#instrumentist

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SOKO :: Don't You Touch Me (Official Audio) ❤️❤️❤️❤️❤️

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[jazzplusplus]

Une soirée musicale avec le Juilliard Jazz Orchestra, jouant la musique du légendaire compositeur, arrangeur et multi-instrumentiste Hermeto Pascoal, sous la direction de Jovino Santos Neto. Interprétée et enregistrée le 13 décembre 2022 au Peter Jay Sharp Theater

[sevbutfandoms]

G'joob art in this economy?!? HELL YES!

I've seen so much people doing variants of the monsters in the different islands and that gave me the thought of how G'joobs would look like in different habitats.

For starters I think G'joobs are semi aquatic, or at least have the water as an important element of their day to day (Mainly cause theyre based around pinnipeds and because of the sea of G'green and its link with epic G'joob) So I split them into sea and river ones.

Sea/Saltwater G'joobs are generally not so different to your regular in-game G'joob. Cool toned, with a more blue coloration and with their horns, tusks and spikes being a dark brown. I changed their spots to rings based around ringed seals (I feel they could offer a lot camouflage under the water!) And I made their tusks pointing inward. They spend their days in the depths of the Living Ocean, occasionally stepping out of it to the coasts of Plant Island, where they rest or catch the sun (or both!). Theyre chubbier cause big part of their bodies is blubber, to protect them from the colds of the ocean. Their flappers allow them to be excellent swimmers. Tho their movement on land is a bit... limited. They move with little jumps (like seals!) And along the fact that theyre lazy creatures, is it hard to see them awake in Plant Island (truly a mythical event!) But G'joobs never shy away at the chance to partake in a song in their beautiful home land!

River/Freshwater G'joobs are a little bit different (creative liberties!) I like to think at some point looong ago some G'joobs ventured deeper in Plant Island, couldn't find their way home and eventually found out the rivers deep in the island forests, who they called their new home. The blubber of their bodies slowly made itself more absent, as they didnt have to face any colds. The warm river and its algae started to make their hair greener, and the sun made their horns tusks and spikes lighter. And so here they are! (Mostly based around Sea Lions and strangely... otters?) Theyre very curious and a little more adventurous on land than their Saltwater cousins, so they developed better flippers who allow them to walk on land! Also, their tail and horns are bigger than those of Saltwater G'joobs, an advance which they use as tools for building small driftwood and stone houses for their family of G'joobs along the river. Still, theyre a very rare sight. So if you ever get lost in the forest and see these guys, ITS TRULY A MYTHICAL EVENT! But as always, G'joobs do not shy away! (...although they do always remain lovingly lazy!)

Heres a little more stuff I had planned! (...but mainly brainstorming) if youre interested youre more than welcome to read!

Going along the whole thing of Gjoobs based on pinnipeds, I liked the concept of male G'joobs being sorta like male Walruses. Big big BIIIIG ol' tusks, a bigger than usual mustache (and puffy eyebrows!) Didn't had much in mind for female G'joobs but I feel it would be cool that they have a lot more patters than a usual G'joob (and perhaps... more intricate ones👀) yet still I dont have much of a justification on why.

I've also thought the older the G'joob, the lower the musical range they can archive. Older G'joobs sounding similar to a subcontrabassoon and baby G'joobs sounding like tenoroons (sorry lemme brainstorm, soon to be instrumentist here and thanks to G'joob I discovered the existence of those two Basoon variants!)

If yall know my MSM Interpretations/OCs you should probably know about Muirchertach, The Marine Merchant G'joob. Well, for example, I had a thought his mastery of music and old age let him reach very low notes (I dont think as a subcontrabasoon yet, but surely a contrabasoon!) I feel he uses low entonations to tell the ports if his boat is aproaching (basically, he's his own boat horn!)

Thats it for today! Hope yall enjoy!

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

ADRIAN ROLLINI, UN MULTI-INSTRUMENTISTE PLUS GRAND QUE NATURE

Né le 28 juin 1903 à New York, Adrian Francis Rollini était le fils aîné de Ferdinand Rollini et Adele Augenti. Même si certaines sources avaient prétendu que Rollini était né en 1904, son frère Arthur affirmait qu’il était né un an plus tôt. Le grand-père de Rollini avait changé de nom de famille après s’être installé en Italie durant une des nombreuses guerres qui sévissaient en Europe à l’époque. D’origine franco-suisse, Rollini était issu d’une famille musicale. Le frère de Rollini, Arthur, avait joué du saxophone ténor avec l’orchestre de Benny Goodman de 1934 à 1939 avant de se joindre au groupe de Will Bradley.

Rollini, qui avait grandi à Larchmont, près de New York, avait démontré des habiletés musicales dès son plus jeune âge et avait commencé à apprendre le piano à l’âge de deux ans (sur une piano miniature). Considéré comme un enfant-prodige, Rollini avait joué en récital durant quinze minutes à l’hôtel Waldorf Astoria à l’âge de seulement quatre ans. Dans le cadre du concert, Rollini avait notamment interprété une valse de Chopin. Déjà surnommé "Professor Adrian Rollini’’, le jeune prodige avait également dirigé, à l’âge de quatorze ans, son propre groupe composé d’enfants du voisinage dans lequel il jouait à la fois du piano et du xylophone.

Après avoir abandonné l’école en troisième année, Rollini avait enregistré des rouleaux de cire (même si la plupart d’entre eux sont aujourd’hui disparus) pour les compagnies de disques Mel-O-Dee et Republic à Philadelphie. À l’âge de seize ans, il s’était joint aux California Ramblers d’Arthur Hand. Rollini, qui maîtrisait déjà le piano, la batterie, le xylophone et le saxophone basse, avait rapidement gagné le respect de Hand, qui lui avait d’ailleurs confié la direction du groupe lorsqu’il avait pris sa retraite de la musique.

Les circonstances dans lesquelles Rollini avait commencé à jouer du saxophone basse étaient toutefois entourées de mystère. Une source affirme que le gérant des Ramblers, Ed Kirkeby, avait suggéré à Rollini d’adopter l’instrument comme alternative au tuba. Une autre source prétend que c’est le banjoïste du groupe qui avait recommandé l’instrument à Rollini après l’avoir vu dans la vitrine d’un magasin de musique. Quoi qu’il soit, le frère de Rollini, Arthur, avait écrit dans ses mémoires intitulésThirty Years with the Big Bands (1987) qu’Adrian était arrivé avec l’instrument un jour et qu’il lui avait fallu seulement deux semaines pour apprendre à en jouer en autodidacte.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

En 1921, lorsque le banjoïste Ray Kitchenman avait formé les California Ramblers, Rollini était devenu un des piliers du groupe aux côtés de Red Nichols, Jimmy et Tommy Dorsey. Devenus un des groupes les plus prolifiques des années 1920, les Ramblers avaient souvent enregistré sous d’autres noms, ce qui explique pourquoi Rollini avait enregistré avec des formations comme The Little Ramblers (à partir de 1924), The Goofus Five (surtout à partir de1926–27) et The Golden Gate Orchestra.

C’est dans le cadre de sa collaboration avec ces groupes que Rollini avait développé son style distinctif au saxophone. Le sens du swing de Rollini était particulièrement évident sur des pièces comme  "Clementine (From New Orleans)", "Vo-Do-Do-De-O Blues" et "And Then I Forget". Durant cette période, Rollini avait participé à des centaines de sessions avec des grandes vedettes de l’époque comme Annette Hanshaw, Cliff Edwards (Ukulele Ike), Joe Venuti, Miff Mole, les frères Jimmy et Tommy Dorsey, Bunny Berigan, Benny Goodman, Jack Teagarden, Wingy Manone, Bobby Hackett et Red Nichols, pour n’en mentionner que quelques-unes. Il avait même enregistré avec son frère Arthur au saxophone. Certains des meilleurs solos de Rollini se retrouvaient cependant sur les disques enregistrés par le cornettiste Bix Beiderbecke. Au cours de cette période, Rollini avait également joué et enregistré avec Roger Wolfe Kahn, Frankie Trumbauer (un autre précieux collaborateur de Beiderbecke) et Red Nichols.

En 1927, Rollini avait participé à de nombreuses sessions d’enregistrement. Il avait également été engagé comme recruteur pour le nouveau Club New Yorker qui venait d’ouvrir ses portes. Même si le club n’avait été en activité que durant trois semaines, il avait accueilli de grands noms du jazz de l’époque comme Bix Beiderbecke, Eddie Lang, Joe Venuti, Frank Signorelli et Frankie Trumbauer. Mais le New Yorker n’allait pas tardé à se trouver un successeur car, de l’autre côté de l’Atlantique, le chef d’orchestre Fred Elizalde, qui se produisait au Savoy Hotel de Londres, recherchait de grands noms pour étoffer sa programmation déjà très bien garnie. C’est ainsi que Rollini et d’autres musiciens de jazz américains avaient commencé à se produire en Angleterre. Rollini avait donc présenté sa démission aux Ramblers (où il avait été remplacé par le saxophoniste basse Spencer Clark, puis par le saxophoniste et tubiste  Ward Lay) et s’était embarqué pour Londres en compagnie d’autres membres du groupes comme Chelsea Quealey, Tommy Felline, Jack Russin, et, plus tard, Bobby Davis.

Rentré aux États-Unis en septembre 1928, Rollini avait commencé à écrire des chansons pour la Robbins Music Corporation. Parmi ses compositions les plus célèbres de l’époque, on remarquait "Preparation", "On Edge", "Nonchalance", "Lightly and Politely", "Gliding Ghost" et "Au Revoir". Durant la Crise des années 1930, Rollini avait même continué d’enregistrer avec des sommités du jazz comme Bert Lown, Lee Morse, les frères Jimmy et Tommy Dorsey, Ben Selvin et Jack Teagarden. Mais le monde de la musique avait changé au début des années  1930, ce qui avait obligé Rollini à délaisser les rythmes endiablés  du swing en faveur d’une sonorité beaucoup plus calme et conservatrice. En 1932-33, Rollini avait également participé à une expérimentation avec le groupe de Bert Lown qui comprenait deux saxophones basse et une section rythmique dirigée par Spencer Clark.

Ce n’est qu’en 1933 que Rollini avait finalement fondé son propre groupe, l’Adrian Rollini Orchestra. Formé expressément pour les enregistrements, il s’agissait d’un groupe de studio qui avait enregistré pour les compagnies Perfect, Vocalion, Melotone, Banner et Romeo.

À l’époque, Rollini avait aussi fait partie de nombreux autres groupes, dont le Adrian Rollini Quintette, le Adrian Rollini Trio (surtout à la fin des années 1930), et le Adrian and his Tap Room Gang, qui était basé à l’Hotel President situé sur la 48e rue à New York. Durant l’ère du swing qui s’était amorcée en 1935, Rollini avait également dirigé la Adrian's Tap Room située dans le même hôtel tout en dirigeant un groupe de six à huit musiciens. Véritable phénomène de la nature, Rollini était aussi propriétaire du Whitby Grill sur la 45e rue Ouest. La clientèle des clubs de Rollini était surtout composée de musiciens en vacances, ce qui témoignait de son incapacité à séparer sa vie professionnelle de sa vie sociale. Rollini avait également travaillé à la radio avec des artistes comme Kate Smith.

Comme si ce n’était pas suffisant, Rollini avait aussi ouvert un magasin dans lequel il vendait et réparait des instruments de musique. Le magasin, connu sous le nom de White Way Musical Products, avait pignon sur rue au 1587 Broadway. Rollini avait fondé ce magasin car il était fermement convaincu que les musiciens connaissaient beaucoup plus leurs instruments que ceux qui les avaient fabriqués et qui étaient surtout préoccupés par leurs aspects mécaniques. La fondation du magasin avait cependant eu l’effet pervers d’attirer les chasseurs d’autographes qui se réunissaient dans l’établissement dans l’espoir de faire la rencontre des plus célèbres musiciens du moment. D’une débordante activité, Rollini fréquentait également la Georgian Room et Piccadilly Circus Bar, tous deux situés à l’Hôtel Piccadilly. Il avait aussi commencé à enregistrer avec les compagnies de disques Master et Muzak.

UNE MORT SUSPECTE

Même si Rollini avait continué de recruter des nouveaux talents pour des groupes comme ceux de Bunny Berigan, Benny Goodman et Jack Teagarden, ses enregistrements de l’époque étaient beaucoup plus commerciaux que ses enregistrements antérieurs. Même si Rollini avait continué de jouer du swing et d’interpréter des solos sur certains de ces enregistrements, le but de ces derniers était surtout de produire des grands succès de la musique pop. Sur certaines pièces, Rollini ne jouait d’ailleurs du saxophone basse que le temps de quelques mesures avant de passer au vibraphone. Durant cette période, Rollini avait également joué comme vibraphoniste avec l’orchestre de Richard Himber, un groupe dominé par les cordes dans lequel il avait dû se contenter d’un rôle subalterne. Il faut dire qu’à l’époque des big bands, le saxophone basse était devenu beaucoup moins vendeur. Rollini avait enregistré au saxophone basse  pour la dernière fois en 1938.

Alors que sa carrière était sur la pente descendante, Rollini avait tenté de continuer de tirer ses marrons du feu en se produisant dans les hôtels, en écrivant des chansons et des arrangements et en collaborant avec des grands noms du jazz de l’époque comme Vaughan Monroe. Malheureusement, avec la fin de  l’ère des big bands, les enregistrements majeurs étaient devenus beaucoup plus rares. Pour parvenir à survivre, Rollini avait dû se contenter de faire quelques apparitions mineures dans des sessions d’enregistrement et de participer à quelques jam sessions. Il avait également fait quelques apparitions dans des court-métrages comme "Auld Lang Syne" (1938) aux côtés de James Cagney et "Melody Masters: Swing Style" (1939). À la fin des années 1940, Rollini avait aussi fait une brève tournée qui l’avait conduit entre autres au Majestic Theater de Dallas, mais pour l’essentiel, sa carrière musicale était terminée.

Amateur de navigation de plaisance, Rollini possédait quelques bateaux, dont un bolide Chris Craft de vingt et un pieds ainsi qu’un croiseur. Après avoir fait le dernier enregistrement de sa carrière avec son propre trio au début des années 1950, Rollini avait décidé de  se concentrer sur ses activités dans le secteur de l’hôtellerie. Après s’être installé en Floride, il avait fondé le Eden Roc Hotel en septembre 1955. Rollini dirigeait le aussi Driftwood Inn de Tavernier Key. Également impliqué dans la pêche sportive, Rollini louait des navires pour la pêche en haute mer. Heureusement, Rollini n’avait pas assisté à la destruction du Driftwood Inn, qui avait été emporté par un ouragan en 1960. La veuve de Rollini, Dorothy (Dixie), aurait quitté la Floride après la mort de son mari en 1956. Elle est décédée en 1977.

Adrian Rollini est décédé le 15 mai 1956 à l’âge de seulement cinquante-deux ans. Même si la mort de Rollini avait été attribuée aux effets conjugués d’une pneumonie, à une crise cardiaque et à une maladie de foie, les causes exactes de son décès avaient fait l’objet de nombreuses spéculations. Selon un article publié dans le magazine britannique Melody Maker, le frère de Rollini, Arthur, continuait toujours d’essayer de résoudre le ‘’mystère’’ de sa mort quelques jours après sa disparition. Rollini avait été découvert gisant dans une mare de sang dans le stationnement de Green Turtle Inn, probablement à la suite d’un accident d’automobile. En plus d’avoir été gravement blessé à la cheville, il souffrait également d’une blessure à la jambe.

Pour expliquer l’incident, Rollini avait déclaré qu’il avait fait une chute, mais la police, qui avait des doutes, avait enquêté sur un éventuel acte criminel. Rollini est décédé dix-huit jours plus tard après avoir été admis à l’Hôpital James Archer Smith de Homestead, en Floride. Dans son ouvrage Jazz and Death: Medical Profiles of Jazz Greats (2002), le coroner Frederick J. Spencer avait affirmé que Rollini était mort à la suite d’un empoisonnement au mercure. Spencer basait son raisonnement sur le fait que durant son séjour à l’hôpital, Rollini avait refusé d’accepter la moindre nourriture. Afin de le nourrir, un tube de verre rempli de mercure avait été introduit dans l’estomac de Rollini, mais le tube s’était brisé, ce qui l’avait mis en contact avec la substance toxique. Les autres explications avancées comme causes de la mort de Rollini étaient beaucoup moins crédibles. Par exemple, le clarinettiste Kenny Davern, un ami de Rollini, avait prétendu dans une entrevue captée sur vidéo que le multi-instrumentiste avait été assassiné par la mafia pour avoir failli à rembourser ses dettes de jeu. Quant à l’historien du jazz Al Rose, un ami et voisin de Rollini, il avait déclaré que le musicien avait peut-être été assassiné pour avoir pillé les casiers à homards d’autres pêcheurs. Il est donc fort probable qu’on ne  connaîtra probablement jamais vraiment les causes exactes de la mort de Rollini.

Deux semaines après la mort de Rollini, le 8 juin 1956, le discographe du jazz Brian Rust avait rendu hommage au musicien dans le cadre d’une émission de la série World of Jazz diffusée sur le réseau de la BBC. En 1998, Rollini avait également été intronisé au sein du Big Band and Jazz Hall of Fame.

Rollini aurait participé à plus de 1500 enregistrements au cours de sa carrière, principalement dans les années 1920 et 1930. Parmi ses plus grands succès comme leader, on remarquait ‘’You've Got Everything" (1933), "Savage Serenade" (1933), "Got The Jitters (1934), "A Thousand Good Nights" (1934), "Davenport Blues" (1934), "Nothing But Notes", "Tap Room Swing", "Jitters", "Riverboat Shuffle" (1934) et "Small Fry" (1938). Durant sa carrière, Rollini avait joué et enregistré avec les plus grands noms du jazz de l’époque: Annette Hanshaw, Cliff Edwards (Ukulele Ike), Joe Venuti, Miff Mole, les frères Jimmy et Tommy Dorsey, Bunny Berigan, Benny Goodman, Jack Teagarden, Wingy Manone, Bobby Hackett, Red Nichols, Bix Beiderbecke, Roger Wolfe Kahn et Frankie Trumbauer.

Surnommé le roi du saxophone basse, Rollini est aujourd’hui considéré comme un des premiers multi-instrumentistes de l’histoire du jazz. Il jouait notamment du piano, du xylophone, du tuba, du vibraphone et de la batterie. Grand innovateur, Rollini était également reconnu pour avoir introduit de nouveaux instruments comme le ‘’cuesnophone’’ (ou goofus), un instrument sans anches qui ressemblait à un saxophone, et le ‘’hot fountain pen’’, une sorte de clarinette miniature dépourvue de la moindre clé.

©-2025, tous droits réservés, Les Productions de l’Imaginaire historique

SOURCES:

‘’Adrian Rollini.’’ Wikipedia, 2025.

‘’Adrian Rollini.’’ Jazzskool.org, 2025..

YANOW, Scott. ‘’Adrian Rollini - Swing Low: His 26 Finest 1927-1938.’’ The Syncopated Times, 30 juillet 2024.

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LENA CIRCUS & HIROKO KOMIYA + JACOB WINANS + MATHIEU SYLVESTRE + YELLOW WASABI

DIMANCHE LE 29.06 

LENA CIRCUS & HIROKO KOMIYA JACOB WINANS MATHIEU SYLVESTRE YELLOW WASABI 20H00 PORTES 20H45 ACTION! au sous-sol de 10 rue de Belleville 75020 M° Belleville ( ! ) P.A.F. 7€ MERCI de prévoir du cash / voire l'APPOINT pour la P.A.F. svp ! https://www.facebook.com/events/691196520486338

LENA CIRCUS & HIROKO KOMIYA

Le Non_Jazz est ravi de pouvoir à nouveau accueillir une rencontre entre ces quatre instrumentistes exceptionnels qui  perpétuent leur bout de chemin ensemble dans une osmose fascinante.

Formé en 1999 par Antoine Letellier (guitares, instruments à vent) & Nicolas Moulin (guitare, électroniques), LENA CIRCUS publie neuf EPs à un rythme mensuel, sur divers labels indépendants), et devient un trio en 2003 avec l'arrivée de Guillaume Arbonville (percussions). Ils enregistrent avec cette formule désormais définitive ( ? ) plusieurs albums, faisant évoluer leur musique au gré des rencontres et de collaborations : dans des spectacles de danse butô, ciné-concerts, travaillant avec des vidéastes... etc. Avec une communication quasi-télépathique entre les musiciens, dans une alchimie du son toujours tendue et riche en nuances et textures, leurs performances et enregistrements ont pu susciter des comparaisons avec les expérimentations de Sun Ra ou Taj Mahal Travellers. Parmi leurs acolytes de prédilection et de longue date  HIROKO KOMIYA  occupe une place de choix, ayant enregistré avec le trio deux albums :  "Toki No Arika" en 2008  "5 degrees of frost" publié en 2012.   NB aka breaking news : deux nouveaux albums, " Refraction "  et " Declination " enregistrés fin janvier 2023 - et formant ainsi une sorte de diptyque - sont publiés  simultanément et seront sans doute disponibles le soir du concert... 

 " ( ... ) assise sur un tapis, environnée d'objets (saladier de métal où faire tintinnabuler l'eau, lamelles de bois, galets..),  d'instruments jouets (cliquets, sifflets), de micros" HIROKO KOMIYA joue des objets et utilise sa voix.  Elle se sert d'eau et de pierres, de multiples petites percussions et flûtes du monde entier pour exprimer une musique très personnelle. Installée en Europe depuis 2002, elle joue et accompagne les performances de la compagnie de danse d'Atsuki Takenouchi "Globe JINEN".   "Jouée par une formation free-jazz au demeurant non violente, cette musique est hypnotique, forçant l'attention vers une jubilatoire tension de l'écoute, où les objets sonores pétillent, irradient.  Hiroko Komiya, qui double les sons d'un geste,  est une partenaire parfaite : elle malaxe et fait crisser des coquillages dans une main, tapote des tringles, froisse des fibres, jouant de l'instrument et du son  comme le chat avec un caillou, une souris ou une pelote de laine.  La matière sonore extrêmement dense est toujours sensuelle, ce qui rend très amicale une trame pourtant complexe."  (Marteen B., Mille Feuille) 

JACOB WINANS us ny ny

Jeune noiseur sachant noiser - entre harsh noise tape non-music old school analogique & quelques réminiscences d'une electronica - quelque part old school aussi mais pas la même - glitchée.  " exploration of an extreme juxtaposition of synthetic and organic sound. For fans of existential dread, sleep debt, nostalgia. "

"A kind of old school stab at straight ahead harsh noise tape but trying to keep some of my personal glitchy bleeping computer influence".

MATHIEU SYLVESTRE fr berlin Musicien autodidacte ( basé à Berlin depuis 2010). Après une dizaine d'années passées à " faire du rock ", il a petit à petit  évolué vers une pratique plus expérimentale / bruitiste, avec une  première phase à base de guitares, violoncelle, pédales d'effets, micros  contact, pour incorporer par la suite des éléments d'enregistrements de terrain ainsi que des synthétiseurs analogiques.  Avec des centaines de concerts / performances dans des contextes divers ( galeries d'art, festivals etc. ) depuis 2010 , "  en Europe et dans le monde entier ", à son compte,  il collabore régulièrement  avec des artistes visuels ( Wolfgang Petrick,  Saskia Edens ... ). Il travaille également la conception sonore de spectacles  avec les artistes de la performance ( Frédéric Krauke , NoMass,  Physical Poets, Non Grata... ) Depuis 2024 sa musique est disponible sur le label Newyorkais ALREALON.   https://mathieusylvestre.bandcamp.com/ 

https://www.youtube.com/watch?v=EgCO74Q6RSA  https://www.youtube.com/watch?v=Mj4k-PTIMCU

YELLOW WASABI cn paris Guzheng ( harpe chinoise ), MAX/MSP, IA geste contrôlé, harsh noise  & scientific folk.

Mon but est de détruire les stéréotypes des instruments traditionnels  et relier la biologie et la musique.

Fly - Jo L'Indien

[inthemoodforportnawak]

[mannytoodope]

Thomas Earl Petty (October 20, 1950 – October 2, 2017) was a singer-songwriter, multi-instrumentist, and actor. He was the lead singer of Petty and the Heartbreakers. Petty career was quite successful from when he began in the ’70s until his death. He was one of the founders of the supergroup The Traveling Wilburys. In 1999, he and the Heartbreakers were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. He appeared in several films and voiced my favorite character, Lucky, on King of The Hill. Family, peers, and fans miss him.

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#Aurelien favere

Auteur compositeur interprète, musicien multi-instrumentiste, il termine en 2013 son 1er album intitulé « D’une Autre Galaxie » qu'il signe sous le nom de Shamanluna. Après des études de piano classique, Aurélien Favère étudie à L’IMFP, école de Jazz de Salon de Provence en France et revient en Guadeloupe en 2001 pour y composer.

La musique d'Aurélien Favère est inclassable, son univers est bien a lui, planant, psychédélique, progressif, relaxant, poétique, libérateur, hypnotique, mystérieux et shamanique, aux couleurs lumineuses délirantes.

Fusion de différents styles: rock progressif, ambiance, new wave, electro, classique, chill out, instrumental et musique de film.

[tompopman]

Bonjour, Je m’appelle Tom Popman, je suis musicien multi instrumentiste et je propose mes services et mon aide à tous ceux qui souhaitent composer ou faire évoluer leur projet musical

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Mino Cinelu, l'époustouflant rythmicien

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LÉGENDES DU JAZZ

JOHN HANDY, UN MULTI-INSTRUMENTISTE MÉCONNU

“John just sounded so good. He’ll give you that old-school authentic thing, and when he plays a ballad, it’s hard to replicate if you don’t come from that era. But he’s also very modern and can be abstract in his thinking. A lot of his music is very free and open and forward-thinking.” 

- Joe Warner

Né le 3 février 1933 à Dallas, au Texas, John Richard Handy III a d’abord fréquenté la St. Peter’s Academy de Dallas avant de déménager à Oakland avec sa famille à l’âge de quinze ans. À Oakland, Handy avait étudié au McClymonds High School. À l’époque, Handy avait déjà appris à jouer de la clarinette. Amateur de boxe, Handy était aussi champion poids plume, même s’il était aveugle d’une oeil et avait disloqué un de ses pouces dans un combat.

Également passionné de jazz, Handy avait l’habitude de s’endormir sur la musique de Charlie Parker pour étouffer le bruit des soirées que son beau-père organisait pour faire la promotion de son commerce illégal d’alcool. Parmi les camarades de classes de Handy à l’époque, on remarquait des membres de la famille Escovedo ainsi que le violoniste Michael White. Dans le cadre de ses études, Handy avait également fait la rencontre du futur athlète étoile Bill Russell, qui l’avait convié à participer à un tournoi de basketball. “I won the first game — of 15’’, avait expliqué plus tard Handy en riant.

Après avoir découvert que l’école possédait un excellent groupe musical, Handy s’était procuré une anche et une embouchure et avait appris à jouer du saxophone alto. De fait, Handy était tellement talentueux qu’il avait participé à sa première performance une semaine plus tard. Il précisait: “That was $5, and that became my way of making money.’’ Il avait ajouté:  “Most of my gigs were in the East Bay. I was 17 before I went to San Francisco and discovered Bop City.”

À l’époque, Handy ne savait pas lire la musique et avait appris à jouer du saxophone alto en autodidacte à partir de 1949. Il poursuivait: “I taught myself how to read music, and if I heard something on the radio, I could play it,When Louis Jordan was popular, I learned some of his solos.”

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Particulièrement influencé par le haut registre du saxophoniste Earl Bostic, Handy était encore adolescent lorsqu’il avait participé à une jam session à Bop City avec des membres de l’orchestre de Duke Ellington et du groupe de Gerald Wilson. Il avait aussi joué avec les saxophonistes Teddy Edwards et Frank Morgan. Après s’être inscrit au San Francisco State College, Handy avait fait ses débuts sur disque en 1953 avec le guitariste Lowell Fulson. Mobilisé et envoyé en Corée où la guerre venait tout juste de se terminer, Handy avait passé deux ans dans l’armée. Sa dernière affectation était au Presidio de San Francisco.

Après s’être marié, Handy avait eu un fils, John Handy IV, qui était devenu batteur. Après sa démobilisation, Handy était retourné au San Francisco State College. Même si le jazz ne faisait pas encore partie du programme du département de musique, Handy avait fait partie de groupes aux côtés d’autres passionnés de jazz. Comme l’avait expliqué Handy plus tard, à l’extérieur du campus, “some of the best people in jazz would come to Bop City. But by the mid-’50s, they were letting people in that would ruin it, because they didn’t know crap about music and didn’t care to know.” Handy avait même décliné une invitation de Charles Mingus pour venir jouer avec son groupe en 1958, car le contrebassiste avait une très mauvaise réputation auprès des musiciens qui, selon ses dires, ‘’complained a lot about Charles, but not in his company. They said he was a real asshole.”

Handy se produisait au Five Spot en 1958 avec le saxophoniste Frank Foster et le trompettiste Thad Jones, deux vedettes de l’orchestre de Count Basie, lorsqu’il avait été remarqué par Mingus. Le contrebassiste avait été tellement impressionné par le solo d’Handy sur le standard “There Will Never Be Another You” qu’il était sorti du club en criant “Bird’s back! Bird’s back!” (Charlie Parker était mort trois ans auparavant). Après s’être calmé, Mingus, qui devait se produire au club quelques semaines plus tard, avait fait venir Handy au bar pour lui faire une offre.

En dépit de l’obstruction d’un de ses professeurs particulièrement antipathique, Handy avait finalement décroché son diplôme en 1958 à l’âge de trente ans. Il expliquait: “I had ‘incompletes’ on my transcript that I had already completed and they never gave me the grade. This particular guy said in essence ‘You’re too raw.’ I took every took every course they had to get a B.A. and I finally graduated at 30.”

Après s’être installé à New York, Handy s’était joint au groupe de Mingus. Même s’il n’avait pas fait partie du groupe que durant un an, le séjour de Handy avait contribué à changer l’évolution du jazz, notamment dans le cadre des albums Mingus Ah Um et Mingus Dynasty, dans lesquels il avait participé à l’enregistrement des classiques “Better Git It in Your Soul’’, Goodbye Pork Pie Hat’’ (un éloge au saxophoniste Lester Young qui venait de mourir) et “Fables of Faubus’’, une dénonciation du gouverneur ségrégationniste de l’Arkansas, Orval Faubus. Tout aussi marquant avait été l’album Blues and Roots, dans lequel Handy avait fait équipe avec Jackie McLean au saxophone alto. Même si ces albums avaient été reconnus comme des classiques dès leur parution, Handy avait particulièrement excellé sur l’album Jazz Portraits: Mingus in Wonderland, un enregistrement en concert mettant en vedette le pianiste de San Francisco, Richard Wyands. Après avoir livré une performance au Five Spot, le quintet de Mingus s’était déplacé plus loin sur la même rue pour se produire à la Nonagon Art Gallery où il avait enregistré quatre pièces d’une durée totale de quarante-cinq minutes avec le saxophoniste ténor  Booker Ervin (le seul autre musicien à avoir participé à tous les albums de Handy avec Mingus). Après le concert, le groupe était retourné au Five Spot pour prendre la relève de Sonny Rollins, qui avait fait les frais de l’intermission pendant son absence.

Après avoir enregistré quatre albums en un an avec Mingus, Handy était retourné à San Francisco où il avait fait ses débuts au début des années 1950 au Jimbo’s Bop City et partagé la scène avec de grands noms du jazz comme les saxophonistes Teddy Edwards, Frank Foster et Dexter Gordon. Handy avait aussi commencé à flirter avec le jazz modal, à une époque où très peu de ses pairs commençaient à peine à assimiler ce concept. En 1965, Handy avait présenté les résultats de cette expérimentation dans le cadre d’un concert présenté au Festival de jazz de Monterey, en Californie. L’enregistrement du concert, qui avait été publié par les disques Columbia l’année suivante sous le titre Live at the Monterey Jazz Festival, avait mérité à Handy deux nominations au gala des prix Grammy pour les pièces "Spanish Lady" (dans la catégorie de la meilleure performance de jazz) et pour sa composition "If Only We Knew". Le quintet de Handy était composé à l’époque du violoniste Michael White, du guitariste Jerry Hahn, et d’une section rythmique entièrement canadienne formée du contrebassiste Don Thompson et du batteur Terry Clarke.

Avec l’aide de sa femme, qui était également sa gérante, Handy avait aussi enregistré un premier disque comme leader en 1959. À l’époque, le vibraphoniste Milt Jackson s’était lié d’amitié avec Handy et sa femme et leur avait proposé d’habituer dans un de ses appartements situé près de Harlem. Décrivant ses débuts à cette époque, Handy avait commenté: “Most of my gigs were with Charles, but I played the whole summer of ’59 with Randy Weston at the Five Spot. Though Charles and Randy were both mavericks, Randy was more positive.” Handy avait ajouté: “We played with Randy six nights a week. That’s where my exposure came.’’ 

Handy se produisait au le pianiste Five Spot avec Randy Weston lorsqu’il avait rencontré la baronne Pannonica de Koenigswarter, une mécène qui avait été la protectrice de Charlie Parker et Thelonious Monk. Handy expliquait:

‘’One of the characters who came in to the Five Spot was the Baroness [Kathleen Annie Pannonica de Koenigswarter]; she came in with Thelonious Monk almost every night. She said, ‘Monk would like to speak to you’ as I’m coming off the bandstand, so I follow him into to kitchen, and Monk was a big man, his hat is almost touching the roof, and he kept walking, never turned around. He kind of looks up, not at me, and says, ‘You play your motherfucking ass off. You think,’ or maybe, ‘You play your motherfucking ass off, you think.’ I’m not sure which one he meant. And then he walked around me and out. I’m still scratching my head.” 

Impressionné par le talent d’Handy, Monk lui avait plus tard proposé de faire sa première partie à la Jazz Gallery.

Handy avait également fait une tournée européenne avec son groupe en 1961. Par la suite, il avait travaillé comme soliste en Suède et au Danemark.

Retourné à San Francisco, Handy avait été très impliqué dans le mouvement des droits civiques. Il avait précisé: ‘’I couldn’t sit back, with all I’d gone through, and let somebody fight for me without trying to help my own cause.” À l’époque, des Afro-Américains comme le joueur de baseball Willie Mays des Giants de San Francisco faisaient l’objet d’une discrimination incessante, et Handy avait été arrêté durant une manifestation. Handy expliquait: ‘’I couldn’t sit back, with all I’d gone through, and let somebody fight for me without trying to help my own cause.” Afin de recueillir des fonds pour la cause, Handy avait formé le Freedom Band avec deux jeunes saxophonistes ténor, Mel Martin et Noel Jewkes. Le trompettiste Eddie Henderson faisait également partie du groupe.

À l’époque, Handy se produisait au Both/And Club  sur la rue Divisadero. C’est dans ce club qu’Handy avait entendu pour la première fois la chanteuse Faye Carol. La chanteuse avait rencontré Handy au début des années 1970 alors qu’elle était mariée au professeur de musique Jim Gamble.

Même si le climat social était plutôt tendu à l’époque, Handy ne se rappelle pas que des incidents raciaux se soient produits dans les clubs de San Francisco ou dans le cadre de ses relations avec l’Union des Musiciens. “You don’t see that in jazz’’, avait expliqué Handy. Après avoir divorcé de sa première femme, Handy s’était marié avec une femme qu’il avait rencontrée au Five Spot et qui était devenue plus tard chancelier du San Francisco City College. Le couple s’était éventuellement acheté une maison sur la rue Baker.

En 1963, Handy a travaillé comme soliste sur la Côte Ouest avec des orchestres de musique classique comme le Santa Clara Symphony Orchestra et le San Francisco State College Band. L’année suivante, il avait retrouvé Mingus dans le cadre du Festival de Jazz de Monterey, en Californie. En 1966 et 1967, Handy avait fait une tournée aux États-Unis avec les Monterey All Stars. Il avait également participé à l’opéra The Visitation de Günther Schuller. En 1968, Handy a fondé un nouveau quartet avec Mike Nock, Michael White et Ron McClure.

Par l’entremise d’anciens camarades de classe du San Francisco College State, Handy avait été présenté au virtuose de la cithare Ravi Shankar, qui lui avait donné deux leçons privées sur la musique indienne. Comme Handy l’avait expliqué plus tard, “And I understood, because when I went to St. Peter’s, we sang Gregorian modal music. And African Americans are very modal. Later, I recorded with Ravi in India.’’

À la fin des années 1960, Handy avait également collaboré avec Ali Akbar Khan, un pionnier de la sarod, un instrument à cordes d’origine indienne. Andy poursuivait: “Then I got a call to play with [sarodist] Ali Akbar Khan. I went to his house in Marin County, and it was like I’d been playing with him all my life. I booked several concerts with him and paid him half of the ticket sales, though I realized that Indian musicians don’t do what we do. They don’t change keys and can’t play jazz.” Handy avait enregistré deux albums avec Khan. Zakir Hussain, avec qui il avait joué sur l’album Karuna Supreme en 1975, lui avait également fait cadeau d’un tabla.

La collaboration d’Handy avec Khan avait éventuellement donné lieu à l’enregistrement de l’album Karuna Supreme en 1975. À l’époque, Handy tentait de réaliser une symbiose entre la musique du Nord de l’Inde et les airs de Gospel qui avaient marqués son enfance avec sa grand-mère. Il expliquait: “I could relate it to the stuff I’d been exposed to in the African American church. At the first rehearsal with Ali Akbar Khan he said ‘Let’s just play,’ and I just understood it. I had met Ravi Shankar. He invited me to a concert in LA and gave me a couple of lessons. I did learn something from it, but I could always play it with my background in the blues.” Handy avait aussi travaillé en 1980 avec Lakshminarayana Subramaniam dans le cadre du groupe Rainbow.

Retourné au San Francisco State College (devenu l’Université de San Francisco State) en 1968, Handy avait repris sa carrière de professeur et avait pris la direction des études de jazz. Conscient d’être l’objet d’une certaine jalousie de la part des professeurs de musique classique, Handy avait commenté: “I know they were jealous of me because I could do what they did but they couldn’t do what I did.”

Comme mentor, Handy avait encouragé la carrière de plusieurs générations de jeunes musiciens. Lorsque le saxophoniste Hafez Modirzadeh était venu enseigner à San Francisco State, Handy l’avait pris sous son aile et l’avait initié à la musique non-occidentale. Ne tarissant pas d’éloges sur les compositions et les arrangements innovateurs d’Handy, Modirzadeh avait ajouté:

“It’s something that really connects him to jazz history, to Buddy Bolden and Louis Armstrong. You had to be there to see these people play. There won’t be a technical book by John Handy describing how he does what he does, that fingering and embouchure. It’s mystical, completely John Handy’s, and we’ll never know how he did it.I’ve asked him once or twice, ‘Can I come over and you show me how to do something?’ Very graciously, he’ll say, ‘I’m still working out some things that Charlie Parker did.’”

À l’époque, Handy avait aussi reçu une commande pour composer un Concerto for Jazz Soloist and Orchestra, qui avait éventuellement été interprétée par la San Francisco Symphony en 1970. Handy avait également enseigné à l’Université de Californie à Berkeley, à l’Université Stanford, au San Francisco Conservatory of Music et au City College de San Francisco. 

La pièce-titre de l’album Hard Work (1976) était devenue le plus grand succès de la carrière d’Handy. En plus de s’être classée sur le palmarès Billboard, la pièce avait fait partie du répertoire des juke box à travers le monde. Toujours en 1976, Handy avait enregistré un album de jazz-fusion avec le guitariste Lee Ritenour. L’album intitulé Carnival est paru en 1977.

ÉVOLUTION RÉCENTE

Dans les années 1980, Handy s’était joint au groupe Bebop and Beyond. Basé à San Francisco, le groupe avait rendu hommage à des pionniers du bebop comme Dizzy Gillespie et Thelonious Monk. Gillespie s’était même joint au groupe comme artiste-invité dans le cadre de l’album qui lui était consacré. Au milieu des années 1980, Handy avait également participé à une tournée avec le groupe Mingus Dynasty.

À la fin des années 1980, Handy avait formé le groupe John Handy With Class qui le mettait en vedette aux côtés de trois chanteuses-violonistes.

Retiré dans sa résidence de Hillside après avoir été victime d’une légère attaque, Handy avait continué se consacrer à la musique. Comme l’avait expliqué sa partenaire de longue date, la chanteuse Faye Carol: “Before Jazz on the Hill, I hadn´t heard anything from John lately, so I was so happy when he said he’d do our [Aug. 13] show.’’ Un autre membre du groupe, le pianiste Joe Warner, avait ajouté: “I’ve been trying to get the opportunity to work with John since that Yoshi’s gig. And we have a great band for him, with Tarus Mateen on bass, who plays with [pianist] Jason Moran, and Jaz Sawyer, a great drummer I worked with when he was living up here, who’s been in Southern California.”

Multi-instrumentiste souvent sous-estimé, Handy joue à la fois du saxophone alto et ténor, du saxello, du saxophone baryton, de la clarinette et du hautbois. Il chante également à l’occasion. Très impliqué dans les musiques du monde, Handy avait consacré sa vie à transformer l’esprit humain par l’entremise de sa musique. Utilisant une instrumentation souvent inusitée, Handy avait toujours été un musicien et compositeur sans compromis qui échappait à toute étiquette. Principalement connu pour sa participation à des petits groupes comme les quintets et les quartets, Handy s’était également produit avec de grandes formations allant des big bands aux orchestres symphoniques, aux ensembles vocaux et aux chorales.

Comme chanteur, Handy excelle tant dans le blues que le scat et les ballades. Au cours de sa carrière, Handy s’était produit dans les plus grandes salles de concert d’un peu partout sur la planète, dont Carnegie Hall, le Lincoln Center, le Berlin Philharmonic Auditorium et le San Francisco Opera House. Il avait aussi livré des performances dans les plus importants festivals de jazz du monde, dont le Monterey Jazz Festival, le Newport Jazz Festival, le Playboy Jazz Festival, le Chicago Jazz Festival, le Pacific Coast Jazz Festival et les festivals de Montreux, d’Antibe, de Cannes, de Berlin et de Yubari et Miyasaki au Japon. Tout en continuant de se produire régulièrement dans les universités et les collèges, Handy fait également de nombreuses lectures sur les aspects techniques, académiques, spirituels et créatifs de la musique.

Parmi les plus récents enregistrements d’Handy, on remarque "Centerpiece" (1989), "Excursion in Blue" (1988), ‘’John Handy Live at Yoshi’s Nightspot" (1996) et "John Handy’s Musical Dreamland" (1996). Certains des premiers albums d’Handy ont été réédités sur CD, dont "John Handy: Live at the Monterey Jazz Festival" (1966), "The Second John Handy Album" (1966), "New View" (1967) et "Projections’’ (1968). En plus d’avoir enregistré avec Sonny Stitt, Handy a enregistré neuf albums avec le Charles Mingus Jazz Workshop.

Le pianiste Joe Warner, qui avait joué avec Handy pour la première fois au club Yoshi’s de San Francisco une décennie plus tôt, avait perdu contact avec le saxophoniste jusqu’à ce qu’il l’entende jouer en juin 2023 au Festival Jazz on the Hill avec le Akira Tana Quartet. On avait aussi remis un Jazz Icon Award à Handy dans le cadre de l’événement. Warner poursuivait: “John just sounded so good. He’ll give you that old-school authentic thing, and when he plays a ballad, it’s hard to replicate if you don’t come from that era. But he’s also very modern and can be abstract in his thinking. A lot of his music is very free and open and forward-thinking.” En 2009, l’organisme SF JAZZ a décerné à Handy un Beacon Award.

Le fils de Handy, John Richard Handy IV, est devenu batteur, et se produit avec son père à l’occasion. Handy est également le père du saxophoniste Craig Handy.

©-2024, tous droits réservés, Les Productions de l’Imaginaire historique

SOURCES:

GILBERT, Andrew. ‘’At 90, Bay Area Sax Great John Handy Is Still Composing His Legacy.’’ KQED Inc., 2 février 2023.

‘’John Handy.’’ All About Jazz, 2024.  

‘’John Handy.’’ Wikipedia, 2024.

KALISS, Jeff. ‘’At 90, Saxophonist John Handy Still Puts In the Hard Work.’’ Classical Voice, 1er août 2023.

[kizaba]

KIZABA - LIVE SHOW IN BOGOTA ( FESTIVAL AFROFUTURISMO)

Lionel Kizaba, auteur-compositeur-interprète, multi-instrumentiste et pionnier de la musique électro afro-congolaise basé à Montréal, a tracé un chemin musical unique. Avec une fusion du français, de l'anglais, du kikongo et du lingala, ses compositions transcendent les barrières linguistiques. En 2022, il entame sa première tournée aux États-Unis, sur la célèbre scène principale du festival historique de jazz de la Nouvelle-Orléans aux côtés d'artistes emblématiques tels que Lionel Richie, Ceelo Green, Charlie Wilson et The Foo Fighters. Son parcours remarquable s'est poursuivi alors qu'il a captivé le public lors d'événements de premier plan comme le Festival International de Louisiane, le Festival Africa Oyé en Angleterre, Mapas en Espagne, Circulart à Medellin en Colombie, Womad Chili, Mundial Montréal, M Pour Montréal, Séoul Music Week Korea et Global Toronto. Les performances de Kizaba sont enrichies par la collaboration de musiciens talentueux originaires de Cuba, d'Haïti, de Côte d'Ivoire et du Québec. S'inspirant de son éducation congolaise, ses spectacles arborent un style musical diversifié. Il tisse astucieusement des vocalisations ancestrales avec les sons vibrants du Soukous-Congolais et de l'Afrobeat, imprégnés d'une philosophie Afro-Punk Rock. Pour offrir une expérience sensorielle complète, les productions scéniques de Kizaba intègrent des visuels fascinants influencés par les masques traditionnels congolais et Africain, évoquant une ambiance psychédélique.

[nnjzz]

ETERNITIES + earthworm + AUGUSTÉ VICKUNAITÉ + SIMONAS NEKROŠIUS + ALANAS GURINAS

MARDI LE 05.03

ETERNITIES us earthworm  us AUGUSTÉ VICKUNAITÉ lt SIMONAS NEKROŠIUS lt ALANAS GURINAS lt

TREIZE 24 rue Moret 75011 M° Couronnes / Ménilmontant

19:30 PORTES

20:00 ACTION !

P.A.F.6€

ETERNITIES us utah nyc " deep presence, resonant feedback, melodic drone, and overtone magic, in the fluid realm between intention and indeterminacy. We use harmonic tones from wind instruments played within feedback systems to create deep spectral drone. "

Duo composé de Katie Porter ( clarinette basse ) et Bob Bellerue  ( electronics, feedback ).

Musicienne spécialisée surtout dans la musique expérimentale / contemporaine ( interprétant p. ex. les musiques de John Luther Adams, Jason Ajemian, Mike Kelley, Michael Pisaro, Larry Polansky, Stephanie Richards, Morris Rosenzweig, Arthur Russell, James Tenney, Maayan Tsadka, Christian Wolff, entre autres ) mais pas que  ( "   She exists mainly in the experimental realm, but can sometimes be found elsewhere. " ) , Katie Porter est aussi curatrice, passionnée par la création de communautés musicales - elle a cofondé p.ex. Listen/Space (Brooklyn) et est commissaire des Listen/Space Commissions, responsables de 46 nouvelles œuvres pour groupes de chambre mixtes.

Elle co-dirige également le Symposium biennal VU pour la musique expérimentale, improvisée et électronique (Park City, Utah) et travaille sur un projet de longue haleine ( jeu de mots intentionnel ) pour clarinette solo dans l'installation Sun Tunnels ( 1976 ) - en cours de restauration -  de  la land-artiste, Nancy Holt, dans l'Utah.

Plusieurs projets dont le duo RED DESERT ENSEMBLE (   “a finely poised musical partnership”- THE WIRE,  ) avec le percussionniste/compositeur Devin Maxwell, qui a publié un album  sur le label de feu Phil Niblock, XI.

Bob Bellerue est artiste sonore / noisician, ingé-son, technicien et entre autres choses, curateur, entre autres, et notamment LE responsable principal de l'immensissime festival de musiques oufissimo-interlopissimes, ENDE TYMES. 

Sa pratique sonore tourne souvent autour des systèmes de rétroaction résonnante, utilisant des instruments, des objets, des enregistrements et des espaces amplifiés, en combinaison avec des composants électroniques et des logiciels écrits dans le langage de programmation de synthèse audio Supercollider.

Au cours des 30 dernières années, il a été impliqué dans la création et la présentation d'un large éventail d'activités sonores – entre noise, art sonore, musique expérimentale, percussions junk metal, gamelan balinais, bandes son pour la danse/théâtre/vidéo/art de la performance et  installations vidéo / son. 

Il a publié moult enregistrements, notamment chez Elevator Bath Records, iDeal Recordings, Banned Productions, Fabrica, P-Tapes, RRR Records, Love Earth Music, Prison Tatt Records, Los Discos Enfantasmes, Zelphabet, Peyote Tapes, No Rent Records ou sur ses propres labels, Anarchymoon Recordings and Sleepy Hollow Editions. 

earthworm us uk Nouveau duo / projet collaboratif composé de Christi Denton, artiste sonore et compositrice polyvalente originaire des États-Unis et de France, et de Margaret Fiedler McGinnis ( US / UK ), auteur-compositeur et multi-instrumentiste connue pour son travail avec au mitan des années 90s MOONSHAKE et LAIKA ensuite, et plus récemment avec  PJ Harvey & Wire ( excusez de peu).

 Dans une pièce spécialement composée pour Le Non_Jazz aux Nautes, elles s'aventureront dans le domaine de l'improvisation structurée. Conçu pour faire écho aux pousses vertes tendres de la saison, SPRINGS promet une expérience sonore immersive. Denton et Fiedler McGinnis créent une partition graphique unique pour l'électronique réactive, la guitare et d'autres éléments qui n'ont pas encore été révélés. Cette approche innovante s’entremêle avec les battements de cœur des musiciens et d’autres rythmes organiques, créant une interaction dynamique entre les interprètes et l’esprit éveillé de la saison.  https://www.christidenton.com/

AUGUSTÉ VICKUNAITÉ lt   Performeuse / collagiste sonore, avec une formation en sciences physiques ( ! ). Elle utilise principalement des magnétophones à bandes pour jouer, enregistrer et créer des compositions instantanées à base de d'enregistrements de terrain divers, dysfonctionnements de la technologie vintage ou encore des sons d'instruments enregistrés dans des environnements naturels.

Sa performance contiendra des boucles de bandes audio et des collages effectués à partir de de bandes trouvées.

SIMONAS NEKROŠIUS lt Artiste interdisciplinaire de Vilnius, spécialisé dans l'art sonore et la construction d'instruments électro-acoustiques et d'objets sonores faits maison.

Son travail est souvent associé aux notions de « ready-made » et de « DIY ». Il perçoit la créativité et les objets d'art comme un processus, réduisant ainsi l'importance des résultats finalisés dans ses projets. En conséquence, son travail a tendance à être indéterminé et transformateur au fil du temps.

https://www.youtube.com/@SimonasNekrosius 

ALANAS GURINAS lt Jeune artiste interdisciplinaire, adepte des performances sonores et des installations audiovisuelles.

Dans sa démarche, il explore le son en tant que phénomène textural, les thèmes de l'éphémère et les relations entre divers objets et espaces audibles et inaudibles.

A slightly light tone  ( Strained paper sheets, weights, vibro motors, various sound objects ) 

est une performance sonore acoustique live qui utilise le papier comme matériau principal pour produire du son. Différents types de papiers sont placés entre deux pinces en bois et, à l'aide de poids, sont tendus jusqu'à ce qu'ils trouvent leur état de résonance. En conséquence, différents tons, drones et textures générés par du papier en suspension sont produits. (La durée de la représentation est de +- 30 minutes)  

Fly - Jo L'Indien

[my-jokes-are-my-armour]

I discovered a new singer stumbling on a short of my favorite youtuber playing piano with him on his song. I am like wow ! Good lyrics, excellent voice, I need to see more.

I go on the artist's channel to listen to the whole song. And... Good lyrics and strong story! But... very different vibe with a computer generated music (or heavily modified - the guitar seems real though) and autotune voice (not the robot voice but I noticed anyway). But, in real life, boy, that man can sing, and sing VERY well !

With a real instrumentist, even in the odd setup he makes people sing, a synthesiser as a piano and a minimalistic arrangement, that is 100 times better. Because, the singer can breath, the musician follows his energy and they interpret.

Live music forever!

Original version. This is French by the way.

Warning : alcoholism.

Extract of the song : acoustic version