes. En 1974, ya disuelto el grupo, Matito emprendió un proyecto en solitario con el que grabó un single en el sello Acción! producido por Gonzalo García-Pelayo e hizo una gira por Finlandia. Aunque se habló de que iba a grabar un disco con, nada menos que Caned Heat, al final el proyecto no salió y el músico regresó a España.

En Chipiona, Cádiz, Matito montó un chiringuito. Un negocio por el que pasaban cientos de personas, entre ellas, un joven abogado metido en política que acababa de ser elegido Secretario General de su organización y que le invitó a meterse en política y poner su talento al servicio de la lucha de los trabajadores. Julio no se lo tuvo que pensar demasiado. igual que les sucedería unos años después a más de 10.000.0000 de españoles, el artista quedó completamente convencido por ese joven líder, que no era otro que Felipe González Márquez.

De este modo, el único trabajo en solitario de larga duración grabado por Julio Matito sería un disco producido y financiado en 1976 por el Partido Socialista Obrero Español que llevaba por título ¡Salud!

Según relata el periodista Frank G. Matute, al que la información le llegó directamente de Gualberto, el disco fue grabado clandestinamente en el estudio doméstico que Josele Moreno, del grupo Los Payos, tenía en su casa de Sevilla. En la grabación, además, habría participado Gualberto tocando la guitarra.

Posteriormente, las cintas se llevaron a Alemania, donde fue prensado el vinilo, mientras que la carpeta –diseñada por Solsona/Amela– fue impresa en España, donde no se distribuyó comercialmente a consecuencia de la situación política. Solo se pudieron conseguir algunos ejemplares a través de las Casas del Pueblo que, muerto Franco, habían vuelto a abrir sus puertas.

Aunque Matito era más bien conocido como músico de rock, en ¡Salud! las composiciones son, tanto por sonido como por temática, más propias de un cantautor al uso. No obstante, y ahí el talento de Matito marca la diferencia, ¡Salud! no es el típico disco panfletario, coyuntural y oportunista. Muy al contrario. Se trata de un disco honesto, con ciertos toques de psych-folk gracias a la flauta travesera de un músico del que solo se dan sus iniciales, P.G., que, casi medio siglo después de su grabación, mantiene su dignidad mucho mejor que la organización política que lo financió.

El disco contiene nueve canciones, todas compuestas por Matito aunque, en cuatro de ellas, las letras son poemas del poeta chipionero José Miranda de Sardi, detenido en 1936 y asesinado por los fascistas por formar parte del Ayuntamiento del Frente Popular de Cádiz.

Los temas de las canciones giran en torno a los burgueses como clase opresora, las desigualdades entre Andalucía y otras regiones de España, los deseos de derrocar al dictador, la necesidad de hacer una revolución y de pistolas pues, en el disco, se deja claro que, para que esa revolución sea posible, no hay que echar mano de consenso y enjuagues sino de pistolas:

Contra el burgués insensato que quiere sin producir a costa nuestra vivir, tocaremos arrebato después, como asalta el gato, la tapada cacerola de la multitud, la ola, tomará todos los puestos y es preciso, para esto, disponer de la pistola.

Ni somos verticalistas, ni somos unos enanos ni católicos ni paganos pero somos socialistas contra los capitalistas, formamos la batahola después, que ruede la bola, pero antes de comenzar es preciso confesar, que hacen falta las pistolas.

Aunque el disco se había hecho a medida del PSOE, cuando esta organización vio que tenía posibilidades de intervenir en la política del país e incluso llegar a gobernarlo, Mattito, ¡Salud! y las canciones sobre pistolas y revoluciones proletarias comenzaron a ser incómodas. De hecho, aunque el disco incluía un texto del mismísimo Felipe González, el futuro presidente del Gobierno ya empezaba a «hablar con lengua de serpiente».

Con los colores de la bandera republicana como fondo, el escrito de González resultaba críptico, vacuo y visto con esa ventaja que da el tiempo, se podría afirmar que ya tenía en mente el abandono del marxismo que tendría lugar en el XXVIII congreso de mayo de 1979.

«El socialismo ha luchado siempre por liberar al hombre de sus cadenas socioeconómicas. De esta ruptura surgirá necesariamente un hombre nuevo: individuos que parten de sí mismos dentro de unas relaciones y condiciones históricas socialistas. »En la certeza de que ese momento no está lejos, los actuales socialistas queremos evitar la tentación idealista de quien olvida la actualidad de los medios para el cambio de la estructura socioeconómica y también la tentación cientifista de quien se niega a imaginar el hombre futuro. »Por el contrario, creemos que el nuevo hombre socialista y la nueva cultura que produzca, está ocurriendo ya dentro de la militancia de la lucha política y cultural. »Y con esta lucha, pretendemos que nos sea devuelta la producción de los objetos externos necesarios para nuestros impulsos; y ello mediante el cambio de las relaciones en que dicha producción se alinea dentro de una sociedad capitalista. »Queremos responder históricamente a lo que somos por naturaleza y cultura».

Aunque Julio Matito continuaría colaborando algún tiempo más con el PSOE y su central sindical, UGT –para la que grabó un par de temas en el casete La voz de nuestras manos–, poco a poco el artista vio de primera mano cómo funcionaba la política profesional, se desencantó y, un buen día, se hartó y abandonó la militancia orgánica.

Por eso, en 1979 Julio Matito  necesitaba volver al espíritu libertario de Smash y cambiar el Manifiesto comunista por ese otro manifiesto mágico y libertario que fue el Manifiesto de lo borde y que, según se cuenta, fue escrito por Gonzalo García-Pelayo y el propio Julio Matito.

MANIFIESTO DE LO BORDE

Cosmogonía de la estética de lo borde:

Hombres de las praderas (Dylan, Hendrix, Jagger…). Hombres de las montañas (Manson, Hitler…). Hombres de las cuevas lúgubres (funcionarios). Hombres de las cuevas suntuosas (presidentes de consejos de administración, grandes mercaderes).

– Los hombres de las praderas son los únicos que están en el rollo y que han salido del huevo. Sus carnets de identidad son sus caritas. – Los hombres de las montañas se enrollan por el palo de la violencia y la marcha física. – Los hombres de las cuevas lúgubres se enrollan por el palo del dogma y te suelen dar la vara chunga. – Los hombres de las cuevas suntuosas se enrollan por el palo del dinero y del roneo. – No se puede hacer música en las cuevas del infortunio; hay que abrirse hacia las praderas. – Las relaciones hombre de las praderas-mercader de las cuevas suntuosas son siempre de sado-masoquismo. – Solo se puede vivir tortilleando.

I. No se trata de hacer «flamenco-pop» ni «blues aflamencado», sino de corromperse por derecho.

II. Sólo puede uno corromperse por el palo de la belleza.

III. Imagínate a Bob Dylan en un cuarto, con una botella de Tío Pepe, Diego el del Gastor, a la guitarra, y la Fernanda y la Bernarda de Utrera haciendo el compás, y dile: canta ahora tus canciones. ¿Qué le entraría a Dylan por ese cuerpecito? Pues lo mismo que a Manuel [Molina] cuando empieza a cantar por bulerías con sonido eléctrico:

Aunque digan lo contrario, yo sé bien que esto es la guerra, puñalaítas de muerte me darían si pudieran.

[wiccareencarnada]

Profecías cumplidas de Juan XXIII A continuación, una de las profecías atribuidas a Angelo Roncalli, según aparecen en el libro “Las Profecías de Juan XXIII” por Pier Carpi de 1976, publicada por Ediciones Martinez Roca (Barcelona, España), y dice así: "La tierra de los ángeles llora y su caudillo va a cometer una traición. Un día se conocerán otras cartas, cuando se descubra el secreto del amigo del hijo de la Bestia, que volará de noche hacia la tierra de los ángeles." Cuando Juan XXIII hablaba de la tierra de los Ángeles se refería a Inglaterra y las famosas cartas resultaron ser, con el tiempo Los Documentos de los Archivos Nacionales de Kew, que prueban que en 1953 Wiston Churchill pidió al general Dwigh Eisenhower, el presidente estadounidense, y al Gobierno francés que no se divulgasen unos telegramas incautados a los nazis en los que se recogía una conspiración para reponer a Eduardo VIII en el trono una vez que los alemanes tomasen Gran Bretaña. Los telegramas alemanes que recogen todas esas intrigas acabaron en manos de los aliados cuando conquistaron Berlín. En 1953 decidieron publicarlos en el marco de un trabajo académico, lo que llevó a Churchill a escribir a Eisenhower tratando de evitarlo. En agosto de 1953, Churchill mostró a su gabinete, con sello de «top secret», los documentos sobre el asunto y pidió que no se hiciesen públicos «al menos en diez o veinte años». El perfil nazi de Eduardo es un fantasma en el armario para los ingleses. Retornó de las tinieblas cuando The Sun” aireó una película doméstica de 17 segundos rodada en 1933, en que la Reina Isabel II, entonces de siete años, su madre y su tío hacen el saludo nazi en sus posesiones escocesas de Balmoral. En sus memorias tras la guerra, reconoció que había admirado a Hitler, pero negó ser nazi y lo tildó de «figura ridícula y teatral». Pero cuesta pasar por encima de la frase que dijo en una entrevista en plena guerra con el periodista estadounidense Fulton Oestler, donde dijo que Churchill lo había alejado por las sospechas de traición: «Sería trágico para el mundo que Hitler fuese derrocado. Hitler es el líder correcto y lógico para la gente de Alemania. Es un gran hombre». https://www.instagram.com/p/CBZTj2TJkro/?igshid=uzxhyj3ycr5k

[culturizando]

#UnDíaComoHoy: 24 de septiembre en la historia

El 24 de septiembre es el día 267.º día del año. Quedan 98 días para finalizar el año. Estos son algunos de los eventos más destacados que ocurrieron un día como hoy 24 de septiembre.

-1493: Cristóbal Colón comienza su segunda expedición a América.

-1725: nace Arthur Guinness, un importante cervecero y el fundador de la compañía Guinness, bautizada como Arthur Guinness s St. James s Gate Brewery (empresa que recolecta las estadísticas acerca de plusmarcas mundiales.) Entre 1797 y 1799 expandió su negocio cervecero de forma notable. A partir de entonces elaboró sólo cerveza tipo porter (cerveza oscura), empleando a miembros de la familia Purser, que ya habían trabajado anteriormente en este tipo de cerveza en Londres en los años 1770. La familia Purser pasó a ser socia de la cervecera durante gran parte del siglo XIX. A la muerte de Arthur Guinnes en 1803, la producción anual de cerveza de su empresa era de 20,000 barriles.

-1783: Inglaterra reconoce la independencia de Estados Unidos.

-1789: en Estados Unidos el Congreso crea la Oficina de Correos.

-1869: en Estados Unidos sucede el Viernes Negro: especulaciones sobre el precio del oro causan el pánico en Wall Street.

-1870: nació Georges Claude, químico y físico francés, inventor de la luz de neón. Alrededor de 1902 fue el primero en aplicar una descarga eléctrica en un tubo sellado y con gas neón con la idea de crear una lámpara. Inspirado en parte por la invención de Daniel McFarlan Moore, la lámpara de Moore, Claude inventó la lámpara de neón mediante la descarga eléctrica de un gas inerte comprobando que el brillo era considerable. Es considerado el Thomas Edison de Francia. En Cuba, en 1930, gracias a la idea de Arsène d’Arsonval (1851-1940), construyó el primer proyecto de utilización de energía maremotérmica basado en el gradiente térmico oceánico.

-1896: nace Francis Scott Fitzgerald, escritor estadounidense. Su obra es el reflejo, desde una elevada óptica literaria, de los problemas de la juventud de su país en los años que siguieron a la Primera Guerra Mundial. En sus novelas expresa el desencanto de los privilegiados jóvenes de su generación que arrastraban su lasitud entre el jazz y la ginebra (A este lado del paraíso, 1920), en Europa en la Costa Azul (Suave es la noche, 1934), o en el fascinante decorado de las ciudades estadounidenses (El gran Gatsby, 1925). Su extraordinaria “Suave es la noche”, narra el ascenso y caída de Dick Diver, un joven psicoanalista, condicionado por Nicole, su mujer y su paciente. El eco doloroso de la hospitalización de su propia mujer, Zelda, diagnosticada esquizofrénica en 1932, fue manifiesto. Este libro definió el tono más denso y sombrío de su obra, perceptible en muchos escritos autobiográficos finales.

-1936: nace Jim Henson, productor y cineasta estadounidense, creador de los Muppets (m. 1990). James Maury Henson nació el 24 de septiembre de 1936 y falleció el 16 de mayo de 1990, fue uno de los más importantes artistas de marionetas en la historia de la televisión. Realizó varios largometrajes de animación de marionetas y fue un prominente productor televisivo durante los años 70. Para desarrollar sus proyectos fundó diferentes compañías The Jim Henson Company, the Jim Henson Foundation, y la Jim Henson s Creature Shop. Henson es especialmente recordado por ser el creador, en 1964, de los muppets o teleñecos, como se les conoce en España, un tipo de marionetas de tela dotadas de gran movilidad, y el líder creativo del equipo detrás de su éxito prolongado a lo largo de varias décadas. Henson consiguió crear un conjunto interesante de personajes desarrollando ideas novedosas con un sentido del ritmo y el humor que conectó con una audiencia tanto infantil como de adultos. Sus obras se recuerdan en parte por promover valores positivos en la infancia como la amistad, magia o el amor, temas que aparecían en la mayor parte de sus obras. El show de los muppets o teleñecos (The muppet show, 1976-1981) protagonizado por la rana Kermit (Gustavo o René) y la cerdita Piggy (Miss Peggy) junto a personas reales, se ha visto en más de cien países.

-1941: nace Linda McCartney, fotógrafa y cantautora estadounidense, esposa de Paul McCartney.

-1948: nace Phil Hartman, actor y comediante canadiense (m. 1998). En 1986, Hartman se unió al reparto del popular programa de variedades de la NBC, Saturday Night Live y permaneció durante ocho temporadas, lo que fue un récord en esa época. También fue famosos por prestar su voz a Troy McClure y a Lionel Hutz en la serie animada The Simpson, personajes que fueron retirados tras su trágica muerte. El 28 de mayo de 1998, Hartman fue asesinado mientras dormía, por su esposa Brynn Omdahl en su hogar de Encino, Condado de Los Ángeles (California). Omdahl entró a su habitación con un revólver y lo hirió fatalmente disparándole múltiples veces. Hartman tenía 49 años.

-1957: en Barcelona, (España), se inaugura el Camp Nou, estadio del Fútbol Club Barcelona.

-1984: en Oregón, EE.UU., miembros de la secta Osho contaminan con salmonella las barras de ensaladas de 10 restaurantes. El atentado fue realizado por la cúpula de un grupo de seguidores de Osho (conocido en esa época como Bhagwán Sri Rajnísh) que esperaban incapacitar a la población de votantes de la ciudad para que sus propios candidatos ganaran las elecciones del condado de Wasco en 1984. El incidente fue el primer ataque bioterrorista, y el de mayor envergadura, de la historia de los Estados Unidos hasta el momento. El ataque es uno de los dos únicos casos de terrorismo con armas biológicas con intención de dañar a seres humanos. Como resultado del ataque, 751 personas contrajeron la salmonelosis; 45 de ellas fueron hospitalizadas. No hubo víctimas mortales. A pesar de que en las primeras investigaciones del Departamento de Servicios Humanos de Oregón y los Centros para el Control y Prevención de Enfermedades no se descartó la idea de una contaminación deliberada, no se descubrió la fuente real de la contaminación hasta un año después. Dos de los principales administradores de la comuna fueron procesados y condenados a 29 meses de reclusión en una prisión federal de mínima seguridad.

-1988: en los Juegos Olímpicos de Seúl, el canadiense Ben Johnson gana la carrera de 100 metros, estableciendo un récord mundial (9,79 s).

-1990: en Rusia, el Soviet Supremo aprueba el cambio de la economía al libre mercado.

-1990: se publica el disco Rust In Peace de la banda Megadeth. Rust in Peace es el cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense de thrash metal Megadeth. El álbum fue lanzado por Capitol Records en 1990, consiguiendo ser uno de los discos de thrash metal mas vendidos, consiguiendo vender más de 5 millones de discos solo en estados unidos. Una versión remixada y remasterizada, con varios bonus tracks, fue lanzada en el 2004. Para muchos fans es el mejor disco de Megadeth, y a menudo es considerado como uno mejores discos del thrash metal junto a Master of Puppets de Metallica, Among the Living de Anthrax y Reign in Blood de Slayer. Es el primer disco de Megadeth con la formación más exitosa de la banda (Mustaine / Ellefson / Menza / Friedman).

-1991: muere Theodor Seuss Geisel fue un escritor y caricaturista estadounidense, más extensamente conocido por sus libros infantiles escritos bajo su seudónimo, Dr. Seuss. Publicó más de 60 libros para niños, que a menudo se caracterizan por sus personajes imaginativos, rimas y el uso frecuente del contador de trisílabas. Dr. Seuss escribió libros tan populares como Hop on Pop, ¡Cómo el Grinch robó la Navidad!, El Lorax y El gato en el sombrero o ensombrerado. Usando cuentos e imágenes surrealistas, las obras de Seuss despiertan la imaginación de los lectores a la vez que tratan temas esenciales como el deterioro del medio ambiente o la adquisición de la propia identidad. El constante juego de palabras convierte sus textos en obras casi intraducibles. En el año 1984 recibió una mención especial del premio Pulitzer, por su contribución a la literatura infantil.

-1991: se publica el disco Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers. Blood Sugar Sex Magik es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense de rock alternativo Red Hot Chili Peppers, lanzado el 24 de septiembre de 1991. Producido por Rick Rubin, fue la primera grabación de la banda lanzada por Warner Bros. Records. Blood Sugar Sex Magik vendió más de siete millones de copias sólo en los Estados Unidos e introdujo a los Chili Peppers a la popularidad mainstream y la aclamación crítica. Blood Sugar Sex Magik produjo varios sencillos de la banda, entre los cuales se incluyen “Give It Away”, “Under the Bridge”, “Sir Psycho Sexy”, “Suck My Kiss” y “Breaking the Girl”. La grabación también marcó la salida del guitarrista John Frusciante en 1992, durante el tour de la banda, hasta su regreso en 1998. Blood Sugar Sex Magik fue elogiado como el fundador del rock alternativo en los años 1990.

-1991:  se publica otro de los más representativos discos de los 90s: Nevermind, de la banda Nirvana. Nevermind es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense Nirvana, publicado el 24 de septiembre de 1991. Producido por Butch Vig, Nevermind fue el primer lanzamiento de la banda con DGC Records. El líder de la agrupación, Kurt Cobain, trató de hacer música fuera de los límites restrictivos de la escena grunge de Seattle, aprovechando la influencia de grupos como los Pixies y su uso de la dinámica de canciones ruidosas y calmadas. Pese a las escasas esperanzas comerciales por parte de la banda y del sello discográfico, Nevermind se convirtió en un sorprendente éxito a finales de 1991, en gran parte debido a su primer sencillo, “Smells Like Teen Spirit”. En enero de 1992 había desbancado al álbum de Michael Jackson Dangerous del número uno del Billboard. La RIAA certificó el álbum diez veces platino (10 millones de copias vendidas). Nevermind fue el responsable de dar a conocer el rock alternativo al gran público y la crítica lo calificó como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Ha vendido 30 millones de copias en todo el mundo.

-2007: en Estados Unidos, se emite el primer capítulo de la serie The Big Bang Theory.

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Diseñadoras gráficas feministas S.XX

Lyn Chevli HISTORIETISTA / GUIONISTA /  ILUSTRADORA / AUTORA / DIBUJANTE Nació el 24-12-1931, MILFORD, NEW HAVEN CONNECTICUT · Estados Unidos Murio el 8-10-2016, LAGUNA BEACH, ORANGE · CALIFORNIA  Estados Unidos Firmas: LYN CHEVLI, LYN CHEVELY, CHIN LYVELY Lyn Chevli fue una pionera en comix underground como creadora y editora del primer cómic feminista Tits & Clits, junto con Joyce Farmer. Chevli nació en 1931 como Marilyn Keith en Connecticut, pero más tarde fue conocida principalmente por su nombre de casada, Lyn Chevli. También ha trabajado bajo el seudónimo de Chin Lyvely, y a menudo se la conoce como Lyn Chevely, aunque ella nunca ha utilizado esta ortografía alternativa de su nombre. Chevli se graduó cen arte e inicialmente se dedicó a la orfebrería y a la escultura. Se mudó a California a principios de la década de 1960 y, con su entonces esposo Dennis Madison, dirigió la librería Fahrenheit 451 Books en Laguna Beach desde 1968 hasta 1972. La tienda regularmente se metía en batallas legales con la Ciudad de Laguna Beach por vender literatura obscena, incluyendo el comix underground de Robert Crumb. La naturaleza anárquica del comix underground la inspiró a crear libros similares, pero desde un punto de vista feminista. Se asoció con la artista local Joyce Farmer, con quien comenzó Nanny Goat Productions. El primer número de Tits & Clits llegó a las librerías en julio de 1972. Fue el primero en su género, seguido después de unas semanas por Wimmen’s Comix. Chevli y Farmer también fueron activos como consejeros de embarazo en la Clínica Gratuita de Laguna. Este trabajo los inspiró para la creación de Abortion Eve (1973), un cómic educativo sobre los aspectos médicos de un aborto y el estrés emocional de un embarazo no deseado. La publicación de Tits & Clits fue my controvertida. Su título, bastante audaz, impidió su publicación en las principales revistas. Los autores también fueron acusados de publicar y distribuir pornografía. Su segundo cómic fue publicado bajo el título Pandoras Box Comix, aunque Tits & Clits regresó en 1976. Se publicaron un total de siete números hasta 1987. Los dos primeros números fueron creados únicamente por Chevli y Farmer. Desde el tercer número, se unieron otros autores, como Dot Bucher, Roberta Gregory, Ruth Lynn, Trina Robbins, Shelby Sampson, Chris Powers, Jennifer Malik, Michelle Jurris, Paula Gray, Miriam Flambe, Rocky Trout, Terry Richards, Beverly Hilliard y Sharon Rudahl. Chevli abandonó su actividad como dibujante a partir del tercer número  y se concentró en escribir y editar. A partir de la década de 1980, Chevli fue principalmente activa como escritor. Hizo su debut con Alida (1981), un libro erótico para mujeres. También escribió para The Blade, una revista local para la comunidad gay. Lynn Chevli falleció el 8 de octubre de 2016, a la edad de 84 años.

Maria Aurèlia Capmany i Farnés GUIONISTA / ESCRITORA Nació el 3-8-1918, BARCELONA, BARCELONA CATALUÑA · España Murió el 2-10-1991, BARCELONA, BARCELONA · CATALUÑA  España Firmas: MARIA AURÈLIA CAPMANY Novelista, dramaturga y ensayista catalana, que fue también una destacada feminista, activista cultural y antifranquista. Era hija de Aureli Capmany i Farrés (Barcelona, 1868-1954), primer editor del periódico para la infancia En Patufet. Nieta del intelectual Sebastià Farnés, autor de la Paremiologia catalana comparada, e hija de Aureli Capmany, folclorista y colaborador en revistas infantiles, pasó su juventud en el piso de la familia junto a la Rambla de Barcelona. Estudió en el Instituto-Escuela de la Generalidad y se licenció en Filosofía en la Universidad de Barcelona de la posguerra.​ Practicó la docencia durante las décadas de 1940 y 1950 en el Instituto Albéniz de Badalona y en la Escuela Isabel de Villena de Barcelona. También trabajó grabando vidrio, oficio aprendido en su época de universitaria.​ Con su primera novela Necessitem morir (publicada en 1952) quedó finalista del premio Joanot Martorell de 1947, premio que ganó al año siguiente con El cel no és transparent. Su prestigio como narradora le llegó con novelas como Betúlia, El gust de la pols y Un lloc entre els morts, esta última premio Sant Jordi de 1968. En 1981 recibió el Premio Ramon Fuster, otorgado por el Colegio Oficial de Doctores y Licenciados en Filosofía y Letras y en Ciencias de Cataluña,3​ y en 1983 ganó el Premio Crítica Serra d’Or de Literatura Infantil y Juvenil con el El malefici de la reina d’Hongria. Fue una de las escritoras catalanas más polifacéticas, ya que además de la narrativa se dedicó a la traducción y cultivó el teatro, el ensayo y otros géneros literarios. Marina Rossell pondría música a sus letras en canciones como Soc una dona, El penjat, Cançó del lladre, El jutge, etc. En el campo de la dramaturgia, fundó (1959) junto a Ricard Salvat la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual. Ejerció de profesora, de actriz y de directora. Además, estrenó obras propias, como Preguntes i respostes sobre la vida i la mort de Francesc Layret, advocat dels obrers de Catalunya; Layret fue un destacado abogado de los obreros de Cataluña que murió asesinado en 1920. Como ensayista sobresale por sus obras sobre la situación de la mujer, sobre todo con La dona a Catalunya: consciència i situació, de 1966. También dedicó numerosos artículos a diversos aspectos de la cultura y de la sociedad catalana. Así mismo, destacan sus libros de memorias Pedra de toc (1 y 2), Mala memòria, y Això era i no era. Participó e intervino en el “Míting de la Llibertat” (22 de junio de 1976) y en el proceso constituyente del Partit Socialista de Catalunya-Congrés (noviembre de 1976). Fue regidora y responsable de las áreas de Cultura y de Ediciones en el Ayuntamiento de Barcelona durante las primeras legislaturas por el Partido de los Socialistas de Cataluña (PSC), y miembro de la Diputación de Barcelona desde el 1983 hasta a su muerte​ Fue también miembro de la Asociación de Escritores en Lengua Catalana, y presidenta del Centro Català del Pen Club.

Núria Vilaplana Buixons DIBUJANTE / GUIONISTA / HUMORISTA GRÁFICA / PERIODISTA Nació el 2-5-1931, BARCELONA, BARCELONA CATALUÑA · España Murió el 25-12-2016, BARCELONA, BARCELONA · CATALUÑA  España Firmas: NÚRIA POMPEIA, NURIA Nuria Pompeia nació en Barcelona, en 1931. Periodista, escritora, guionista y dibujante, tras cursar estudios de arte en la Escola Massana de Barcelona publica sus primeras historietas en Oriflama. Sus dibujos tienen una clara intención crítica contra su propia clase social, la burguesía, y contra el machismo imperante en la época. Publicó novelas, relatos y libros de humor gráfico. Como historietista colaboró en diferentes diarios y revistas nacionales y extranjeros, como Clij, Cuadernos de pedagogía, Diari de Barcelona, Dúnia, El Món, L’Hora, Oriflama, Sábado gráfico, Por favor (en la cual fue redactora jefe), Charlie Hebdo, Triunfo y Vindicación Feminista, entre otras. Creó series como ‘La Educación de Palmira’, con textos de Manuel Vázquez Montalbán bajo el pseudónimo de “Manolo V el Empecinado”, ‘Las Liberadas’ (Cuadernos para el Diálogo, 1976) y ‘Ramoneta’ (El Món, 1981). Fue redactora jefe de las revistas Por favor y Saber. Como periodista también publicó crónicas culturales en La Vanguardia, trabajó para televisión como guionista y también como directora del programa Quart Creixent de la TVE de Catalunya, en 1984. En 2000 recibió la Medalla de Oro de la Ciudad de Barcelona al mérito artístico. En 2003, la Rosa del Desierto, premio a la trayectoria profesional otorgado  por la Asociación de Mujeres Periodistas de Catalunya. En 2007, la Cruz de San Jordi, y en 2013 el Premio AAC de la Asociación de Autoras de Cómic. Historieta / humor gráfico: - Maternasis (Editorial Kairós, 1967) - Y fueron felices comiendo perdices (Editorial Kairós, 1970) - Pels segles dels segles (Edicions 62, 1971) - La educación de Palmira (Editorial Andorra, 1972) - Mujercitas (Editorial Kairós, 1975) - Cambios y recambios (Editorial Anagrama, 1983) Narrativa: - Cinc cèntims (Una dotzena de contes) (Edicions 62, 1981) - Inventari de l’últim dia (Edicions 62, 1986) - Mals endreços (Columna Edicions, 1998)

Trina Robbins HISTORIETISTA / GUIONISTA / TEÓRICA / ILUSTRADORA / AUTORA / DIBUJANTE / ENTINTADORA Nació el 1938  · Estados Unidos Firmas: TRINA ROBBINS Autora e historiadora del cómic, una de las fundadoras del underground en Estados Unidos y la más importante teórica de la figura de la mujer en los cómics americanos. Trina Robbins, nacida en 1938, comenzó su trayectoria en los cómics en el corazón del underground. Contribuyó con historietas, ilustraciones y otros trabajos en el título que se considera fundador del movimiento, LA Free Press (en 1965), y luego en uno de los títulos fundamentales para entender la corriente en 1969, East Village Other. Para esta publicación que iba a la contra de todo creó la heroína Suzie Slumgodess, activista al mismo tiempo que modelo, con la que ironizó sobre el papel de las chicas como símbolos de liberación (masculinos) durante los sesenta y los setenta. Posteriormente, Robbins participó con Art Spiegelman en algunos proyectos, colaboró en la creación del personaje Vampirella en 1969 (dando indicaciones por teléfono a Frank Frazetta y desconociendo su carnalidad y uso posterior como icono sexual) y luego siguió publicando historietas en sellos ligados al mercado underground en los setenta, como Last Gasp, Renegade Press, Nanny Goat Productions, California Comics, Hassle Free Press u otros como Kitchen Sink y Eclipse Comics antes de convertirse en competidores con las grandes estadounidenses. En 1970 puso en pie el primer comic book íntegramente protagonizado por mujeres, It Ain’t Me, Babe, y en 1972 fundó el primer colectivo integrado por autoras, el Wimmen’s Comix Collective, que destacó por mantener en el mercado durante años una antología en la que publicaban exclusivamente mujeres, Wimmen’s Comix. Desde entonces y hasta hoy no ha dejado de dibujar historietas, recibiendo varios premios por ello (Inkpot en San Diego, NOW, SFMA, Haxtur en España), y de las que destacaríamos: Dope, de 1981, adaptación de una novela de Sax Rohmer; Misty, de 1985; sus guiones para Wonder Woman en 1986, o sus participaciones en Gay Comix desde 1985. Fue memorable su trabajo como editora en el lanzamiento Strips AIDS USA: A Collection of Cartoon Art to Benefit People With AIDS, de 1988. Su labor en ayuda de los afectados por el sida no cesó ahí, e inició otros activismos, como lo fue War News en 1991, un cómic lanzado para protestar por la intervención de su país en la Guerra del Golfo. En los noventa volvió a escribir guiones de tebeos de mujeres, como Wonder Woman: The Once and Futury Story (1998), GoGirl para Image en 2000, The Phantom Chronicles en 2007 o Honey West en 2010. También ha sido ilustradora de libros para niños, ilustradora publicitaria y de modelos para recortables, y una activista incansable de los derechos de las mujeres sobre todo en el seno de la industria de los cómics. De hecho, en 1994 creó Friends of Lulu, una asociación sin ánimo de lucro para orientar a las chicas en su entrada en el mercado de los cómics. Si bien sus historietas o sus ediciones no han sido muy conocidas en otras latitudes, su labor como teórica ha traspasado fronteras y ha sido muy reconocida, incluso en otros países. En 1985, junto con Catheryne Ironwode, publicó el primer libro que se preocupaba por estudiar la labor de las autoras de cómic, Women and the Comics, donde ya tocaba algunos puntos relativos a su segregación en el seno de la industria. Prosiguió con esta idea en el libro de 1993 A Century of Women Cartoonists, más ambicioso dado que prospectaba hacia el pasado en busca de todas las autoras que habían trabajado produciendo historietas en los EE UU. En 1996 puso la guinda a este trabajo con The Great Women Super Heroes, un trabajo excepcional centrado en la evolución de las chicas superheroicas, que dejaba a las claras el papel subordinado de las damas en este tipo de historietas, o su rol ligado al tradicional concepto de mujer de la sociedad patriarcal o, por el contrario, a satisfacer los deseos libidinosos de los adolescentes (denominaba irónicamente a las superheroínas de los noventa “fugitivas de Penthouse”). Ha seguido trabajando en esta línea teórica en libros recientes, de carácter más divulgativo y enciclopédico: From Girls to Grrrlz: A History of Women’s Comics from Teens to Zines (1999), The Great Women Cartoonists (2001) o Tender Murderers: Women Who Kill (2003), entre otros. Vive actualmente en San Francisco.

Lyn Chevli HISTORIETISTA / GUIONISTA /  ILUSTRADORA / AUTORA / DIBUJANTE Nació el 24-12-1931, MILFORD, NEW HAVEN CONNECTICUT · Estados Unidos Murio el 8-10-2016, LAGUNA BEACH, ORANGE · CALIFORNIA  Estados Unidos Firmas: LYN CHEVLI, LYN CHEVELY, CHIN LYVELY Lyn Chevli fue una pionera en comix underground como creadora y editora del primer cómic feminista Tits & Clits, junto con Joyce Farmer. Chevli nació en 1931 como Marilyn Keith en Connecticut, pero más tarde fue conocida principalmente por su nombre de casada, Lyn Chevli. También ha trabajado bajo el seudónimo de Chin Lyvely, y a menudo se la conoce como Lyn Chevely, aunque ella nunca ha utilizado esta ortografía alternativa de su nombre. Chevli se graduó cen arte e inicialmente se dedicó a la orfebrería y a la escultura. Se mudó a California a principios de la década de 1960 y, con su entonces esposo Dennis Madison, dirigió la librería Fahrenheit 451 Books en Laguna Beach desde 1968 hasta 1972. La tienda regularmente se metía en batallas legales con la Ciudad de Laguna Beach por vender literatura obscena, incluyendo el comix underground de Robert Crumb. La naturaleza anárquica del comix underground la inspiró a crear libros similares, pero desde un punto de vista feminista. Se asoció con la artista local Joyce Farmer, con quien comenzó Nanny Goat Productions. El primer número de Tits & Clits llegó a las librerías en julio de 1972. Fue el primero en su género, seguido después de unas semanas por Wimmen’s Comix. Chevli y Farmer también fueron activos como consejeros de embarazo en la Clínica Gratuita de Laguna. Este trabajo los inspiró para la creación de Abortion Eve (1973), un cómic educativo sobre los aspectos médicos de un aborto y el estrés emocional de un embarazo no deseado. La publicación de Tits & Clits fue my controvertida. Su título, bastante audaz, impidió su publicación en las principales revistas. Los autores también fueron acusados de publicar y distribuir pornografía. Su segundo cómic fue publicado bajo el título Pandoras Box Comix, aunque Tits & Clits regresó en 1976. Se publicaron un total de siete números hasta 1987. Los dos primeros números fueron creados únicamente por Chevli y Farmer. Desde el tercer número, se unieron otros autores, como Dot Bucher, Roberta Gregory, Ruth Lynn, Trina Robbins, Shelby Sampson, Chris Powers, Jennifer Malik, Michelle Jurris, Paula Gray, Miriam Flambe, Rocky Trout, Terry Richards, Beverly Hilliard y Sharon Rudahl. Chevli abandonó su actividad como dibujante a partir del tercer número  y se concentró en escribir y editar. A partir de la década de 1980, Chevli fue principalmente activa como escritor. Hizo su debut con Alida (1981), un libro erótico para mujeres. También escribió para The Blade, una revista local para la comunidad gay. Lynn Chevli falleció el 8 de octubre de 2016, a la edad de 84 años.

Sheila Levrant de Bretteville DISEÑADORA GRÁFICA / PROFESORA / ILUSTRADORA/ EMPRENDEDORA Nació el 1940 Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos Firmas: Bretteville Es licenciada por el Barnard College y la Universidad de Yale y ha recibido doctorados honorarios del Instituto de las Artes de California (CalArts), la Moore College of Art y la California College of the Arts. En 1971, de Bretteville fundó el primer programa de diseño para mujeres en el Instituto de Artes de California, y dos años más tarde cofundó el Edificio de Mujeres, un centro público en Los Ángeles dedicado a la educación y cultura de las mujeres. En 1973, de Bretteville fundó el Centro de Gráficos para Mujeres y cofundó el Taller de Estudio Feminista (junto con Judy Chicago y Arlene Raven), ambas con sede en el Edificio de Mujeres. Ella diseñó un collar de un perno de ojo en una cadena, destinado a representar “fuerza sin un puño”; ella le dio la primera de ellas a Arlene Raven y Judy Chicago cuando iniciaron el Taller de Estudio Feminista en 1972. Desde entonces las ha entregado a otras mujeres con quienes comparte una visión de la creación de la cultura de la mujer. Los miembros del Taller de Estudio Feminista de 1978–79 también hicieron 500 de estos collares para celebrar el quinto aniversario del Edificio de Mujeres en Los Ángeles. El grupo de arte feminista Sisters of Jam (Mikaela y Moa Krestesen) convirtió el collar en un monumento móvil; ven el perno de ojo “como un símbolo para el trabajo ya hecho, pero también como un estímulo para el trabajo que aún no se ha completado”. Las hermanas de Jam también hicieron la instalación “Hola Sheila”, que cuenta con un perno de ojo en una cadena, en el Survival Kit Festival en Umeå en 2014. En 1980, de Bretteville inició el programa de diseño de comunicación en la Otis College of Art and Design. De Bretteville ha tenido un interés de por vida en las formas de arte comunales, que creía que eran un componente esencial del movimiento de arte feminista en los Estados Unidos. En 1973, creó “Pink”, un costado destinado a explorar las nociones de género asociadas con el color rosa, para una exposición sobre color del Instituto Americano de Artes Gráficas. Esta fue la única entrada sobre el color rosa. Varias mujeres, incluidas muchas de ellas en el Taller de Estudio Feminista, presentaron entradas que exploraban su asociación con el color. De Bretteville arregló los cuadrados de papel para formar una “colcha” a partir de la cual se imprimieron y difundieron carteles en todo Los Ángeles. Ella fue referida por el apodo “Pinky” como resultado. De Bretteville ha trabajado extensamente en el campo del arte público creando obras incrustadas dentro de los vecindarios de la ciudad. Una de sus piezas más conocidas es “Biddy Mason’s Place: A Passage of Time”, un muro de hormigón de 82 pies con objetos incrustados en el centro de Los Ángeles que cuenta la historia de Biddy Mason, un antiguo esclavo que se convirtió en partera en Los Ángeles. y vivió cerca del sitio. En “Path of Stars”, completado en 1994 en un vecindario de New Haven, De Bretteville documentó las vidas de ciudadanos locales, pasados ​​y presentes, con 21 estrellas de granito colocadas en la acera. Ha sido galardonada con muchos premios, como el premio “Grandmaster” 2009 del New York Art Directors Club y varios premios del Instituto Americano de Artes Gráficas, incluyendo una “Medalla de Oro de Leyenda de Diseño” para 2004, reconocimiento “Mejor obra de arte pública” para el año 2005 de Americans for the Arts, y varios doctorados honoríficos. Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias de Connecticut.

Judith Sylvia Cohen DIBUJANTE / escultora / profesora / escritora Nació el 20 - 8 - 1939 Chicago, Estados Unidos Firmas: Judy Chicago Carrera artística: Movimiento Feminista de los años 70 El año 1970, Judy Chicago organizó el primer curso de arte feminista en el CalArts, California State College, de Fresno​ Al año siguiente, conjuntamente con Miriam Schapiro, fundó e impartió el primer programa de arte feminista en la California School of Art de Los Ángeles​ Womanhouse En 1972, Chicago y Schapiro, en colaboración con 21 estudiantes de su programa, crearon el proyecto Womanhouse. En una propiedad vacía de Los Ángeles, recrearon diecisiete ambientes que hacían referencia a la discriminación que sufrían las mujeres dentro del ámbito doméstico. En la cocina recrearon temas en torno a la nutrición, en referencia a la “mater nutricia”, y en el baño una reflexión sobre la menstruación​ En esta instalación también se realizaron algunas performance feministas como Cock and Cunt Play, creada por Chicago. The Dinner Party En 1973 fundó el “Taller de estudios feministas”, un espacio de exposiciones para arte feminista donde también se impartían clases de arte. A partir del año siguiente empezó a trabajar en el que sería su proyecto más icónico: The Dinner Party. La ejecución de esta obra se realizó entre 1974 y 1979, consistía en la recreación de una cena imaginaría para mujeres célebres. Las invitadas eran desde personajes históricos o mitológicos (Diosa Primigenia) hasta pintoras contemporáneas (Georgia O’Keeffe) que habían influido directamente en la obra de Chicago​ Las protagonistas cenarían alrededor de una mesa en forma de triángulo equilátero, en cada uno de los lados del triángulo se encontraban trece servicios con sus correspondientes manteles, platos, copas y cubiertos con el nombre de un personaje femenino famoso (Gea, Hatshepsut, Safo de Mitilene, Leonor de Aquitania, Christine de Pisan, Emily Dickinson o Virginia Woolf...)​ El suelo sobre el cual se apoyaba la mesa estaba formado por casi 2000 piezas de cerámica blanca en forma triangular donde estaban escritos en letras doradas los nombres de 999 mujeres que han contribuido positivamente en la historia de las mujeres​ La obra se presentó por primera vez en el Museo de Arte Moderno de San Francisco el año 1979. Después de haber sido expuesta en diferentes países, desde 2007 la obra se encuentra en exposición permanente en el Centro de Arte Feminista Elisabeth Al Sackler en el Museo de Brooklyn, en Nueva York. Birth Project A partir de 1980 y hasta 1985, Judy Chicago realizó “Birth Project”. Había observado que no existía iconografía sobre el tema del nacimiento en el arte occidental, de manera que diseñó una serie de imágenes sobre la creación y el nacimiento para ser bordados, y que fueron realizados por 150 expertos de todo el país. PowerPlay Para completar BirthProject, creó PowerPlay, proyecto que realizó entre 1982 y 1985. Y que consistió en un ciclo de imágenes dedicadas a la masculinidad y el uso abusivo de poder​ Desde el punto de vista de la crítica feminista, analizaba la construcción sexual de la masculinidad, explorando como las definiciones predominantes afectaban el mundo en general y a los hombres en particular. Holocaust Project: From darkness into light El 1985 comenzó este proyecto que no finalizó hasta 1993. El trabajo se centraba en el concepto judío del “Tikkun” (idea optimista de la salvación y la restauración del mundo) y ponía de manifiesto las experiencias en los campos de concentración de las víctimas del holocausto. Estaba compuesto por una serie de imágenes que alternaban la pintura de Chicago con la fotografía de Donald Woodman (su marido) y con trabajos artesanales de vidrios de color y tapicería, diseñada por Chicago y realizada por artesanos especializados. El proyecto incluía una imagen, “One must Scream”, basada en dos supervivientes del crematorio de Birkenau. Resolutions: A Stich in Time Es su último trabajo, iniciado en 1994, contó con la ayuda de especialistas de la aguja que habían trabajado con ella con anterioridad. La obra alterna una serie de pinturas y bordados que reinterpretan refranes y proverbios. Esta exposición se inauguró en junio de 2000 en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, y estuvo de gira por diferentes estados de los Estados Unidos y Canadá. A lo largo de todo 2014, y coincidiendo con el 75 aniversario de Judy Chicago, se realizaron una serie de exposiciones conmemorativas y eventos en diferentes galerías e instituciones de los Estados Unidos, como el Museo Palmer de la Universidad Estatal de Pensilvania, el Museo Nacional de Mujeres Artistas a Washington, la Biblioteca Schlesinger, Museo de Brooklyn y el Museo de Arte de Nuevo México, entre otros.

Arlene Raven Historiadora del arte / Autora / profesora Nació el 12 - 8 - 1944 Baltimore, Maryland, Estados Unidos Murió el 20 - 9 - 2006 Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos Firmas: Arlene Rubin Los padres de Arlene Raven eran Joseph y Annette Rubin, padres judíos estadounidenses de clase media, en Baltimore, Maryland. Su padre era dueño de un bar y su madre ama de casa. Raven obtuvo un Artium Baccalaureatus de Hood College en Maryland en 1965, y luego realizó estudios de posgrado. Obtuvo un MFA en pintura de la Universidad de George Washington y completó un doctorado en historia del arte de la Universidad de Johns Hopkins en 1975. Raven fue una figura importante en el Movimiento de Arte Feminista y fue parte de un esfuerzo por educar a mujeres artistas y brindarles oportunidades para hacer y mostrar trabajos que se refirieran específicamente a sus experiencias como mujeres. En 1973, Raven co-fundó el Taller de Estudio Feminista con Judy Chicago y Sheila Levrant de Bretteville. El objetivo del Taller de Estudio Feminista, una escuela de arte independiente alojada en última instancia en el Edificio de Mujeres de Los Ángeles, fue “unirse como una comunidad de personas trabajadoras cuyo trabajo surge de nuestras experiencias compartidas como mujeres y nuestro contexto social compartido”, y se puso énfasis en “cooperación, colaboración y hermandad” . Ese mismo año, Raven co-fundó The Center for Feminist Art Historical Studies junto a Ruth Iskin, historiadora del arte educada en Johns Hopkins. El Centro se dedicó a realizar investigaciones serias sobre mujeres artistas, desarrollar una metodología histórica del arte feminista y crear un archivo de diapositivas del trabajo realizado por mujeres . Raven también co-fundó y editó la revista de cultura para mujeres Chrysalis. En 1976, fue miembro fundadora de The Lesbian Art Project; ella también era lesbiana. Los miembros exploraron el lesbianismo a través de obras de arte, investigaron artistas lesbianas del pasado, como la pintora Romaine Brooks, y cuestionaron el significado cultural del término “lesbiana”. También fue fundadora del Caucus de Mujeres para el Arte. [10 ] Además del Taller de Estudio Feminista, Raven también enseñó en el Instituto de Arte de California, el Instituto de Arte de Maryland, Parsons, la Nueva Escuela de Diseño, UCLA, la Universidad del Sur de California y la Nueva Escuela de Investigación Social. En la década de 1980, se convirtió en la principal crítica de arte de Village Voice. Curó diez exposiciones, incluidas las del Museo de Arte de Baltimore y el Museo de Arte de Long Beach. Una exposición notable fue “En casa”, “que reunió a muchos de los artistas e ideas que ella había defendido en la década anterior”. En 2000, Raven se convirtió en crítico de residencia en la Rinehart School of Sculpture en el Maryland Institute College of Art. En 2002, recibió el Premio Frank Jewett Mather por la crítica de arte de la College Art Association. Raven murió de cáncer en su casa en Brooklyn, Nueva York el 1 de agosto de 2006, a la edad de 62 años. Le sobrevivieron su padre, su hermana Phyllis [Gelman] y Nancy Grossman, su compañera de vida de 23 años.

[julio-viernes]

La erótica “Finger In It”, del único LP de la Harlem Underground Band editado en 1976 por Winley Records, el sello neoyorquino de Paul Winley (del doo-woop al hip hop). Los Harlem contaban con George Benson a la guitarra, y nada menos que con Dave “Baby” Cortez, el de “Happy Organ” y “Rinky Dink”, como teclista. En España el disco se editó a nombre de Benson - y fea portada- a rebufo de su éxito en solitario.

[verdepradera]

Bodegón Ciruelas Brevas y pan - España 1976

Bodegón Ciruelas Brevas y pan – España 1976

[elmartillosinmetre]

“La ópera la mantienen viva los cantantes”

[El tenor mexicano Javier Camarena (Xalapa, 1976). La foto es de Amanda Nikolic]

El tenor mexicano Javier Camarena debuta en el sello Decca con un álbum que dedica a la histórica figura del sevillano Manuel García en su doble faceta de compositor y cantante

Javier Camarena (Xalapa, 1976) es sin duda uno de los tenores del momento. Acaba de pasar una vez más triunfalmente por el Liceo de Barcelona, donde ha encarnado a Arturo de I puritani de Bellini. Sale también al mercado en estos días su primer álbum en Decca, que dedica al sevillano Manuel García. "Como primer proyecto para el sello, me parece que tenía un valor documental más fuerte que abrir con Rossini o Donizetti. Injustamente olvidado, García fue un personaje crucial a principios del siglo XIX en su triple faceta de compositor, cantante y maestro de canto".

-Está además su trayectoria americana. -Fue fundamental, tanto en Estados Unidos como en México, donde presentó por primera vez las obras de Mozart y Rossini. En mi país además compuso muchas obras (se habla de ocho óperas), entre ellas El gitano por amor, una de cuyas arias, inéditas en la discografía, abre el CD. Esto reafirma mi conexión, como mexicano, con este mi primer álbum en Decca.

-Otro inédito fonográfico es un aria de La mort du Tasse, obra que hace unos años se reestrenó en forma de concierto en Sevilla. -Es la partitura a la que menos quise tocar en ornamentación, porque presentaba ya una línea de canto muy limpia, muy clara, con ese acompañamiento tan sutil con el arpa, que se va cubriendo poco a poco con la orquesta. Es la pieza que más disfruté del álbum. Es una obra maravillosa. En las crónicas de esa biografía tan interesante que escribió Radomsky, como en el último libro de Moreno Mengíbar, se habla de que fue considerada la obra cumbre del compositor.

-Incluye un dúo rossiniano con Cecilia Bartoli. ¿Cuánto ha tenido que ver Bartoli en este proyecto? -Todo. Su Fundación es la productora de este material. Fue ella la que me sugirió el nombre de Manuel García, al que yo sólo conocía porque había sido el tenor que cantó en el estreno de El barbero de Sevilla. Fue un gran descubrimiento encontrarme con esta figura tan importante, misteriosa, con esta historia casi novelesca, y a la par ir descubriendo su obra. Fue algo que me atrapó. Lo primero que escuché fue El poeta calculista. Y ya con eso quedé prendado. Quise rendirle culto como compositor y como cantante, y por eso las piezas de Zingarelli y Rossini, incluido este dúo de Armida. Cecilia se emocionó cuando se lo sugerí y para mí ha sido un honor inmenso dejar testimonio de esta música junto a ella. Siempre la admiré como cantante, y personalmente es una mujer encantadora, de una gran generosidad con todos sus colegas.

-¿Qué importancia tuvo su llegada a la Ópera de Zúrich hace poco más de una década? -Fue el parteaguas de mi quehacer operístico en Europa. Llegué en agosto de 2006. Pisé la casa de ópera el 29 de agosto por primera vez. Yo iba con la intención de estudiar, porque el maestro Francisco Araiza daba clases ahí. Pensé que en uno o dos años me regresaría a México, pero no estaba por ahí mi destino. A los 6 meses de haber llegado a Suiza debuté en el teatro de la ópera con La italiana en Argel. Eso fue en marzo de 2007. De ahí al 2011, que fue mi debut en el MET, ya había cantado en muchos teatros europeos, Colonia, Berlín, Múnich, Düsseldorf, Viena, París (tanto en la Bastilla como en el Palais Garnier). En España mi debut fue en el Liceo en 2012. Fue vertiginoso lo que le pasó a mi carrera después de Zúrich.

-Hasta ahora ha hecho básicamente papeles de tenor belcantista lírico-ligero, ¿es prudente en la incorporación de nuevos roles a su repertorio? -Mucho. No me lo tomo a la ligera. Si fuera así habría hecho algunos otros roles verdianos hace años, porque ha habido ofertas. Para Luisa Miller, por ejemplo. [Los roles verdianos que, hasta el momento, Javier Camarena ha interpretado en escena son Fenton de Falstaff y el Duque de Mantua de Rigoletto] Mi voz es mi patrimonio y tengo que cuidarla, velar por ella, por su salud. Pero también existe esta otra parte retadora. Hace 4 o 5 años que estoy empeñado en abarcar un repertorio mucho más lírico. Por eso he hecho Pescadores de perlas, una Maria Stuarda. La obra de definición eran Los puritanos, la prueba de fuego. Fue a partir de que vi que podía cantarlo que me decidiera por entrarle al Duca, al Edgardo de Lucia. Voy sobre esa línea, abarcando este repertorio lírico belcantista, que conforme vaya avanzando en años tomará dirección al repertorio francés seguramente.

-Algún papel con el que sueñe y hoy esté fuera de su alcance. -Hay dos, uno que puede estar dentro de mis posibilidades en unos años, Rodolfo de La bohème, y el que se sale del todo, mi rol de fantasía, Cavaradossi de Tosca.

-Me hablaba antes de su compatriota Francisco Araiza, que fue un gran mozartiano. ¿Cuáles son sus otras referencias? -Araiza fue un gran mozartiano y un gran rossiniano de su tiempo. Sus grabaciones de Cenerentola, de El barbero son maravillosas, una elegancia, una facilidad que lo hacen una referencia obligada para mí... Otra referencia es la de Alfredo Kraus: él es la perfección técnica total. Y la tercera, Pavarotti, que es la parte de la entraña, del corazón y de la pasión, y también tiene esa forma de decir las cosas, que tenía también Araiza. Son sin duda mis tres referentes. Pero para mí el tenor máximo, el ideal absoluto es Fritz Wunderlich.

-Sus bises de arias espectaculares, como la de La fille du régiment, lo han hecho famoso, ¿por qué siguen causando delirio esos momentos? -Porque rayan en lo extraordinario. Son sonidos que no están dentro del margen normal del quehacer de nuestra voz. Siempre va a existir esta fascinación, pero lo importante es que esa demostración con los agudos no sea un fin en sí mismo sino un medio para alcanzar la comunicación con el público. Esa es la mayor satisfacción. Lograr que el público viva la ópera comulgando con lo que yo quiero proyectar en cuanto a emociones y sensaciones de mi personaje.

-¿Qué parte de actor tiene que tener hoy un cantante de ópera? -La exigencia es mucho mayor que la que había hace 30, 20 años. Difícilmente te vas a encontrar ya producciones en la que llegas, te encuentras un escenario majestuoso, bellísimo, entras, te paras, cantas, sales. Hoy día la interacción entre los colegas a la hora de realizar una escena es mucho mayor, buscamos mucho más realismo y profundidad en el trazo escénico. Los registas han tenido un papel muy importante en esta evolución. Y esto es algo que tenía que pasar. Por supuesto, hay algunos más acertados que otros, a algunos les importa un pepino lo que diga el libreto, pero la intención de hacer reflexionar y pensar sobre lo que ocurre en la escena está siempre detrás. La ópera se hacía para ser disfrutada, pero también para que el público reflexionara y pensara, y eso no se puede obviar, tiene que seguir vigente.

-¿Qué es lo que hace que, después de más de cuatro siglos, el espectáculo de la ópera siga seduciendo a tanta gente? -Yo pienso en el cine. ¿Se imagina ahora Misión imposible con otro artista que no fuera Tom Cruise? Difícil, ¿no? Pues eso tiene la ópera. Vas a escuchar una obra que se hizo hace más de cien años y que la han interpretado infinidad de cantantes, y todos han aportado su forma de vivir la música y las emociones de sus personajes. La ópera la mantienen viva los cantantes. Mucha gente suele decir que no hay cantantes como los antiguos. Por supuesto que no. Los cantantes de hoy día cantan mucho mejor, con mejor técnica, están más y mejor perfilados hacia el repertorio adecuado. Ese compromiso técnico y vocal, unido a una mayor exigencia en la parte dramática y escénica, hace que la ópera esté más viva que nunca, y que pueda apreciarse globalmente, en todas las partes que la componen. Y cada vez, como los atletas, habrá cantantes más capaces, que sabrán superar nuestras expectativas y no dejarán nunca de conmovernos.

[Diario de Sevilla. 22-10-2018]

[estudiodedecoracion]

André Ricard

André Ricard. Diseñador pionero del diseño industrial español, profesor y escritor.

André Ricard Sala (1929, Barcelona) estudió Bellas Artes en la Academia de Warnia Zarzescka en Barcelona, artista polaco que enseñaba arte siguiendo las pautas de la Bauhaus.

En su infancia influyó decisivamente la personalidad de su madre y de su padre, un emprendedor representante farmacéutico francés, veterano de la Primera Guerra Mundial.

André Ricard ha sido un profesional pionero y abanderado del diseño industrial en España, contribuyendo decisiva y definitivamente al desarrollo social, institucional y profesional de esta disciplina dentro y fuera de nuestro país.

Ricard es una de las figuras más sobresalientes por su constante labor de impulso al diseño y al fomento de la profesión.

“André Ricard encarna el proceso de gestación y cristalización del diseño y la internacionalización de nuestra cultura, ya que desde los años cincuenta ha sido uno de los grandes impulsores del proceso de europeización y de desarrollo industrial y social“, ha reconocido el crítico Daniel Giralt-Miracle.

“Entonces éramos un país acomplejado y de segunda fila, pero no lo éramos intelectualmente y vimos que podíamos hacer cosas con personalidad propia, como demostraron Miguel Milá con su lámpara TMM, o las vinagreras de Ramón Marquina“.

En su papel de promotor de la profesión a nivel nacional e internacional, además de escritor y docente, André Ricard destaca por su concepción ética del diseño vinculada directamente a la mejora de la utilidad.

Sus proyectos han tenido como objetivo mejorar la función de una gran variedad de objetos de usos cotidiano como: vajillas, cafeteras, electrodomésticos, ceniceros, lámparas, buzones, etc., colaborando con empresas como Bidasoa; Gaggia; Corberó; Moulinex; Flaminaire; Metalarte; Tatay, entre otras.

Sus diseños, sencillos y funcionales, reflejan una búsqueda constante de lo que él denomina la “ética y estética de la utilidad”.

Ricard desprecia los objetos inútiles. “Los países tendrían que utilizar la tecnología que son capaces de inventar“, afirma.

“Antes las innovaciones llegaban despacio y daba tiempo a que la sociedad fuera adaptándose. Ahora todo llega de la noche a la mañana, como los virus, que también se contagian más rápido. Puede parecer retrógrado, pero creo que es peligroso que se utilice una tecnología de la que no se conocen las consecuencias“.

“La globalización ahora quiere decir sólo homogenización y pobreza cultural…. Ahora al diseñador se le pide que resuelva algo que otras personas han decidido por razones de mercadotecnia. No hay un deseo de perfección que exigiría tiempo. No hay tiempo para pensar de forma tranquila y serena cómo tiene que hacerse una obra. Todo tiene que ser rápido, y eso va en detrimento de la calidad“.

André Ricard iba para pintor hasta que en 1951, el libro de Raymond Loewy “Never leave well enough alone” le reveló el diseño como profesión.

Cosmopolita y viajero, durante cuatro años realizó prácticas en Suiza e Inglaterra, y en 1951, año del Festival of Great Britain, proyectó stands para la British Industries Fair y el Ideal Home Exhibition.

En el verano de 1951, el Festival de Gran Bretaña, según el historiador Kenneth O. Morgan: un “éxito triunfante“, fue una exposición y feria nacional que alcanzó a millones de visitantes en todo el Reino Unido que se centró por completo en Gran Bretaña y sus logros, y que ayudó a reformar las artes, la artesanía, el diseño y el deporte británico durante una generación.

En 1956 se entrevistaría con Raymond Loewy en Nueva York y le pondría en contacto con los fundadores del ICSID (International Council of the Societies of Industrial Design).

En 1959, André Ricard es invitado como observador al congreso fundacional ICSID de Estocolmo.

Ese año (1959) abre su propio estudio en Barcelona y realiza sus primeros diseños, como por ejemplo la lavadora “Jalitan“.

André Ricard ha ocupado cargos importantes en agrupaciones y asociaciones de diseñadores.

En 1960 es miembro fundador de la asociación privada, independiente y sin ánimo de lucro ADI FAD (Asociación de Diseño Industrial del Fomento de las Artes y del Diseño) y en 1961 presidió la delegación ADI FAD al 2ª congreso ICSID de Venecia, en donde fue elegido miembro de Study Group.

Study Group (Grupo de Estudio internacional) es una compañía global que prepara estudiantes internacionales para programas de estudios universitarios, enseña educación secundaria y cursos de inglés.

Study Group posee y opera colegios universitarios y también se asocia con más de 50 universidades en todo el Reino Unido, Europa, América del Norte y Australia.

En el siguiente congreso ICSID de Paris, en 1963, Ricard fue elegido Vice-Presidente de esa organización internacional, cargo que ostentó hasta 1971.

André Ricard fue uno de los organizadores -pese a las reticencias europeas contra la España franquista- del congreso ICSID de Ibiza en el otoño de 1971, lo que supuso un acontecimiento seminal que marcaría el futuro.

Entre los impulsores de aquella aventura, además de André Ricard, se encontraban los diseñadores Ives Zimmermann y América Sánchez; el filósofo Xavier Rubert de Ventós; el artista Albert Ràfols-Casamada; el arquitecto Antoni de Moragas, y el joven crítico Daniel Giralt-Miracle.

El diseñador gráfico Yves Zimmermann, que durante años compartió despacho con André Ricard, ha reconocido que “cuando en los años sesenta llegué a Barcelona nadie sabía lo que era un diseñador, continuamente tenía que explicar que ni era un dibujante, ni un artista“.

Para acoger a los estudiantes que acudieron al congreso se decidió recurrir a un sistema experimental de cúpulas hinchables diseñado por el arquitecto José Miguel de Prada Poole, que fue bautizado con el nombre de Instant City.

  “Instant City” para el congreso ICSID (1971) de Ibiza en cala Sant Miquel, y antorcha para los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.

  El catalizador de toda una generación.

Aquel evento colocó el diseño catalán y español -hasta entonces casi autárquico- en el mapa internacional, y también sirvió de catalizador a una generación que de pronto descubrió que existía como tal frente a la opresiva mediocridad del tardofranquismo.

El congreso acabó convertido en una especie de Festival multimedia en el que las intervenciones artísticas se intercalaban con conciertos y conferencias sobre arquitectura, urbanismo y filosofía.

André Ricard fue Presidente del ADI FAD en 1971 y 1973, y en 1976 fue Presidente Fundador de la ADP (Asociación de Diseñadores Profesionales).

En 1990 fue Vice-Presidente del BCD (Barcelona Centre de Disseny).

Entre 1988 y 1994 impartió cursos en la escuela de diseño Art Center Europe (Suiza).

En 1993 organizó el Departamento de Diseño de Producto de la escuela de diseño Eina de Barcelona que dirigió hasta 1999.

En 1998 participó como Patrono y Presidente en la Fundación de Design for the World (la ONG del diseño) que presidió hasta 2005.

Con este organismo se pretendía conseguir una red de diseñadores voluntarios para solucionar problemas prácticos con los que se encontraban las asociaciones humanitarias.

En la actualidad es Patrono honorario de la Fundación Loewe, Miembro de honor de la Real Academia de Bellas Artes Sant Jordi y Académico de la Reial Academia de Ciencies i Arts de Barcelona.

Desde 1963, los diseños de los envases para Antonio Puig Perfumes han sido particularmente sobresalientes y prolíficos. Para Ricard la fragancia empieza en el envase, y en general un 20% de su valor se invierte en el frasco.

La colonia Agua Brava de Puig se envasaba en unas botellas recubiertas de mimbre que se fabricaban en Mallorca. Esos frascos tuvieron una excelente acogida en Estados Unidos pero las personas que trabajaban el mimbre en la isla cambiaron de oficio con la llegada del turismo y dejó de existir mano de obra capaz de hacerlo.

“Entonces vino a verme Puig y me preguntó cómo podía mantenerse ese aspecto artesanal, tradicional, pero produciéndolo de modo industrial. Diseñé un frasco que aparentase, dentro de lo posible, la labor artesana, pero que al mismo tiempo se pudiera industrializar: cristal ahumado, tapón de madera y una cinta de rafia con un sello de lacre… Intenté mantener la esencia de aquel recubrimiento de mimbre“.

También deben destacarse sus trabajos para el movimiento olímpico, especialmente la Antorcha para los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992 y el Crisol para la Llama Olímpica en el Musée Olympique de Lausana (Suiza).

En 2012 también se le encargó el testigo de titanio que Sebastian Coe, el presidente de los juegos de Londres 2012, entregó al brasileño Carlos A. Nuzman, como representante de los juegos que le correspondía organizar a la ciudad de Río de Janeiro (Brasil) en 2016.

En 2009 publicó su octavo libro: “Hitos del diseño” (Ariel), en el que explicaba a través de 100 objetos -desde el reloj Swatch hasta el coche monovolumen- cómo entendía Ricard el diseño.

“Me decidí a escribir cuando me di cuenta de la importancia y la necesidad de los objetos. De lo decisivo que resulta para la especie humana crear esas prótesis cuando el ser humano no alcanza a todo. Si nos dejan en una isla desierta lo primero que hacemos es diseñar“, afirma André Ricard sin dudar. Por ejemplo, un peine: “Son dedos más finos que peinan mejor que la mano“.

El cenicero “Copenhague” es el único producto diseñado por él que incluyó en el libro. Éste cenicero ligero y apilable era para tenerlo siempre a mano, como si fuera una copa.

Si el diseño es el reflejo de un país, este objeto expresa las cualidades del español: sobrio y poco tecnificado, más próximo al diseño escandinavo, que al inglés o al americano.

André Ricard ha sido galardonado con once Premios Delta. Ha sido reconocido con el Premio Nacional de Diseño de España 1987; la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya; la Orden Olímpica del Comité Olímpico Internacional; la Medalla de Oro al Mérito Artístico de la ciudad de Barcelona y es Chevalier des Arts et des Lettres y Chevalier de Légion d ‘Honneur de Francia.

André Ricard (pág. web).

Fuente (El País).

André Ricard y “Tatu” desktop spotlight (1972) para Metalarte.

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Rick Owens

Rodolfo Bonetto

Rodolfo Dordoni

Ron Arad

Ron Gilad

Ronan & Erwan Bouroullec

Ross Lovegrove

S

Sacha Lakic

SANAA

Satyendra Pakhalé

Scholten & Baijings

Sebastian Errazuriz

Serge Mouille

Sérgio Rodrigues

Seung-Yong Song

Shiro Kuramata

Simone Simonelli

Snarkitecture

Sori Yanagi

Sou Fujimoto

Stefan Diez

Stefano Giovannoni

Studio Job

Studio Kaksikko

T

Tapio Wirkkala

Tejo Remy

Thomas Sandell

Tobia Scarpa

Tokujin Yoshioka

Tom Dixon

Tomita Kazuhiko

Toni Grilo

Tord Boontje

U

Ueli y Susi Berger

UUfie

V

Verner Panton

Vico Magistretti

Vincent Van Duysen

Vincenzo de Cotiis

Vladimir Kagan

Von Pelt

W

Warren Platner

William Plunkett

William Sawaya

X

Xavier Lust

Xavier Mañosa

Y

Yrjo Kukkapuro

Yves Béhar

Z

Zaha Hadid

Zanuso

from https://decorador.online/disenadores-destacados/andre-ricard/

[kiro-anarka]

Este texto recoge la conclusión de la obra Anarquismos no occidentales: Reflexiones sobre el contexto global, que en versión completa es accesible en la sección de Descargas de la webwww.laneurosis.net En este trabajo hemos demostrado que uno de los factores fundamentales en el desarrollo de las ideas y movimientos anarquistas ha sido la migración global de los pueblos, que, por supuesto, es el resultado del desarrollo de un sistema mundial capitalista e imperialista. En toda Asia Oriental, se ha puesto de manifiesto que las redes anarquistas globales entre San Francisco, Tokio y París tuvieron una importancia primordial en el desarrollo del sindicalismo anarquista y de las formas anarquistas puras del comunismo libertario. En el contexto del Sur de Asia, sabemos que durante su estancia en Sudáfrica Gandhi se involucró por primera vez en la lucha que mantuvo toda su vida contra el dominio británico: en esta época la organización anarcosindicalista Industrial Workers of Africa había alcanzado su apogeo. El desarrollo del propio anarquismo africano surgió originalmente de los movimientos importados de los trabajadores inmigrantes en el país, tanto en Sudáfrica como en las ciudades portuarias mediterráneas del norte de África. Los pocos movimientos anarquistas que existieron en Oriente Medio tuvieron su origen sobre todo en los trabajadores inmigrantes italianos que se habían sentido atraídos por el pensamiento anarquista, principalmente dentro de su propia comunidad. Por toda América Latina, fueron especialmente importantes las migraciones de los pueblos, entre las que puede considerarse paradigmática la estancia y agitación de Malatesta en Brasil, Uruguay, Argentina, México y Cuba. Se ha demostrado, además, que en el contexto no occidental, la primera ola del anarquismo surgió tanto formando parte del paquete del proyecto de la Modernidad como a partir de la reacción contra él, proporcionando paradójicamente a los países oprimidos un arma moderna con la que luchar contra la Modernidad y la occidentalización mismas. Una dialéctica similar está presente en la segunda y tercera ola del anarquismo, que surgieron fundamentalmente alrededor de las contraculturas globales de finales de la década de 1960 y de nuevo a finales de la década de 1990. En la década de 1960, Estados Unidos estaba ocupado afianzando su posición como la única superpotencia del planeta: las brutales intervenciones en el Sudeste Asiático y otras regiones demuestran la importancia que este objetivo tuvo para Estados Unidos durante dicha época. Además, no satisfechos con meras operaciones militares para asegurar su poder, la promoción de la cultura americana como universal —también entendida como la activación del espectáculo— se convirtió en un elemento central de su estrategia. Como en la primera ola, escondido bajo la sociedad del espectáculo se encontraba su antídoto: la contracultura del espectáculo. Esta contracultura había surgido como parte integrante del ascenso de la cultura del espectáculo en un sentido más amplio, pero, como en el caso del surgimiento de la Modernidad, se entendía también como reacción frente a ella. Por ejemplo, en los países de Oriente Medio, como Israel, las organizaciones anarquistas como Black Front surgieron de la contracultura juvenil, publicando revistas como Freaky. Estas revistas, aun formando ostensiblemente parte de la cultura del espectáculo general de la Pax Americana, eran también de las pocas publicaciones del país que se oponían activamente y criticaban guerras como la de Yom Kipur (Do or Die: 1999). En general, se considera que la tercera ola del anarquismo también surge como un fenómeno cultural, que comenzó a gestarse en la decadencia de la década de 1980 con la contracultura independiente del punk y sus redes globales. Al contrario que la segunda ola del anarquismo, esta contracultura valoraba la independencia de las corporaciones al menos en la misma medida que el internacionalismo, y trabajó para construir redes independientes entre punks, grupos musicales, fanzines y escenas locales de todo el mundo. Los pequeños fanzines de producción propia se convirtieron en un medio para intercambiar ideas en tiendas de discos, espacios de distribución y sellos discográficos no empresariales. En países como Brasil, Israel y Sudáfrica, la contracultura punk fue fundamental para la reconstrucción del movimiento anarquista. Mientras que la invasiva Pax Americana llevaba un McDonalds a casi cada ciudad del planeta, también traía a las tiendas de discos locales —mediante sus ramas de distribución, revistas culturales e incesante promoción del inglés como lengua franca— grupos anarcopunk como Crass, Conflict y otros. Para muchos, la guerra del Golfo de 1991 significó la primera oportunidad real de poner estos ideales en práctica, organizando manifestaciones masivas y acciones directas por todo el mundo. Precisamente al año siguiente le siguieron las acciones motivadas por el 500 aniversario de la colonización de las Américas por Europa. Y solo unos pocos meses después se produjeron los disturbios de Los Ángeles. En las repercusiones continentales y globales que les sucedieron, los punks anarquistas comenzaron a involucrarse más en la organización y el activismo social directos. Esto supuso no solo una politización del punk, sino también una punkificación concomitante del activismo radical, así como un enfrentamiento entre ambos. El levantamiento zapatista de enero de 1994 consolidó esta tendencia, al formarse redes de apoyo descentralizadas radicadas en Internet que tenían alcance mundial y ayudaban a asegurar el éxito, de otro modo improbable, de un movimiento autonomista mayoritariamente no violento en el sur de México. Para finales de la década de 1990, muchos punks anarquistas habían diversificado sus afiliaciones culturales, y comenzaban a identificarse más con el activismo y el anarquismo en sí que con la contracultura punk independiente, que en gran medida estaba muriendo. Muchos se involucraron en la lucha zapatista, viajando a Chiapas y trabajando como observadores internacionales o asistiendo a los encuentros internacionales celebrados en México y España. La nueva tradición antipolítica del zapatismo, con su rechazo a la universalidad tanto del socialismo como del anarquismo, tuvo una gran influencia en los anarquistas de todo el mundo. En el momento en que se produjo la revuelta contra la cumbre de la OMC de 1999 en Seattle, muchos anarquistas ya estaban entrando en el paradigma anarquista postoccidental, rechazando etiquetarse como anarquistas per se, pero identificándose aun así fuertemente con sus ideas básicas. Muchos comenzaron a referirse a sí mismos como «autónomos», más que como específicamente «anarquistas» en sí. El cambio real provocado por este proceso consistió en que la resistencia contracultural trascendió como proceso de transformación en la consecución de un nuevo anarquismo, que puede caracterizarse como posthegemónico o, como algunos lo han denominado, postoccidental. Para concluir, pues, me gustaría evaluar brevemente los resultados de la síntesis de los nidos sociales que ha formado la primera ola del anarquismo y el surgimiento de la segunda y tercera ola del anarquismo como un contraespectáculo entre los anarquismos no occidentales. A pesar del habitual rechazo de casi todo el anarquismo de principios del siglo XX como un anarquismo clásico monolítico y, por tanto, sin valor y anticuado en el contexto de la tercera ola del anarquismo actual, este estudio del anarquismo no occidental temprano demuestra que, de hecho, el anarquismo de esa época no era menos ideológicamente diverso de lo que lo es ahora, a principios del siglo XXI. El anarquismo puro de Japón, por ejemplo, prefiguraba en muchos sentidos el desarrollo actual de un anarquismo más verde, cuyos elementos están presentes en las corrientes anarquistas de la ecología profunda y de la ecología social. De hecho, John Crump recalcó las extraordinarias similitudes del equilibrio de la autosuficiencia económica y el comercio intercomunitario de Bookchin con el anarquismo puro (Crump, 1976: 203). El primer anarquismo japonés también ayudó a preparar el camino para el desarrollo, a finales de la década de 1960, de Zengakuren, una organización estudiantil militante ensalzada por los situacionistas por su unión de las luchas estudiantiles y de la clase obrera. Al centrarse en la cultura, el movimiento anarquista de China prefiguró la Revolución Cultural de Mao, pero aún más lo hizo el Movimiento Democrático de la década de 1980, que podría haber ayudado a inspirar el incidente de la Plaza de Tiananmén. Sin duda, una renovación del interés por el anarquismo ha dado forma a la reevaluación de la historia socialista de China incluso actualmente en el país. El movimiento anarquista temprano de Corea puede entenderse como precursor del Levantamiento de Gwangju de 1980. Tal y como ha recalcado George Katsiaficas, «igual que la Comuna de París, el pueblo de Gwangju se rebeló espontáneamente y se gobernó a sí mismo hasta su brutal represión a cargo de fuerzas militares nativas inducidas por una potencia extranjera» (2001). Esta potencia militar era, como cabe suponer, Estados Unidos. La influencia anarquista en el movimiento Satyagraha de Gandhi en la India se transfirió al movimiento Sarvodaya de Vinoba Bhave y Narayan en la década de 1960 y puede apreciarse también en movimientos más recientes. A finales de la década de 1960, Argentina experimentó un resurgimiento de su continuada tradición anarquista a través del movimiento estudiantil. La división entre la FORU y la USU en Uruguay después de la Revolución bolchevique significó que el anarquismo no recuperaría lo que podríamos denominar un electorado hasta la década de 1960. Sin embargo, esta vez no se basaba principalmente en los movimientos de la clase obrera, sino que se cimentó más bien en los movimientos estudiantiles que resultaron de la formación de la Federación Anarquista Uruguaya (FAU) en 1956. Algunos de los que originalmente se involucraron en la FAU, que finalmente tendería a marxismos más deterministas, continuarían para formar organizaciones estudiantiles de orientación anarquista. Estos activistas ayudaron más tarde a construir el Centro de Acción Popular (CAP) como un medio para involucrar a sectores más amplios de la población en las luchas antiautoritarias sin las presiones ideológicas de ser explícitamente anarquistas. Esta tendencia se mantuvo alejada del universalismo ideológico a favor de un pluralismo más subjetivo o panarquía, que, curiosamente, anticiparía la dirección de los movimientos antiautoritarios en los albores del siglo XXI en todo el mundo. Uno de los panfletos del CAP afirmaba: «En lugar de una unidad hipócrita ofrecemos un campo abierto para que todos hagan lo que crean que es necesario [...] dejemos que se definan las posiciones y que cada uno trabaje a su manera». Otro de los cambios en la década de 1960 fue la expansión de los anarquistas hacia sectores de la clase no obrera, como el movimiento campesino. Todos los grupos anarquistas, y de hecho toda la izquierda, se involucraron en la construcción del Movimiento por la Tierra (MT), uniendo así por vez primera a la clase obrera y a los movimiento campesinos en una alianza. Por desgracia, la visión que estas nuevas tendencias mostraron finalmente tendría una vida muy corta, al imponerse una larga serie de dictaduras militares, destinadas a servir a los intereses empresariales de EE. UU. Solo recientemente, desde diciembre de 2001, estas ideas se han puesto de verdad a prueba tras el derrocamiento del régimen neoliberal de De la Rúa. Primero, el gobierno destruyó las vidas de millones de personas en todo el país al aceptar varias medidas de austeridad sucesivas impuestas por el FMI y el Banco Mundial. Además de no pagar a los empleados estatales durante varios meses seguidos, a muchos trabajadores solo se les permitió retirar una cantidad limitada de dinero de sus cuentas bancarias. Y entonces llegó la gota que colmó el vaso: el gobierno le arrebató a la gente la plena libertad para protestar, declarando el estado de sitio. En este punto, el movimiento asumió el cambio radical de exigir que se destituyese a todos los políticos y que no se les sustituyese simplemente por un conjunto más aceptable de trajes. Este también es el momento en el que la gente comenzó a tomar el poder en sus propias manos, creando asambleas vecinales autónomas estructuradas horizontalmente, así como redes a nivel nacional, regional y urbano de estas asambleas de barrios. Cada vez que diferentes facciones ideológicas intentaron apoderarse del control de estas asambleas, se les dijo que nadie quería seguir su ideología, que ellos solo querían el control directo de su país (Federación Libertaria Argentina). Hoy, en Oriente Medio, el anarquismo ha crecido especialmente en aquellos países en los que surgieron movimientos relativamente pequeños a principios del siglo XX, en su mayoría entre inmigrantes. Las comunidades anarquistas italianas en las ciudades portuarias de Turquía y Líbano se han extendido desde la década de 1980 hasta las poblaciones locales, a menudo a través de la cultura punk. Por ejemplo, desde mediados de la década de 1990, un grupo libanés llamado Libertad Alternativa (Al Badil al Thariri) ha enviado delegados a encuentros anarquistas internacionales, así como redactando informes sobre el movimiento anarquista local y traduciendo obras anarquistas al árabe. Desde aproximadamente la misma época, el anarquismo se ha convertido también en una fuerza reconocida en la política turca, con la aparición de representación anarquista en las celebraciones del 1o de mayo y con su participación en encuentros anarquistas internacionales. Los inmigrantes anarquistas italianos y griegos ayudaron a difundir sus ideas en torno a la región mediterránea, hasta los países del norte de África Túnez y Egipto, mayoritariamente en las ciudades portuarias. Aunque su actividad hasta ese momento no parece haber tenido un efecto importante sobre las poblaciones locales, para mediados de la década de 1960 da la impresión de que al menos algunos ciudadanos tunecinos estaban abiertos a las ideas anarquistas. En 1966, un situacionista tunecino llamado Mustapha Khayati ayudó a escribir el texto seminal Sobre la miseria de la vida estudiantil mientras estudiaba en París. La sección argelina de la Internacional Situacionista estuvo representada por Abdelhafid Khatib en su conferencia de 1958 (Stiobhard). El anarquismo africano se ha desarrollado tanto a partir de la primera ola del anarquismo como de la sociedad tradicional. En Nigeria, la naturaleza comunalista de ciertas sociedades tribales tradicionales formó un entorno social que proporcionaría un marco para la transformación en 1990 de la hasta entonces marxista Awareness League en una rama anarcosindicalista de 1000 miembros de la Asociación Internacional de los Trabajadores, radicada principalmente en la parte meridional del país. Además del comunalismo nativo, la caída del marxismo también formó una base importante para el surgimiento de la Awareness League. Curiosamente, los miembros de la Awareness League han manifestado su interés no solo por el anarcosindicalismo de la AIT, sino también por el más reciente anarquismo ecológico en la línea de Murray Bookchin y Graham Purchase. A la Awareness League le precedió en la década de 1980 una coalición anarquista que se hacía llamar El Hacha (Mbah, 1997: 52). En 1997, en medio de una gran agitación social, al parecer, según el delegado local Bright Chikezie, que había entrado en contacto con el miembro británico de la IWW Kevin Brandstatter, más de 3200 trabajadores de Sierra Leona se unieron a la IWW. Más adelante el mismo año, un golpe militar provocó un exilio en masa de estos miembros de la IWW a Guinea, país vecino en el que Bright inmediatamente comenzó a tratar de organizar a los trabajadores del metal para que se uniesen al sindicato. Tras su llegada a Guinea, el secretario de tesorería general de la IWW viajó a Guinea para reunirse con él y discutir la situación (Brandstatter, 1997). El fuerte movimiento anarquista sudafricano de principios del siglo XX también llevó a la actual proliferación del anarquismo por los medios de comunicación, librerías y otras organizaciones anarquistas. Sirva de ejemplo el Bikisha Media Collective o la Workers Solidarity Federation sudafricana. Gran parte surgió de los miembros blancos e indios de la escena punk urbana que querían poner sus ideas en práctica. El punto álgido de esta renovación fue el año 1986, cuando se produjo la mayor huelga general en la historia del país, con el paro de más de millón y medio de trabajadores y estudiantes para exigir el reconocimiento del 1o de mayo como fiesta nacional (Mbah, 1997: 64). Por toda África en general, el capitalismo se está volviendo más y más inviable, un proceso descendente del que el socialismo africano ya ha caído en gran medida como resultado. Más allá de las crisis del capitalismo y del socialismo, el sistema de Estado-nación postcolonial también amenaza con ceder inminentemente bajo el peso de la presión desde abajo: las sociedades sin Estado sobre las que se apuntaló con el fin de facilitar el imperialismo y el capitalismo no pueden funcionar en el contexto de semejante cuerpo extraño. De hecho, Mbah ha afirmado bien claramente que la violencia y los disturbios étnicos que se ven por todo el continente representan «el principio del colapso del sistema de Estado-nación moderno». Continúa diciendo que «el surgimiento de una nueva generación furiosa durante este caos es un factor importante para determinar cómo y en qué dirección se resuelve la crisis actual» (Mbah, 1997: 104). Una situación así está lista para la (re) introducción de la naturaleza descentralizada, democrática y autodeterminada de un sistema anarquista sintetizado con el sistema africano nativo de sociedades sin Estado autónomas pero interconectadas. Cuando llegue el momento de la verdad, la relevancia de este trabajo para el futuro de los movimientos sociales puede no ser tan compleja, sino, alternativamente, podría simplemente consistir en «conservar los mapas que indican los caminos no seguidos», en palabras de Edward Krebs (1998: xiii). Los académicos a menudo tienden a ver todo lo que desarrollan como algo nuevo y sin precedentes. Creo que este trabajo ha demostrado que, aunque hay varias corrientes nuevas dentro del anarquismo actual, muchas de ellas estuvieron precedidas por otros caminos que no se siguieron o que se olvidaron convenientemente en la construcción de lo que se ha convertido en el fenómeno del anarquismo occidental. Confabulándome con los otros intentos más específicos de un proyecto semejante en el pasado reciente, afirmo: «dejad que comience la deconstrucción ». Aunque no sabemos exactamente a dónde nos llevará este proyecto finalmente, sabemos que será un lugar radicalmente más holístico, global y en consonancia con los orígenes del anarquismo como fuerza contrahegemónica que lo que se desarrolló en la tradición del anarquismo occidental en las últimas décadas. Bibliografía citada Brandstatter, K. (1997): «Anarchism in Turkey» [en línea]. Disponible enhttp://www.spunk.org/texts/places/turkey/sp001840.html Do or Die (1999): «Direct Action in Israel», Federación Libertaria Argentina (2002): Argentina: Between Poverty and Protest [Panfleto]. Katsiaficas, G. (2001): «Myth and Implications of the Gwangju People’s Uprising» Krebs, Edward (1998): Shifu, Soul of Chinese Anarchism, Rowman & Littlefield Publishers, Nueva York. Mbah, Sam & I. E. Igariwey (1997): African Anarchism: The History of a Movement, See Sharp Press, Tucson. Stiobhard (2001): «Libertarians, the Left and the Middle East»

[meescuchasahoraofficial]

It´s The New Wave!

Escrito por: Rolando Batista

Hoy en dia tenemos el synthwave, vaporwave y el chillwave pero que tal si retrocedemos y vemos la ola que lo originó todo:

El New Wave Un estilo de música que deriva del punk rock y que incorpora sonidos pop, disco, mod, experimental y electrónicos y que posteriormente se fusionó con otros estilos como la opera (como es el caso de Klaus Nomi) La new wave difiere de otros movimientos con vínculos con la primera ola del punk, ya que presenta características comunes a la música pop, a diferencia del más "artístico" post-punk, aunque incorpora gran parte del sonido original del punk rock; mientras que podría decirse que exhibe una mayor complejidad tanto en la música como en la letra. Las características comunes de la música new wave, al margen de sus influencias del punk, incluyen el uso de sintetizadores y producciones electrónicas, la importancia del estilo y las artes, así como una gran cantidad de diversidad. Es considerado el género estampa de los años 80s ya que cadenas como MTV durante esa época popularizaron artistas y grupos del estilo como The Go-Gos, The Human League, Adam Ant, B-52s, Talking Heads, Devo, The Cars por mencionar algunos.

Orígenes: Los orígenes del estilo se pueden encontrar en Estados Unidos pero principalmente en Reino Unido donde el punk tuvo su auge a mediados de los 70s, Mientras el punk perdía la popularidad alcanzada en 1976 y 1977, todo el Reino Unido fue epicentro de varias formaciones de bandas New wave. Caben destacar lugares en Inglaterra, como Merseyside, Gran Mánchester, Lancashire, Yorkshire, Bristol, Londres; en Escocia, como Glasgow y Edimburgo; y también en Irlanda del Norte, donde éstas agrupaciones se fueron formando. Cada condado, con su respectiva capital, sería el centro de una escena que marcó época en los países británicos. Bandas como Echo and the Bunnymen, Orchestral Manoevers in the Dark, Teardrop Express, New Order (que en un inicio fueron Joy Division), Public Image Ltd (formado por John Lydon mejor conocido como Johnny Rotten, el lider de los Sex Pistols), Ultravox, The Cure, Gary Numan, Duran Duran, entre otros. Estados Unidos también gestó su escena new wave con bandas como Blondie, Talking Heads, Devo, B-52's, Pere Ubu, The Motels, Television, Missing Persons. También cabe destacar países hispanos como Chile con Los Prisioneros, Argentina con la banda Soda Stereo, España con Mecano, Olé Olé, Uruguay con Los Estómagos, Los Tontos, Venezuela con Aditus.

Evolución y revival: Durante los 80s el estilo trajo derivados como el darkwave con bandas como Sisters of Mercy, Clan of Xymox o The Cure. También trajo el Ethereal Wave con bandas como Cocteau Twins, Dead Can Dance o el proyecto This Mortal Coil liderado por Ivo Watts-Russell, fundador del sello británico 4AD. El New Romantic con bandas como The Romantics, Adam and The Ants, Spandau Ballet. A mediados de los 2000 surgió el revival con bandas como Shiny Town Guns, Interpol, Kaiser Chiefs, Ladyhawke, Ladytron, entre otros. Esto a su vez trajo consigo estilos como el synthwave, el vaporwave y el chillwave que han atraído a una camada de fans gracias a su factor nostalgia

11 Albumes para comenzar a escuchar new wave:

Talking Heads - Remain In Light (1980) https://open.spotify.com/album/3AQgdwMNCiN7awXch5fAaG

Missing Persons - Spring Session M (1982) https://open.spotify.com/album/08GAuXkchZVoRsnKdcihxs

Duran Duran - Rio (1982) https://open.spotify.com/album/02tfQwJSOLP77oCd9U8bqm

Gary Numan - The Pleasure Principle (1979) https://open.spotify.com/album/6wHjdKs7VVPVcqaHRzwqJt

Devo - Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! (1978) https://open.spotify.com/album/1u2Qni8cVRptDTaA00fmBC

Tears For Fear - Songs From The Big Chair (1985) https://open.spotify.com/album/4yaypP8ytl2ghM2kiNSD8a

B-52's - Wild Planet (1980) https://youtu.be/EAwXek5oxdw

The Human League - Dare! (1981) https://open.spotify.com/album/3ls7tE9D2SIvjTmRuEtsQY

The Police - Sychronicity (1983) https://open.spotify.com/album/28eOriEfl7IGbQDNvWIWXK

Ultravox - Vienna (1980) https://open.spotify.com/album/5VcL09CBaLiYwSgzpOTCio

Soda Stereo - Soda Stereo (1984) https://open.spotify.com/album/3i4nU0OIi7gMmXDEhG9ZRt

Y si 11 albumes no son suficientes, entonces tienes esta playlist que recoge lo mejor del new wave ochentero tanto en inglés como en español:

https://open.spotify.com/user/r.batista1992/playlist/1JreKainK1dOZiK31kD0y5

[tonosgratis]

Uncontrollable Urge DEVO Rock Story

(1978)

Nuestra Historia del Rock reivindica una de las mejores bandas de Rock "alternativo" de todos los tiempos:

DEVO!

Para algunos desconocidos, para otros, poco reconocidos o simplemente olvidados, pero para nosotros, Devo debe ser considerado como uno de los grupos más innovadores, genuinos e influyentes en la Historia del Rock. 

Un poco de Historia

El término Devo proviene de "De-evolution" (D-evolution) es decir, regresión humana. Un concepto satírico y filosófico de finales de los sesenta sobre la especie humana, la sociedad y su retroceso. Una época en la que no faltaban noticias "indignantes" como la masacre de Kent, en la que unos jóvenes pacíficos y desarmados que se manifestaban en contra de la guerra de Vietnam y Camboya fueron vilmente tiroteados por las numerosas ráfagas de la Guardia Nacional de Ohio. El espeluznante episodio dejó cuatro muertos y nueve heridos graves.

4 de Mayo de 1970: Matanza en Kent (Kent State Shootings)

Sucesos como éste, indicaba a las claras que en lugar de evolucionar, "de-evolucionamos"... Lo malo es que todavía hoy, por desgracia, esto sigue teniendo bastante sentido. Con motivo de esta nueva corriente "devoluconista", dos estudiantes "anti-regresivos" llamados Gerald Casale y Bob Lewis decidieron impulsar una banda a la que llamarían: DEVO.

DEVO comenzó su carrera musical a comienzos de los años setenta en la ciudad norteamericana de Kent (Ohio). En su primera actuación, en el Festival de Artes Escénicas de Kent de 1973, la banda se presentó como un sexteto compuesto por el compositor Lewis, el polifacético Casale, su hermano Bob Casale (guitarra), Mark Mothersbaugh (cantante), Rod Reisman (batería) y Fred Weber (voz). Pero esta formación de seis jamás volvió a juntarse ya que DEVO se reinventó como un cuarteto compuesto por dos pares de hermanos: Mark y Jim Mothersbaugh (percusión); y Gerald y Bob Casale (guitarra). Tras muchos conciertos juntos, la banda empezó a conseguir cierto reconocimiento, pero en 1976 las cosas empezaron a cambiar cuando la banda apareció en una especie de cortometraje realizado por Chuck Statler titulado The Truth About De-Evolution ("In The Beginning Was The End: The Truth About De-Evolution") en el que se mostraban dos canciones de Devo: Secret Agent Man y Jocko Homo.

Este "psicótico" corto de casi 10 minutos de duración ganó un premio en el Festival de Ann Arbor de ese mismo año y eso atrajo la atención de algunos Genios como David Bowie o Iggy Pop, los cuales les ofrecieron un contrato con la mismísima Warner Music. En marzo de 1977 Devo publicó su primer sencillo: Mongoloid, en el que incluyeron como Cara B: Jocko Homo proveniente del corto The Truth About De-Evolution..

Primer single de DEVO

1978 fue un año muy importante para Devo. Primero nos sorprendieron de lo lindo con otro sencillo, una especie de versión (¿o parodia?) del inolvidable (I Can not Get No) Satisfaction [tono que publicamos hace poco tiempo aquí en Tonos-Gratis] de los Rolling Stones. También ese mismo año sacaron al mercado un Ep titulado B Stiff con otro sello independiente, y por fin, gracias a ese acuerdo con Warner, Devo lanzaría su primer Lp: Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! bajo la producción del compositor británico Brian Eno. ¡Vaya lujo! El éxito de la banda comenzó a materializarse, sobre todo en Europa, obteniendo más reconocimiento incluso que en los Estados Unidos. Lo malo de aquel momento fue que el co-fundador, Bob Lewis, salió "tarifando" y "pleiteando" de la recién consolidada banda.

Tercer álbum de Devo (1980)

En 1979 se publicó su segundo álbum Duty Now for the Future y en 1980 llegaría la fama global con el pletórico Freedom of Choice. Este disco contenía canciones como Whip It!, que posiblemente sea la canción más recordada y rememorada de Devo. Un detalle curioso de Whip It!, que se podría traducir algo así como "azota", es que el público la interpretó erróneamente como una canción "sadomasoquista". Y la cosa no quedo ahí ya que cuando se decidió grabar un videoclip con esta canción, los propios Devo se no se cortaron un pelo y salieron dando latigazos, como podéis ver a continuación:

Por último, y por citar otro "padrino" que encumbró la carrera de Devo, hablaremos del guitarrista y cantante canadiense Neil Young, quien les invitó a participar en su película Human Highway, una especie de comedia musical en la que Neil firmó bajo el seudónimo de Bernard Shakey y que fue estrenada en 1982.

Cubierta de la cinta VHS

A partir de los 80, Devo continuó publicando más discos con mayor o menor éxito. El sonido de la banda fue transformándose y evolucionando para quedar enmarcado en la línea New Wave (Nueva Ola) en la que la banda siempre tuvo claro que quería estar. Pero la gracia, el estilo y el espíritu del sonido de DEVO tiene mucho que ver con la filosofía alternativa con la que encaraban géneros tan variados como el Rock, el Punk, el Pop, la música disco, la electrónica o la música experimental.

En concierto (2010)

Terminamos esta sección con los terribles decesos sucedidos. Alan Myers, tercer percusionista de Devo murió de cáncer en junio de 2013 y Bob Casale murió en febrero de 2014. Una auténtica lástima porque la banda aún seguía en activo.

Discografía

1978 - Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!

1979 - Duty Now for the Future

1980 - Freedom of Choice

1981 - New Traditionalists

1982 - Oh, No! It's Devo 

1988 - Shout

1988 - Total Devo

1990 - Smooth Noodle Maps

2010 -  Something for Everybody.

Uncontrollable Urge

Ha sido realmente difícil elegir un tema para confeccionar nuestro Tono ya que el repertorio de DEVO es muy sustancioso. No queríamos destruir o partir una canción, tampoco queríamos ofrecer un riff en concreto, pero al final, tras volver a escuchar Uncontrollable Urge nos dimos cuenta de que se podía "abreviar" lo suficiente como para servir de tono de llamada sin desgraciar el tema original.

Uncontrollable Urge es la primera canción de un álbum sublime: Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!, en España conocido como P: Somos Nosotros Hombres? R: ¡Nosotros Somos Devo!, un disco que no recaudó demasiado en su época pero que sin embargo, es un Disco que merece la pena tener ya que se ha convertido en un disco de culto. Aquí os dejamos un oferta del CD a 8 euritos:

COMPRAR DISCO DEVO

En fin, aquí os dejamos con nuestra adaptación de Uncontrollable Urge y hasta la próxima historia.

ESCUCHAR TONO DEVO:

DESCARGAR TONO

LA HISTORIA DEL ROCK:

  Texto: Gelosoft

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un Día como Hoy 5 de Julio Dialogos con la Historia

Artículo de Dialogos con la Historia en http://dialogosconlahistoria.com/dia-hoy-5-julio/

un Día como Hoy 5 de Julio

1683 El gobernador de Tucumán, Fernando de Mendoza y Mate de Luna funda San Fernando del Valle de Catamarca.

1687 La Royal Society publica los “Principia” de Sir Isaac Newton.

1762 Se inicia la obra de la Iglesia de Nuestra Señora de la Piedad, (Buenos Aires, Argentina).

1807 Los porteños y las milicias al mando de Santiago de Liniers rechazan la Segunda Invasión Inglesa, comandada por el Gral. Whitelocke.

1811 Venezuela consigue su Independencia de España.

1830 Francia invade Argelia.

1858 Muere Valentín Gómez Farías, político mexicano.

1863 Muere el escritor Miguel Cane, padre.

1865 William Booth funda el Ejército de Salvación, en Londres.

1911 Nace Georges Pompidou, estadista francés.

1932 Oliveira Salazar es nombrado dictador de Portugal.

1935 Se publica en Estados Unidos la ley que garantiza la libertad sindical.

1938 Se restablece la pena de muerte en la llamada “zona nacional” de España.

1941 Los voluntarios españoles de la División Azul parten para participar con Alemania en la guerra contra la URSS.

1945 Segunda Guerra mundial: retirada del Ejército soviético de Checoslovaquia y Polonia.

1948 Muere Georges Bernanos, escritor francés.

1948 El Gobierno laborista británico nacionaliza la sanidad.

1950 Nace el músico Huey Lewis (Hugh Anthony Gregg).

1959 Dimisión del premier israelí David Ben Gurión.

1969 Muere Walter Gropius, arquitecto, fundador de la Escuela Bauhauss.

1969 Los Rolling Stones ofrecen un show gratuito en el Hyde Park de Londres.

1973 La Isla de Man emite sus propios sellos postales.

1975 Nace Hernán Crespo, futbolista argentino.

1975 Independencia de Cabo Verde.

1975 Arthur Ashe gana la final masculina del torneo de tenis de Wimbledon.

1976 Entra en vigor en España la Ley de Asociación Política.

1977 Zia Ul-Haq asume el poder en Pakistán tras un golpe de Estado.

1979 Muere Vicente Gallego, periodista español.

1980 Muere Luis Sandrini, actor argentino.

1983 Se funda el Club Deportivo Provincial Osorno, de Osorno, Chile.

1987 El tenista australiano Pat Cash gana la final de Wimbledon.

1992 El Ministerio de Defensa de España veta el acceso de mujeres soldados a la Legión y a unidades especiales del Ejército.

1995 Muere Irene Gutiérrez Caba, actriz española.

1996 En Reino Unido nace la oveja Dolly, el primer animal clonado.

2004 En Indonesia se realiza la primera elección presidencial.

2008 Muere Severino Díaz, árbitro de fútbol argentino.

2015 Muere Amanda Peterson, actriz estadounidense.

2015 Muere Yoichiro Nambu, físico japonés, premio nobel de física en 2008.

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Bodegón sandía pan y roscas - España 1976

Bodegón sandía pan y roscas – España 1976