#hogarth haber | Explore Tumblr Posts and Blogs

kpwx · 1 year

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Beethoven contado a través de sus contemporáneos, de O. G. Sonneck (ed.)

No soy un apasionado absoluto por la música clásica ni mucho menos un conocedor profundo, pero sí que me gusta; y aunque Mozart es quien ha sido siempre mi compositor favorito, Ludwig van (como le llama Alex en La naranja mecánica) no se queda tan lejos. Claudio Arrau, quien fuera el pianista chileno más reconocido (y quien fuera, además, descendiente de la propia estirpe del maestro alemán), solía decir que Beethoven había logrado transmitir como ningún otro compositor el sentido de la lucha y la victoria. Conociendo muy superficialmente lo que en realidad transmite su obra (haberla escuchado no quiere decir que la entienda, claro), puedo decir que comparto esa opinión. Sea como fuere, Beethoven fue un personaje tan importante e influyente en la historia de la música que sin entenderlo o hasta sin escucharlo vale la pena estudiarlo.

Esta recopilación de casi cuarenta testimonios permite conocer, tal vez incluso más que si se leyese una biografía, cómo era la personalidad y el carácter de este gran músico. Definitivamente Beethoven no fue alguien de fácil trato (sobre todo desde que empezó a perder la audición), pero a pesar de ello la sensación que dejan las opiniones de sus contemporáneos es sobre todo la de haber sido una buena persona. No fue, por lo demás, tan serio y grave como podría pensarse:

Todos aquellos que lo conocían bien sabían que también era un virtuoso de primer orden en el arte de la risa. Es una lástima, no obstante, que ni siquiera aquellos más cercanos a él entendieran casi nunca el motivo de esta clase de explosiones, ya que siempre se reía de sus ideas y ocurrencias secretas sin molestarse en explicarlas.

En otro testimonio puede leerse una muestra más de esto:

Antes de empezar, solía tocar las teclas con la palma de la mano y pasar un dedo a lo largo de ellas, es decir, se ponía a hacer todo tipo de bobadas, riéndose todo el rato a conciencia de sí mismo.

Pero, como dije, con el avance de la sordera fue volviéndose cada vez más difícil de tratar. Nunca rehusó por completo la conversación, pero la irascibilidad que comenzó a caracterizarlo fue aislándolo cada vez más del resto de la gente. Una anécdota a propósito de estos ataques de ira (y que, además, deja ver lo dado a la risa que era) la cuenta Ferdinand Ries:

Un día, a mediodía, estábamos almorzando en la taberna El Cisne y el camarero le trajo un plato equivocado. En cuanto Beethoven se lo dijo y aquél le dio una mala contestación, cogió el plato —era ternera en abundante salsa — y se lo tiró al camarero por la cabeza. El pobre hombre llevaba en el brazo un montón de raciones más para otros comensales y estaba bastante indefenso. La salsa le chorreó por la cara, y Beethoven y él se gritaron e insultaron mutuamente mientras los demás clientes se echaban a reír a carcajadas. Al final, Beethoven, mirando al camarero —que, lamiéndose la salsa que le caía por la cara con la lengua, intentaba maldecirlo y tenía que pararse para seguir lamiendo con un gesto de lo más cómico, digno de Hogarth —, también se echó a reír.

La infinidad de anécdotas (el incidente de Teplice y la ocasión en que eliminó la dedicatoria a Napoleón en la Heroica, por ejemplo) y conversaciones que aparecen en este libro lo vuelven uno entretenidísimo de leer. Por lo demás, la descripciones de sus comportamientos son tan vivas que, unidas a las detalladas descripciones físicas que se dan, permiten casi que imaginarse a Beethoven como si se estuviese viendo. Por ejemplo, aquí una en la que se describe la manera en que solía dirigir la orquesta:

Aunque había oído hablar mucho sobre su forma de dirigir, aun así me sorprendió en grado sumo. Beethoven se había acostumbrado a marcarle la expresión a su orquesta mediante todo tipo de extraordinarios movimientos corporales. En cuanto había un sforzando, abría los brazos, que previamente había cruzado sobre su pecho, con desgarro, cada uno por separado. En un piano, se agachaba, más bajo cuanto más tenue quería que fuera. Entonces cuando llegaba un crescendo, se levantaba de nuevo poco a poco, y al comenzar un forte pegaba un salto. Para aumentar el forte todavía más, a veces también se unía a la orquesta con un grito sin percatarse de ello.

Entre otras cosas interesantes está el poder leer comentarios sobre Beethoven de otros músicos contemporáneos importantes; el testimonio de Czerny, por ejemplo, sobre cómo lo conoció y cómo llegó a ser su discípulo es verdaderamente lindo, y el emocionado recuerdo de Liszt lo es todavía más. (Parece que Schubert no dejó ningún recuerdo escrito sobre el maestro, lo que es una lástima, pero se le puede ver presente en varios testimonios). Teniendo un gusto particular por Mozart también me pareció interesante poder saber qué opinaba Beethoven sobre él en varias ocasiones distintas. Ya para terminar, conocer tan detalladamente cómo fue su muerte y con qué entereza la enfrentó («Plaudite, amici, comedia finite est», fue lo que les dijo a unos amigos poco antes de morir) resulta especialmente valioso para aquellos que lo admiramos como músico y como persona.

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joseandrestabarnia · 1 year

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Título completo: Los cuatro momentos del día: mañana

Artista: Nicolás Lancret

Fechas de artistas: 1690 - 1743

Serie: Los cuatro tiempos del día

Fecha de realización: por 1739

Medio y soporte: Óleo sobre cobre

Dimensiones: 28,3 × 36,4 cm

crédito de adquisición: Legado por Sir Bernard Eckstein, 1948

En este, el primero de los Cuatro tiempos del día de Lancret, un sacerdote atiende a una joven mientras toma su desayuno y se viste. El reloj registra la hora como 9.08 am. La joven, con el pecho al descubierto, se apartó de su tocador para verter agua caliente en la taza de té del sacerdote. Mientras la pareja se mira directamente, el sacerdote corre el riesgo de que le quemen la mano, tal vez una metáfora visual del riesgo para su alma. Lancret deja sin respuesta la pregunta de por qué hay dos vasos de repuesto en la mesa, pero la sensación de que podrían llegar visitantes añade escalofríos a la escena.

La segunda escena de 'A Harlot's Progress' de Hogarth puede haber inspirado a Lancret. Hogarth posiblemente devolvió el cumplido de Lancret en The Toilette, una de sus seis imágenes de Marriage A-la-Mode (también en la colección de The National Gallery), en la que el abogado Silvertongue, con una peluca y un traje similar a los del clérigo de Lancret, rinde cuentas. a la Condesa.

Información e imagen de la web de la National Gallery de Londres.

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dreamboundedstar · 1 year

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Okay, I'm claiming this as foreshadowing before someone else does so I can feel smart! XD (Wag the Song - Season 10, Episode 14)

Tammy - My song name-checks every kid in school in locker order, 'cause who's not gonna clap for their own dumb name? ( scoffs ) ♪ Willa Prentiss, Hogarth Haber ♪ ♪ Lily someone, she's my neighbor. ♪ It's extremely unluckily it's Lily Belcher because I doubt they would leave a locker vacant that long in a public school. (What do I know though, I was homeschooled XD). The fact that they didn't give Lily a surname implies something at the very least.

What it implies is the joke was supposed to be how it's sad Tammy doesn't know the last name of her locker neighbor. The fact she knows her first name also implies Lily is a kid that is currently alive and in Wagstaff. So this possible foreshadowing is doa.

I just thought it was interesting. I google searched transcripts of Bob's Burgers episodes and found the word "lily" was mentioned 3 separate episodes before the reveal of Lily Belcher but only twice referring to a type of name. The last one isn't worth bringing up because the scene was only referring to a shade of white.

#Bob's Burgers #I'm just grasping at straws at this point #Foreshadowing or I'm just stupid?#Analysis kind of maybe

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virginiamasonrp · 7 years

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AUDICIÓN AUDREY D. HOGARTH ( ANNE HATAWAY )

Yoe ¡Bienvenida a la bella y paradisíaca ciudad de Honolulu! gracias por interesarte en nosotros. Que triste la historia de sus padres, debió ser muy difícil para ella perderlos a temprana edad. Aun así me gusta que siga siendo alegre y siempre tanga una sonrisa en los labios. Sin más que decir; Esperamos tenerte pronto por aquí, tienes 24 horas para enviar la cuenta de tu personaje. ¡Bienvenida a Hawaii!

► AUDREY DIANE HOGARTH MARTHENS

Faceclaim: Anne Hathaway Edad: 34 años Ocupación: CEO of Green Planet. Inclinación sexual: Bisexual Dónde nació: California Dónde vive: Hawai

► HISTORIA

Audrey Diane, un nombre lleno de historia, un nombre del cual no se siente merecedora. Sus padres eran dos personas apasionadas de los derechos humanos y la igualdad de género. Aunque en su época la situación era mucho peor ellos se decidieron firmemente a luchar por los más desvalidos e incansablemente conseguir derrumbar las barreras de una idea que nunca debió prosperar.

Ambos eran abogados, activistas y defensores. Se casaron en su juventud y pronto tuvieron a su hija, sin embargo, aunque todo parecía marchar de maravilla para la recién formada familia una tragedia inesperada los tomó por sorpresa a todos y el resultado dejó a más de una persona devastada. Fue en un viaje a Viena, cuando asistirían a la Conferencia de las Naciones Unidas, que sucedió. El avión en donde viajaban presentó fallas que fueron mortales para todos los pasajeros. El cuerpo de sus padres nunca fue encontrado, aunque a pesar de esto ambos fueron enterrados simbólicamente y el recuerdo y gratitud de muchos reinó en sus corazones durante años.

Desde entonces, desde los 11 años, Audrey vive con su abuela paterna quien en la actualidad es su único familiar vivo. El suceso la marcó completamente, fueron años de suma dificultad no sólo para ella sino también para sus familiares. No cambió su alegría y ocurrencias pero en sus ojos era evidente que algo había muerto, ese brillo especial estaba ausente y sin posibilidades de recuperarse.

Comparte el ideal de la familia, por esta razón durante muchos años ha sido una fuente de ayuda para miles de organizaciones con propósitos de ayuda a la igualdad de género. Con la diferencia de que ella no vive bajo lo establecido por la sociedad.

Fue aceptada en la prestigiosa Universidad de Cambridge, para estudiar Finanzas y Comercio Internacional pero a los pocos meses de haber empezado se dio cuenta de que no era algo que disfrutaba así que decidió regresarse a su país y estudiar Turismo y Hospitalidad.

Ha decidido mudarse porque siempre necesita un cambio de ambiente, conocer gente nueva y llenarse de nuevas culturas. Además ha recibido un contrato muy bueno y el puesto de Directora de una compañía de turismo que tiene sucursal en la Isla. Como siempre, lo hace con su fiel compañera, su abuela.

►PERSONALIDAD

Es una mujer que a simple vista tiene la vida en perfecto orden, siempre tiene un estilo impecable al vestir y da la sensación de ser una mujer empoderada y dueña de su vida, y en cierto modo lo es pero en muchos aspectos no tiene ni idea de que sentir o como actuar. Muchas veces puede actuar como la mujer que lo tiene todo controlado y que lo consigue todo con un simple abrir de sus labios, sin embargo, otras veces puede ser un total desastre que no sabe ni que sentir. No se rige por lo que dice la sociedad. Detesta sentirse manejada o vigilada, actúa según sus instintos y luego piensa en que tan malas serán las consecuencias.

Es por lo general es una mujer muy sonriente, complaciente y atenta. Es difícil verla molesta puesto que su sello de presentación suele ser una broma tonta o una sonrisa que ilumina las mañanas. Adora pequeñas cosas como su café por la mañana, su abrigo de lana vieja y su libro de cada noche. Es apegada -quizá demasiado- a su abuela, sólo por ella es capaz de cambiar algunas cosas, ya que lo último que hace es causarle molestias o angustias.

Es coqueta, decidida, muy chic y disfruta de la atención que recibe de los demás. No teme meterse con alguien que le interese y tampoco le importa establecer una relación a largo término.

► DATOS EXTRA

Tiene un tatuaje en su espalda.

La moda es su pasión.

Es fotógrafa por hobby.

Tiene muy buenas habilidades en la cocina.

Su signo zodiacal es Escorpio al igual que Hillary Clinton, por quien fue nombrada.

Es una retirada bailarina.

#audicion aceptada #anne hathaway

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cristianvedocs · 5 years

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The Giant’s Dream: The Making of the Iron Giant (2016)

Dir. Anthony Giacchino. 55min. | IMDB

“Lo que le dije a él (Brad Bird): ‘Mira, según la taquilla, el público, los números, te sientes un fracasado, pero esto pasará. Hiciste un clásico. Quedará en el corazón y la mente de todos los que la vean. Vivirá para siempre.’”

- Guillermo del Toro

Quince años después de su estreno en cines, fueron los que tuvieron que pasar para que pudiera ver por primera vez El Gigante de Hierro, de Brad Bird, basada en la novela “El hombre de hierro”, escrita por Ted Hughes. Era en un tiempo en el cual no estaba con recursos suficientes como para comprar o encargar la edición especial de la película en DVD, la mejor edición disponible en ese entonces. En su lugar, con lo que contaba era con un archivo MP4 con la película en español latino, que alguien había compartido en un tracker en el que hoy ya no estoy, y no tenía una tele de 32 pulgadas como la que tengo ahora para poderla ver, sino que en su lugar la pantalla que tenía enfrente era una pantalla LCD de notebook de 15.6 pulgadas.

Fue un día en el que a la noche nos habían invitado a un restaurant por la celebración de un cumpleaños, así que para pasar el rato antes de ello me programé poner el notebook enfrente y ver la película. Y despues de poner los ojos en los 90 minutos de su versión original, casi me quería poner a llorar por el final de esta historia de amistad entre Hogarth Hughes y el gigante robot que cae cerca de donde vive. Lo que me faltó en su momento es haber dicho que esa película debería haberla visto en cines.

Retrocedo a 1999. En ese entonces mi cabeza estaba en cualquier parte, menos en el interés en ir a una sala de cine. La última película que había visto antes era la Godzilla de Roland Emmerich un año antes, en una sala de los en ese entonces cines Showcase (hoy CineHoyts) del Parque Arauco. O mejor dicho, que no había visto. Estaba en uno de los asientos de más adelante, y estaba traumado por el sonido envolvente y lo que estaba en pantalla, y la mayor parte del tiempo tenía la cabeza, o agachada, o con los ojos tapados. Pasarían aproximadamente tres años y medio antes de volver a pisar una sala de cine. Con eso bastó para formar parte de las estadísticas sobre la gente que se perdió la posibilidad de ver El Gigante de Hierro en cines.

De todos modos, no fui el único que no la vio en su estreno original en salas, hay muchos más, en especial en su país de origen, Estados Unidos. Esto es porque la película fue un fracaso comercial. De acuerdo a cifras de Box Office Mojo, de los US$ 70 millones de presupuesto que tuvo, la recaudación en el mercado doméstico ni siquiera llegó a la mitad de ese monto. En contraparte, la película tiene una opinión muy positiva de la crítica especializada. Roger Ebert en su artículo sobre la película, la comparó con el trabajo de Miyazaki. Estos dos puntos llevaron a la película a ganar un estátus de culto después de su lanzamiento en VHS, DVD y Laserdisc; al grado que Cartoon Network en Estados Unidos se dio el gusto de poner en su programación, y más de una vez, la película por 24 horas consecutivas.

El mismo año en el que vi El Gigante de Hierro por primera vez, Bird ya tenía tres películas más en su currículum, y empezó a sentar discusiones con Warner Bros. para un lanzamiento de una nueva edición de la película que contaría con dos escenas adicionales que estaban contempladas para ser incluidas, pero por razones de tiempo y presupuesto se quedaron fuera de la película. Esta edición es la que se conoce como la edición Signature, la que fue estrenada en cines en Estados Unidos y Canadá como evento en el año 2015, y sería la garantía de que la película sería lanzada en Blu-Ray. Cuando finalmente se anunció para dicho formato físico, llamó la atención el tiempo que demoró en salir. Y desde el estudio explicaron el porqué: Estaba en producción el documental protagonista de este artículo.

The Giant’s Dream cubre la creación de El Gigante de Hierro, partiendo con la carrera de Bird hasta ese momento, y de como llegó a escogerse esta película en su debut como director en la pantalla grande, pasando por el vertiginoso proceso de producción, hasta llegar al desastre comercial. Además del propio Bird, participa buena parte del equipo de realización de la película, algunos ex-compañeros de trabajo de Bird, y también algunos ejecutivos de Warner que estaban en su puesto en el período de tiempo en el que la película estaba en producción.

¿Porqué se parte con los inicios de la carrera de Bird siendo que el documental es sobre El Gigante de Hierro? Porque para poder entender su modo de trabajo, su visión de la animación, y las motivaciones que le llevaron a tomar las riendas de este proyecto, es necesario remitirse a esos inicios. La carrera de Bird está marcada por la ilusión por Disney en su adolescencia, y luego una desilusión por ese estudio durante los inicios de su carrera profesional. El primer trabajo de Bird después de titularse fue en Disney, y lo califica como una decepción, porque consideraba que su plana mayor apostaba solo a lo seguro, y no buscaba correr riesgos. Para ese entonces, Bird ya tenía claro sobre como él quería que fuera la animación, como lo plasmó en unas pruebas de su propia versión de The Spirit, basada en el cómic homónimo de Will Eisner; que podría haber sido llevada a la pantalla grande de no ser porque los otros estudios de Hollywood fuera de Disney no se les ocurría como poder venderla al público, o sentían que íban a perder compitiendo con Disney. La podía haber ofrecido a Disney, pero por sus antecedentes ahí, se la habrían tirado por la cabeza.

En ese entonces Disney estaba viviendo su propio renacimiento de gloria en las películas animadas. La Sirenita (1989) fue la que empezó, pero fue El Rey León (1994) la que consolidó esta nueva época dorada para el estudio, y esa fue la señal para que los demás estudios empezaran a ver esto como una potencial mina de oro y crear sus propias producciones. Dos de los estudios que se subieron al carro fueron Warner y Turner. El primero ya con una extensa trayectoria en animación gracias al legado de los animadores que salieron de Termite Terrace como Chuck Jones, Robert Clampett, Tex Avery, Friz Freleng, entre otros. El segundo porque dentro de sus propiedades figuraban Hanna-Barbera y la librería de cortos de Tom y Jerry que estaba dentro del catálogo de MGM hasta 1986 que adquirieron hace casi 10 años atrás. Pero ninguno de los dos representó competencia para Disney, y tuvieron sendos fracasos de taquilla. Pasó el tiempo y Time Warner, la matriz de Warner, compró Turner. Y entre el personal de Turner con contrato vigente que pasó a Warner, estaba Bird con su guión de Ray Gunn, otro proyecto de él.

Warner, ya con Bird en sus filas, barajaba el proyecto del musical animado de El Gigante de Hierro, basado en la novela de Hughes, con participación de Pete Townshend de The Who -acreditado como productor ejecutivo de la película-. Bird decidió leer la novela, y tras haberla leído algo cambió en él que le hizo pensar que en lugar de un musical se puede hacer algo mucho mejor. Porque el costado de la novela con que hace nexo con la realidad es que Ted Hughes la escribió como una sanación emocional después del suicidio de su esposa. A Bird le hizo sentido y pudo anexarlo con su vida, porque años antes sufrió la muerte de su hermana Susan a causa de un incidente con armas de fuego. Es en este punto donde su visión de la película pudo resumirla en: “¿Y si un arma tuviera alma, y no quisiera ser un arma?”. Esa visión se transformó en la oportunidad para plantear a los ejecutivos de Warner que se podía hacer algo distinto, a diferencia de Disney. Y ellos no pusieron peros. Bird tuvo luz verde para su película. El sueño se empezaba a hacer realidad.

Pero había un problema, ¿con quiénes trabajar? Disney y DreamWorks se habían llevado a los grandes talentos. Bird, por su parte, tuvo que trabajar con lo que le quedaba a Warner. Dean Wellins, uno de los animadores en la película, hasta antes de El Gigante de Hierro, no había dibujado jamás un storyboard en su vida. La productora Allison Abbate llevaba una producción de este envergadura por primera vez en su carrera. En buen chileno, “es lo que había”. Al problema del equipo de producción hay que sumar los límites de tiempo, de presupuesto, y que Bird no estaba convencido de usar el material gráfico que estaba diseñado para el musical. Pero nada de esto lo hizo intimidarse. Supo salir del tema del diseño del protagonista principal gracias a las colaboraciones de Joe Johnston, director de Jumanji y técnico de efectos en la película original de Star Wars. La previsualización de la película la lograron realizar con software barato, logrando hacer más con menos plata. Eso si, este nivel de sacrificio involucró tambien discursos de alta intensidad entre Abbate y Bird.

Warner le dio libertad creativa a Bird y a su equipo, pero eso también está asociado a los rumores que existían sobre cerrar el área de producciones animadas para cine de Warner debido al fracaso comercial de Quest For Camelot (1998), y por consiguiente el posible desinterés del estudio por lo que se estaba trabajando en ese entonces. Al terminar la producción, el estudio se enfrentó a una situación complicada: Crear el marketing de la película para el público en general, a tan solo cuatro meses de su estreno en cines. A tal grado llegó la desesperación, que desobedeciendo una orden directa de Bird, un miembro del equipo filtró en Internet una copia en crudo de la película, con el solo objetivo de generar interés. Pero ni la opinión positiva desde fuera del estudio y en los screenings de prueba, ni el trabajo tardío de la gente de marketing fueron suficientes. Y el resto es historia conocida.

Vuelvo al mismo año en el que vi El Gigante de Hierro. Un tiempo antes de ver esa película, había visto en cines La Gran Aventura LEGO (2014). Era el regreso de Warner a la animación para cines con un nuevo estudio. Pero viendo algunos de los trabajos que hace Warner ahora, mi problema radica en su similiaridad con trabajos de otros estudios, sean Ilumination, Blue Sky, o DreamWorks. No en términos de apariencia gráfica, sino que en concepto. El ejecutivo de cines promedio pensaría que es suficiente poner unos animales o criaturas bonitas en animación CG para asegurar el éxito, y en algunos casos funciona. Las tres Madagascar fueron un éxito. Las dos Rio también. La imagen de esos ejecutivos no me suena muy distinta de la de los ejecutivos de Disney al momento que Bird estaba trabajando ahí.

Bird piensa la animación de otra forma. Incontables veces le he leído su frase de que “la animación es un medio, no un género”. Este mantra es el que se ha ído armando a lo largo de su carrera en ese ámbito. Esa visión suele diluirse cuando se pasa de la mente del director de cine a la mente de la cabeza de un estudio o de una persona del área de marketing. Es comprensible que los ejecutivos quieran que su película recaude lo más posible, y para ello venden la película de la forma más atractiva que se pueda, pero en el proceso terminan subestimando a su público, o vendiendo en el material promocional una imagen de la película que no es tal una vez que el público la ve en cines. Los que vieron El Gigante de Hierro, por un momento juguemos a ser ejecutivos de Warner: Veía el spot de El Gigante de Hierro que sale en el documental, con música rock y unos one-liners de peso. ¿Ustedes la habrían marketeado así?

Hace muy poco leí que Missing Link (2019), la nueva película de LAIKA, está teniendo la peor recaudación de las películas de este estudio en el mercado doméstico. El artículo cita como una de los fallas básicas de la película a la falta de un público objetivo definido, y eso es culpa de la gente de marketing por haber vendido la película como lo hicieron ellos. Sin saber siquiera si se va a estrenar Missing Link por estos lados, estoy seguro que quienes la hicieron tienen cosas duras que decir dentro de la película, no la hicieron pensando que el personaje principal va a ser argumento suficiente para que los niños vayan a verla. Y un estudio como LAIKA no haría una película de animación floja, con una historia igual de floja, y personajes planos que solamente atraen por lo bonitos que son. Vean Kubo y la búsqueda samurai (2016), y después pasen a ver los making-off de la película para que vean como se hizo, en especial las escenas en el mar y la pelea con la bestia lunar, y se van a dar cuenta de lo que digo. Lo que está pasando con Missing Link va a dar cabida a que los estudios de cine dejen de confiar en LAIKA, y posiblemente poner en riesgo su existencia como estudio. Y eso es triste, en especial porque LAIKA comparte la misma visión de la animación que Brad Bird, la que permite mostrar historias que no se podrían contar en live-action.

The Giant’s Dream: The Making of the Iron Giant está incluido como material adicional en el Blu-Ray de la Edición Signature de El Gigante de Hierro. Se puede adquirir por encargo o por su tienda de películas en físico favorita.

Imagen de cabecera: Storyboard de la película. Fuente: Living Lines Library. © Warner Bros Entertainment Inc.

#The Giant's Dream: The Making of the Iron Giant #Cine #Animación

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varsoviacomix · 7 years

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El Manifiesto de la Novela Gráfica

Existe un enorme desacuerdo (entre nosotros mismos) e incomprensión (por parte del público) acerca del tema de la novela gráfica que hace necesario establecer unos principios básicos.

Novela Gráfica es un término discutido. Pero lo emplearemos partiendo de la premisa que por “gráfico” no nos referimos a gráficos y que por “novela” no nos referimos a nada relativo a las novelas (de la misma manera que “Impresionismo” no es un término estrictamente aplicable; de hecho fue empleado originalmente como un insulto y posteriormente adoptado como desafío).

En virtud de que no estamos en forma alguna refiriéndonos a la novela literaria tradicional, no sostenemos que la novela gráfica debe ser de las mismas dimensiones o peso físico. En consecuencia los términos “novella” y “novellete” no son aplicables aquí y sólo contribuyen a confundir y distraer a los espectadores de nuestro objetivo (ver siguiente), haciéndoles creer que estamos creando una versión ilustrada de literatura tradicional cuando en realidad tenemos un pez más grande que freír en la sartén; esto es, estamos forjando una nueva forma de arte que no estará atada a las reglas arbitrarias de una anterior.

“Novela Gráfica” significa un movimiento y no una forma. De manera tal que podemos hacer referencia a “antecedentes” de la novela gráfica, como las obras en xilograbado de Lynd Ward, pero no tenemos interés en aplicar la clasificación de manera retroactiva.

Si bien el novelista gráfico contempla con satisfacción los antecedentes de genios y profetas sin cuyo trabajo no pudiera haber visionado el suyo propio, no se siente obligado a ponerse en fila detrás de Rake Progress (La carrera del libertino), de William Hogarth cada vez que obtiene una mención o publicidad para sí mismo o para el arte en general.

Ya que el término define un movimiento, un evento en evolución, a diferencia de una forma, no se gana nada con definirlo o “medirlo”. Tiene una antigüedad de aproximadamente treinta años, aún cuando el nombre y concepto a comenzado a sonar desde hace apenas unos diez. Como aún se está desarrollando existe la posibilidad de que cambie su naturaleza para esta fecha el año que viene.

El objetivo del novelista gráfico es el de tomar el concepto del comicbook, que se ha convertido en algo bochornoso, y elevarlo a un nivel más ambicioso y significativo. Esto implica generalmente expandir su volumen, pero debemos evitar entrar en argumentos acerca del tamaño permisible. Si un artista ofrece un par de historias cortas como su nueva novela gráfica, (como hizo Eisner con A Contract with God) no debemos caer en polémicas. Sólo demos preguntarnos si su novela gráfica es un buen o mal par de historias cortas. Si él o ella utilizan un personaje que aparece en otra obra, como las varias apariciones de Jimmy Corrigan fuera del libro principal, o los personajes de Gilbert Hernández, etc. O incluso personajes que nosotros no queremos permitir en nuestra “sociedad secreta,” pues no debemos descartarlos por esta causa. Si su libro no se asemeja para nada a los cómics que nosotros conocemos no debemos polemizar tampoco sobre esto. Sólo debemos preguntarnos si dicha obra contribuye de alguna manera a la suma total del conocimiento de la humanidad.

El término novela gráfica no debe ser empleado para describir un formato comercial (como “trade paperback” o “tapa dura” o “Prestige”). Puede ser un manuscrito inédito, o serializado en partes. Lo importante es la intención, aún si la intención llega después de la publicación original.

El tema del novelista gráfico es todo lo existente, incluyendo sus propias experiencias. El o ella desdeñan los “géneros de ficción” y todos su feos clichés, aún cuando siempre se busca mantener una mente abierta. Resienten especialmente la noción, aún prevaleciente en muchos círculos, y no injustificadamente, de que los cómics vienen a ser un subgénero de la ciencia ficción o de la fantasía histórica.

El novelista gráfico jamás pensará en emplear el término novela gráfica cuando hable con sus colegas. Entre ellos se referirán por norma general a su trabajo como “mi último libro” o su “obra en proceso” o “el viejo trasto”, e inclusive “cómic” etc. El término se empleará como un blasón o una vieja bandera que deberá ser blandida a la llamada de la batalla o al mascullar la pregunta de la sección correspondiente en una librería desconocida. Los editores deberán emplear el término repetidamente hasta que signifique aún menos que la nulidad que representa actualmente. Aún más, los novelistas gráficos están muy conscientes que la próxima generación de dibujantes escogerá trabajar en formas aun más sencillas y se mofarán de nuestra pomposidad.

El novelista gráfico se reserva el derecho de disentir de alguno o de todos los conceptos mencionados anteriormente si ello le representa ventas rápidas.

#Manifiesto de la Novela Gráfica #eddie campbell #novela gráfica

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theangrypomeranian · 5 months

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Summary:

There was one thing Amma used to say when Susmita was younger that she hadn’t really given much thought to: “Life doesn’t always turn out the way you plan.” Looking back, she wished she’d realized that Amma had specifically meant her life. . Hogarth’s mother stared at Susmita with wide eyes. “You saved his life?” “It gets even better.” The nurse was grinning ear to ear as she happily announced, “She’s also his fiance.” It felt like someone had punched her in the gut and Susmita nearly doubled over. What?? Fiance?? . . . Public bus worker Susmita's lonely life is flipped upside down when she is mistaken for the fiance of the man she's been pining after for months. Things become even more complicated as she gets closer to his family, especially his older brother Henry... Inspired by the movie While You Were Sleeping. Title from the song Can't Sleep Love by Pentatonix.

Read chapter 1 here

#hemita #henry haber x Susmita #henry haber #susmita bob's burgers #hogarth haber #mort bob's burgers #abbey kindler (oc)#bob's burgers #bb fic #pom writes bb fic #wyws au

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ltwharfy · 8 months

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Hiiii! I wanted to ask what are some of your more out there headcanons? Like maybe this has no basis in canon (or just a liiittle bit of a basis) but you still believe it wholeheartedly?

I recently developed a number of headcanons that I really love about a character who has never spoken on the show (except possibly as part of a group chanting). I guess that is pretty out there! So I'm using this as an excuse to share my Hogarth Haber headcanons that I came up with while writing my Henry/Susmita fic:

-Although they are four years apart, Hogarth and Henry are really close, even closer than Tina and Louise. They both consider the other one to be their best friend. They love watching sci-fi shows and movies together (including all the Star Trek shows and, of course, Firefly), playing with action figures, and playing all types of games. Hogarth is the only person (until Susmita) to read all 17 installments of Henry's graphic novel.

-When Henry starts dating Susmita, it's tough for Hogarth. On the one hand, he is annoyed that Henry has someone else he wants to spend time with. On the other, he thinks Susmita is really cool and develops a bit of a crush on her himself. This leads to Hogarth acting up- he bothers Henry and Susmita when they want to be alone together, but acts moody and withdrawn when they actually try to include him. Eventually, he reaches a place where he accepts Susmita and sees her as kind of a big sister; often talking to her about personal relationships and emotional issues, which she is more insightful on than his actual family.

-Hogarth believes that Henry is the more intelligent of the two of them, but that he is more socially adept. This is accurate, but the difference isn't as big as Hogarth likes to believe.

-Chloe Barbash does the same flirting to get quiz answers thing with Hogarth that she does with Rudy. It just depends who is sitting closer to her in a particular class. Hogarth is more skeptical of Chloe than Rudy is, but he still tends to give her the answers because he likes the attention from her.

-However, the girl in his class that Hogarth really has a bit of a crush on is Harley. He really admires her outgoing, talkative nature and how she tries to be friends with everyone in the class. (I totally ship Harley/Hogarth now. The ship name is Hargarth.)

#bob's burgers #headcanon #hogarth haber #henry haber #susmita bob's burgers #chloe barbash #harley bob's burgers #i kinda want to write a fic about hogarth's reaction to henry and susmita dating now #hargarth #thanks for the ask!#babsvibes

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mujeresbacanas · 7 years

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Letras modernistas y un final trágico

Virginia Woolf

(1882-1941)

Es uno de los nombres clave de la literatura moderna. Su figura ha trascendido por su aporte rupturista; la narrativa de Virginia Woolf salió de la tradicional descripción de personajes seguidos de acciones concretas, con clímax y desenlace. Sus obras exploraron la conciencia humana y el monólogo interno utilizando formas líricas más propias de la poesía. La escritora modernista fue dueña de una originalidad creativa que desafió el tiempo lineal como espacio literario y jugó libremente con la identidad sexual de sus personajes.

Su vida, sus novelas, su fuerte discurso feminista, sus tormentos psicológicos –que luego serían tipificados como trastorno bipolar-, su trágico suicidio sumergiéndose en las aguas del río Ouse con los bolsillos de su abrigo cargados de pesadas piedras, y la desoladora carta de amor que dejó a su marido, han sido ampliamente tratados por la literatura, el teatro y el cine. Se puede conocer a Virginia Woolf, incluso sin haber leído sus libros.

Adeline Virginia Stephen nació en una familia formada por el novelista e historiador sir Leslie Stephen y Julia Prinsep Jackson, ambos viudos y con hijos de sus anteriores matrimonios. Creció en un hogar ilustrado y un entorno victoriano en el cual personajes como Henry James y Edward Burne-Jones eran invitados a la mesa. Las muertes de su madre, de su hermanastra Stella y luego de su padre, marcaron sus primeros episodios depresivos. Luego de salir de una profunda crisis nerviosa, Virginia se fue a vivir con sus hermanos Vanessa y Adrian a la calle Bloomsbury que se transformaría en el domicilio del grupo homónimo compuesto por intelectuales y artistas que participaban de fiestas, tertulias e incluso representaciones teatrales. El discurso del grupo Bloomsbury se basaba en un criterio estético y un rechazo a los valores de la clase media alta a la que pertenecían; no creían en la exclusividad sexual, por ejemplo. Ahí fue donde la escritora conoció al economista Leonard Woolf que en 1921 se transformaría en su marido.

Leonard fue su gran compañero y juntos formaron la editorial Hogarth Press. “Si alguien podía haberme salvado habrías sido tú. Todo lo he perdido excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir arruinando tu vida durante más tiempo. No creo que dos personas pudieran ser más felices que lo que hemos sido tú y yo”, le escribió Virginia antes de quitarse la vida. Durante la década de los 20 la escritora también mantuvo una relación íntima con Vita Sackville-West a quien dedicó la rupturista biografía Orlando (1928).

Las obras más emblemáticas de Virginia Woolf son La Señora Dalloway (1925), Al Faro (1927), Las Olas (1931), Entre Actos (obra póstuma) y el ensayo Una Habitación Propia (1929) que es sin duda una pieza elemental de la literatura feminista. «Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción», sentenció la escritora patentando las dificultades que tenían las mujeres para sobrevivir profesionalmente en un mundo de hombres. Woolf también destacó por su críticas literarias y sus particulares biografías como la genial recreación de la vida de los Browning contada a través de su perro Flush.

En 1941 el fascismo cundía por Europa, la II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la frágil estabilidad psicológica de Virginia una vez más tambaleaba. Un frío 28 de marzo se sumergió en las aguas del Ouse, cerca de su casa. Su cuerpo apareció varios días después y descansa bajo un árbol en Sussex.

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joseandrestabarnia · 2 years

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Título: La recompensa de la crueldad, 1750, impreso alrededor de 1805

Artistas: John Bell (Inglaterra, 1721-1780), después de William Hogarth (Inglaterra, 10 de noviembre de 1697-1764)

Acerca de

En el siglo XVIII, el grabado en madera se había vuelto obsoleto en gran medida para realizar impresiones finas. Si bien el grabado de líneas siguió siendo la técnica principal, seguida del aguafuerte, la mezzotinta y, más tarde, la aguatinta, la xilografía se redujo a la condición de primo pobre, el coto de los grabados moralizantes baratos y populares y otras cosas efímeras como las bordas.

Hogarth esperaba aprovechar la humildad del grabado en madera en su beneficio. Así que se embarcó en un proyecto para diseñar una serie de grabados, para ser cortados en madera por John Bell, que tendrían una circulación más amplia que sus grabados en cobre más costosos y que, idealmente, llegarían a su público objetivo entre las clases bajas. Como afirmó en sus notas autobiográficas, estas impresiones no requerían "ni una gran corrección de dibujo ni un fino grabado".

El conjunto planeado de grabados en madera que ilustran las Cuatro etapas de la crueldad nunca se realizó en su totalidad; sólo se hicieron dos grabados en madera (reproducidos aquí) antes de que el proyecto fuera abandonado por no tener éxito. Hogarth, sin embargo, publicó el conjunto completo de cuatro impresiones (más pequeñas) en una versión grabada.

Las imágenes fueron pensadas desde el principio para tener un propósito de reforma. Como explicó Hogarth: 'Las cuatro etapas de la crueldad, se hicieron con la esperanza de prevenir en algún grado ese trato cruel de los pobres animales que hace que las calles de Londres sean más desagradables para la mente humana, que cualquier otra cosa, la muy descriptivo de lo que da dolor. El mensaje moral de Hogarth no podría haber sido más directo: los niños crueles que se dejan sin restricciones se convierten en adultos crueles.

Las cuatro etapas de la crueldad, relata la carrera de Tom Nero, un niño de los barrios marginales, que comienza torturando perros, progresa hasta golpear caballos discapacitados en la calle y luego, de mayor, asesina a su amante embarazada, Ann Gill. La escena de Crueldad a la perfección es un cementerio por la noche, donde Nero es arrestado mientras el cuerpo de Gill yace en el suelo, con la garganta cortada, en medio de un paquete de platos que robó a su amante a pedido de Nero.

El título de Hogarth para la impresión definitiva, La recompensa de la crueldad, desmiente el macabro final de una vida dedicada a actos bárbaros. En esta obra, Nero es diseccionado en un teatro de anatomía por cirujanos como un criminal ejecutado, con una soga todavía alrededor de su cuello. El cirujano jefe se sienta en el centro en una silla elevada y pincha el cuerpo con un puntero. Como en un juicio, con el escudo de armas real sobre él, esta figura distante también es un recordatorio de que la ley tenía el poder de imponer un castigo más allá de la muerte a los criminales ahorcados al hacer de la disección parte de una sentencia oficial.

Los cirujanos parecen mostrar un grado de deleite en la disección gratuita del cadáver de Nero, un entusiasmo comparable al que Nero había exhibido en su extrema y sádica aplicación de crueldad a los animales. Irónicamente, ahora es la víctima y un perro se prepara para alimentarse de su corazón.

Peter Raissis, Grabados y dibujos Europa 1500–1900, 2014

Detalles:

fechas: 1750, impreso alrededor de 1805

Categoría de medios: Impresión

Materiales usados: xilografía

Dimensiones: Marca de bloques de 45,7 x 38,3 cm; Hoja de 56,5 x 47,5 cm

Fecha de firma: No firmado. Sin fecha.

Crédito: Fondo de legado Tony Gilbert 2012

Información e imagen de la web de la Art Gallery NSW.

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