#iconich

[buscandoelparaiso]

e in linea con questa olimpiade, abbiamo anche un quarto posto nella ginnastica perchè oro e bronzo sì ma la priorità è sempre il legno

[campadailyblog]

Sia: Artista Misteriosa e Cantautrice di Successo

Sia nasce ad Adelaide, in Australia, e conquista il pubblico con la sua voce potente. I suoi testi intensi e lo stile unico la rendono un’artista misteriosa. Nonostante il grande successo, Sia mantiene un profilo discreto. La sua carriera è segnata da sfide personali e l’innovazione. Questo la rende una cantautrice di successo. Ha lavorato con artisti famosi del mondo musicale. Sia ha reinventato…

[giovanni-miele-photographer]

L'articolo presenta l'artista Dara Birnbaum e la sua genialità artistica attraverso un'analisi approfondita delle sue opere iconiche.

Vengono esaminati sia la tecnica utilizzata dall'artista che il significato delle sue creazioni. L'autore delinea il percorso artistico di Birnbaum, evidenziando come la sua arte abbia affrontato tematiche di genere, politiche e sociali in modo innovativo ed efficace.

L'articolo si rivolge a tutti coloro che sono interessati all'arte contemporanea e che desiderano conoscere meglio il lavoro di un'artista di grande talento e rilevanza nel panorama artistico mondiale.

[pristina-nomine]

Per festeggiare il 25 aprile e la liberazione dell'Italia dal nazifascismo, abbiamo chiesto a Margherita Giusti, regista del cortometraggio animato The Meatseller e vincitrice del David di Donatello, di realizzare un'illustrazione ispirata a Porco Rosso di Hayao Miyazaki.

Grazie a Margherita per il suo bellissimo lavoro: un acquerello che ritrae Marco Pagot e che cita una delle battute più iconiche del capolavoro di Miyazaki.

Buon 25 aprile a tutti!

(📸 Studio Ghibli Italia Instagram)

[theshowmushomusho]

ESCONO MANO NELLA MANO

SALGONO SU UNA CARROZZA CON SOTTO LA MUSICA I SOGNI SON DESIDERI

VOI DUE NON SAPETE COSA AVETE FATTO

oppure si e siete completamente pazzi come noi. In qualunque caso grazie, grazie per aver reso queste serate iconiche. Ci mancherai Amadeus!!!

[fallimentiquotidiani]

Ansie croniche ma tette iconiche

Un paio di tette perfette spazza via anche le ansie più dirette

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #327 - U2, The Unforgettable Fire, 1984

L'ultimo edificio di questa piccola carrellata di dischi che ne hanno uno in copertina ci porta nella Contea di Westmeath, nel cuore d'Irlanda, con le rovine di un castello, quello di Moydrum, situato nei pressi della cittadina di Athlone. Lì quattro ragazzi irlandesi, insieme a quello che diventerà il loro amico e fotografo per i successivi quattro decenni, Anton Corbijn, posano per la copertina di un disco che nelle loro intenzioni doveva rappresentare una svolta concettuale e musicale. È facile d'altronde mettere a confronto le prime copertine degli U2 con questa, e rilevarne la differenza concettuale: lo sguardo dolce di Peter Rowen, il fratellino di Guggi, amico di Bono, che capeggia in Boy (1980), la band ripresa in October (1981) sullo sfondo il porto di Dublino, e lo sguardo, rabbioso e drammatico, dello stesso Peter Rowen in War (1983, una delle copertine più iconiche del decennio). Dopo il tour di War, Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr. cercano una svolta. Bono, con una mossa che riprenderà anche in futuro, annunciò all'ultimo concerto di quel tour che la band necessitava di "essere sciolta".

Un rinnovamento che passa da un nuovo approccio alla composizione e da una guida in produzione musicale che sia diversa da Steve Lillywhite, che li aveva seguiti nei primi tre capitoli della loro storia. The Edge, affascinato dai suoi lavori discografici e dal suo ruolo di produttore per i Talking Heads, chiede di contattare Brian Eno. La scelta non sembrava affatto sensata: una band sanguigna, epica, con il guru della musica ambient, della sottrazione emotiva. Lo stesso Chris Blackwell, il proprietario della Island, la casa discografica che li aveva scoperti, era scettico. E lo stesso Eno all'inizio lo era. Ma l'ascolto del loro live Under The Red Blood Sky lo convinse a provare. Porta con sé un tecnico del suono geniale, anch'egli musicista, il canadese Daniel Lanois, incaricato degli aspetti materiali e tecnici delle registrazioni, e indica alla band un orizzonte che se ancorato alla passione, all'epica, alla forza della loro musica originaria, la amplia in scenari vasti, che diluiscono i colori e regalano emozioni nuove all'ascolto.

Registrato nella sala di ballo, trasformata in studio di registrazione, di un altro castello, lo Slane Castle, e presso gli studi di Windmill Lane a Dublino, The Unforgettable Fire prende il nome dal titolo di una mostra fotografica itinerante giapponese sui disastri di Hiroshima e Nagasaki, che i quattro videro al The Peace Museum di Chicago. È una sensazione diversa ascoltare il suono, ricco, cinematografico, di A Sort Of Homecoming che apre la scaletta. Un suono arioso, sostenuto, con l'abbandono della batteria "militaresca" dei lavori precedenti, la chitarra di The Edge che inizia a disegnare paesaggi luminosi, il supporto robusto del basso di Clayton e Bono che si lancia nella descrizione di paesaggi spirituali niente male: hai fame di tempo\tempo per guarire e desiderare, del tempo\e senti la terra muoversi sotto di te\il paesaggio di sogno che hai creato (...) le mura della città sono cadute\la polvere, un velo di fumo tutt'intorno\volti arati come i campi che un tempo\ non opponevano resistenza. Dello stesso tenore, con quest'aggiunta espressionista, sono Wire (addirittura pensata solo come abbozzo nel testo, e registrata con Bono che in parte improvvisa durante il canto) la spettacolare The Unforgettable Fire, e Indian Summer Sky, che è l'espressione anglofona per l'Estate di San Martino. Canzoni che tra l'altro sfuggono alla struttura classica con la ripetizione del ritornello, spesso non citano il titolo nel testo e entusiasmano, spesso ancora oggi, per il lavoro di addizione sonora e di sensazioni che lasciano. Ma è un album che contiene tanto altro: due strumentali, 4th Of July (che è il giorno della nascita della prima figlia di The Edge, e registrata quasi di nascosto da Eno mentre Clayton e il chitarrista improvvisavano) e MLK, dedicato a Martin Luther King, al quale è dedicato anche il brano simbolo del disco, e primo singolo dell'opera, Pride (In The Name Of Love), il cui video musicale fu girato nella sala da ballo allestita a studio di registrazione dello Slane Castle. C'è la poesia dolce e fluttuante di Promenade, un gioiellino che racconta il flusso di pensieri durante una passeggiata, c'è l'esperimento di Elvis Presley And America: basata sulla traccia base rallentata di A Sort of Homecoming, è una improvvisazione canora di Bono, che immagina il Re, ormai sul viale del tramonto, che ricorda il suo passato, specialmente il suo rapporto con Priscilla, e fu una single take lasciata così, grezza e con la voce che dà la sensazione di un'eco più lontana e oscura. Rimane un ultimo grande pezzo: Bad fu scritta da Bono in ricordo di un suo compagno di scuola morto di overdose da eroina il giorno del suo 21° compleanno, è drammatica nel suo crescendo emotivo e diviene una sorta di prototipo di stile U2\Eno\Lanois. Diventerà uno dei momenti clou dei concerti negli anni a seguire.

Un disco dalle tinte sfocate, dai paesaggi sonori sfumati, dalla musicalità complessa poteva sembrare un azzardo per una band considerata così sanguigna. Invece fu un successo: primo disco degli U2 al primo posto della classifica britannica, in top ten in quella americana, e soprattutto la sensazione che la piantina musicale che qui nasce crescerà subito e velocemente, per certi versi in maniera fragorosa, per cambiare il volto alla musica dei decenni a venire. Ma probabilmente questo non lo sapevano ancora.

[buscandoelparaiso]

io che ascolto il cd di salmo

[fashionbooksmilano]

Stardust David Bailey

Con un saggio di Tim Marlow

Skira, Milano 2015, 272 pagine, 26x33,8cm, Inglese, ISBN 9788857227795

euro 58,00 - 50% €29,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

Catalogo Mostra PAC 1 marzo 2 giugno 2015

Oltre 300 fotografie, alcune delle quali inedite, selezionate personalmente da David Bailey dal suo immenso archivio, ripercorrono più di mezzo secolo di carriera del grande artista. 

Francis Bacon, Salvador Dalí, Johnny Depp, Bob Dylan, Mick Jagger, Man Ray, Bob Marley, Jean Shrimpton: una straordinaria galleria di attori, scrittori, musicisti, politici, registi, modelle, artisti, ma anche persone incontrate durante i suoi viaggi in Australia, India, Sudan e Papua Nuova Guinea; molti famosi, alcuni sconosciuti, tutti assolutamente coinvolgenti e memorabili. Nato a Londra nel 1938, negli anni Sessanta David Bailey si è affermato nella fotografia di moda come collaboratore di Vogue, divenendo uno dei più popolari esponenti del mondo della fotografia d’autore; la creazione di ritratti, geniali e spesso provocatori, è sempre stata un interesse centrale nella sua attività. Pubblicata in occasione della grande mostra milanese (co-prodotta da Comune di Milano, PAC Padiglione d’Arte Contemporanea e Tod’s) proveniente dalla National Portrait Gallery di Londra, la monografia è suddivisa per temi, con immagini iconiche affiancate da ritratti meno noti e inediti, ed è introdotta da un saggio dello storico dell’arte Tim Marlow. David Bailey, membro onorario della Royal Photographic Society, è considerato uno dei più grandi fotografi viventi. Nel 2001 è stato insignito del titolo di Commander of the Order of the British Empire, come riconoscimento per il suo impegno artistico. Ha recentemente pubblicato Bailey’s East End (2015). Tim Marlow, storico dell’arte inglese, autore di numerosi libri e presentatore di programmi radiofonici e televisivi, è direttore delle mostre della galleria londinese di arte contemporanea 

18/01/24

[unwinthehart]

In onore de La Notte della Taranta in onda sabato, rispolveriamo un po' di esibizioni iconiche

Mahmood - Sabri Aleel (2020)

2. Madame - Marea (2021)

3. Elodie - Pizzica di San Vito (2022)

4. Marco Mengoni - Klama (2023)

[thegianpieromennitipolis]

'900 - di Gianpiero Menniti

LA VITA SU UNA PELLICOLA

Il primo secolo che s'è raccontato attraverso il cinema.

Ne sono emerse forme iconiche divenute stile diffuso.

Un'idea di mondo: sentimenti, relazioni, cultura.

Oggi malinconico, lontanissimo passato.

[alessandro55]

Deborah Turbeville Le Passé imparfait 1978-1997

Steidl, Gottingen 2009, 192 pages, Texte en français, 30,2x25cm, ISBN 978-3-86521-964-0

euro 90,00

email if you want to buy booksinprogrenssmiilano@yahoo.it

Past Imperfect raccoglie le immagini rivoluzionarie di Deborah Turbeville create tra il 1974 e il 1997. Molte delle sue immagini, spesso iconiche, sono state riciclate dall'improbabile mezzo della fotografia di moda. Una quindicina di vignette catturano la sua sensibilità unica e la sua estetica elegante. Si tratta di una visione non ortodossa, allo stesso tempo ossessionante e memorabile. I personaggi (per lo più donne) interagiscono con i loro strani e sfuggenti ambienti come anacronismi; fuori luogo, fuori sincrono con il loro tempo e contesto. Mutazioni in un laboratorio di manichini, statue in una scuola d'arte di Parigi, automi in una fabbrica abbandonata. Rivelano pensieri interiori, emozioni e un senso di disagio. C'è un senso di sogno frammentato, di dislocazione, di allucinazione, di un tempo senza confini - continuo - di un passato imperfetto.

Deborah Turbeville (1932-2013), a fashion photographer representing postwar America, has created a collection of works "Le Passé Imparfait" (English version "Past Imperfect 1978 --1997"). Since the 70's, Helmut Newton, Guy Bourdin and others have transformed fashion photography with innovative works that portray the strength and beauty of women in avant-garde, while Turbeville and Sarah Moon. From a female perspective, Moon has become a contributor to the sublimation of fashion photography into art, capturing the delicacy and cuteness of women, which is mysterious and fantastic. In Japan, he also works on the images and visuals of Comme des Garcons in the 1980s, and fans who love this fantastic atmosphere are incessant. Although he died of lung cancer in 2013, this book is a collection of works that summarizes the trajectory of 20th century Turbeville published by Steidl before his life, and also includes a collage of Diana Vreeland. .. 

19/09/24

[sciatu]

Affreschi di Olivio Sozzi (Catania 1690-Ispica 1765). Poco prima del grande terremoto che distrusse tutta la Sicilia orientale, nasce Olivio Sozzi, uno dei pittori siciliani più grandi del suo tempo (1690-1765). Siamo in un periodo che non possiamo definire felice per l’isola che tra peste, terremoti e guerre vede le città spopolarsi o ridursi a cumuli di macerie. Eppure è un momento di grande fermento, di innovazione con l’introduzione del barocco e di rinnovamento con città ricostruite secondo dettami illuministici. Tra gli autori di questo disperato (perché nasce dalla distruzione) rinnovamento (perché ricrea e svecchia) c’è Olivio Sozzi. Come molti grandi siciliani l’artista cresce innestando sul talento e l’abilità artistica siciliani il respiro europeo formandosi a Roma. Dalla grande e classica città che stava anch’essa risorgendo nel Barocco, Sozzi acquisisce le forme, il gusto, il respiro universale. Tornato in Sicilia e uno dei motori della primavera artistica che nell’isola ripara i danni del triste inverno che aveva cancellato secoli di arte e di vicende storiche. La sua attività si svolge nelle città più ricche di allora, Palermo, Catania, Messina e nelle loro province spaziando dagli affreschi presso le iconiche chiese ortodosse della provincia Palermitana, fino alle rinascenti grandi chiese e cattedrali del siracusano e del catanese. Sozzi non ha l’aerea gioiosa bellezza del Borremans, con le sue leggiadre sante di bell’aspetto e i suoi cieli infiniti, è più formale, più iconico e tradizionale. Ma le sue madonne hanno l’eleganza e la perfezione dei classici, esaltano la luminosa concezione che il bello sovrasta ogni imperfezione ed orrore che la vita o la natura potrebbero darci.

Frescoes by Olivio Sozzi (Catania 1690-Ispica 1765). Shortly before the great earthquake that destroyed all of eastern Sicily, Olivio Sozzi was born, one of the greatest Sicilian painters of his time (1690-1765). We are in a period that we cannot define as happy for the island which, between plague, earthquakes and wars, sees the cities depopulated or reduced to piles of rubble. Yet it is a time of great turmoil, of innovation with the introduction of the Baroque and of renewal with cities rebuilt according to the dictates of the Enlightenment. Among the authors of this desperate (because it arises from destruction) renewal (because it recreates and rejuvenates) is Olivio Sozzi. Like many great Sicilians, the artist grew up by grafting the European flavor onto Sicilian talent and artistic ability, training in Rome. From the great and classical city which was also resurrecting in the Baroque, Sozzi acquired the forms, the taste, the universal breath. Having returned to Sicily, he is one of the driving forces of the artistic spring that repairs the damage of the sad winter on the island which had erased centuries of art and historical events. His activity took place in the richest cities of the time, Palermo, Catania, Messina and in their provinces, ranging from frescoes in the iconic Orthodox churches of the Palermo province, to the resurgent large churches and cathedrals of Syracuse and Catania. Sozzi does not have the airy joyful beauty of Borremans, with his graceful good-looking saints and his infinite skies, he is more formal, more iconic and traditional. But his madonnas have the elegance and perfection of the classics, they enhance the luminous concept that beauty surpasses every imperfection and horror that life or nature could give us.

[mimicouture]

Il perché del “SAD GIRL” aesthetic

Penso che ogni movimento, conosciuto o di nicchia che sia, ha origine da altri movimenti a loro volta conosciuti o no.

È un po’ come aprire il vaso di Pandora, o una matrioska, ed anche il più (apparentemente) sciocco e superficiale risulta essere una catena di conseguenze.

Il “sad girl aesthetic” o l’estetica della ragazza triste, è sicuramente molto più che una semplice estetica spopolata su Pinterest o Tumblr.

Che la sua popolarità sia stata dettata da Tumblr non è sicuramente un caso è che abbia preso piede nel 2023 nemmeno.

Potrebbe sembrare strano, ma per parlarne e spiegarne il perché, è necessario partire dagli anni ‘90.

Gli anni ‘90, gli anni delle più iconiche sfilate, delle più caratteristiche collezioni, del sorgere di brand ad oggi super-iper conosciuti che hanno fatto voltare pagina al mondo della moda per scriverne un nuovo capitolo, brand che hanno osato con la femminilità nelle loro collezioni.

Ma, sopratutto, gli anni di Kate Moss e dell’Heroin Chic.

Forse qui è necessaria aprire una parentesi, è spiegare, per chi non lo sapesse, di cosa tratta l’Heroin Chic.

L’Heroin Chic potrebbe essere considerato uno standard di bellezza, un’ispirazione o una vera e propria realtà, dove il mondo della moda esigeva un’esilità ispirata proprio a quella caratteristica magrezza di chi consuma drogh3, in particolare l’Eroin4.

La magrezza doveva essere estrema, malata, una pelle giallognola/pallida, viso scavato, zigomi alti, capelli non curati e spezzati di proposito per simboleggiare la salute cagionevole.

Un movimento che impone uno standard di bellezza ci mette poco a scavalcare il recinto del mondo della moda ed approdare nel mondo reale, quello di tutti i giorni.

E così, l’heroin chic prende piede nella vita di tantissime donne, proprio in quegli anni dove non c’era nulla di più semplice ed economico che accedere alle droghe

E nonostante la tendenza sia nata dalla modella statunitense Gia Carangi, negli anni ‘90, chi sarebbe potuta essere l’idolo, il simbolo per eccellenza e la diva dell’Heroin Chic?

Non solo la sua magrezza ma anche le sue pellicce stravaganti, calza maglia strappata, sigaretta in mano, trucco sbavato, capelli secchi e deboli, viso secco, stanco ed espressione triste e malinconica. È lei e può essere solo lei: Kate Moss.

Negli anni dove gli acidi costavano un solo dollaro, Kate Moss era l’ispirazione di migliaia di ragazzine e donne.

E da quegli anni ad oggi, non sembra essere cambiato molto: il mondo della moda sembra esigere il ritorno di questa tendenza giudicando dalla passata fashion week.

Le sfilate con corpi meno canonizzati e più inclusivi non hanno avuto la ripercussione desiderata, ed il mondo della moda torna ad appartenere a quella magrezza imposta a cui non si transige.

Questa è la prima parte, la prima argomentazione e se vogliamo la prima “sotto cultura” dell’ argomento principale, e forse come introduzione non è la più azzeccata in quanto sembra non avere nulla a che vedere con l’argomento che sto cercando di affrontare, ma andando avanti, collegare i punti sarà sempre poi facile e sensato.

Senza però allontanarci troppo dal mondo della moda, credo sia necessario parlare ed introdurre il “Ballet Core” (forse è semplicemente sono semplicemente le coquette)

Capire di cosa si tratta credo sia facilmente deducibile in quanto il trend si limita a replicare l’estetica del mondo della danza classica e del ballet.

Rosa, fiocchi, tulle, ballerine che in questo 2023 sono tornate in voga, e credo di non poter parlare di Ballet Core senza nominare “MiuMiu”.

Potrei stare ore a parlare dell’estetica e della storia di MiuMiu in quanto uno dei miei brand preferiti, ma per questa volta mi limiterò a parlare delle ultime due collezioni che hanno proposto una serie di capi d’abbigliamento ispirasti al balletto, come ad esempio le famosissime ballerine rosa con il nastro vichy.

Non a caso, cercando “Ballet Core” su Pinterest, oltre ad una serie di foto che romanticizzano ciò che veramente è il mondo della danza classica, vi usciranno foto di diversi capi di MiuMiu.

Una scala cromatica ripetitiva e monotona: rosa, bianco, nero e beige.

Toni delicati, infantili e pastello.

Tra queste migliaia di foto, appaino anche foto ritraenti vere ballerine, specialmente quelle appartenenti al balletto russo.

Non è una novità che una delle migliori scuole di danza sia appunto quella del balletto russo, ma non è nemmeno una novità la crudeltà di quel mondo.

Scoprire il mondo del balletto russo è come scoprire un iceberg dove la punta è costituita dalla triste realtà dei disturbi alimentari vissuti da 3/4 delle ballerine.

Ma questa tristezza e malinconia, sono piacevoli agli occhi se romanticizzate e colorate di rosa.

Tutto ciò si rivede anche nel cinema (di cui parlerò dopo) e nei meme e nel senso dell’umorismo.

Non è un caso che i meme di whisper (ad esempio, Bella Hadid che piange come sfondo o foto di lana del rey con scritto she raised me…di cui io stessa sono schiava , guilty) siano il pane quotidiano della generazione z e specialmente di noi ragazze.

Balletto, isteria, magrezza, colori spenti, depressione e la ricerca disperata di attenzioni. Nel mondo della moda la magrezza è dettata dagli uomini per gli uomini, nel mondo reale ognuna di noi avrà pianto per un uomo e i meme tristi di whisper sono quasi sempre per gli uomini (liberateci dalla loro esistenza).

Pensandoci fa un po’ ridere che un movimento che porta il nome di “sad GIRL” aesthetic abbia comunque come target gli uomini.

Se ci pensiamo andiamo anche a tagliarci i capelli per gli uomini quando diciamo di averlo superato e di volere un cambio.

La causa scatenante di questa estetica però non può che essere Tumblr.

Il protagonismo che ha Tumblr in ogni tendenza tossica andrebbe studiata, eppure eccolo qua, un social di nicchia ma non troppo, che hanno in molti ma non tutti.

Il trionfo della romanticizzazione dei disturbi alimentari, dell’autolesionismo, il paradiso delle pro-ana e della depressione.

Dove idealizzare la proprietà tristezza e malinconia se non su Tumblr?

Il successo di Tumblr parte nel 2010, con la moda dei blog e l’affermarsi di tendenze come l’indie sleeze.

Su Tumblr l’estetica della depressione veniva usata non come un urlo d’aiuto, bensì come un richiamo usato per richiamare user su user uguali a te, che soffrono come te o ancora meglio che soffrono più di te (se la fortuna girava dalla tua parte, finivi per diventare la Thinspo di qualche ragazzina).

La tristezza si riduce ad una semplice estetica, foto degli occhi rossi pieni di lacrime, il mascara colato, una rosa bruciata con una sigaretta, le calze a rete ed una croce al petto.

Questo è stato Tumblr fino a (circa) il 2015, quando, una corrente ed una tendenza totalmente diverse hanno iniziato a fare concorrenza non solo a questa ragazza triste, malinconica e magra, ma anche alla moda: Le sorelle Kardashian-Jenner.

Fianchi larghi, full makeup, vestiti attillati, soldi, soldi e ancora soldi.

Forse era il momento giusto per inserire dei corpi più formosi in una realtà riluttante e nel mondo della moda il cambiamento si è visto a partire da Balenciaga

l’entrare in scena di (principalmente) Kim e Kylie prometteva un cambiamento, che però ci ha messo poco a diventare ugualmente tossico.

Magrezza malata da una parte, Chirurgie esagerate dall’altra.

Ma anche chi si proclamava diverso è poi ricaduto nella tendenza dell’Heroin chic.

Il tutto a causa di due cose principalmente: l’operazione per la rimozione del buccal fat (il grasso che si concentra tra gli zigomi e la mandibola) e della “semaglutide”, un farmaco per il diabete che ha come effetto collaterale la perdita di peso.

È approdata tra le celebrità di Hollywood, causando una vera e propria dipendenza, ed è raro trovare qualcuno che non ne abbia fatto uso.

sorelle Kardashian-Jenner incluse.

Come tutto pero, anche Tumblr ha avuto il suo tramonto (2018 circa) e periodo di pausa.

Nonostante ciò, gli user accaniti di Tumblr ci hanno messo poco a trasferirsi su Twitter, l’evil twin (si, ancora più evil).

Tutto ciò che è censurato risiede su Twitter, proprio come una volta faceva su Tumblr.

Rimanendo sempre negli anni 2010 e parlando di fenomeni appartenenti a quegli anni, credo sia d’obbligo parlare della sola, unica, indiscutibile regina: Lana Del Rey.

Lana debutta proprio nel 2010, una rivoluzione nel mondo del pop ma ancor di più una rivoluzione per le Tumblr girlies che avevano finalmente qualcosa con cui sfamarsi e sfamare le proprie fantasie idealizzate: Relazioni abusive, autolesionismo, amori abusivi alla Bonnie e Clyde, mancanza di amore materno, isteria femminile, tristezza, malinconia, alcolismo…

Peccato però Lana sia sempre stata fraintesa.

Il boom di Lana ed il vero boom di Tumblr sono avvenuti, che coincidenza, nello stesso anno.

Nel 2012 Lana lancia Born To Die, cambiando per sempre il mondo del pop ed il mondo delle ragazze tristi\pro ana.

L’intento di Lana però non è mai stato quello di romanticizzare le tematiche di cui parla nelle sue canzoni, piuttosto quello di raccontarle e raccontarsi, per sfogarsi e costruirsi una persona.

Queste situazioni risultano essere utopiche nelle sue canzoni, proprio perché accompagnate da una melodia, ma sono in realtà situazioni comuni, che sono la realtà di tantissime persone.

Il problema è nato da chi su Tumblr la usava come capro espiatorio per romanticizzare i propri problemi, cuocendole addosso una persona sbagliata.

E come Lana, anche Fiona Apple, Marina (per i più underground) e più di recente Mitski.

E quale sad girl che si rispetti non ha un film preferito?

Black Swan, Maria Antonietta, the Virgin suicides, Mia Goth, Girl Interrupted, Euphoria (solo se la tua preferita è cassie che piange davanti allo specchio).

Il connubio perfetto tra colori pastello e tristezza.

Film quasi tutti diretti da Sofia Coppola, una regista con la R maiuscola, simbolo e totem delle ragazze tristi.

Nel film “Marie Antoinette” si parla si di tristezza, ma è una tristezza che in pochi si possono permettere: una regina triste immersa in colorati abiti stravaganti, scarpe con il tacco ed acconciature eccentriche.

Ma Sofia si fa sempre riconoscere, e proprio in questo film fa capire la sua ostilità contro le norme cinematografiche: in una scena del film inserisce un paio di converse (ricordo che il film è ambientato nel 1789).

Mentre Le Vergini su1cide parla di una tristezza normale, monotona.

Una casa immersa nella natura di Detroit, due genitori severi e cinque sorelle, le sorelle Lisbon.

Forse la loro tristezza non ha un perché, ma non è questa la depressione?

Non servono ragioni, non servono perché.

Tutte e cinque le sorelle finiscono per togliersi la vita.

Drammatico, triste, forse noiosi.

Ma comunque rosa, delicato, drammatico e con un concept tutto suo.

È consiglierei ad ogni ragazza di guardarlo, perché solo noi possiamo capirlo (non solo perché è il mio film preferito, ma we just get it)

La Coppola protrae in contesti colorati, angelici ed a volte immersi nella natura, i concetti più cupi come la depressione ed il su1cidio.

Il concept di Sofia Coppola è lo stesso che quello di Lana del Rey nella musica e di MiuMiu nella moda.

Il trend della “Sad Girl” è estremamente preciso e concettuale, ha le sue icone, la sua influenza nel mondo della moda, la sua gamma di colori, i suoi meme e la sua musica.

Non è un caso che proprio quest’anno il colore più in voga sia il rosa e non è un caso che tutte noi ragazze ci sentiamo identificate in quei meme, perché ironizzare ed idealizzare tristezza e malinconia è una grande consolazione.

Aprire una pagina di meme e vedere qualcosa di “relatable” è gratificante, anche perché fortunatamente abbiamo superato gli anni dei meme di “sesso droga e pastorizia” e “siamo ragazze” (piangiamo tutta notte perché siamo pretty when we cry…siamo ragazze, ma ragazze tristi💋).

Siamo continuamente mossi dal volerci rivedere in qualcosa, una canzone, un movimento, una ragione sociale.

Ed ecco qui che ci di presenta un trend dove possiamo avere tutto ciò che ha appena citato e possiamo anche ammettere di amare il rosa dopo aver passato tutta l’infanzia a dire di odiarlo (io), possiamo ammettere di essere tristi, possiamo dire “rotting in bed summer” ed esserne orgogliose, possiamo gridare di odiare gli uomini ma mettere una storia dicendo he’s so mine subito dopo, possiamo salutarci dicendo “ehi barbie” ma possiamo anche sfogare la nostra isteria femminile. Ah, possiamo anche andare fiere del mascara colato.

Possiamo piangere liberamente e possiamo pure essere belle mentre lo facciamo (e lo dice Lana Del rey!!!)

Possiamo dire di avere il ciclo e giustificare grazie a lui l’aver scritto a chi non dovevamo (ero solo un po’ silly)

Non è una consolazione?

Tutti pretendono così tanto da noi, ed tutto c’è lo zampino degli uomini, ma in questa tendenza siamo noi è solo noi.

D’altronde siamo ragazze, ragazze felici, sorridenti, malinconiche, romantiche, grandiose, intelligenti ma spesso semplicemente ragazze tristi.

[machiavellli]

BIG MAMA E COMPANY SEMPLICEMENTE ICONICHE. ICONICHE. THEY OWN THE STAGE.

MIA MAMMA CHE MI URLA DI ABBASSARE IL VOLUME 😭

[fallimentiquotidiani]

Una delle puntate più iconiche di sempre

LOST