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pangeanews · 4 years

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“Adoro Bergman e Tarkovskij, filosofi dell’immagine; questa volta mi ha aiutato Hermann Hesse”: Anastasia Minster ci presenta “Father”, il suo secondo album

Quando siede al piano sembra un personaggio fiabesco, ma di una strana fiaba, frutto dell’immaginazione di Tim Burton. C’è qualcosa di oscuro nei suoi occhi chiari e un candore tenebroso nella sua voce. Lei è Anastasia Minster, una ragazza di origine russa, ma residente a Toronto, Canada. Il suo secondo album, Father, ha da poco visto la luce. In lei si incontrano diverse tradizioni e influenze delle più disparate, dal cinema alla letteratura, dalla musica classica ai Doors. Il precedente lavoro, Hour of the Wolf, è stato una scoperta, in Italia, di Pangea. Per primi, l’abbiamo intervistata – ed evidentemente ci abbiamo visto giusto. Naturalmente, anche in quest’occasione, non potevamo farle mancare il nostro supporto dall’altra parte dell’oceano.

È impossibile non notare l’influenza che il cinema ha sulla tua musica: il precedente album, Hour of the Wolf, conteneva fin dal titolo un riferimento a Bergman e Father, il secondo, a Solaris di Andrej Tarkovskij. Come spieghi l’ispirazione che la tua opera trae dal grande schermo?

Il cinema è assolutamente una delle forme d’arte che preferisco, data la sua forza e l’impatto che può avere ai più diversi livelli. Da musicista, trovo particolarmente interessante constatare come il piano visivo e quello sonoro siano legati: la colonna sonora può davvero aggiungere qualcosa e portare a galla altre sfumature di significato ed emozione. E forse qualcosa di simile può avvenire anche a parti invertite: quando scrivo una canzone, spesso immagino una scena che possa accompagnarsi alla musica o un film a cui potrebbe fare da colonna sonora. Penso ai personaggi, le loro emozioni, il paesaggio circostante, la luce, il lento movimento della cinepresa… Ovviamente, nel mio caso, si tratterebbe di un film in bianco e nero, al rallentatore. È interessante che la mia musica sia stata spesso descritta come cinematografica, quindi è ragionevole sostenere che un certo approccio abbia la sua influenza sul mio modo di comporre. Sì, sono sempre stata profondamente ispirata dal grande schermo, specialmente dai classici europei. Il mio debutto fa chiaramente riferimento a L’ora del lupo di Bergman, quello che è probabilmente il suo film più oscuro e disturbante. Andrej Tarkovskij, a ogni modo, occupa un posto a sé nel mio cuore. Lo vedo come una grande filosofo e un poeta dell’immagine. Ma, al di là delle inquadrature che tolgono il fiato, la sua produzione è profonda e piena di significato. È, al contempo, psicologico e spirituale e le sue tematiche scuotono qualcosa dentro. Per esempio, in Solaris, quello che ha ispirato la mia omonima canzone, il regista riflette su cosa accadrebbe se i nostri desideri e aspirazioni, di cui probabilmente noi stessi non siamo del tutto consci, potessero divenire realtà. È un’idea così seducente.

Ho letto che, per questo nuovo album, ti sei avvalsa di tutta una serie di strumentazioni che rimandano al vecchio mondo dell’analogico. Come mai? Cos’ha questo che il digitale non può restituirti?

L’analogico ha un’anima. Ha una sua storia e una sua personalità, proprio l’ideale per la mia musica. Diversamente dalle varie opzioni digitali, non altera il suono, ma restituisce una nuova dimensione alla canzone. Per esempio, mi piace quando si sente il fruscio e penso che questo trasformi proprio le tracce a livello sonoro. Vedi, il classico mi ispira, che si tratti di musica, cinema, o letteratura e vorrei che le mie canzoni avessero quello stesso carattere atemporale, insomma che potessero suonare come se fossero state registrate cinquant’anni fa, come ieri. Per lo stesso motivo, ogni volta che poso per delle foto da inserire nei miei dischi, preferisco il bianco e nero: è senza tempo. E sono stata fortunata ad aver potuto lavorare con Jeff McMurrich, uno straordinario ingegnere del suono e produttore, che predilige a sua volta i vecchi sistemi. Nel suo studio possiede dei rari strumenti molto vintage, come delle piastre di riverbero tedesche, degli anni ’40, di cui abbiamo fatto largamente uso nel disco. Credo addirittura che siano state tra le prime a essere prodotte, infatti hanno proprio un aspetto inusuale: giganteschi blocchi di legno, con piastre metalliche all’interno, che occupano qualcosa come metà della stanza. Adoro la qualità sonora che riescono a trasmettere e tutta la storia che si portano dietro. Lavorare con apparecchiature analogiche, insomma, rende il processo di registrazione ancor più particolare e, credo, conferisca all’album un suono unico.

Tra le altre cose, il tuo lavoro risulta, anche in questo caso, influenzato da Jung e Hermann Hesse. Quanto è importante leggere libri di un certo tipo per scrivere buona musica?

Non credo sia strettamente necessario aver letto determinati libri per scrivere musica, ma certo può aiutare. La mia ispirazione proviene da molteplici fonti e la letteratura è sicuramente tra quelle essenziali, specialmente per quel che concerne la composizione dei testi. Durante la stesura di Father, mi è capitato di andare incontro al cosiddetto blocco dello scrittore e non riuscivo a finire le liriche di alcune canzoni. Una di queste, in particolare, è stata decisamente impegnativa, Falling. Avevo la parte di piano e la linea vocale pronte, oltre all’idea dell’argomento, ma non riuscivo a mettere giù le parole. Quel che è giunto in mio soccorso è stato Siddhartha di Herman Hesse, uno dei miei libri preferiti. Mi è venuto in mente per qualche ragione, così ho deciso di leggerlo nuovamente e sono incappata in questa citazione, che calzava a pennello con la canzone: “Siddhartha non fa nulla. Siddhartha aspetta, pensa, digiuna, ma passa attraverso le cose del mondo come la pietra attraverso l’acqua, senza far nulla, senza agitarsi: egli viene attratto, e si lascia cadere”. Adoro questo passo, così ci ho costruito intorno il pezzo. Sono stata inoltre profondamente influenzata dall’opera di Carl Gustav Jung. Il mio album di debutto, Hour of the Wolf, che era un viaggio nel sottosuolo, per così dire, in cui mi sono confrontata con i miei demoni e mostri, è stato ispirato dal suo concetto del sé-ombra. Il nuovo disco, Father, riguarda invece il potere e la luce, e fa riferimento al concetto di archetipi, quello del padre in particolare. La traccia che dà il titolo, che è inoltre ispirata al concetto della Trinità, ruota intorno a questo. Si tratta di una sorta di conversazione con l’archetipo paterno che rappresenta Dio, il potere interiore, la sorgente creativa, oltre a fare riferimento a mio padre morto quindici anni fa.

Cosa mi dici della tua collaborazione con Steve Jansen, questo musicista, compositore e produttore? In cosa la sua presenza è stata determinante?

Steve è un musicista e un compositore di incredibile talento, ed è stato per me un punto di riferimento negli anni. Adoro la sua band, i Japan, e i suoi ultimi lavori – album solisti, collaborazioni e il nuovo gruppo, gli Exit North – ancora di più. Amo il modo in cui riesce a manipolare i suoni: i vari livelli della canzone e le trame sonore a volte ricevono un arrangiamento elaborato, mentre in altri casi questo risulta minimale e delicato, con ampio risalto alle varie parti, ma sempre con quel tocco che riempie di bellezza. È come se Steve creasse un nuovo percorso al quale si può avere accesso unicamente chiudendo gli occhi e lasciandosi guidare dai suoni. Nella sua professione, è un mago. Lavorare con lui è stato un piacere perché, oltre a essere straordinario dal punto di vista musicale, è anche una persona fantastica, con cui esiste un idem sentire a livello artistico. Il suo intervento ha completamente mutato tre delle canzoni presenti nell’album: abbiamo cominciato con i soli piano e voce ma, come lui ha aggiunto i sintetizzatori, le chitarre e alcuni effetti sonori, abbiamo deciso di mettere da parte il piano, dopo un paio di sessioni di registrazione. È stato un approccio del tutto inconsueto per me, ma sono felice di essermi lasciata guidare, considerata la resa sonora molto più potente e affascinante che hanno preso i brani. Il suo contributo ha dato loro profondità, intensità e bellezza. Gliene sono immensamente grata. Il semplice fatto che un virtuoso con tanta esperienza, uno che ha prodotto della meravigliosa musica per decenni, abbia apprezzato ciò che faccio ha molta importanza per me. Steve è stato molto gentile e mi ha anche supportato per la promozione dell’album. In un certo qual modo, lo vedo un po’ come una figura paterna.

L’altro giorno leggevo l’intervista a uno scrittore americano, fatta da un francese, il quale gli chiedeva se secondo lui noi europei avessimo una percezione reale e non mitizzata di ciò che descrive. In verità, me lo sono chiesto anche ascoltando Father. Immaginavo certe luci di notte in una metropoli, stanze d’albergo dall’atmosfera soffusa, qualcosa insomma molto da film americano. Ma ciò che mi chiedevo era “Chissà cosa vorrebbe che immaginassimo, Anastasia, quando la ascoltiamo?”. Dacci un suggerimento.

Direi che le mie canzoni sono affidate alla libera interpretazione dell’ascoltatore. Io le vedo come un invito: ogni persona che entri in contatto con la mia musica è libera di seguire la mia voce e vedere dove questa lo conduce. Potrebbe essere verso tutta quella serie di sentimenti che stanno nascosti nell’anima, o al cospetto di certi ricordi dimenticati, o ancora ricevere un’anticipazione di ciò che sarà. Ogni persona è unica e sono certa che, quindi, le immagini che la mia musica cagionerà saranno delle più varie. Il mio solo auspicio è che la musica conduca l’ascoltatore alla bellezza: forse una bellezza che contiene in sé un poco di tristezza, magari anche dei momenti bui, ma con un approdo rinfrancante. Sono sempre curiosa, a ogni modo, di sapere cosa si figurino le persone ascoltandomi. Quando suono, mi piace tenere gli occhi chiusi, lasciando che le immagini si susseguano in me liberamente. Alcune volte, queste sono più grandi di ciò che siamo: eterne e durevoli come il cielo e le stelle, i pianeti che si muovono nello spazio, l’acqua e la luce, il mutare delle stagioni. Altre volte, si tratta di fugaci visioni di ciò che è stato, o che potrebbe essere nel futuro. La musica è una forza potentissima, capace di farci muovere in altre dimensioni e mostrarci cose diverse, e insegnarci qualcosa di noi stessi, se siamo in grado di tenere aperto il nostro cuore e ascoltare con attenzione.

*Il singolo Solaris lo ascoltate qui.

Intervista di Matteo Fais

Traduzione dall’inglese di Matteo Fais

Traduzione in inglese delle domande di Valentina Fornaro

Editing di Luisa Baron

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She looks like a fairy-tale character when she sits at the piano, but of a strange fairy tale, coming from Tim Burton’s imagination. There’s something dark in her light-coloured eyes and a gloomy candor in her voice. She’s Anastasia Minster, a female of Russian descent, residing in Toronto, Canada. Her second album, Father, has recently come out. She’s a mixture of different traditions and the most disparate influences, from cinema to literature, from classical music to The Doors. In Italy, her previous work, Hour of the Wolf, has been discovered by Pangea. We were the first to interview her – and apparently we got it right. Of course, even on this occasion, we couldn’t deprive her of our support from the other side of the ocean.

Your previous album, Hour of the Wolf, included a reference to Bergman starting from the title and Father, the second one, to Solaris by Andrei Tarkovsky. How do you explain this inspiration of cinema on your work?

Cinema is definitely one of my favourite art forms, it can be very powerful and impactful on so many levels. As a musician, I find it especially interesting to see how the visuals and the sound work together: how the soundtrack can add new layers to a certain scene and bring out the new shades of meaning and emotion. Perhaps that can happen the other way around as well: when I write a song, I often imagine a visual scene that could complement it or a film for which it could be the soundtrack. I imagine the characters, their emotions, the surrounding landscape, the lighting, the soft movement of the camera… That would be a black-and-white film, of course. Slow motion. Interestingly, my music is often described as cinematic so perhaps this approach does affect the way I write songs. I have always been greatly inspired by cinema, especially the European classics. My debut album does include a reference to Bergman’s Hour of the Wolf, which is probably the darkest and most frightening of his films. Andrei Tarkosky, however, holds a special place in my heart. I see him as a great philosopher and a visual poet of sorts. Besides the breathtaking visuals, his films offer so much depth and meaning. They are both psychological and spiritual, and the themes he explores resonate with me deeply. For instance, in Solaris, which inspired me to write the song with the same name, Tarkovsky contemplates what would happen if our wishes and desires, of which we might not even be fully aware, could manifest themselves in reality. I find it so captivating.

For this new album, I’ve read that you made use of a whole series of equipment that send back to the past world of analogue. Why? What does this have that digital can’t give you back?

The analogue equipment has a soul. It has a lot of history and character and just feels right for my music. Unlike digital plugins, analogue effects don’t just alter the sound, they add a new dimension to the song. For instance, I love tape hiss and I think it really transforms the track sonically. I am very much inspired by the classics, whether it be music, cinema or literature, and I would like my songs to have the same timeless quality as well: to sound like something that could have been recorded 50 years ago or just yesterday. I use black and white photography for all of my photoshoots for the same reason: it’s timeless. I was lucky to work on this album with Jeff McMurrich, an amazing sound engineer and producer, who prefers analogue effects as well. Jeff has some rare vintage equipment at his studio, for example, German analogue reverb plates made in the 1940s which we used a lot on this record. I believe these were one of the first of such items that were ever produced, and they look quite impressive: huge wooden blocks with metal plates inside that take up almost half of the room. I love the sound quality that you can achieve with these plates and also the fact that they have so much history. Working with the analogue equipment makes the recording process even more special, and I believe that it gives the album a unique sound.

Your work, among other things, is also influenced by Carl Jung and Hermann Hesse. Is reading certain books so important to write good music?

I don’t think that reading certain books is absolutely necessary in order to write music, but it can certainly help. I find inspiration in many sources and literature is an essential one, especially when it comes to lyrics. While working on Father, I encountered a bit of writer’s block and I couldn’t finish the lyrics to a few songs. One of them was especially challenging: Falling. I had the piano part and the vocal melody ready, and I had a sense of what the song was about, but I just couldn’t put it into words. What really helped me was Siddhartha by Herman Hesse, which is one of my absolute favourite books. It came to mind for some reason and I decided to reread it and stumbled across this quote, which is exactly about “falling”: “Siddhartha does nothing, he waits, he thinks, he fasts, but he passes through the things of the world like a rock through water, without doing anything, without stirring; he is drawn, he lets himself fall.” I loved these words so much that I basically built the whole song around them. I am also greatly influenced by the work of Carl Jung, his ideas and concepts. My debut album Hour of the Wolf, which was a journey into the underworld (of sorts), where I confronted my own demons and monsters, was inspired by the Jungian concept of the shadow-self. The new record, Father, is more about power and light, and it is inspired by the concept of archetypes and the archetypal father in particular. The title track, which is also inspired by the doctrine of the Trinity, is basically built around this concept. It is a conversation with the archetypal father who represents God, the power within, the creative source, and also refers to my father who passed away 15 years ago.

What about your collaboration with Steve Jansen, a musician, composer and producer. In what way has his presence been crucial?

Steve is an incredibly talented musician and composer, and he has been such an inspiration for me for many years. I love his band Japan but his later work – solo albums, collaborations and his new band Exit North – resonates with me even more. I love the way he manipulates the sound: all the layers and sonic textures, sometimes these are elaborate arrangements, sometimes quite minimal and subtle, with lots of space, but there’s always so much beauty. It is as if Steve creates this new special space that you can only enter by closing your eyes and letting the sound guide you. At his craft, he is a magician. It was such a pleasure to work with Steve since, besides being an amazing musician, he is also a lovely person, and we seem to feel similarly about music. His presence has transformed the three tracks completely: we started working with just the piano and vocals but as Steve was adding the synths, strings and sound effects, we decided to get rid of the piano in a few sections. This was a completely new approach for me, but I’m so glad I followed his lead as the songs sound a lot more powerful and captivating. Steve’s additions brought in so much depth and intensity. And beauty. I am incredibly grateful to Steve for working with me. Just the fact that such a wonderful musician with so much experience, someone who has been making amazing music for decades, liked what I do means so much. Steve has been incredibly kind to me, and also supported me a lot throughout the album campaign. In a way, I see him as a father figure.

The other day I was reading an interview with an American author, made by a Frenchman, who asked him if he thought we Europeans had a real and not mythologized perception of what he describes. Truthfully, I also asked myself by listening to Father. I imagined certain lights at night in a metropolis, hotel rooms with a soft atmosphere, in short, as a snap-shot from an American movie. So I was wondering: “Who knows what Anastasia would like us to imagine when we listen to her?”. Give us a hint.

I would say that my songs are open to the listener’s interpretation. I see it as an invitation: every person who encounters my music is welcome to follow my voice and see where it leads. Perhaps it could lead deep into one’s own feelings and emotions that lie hidden in the soul, or back to some long forgotten memories, or show a glimpse of what is to come. Every person is unique and I am sure the images that come will vary greatly. My only wish and hope is that the music will take the listener somewhere beautiful: perhaps a little sad, perhaps a little dark at times, but I hope it is a place of healing. I’m always curious to hear what other people envision when they listen to my songs. When I play my music, I like to keep my eyes closed and just let the images come. Sometimes, these are things that are bigger than we are, things eternal and everlasting like the sky and the stars, planets floating in space, water and light, the changing seasons. Sometimes, it is a fleeting glimpse of what was in the past, or perhaps could happen in the future. Music is such an incredibly powerful force because it can take us places and show us things, and teach us something about ourselves, if only we are willing to keep our hearts open and listen closely.

Interview by Matteo Fais

Questions translation by Valentina Fornaro

L'articolo “Adoro Bergman e Tarkovskij, filosofi dell’immagine; questa volta mi ha aiutato Hermann Hesse”: Anastasia Minster ci presenta “Father”, il suo secondo album proviene da Pangea.

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custommachines · 5 years

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1951 Triumph Tiger 100 By El Lavadero

Un viejo motor arruinado y parte de un chasis a juego. Es todo lo que necesitó El Lavadero para construir esta preciosidad. Dan ganas de llevársela a casa, aunque sea debajo del brazo. Para ser un particular, Mauri AKA “El Lavadero”, se ha pegado una pechada a trabajar digna de una epopeya. Hoy vamos a echarle un vistazo al detalle y sabremos cómo pasó, de ser poco más que una chatarra, a la belleza que estamos admirando. Por cierto: ¿Soy el único que está flipando viendo a Leif Garrett en las fotos? ¿Le hicieron el retrato recién levantado, o enyokao? Éstas y otras preguntas no tendrán respuesta en este reportaje, pero vamos a ver una moto muy kooooool… o en inglés de las islas: “Nasty Garage Chopper, isn’t it?”

Texto: Patxi Mesa Fotos: Álvaro Cabezas Atienza

Pocas motos tan “genuinas” se ven rodar por nuestra geografía. Y, cuando uso este término, me refiero a un motor inglés original de los años cincuenta, un chasis de la época, frenos acordes… Muchas de esas piezas han sido reparadas y reutilizadas, lo que le da mayor valor al conjunto que transmite un regusto añejo imposible de recrear con recambios actuales, por exactos y fieles que puedan ser en algunos casos. Por otro lado, su estilo, tan atemporal como de moda actualmente, nos ofrece una explicación alternativa: Esta moto fue engullida por un vórtice espacio-temporal en 1951 y reapareció hace unos meses en Japón donde, algún genio de ojos rasgados en algún pequeño taller, la transformó y, de algún modo, terminó en nuestro país. No parece muy probable, pero menudo programa iba a hacer Iker Jiménez… Más cercano a la realidad, e interesante en muchos aspectos, es el relato que paso a contaros.

Motor de cero

El estado del motor 5T 500 de 1951 era lamentable, por decirlo suavemente. De no ser un propulsor tan único, venerable y distinguido, es posible que el esfuerzo de restaurarlo resultase un sinsentido. Pero se desmontó hasta su mínima expresión y se procedió a la reparación o sustitución de cada una de las piezas que lo componen. Desde la descompuesta distribución hasta el oxidado árbol motor, desde los desgastados pistones y bielas hasta los retenes y gomas, ya cuarteados. Todo fue sometido a examen y se tomaron las medidas pertinentes. Algunos componentes fueron pacientemente reparados a la antigua, como la rebobinada dinamo y el plato magnético. Otros elementos, como el carburador original, se encontraban en un estado de tal degradación que se optó por buscar un sustituto. En este caso, el carburador es un Amal 627 compatible con el original y un filtro de trompeta, muy adecuados ambos para el efecto deseado. Para el escape se han respetado los tubos originales con silenciadores internos dBKiller. Todos los elementos recibieron su acabado pulido, o cromado, antes de ser ensamblados de nuevo. Con el motor recuperado, aún quedaba mecánica por trabajar. Por ejemplo, la caja de cambios presentaba una preocupante fisura que amenazaba con desestabilizar todo el proyecto. Afortunadamente se pudo reparar con éxito y, la caja de cambios original de cuatro velocidades, volvió a ocupar su sitio. No muy lejos de ahí, por la zona del embrague, las cosas tampoco andaban mucho mejor: hubo que cambiar los cuatro discos y reajustar todo el sistema, totalmente desmantelado. ¿Leif Garrett, en serio? En cuanto al sistema eléctrico, era inexistente; de manera que tuvo que ser armado desde la nada, y a 6V de tensión, como mandan los cánones clásicos. Todo el cableado y los diferentes elementos eléctricos, tanto de iluminación, como del motor, fueron pacientemente reparados, como los ya mencionados dinamo y magneto BTH. Además se montó un regulador, que no tenía, y también un sensor de freno. Todo el cableado se encuentra cuidadosamente oculto a la vista, en la medida de lo posible, y el resultado es de un simple y despejado que roza la perfección. Del mismo modo se han tratado las conducciones de aceite, ahora con toda la fontanería en cobre. Una vez que el motor es capaz de arrancar y girar por sí mismo, llega el momento de desviar nuestra atención al chasis.

Bastidor de época

Para empezar, podemos decir que éste no es el bastidor original de este motor pues ha sido modificado a chasis rígido, como los de la época. Y éste, con basculante, no salió hasta 1954. Es muy posiblemente del mismo modelo, pero algo posterior. Si llega a hacerse con uno anterior, se habría ahorrado la mitad de la faena, pero así debía ser. En realidad, lo que Mauri ha hecho es modificar el chasis, no por una moda actual sino porque así era el que montaba originalmente ese motor en 1951. Por otro lado, un chasis con sesenta y tantos años no está para montarle un motor y salir corriendo. Vamos, depende de lo desarrollado que tengas tu instinto de conservación, pero lo recomendable es examinarlo primero. Es sólo una opinión. Parece ser que, en lo tocante a este tema, Mauri es de los que piensan que es mejor prevenir y dedicó una buena serie de horas a reparar, sanear, transformar y restaurar completamente el bastidor como si hubiese salido de una línea de montaje inglesa en 1951, pero con soldaduras y materiales actuales. La parte trasera, con sus amortiguadores gemelos, se ha eliminado y sustituido por un diseño de chasis rígido. No dejo de pensar en Leif Garrett, cuánto tiempo, perdón, continúo. La horquilla delantera es la de serie y monta un freno de tambor también original al que se han cambiado las zapatas (menos mal) para asegurar una frenada decente. La rueda encargada de decelerar en este caso es una Avon en llanta de 19 pulgadas. En la zaga las cosas son más sencillas pues sólo tenemos un freno de tambor y la cadena. Punto. Bueno, también una rueda en llanta de 19”, aunque de goma algo más gorda y alta que la delantera, de ahí el curioso y familiar efecto que la moto ofrece de perfil.

Menos es más

No siempre pero, en este caso, es una máxima a respetar. A la hora de montar una moto así, llega el momento de seleccionar con qué vamos a vestir tan venerable conjunto. Y no es fácil, no te dejes engañar por su aparente simplicidad: hay noches de deliberación y tomar decisiones a sabiendas de que un error de última hora puede arruinar un maravilloso trabajo. Y así quedó la cosa: el manillar anclado directamente a las tijas es un The Chopper King, con la anchura justa como para no desentonar pero sí facilitar el manejo de la moto. El faro es un 3-1/5 típico pero adaptado al sistema eléctrico de 6V, correcto para la época. Monta unos elegantes puños Biltwell y mantiene los mandos originales de la moto. No verás intermitentes, ni siquiera un triste espejo (estamos mu locoooos), pero luce un depósito de gasolina peanut que Killian Ramírez ha bañado con su técnica y gusto, y al que se ha adaptado un tapón tipo “pop up” como única y discreta concesión a la modernidad. Leif Garrett era lo más cuando yo era un chaval, maldita sea, otra vez. Perdón de nuevo. El depósito de aceite es de origen desconocido pero cumple con su función y, estéticamente, ahora es mejor que el regordete del modelo original. El asiento de muelles es un Biltwell, siempre queda bien, y el guardabarros trasero es “aftermarket”, así que vaya usted a saber… Los reposapiés y mandos son los de origen y el sissy bar, adornado con un piloto Gonelli cruelmente amputado de alguna Montesa de trial, está hecho en casa. Como ves, se trata de una lista corta pero el resultado no puede ser mejor, sin caer en trampas fáciles como montar el mando del cambio a la mano, que tiene su gracia y podría quedar muy pintón pero que, en este caso, arruinaría la fidelidad a la época de que esta moto es paradigma.

El premio Nobel aún se acuerda…

…de la T-100 500 que en 1966 le sacó por orejas cerca de Woodstock. Bob Dylan se pudo haber marcado un “Lawrence de Arabia” en toda regla. Afortunadamente sobrevivió, aunque muy magullado, pero le encontró el lado positivo y aprovechó para desaparecer por un tiempo de la presión mediática. La Tiger 100, que es el nombre que entonces recibía este modelo, fue una moto endiabladamente rápida para su época y ha vivido mucha historia desde su nacimiento. Ahora ha vuelto a la vida con un nuevo estilo, aunque fiel a su época, y muchos kilómetros por delante, y otro tópico… ¡Me voy a poner algo de Leif Garrett en el ordenador!

Agradecimientos

Y ya, para finalizar, Mauri de El Lavadero quiere agradecer a Max Ochoa, la confianza que ha demostrado dejándole jugar con su juguete cómo él ha querido, a su pareja Eva Jansen, su tremenda paciencia y comprensión, y a Dani “El Bro”, su inestimable disposición. ¡Queda dicho!

GENERALIDADES

Propietario: Max Ochoa

Ciudad: Barcelona

Marca y modelo: Triumph T100

Transformada por: El Lavadero

MOTOR

Marca/Modelo: Triumph 5T

Año: 1951

Cilindrada: 499c.c.

Encendido: Magneto BTH

Dinamo: Lucas 6v

Alimentación: Carburador Amal 627

Filtro de aire: Trompeta

TRANSMISIÓN

Secundaria: Cadena

CHASIS

Basculante: Modificado a rígido

ACCESORIOS

Manillar: The Chopper Kings

Puños: Biltwell

Mandos: Triumph

Faro: Bullet 3-1/5

Piloto: Gonelli

Depósito de combustible: Peanut

Asiento: Biltwell

RUEDA DELANTERA

Llanta: 19”

Neumático: Avon Speedmaster MKII

Freno: Tambor

RUEDA TRASERA

Llanta: 19”

Neumático: Avon 4.00H19

Freno: Tambor

PINTURA Y ACABADOS

Pintor: Kilian Ramírez, Pica-studio

Cromados y pulidos: El Lavadero

Molding: Kilian Ramírez

www.nastygarage.com

http://bit.ly/2IdxNSy

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lavelocidaddelpanico · 6 years

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Entrevista de Katherine Medina Rondón para Vista Libre (Arequipa)

STUART FLORES: “El lenguaje ordena la realidad”

¿Cómo fue el proceso creativo de tu novela La velocidad del pánico?

Fue muy tradicional. Tenía la historia en la cabeza y muchos apuntes en un cuaderno desde hacía un año. Solo fue cuestión de sentarme y escribir. Eso habrá durado menos de dos meses (aparte de las necesidades fisiológicas, solo me dediqué a la novela). Fui bastante obsesivo y metódico.

Ciertamente nadie que esté conforme con la realidad se detiene a escribir. ¿Qué es lo que te impulsa a este ejercicio?

Si escribo, más que todo, es por una cuestión de salud mental. El lenguaje ordena la realidad. Y a mí me gusta habitar en el orden. Quizá soy muy susceptible al caos y necesito limpiarme la mente escribiendo.

¿Tus personajes también habitan en ese caos?

Sí, todos viven su propio caos. El protagonista no puede organizarse para escribir. Lila lo ayuda, aunque ella busca a su padre de una manera poco convencional. Jansen parece no encajar en su centro de labores. Los enfermos del psiquiátrico son la excepción, porque para ellos su caos es la norma.

Algo particular de tu novela es que no hay muchas luces sobre el universo ficcional donde se sitúan tus personajes…

Sí. Me gusta que la gente perciba eso. Creo que mi «planteamiento estético» tiene resultados. Es algo que ya había experimentado en un cuento de mi primer libro. Opté por borrar todo rastro de espacio y tiempo. No hay ningún nombre que remita a una zona geográfica en particular (incluso en la manera de hablar que tienen los personajes). Tampoco puede intuirse en qué época sucede la novela. No usan celulares.

¿Qué opinión te merece este nuevo género que está en boga: la autoficción?

Me gustan las modas literarias cuando están bien hechas. Tal vez tengo problemas con la mala autoficción (la de Gamboa, por ejemplo). Muchos grandes pintores han hecho autorretratos. En la autoficción el problema empieza cuando distorsionas tanto tu imagen que llegas a parecer un macho alfa y no el ser insignificante que en realidad eres.

En tu novela mencionas el suicidio, pese a que no es un tema central. ¿Conoces a alguien que sufrió algún trastorno mental?

He crecido con ese tema y no he podido huir de él. Por parte de padre tenemos en la familia una larga tradición de suicidas. Muchos de ellos padecieron trastornos mentales de diversos tipos. Los conocí antes de la locura y también cuando la enfermedad ya habitaba en ellos (o en lugar de ellos).

Para finalizar, ¿te parece que la narrativa peruana contemporánea está en decadencia, que solo piensan en satisfacer al mercado editorial y esto deviene en una inevitable carencia de calidad?

La novela es un producto y, como tal, obedece a un mercado. Sin embargo, separando el trigo de la paja, se sabe que hay novelas de calidad (Sol de Tokio, de Francisco Joaquín Marro) y también novelas que desde su concepción están hechas para vender (la última novela de Raúl Tola y todo lo que escribe y escribirá Alonso Cueto hasta el fin de sus días). Eso es algo que todo mundo sabe o sospecha. El problema no es el escritor, sino el lector complaciente.

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franciscostodulskthings · 6 years

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MiniCyclops - First Outdoors Test - (14x14 inches "sensor" size Motion Camera) from Gonzalo Ezcurra on Vimeo.

-"Making Of" MiniCyclops - First Outdoors Test: vimeo.com/98582833 - First Test Follow Focus MiniCyclops: vimeo.com/84769322 - ECyclops - 20X20 INCHES SENSOR SIZE HISTORICAL HD FOOTAGE: vimeo.com/63831352 - Link para bajar cuadros estáticos 1880x854px sin compresión: mediafire.com/download/771ewy3xhehpacm/Uncompress_Frames_MinCyclops_Outdoors_Test.rar Finalmente llegó la verdad de la MiniCyclops... Una prueba informal y rápida en exteriores crudo, sin la más mínima producción ni luz de relleno, solo el cobrizo sol desnudo de entre las 15 y 16 y 30hs del solsticio de otoño –o 14 de Junio Hemisferio Sur-. ...como podrán apreciar, tampoco había guión :) Cabe destacar que las cámaras aceleradas -cuan video de quinceañera- es a los fines de que puedan apreciar la entrada a foco. Por favor observen en el primer plano picado, la entrada a foco o ingreso de la modelo a cuadro CON UN SOLO PASO, para que tomen dimensión de la profundidad de campo híper-crítica MiniCyclops.

Elegí una locación con negros profundos (puente de hierro) y soleados edificios blancos de fondo (primer plano) para que se pueda apreciar la EXTRAORDINARIA y ÚNICA capacidad de la MiniCylops en amortiguar las altas y bajas luces. Observen la asoleada mano de la modelo (blanca caucásica) sin NADA de maquillaje como conserva TODO el detalle de las altas luces.... (Y SIN NADA DE LUZ DE RELLENO o CERO PRODUCCIÓN y CERO POST)

Con una jornada ultracorta (1.5hs netas de rodaje esperando desde la mañana que mermara el viento y el frío), adversa y digna de ser suspendida, con ráfagas de viento de 50Km/h... no pude hacer trackeo o follow de foco, pues en cuanto intentamos implementar la compleja logística del Follow Electrónico de la MiniCyclops y dispusimos el monitor LED de 24”sobre el trípode en posición, en el acto y por una ráfaga de viento voló al piso (por suerte no se rompió)... Entonces ya que estaba en la locación, decidí hacer lo que podía con la situación existente.

*Las tomas que ven NO POSEEN la más mínima post producción, salvo leves retoques en el RAW Editor.

Varios problemas operativos se presentaron (ya en vías de solución): por ejemplo el racimo compuesto por las dos baterías gel, el pedal de corte y la caja de control del follow era una complicación terrible cada vez que trasladábamos la cámara de lugar (deben si o si tener un alojamiento dentro del soporte “BigFoot”). Otro inconveniente fue que el único lente que utilicé (el 500mm F/6 soviético o el Normal de 45° FOV, pues los demás lentes quedaron atrapados en el baúl de mi auto con la llave del mismo adentro... :( ), por ser un lente aéreo que se utilizaban dentro de las carcasas opacas de cámaras aéreas... por la hendidura donde entra el engranaje del diafragma... se filtraba luz generando un leve flare rojizo al centro del cuadro (se puede apreciar en los negros del abrigo de la modelo y en algunas tomas) nada que no se solucione, una vez seteado en diafra, con cinta adhesiva negra (problema que recién lo percibí en post). En fin... hacía falta esta prueba para ajustar detalles y dejarla en condiciones para soportar el rigor de la producción cinematográfica.

Todos mis cálculos de tamaño de la Bigboot y la MiniCyclops respondieron a la perfección al momento de transportar TODO en mi auto (desarmado) sin necesidad de transporte.

Algunos números: -Cámara de Captura: Canon EOS 5D Mark 2 de noviembre 2008 (Imagínense lo que sería con una RED EPIC Dragon o una Alexa XT como cámara de captura...) -Formato de Captura: DNG RAW 1880x854px (Relación de aspecto 1:2.2 o 70mm) -Lente: 500mm F/6 @ F/6.8 soviético o Normal de 45° FOV - Tipo Dialyte o Apo Tessar -Tiempo de armado y calibrado en locación de la MiniCyclops (después de ser trasladada desarmada en un auto): 30 min -Tiempo de desarmado y carga en auto: 15 min -Crew Total: 3 personas

*MiniCyclops Background Construction: facebook.com/ezcurragonzalo/photos_albums

**Making of pics: flickr.com/photos/68280761@N03/

Un millón de gracias a la modelo Carolina Jansen... y a los asistente y amigos Andrés Oviedo y José Villagra por la buena onda y predisposición de siempre.

-MiniCyclops Ready: vimeo.com/84769322

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tmnotizie · 6 years

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PESARO – Dopo il successo di Loving Vincent, che ha ormai portato nelle sale un totale di 240 mila spettatori, arriva al cinema il film evento che offre un nuovo sguardo su Van Gogh (1853-1890), attraverso il lascito della più grande collezionista privata di opere del pittore olandese: Helene Kröller–Müller (1869-1939), la donna che ai primi del Novecento, ammaliata da un viaggio tra Milano, Roma e Firenze, e sull’esempio del mecenatismo dei Medici, giunse ad acquistare quasi 300 suoi lavori, tra dipinti e disegni.

Così, proprio a partire dall’Italia tanto amata da Helene e da una mostra che sta raccogliendo un’affluenza eccezionale (sono già quasi 350.000 i visitatori a oggi, a un mese dalla chiusura), nasce Van Gogh. Tra il grano e il cielo. Il film evento, diretto da Giovanni Piscaglia e scritto da Matteo Moneta con la consulenza scientifica e la partecipazione di Marco Goldin, è prodotto da 3D Produzioni e Nexo Digital e sarà nelle sale solo il 9, 10 e 11 aprile (elenco a breve su www.nexodigital.it), per raccontare l’unione spirituale di due persone che non si incontrarono mai durante la loro vita (Helene Kröller–Müller aveva 11 anni quando Van Gogh morì nel 1890), ma che condivisero la stessa tensione verso l’assoluto, la stessa ricerca di una dimensione religiosa e artistica pura, senza compromessi. Due universi interiori dominati dall’inquietudine e dal tormento, che entrambi hanno espresso attraverso una vera e propria mole di lettere: fonti storiche insostituibili ed elemento suggestivo che punteggia la narrazione del documentario. La colonna sonora originale del film è firmata dal compositore e pianista Remo Anzovino.

Ad accompagnare l’intero racconto è l’attrice Valeria Bruni Tedeschi, ripresa nella chiesa di Auvers-sur-Oise che Van Gogh dipinse qualche settimana prima di suicidarsi. L’occasione per raccontare l’intera parabola artistica di Van Gogh, e la collezione di Helene Kröller–Müller, è una mostra di eccezionale rilievo, Van Gogh. Tra il grano e il cielo, nella Basilica Palladiana di Vicenza, curata dallo storico dell’arte Marco Goldin, che raccoglie 40 dipinti e 85 disegni proventi dal Kröller-Müller Museum di Otterlo in Olanda, dove oggi è custodita l’eredità di Helene.

Al viaggio dentro la mostra, si affianca quello in alcuni dei luoghi più importanti per l’arte di Van Gogh: la chiesa di Nuenen (soggetto dei quadri e dei disegni degli anni olandesi che fanno da sfondo al capitolo dedicato all’ansia religiosa di Van Gogh, che trova un parallelo in quella di Helene), l’Accademia Reale di Belle arti di Bruxelles (nelle cui aule Vincent trascorse pochi mesi), le strade di Parigi (da Rue Lepic 54, dove Vincent visse per due anni a partire dal marzo 1886 con il fratello Theo, sino al Moulin de la Galette e alla vigna di Montmartre) e Auvers-sur-Oise (dove l’artista si recò negli ultimi settanta giorni della sua vita e fu accompagnato in questo percorso dal Dottor Gachet). Una serie di preziose riprese sono state realizzate a Otterlo nelle sale e nel parco del Kröller-Müller Museum, progettato da Henry van de Velde a poco più di un’ora di auto da Amsterdam.

Il documentario propone inoltre gli interventi di alcuni autorevoli esperti: la storica dell’arte Lisette Pelsers, direttrice del Kröller–Müller Museum di Otterlo in Olanda; Leo Jansen, studioso che ha curato l’edizione critica delle lettere di Van Gogh; Sjraar van Heugten, storico dell’arte tra le maggiori autorità mondiali sul lavoro di Vincent van Gogh; la scrittrice e storica della cultura, Eva Rovers, autrice della biografia di Helene; Georges Mayer, professore onorario di Storia dell’arte all’Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles; lo scrittore e docente di Storia dell’arte all’Università Paris 8 Pascal Bonafoux.

Helene Müller fu nel suo tempo una delle donne più ricche d’Olanda. Figlia di industriali tedeschi, sposò Anton Kröller, con il quale si trasferì in Olanda e con cui ebbe 4 figli. Si avvicinò all’arte durante le lezioni di Henk Bremmer, pittore e divulgatore culturale, dal quale era solita accompagnare la figlia. Fu Bremmer a consigliarle i primi acquisti e a farle conoscere l’arte di Van Gogh. E nel 1909 Helene acquistò il primo quadro del pittore olandese. Negli anni della maturità, quando la sua collezione sarà la più importante dopo quella degli eredi di Van Gogh, Helene deciderà di fondare un museo per condividere con gli altri la serenità e il conforto che traeva dai quadri.

L’ispirazione le verrà proprio da un viaggio in Italia, tra Milano, Roma e Firenze, dove l’esempio dei Medici e del loro mecenatismo fece su di lei una profonda impressione. Helene si ispirò a Van Gogh a tal punto da andare al fronte a curare i feriti durante la Prima guerra mondiale, spinta da quello stesso amore verso i sofferenti e gli umili che aveva portato Vincent a farsi predicatore laico tra i minatori della regione belga del Borinage, qualche tempo prima di decidere di diventare artista.

Curata da Marco Goldin, la mostra Van Gogh. Tra il grano e il cielo (aperta sino all’8 aprile nella Basilica Palladiana di Vicenza) racconta l’arte e il genio di Van Gogh attraverso i principali periodi della sua attività: gli anni olandesi, dominati da scene di vita contadina e da colori terrosi, debitori della pittura di Jean-François Millet e della scuola realista francese di Barbizon, oltre che della scuola dell’Aia; il periodo parigino, quando Van Gogh trova la sua strada nell’esplosione del colore e nella pittura a piccoli tocchi degli impressionisti e soprattutto dei post impressionisti come Seurat.

Arles, il momento più felice, quando il pittore si perde nella luce e nell’estasi della pittura en plein air, ma anche quando la tensione emotiva e il fallito tentativo di dare vita a una comunità artistica insieme all’amico Gauguin lo portano alla prima grave crisi, che lo conduce a recidersi parte dell’orecchio; il ricovero nella casa di cura per malattie mentali a Saint-Rémy e l’elaborazione di un segno stilizzato e vorticoso, forse il suo più caratteristico; infine le ultime dieci settimane a Auvers-sur-Oise, quando la sua pittura si fa un poco più distesa. Particolare rilievo la mostra dedica al disegno nella pratica dell’artista olandese.

Le sue tele apparentemente istintive e realizzate in presa diretta si avvalevano talvolta di lunghi studi preparatori, non schizzi ma opere in sé compiute, dove già si trova la presenza della linea spezzata che caratterizza lo stile dei dipinti. Lavori delicati, i disegni, che soffrono la luce e che pertanto è molto raro vedere esposti.

il , scritto da Matteo Moneta, è di Giovanni Piscaglia, pesarese, classe 1984, diplomato al Liceo Classico, laureato in Scienze della Comunicazione e Semiotica all’Università di Bologna nel 2008, si avvia alla carriera di filmmaker allo IED di Milano diplomandosi nel 2010. Tra il 2008 e il 2011 realizza videoclip, cortometraggi, installazioni e lavori di videoarte che gli valgono premi al Festival Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro – I° Premio nel 2009 e III° nel 2010.

Nel 2011 realizza “ODISSEA_KOMA_NOSTOS”, videoinstallazione a 4 schermi basata su un adattamento originale dell’Odissea di Omero, che ottiene una menzione speciale alle selezioni della Biennale dei Giovani Artisti del Mediterraneo e pubblicata nel saggio “Felici coincidenze. L’antico nello sguardo dell’arte contemporanea” di Lucia Cataldo. Nel 2010 il primo documentario, realizzato per il Piccolo Teatro di Milano: “La compagnia alla prima” presentato al Chiostro del Teatro Grassi.

Dal 2011 è nell’organico 3D Produzioni come regista e autore. Dal 2013 a oggi ha firmato con 3D Produzioni e per Sky Arte HD numerosi titoli, occupandosi in maniera preferenziale di arte antica e teatro. Tra i più importanti: Gli Ulissi: In viaggio con Bob Wilson (2013); Maria Callas Remastered (con Dario Fo), (2014); Divina Bellezza – Il Duomo di Siena (con Alessandro Haber), (2016); Culture Chanel, la donna che legge (con Kasia Smutniak), (2016); Galleria Nazionale dell’Umbria. Il Cuore della Perfezione, (2016); Viae Crucis – Le 40 ore di Taranto (2017).

I media partner Radio Capital, Sky Arte HD, ARTE.it e MYmovies.it. Si ringrazia Guanda, editore italiano di Lettere a Theo di Vincent van Gogh, per aver messo a disposizione del documentario le sue traduzioni a cura di Marisa Donvito e Beatrice Casavecchia.

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#Marche #TMNotizie

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veeples · 2 years

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welp <3 twc detectives be upon ye since we have 2 weeks to go 🫢 i used this picrew!

thanks for the tag @grapecaseschoices and @narrativefoiltrope !!!

from left to right, top to bottom

faustus valentine (he/him) - mason

luce jansen (he/him) - felix

fiona rosario (she/her) - nate and ava (and LT 🫡)

charlie rosewall (she/her) - morgan

tagging: @chargeortega @lilas @masonscig @losingface @possumgeist @magesmiths

#tag game #oc: faustus valentine #oc: luce jansen #oc: fiona rosario #oc: charlie rosewall #rip to chatalie you stumbled so morlie could walk

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veeples-archive · 2 years

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25, 27 and 36 for luce beloved? <3

hi ren!!! 💜 thank you for sending in an ask beloved

25. How quick is your character to suspect someone else? Does this change if they are close with that person?

Not quick at all! He's been the guy most people wouldn't bother with and give a wide berth -- he does try so hard to give people the benefit of the doubt. If he's close, it's actually quite easy for him to turn his eye away from behavior that might actually be unsavory instead of investigating it further.

27. How does your character normally deal with confrontation?

He's gonna frow up. He tries to be as peaceful as he possibly can. Try to de-escalate, try to get people to calm down and speak to reason instead of feelings. He's not very confrontational, if he can sweep his feelings under the rug he can and he will. 💔 He will stand up for others in a hot second but struggles hard at standing up for himself.

36. How does your character behave around people they dislike?

[Answered here!]

[hard mode OC questions!]

#thank you once again ren beloved <3 #ask game #luce jansen

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msymphony · 7 years

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Epica + VUUR + Myrath – 20 de Noviembre’17 – Sala La Riviera (Madrid)

Ya estaban tardando los holandeses Epica en volver de gira por España, teniendo en cuenta que su Holographic Principle había salido el año pasado, y no ha sido hasta que casi se acaba este que no han pasado por aquí.

Texto y fotos: Susana Manzanares

Ya no era por el simple hecho de ver a Epica, sino que además se sumaban a la gira los “debutantes” VUUR y los interesantes Myrath, que siempre nos dejan con ganas de más… véase en su visita en el Download o su anterior gira con Symphony X.

Siendo lógicos y guiándonos por los números (de discos y por años como banda) Vuur tendrían que haber sido los que abrieran la noche y Myrath tocar en segundo lugar, pero no fue así. Así pues, los primeros en salir fueron los franco-tunecinos que aparecieron tras un bonito número de una bailarina ante una Riviera que poco a poco iba llenándose de un público que acababa su lunes laboral yéndose de concierto. La banda está aun dando los últimos coletazos a su exitoso ‘Legacy’ también del año pasado, antes de ponerse a preparar su disco nuevo que contará con elementos sinfónicos y con suerte podremos conocerlo para la próxima visita de la banda a nuestro país el próximo mes de marzo.

Una cantidad importante de humo hizo difícil por momentos ver y fotografiar a la banda, pero sí pudimos escuchar su propuesta, una combinación de música progresiva, metal y grandes dosis de música popular de su país. Lejos (también) de ser comparados con Orphaned Land, Myrath destacan por su metal de corte elegante y melódico por la voz y maneras de su vocalista Zaher Zorgati, sumado a la gran labor de toda la banda bailarina incluida, aportando un bonito complemento visual a los temas.

Solo pudieron tocar 5 temas y…. Y se acabó…? un aperitivo demasiado corto, injusto, o como se le quiera llamar sin desmerecer a nadie, pero para mi fue totalmente desproporcionado el tiempo asignado en comparación con Vuur, que tocaron casi el triple. En fin, esperemos a marzo y entonces disfrutaremos de una noche plena de Myrath, ellos se lo merecen, y nosotros más.

Cambios de equipo para la actuación de VUUR, que venían a presentar su primer disco ‘In This Moment We Are Free – Cities’ editado por InsideOut Music este último tercio del año. La banda con miembros de Ayreon, ReVamp y Stream of Passion dan forma a un proyecto que representa un cambio realmente notorio tras la edición de su disco de ‘The Gentle Storm’ que se movía por terrenos más alternativos.

No discutimos la calidad innegable de Anneke a la voz, pero siendo lo más transparentes posibles, en mi opinión VUUR emocionó sobre todo a las primeras filas donde se encontraban sus más incondicionales. Como decimos en nuestra reseña de ese disco debut, es un trabajo que se nos queda algo vacío, sin cohesión. Sin duda la gente se animó cuando Anneke anunció ‘The Storm’ y ‘Strange Machines’ de sus anteriores The Gentle Storm y The Gathering pero poco más.

Con la sensación de sentirme un poco un bicho raro, escuchaba que la gente comentaba “Lo de Anneke con VUUR es de otro planeta”, “Anneke puede cantar lo que quiera”, “Anneke es una diosa”… Si, eso ya lo sabíamos, con Townsend, con Lucassen en Ayreon, en sus otros proyectos… pero esta noche estábamos viendo un concierto de VUUR, y como banda en sí no caló en mi en esta primera visita. Esperemos que vuelvan con más conciertos, más rodaje con los temas y a ver si consiguen consolidar su sonido en próximos lanzamientos.

Aun lamentándonos de lo poco que habían tocado Myrath, era el turno de los holandeses más sinfónicos de la escena. Epica llegaba después de su gira americana con Lacuna Coil para presentar su último ‘The Holographic Principle’ (y su EP ‘The Solace System’) en este tramo de gira europea. Este último disco presenta una vertiente más cruda del grupo que ofrece tras su punto y seguido con el directo ‘Retrospect’.

Siempre es difícil saber que se va a esperar de un repertorio, más aún si se trata de algo de una misma temática o tipo de sonido. Así que si los holandeses venían a presentar su último disco, por suerte o por desgracia íbamos a tener una buena ración del mismo. Quizá no esperaba tanta, pero lo cierto es que fue casi la mitad del concierto.

Aún así tuvimos un inicio con algunos clásicos, para meterse al público en el bolsillo desde el primer minuto, táctica que tiene su lógica si iban a tocar tanto del último y quizá más de uno esperaba otro tipo de setlist, así que un ‘Edge Of The Blade’, dejó paso al himno ‘Sensorium’ que hizo las delicias de los presentes.

Acto seguido pasaron a desgranar ese último disco, algo más directo a nivel de voces pero con las mismas orquestaciones tan típicas de la banda que le dan ese envoltorio tan elegante. La recta final con ‘Cry For The Moon’ y ‘Consign to Oblivion’ sobre todo, trajeron de nuevo parte de los clásicos que recuperaron a los nostálgicos y volvieron a desatar la locura entre el público en su totalidad.

La banda funciona como un engranaje perfecto, sinfónico y elegante liderado por Simone y su alter ego masculino Mark Jansen, Isaac y Coen ofrecen una gran base rítmica y mucho espectáculo mientras que Aaren a la batería sigue siendo el metrónomo perfecto cual martillo percutor. Nos sorprendió que no saliera Anneke a cantar con Simone como ha pasado en otros conciertos de la gira y con Cristina Scabbia en los conciertos por América.

Un show -como siempre hacen- efectivo, certero y sinfónico, muy potente aunque con esta arma de doble filo que es presentar demasiados temas del disco que vienen a presentar para un grupo como Epica que ya se van a los 16 años de carrera discográfica, puede ser que no llueva a gusto de todos… pero ahí está la cuestión. Con todo y con eso, siguen siendo una gran formación en muy buen estado de forma, ojalá sigan así y tengamos Epica por muchos años.

Texto y fotos: Susana Manzanares

Virtuosismo, luces y sombras en La Riviera Epica + VUUR + Myrath - 20 de Noviembre'17 - Sala La Riviera (Madrid) Ya estaban tardando los holandeses Epica en volver de gira por España, teniendo en cuenta que su Holographic Principle había salido el año pasado, y no ha sido hasta que casi se acaba este que no han pasado por aquí.

#blast #crónica #epica #fotos #holographic #jansen #Legacy #madrid #mark #Myrath #nuclear #principle #riviera #simone #simons

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latikobe · 7 years

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Los Astros ganan el quinto juego y se ponen a uno del título

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HOUSTON.- Nueva exhibición ofensiva la que dieron los Astros de Houston que volvieron a protagonizar una noche llena de emociones al límite antes de vencer en 10 entradas por 13-12 a los Dodgers de Los Ángeles en el Quinto Juego de la Serie Mundial, que ahora dominan por 3-2 al mejor de siete.

Otro duelo de entradas extra que estuvieron llenas de cuadrangulares como nunca antes se habían dado en un “Clásico de Otoño” y que ya forman parte de los libres de récords de las Grandes Ligas.

Ahora, los Astros viajan a Los Ángeles en busca de que su as adquirido en agosto, el derecho Justin Verlander, ponga algo de frialdad a una serie hirviente y les dé al fin un título de Serie Mundial, que nunca han conseguido en sus 56 años de historia.

El tercera base Alex Bregman puso fin al juego, con un sencillo ante el cerrador estelar de los Dodgers, el curazoleño Kenley Jansen, cuando había dos “outs” de la décima entrada.

El público en el Minute Maid Park, que enmudeció cuando el as zurdo Dallas Keuchel permitió que los Dodgers tomaran la delantera por 4-0 en la parte alta de la cuarta entrada, no dejó de emocionarse en el resto de un partido en que el pitcheo brilló por su ausencia.

Nadie pudo haber previsto semejante despliegue de artillería durante una noche en que el estelar zurdo Clayton Kershaw, que no había perdido en los playoffs, abrió por los Dodgers y Keuchel por los Astros.

El venezolano José Altuve, el boricua Carlos Correa, el cubano Yuli Gourriel, el jardinero de origen puertorriqueño George Springer y el receptor Brian McCann dispararon sendos vuelacercas por Houston, que igualó 4-4 la pizarra ante Kershaw.

“Recuerdo cuando estábamos abajo 4-0”, declaró Bregman. “Altuve, Correa, Yuli y yo nos encontrábamos detrás del montículo y dijimos. Oigan, estamos contra la pared. ¿Qué tal si nos relajamos?”.

La estrategia seguida por los toleteros de los Astros fue la que al final hizo la diferencia después de ver como los lanzadores de ambos equipos no hicieron su mejor trabajo.

Tres veces estuvieron los Astros debajo en la pizarra y siempre consiguieron el empate con batazos de largometraje.

Después del vuelacercas de Gourriel, Altuve volvió a igualar las acciones en el quinto, con dos hombres a bordo frente al japonés Kenta Maeda, luego de que Los Angeles se fuera delante nuevamente 7-4 en la alta de ese episodio por cuadrangular de tres carreras del primera base Cody Bellinger, que logró su primer vuelacercas en Serie Mundial.

Pero los Astros volvieron a remontar para irse arriba 11-8 tras siete capítulos y 12-9 luego de ocho, todo parecía que estaba ya listo para que el partido llegase a su final.

Springer le botó la pelota fuera del parque al relevista Brandon Morrow abriendo el episodio para otro empate de 8-8.

Morrow, que ha visto acción en todos los juegos de la serie, se presentó sin nada en la bola y no logró dominar a ninguno de los cuatro bateadores que enfrentó, pues al jonrón de Springer siguieron sencillo de Bregman, doblete de Altuve y cuadrangular de Correa.

Fueron entonces los Dodgers los que vinieron de atrás, descontaron una en el octavo e igualaron en el noveno.

Cuando inexplicablemente, el piloto de los Astros, A.J. Hinch, no trajo a su cerrador Ken Giles y dejó a un Chris Devenski a todas luces ineficaz, que ante el jardinero cubano Yasiel Puig le permitió que le pegase cuadrangular por los Dodgers, que rayaron tres veces en el noveno episodio para igualar el juego a 12.

Hasta que al final los Astros rieron los últimos pasada ya la medianoche. Con dos outs, Bregman bateó su hit y puso fin al tenso duelo de cinco horas y 17 minutos.

Esta Serie Mundial había incluido ya un encuentro lleno de emoción, en el Segundo Juego, que los Astros ganaron por 7-6 en 11 entradas.

Pero con cada uno de los siete jonrones, el juego dominical se fue configurando quizás como el más enloquecido en la historia del Clásico de otoño, incluso por encima de aquel en que los Azulejos de Toronto se impusieron 15-14 a los Filis de Filadelfia en 1993.

En el “Año del Jonrón”, ninguna ventaja pareció cómoda y que do demostrado en el marcador final.

“Creo que en toda esta serie las emociones han estado en una montaña rusa”, comentó el piloto de los Dodgers, Dave Roberts. “Son los dos mejores equipos en busca de un campeonato. Y son dos equipos que no se rinden hasta que caigan 27 outs”.

El bambinazo de Puig, que produjo dos carreras, fue el vigésimo segundos conectado en esta Serie Mundial, un récord. Un sencillo de Chris Taylor ante Devenski con dos outs hizo necesarias las entradas adicionales. “Éste ha sido el mejor juego de la historia, seguro”, sentenció Correa.

Ahora, con dos bullpens extenuados, los clubes tendrán un día para recuperarse.

El Sexto Juego está previsto para el martes en el Dodger Stadium, con Verlander que tratará de conseguir el título, mientras que Rich Hill intentará salvar a los Dodgers.

El protagonismo del bateo latinoamericano volvió a estar presente en ambos equipos con Altuve que se fue de 5-3 con tres anotadas y cuatro empujadas; Correa que tuvo de 5-3 con dos anotadas y tres impulsadas y Gourriel de 5-2 con una anotada y tres remolcadas.

Mientras que por los Dodgers, el puertorriqueño Kike Hernández aunque no hizo contacto con la pelota en tres turnos al bate pisó dos veces la registradora y Puig tuvo de 5-1 con una anotada y dos producidas.

(EFE)

Los Astros ganan el quinto juego y se ponen a uno del título

#Los Astros ganan el quinto juego y se ponen a uno del título

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eugenijusb · 7 years

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MiniCyclops - First Outdoors Test - (14x14 inches "sensor" size Motion Camera) from Gonzalo Ezcurra on Vimeo.

*Las tomas que ven NO POSEEN la más mínima post producción, salvo leves retoques en el RAW Editor.

Todos mis cálculos de tamaño de la Bigboot y la MiniCyclops respondieron a la perfección al momento de transportar TODO en mi auto (desarmado) sin necesidad de transporte.

*MiniCyclops Background Construction: facebook.com/ezcurragonzalo/photos_albums

**Making of pics: flickr.com/photos/68280761@N03/

Un millón de gracias a la modelo Carolina Jansen... y a los asistente y amigos Andrés Oviedo y José Villagra por la buena onda y predisposición de siempre.

-MiniCyclops Ready: vimeo.com/84769322

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