#josé maría sánchez verdú

[elmartillosinmetre]

Mi crítica del concierto del Quartet Gerhard esta mañana en el Hospital Real de Granada.

[bachartpaco]

Diseño. Tipografía con tema. Trabajos de María Maluenda Oncina, Carolina Castillo Rico, José Ángel Sánchez Pérez, Andrea Molina Lluch, Antonio Verdú Díaz, Alejandro Alfaro Enguidanos (2), Alba Agüera Ventura y Ángela Sánchez Ramos.

[tupanoramavirtual-blog]

Tocan música original de Nosferatu en México

Tocan música original de Nosferatu en México

El compositor José María Sánchez-Verdú rescata 20 minutos de la melodía compuesta por Hans Erdmann; preparan función con orquesta; la entrada es gratuita (more…)

[que-noticias]

El Archivo de la Catedral recibe después de 80 años seis obras nuevas, entre ellas una de Cristóbal Halffter

El Archivo de la Catedral recibe después de 80 años seis obras nuevas, entre ellas una de Cristóbal Halffter

EUROPA PRESS

El Archivo del Cabildo de la Catedral de León ha recibido después de 80 años seis obras compuestas, por encargo del XXXV Festival Internacional de Órgano, por seis de los compositores más importantes de la segunda mitad del siglo XX, como Cristóbal Halffter, Tomás Marco, Alfredo Aracil, José Manuel López, David del Puerto y José María Sánchez Verdú.

El alcalde de León, Antonio…

[riuacero]

Folklorism and Avant-Garde. On Mauricio Sotelo and José María Sánchez-Verdú. - Miguel Álvarez Fernández

-Luigi Nono se casa co Nuria, la hija de Schonberg, en 1956

- The autarchic isolation encouraged by Franco’s regime not only applied to economy, but also to culture, and music was no exception during the time, so “good music” should sound “Spanish”, and should also be free from external influences. Maybe the most successful example of this nationalistic cultural policy was the huge promotion (and consequent diffusion) of what remains today as probably the most well-known Spanish classical music piece, the Concierto de Aranjuez written by Joaquín Rodrigo, a composer who remained supportive and faithful to Franco’s regime along his life.[1][1] Cf. Joaquín Rodrigo y la música española de los años cuarenta, Javier Suárez-Pajares, ed. (Valladolid: Glares Gestión Cultural-Universidad de Valladolid, 2005).

- Moreover, and as our review of the biographies of the composer also demonstrated, only after the successful reception of their music in those countries these composers were recognized by the institutions (and the audiences) of their motherland.      

-[...] In other words, and arriving to the announced second paradox: while the constant references to the Spanish musical tradition in their compositions make Sotelo and Sánchez-Verdú’s music very “Spanish” for Austrian and German audiences, the aesthetic position and the academic background of these composers define them as very “German” for the rest of the Spaniards.

- The paradox appears, once again, when we contrast Adorno’s support of a modern music which should be exempt from any “picturesque” and “popular” reference (because of the conservative —and even retrograde— implications of such gestures), and the constant apparition in the work of Sotelo and Sánchez-Verdú of musical materials that find their origin in (and can be easily recognized as coming from) the Spanish popular music tradition.    

- Among them, and in a very relevant dimension, we find the contradiction between a local, peripheral and traditionalistic perspective (as derived from the use of folkloristic elements), and an allegedly universalistic or global ideal, which points towards the renovation of music as a whole, to its future (so reads the program associated with the avant-garde since the inception of this concept).

-The history of the last century has confirmed that this universalistic approach associated with European modernism was not, in fact, really detached from all possible national influences, and today it has become clear that the aesthetic program of post-war serialism (as it was defended by the composers linked to the “School of Darmstadt” and by philosophers like Adorno) was not as far from a very specific Middle-European musical tradition as their supporters wanted to see. The links between serialist thought and, for example, the idea of absolute music (brilliantly analyzed by Carl Dahlhaus in its connections with the philosophical movement of German idealism[1]), and therefore with a particular nationalistic musical tradition, appear very clearly from the perspective of our days. Schoenberg’s musical ideas, which in the first decades of the 20th century could be perceived as a revolutionary rupture with the past, now can only be understood in the general context of the evolution of an Austro-German musical tradition. Serialist thought, although presenting itself as a new beginning, as a tabula rasa totally disconnected from any musical reference of the past, and in spite of its universalistic aspirations (perfectly exemplified by the International Summer Courses of Darmstadt, started just after the German defeat in the Second World War[2]), was originated in what was (and apparently is, still for many) supposed to be the center of Europe. Not a geographical center, of course, but a cultural axis, a point of reference that still attracts young peripheral composers such as Mauricio Sotelo or José María Sánchez-Verdú.[1] Carl Dahlhaus, The Idea of Absolute Music, translated by Roger Lustig (Chicago - London: University of Chicago Press, 1989).[2] In the context of the Darmstadt courses, the first compositions of Pierre Boulez would not “sound” French, nor Karlheinz Stockhausen’s early works should be perceived as German, nor Luigi Nono’s as Italian…

- How the huge cultural influence of these cultural axes (which were defined throughout the cultural process of Modernity) affects the artistic production of the creators attracted to them in a postmodern context, where precisely this particular notion of center —and the hierarchies that it implies— is supposed to be outdated and not valid anymore?

- What role has played the Spanish origin of these composers in the process of negotiation of their respective musical identities?

- According to this hypothesis, the cultural power emanated from the European musical centers would not manifest itself as the imposition of particular musical elements from the Austro-German musical past in the poetics of the composers linked to these traditions (though in the cases of Sotelo and Sánchez-Verdú the importance of post-serialist thought could be perceived as the result of such a kind of cultural imposition), but instead it would adopt a somehow opposed form: the encouragement to construct a musical discourse based on what are supposed to be autochthonous musical features that clearly reflect the “original” and “authentic” national background of the composer. Göran Folkestad, following the expression coined by Hammarlund in his study of the music among Syrians in Sweden, defines this function and kind of music as “emblematic”: “Emblematic music is directed outwards and has national symbolic meanings. In situations in which the main purpose is to play for other people, or to impress national ideas upon the home group, ‘traditionalistic’ music is used. [...] This means that the emblematic function is to present a simplified and conventionalized version of the music which is geared towards the perceived experiences of the audience.” The somehow symmetrical function of music is “catalytic”. In this case, according to Hammarlund (quoted by Folkestad), music works as “a catalyst in the social chemistry which produces the feeling of belonging to a group”. Göran Folkestad, ‘National identity and music’, op. cit., pp. 155-156.

- Of course it should be remembered here that the musical movements related with Nationalism have their origins in the aesthetics of Romanticism.

- The political significance of such operations is quite important, because presenting music from distant cultural traditions not only strengths the international relations with the represented nations (increasing, for example, the chance for composers and performers from these places to travel to the host country), but, as we have already mentioned, also endorses one of the most popular and “politically correct” values —or aspirations— of our times, multicultural tolerance.

- However, an important difficulty arises in these cases: in order to fulfill these functions, the imported music not only should come from abroad, but it should also sound like coming from abroad.

-The imposition of these picturesque stereotypes on the foreign music demanded by the “central” cultural producers could be regarded as a classical form of colonization, not very different from the one that characterized the nationalist musical movements during the 19th century. Spanish composers like Albéniz, Granados o Turina —more attracted in their times to the Parisian “center” of Europe than by the Austro-German influence— would represent, from this point of view, a tendency which is not very different from the cultural strategies described in previous pages. But the contradiction that deeply affects the aesthetic discourse of composers such as Sotelo and Sánchez-Verdú derives from their support of the progressive and internationalist thought associated with musical modernism and the Darmstadt avant-garde, which paradoxically leads them to reproduce in their work a cultural scheme considered typical from the 19th century. 

- The paradoxes derived from this contradiction do not stop here, because it still could be argued that another form of cultural colonialism is enacted through the music of these Spanish composers. When we take into account the context where flamenco music (considered as a form of popular culture) is traditionally presented, and observe how a composer like Mauricio Sotelo displaces some of its elements and features to the context of a typical high-culture classical music tradition (for example, by juxtaposing a cantaor with the Vienna Symphony Orchestra, not in a tablao but in a concert hall, and not for flamenco audiences but for the assiduous visitors of the Wiener Konzerthaus), should not we consider that another form of violence —another kind of colonization— is exerted upon this music?

[ondajaenrtv-blog]

Una quincena de pianistas superan la primera prueba eliminatoria del 60º Premio “Jaén” de Piano

    El Teatro Infanta Leonor de Jaén acogerá desde mañana y el lunes la segunda prueba de este certamen, en la que los concursantes deben interpretar la obra obligada “Jardín de espejos”, de José María Sánchez-Verdú

Serán 15 los jóvenes intérpretes que continuarán desde mañana domingo y hasta el lunes, 9 de abril, participando en el 60º Concurso Internacional de Piano Premio “Jaén” organizado…

[noticiascantautores]

Heras-Casado presenta el 67 Festival de Granada

Se recordará la rica historia del Festival, de los Conciertos que se celebraban en la Alhambra, desde 1883. José María Sánchez-Verdú estrena Memoria del rojo, obra de inspiración alhambreña. La cantaora onubense Rocío Márquez y el cantautor uruguayo Jorge Drexler, se encuentran en un ... via Cant http://ift.tt/2DZAEhM

[informer82]

Titel: 20180122 II Ciclo Entre Música y Arquitectura - La disciplina Text: La Fundación Arquitectura COAM organiza este segundo ciclo de diálogos para reflexionar sobre el territorio superpuesto entre la Música y la Arquitectura. Inauguración del ciclo con el Coro de Arquitectos de Madrid. En esta inauguración contaremos con el compositor y director de orquesta José María Sánchez-Verdú y la arquitecta Ángela García Paredes, además de la actuación del Coro de Arquitectos de Madrid. Programa: · Actuación del Coro de Arquitectos de Madrid · Presentación de Alberto Humanes · Diálogo entre José María Sánchez-Verdú y Ángela García Paredes Ángela García de Paredes (1958) es arquitecta por la ETSAM (1982), doctora (2015) con premio extraordinario UPM de Tesis Doctoral en 2016 por la tesis "La arquitectura de José M. García de Paredes, Ideario de una obra". Vicepresidenta de la Fundación Manuel de Falla. Profesora de Proyectos Arquitectónicos en la ETSAM. Profesora invitada en otras universidades como el IUAV de Venecia e invitada como crítica y conferenciante en GSD Harvard, ETH Zurich, EPFL Lausanne, New York CU, FADU Buenos Aires, Ibero México, Politecnico di Milano, TU München, UDK Berlín, entre otras. En 1990 se asocia con Ignacio Pedrosa, como Paredes Pedrosa Arquitectos. Su obra ha sido expuesta en diversas Bienales de Arquitectura Españolas, de Venecia e Iberoamericanas y han obtenido el Premio Europan 1991 y 1996, Premio ar+d Award 1999, Premio Arquitectura de la Comunidad de Madrid 2005, Premio Nacional de Arquitectura Española 2007, Gold Medal International Prize for Sustainable Architecture 2012, Premio Mansilla COAM 2012 y 2014, Premio Eduardo Torroja de Ingeniería y Arquitectura 2014, Premio Europeo de Intervención en Patrimonio Arquitectónico 2015, Premio COAM +10 2017 y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2014. José M. Sánchez-Verdú (1968) estudió Composición, Musicología y Dirección en España, Italia y Alemania. Es licenciado en Derecho (Complutense) y Doctor por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha obtenido premios como el Förderpreis de la Siemens-Stiftung (Múnich), Irino-Prize (Tokio), Premio de la Junge Deutsche Philharmonie, Premio Nacional de Música, Premio de la Bergischen Biennale (Wuppertal), Premio Ibn Arabi, Premio de honor de la SMR de Cuenca, etc. Sus obras (orquesta, música de cámara, instalaciones y obras escénicas con especiales dramaturgias basadas en la luz, el color, la arquitectura, el movimiento, etc.) han sido presentadas en Berlín, Múnich, Hamburgo, Stutt­­gart, Viena, Lucerna, Venecia, Salzburgo, Madrid, El Cairo, Buenos Aires, etc. Ha sido “compositor en residencia” en importantes festivales y orquestas en Alemania, Austria, Suiza, España, Polonia y Perú. Ha sido profesor de composición en importantes centros alemanes (Hannover y Dresde), y ha sido invitado para cursos y conferencias por instituciones como las Hochschulen de Múnich, Bremen, Universität der Künste Berlin, la Hanyang University de Seúl, o la Sibelius Academy Helsinki, a cuyo Academic Council (Composition) pertenece. Actualmente es profesor de Composición en la Robert Schumann Hochschule de Düsseldorf y en el CSMA en Zaragoza. Sus obras se editan por Breitkopf & Härtel., Hochgeladen von: Fundacion Arquitectura COAM, http://ift.tt/2nlzqG0

[elmartillosinmetre]

Valses de Año Nuevo

[La directora polaca Marzena Diakun al frente de los conjuntos de la ORCAM / MARCO BORGGREVE]

Una muestra de las recientes producciones de solistas, conjuntos y discográficas españoles dedicados al sector clásico

Ha cumplido ya 82 años, pero Jordi Savall sigue viviendo en una vorágine de conciertos y grabaciones. Su discográfica Alia Vox no descansa. En 2023, además de alguna reedición sonada (como un par de vinilos con míticos registros para su viola de los años 70), ha publicado uno de esos crossovers entre lo antiguo y las músicas tradicionales y del mundo (Oriente Lux) a los que es tan aficionado, pero además se ha adentrado en el terreno del siglo XIX con fuerza: después de su ciclo sinfónico Beethoven y de su acercamiento a Schubert, ha llevado al disco la Italiana de Mendelssohn, que presenta dos veces, en su versión inicial (1833) y en la definitiva (1834), para, ya terminando el año, elevar el tiro con la edición (siempre lujosa e impecable) de nada menos que la Missa solemnis como culminación de su revolucionario acercamiento al genio de Bonn. Escuchando el despliegue de energía de sus conjuntos, la rebautizada ahora como Capella Nacional de Catalunya y Le Concert des Nations (con Lina Tur Bonet, como en Mendelssohn, de concertino), pensaba en que esta demostración de vigor, creatividad y pasión de alguien que lo ha sido ya todo en su oficio es un buen estímulo para afrontar los desencantos de la edad y del entorno que imponen los tiempos.

Otro de los grandes veteranos de la música antigua española dejó a finales de 2023 un disco extraordinario: Procesional de Sixena. Con cuatro cantantes femeninas (Èlia Casanova, Beatriz Lafont, Laia Blasco y Maria Morellà), absolutamente transfiguradas, y el apoyo de un arpa (Robert Cases) y una fídula (la del director del proyecto), Carles Magraner ha conseguido con su Capella de Ministrers uno de esos hitos musicales que se quedan en la memoria por la belleza serena, intemporal que la música transmite. Se trata de un acercamiento al repertorio de las monjas del Real Monasterio de Sijena (Huesca) según la única fuente musical conservada, el excepcional Procesional de Sijena, elaborado en los siglos XIV y XV, que recoge cantos para diferentes momentos del año litúrgico. Aquí se resumen tres: el día de San Juan Bautista, el Mandatum del Jueves Santo y la Pascua, en los que el gregoriano se mezcla con algunas polifonías e interludios instrumentales a partir de los Códices de las Huelgas y Madrid.

Otro grande de la música antigua, Albert Recasens, terminó 2023 presentando un álbum singular con La Grande Chapelle: música sacra latina de Antonio Rodríguez de Hita (1722-1787), un compositor principalmente conocido por sus comedias junto al dramaturgo Ramón de la Cruz. El repertorio fue compuesto para el monasterio madrileño de la Encarnación y está formado por salmos, motetes, himnos, lamentaciones y, sobre todo, responsorios de Epifanía. Como siempre me pasa con Recasens, la mezcla entre rigor y detalle me deja con ganas de oír más.

Savall, Magraner y Recasens manejan sellos propios (Alia Vox, CDM y Lauda), pero puede que el más influyente sello clásico español sea ahora el granadino IBS, que ha seguido con su extraordinaria cadencia productiva, de la que quisiera destacar ahora tres trabajos. El primero es el que el navarro Eloy Orzaiz ha hecho con un piano de Conrad Graf de 1826-27 en el que recoge los tres Klavierstücke D.946 de Schubert y la Gran Sonata brillante en re mayor Op.106 y una bagatela de Hummel (esta última da título a su disco, La Contemplazione) para mostrar la mala suerte que tuvo Hummel al competir en los libros de historia con Beethoven y Schubert: el brillante virtuosismo de su música, combinado con el lirismo belcantista de ese Larghetto de la Sonata, merece más atención de la que hoy conoce.

Para el segundo, cambiamos de universo radicalmente: el Trío Musicalis (Eduardo Raimundo, clarinete; Mario Pérez, violín y viola; Francisco Escoda, piano) titularon Mosaicos a un álbum que recoge obras de compositores españoles vivos: Héctor Parra, Jesús Torres, José Luis Greco, Ramón Paús y José María Sánchez-Verdú, todas ellas escritas entre 2018 y 2021 para el propio grupo, fundado en el seno de la ONE hace ya 15 años. Cinco nombres para cinco estéticas diferentes y un empeño común, seguir ampliando las posibilidades expresivas de los instrumentos y sus desempeños dentro del marco siempre sugestivo y exquisito de la música de cámara. El resultado: un CD original, sorprendente, inquisitivo.

El tercero nos lleva a la música sinfónica. La polaca Marzena Diakun se pone al frente de los conjuntos de los que es actual titular, el Coro y la Orquesta de la Comunidad de Madrid, para un intenso y poco común recital brahmsiano. Sólo la Rapsodia para alto, coro masculino y orquesta, que canta como solista Agnieszka Rehlis, ha alcanzado cierta difusión entre los aficionados.  Pero aquí se reúnen también la Canción del destino Op.54 (sobre Hölderlin), las Cuatro canciones para coro femenino con dos trompas y arpa Op.17, una selección de seis Liebeslieder-Walzer Op.52, Nänie Op.82 (sobre Schiller) y el Canto de las Parcas Op.86 (sobre Goethe). Del Brahms más aparentemente ligero de los valses al dramático que escribe sobre Goethe o Hölderlin todo está dicho aquí con una propiedad técnica y expresiva y una medida del tiempo que no muchos relacionarían con un conjunto español. Me parece uno de los mejores discos grabados por una orquesta española en los últimos años.

El saxofonista toledano Pedro Pablo Cámara también ha creado su propio sello (Calle 440: tiene que pulir el diseño interior y documental de sus productos), donde acaba de publicar un estupendo álbum mozartiano con un conjunto de saxofonistas que responde al singular nombre de Prochain Arrêt y que proceden del Centro Superior de Enseñanza Musical Katarina Gurska de Madrid, donde Cámara ejerce como profesor. El grupo ha cogido dos de las Serenatas de Mozart escritas para Harmoniemusik (octetos de viento, muy populares en la Viena de finales del XVIII) y las ha pasado a sus instrumentos. Las obras se cuentan entre las mejores del género: nada menos que la Nachtmusique KV 388 de 1782 y la Gran Partita KV 361, de la misma época (quizás un año anterior, aunque no es seguro). En su plena madurez, Mozart logra una combinación de lirismo, divertimento y hondura expresiva como en pocos otros géneros de su catálogo. Los arreglos son tan buenos que uno se olvida del instrumento que escucha porque el mensaje musical del compositor llega en toda su extensión y su verdad.

Debutaron para la fonografía con canciones de García Leoz en un disco titulado Luna Clara, y la soprano pacense Mar Morán y el pianista Aurelio Viribay vuelven al CD con Luna muerta (editado en Cezanne esta vez), repaso por las canciones de Manuel Palau (1893-1967). A la ampliación del repertorio español, el CD añade la posibilidad de escuchar una voz radiante, que se explaya operísticamente de forma brillantísima cuando la ocasión lo requiere, pero sabe recogerse en la intimidad con delicadeza, siempre con insinuante intención expresiva en matices y acentos. Soberbio.

Y para terminar, más valses, que estamos en Año Nuevo. Los doce que el pianista cordobés Pablo Amorós ha dejado con la marca Marfer de un personaje enigmático, Clifton Worsley, seudónimo de Pedro Astort Ribas (1872-1925), un barcelonés, pionero del jazz en España, creador del llamado Vals de Boston (con el primero, luego retitulado Beloved!, se hizo famoso internacionalmente), más lento que el vals vienés o francés y con el que se labró un nombre en la música popular de principios del siglo XX. Worsley fue luego olvidado. Este atrevido CD lo reivindica.

[Diario de Sevilla. 7-01-2024]

[valladolidnoticias]

Elena Álvarez Mellado, XXII Premio Nacional de Periodismo Miguel Delibes

El jurado de la XXII edición del Premio Nacional de Periodismo Miguel Delibes, patrocinado por EspañaDuero, ha decidido por mayoría entregar el galardón a la divulgadora Elena Álvarez Mellado, por su trabajo ‘Metáforas peligrosas: el cáncer como lucha’, publicado el 13 de octubre de 2017 de eldiario.es, según informan fuentes de la Asociación de la Prensa de Valladolid (APV).

El jurado ha valorado «su pertinencia, que aborde un debate muy necesario para el periodismo, su originalidad, su valor divulgativo en un tema complejo, su cercanía, así como la facilidad de lectura. El texto, además, pone de manifiesto como en muchas ocasiones somos hablados por el propio idioma, diciendo mucho más de lo que se busca».

Elena Álvarez Mellado es lingüista computacional y actualmente trabaja como personal investigador en la UNED. Ha dirigido Proyecto Aracne para la Fundación del Español Urgente (Fundéu BBVA), ha sido parte de Molino de Ideas y en 2016 escribió el libro de divulgación lingüística ‘Anatomía de la lengua’. Colabora como articulista en ‘eldiario.es’, donde escribe periódicamente una columna sobre lengua.

Fue el 22 de mayo de 1996 cuando la Asamblea General de la Asociación de la Prensa de Valladolid acordó crear el Premio Nacional de Periodismo ‘Miguel Delibes’ con motivo de la conmemoración del IV centenario de la concesión del título de ciudad a Valladolid y en línea con el congreso ‘El Español y los Medios de Comunicación’, que contó con la participación de la APV.

Desde entonces, la lista de galardonados se ha ido completando con obras de grandes periodistas de toda España: Fernando Lázaro Carreter (1996), Vicente Verdú (1997), Álex Grijelmo (1998), Jesús Marchamalo (1999), José Jiménez Lozano (2000), Carlos Luis Álvarez ‘Cándido’ (2001), Juan José Millás (2002), Javier Marías (2003), Valentín García Yebra (2004), Andrés Trapiello (2005), María de los Ángeles Sastre (2006), Tomás Hoyas (2007), Antonio Álamo (2208), Luis María Ansón (2009), Joaquín Sánchez Torné (2010), Magí Camps (2011), Isaías Lafuente (2012), Iñaki Gabilondo (2013), Ignacio Camacho (2014), Pepa Fernández (2015) y Martín Caparrós (2016).

El jurado de la presente edición estuvo compuesto por el ganador de la edición anterior, Martín Caparrós; el director del Instituto Cervantes, Juan Manuel Bonet; la directora de Diario 16, María José Pintor; la directora de RTVE Castilla y León, Ruth Rodríguez; Jesús Ángel García, del Departamento de Comunicación de EspañaDuero; el director de la Fundación Miguel Delibes, Javier Ortega; la presidenta de la APV, Arancha Jiménez, y su secretario general -con voz pero sin voto–, Fernando Sanz.

Fuente: El Norte de Castilla

Elena Álvarez Mellado, XXII Premio Nacional de Periodismo Miguel Delibes was originally published on Noticias

[latikobe]

Leo Brouwer dirigirá este año la cátedra Manuel de Falla

Leo Brower (blogs.wfmt.com)

CÁDIZ, España.- El músico y compositor cubano Leo Brouwer será el encargado de dirigir este año la cátedra de composición Manuel de Falla que promueve la Consejería de Cultura y que cumple en 2017 su decimoquinta edición.

Según explica la Junta de Andalucía en un comunicado, la cátedra, que consiste en un curso de alto rendimiento en creación musical, tendrá sesiones en mayo y noviembre, de cámara y mixtas, y las obras resultantes serán estrenadas en el marco del Festival de Música Española de Cádiz.

Brouwer, nacido en La Habana en 1939, es miembro de honor de la UNESCO, del Instituto Italo-Latinoamericano y de la Academia de Bellas Artes de Granada, académico de la real de Ciencias, Bellas Artes y Nobles Letras de Córdoba, y miembro numerario de la Academia Cubana de la Lengua, además de director de la orquesta de Córdoba.

Ha realizado tareas como compositor, director orquestal, guitarrista, investigador, pedagogo y promotor cultural hasta convertirse, según la Junta, es “uno de los más reconocidos y admirados músicos de creación e interpretación contemporánea del momento”.

El curso cuenta con el ensemble de música contemporánea Taller Sonoro como grupo residente, cuyo trabajo se centra, una vez presentados los borradores de las obras por el alumnado participante, en la grabación de gestos sonoros, el planteamiento formal y estético de las obras y el trabajo desde el punto de vista instrumental, siempre bajo la supervisión del profesor invitado en cada edición.

Desde su comienzo en 2002, esta Cátedra Manuel de Falla ha tenido como profesores a reconocidos nombres nacionales y extranjeros de la creación actual, muchos de ellos Premios Nacionales de Música: Antón García Abril, José María Sánchez Verdú, José Manuel López López, David del Puerto, Jesús Rueda, Mauricio Sotelo, César Camarero, Javier Álvarez, Elena Mendoza, Héctor Parra, Martin Matalón, Horacio Vaggione, Gabriel Erkoreka, Javier Torres Maldonado y Alfredo Aracil.

El plazo de inscripción finaliza el 24 de abril y se realiza en colaboración con los conservatorios Superior de Música Manuel Castillo de Sevilla y Profesional de Música Manuel de Falla de Cádiz.

(EFE)

Leo Brouwer dirigirá este año la cátedra Manuel de Falla

[bachartpaco]

Diseño. Trabajos de Vanessa Plaza Ochoa, Ángela Sánchez Ramos, José Ángel Sánchez Pérez, Estela Tortosa Bañón, Antonio Verdú Díaz, María Maluenda Oncina, Juan Antonio Pulido Segura, Javier Poveda Tortosa. Libreto CD históricamente relevante.

[ladiligente-blog]

Luis Suria Lorenzo estudia composición en el Conservatorio Superior de música de Murcia "Massotti Littel" bajo la tutela del compositor Sixto Herrero Rodes. Ha realizado como posgrado el curso de especialización en composición en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, con el compositor José María Sánchez Verdú, y clases magistrales con compositores como Héctor Parra, Chaya Czernowin, Peter Jan Wagemans. Agustín Charles, Juan José Eslava o Nacho de Paz.

Está diplomado en Magisterio Musical por la Universidad de Alicante. Ha cursado estudios en la especialidad de trompeta y piano en los conservatorios "Francisco Casanovas" de Torrevieja, y "Guitarrista José Tomás" de Alicante, donde estudia trompeta con Jaume Signes y José Pastor, y piano con Ricardo Descalzo y María Moncunill.

Como compositor son destacables sus obras para orquesta ‘Noche de lluvia’, ‘Perfec circles of color harmonies’, y ‘Epilepsia’, estrenadas por la OSCE y la Sinfonía Nº1 para Banda Sinfónica, estrenada por la Banda de Música “La Constancia” de Catral, todo ello bajo la dirección de Leonardo Martínez. 

Ha realizado trabajos de orquestación de música de Frank Zappa, estrenada por la OSCE y el grupo Moggio, y Música Americana para ensemble y soprano, también estrenada por la OSCE. Ha participado como arreglista en el proyecto benéfico del grupo Vetusta Morla y la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia realizando la orquestación del tema ‘En el rio’, y ha realizado los arreglos orquestales del CD de música popular de Elche grabado por la OSCE y el Orfeón de Elche.

Es profesor de análisis y armonía en el Conservatorio Profesional de Música “Juan Miralles Leal” de Catral (Alicante), y director de la Escuela de Música "La Lira" de Rojales (Alicante), donde es profesor de Lenguaje Musical y Piano. 

En el campo del jazz ha sido componente como pianista en diversas formaciones con las que ha participado en diferentes festivales de jazz por toda España, como Ribadesella, Ibiza, Pamplona, Toledo, Elche, Denia, Málaga, etc. 

[elmartillosinmetre]

Viaje y memoria desde el ocre

[José María Sánchez Verdú (Algeciras, 1968) / CARLOS DÍAZ DE LA FUENTE]

Giuseppe Mennuti presenta el próximo viernes en Sevilla ‘Ochra’, un álbum dedicado a la música para guitarra de José María Sánchez Verdú

Fascinado desde niño por la bandurria, el laúd y la guitarra, José María Sánchez Verdú (Algeciras, 1968) lleva dedicadas más de cuarenta obras a este último instrumento. El guitarrista italiano Giuseppe Mennuti, que se formó en parte en el Conservatorio Superior de Sevilla con Francisco Bernier, ha grabado para el sello Contrastes un álbum que recoge seis de esas obras. Lo presentará el próximo viernes en el Auditorio Cicus dentro del Festival de la Guitarra de Sevilla.

De esas seis obras, cinco son primeras grabaciones mundiales. La más reciente es Ochra, la que da título al CD en una portada de seductor diseño presidida por una litografía de Pablo Palazuelo. Se trata, dice su autor, de “un viaje a través del color ocre y las múltiples formas bajo las que aparece en la naturaleza y la pintura”. Escrita entre 2020 y 2021 y estrenada en Estados Unidos en 2022, Ochra es una composición en cuatro movimientos que utiliza material de una obra anterior para guitarra y orquesta titulada Memoria del ocre.

En orden cronológico inverso nos encontramos luego con Yad (2018), un estudio para guitarra eléctrica, que Sánchez Verdú vincula a su ópera Gramma - Jardines de la escritura (2006), ya que como en ella el acto de la escritura está en el corazón de la obra. En este caso, Yad es el marcador usado durante la lectura de la Torá en las sinagogas y representa el punto de encuentro entre lectura y escritura. La obra “juega con los tiempos y ritmos de la lectura de varias cartas hebreas” y “reduce las transformaciones electrónicas del instrumento al mínimo”, afirma Sánchez Verdú.

Nada (2007) es la única obra del CD que no está escrita para guitarra sola, ya que incluye el acompañamiento de un violonchelo (Giorgio Lucchini aquí). La pieza forma parte del ciclo Lux et Tenebris, y fue compuesta en el entorno de una exposición dedicada a Goya en Alemania. El autor afirma que la obra “refleja las sensaciones y emociones evocadas por las superficies y texturas de los grabados de Goya, así como mi interés por los patrones complejos, las estructuras y los peculiares timbres y granulaciones de la música”. Los Tres Caprichos (2003-05) también tienen su origen en las texturas e imágenes creadas por Goya, en concreto en El sueño de la razón produce monstruos, El amor y la muerte y Volaverunt, títulos de los tres movimientos en los que se divide la obra.

[Giuseppe Mennuti en una calle de Sevilla / DOS FOTOGRAFOS]

El Cuaderno de Friedenau (1998) es la única obra del CD que estaba ya grabada (la registró Pedro Rojas Ogáyar en un álbum del sello La Mà de Guido publicado en 2015). Escrita en el suburbio de Berlín que le da título, donde vivió algún tiempo el compositor, la obra presenta una escritura que, según el propio autor “amplía y enriquece enormemente el potencial expresivo y técnico de este instrumento”.

Finalmente, Kitab 1 (1996) es la primera de las nueve composiciones independientes que forman el ciclo Kitab, en las que la guitarra está siempre presente, aquí como solista, pero en las otras piezas junto a distintas formaciones. El título es la palabra árabe que significa ‘libro’, y la partitura incluye referencias a esa tradición musical. “Kitab 1 es un estudio sobre los timbres musicales destinado a explorar el potencial técnico y acústico de la guitarra, construido sobre la base rítmica de un ostinato”, afirma su autor.

El interés del algecireño por las seis cuerdas del instrumento lo ha llevado a “redefinir el maravilloso mundo sonoro que atesora la guitarra sin necesidad de recurrir a todos los clichés y estereotipos del repertorio tradicional. Usar instrumentos pertenecientes a mi propia tradición significa, sobre todo, crear un diálogo capaz de enriquecer la propia guitarra reinterpretando su mundo expresivo, estético y técnico, considerando la tradición como un patrimonio vivo y no sólo como una pieza de museo”.

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