#dewey redman

[doomandgloomfromthetomb]

Ornette Coleman - Berliner Jazztage 1971

Jay Korber is on a roll over on YouTube lately, sharing some true treasures for us mere mortals. Exhibit A: this radical 44 minutes of Ornette Coleman's quartet in full color in 1971 — looking great, sounding great, being great. Ornette is the guy in charge, of course, but this really feels like a band, especially with the addition of Dewey Redman on second sax.

“I loved the way Dewey played,” Charlie Haden told Ethan Iverson a while back. “He had a beautiful sound that blended with Ornette. I was surprised that Ornette would get another saxophonist, but it had to be Dewey. There’s only a very few musicians that experience the way of improvising that comes from Ornette’s concept. When Keith [Jarrett] heard Dewey, he came up to me and said, 'Introduce me to that saxophonist!'”

More Ornette? Oh yeah. Canary Records recently posted the hard-to-come-by Chappaqua Suite. Get it while it's hot.

[jazzplusplus]

Jazz magazine N°432 (France) - Joshua & Dewey Redman - Décembre 1993

[shihlun]

Keith Jarrett, Charlie Haden, Paul Motian and Dewey Redman.

At the backstage of Kosei Nenkin Hall, Tokyo, 1974.

Photo by Yuzo Satoh.

[jazzdailyblog]

The Brilliance of Keith Jarrett: A Jazz Legend

Introduction: Keith Jarrett is a name synonymous with virtuosity, innovation, and boundless creativity in the world of jazz. Born seventy-nine years ago today on May 8, 1945, in Allentown, Pennsylvania, Jarrett’s musical journey began at a young age. His prodigious talent was evident early on, and he quickly established himself as a gifted pianist and composer. Early Career and Formation of the…

[joshhaden]

"Berliner Jazztage 1973" (2022) is a CD bootleg Keith Jarrett live recording. w/ my father, saxophonist Dewey Redman, percussionist Guilherme Franco, drummer Paul Motian.

[ozkar-krapo]

Ornette COLEMAN

"Broken Shadow"

(LP. Columbia. ? / rec. 1971-72) [US]

[jt1674]

[newjazzthings]

DON CHERRY - DEWEY REDMAN - CHARLIE HADEN - EDDIE BLACKWELL / OLD AND NEW DREAMS

[postsender]

Dewey Redman and Ornette Coleman Live at the Newport Jazz Festival (1971)

[famousdeaths]

Walter Dewey Redman was an American saxophonist who performed free jazz as a bandleader and with Ornette Coleman and Keith Jarrett.

Link: Dewey Redman

[onetwofeb]

Keith Jarrett - Piano, wood drums, percussion Dewey Redman - Tenor saxophone, maracas, tambourine Charlie Haden - Bass Paul Motian - Drums, percussion Guilherme Franco - percussion

[jazzplusplus]

1980 - Charlie Haden, Paul Motian, Dewey Redman & Pat Metheny - Baker's Keyboard Lounge - Detroit (Michigan)

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

JOHN CARTER, ‘’LE ALEX HALEY DU JAZZ’’

‘’I had never heard anybody with such control on the clarinet… His complete mastery of the instrument is astounding.” 

- Red Callender

Né le 24 septembre 1929 à Fort Worth, au Texas, John Wallace Carter avait d’abord étudié le saxophone alto avant de commencer à jouer de la clarinette à l’âge de douze ans. Très influencé par la musique gospel qu’il avait écoutée à l’église baptiste durant son enfance et par la musique de Duke Ellington, Count Basie et Cab Calloway, Carter avait amorcé sa carrière en jouant du blues au Woodman’s Hall d’Anacostia, un club de jazz de Washington, D.C. Il avait aussi fait équipe avec Ornette Coleman, Dewey Redman et Charles Moffett dans les années 1940.

Après avoir fréquenté le I.M. Terrell High School, Carter avait décroché un baccalauréat en éducation musicale à l’Université Lincoln de Jefferson, au Missouri, en 1949, avant de compléter une maîtrise en éducation musicale à l’Université du Colorado en 1956.

De 1949 à 1961, Carter avait gagné sa vie en enseignant la musique dans le réseau d’écoles publiques de Fort Worth. Parallèlement à sa carrière de professeur, Carter avait continué d’expérimenter avec la clarinette et avait découvert que c’était cet instrument qui lui permettait d’exprimer le mieux sa personnalité musicale. Parmi les premières influences de Carter, on remarquait Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Lester Young, Duke Ellington et Count Basie.

Après s’être installé à Los Angeles, Carter avait enseigné durant vingt et un ans (1961-1982) dans les écoles élémentaires publiques de la ville.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

En 1964, Carter avait formé le  New Art Jazz Ensemble avec le trompettiste Bobby Bradford,  le contrebassiste Tom Williamson et le batteur Bruz Freeman, un pionnier du free jazz qui avait d’abord joué avec Charlie Parker, Lester Young, Coleman Hawkins et Sarah Vaughan. Le groupe avait poursuivi ses activités jusqu’à la mort de Carter en 1991 et se produisait surtout dans le Nord-est des États-Unis.

Décrivant sa première rencontre avec Bradford, qui était de six ans son cadet, Carter avait expliqué: ‘’I met him when I got out therem about ‘65, Bob was living in Pomona and teaching out there, and I was teaching out there (L.A.). I was very frustrated with whar I was doing. I had come here un 1961 and had aspirations for playing my music and I thought I could get as much studio work as I wanted to do when I got out here {...}. I play good lead alto, tenor, soprano, good flute and clarinet of course. I can play oboe and basson, all well enough to do session work.’’ Dans la même entrevue, Carter avait ajouté: ‘’Bob had been with Ornette up to ‘62, then went back to Texas and taught for a couple of years and then moved out there. Well so Bobby really wasn’t doing anything either, on any kinf of regular basis so we got together, it was very natural for us to try to get a group together.’’

Parallèlement à sa collaboration avec Bradford, Carter avait joué du jazz progressif avec des artistes locaux, se produisant à la flûte et au saxophone tout en approfondissant sa maîtrise de la clarinette, contribuant ainsi à briser les frontières musicales tout en était toujours accompagné par Bradford à la trompette. Au cours de cette période, Carter avait aussi joué avec le pianiste Hampton Hawes et le saxophoniste Harold Land.

Carter avait également opéré son propre club de jazz, le Rudolph’s, afin de contribuer au développement de la relève. En 1967, Carter avait dirigé une oeuvre d’Ornette Coleman à UCLA. Carter expliquait: ‘’It was a suite that Ornette had just done for the Guggenheim Grant that he had just got, whatever year that was. A very difficult pass. The band was in the festival house orchestra, whoever was playing brought along their charts and we played them. Carmen McRae was on that and Clark Terry. Ornette’s piece was written for big band against his quintet. {...} Full group, five trumpets, four trombones, five reed and a full rhythm section, and violins and cellos. He played that music a lot of times, he played it with the San Francisco Symphony, he played it in Europe and back in New York.’’

Dans les années 1970, Carter avait fait partie du  Little Big Horn Workshop avec Bradford et Newton. Au cours de cette période, Carter s’était également fait connaître pour ses concerts en solo. Dans le cadre du New Jazz Festival de Moers en 1979, Carter s’était produit en duo avec le clarinettiste allemand Theo Jörgensmann durant trois jours. Le concert, qui avait fait connaître Carter à travers le monde, avait donné lieu à une nouvelle performance du duo en 1994.

Vers 1973, Carter et Bradford avaient fait une tournée en Europe et avaient enregistré avec le pianiste Horace Tapscott. Lors d’un séjour à Paris, Carter avait même joué du bebop avec Jaki Byard et Kenny Clarke.

Carter et Bradford s’étaient également produits en concert à UCLA en compagnie de l’Art Ensemble of Chicago, avec qui ils avaient enregistré l’album Tandem 1 en 1979. Après s’être joint au quintet d’instruments à vent de James Newton, Carter avait fondé en 1981 le groupe Clarinet Summit avec Alvin Batiste, Jimmy Hamilton et David Murray.  

DERNIÈRES ANNÈES

Même s’il maîtrisait plusieurs instruments, Carter avait surtout joué de la clarinette et du saxophone soprano à partir de la fin des années 1970. Il expliquait: ‘’I think that certain personalities goes with certain instruments. While I have known that all along it took me a long time to associate that myself - because it takes a long time to try and see yourself, and I’m still trying. Like I know what that I am not a tenor player, but I’ve spent a lot of time fooling with the tenor saxophone. I played tenor and college because that was the only way I could get into the dance band. In those days I couldn’t read as well as other fellows could but I could solo better that they could so they need me in the band for that (rires). So I got in on tenor.’’

Lorsque sa fille et ses trois fils avaient atteint l’âge adulte au début des années 1980, Carter avait commencé à enseigner la clarinette à plein temps au Wind College de Los Angeles, une école qu’il avait lui-même fondée. Carter, qui possédait sa propre maison de disques, avait également enregistré avec Bradford et Newton l’album Night Fire, qui comprenait des classiques comme “Morning Bell”, “Juba Stomp” et “Buckin.”’ Sur l’album Dance of the Love Ghosts, Carter avait combiné les cuivres, les synthétiseurs et des percussions traditionnelles comme le kete et le dawuro. En plus de la chanson titre, l’album incluait les pièces The Captain’s Dilemma” et “Moon Waltz”, toutes des compositions originales.

De 1982 à 1990, Carter avait résumé sa vision du jazz et de l’histoire des Afro-Américains dans la suite en cinq parties Roots and Folklore: Episodes in the Development of American Folk Music. Publié dans un coffret de cinq CD, l’oeuvre, qui combinait le jazz moderne avec le blues et le jazz traditionnel, avait été saluée par la critique comme une des meilleures réalisations des années 1990. En 1998, le clarinettiste François Houle avait repris des extraits de l’oeuvre sur son album intitulé In the Vernacular—Music of John Carter.

Peu avant la mort de Carter en 1991,  le New Arts Jazz Ensemble avait enregistré un dernier album. Intitulé ‘’Seeking’’, l’album comprenait cinq compositions originales de Carter, dont “Karen on Monday” et “Sticks and Stones”.

John Carter est mort au Daniel Freeman Memorial Hospital d’Inglewood en Californie, le 31 mars 1991 à la suite de complications liés à son cancer des poumons. Carter laissait dans le deuil son épouse Gloria, sa fille Karen et ses fils John Jr., Stanley et Kris. Atteint d’une tumeur non maline, Carter s’était fait retirer un de ses poumons un an avant sa mort, mais il avait continué de se produire sur scène. Carter avait présenté une de ses dernières performances en février dans le cadre d’un événement organisé par la Society for Jazz and World Music à Santa Barbara, en Californie.

Continuant d’explorer l’histoire du peuple afro-américain, Carter avait présenté en septembre 1990 sa composition “Castles of Ghana”, une suite inspirée de la traite des esclaves en Afrique de l’Ouest au 16 siècle,  au Japan America Theatre de Los Angeles. Dans le cadre d’une entrevue accordée au New York Times en 1990, Carter avait déclaré qu’il avait conçu le projet après que son fils John Jr., qui revenait d’un voyage en Afrique de l’ouest, lui ait expliqué que les châteaux du Ghana étaient utilisés comme lieu de détention pour les futurs esclaves avait d’être expédiés en Amérique.

Au moment de sa mort, Carter devait se produire avec un quartet comprenant Perry Robinson, Theo Jörgensmann et Eckard Koltermann.

Carter a été admis au Down Beat Hall of Fame l’année-même de sa mort en 1991. Au cours de sa carrière, Carter avait remporté deux autres prix décernés par le magazine: le premier pour un enregistrement avec un petit groupe en 1973, et le second comme clarinettiste méritant la meilleure reconnaissance en 1982.

En 1996, Carter avait obtenu quatre étoiles du magazine Q et cinq étoiles du NAPRA Trade Journal pour ses compositions “Sippi Strut”, “Spats”, “Hymn to Freedom” et “And I Saw Them” tirées de son album Shadows on a Wall. Commentant le dernier album de Carter, le critique David Grogan avait décrit le musicien comme un compositeur d’avant-garde passionné par l’histoire du peuple afro-américain et l’avait surnommé le ‘’Alex Haley of the Jazz world.”

Carter avait souvent été comparé au trompettiste Wynton Marsalis pour la beauté et la spontanéité de son jeu. Le tubiste et contrebassiste Red Callender qui avait accompagné Carter, Bradford et Newton sur l’album Dauwhe, avait souligné la maîtrise par Carter de son intrument dans l’ouvrage Rough Guides to Jazz, dans lequel il écrivait: “I had never heard anybody with such control on the clarinet…. His complete mastery of the instrument is astounding.” 

Les compositions de Carter pour clarinette, trompette, cornet, violon, trombone, batterie et contrebasse portaient souvent des titres évocateurs comme “Evening Prayer”, “Conversations”, “The Fallen Prince” et “Theme of Desperation.” 

Plusieurs musiciens ont rendu hommage à Carter après sa mort, dont le clarinettiste François Houle qui avait enregistré des versions lyriques de ses compositions “Sticks and Stones” and “Karen on Monday” sur son album Vernacular—Music of John Carter publié en 1998.

Un des premiers clarinettistes de l’histoire à avoir exprimé une vision humaniste de l’héritage africain dans le jazz, Carter avait toujours improvisé avec énormément d’émotion. Les recherches tonales de Carter l’avaient incité à étudier le passé esclavagiste des Afro-Américains et à mettre en lumière leur combat pour l’émancipation après la Guerre civile. Artiste passionné, très articulé intellectuellement et très concentré sur sa musique, Carter avait influencé toute une nouvelle génération de musiciens, dont Julius Hemphill, Peter Epstein, James Newton, David Murray et Bobby Bradford.

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[theloniousbach]

CONSIDERING KEITH JARRETT’S AMERICAN QUARTET

At the end of February, pianist/critic Ethan Iverson called his Transitional Technology/Do the Math readers’ attention to an YouTube interview with Keith Jarrett conducted by Rick Beato. Besides archival performances, commentary, and conversation, there were incredibly poignant latter-day one handed performances. Post-strokes the genius is still there, but it is cut literally in half.

Keith Jarrett was hugely influential on me as a new jazz fan. As with so many, that he played with Miles Davis (electric piano and organ (!?!) on at Fillmore and Live-Evil) put him on my radar. I had the Bremen/Lausanne solo concerts even before the justly legendary Koln. I had Belonging by the European Quartet and Reflections and Fort Yawuh with Dewey Redman, Charlie Haden, and Paul Motian. I also really liked the album with Gary Burton from this same period. More on that later.

I liked my albums and played them frequently. When the 10 discs of Sun Bear came out as the next solo concerts, that was too expensive for me to be a completist. As remarkable as Bremen/Lausanne and Koln were, I felt I knew what Jarrett was up to. Those vamps, melodies, gospel elements, free breakdowns were also present in the band records. It was all conceptually fascinating, but the experiments and juxtapositions were always adventurous but not always successful. In the moment, there too I thought I had a bead on what was going on, but didn’t think I needed more.

When I returned to the music, the Standards Trio with Gary Peacock and Jack DeJohnette better suited my aesthetic. I found “my” albums again and gave them a single fond refamiliarizing listen. I have now listened to all the American Quartet albums and a 3 1/2 hours playlist derived from Iverson’s extensive, tune-by-tune review of the band’s entire output. He is quite impressed with the later Shades of Jazz and some of Bya-Blue too.

But with those exceptions, I don’t think I missed that much and so bristle a little bit at the suggestion that this was the last great band. As a contrarian, I nominate the Dave Holland Quintet and maybe Woody Shaw’s band. But it was something special—a young phenom recruits the elders Paul Motian from THE Bill Evans Trio and Dewey Redman and Charlie Haden from Ornette Coleman and ambitiously mashes them up with elements of his own aesthetic from the solo concerts.

It’s an interesting mix—Motian’s free sense of time up against Haden’s solidity with Redman’s earthy primitivism at the service of Jarrett’s capacious vision. Again, it’s not always successful, but they are unavoidably interesting.

Iverson doubles down on a judgment drawn from initial reportage that Jarrett didn’t do his bebop homework because of this:

“In the Beato video, Jarrett says that when he was finding his voice, he didn’t want to play modal like McCoy Tyner. He then says he wanted to be more “Bach-ian,” meaning voice-leading in the contrapuntal European tradition like Bach.”

So, yes, Jarrett has a cerebrality that maybe wears thin or that prompts admiration first with affection following—or not.

But the other interesting idea is that there is a Midwestern “country” or at least folk aesthetic that draws on major chords. Iverson draws a line that also includes Pat Metheny, Charlie Haden, Gary Burton, and even Ornette—and maybe Fred Hersch from Cincinnati belongs too. And that makes the Jarrett/Burton album stand out as probably the best Jarrett band album. Burton and Steve Swallow with his compositions structure and rein in Jarrett while he adds to a tough appealing set.

I am left after this valuable exercise with fond memories and admiration for Keith Jarrett, but my affection still lags.

[jazzdailyblog]

The Unconventional Genius of Malachi Favors: A Journey Through Avant-Garde Jazz

Introduction: Malachi Favors was a jazz musician who never sought the spotlight but whose contributions were fundamental to the evolution of avant-garde jazz. Best known as the bassist for the Art Ensemble of Chicago, Favors’ work went beyond the conventional boundaries of jazz, pushing the envelope in ways that continue to influence musicians today. His life and career were marked by a…

[joshhaden]

"Broadcasts" is a bootleg Ornettte Coleman LP. w/ my father, Don Cherry, Dewey Redman, Ed Blackwell. I've never heard & have no idea what's on it.