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determineosnmeroscujovalorabsolu · 5 months

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¿Cuál es la biografía de David Naharro, el famoso escritor español?

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¿Cuál es la biografía de David Naharro, el famoso escritor español?

Vida de David Naharro

David Naharro es un reconocido influencer y emprendedor español cuya vida ha sido seguida de cerca por miles de seguidores en las redes sociales. Nacido en Madrid hace 29 años, Naharro se ha destacado por su carisma y autenticidad, lo que le ha llevado a cosechar una gran cantidad de seguidores en plataformas como Instagram y YouTube.

Desde muy joven, Naharro mostró interés por el mundo digital y decidió emprender su propio camino en las redes sociales. Con el paso de los años, ha logrado crear un verdadero imperio digital, colaborando con marcas reconocidas y generando contenido variado que abarca desde viajes hasta estilo de vida.

A lo largo de su trayectoria, David Naharro ha destacado por su cercanía con sus seguidores, quienes valoran su transparencia y autenticidad. Además, ha sabido reinventarse constantemente, explorando nuevos formatos y temáticas para mantenerse relevante en un mundo digital en constante evolución.

Fuera de las redes sociales, Naharro también se ha destacado por su labor filantrópica, apoyando diversas causas sociales y promoviendo el bienestar de aquellos que más lo necesitan. Su compromiso con la sociedad ha sido reconocido en varias ocasiones, convirtiéndolo en un referente para jóvenes emprendedores y amantes del mundo digital.

En resumen, la vida de David Naharro es un claro ejemplo de dedicación, pasión y compromiso con aquello en lo que cree. Su historia inspira a muchos a perseguir sus sueños y a construir un camino único y auténtico en el mundo digital.

Trayectoria literaria de David Naharro

La trayectoria literaria de David Naharro es una de las más destacadas en el panorama actual de la literatura en español. Nacido en Madrid en 1974, Naharro se ha convertido en un referente dentro del mundo de las letras gracias a su estilo fresco, original y provocador.

Desde sus inicios, Naharro mostró una clara inclinación por la escritura, publicando su primer libro de poesía a los 19 años. A lo largo de los años, ha cultivado tanto la poesía como la narrativa, destacando por su capacidad para explorar temas universales desde una perspectiva única y personal.

Su obra se caracteriza por la profundidad de sus reflexiones, la belleza de su prosa y la originalidad de sus planteamientos. Naharro no tiene miedo de abordar temas difíciles o controversiales, lo que le ha valido el reconocimiento de la crítica y del público.

Además de su labor como escritor, Naharro también ha destacado como editor y gestor cultural, promoviendo la literatura independiente y apoyando a nuevos talentos. Su compromiso con la difusión de la cultura y la creación literaria lo convierten en una figura imprescindible en el panorama cultural contemporáneo.

En definitiva, la trayectoria literaria de David Naharro es un ejemplo de dedicación, talento y compromiso con las letras, consolidándolo como uno de los autores más relevantes de su generación.

Obras destacadas de David Naharro

David Naharro es un artista contemporáneo español reconocido por sus obras innovadoras y creativas. Su estilo único y distintivo lo ha posicionado como una figura destacada en el mundo del arte actual. A lo largo de su carrera, Naharro ha creado una serie de obras que han capturado la atención del público y la crítica especializada.

Una de sus obras más destacadas es "Sueños en el aire", una instalación artística que combina elementos visuales y sonoros para transportar al espectador a un mundo de fantasía y surrealismo. Esta obra ha sido exhibida en importantes galerías y museos de todo el mundo, recibiendo elogios por su originalidad y profundidad conceptual.

Otra obra emblemática de David Naharro es "El jardín de las emociones", una serie de pinturas que exploran la complejidad de los sentimientos humanos a través de colores vibrantes y composiciones provocativas. Esta colección ha sido aclamada por su capacidad para transmitir la diversidad y la intensidad de las emociones humanas de una manera única y evocadora.

La obra de David Naharro se caracteriza por su enfoque experimental y su voluntad de desafiar los límites del arte contemporáneo. Su creatividad y su pasión por la innovación lo han convertido en uno de los artistas más influyentes de su generación, y su legado perdurará en la historia del arte como un testimonio de su brillantez y originalidad.

Premios recibidos por David Naharro

David Naharro es un reconocido artista que ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera. Con su talento y dedicación, ha conquistado el corazón del público y el respeto de la crítica especializada.

Entre los premios más destacados que ha recibido David Naharro se encuentran múltiples galardones en festivales de cine tanto nacionales como internacionales. Su habilidad para transmitir emociones a través de la pantalla lo ha hecho merecedor de reconocimientos en categorías como mejor actor, mejor dirección y mejor guion.

Además, Naharro ha sido honrado con premios por su contribución a la industria del cine independiente, donde ha demostrado su versatilidad y capacidad para abordar una amplia gama de temas y géneros cinematográficos.

Su talento también ha sido reconocido en el ámbito de las artes escénicas, donde ha recibido distinciones por sus actuaciones en teatro y televisión. Su capacidad para interpretar personajes complejos y su carisma en el escenario lo han convertido en uno de los actores más admirados de su generación.

No solo se ha destacado por su trabajo frente a las cámaras, sino también por su labor detrás de ellas. Como director y guionista, ha sido galardonado por su creatividad y originalidad en la narración de historias.

En resumen, los premios recibidos por David Naharro son un reflejo del talento y la dedicación que ha demostrado a lo largo de su carrera. Su trayectoria en el mundo del cine y las artes escénicas lo posiciona como uno de los artistas más destacados de su generación.

Influencia de David Naharro en la literatura española

David Naharro es un escritor español contemporáneo cuya influencia en la literatura española ha dejado una marca significativa en el panorama literario actual. Su obra se caracteriza por un estilo único y una profunda exploración de temas universales que resuenan con el público lector.

Naharro ha demostrado ser un autor versátil, incursionando en diferentes géneros literarios como la novela, el cuento y la poesía. Su capacidad para fusionar la realidad con la ficción ha sido ampliamente elogiada por críticos y lectores por igual.

La influencia de Naharro en la literatura española se manifiesta en su habilidad para crear personajes complejos y situaciones que desafían las convenciones tradicionales. Sus obras invitan a reflexionar sobre aspectos profundamente humanos como el amor, la soledad, la identidad y la búsqueda de sentido en un mundo cada vez más caótico.

Además, Naharro ha sido reconocido por su estilo narrativo fluido y evocador, que sumerge al lector en mundos imaginarios llenos de matices y emociones. Su capacidad para captar la esencia de la experiencia humana lo posiciona como uno de los escritores más relevantes de la escena literaria actual en España.

En resumen, la influencia de David Naharro en la literatura española es innegable, y su legado perdurará en el tiempo como un testimonio de su talento y creatividad literaria.

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coloniavsaugsburg · 6 months

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¿Cuándo se llevará a cabo la próxima exposición de arte en Cuadro Miami en 2024?

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¿Cuándo se llevará a cabo la próxima exposición de arte en Cuadro Miami en 2024?

Fecha de la exposición de arte en Cuadro Miami 2024

La fecha de la exposición de arte en Cuadro Miami 2024 es un evento que ha generado gran expectativa en el mundo del arte y la cultura. Programada para llevarse a cabo del 15 al 20 de mayo del 2024, esta exposición promete ser un escaparate de talento y creatividad sin igual.

Durante esta semana, artistas locales e internacionales tendrán la oportunidad de exhibir sus obras en un entorno moderno y dinámico. Desde pintura y escultura hasta arte digital y performance, Cuadro Miami 2024 ofrecerá a los asistentes una experiencia única para explorar y disfrutar de diversas expresiones artísticas.

Además de las exposiciones, los visitantes también podrán participar en conferencias, talleres y encuentros con los propios artistas, lo que permitirá un acercamiento más íntimo a la obra y al proceso creativo.

Este evento no solo busca fomentar la apreciación del arte, sino también promover la interacción entre artistas y público, creando así un espacio de diálogo y reflexión en torno a la importancia del arte en nuestra sociedad.

En resumen, la fecha de la exposición de arte en Cuadro Miami 2024 promete ser un evento imperdible para todos los amantes del arte y la cultura. Una oportunidad única para sumergirse en el mundo creativo y contemplar el talento de artistas emergentes y consagrados. ¡No te lo pierdas!

Programación de la próxima exposición en Cuadro Miami

La próxima exposición en Cuadro Miami promete ser un evento imperdible para todos los amantes del arte. Con una programación cuidadosamente seleccionada, esta exhibición se posiciona como una de las más destacadas en el panorama artístico de la ciudad. Los organizadores han trabajado arduamente para reunir a artistas de renombre, tanto locales como internacionales, con el objetivo de ofrecer una experiencia única a todos los visitantes.

Durante esta exposición, los asistentes tendrán la oportunidad de apreciar una amplia variedad de obras que abarcan diferentes estilos y corrientes artísticas. Desde pinturas y esculturas hasta instalaciones multimedia, la diversidad será una de las características distintivas de este evento. Además, se llevarán a cabo charlas y presentaciones de los artistas, brindando un acercamiento exclusivo a su proceso creativo y sus inspiraciones.

La programación de la exposición en Cuadro Miami no solo busca entretener, sino también educar e inspirar a través del arte. Se espera que este evento sea un espacio de reflexión y diálogo, donde el público pueda interactuar con las obras y sus creadores de una manera única. Sin duda, esta exposición se perfila como un punto de encuentro para la comunidad artística y cultural de la ciudad. ¡No te pierdas la oportunidad de sumergirte en el fascinante mundo del arte en Cuadro Miami!

Evento artístico Cuadro Miami 2024

El evento artístico Cuadro Miami 2024 es una oportunidad única para los amantes del arte y la cultura de disfrutar de una experiencia inolvidable en la vibrante ciudad de Miami. Esta exposición anual reúne a artistas de renombre internacional, así como talentos emergentes, para exhibir sus obras más destacadas.

Durante Cuadro Miami 2024, los asistentes tendrán la oportunidad de explorar una amplia variedad de estilos artísticos, desde pintura y escultura hasta fotografía y arte digital. Las galerías estarán llenas de piezas innovadoras y provocativas que desafiarán las ideas preconcebidas y estimularán la imaginación.

Además de la exhibición principal, Cuadro Miami 2024 también ofrecerá una serie de eventos y actividades complementarias, como charlas de artistas, talleres creativos y presentaciones en vivo. Los visitantes tendrán la oportunidad de interactuar directamente con los creadores y sumergirse por completo en el fascinante mundo del arte contemporáneo.

Ya sea que sea un coleccionista experimentado o simplemente un aficionado curioso, Cuadro Miami 2024 promete satisfacer sus expectativas y brindarle una experiencia enriquecedora y emocionante. No se pierda la oportunidad de ser parte de este evento excepcional que celebra la diversidad y la creatividad en todas sus formas. ¡Le esperamos en Cuadro Miami 2024 para descubrir el arte más inspirador e innovador del momento!

Calendario de la exposición de arte en Cuadro Miami

El arte es una forma de expresión única que nos permite sumergirnos en un mundo de creatividad y belleza. En Cuadro Miami, una galería de arte de renombre, se lleva a cabo una emocionante exposición que reúne a talentosos artistas de diferentes partes del mundo. El calendario de la exposición de arte en Cuadro Miami es una oportunidad imperdible para los amantes del arte y la cultura.

Durante la exposición, los visitantes tienen la oportunidad de admirar una amplia variedad de obras de arte, que van desde pinturas y esculturas hasta fotografías y arte digital. Cada pieza exhibida en Cuadro Miami refleja la creatividad y el talento de los artistas que participan en la exposición.

Además de ser una plataforma para artistas emergentes y consagrados, la exposición de arte en Cuadro Miami también ofrece la posibilidad de adquirir obras de arte únicas y exclusivas. Los coleccionistas de arte encontrarán en esta exposición una oportunidad única para enriquecer sus colecciones con piezas de alto valor artístico.

El calendario de la exposición de arte en Cuadro Miami se renueva constantemente, ofreciendo a los visitantes la oportunidad de descubrir nuevas obras y artistas en cada visita. Ya sea que seas un aficionado del arte o un coleccionista experimentado, la exposición de arte en Cuadro Miami es un evento que no te puedes perder. Sumérgete en el fascinante mundo del arte y déjate inspirar por la creatividad de artistas de talla mundial. ¡Te esperamos en Cuadro Miami!

Fechas y horarios de la muestra en Cuadro Miami 2024

¡Descubre las fechas y horarios de la tan esperada muestra en Cuadro Miami 2024! Este evento de arte contemporáneo es uno de los más destacados en el calendario cultural de la ciudad, atrayendo a artistas y amantes del arte de todo el mundo.

La muestra se llevará a cabo del 15 al 20 de mayo de 2024 en las impresionantes instalaciones del centro de convenciones de Miami. Durante estos seis días, los asistentes tendrán la oportunidad de explorar una amplia gama de obras de arte, desde pinturas y esculturas hasta instalaciones y performances.

Los horarios de la muestra en Cuadro Miami 2024 varían según el día. El horario de apertura generalmente será a las 10 de la mañana, permitiendo a los visitantes disfrutar de las obras de arte con calma y detenimiento. El cierre se llevará a cabo a las 8 de la noche, brindando la oportunidad de disfrutar de eventos especiales y actividades nocturnas.

Además de las galerías de arte, la muestra en Cuadro Miami 2024 también contará con charlas y conferencias impartidas por expertos en el campo, ofreciendo una experiencia cultural completa para todos los participantes.

¡No te pierdas la oportunidad de sumergirte en el mundo del arte contemporáneo en Cuadro Miami 2024! Marca las fechas en tu calendario y prepárate para disfrutar de una experiencia única e inolvidable llena de creatividad y talento.

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utdvscity · 6 months

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¿Cuál es la biografía de Agustín Tirante y cuáles son sus logros más destacados en su carrera profesional?

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¿Cuál es la biografía de Agustín Tirante y cuáles son sus logros más destacados en su carrera profesional?

Biografía de Agustín Tirante

Agustín Tirante es un reconocido director de cine nacido en Argentina. Desde temprana edad mostró interés por el mundo del cine y decidió estudiar cinematografía para luego dedicarse profesionalmente a esta pasión.

A lo largo de su carrera, Agustín Tirante ha dirigido numerosos cortometrajes y largometrajes que han sido bien recibidos por la crítica y el público. Su estilo cinematográfico se caracteriza por su creatividad, originalidad y la profundidad con la que aborda temas universales como el amor, la soledad, la identidad y la exploración de la condición humana.

Entre sus obras más destacadas se encuentran "El reflejo de tus ojos", un drama romántico que le valió varios premios en festivales internacionales, y "Sueños rotos", un thriller psicológico que mantuvo a la audiencia en vilo de principio a fin.

Además de su labor como director, Agustín Tirante también ha incursionado en la producción cinematográfica y en la realización de documentales que abordan problemáticas sociales y culturales de relevancia en la actualidad.

Con una trayectoria sólida y una visión única, Agustín Tirante se ha consolidado como una figura destacada en la industria cinematográfica, siendo reconocido por su talento y dedicación a la hora de contar historias que impactan y conmueven a la audiencia. Sin duda, su legado en el cine seguirá inspirando a nuevas generaciones de cineastas a explorar los límites de la creatividad y la narrativa visual.

Trayectoria profesional de Agustín Tirante

Agustín Tirante es un reconocido experto en marketing digital con una impresionante trayectoria profesional. Comenzó su carrera en el mundo del marketing con una pasión por la tecnología y la innovación. Con el paso de los años, ha logrado destacar en el ámbito digital gracias a su creatividad y su habilidad para adaptarse a las constantes evoluciones del sector.

Tirante ha trabajado en diversas empresas de renombre, desempeñando roles clave en el desarrollo de estrategias de marketing online. Su enfoque estratégico y su visión innovadora le han permitido alcanzar el éxito en cada proyecto en el que se ha embarcado.

Además de su talento en el marketing digital, Agustín Tirante también se ha destacado por su capacidad para liderar equipos y motivar a sus colaboradores. Su carisma y su dedicación son cualidades que lo han convertido en un referente en su campo.

En la actualidad, Tirante comparte su experiencia a través de conferencias y talleres, donde brinda consejos y estrategias a profesionales del marketing que buscan destacar en un entorno cada vez más competitivo. Su influencia en la industria es innegable, y su legado continuará inspirando a futuras generaciones de expertos en marketing digital.

En resumen, la trayectoria profesional de Agustín Tirante es un ejemplo de dedicación, pasión y excelencia en el mundo del marketing digital. Su impacto en la industria seguirá siendo relevante durante muchos años más.

Logros de Agustín Tirante

Agustín Tirante es un reconocido jugador de tenis argentino que ha logrado importantes victorias a lo largo de su carrera. Nacido el 10 de abril de 2001 en Buenos Aires, Tirante comenzó a destacarse en el mundo del tenis desde temprana edad.

Uno de sus logros más destacados fue su victoria en el torneo de dobles masculino en el Campeonato de Wimbledon Junior en 2018. Esta victoria le valió el reconocimiento internacional y lo posicionó como una de las jóvenes promesas del tenis argentino.

Además, Agustín Tirante ha participado en varios torneos internacionales representando a su país, logrando destacadas actuaciones y demostrando su talento en la cancha. Su dedicación, esfuerzo y pasión por el tenis lo han llevado a obtener múltiples títulos a lo largo de su carrera, consolidándolo como uno de los tenistas más prometedores de su generación.

El futuro de Agustín Tirante en el tenis parece ser brillante, y sus logros hasta el momento son solo el comienzo de una exitosa carrera deportiva. Con su habilidad en la cancha y su determinación, seguramente seguirá cosechando éxitos y dejando en alto el nombre de Argentina en el mundo del tenis.

Agustín Tirante datos personales

Agustín Tirante es un reconocido actor y modelo argentino nacido el 15 de abril de 1987 en Buenos Aires. Con una altura de 1.85 metros, posee una presencia imponente que le ha permitido destacar en la industria del entretenimiento.

Conocido por su talento y carisma, Agustín ha participado en numerosas producciones tanto en la televisión como en el cine. Su versatilidad en los personajes y su habilidad para transmitir emociones lo han convertido en un actor muy solicitado por directores y productores.

Además de su carrera en la actuación, Agustín también ha incursionado en el mundo del modelaje, siendo rostro de reconocidas marcas y participando en desfiles de moda tanto a nivel nacional como internacional.

Fuera de los reflectores, Agustín es una persona reservada que prefiere mantener su vida personal alejada de los medios de comunicación. Se ha destacado por su discreción y dedicación a su trabajo, lo que ha contribuido a forjar una sólida carrera en la industria del entretenimiento.

En resumen, Agustín Tirante es un talentoso actor y modelo argentino que ha sabido ganarse el cariño del público gracias a su profesionalismo y pasión por su trabajo. Su trayectoria en el mundo del espectáculo promete seguir creciendo y sorprendiendo a sus seguidores con nuevos proyectos y personajes memorables.

Aportes de Agustín Tirante a su campo professional

Agustín Tirante es un destacado profesional que ha dejado una huella significativa en su campo de especialización. Sus aportes son ampliamente reconocidos y valorados por sus colegas y la comunidad en general.

Uno de los principales legados de Agustín Tirante a su campo profesional ha sido su enfoque innovador en la resolución de problemas complejos. Gracias a su creatividad y habilidades analíticas, ha logrado encontrar soluciones efectivas a desafíos que otros consideraban insuperables. Su capacidad para pensar de forma estratégica y proponer ideas disruptivas ha marcado un antes y un después en su industria.

Además, Agustín Tirante se ha destacado por su ética laboral impecable y su compromiso con la excelencia. Su dedicación a su trabajo y su pasión por lo que hace se reflejan en la calidad de sus proyectos y en la satisfacción de sus clientes. Es un ejemplo a seguir para las generaciones futuras, demostrando que el éxito se alcanza con esfuerzo y dedicación.

Otro aspecto fundamental de los aportes de Agustín Tirante a su campo profesional es su capacidad para liderar equipos de trabajo de manera efectiva. Gracias a su carisma y habilidades interpersonales, ha logrado inspirar a sus colegas y motivarlos a alcanzar sus metas comunes. Su habilidad para fomentar un ambiente colaborativo y de confianza ha sido clave en el éxito de los proyectos en los que ha participado.

En resumen, Agustín Tirante es un referente en su campo profesional gracias a su enfoque innovador, su ética laboral y su habilidad para liderar equipos de trabajo. Sus aportes han dejado una marca indeleble en la industria y su legado perdurará por mucho tiempo.

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arquitectosguadalajara · 6 months

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Innovaciones tecnológicas en el trabajo del aparejador

En un mundo donde la tecnología avanza a pasos agigantados, el sector de la construcción no se queda atrás. Los aparejadores de teat.es son profesionales clave en la gestión de proyectos de construcción, están experimentando una transformación en su campo gracias a la incorporación de herramientas y metodologías innovadoras. Este artículo explora cómo estas innovaciones están redefiniendo el trabajo del aparejador, aumentando la eficiencia y la calidad de los proyectos de construcción.

La revolución digital: BIM y software especializado

Una de las innovaciones más significativas en el ámbito del aparejador es la adopción del Modelado de Información de Construcción (BIM, por sus siglas en inglés). Esta tecnología digital permite la creación de modelos virtuales detallados de edificios, facilitando una planificación, diseño, construcción y mantenimiento más eficientes.

A través del BIM, los aparejadores pueden anticipar problemas potenciales, realizar cambios en tiempo real y mejorar la colaboración entre todos los agentes involucrados en el proyecto.

Además, el uso de software especializado en gestión de proyectos y análisis estructural se ha vuelto indispensable. Estas herramientas permiten a los aparejadores controlar los plazos, costes y calidad de los proyectos con mayor precisión, optimizando los recursos y reduciendo los riesgos.

Drones y realidad aumentada: una nueva perspectiva en la construcción

El uso de drones en la construcción ha abierto un nuevo horizonte de posibilidades. Estos dispositivos son utilizados para realizar inspecciones aéreas de los sitios de construcción, lo que permite a los aparejadores obtener imágenes y datos precisos sin necesidad de estar físicamente presentes.

Esta capacidad es especialmente útil en proyectos de gran envergadura o en áreas de difícil acceso, facilitando la supervisión y el seguimiento del avance de la obra.

Por otro lado, la realidad aumentada (RA) está comenzando a jugar un papel crucial en la visualización de proyectos. Mediante el uso de dispositivos móviles o gafas especializadas, los aparejadores pueden superponer modelos digitales del proyecto sobre la realidad física, lo que ayuda a visualizar cómo quedará el edificio una vez finalizado y detectar posibles interferencias o errores en una etapa temprana.

Sostenibilidad y eficiencia energética: hacia una construcción verde

La sostenibilidad se ha convertido en un aspecto fundamental en la construcción moderna. Los aparejadores están empleando tecnologías innovadoras para diseñar y gestionar edificios más eficientes y respetuosos con el medio ambiente. Herramientas como el análisis de ciclo de vida y la simulación energética permiten evaluar el impacto ambiental de los materiales y sistemas constructivos, promoviendo decisiones más informadas y sostenibles.

Conclusión: El futuro del aparejador en la era digital

La integración de innovaciones tecnológicas en el trabajo del aparejador está marcando el inicio de una nueva era en la construcción. Estas herramientas no solo mejoran la eficiencia y precisión en los proyectos, sino que también abren nuevas vías para la sostenibilidad y la innovación. A medida que estas tecnologías continúen evolucionando, el papel del aparejador se volverá aún más esencial, demostrando que la adaptación y la actualización constante son claves para el éxito en el sector de la construcción.

#arquitectos #aparejadores

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disenowebmalaga · 8 months

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Eleve su presencia online con diseño web profesional en Málaga

En la era digital, una presencia online convincente es crucial tanto para las empresas como para los particulares. Su sitio web sirve como escaparate virtual, dando la primera impresión a los clientes y visitantes potenciales. Si estás en Málaga y buscas establecer o mejorar tu presencia online, la clave está en un diseño web impecable. En Diseno Web Malaga entendemos la importancia de un sitio web visualmente atractivo y fácil de usar en el competitivo panorama digital actual.

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laflechanet · 9 months

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Nueva noticia publicada en LaFlecha

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El impacto ambiental de las NFT: un análisis crítico

Los tokens no fungibles (NFT) han ganado popularidad, generando nuevas oportunidades en el arte digital y los objetos coleccionables. Sin embargo, esta tecnología innovadora también plantea importantes preocupaciones ambientales, principalmente debido a los procesos que consumen mucha energía involucrados en las transacciones Blockchain. Esta publicación profundiza en el impacto ecológico de las NFT, ofreciendo una perspectiva equilibrada.

Comprensión de las NFT y la tecnología Blockchain

Los NFT son activos digitales únicos verificados en redes Blockchain, más comúnmente Ethereum. Estos tokens digitales pueden representar la propiedad de arte, música o cualquier elemento digital.

El consumo de energía de las redes Blockchain

Las redes blockchain, en particular aquellas que utilizan algoritmos de prueba de trabajo (PoW) como Bitcoin, requieren una potencia computacional sustancial, lo que genera un alto consumo de energía según Immediate 300 Definity.

Ethereum: la columna vertebral de las NFT

Ethereum, la plataforma principal para crear y comercializar NFT, es conocida por su importante uso de energía, lo que genera preocupación sobre su impacto ambiental.

Huella de carbono de las transacciones NFT

Cada transacción NFT implica cálculos complejos. El consumo de energía acumulado de estas transacciones contribuye a una gran huella de carbono. Las subastas de NFT de alto perfil, como la venta de obras de arte digitales de Beeple, implican numerosas transacciones y ofertas, cada una de las cuales consume energía equivalente a la utilizada por un hogar promedio durante un período.

Comparación del uso de energía de las NFT con el arte tradicional

Si bien las NFT son criticadas por su uso de energía, vale la pena señalar que los sectores del arte tradicional también tienen impactos ambientales, incluidos los materiales, el transporte y las operaciones de las galerías.

El papel de las energías renovables en la mitigación del impacto

Algunas redes Blockchain y plataformas NFT están recurriendo a fuentes de energía renovables para mitigar los impactos ambientales, aunque esta transición se encuentra en sus primeras etapas.

El paso de Ethereum a la prueba de participación (PoS)

Ethereum planea pasar de PoW a un algoritmo de consenso de prueba de participación (PoS), que se espera que reduzca significativamente el consumo de energía.

El debate sobre el impacto ambiental de las NFT

El debate medioambiental en torno a las NFT es complejo: los defensores enfatizan la naturaleza digital de las NFT y los críticos señalan la necesidad urgente de prácticas sostenibles en las tecnologías Blockchain.

El potencial de las soluciones blockchain ecológicas

Existe un potencial creciente para soluciones Blockchain ecológicas, como protocolos de capa dos y Blockchains alternativos, que ofrecen procesos de transacciones más eficientes energéticamente.

Conciencia y responsabilidad del consumidor

La conciencia de los consumidores sobre el impacto ambiental de las NFT puede impulsar la demanda de prácticas más sostenibles en el mercado de NFT.

El futuro de las NFT sostenibles

El futuro de las NFT podría ver un mayor énfasis en la sostenibilidad mediante la adopción de tecnologías y prácticas más ecológicas dentro de la industria Blockchain.

Conclusión

El impacto ambiental de las NFT es una cuestión crítica que requiere una consideración equilibrada. Si bien el consumo de energía actual de las redes Blockchain es motivo de preocupación, el potencial de prácticas e innovaciones más sostenibles en este espacio ofrece esperanza. A medida que la tecnología evolucione, centrarse en minimizar el impacto ambiental será crucial para el crecimiento sostenible de las NFT y su aceptación en el mundo digital.

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vitrinanorte · 10 months

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Antof a Mil regresa con impactante programación para la comunidad de la región

El Festival considera diez espectáculos gratuitos en diversas comunas

La 24° versión del festival, presentado por Fundación Teatro a Mil y Escondida | BHP, se desplegará entre 4 y el 13 de enero de 2024 en salas y calles de Antofagasta, Mejillones y Peine.

La nueva edición reservará un espacio para los talentos regionales, además de espectáculos de teatro y danza de Austria, Bélgica, España, Francia y Perú. Para ser parte de la programación gratuita, deben descargar las invitaciones en formato digital en Antofamil.cl.

“Cambia el escenario”, es la consigna del Festival Internacional Antof a Mil 2024, presentado por Fundación Teatro a Mil y Escondida | BHP, invitación que anticipa una muestra sorprendente con obras que exploran el espacio escénico más allá de los escenarios y narrativas convencionales, y que se realizará entre el 4 y 13 de enero.

El festival más importante de las artes escénicas del país vuelve para celebrar con la comunidad local sus 24 años de tradición teatral, con espectáculos y compañías locales e internacionales, provenientes de Austria, Bélgica, España, Francia y Perú, que se presentarán en teatros y calles de Antofagasta, Mejillones y Peine.

“Volvemos para cambiar el escenario, reiterando el merecido lugar que tiene el desarrollo del teatro en la región de Antofagasta. Aunque los escenarios cambian, y nosotros con ellos, regresamos para reafirmar nuestro compromiso de crear puentes para el acceso y el desarrollo de la cultura en el país” indicó Carmen Romero Quero, directora general de Fundación Teatro a Mil.

En tanto, Cristóbal Marshall, vicepresidente de Asuntos Corporativos de Escondida | BHP, señaló que “el Festival Internacional Antof a Mil es uno de los eventos culturales más relevantes de la región y se enmarca en el Plan de Cultura, Patrimonio y Territorio que nuestra compañía despliega hace más de 20 años. Estamos convencidos que las artes son un medio para el desarrollo de las personas, por lo que invitamos a la comunidad a ser protagonistas e interactuar con los artistas y los distintos formatos que nos propone esta programación innovadora".

Por su parte, el Gobernador de la Región de Antofagasta, Ricardo Díaz, llamó a toda la comunidad a participar de esta fiesta de las tablas. "Invitamos a que disfruten del teatro, a que disfruten de estas obras de renombre internacional, que vienen, y que van a estar en Antofagasta, pero también en Mejillones y Peine, pero lo interesante de este Festival es el reconocimiento que hay a nuestros propios actores y actrices. Van a ver algunas obras que están siendo diseñadas en colaboración con nuestra gente y yo quiero ahí invitar a todos a que vayamos a apoyar aquellas obras donde están nuestros actrices, donde están nuestros actores, porque la idea es que nosotros tenemos que potenciar la capacidad de creación en nuestra región”, dijo.

Inauguración: un reconocimiento al talento local

La compañía Alma Reina Teatro será la encargada de dar el puntapié inicial a esta versión de Antof a Mil con Má, obra escrita y dirigida por Pamela Meneses y protagonizada por la emblemática actriz Teresa Ramos. El 4 de enero a las 20 horas, en el Teatro Municipal de Antofagasta, el público podrá adentrarse en esta historia con atisbos de realismo mágico que pone en escena la conmovedora relación entre una madre y una hija que deciden volver a vivir juntas.

Montajes internacionales: bailes, juegos, sueños y el mar

El 5 de enero será el turno de bailar. Desde Austria, el coreógrafo y director Willi Dorner abrirá la programación internacional con Dance Karaoke, una original propuesta que organiza una fiesta de karaoke donde, en vez de seguir una letra y cantar, el público podrá seguir los pasos de baile de otros antofagastinos.

Fusionar las artes del circo con el juego del trompo y la cultura mediterránea es lo que convierte a Poi en una experiencia única. De la Compañía española, D'es Tro, y debutando en Latinoamérica con esta creación de Guillem Vizcaíno, este aplaudido y premiado montaje se presentará el 5 de enero en Mejillones y el 7 en Peine, para seguir con funciones en Antofagasta el 8 y 9 de enero.

Desde las mismas latitudes llegará hasta Antofagasta El mar: visión de unos niños que no lo han visto nunca, obra de teatro documental de Xavier Bobés y Alberto Conejero, emotiva y poética, basada en la historia de un profesor y sus alumnos en un pueblo cercano a Burgos, en vísperas de una Guerra Civil que lo cambiaría todo.

El mar también estará muy presente en Moby Dick, de la compañía franco-noruega Plexus Polaire, dirigida por Yngvild Aspeli. Con 7 actores, 50 marionetas, una orquesta ahogada y una ballena gigante en escena, esta obra hará realidad la épica novela de Herman Melville el 11 y 12 de enero a las 20:30 horas en el Teatro Municipal de Antofagasta.

En clave colaborativa entre Chile y artistas de otros países se presentará el 10 y 12 de enero en Antofagasta Mañana es otro país, coproducción del Teatro Real Flamenco de Bruselas (KVS) y Fundación Teatro A Mil. Dirigida por el belga Michael de Cock y protagonizada por la actriz nacional María José Parga, la historia se centra en el viaje de una niña que debe emigrar en peligrosas condiciones para que el mañana sea posible en otro país.

Por su parte, el 11 y 12 de enero debutará la versión franco-chilena de Jérôme Bel, creación del afamado coreógrafo francés del mismo nombre, interpretada por la actriz Alejandra Rojas en su versión para Antofagasta, quien dará vida a su autorretrato bailado. Otra versión de la misma obra se representará, en lenguaje de señas, en Santiago.

Finalmente, la histórica agrupación peruana Yuyachkani celebrará 50 años de trayectoria con El teatro es un sueño - Desde lejos he venido, en una versión trabajada junto al Colectivo Teatral Primate de Antofagasta. El público podrá disfrutar y reír con el estreno de esta creación el 13 de enero a las 21:00 horas en el Casco Histórico de la capital regional.

Obras nacionales: Antofagasta es Chile

Además de Má, como parte de las propuestas antofagastinas el Jurado Regional de Antofagasta seleccionó la obra Memorias desenterradas (Aluvión 1991), creación colectiva de Producción Espécimen que revisita la tragedia del aluvión que azotó la ciudad a comienzos de los años 90, la cual estará el 6 y 7 de enero en el Liceo Experimental Artístico de Antofagasta.

Por su parte, la compañía Club de Lectura fue seleccionada con Vistiendo un muerto, una comedia satírica donde dos pobladores descubren el cuerpo de un vecino en una población periférica de Antofagasta. La obra, que tiene una dramaturgia conjunta entre la compañía y Ernesto Orellana, se presentará el 10 y 11 de enero en Teatro Demoler.

Finalmente, como parte de la selección del Jurado Digital del festival, que visionó creaciones audiovisuales de todo el país, se presentará a través de Teatroamil.tv la obra Eco, cortometraje teatral de Paula López Núñez filmado en la ex Oficina Salitrera Chacabuco, que recuerda la vida en la pampa y las salitreras, reflexionando sobre el sentido de migrar en busca de una mejor vida.

El Festival Internacional Antof a Mil es un proyecto presentado por Fundación Teatro a Mil y Escondida | BHP, acogido a la Ley de Donaciones Culturales, con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Quienes deseen asistir a las obras de salas, que tendrán capacidad limitada, pueden acceder a las entradas gratuitas, en formato digital, descargándolas desde Antofamil.cl __________

PROGRAMACIÓN COMPLETA FESTIVAL INTERNACIONAL ANTOF A MIL 2024

JUEVES 4

Má (Chile)

Compañía Alma Reina Teatro / Dramaturgia y dirección de Pamela Meneses

Teatro Municipal de Antofagasta / 20.00 h

VIERNES 5

Poi (España)

Compañía D'es Tro / Creación de Guillem Vizcaíno

Plaza de la Cultura de Mejillones / 20:30 h

Dance Karaoke (Austria)

De Willi Dorner

Balneario Municipal de Antofagasta / 21.00 h

SÁBADO 6

Memorias desenterradas (Aluvión 1991) (Chile)

Creación colectiva de Producción Espécimen

Teatro LEA de Antofagasta / 20.00 h

El mar: visión de unos niños que no lo han visto nunca (España)

De Xavier Bobés y Alberto Conejero

Teatro Municipal de Antofagasta / 21.00 h

DOMINGO 7

Memorias desenterradas (Aluvión 1991) (Chile)

Creación colectiva de Producción Espécimen

Teatro LEA de Antofagasta / 20.00 h

Poi (España)

De Compañía D'es Tro / Creación de Guillem Vizcaíno

Gimnasio Llullaillaco de Peine / 20.00 h

LUNES 8

Poi (España)

De Compañía D'es Tro / Creación de Guillem Vizcaíno

Plaza La Cantera de Antofagasta / 19.00 h

MARTES 9

Poi (España)

De Compañía D'es Tro / Creación de Guillem Vizcaíno

Plaza Bicentenario de Antofagasta / 19.00 h

MIÉRCOLES 10

Mañana es otro país (Chile-Bélgica)

Teatro Real Flamenco de Bruselas (KVS) / Dirección de Michael de Cock

Campamento Altamira de Antofagasta / 18.00 h

Vistiendo un muerto (Chile)

De Club de Lectura y Ernesto Orellana / Dirección de Ernesto Orellana

Teatro Demoler de Antofagasta / 20.00 h

JUEVES 11

Jérôme Bel (Francia/Chile)

De Jérôme Bel

Biblioteca Regional de Antofagasta / 18.00 h

Mañana es otro país (Chile-Bélgica)

Teatro Real Flamenco de Bruselas (KVS) / Dirección de Michael de Cock

Teatro Municipal Gamelin Guerra de Mejillones / 20.00 h

Vistiendo un muerto (Chile)

De Club de Lectura y Ernesto Orellana / Dirección de Ernesto Orellana

Teatro Demoler de Antofagasta / 20.00 h

Moby Dick (Francia)

De Cía. Plexus Polaire / Dirección de Yngvild Aspeli

Teatro Municipal de Antofagasta / 20:30 h

VIERNES 12

Jérôme Bel (Francia-Chile)

De Jérôme Bel

Biblioteca Regional de Antofagasta / 18.00 h

Mañana es otro país (Chile-Bélgica)

De Teatro Real Flamenco de Bruselas (KVS) / Dirección de Michael de Cock

La Chimba de Antofagasta / 18.00 h

Moby Dick (Francia)

Compañía Plexus Polaire / Dirección de Yngvild Aspeli

Teatro Municipal de Antofagasta / 20:30 h

SÁBADO 13

El teatro es un sueño - Desde lejos he venido (Perú-Chile)

Colectivo Yuyachkani y Colectivo Teatral Primate

Casco Histórico de Antofagasta / 21.00 hrs.

#Teatro #Cultura #Art #Arte #Arts #Culture #Chilean #LATAM #Escenico #Cultural #Cartelera #VitrinaNorte

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luxwebhosting · 10 months

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Cómo Comenzar Una Agencia Web Rentable Desde Cero

# 🚀 Cómo Comenzar Una Agencia Web Rentable Desde Cero 🌐 ## Introducción En la era digital en la que vivimos, tener una presencia en línea sólida es fundamental para cualquier negocio. Esto ha llevado a un aumento en la demanda de agencias web que puedan ayudar a las empresas a crear y mantener su presencia en Internet. Si estás interesado en emprender en este campo, este artículo te mostrará cómo comenzar una agencia web rentable desde cero. ## 1. Identifica tu nicho de mercado Antes de comenzar tu agencia web, es importante identificar un nicho de mercado en el que puedas destacarte. En lugar de tratar de ser una agencia web genérica, enfócate en un área específica en la que puedas ofrecer servicios especializados. Por ejemplo, puedes enfocarte en el diseño web para pequeñas empresas locales o en el desarrollo de aplicaciones móviles para startups tecnológicas. ## 2. Construye tu propio sitio web impresionante Como agencia web, tu propio sitio web será tu carta de presentación. Asegúrate de que sea atractivo, fácil de navegar y refleje la calidad de los servicios que ofreces. Utiliza un diseño moderno y profesional, y asegúrate de que sea compatible con dispositivos móviles. Además, incluye ejemplos de tu trabajo anterior y testimonios de clientes satisfechos para respaldar tu experiencia. ## 3. Ofrece servicios de alta calidad La calidad de tus servicios será fundamental para el éxito de tu agencia web. Asegúrate de ofrecer servicios de diseño web y desarrollo que cumplan con los estándares más altos de la industria. Mantente actualizado con las últimas tendencias y tecnologías, y asegúrate de que tu equipo esté capacitado para ofrecer soluciones innovadoras y de calidad a tus clientes. ## 4. Establece una estrategia de marketing efectiva Para atraer clientes a tu agencia web, necesitarás una estrategia de marketing efectiva. Utiliza técnicas de marketing digital como el SEO, la publicidad en línea y el marketing de contenidos para aumentar la visibilidad de tu agencia en línea. Además, aprovecha las redes sociales para promocionar tus servicios y establecer relaciones con clientes potenciales. ## 5. Construye una red de contactos El networking es fundamental en el mundo de las agencias web. Establece relaciones con otros profesionales de la industria, como diseñadores gráficos, desarrolladores y especialistas en marketing digital. Esto te permitirá ofrecer servicios complementarios a tus clientes y aumentar tu alcance en el mercado. ## 6. Proporciona un excelente servicio al cliente El servicio al cliente es clave para mantener a tus clientes satisfechos y obtener referencias. Asegúrate de responder rápidamente a las consultas de tus clientes, brindarles actualizaciones regulares sobre el progreso de sus proyectos y superar sus expectativas en términos de calidad y tiempo de entrega. Un cliente satisfecho es más propenso a recomendar tus servicios a otros. ## 7. Establece precios competitivos Determinar los precios de tus servicios puede ser un desafío, pero es importante encontrar un equilibrio entre ser competitivo y asegurarte de que tus servicios sean rentables. Investiga los precios de otras agencias web en tu área y considera el valor que estás proporcionando a tus clientes. Asegúrate de tener en cuenta los costos de mano de obra, los gastos generales y los márgenes de beneficio deseados al establecer tus precios. ## Conclusión Comenzar una agencia web rentable desde cero puede ser un desafío, pero con la estrategia adecuada y un enfoque en la calidad y el servicio al cliente, puedes lograr el éxito. Identifica tu nicho de mercado, construye un sitio web impresionante, ofrece servicios de alta calidad, establece una estrategia de marketing efectiva, construye una red de contactos, proporciona un excelente servicio al cliente y establece precios competitivos. Siguiendo estos pasos, estarás en el camino correcto para construir una agencia web exitosa y rentable. ¡Buena suerte! 🌟 Descubre cómo comenzar una agencia web rentable desde cero y alcanza el éxito en el mundo digital. Haz clic aquí para obtener más información: Enlace.

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sonyclasica · 2 years

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CONCIERTO DE AÑO NUEVO 2023

CONCIERTO DE AÑO NUEVO 2023 - FILARMÓNICA DE VIENA Y FRANZ WELSER-MÖST

El Concierto de Año Nuevo 2023 será dirigido por tercera vez por el director austriaco Franz Welser-Möst. La grabación en directo del concierto estará disponible en formato digital el 6 de enero, en CD a partir del 13 de enero, así como en DVD, Blu-ray y vinilo a partir del 27 de enero y como álbum visual.

Resérvalo AQUÍ

Hay pocos conciertos en el mundo que se esperen con tanta expectación como el Concierto de Año Nuevo de Viena. Bajo la dirección de Franz Welset-Möst, la Filarmónica de Viena recibirá el Año Nuevo con un concierto en la magnífica Sala Dorada del Musikverein de Viena. El concierto se retransmite en más de 90 países de todo el mundo, llegando a una audiencia de más de 50 millones de personas.

El Concierto de Año Nuevo 2023 será dirigido por tercera vez por el director austriaco Franz Welser-Möst. Ya ha participado dos veces en el Concierto de Año Nuevo (2011 y 2013) y una vez en el Concierto de Noche de Verano (2010). Franz Welser-Möst mantiene una colaboración artística especialmente estrecha y productiva con la Filarmónica de Viena. Dirige con frecuencia la orquesta en conciertos de abono en el Musikverein de Viena, así como en giras por Europa, Japón, China y Estados Unidos. Welser-Möst y la Filarmónica de Viena también han actuado juntos en conciertos conmemorativos históricos en Sarajevo y Versalles.

Durante 20 años, Franz Welser-Möst ha dado forma a una cultura sonora inconfundible como Director Musical de la Orquesta de Cleveland. Bajo su dirección, la orquesta ha sido elogiada en repetidas ocasiones por la crítica internacional. A través de proyectos y cooperaciones innovadoras, se ha contactado y consultado al público joven de forma continua y, como resultado de estas iniciativas, la Orquesta de Cleveland tiene ahora uno de los públicos más jóvenes de EE. UU. A lo largo de su gestión, ha continuado la tradición histórica de la Orquesta con una fuerte presencia tanto de obras de nueva creación como de producciones operísticas dentro de la programación artística. Además de las residencias orquestales en EE.UU., Europa y China, él y la Orquesta de Cleveland acuden habitualmente a los principales festivales internacionales. Franz Welser-Möst seguirá siendo el Director Musical de la Orquesta de Cleveland hasta el año 2027, el mandato más largo de cualquier Director Musical que haya tenido la orquesta.

Franz Welser-Möst ha recibido varias distinciones y premios importantes. Es Miembro Honorario de la Gesellschaft der Musikfreunde de Viena, ganador del Anillo Honorífico de la Filarmónica de Viena, y ha sido galardonado con la Medalla Kilenyi de la Sociedad Bruckner de América, así como con la Medalla de Oro del Centro Kennedy de las Artes. En 2020, Franz Welser-Möst recibió el Broche del Festival de Salzburgo con Ruby y, en 2021, fue galardonado con el Premio Austriaco de Teatro Musical por Elektra en el Festival de Salzburgo en la categoría de "Mejor Dirección Musical".

La historia de la Orquesta Filarmónica de Viena se remonta a 1842, cuando Otto Nicolai dirigió un "gran concierto" con "todos los miembros de la Orquesta del Teatro de la Ópera Imperial y de la Corte Real". Se considera que este acontecimiento marca el nacimiento de la orquesta. Desde su fundación, la orquesta está dirigida por un comité elegido democráticamente y es independiente desde el punto de vista artístico, organizativo y financiero. En el siglo XX, su perfil artístico ha estado marcado por músicos de primera fila como Richard Strauss, Arturo Toscanini, Wilhelm Furtwängler y, después de 1945, por tres directores eméritos, Karl Böhm, Herbert von Karajan y Leonard Bernstein. Desde su creación, la orquesta ha dado unos 9.000 conciertos en todo el mundo. Desde 1989 presenta una Semana Filarmónica de Viena en Nueva York. Desde 1993 se celebra una serie de conciertos similares en Tokio.

La tradición de presentar Conciertos de Año Nuevo comenzó en 1941. El primer concierto de Año Nuevo se ofreció en 1939, aunque el 31 de diciembre. El primer director de orquesta fue Clemens Krauss. Willi Boskovsky tomó el relevo en 1955 y dirigió no menos de veinticinco Conciertos de Año Nuevo entre entonces y 1979. La lista de músicos que han dirigido los Conciertos de Año Nuevo parece una lista de maestros de primera fila. El Concierto de Año Nuevo se emitió por primera vez en directo por televisión en 1959. La Filarmónica de Viena considera este acto, ya tradicional, como una forma de desear al mundo un feliz año nuevo a través de la música, con un espíritu de esperanza, amistad y paz. Las grabaciones de los Conciertos de Año Nuevo se encuentran entre los títulos más importantes del mercado de la música clásica, y es el deseo de Sony Classical que este lanzamiento esté disponible para el mayor número posible de público internacional. La grabación en directo del Concierto de Año Nuevo 2023 estará disponible en formato digital el 6 de enero, en CD a partir del 13 de enero, así como en DVD, Blu-ray y Vinilo a partir del 27 de enero y como álbum visual.

Programa del Concierto de Año Nuevo 2023

Parte #1

Eduard Strauß Wer tanzt mit? Polka schnell, op. 251*

Josef Strauß Heldengedichte. Walzer, op. 87*

Johann Strauß Zigeunerbaron-Quadrille. op. 422*

Carl Michael Ziehrer In lauschiger Nacht. Walzer, op. 488*

Johann Strauß Frisch heran! Polka schnell, op. 386*

Parte #2

Franz von Suppé Ouvertüre zur komischen Operette Isabella*

Josef Strauß Perlen der Liebe. Walzer, op. 39*

Josef Strauß Angelica-Polka. Polka française, op. 123*

Eduard Strauß Auf und davon. Polka schnell, op. 73*

Josef Strauß Heiterer Muth. Polka française, op. 281*

Josef Strauß For ever. Polka schnell, op. 193*

Josef Strauß Zeisserln. Walzer, op. 114*

Joseph Hellmesberger Glocken-Polka und Galopp (aus Excelsior)*

Josef Strauß Allegro fantastique. Orchesterfantasie, Anh. 26b *

Josef Strauß Aquarellen. Walzer, op. 258

#concierto de año nuevo #wiener philharmoniker #franz welzer möst

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redlenai · 3 years

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DECONSTRUYENDO A FÁTIMA PECCI CAROU Y LA NOTA EN LA NACIÓN

Es hora de aclarar unas cosas, es hora de finalmente desmenuzar el asunto que tanta bronca me hizo dar como dibujante, ilustradora digital y como mujer argentina. Para resumirlo en cosas simples: Fatima Pecci Carou, pintora que actualmente se la conoce como una estafadora, plagiaria y sobretodo negadora, fue acusada de plagio en el mes de Junio luego de que “ganara”, entre comillas, la beca Activar Patrimonio y lo digo porque algunos cuantos artículos la acreditaban de ello… cuando se suponía que la ganadora era Eva Grinstein, tal cual se aclaró una vez destapado el plagio, bueno, osea que si era bajo una luz positiva, no había desinformación ¿No? Porque ahora que circula la información andan diciendo eso.

Fátima, se destaca por combinar feminismo, peronismo, una idea un tanto caprichosa y medio desacreditadora de la mujer en las artes y una parte de la cultura japonesa, que es el animé.

A primera vista y sin ningún agregado, sus obras poseen trazos desiguales, ausencia de conocimientos de colorimetría o administrar cantidades de pintura, sus obras poseen anatomía, perspectiva, ángulos, composición y técnica dispares, lo cual hace que dependiendo de cada obra que mires, pareciera que otra persona la haya hecho. Los personajes colocados parecen no entrar en armonía con el ambiente en el que se los pinta. Pese a el tamaño de los lienzos, hay un desaprovechamiento total de detallar o usar pinceles más chicos, como si se viese apurada en terminar algo ya que la misma pintura pareciera haber sido rebatida, sin paciencia ni amor a que se seque propiamente.

A simple vista, individuos que desconocen de su persona han afirmado que estos cuadros podrían tratarse de una menor de edad, de alguien cuya mente no parece estar muy estable o alguien que recientemente se ha abierto al mundo de la pintura y arte en general.

A la hora de intentar defenderse luego de que el pasado 11 de Junio estallaron las redes luego de que se expongan las hyper similitudes para con el trabajo de otros artistas. Fatima, ocultándose detrás de Eva Grinstein y Andrea Giunta, afirmó que esto no era plagio, sino Arte Contemporáneo.

Desgraciadamente, esto no podría estar más alejado de la realidad, el arte contemporáneo no necesariamente significa robarse el trabajo de otros, tomarlos y hacerlo pasar por propio bajo pretextos de personalización o resignificación ¿Por qué? Durante los años en el pasado, cuando las artes en museos estaban en auge por la cantidad de movimientos que abundaban y se hacían presentes de manera innovadora, había algo que ahora es casi imposible, la ignorancia. Pero no esa ignorancia selectiva como la que tenemos hoy en día, antes, el mundo no estaba conectado, no podías hablar con alguien de la otra punta por qué si, los conocimientos estaban limitados en base a lo que teníamos acceso, sea el conocimiento del hogar, las bibliotecas o si había algún conocedor de arte dispuesto a dar charlas o narrar más allá de sus experiencias o lo que le parecía conveniente dar a conocer.

¿A qué voy con esto? En el pasado, no había tantos derechos, no había artistas que sabían controlar cómo y dónde iban a parar sus trabajos, en el pasado, no había tanto conocimiento al alcance del público como para reconocer cuando alguien estaba tomando el trabajo y esfuerzo de otro. Hoy en día eso es diferente, la historia misma del arte nos lo demuestra con cada libro, cada documental, narrando como los genios del pasado no resultaban ser tan genios.

Básicamente, hoy en día es difícil estar desinformado o desconocer la procedencia de una imagen, Google, uno de los buscadores más grandes del internet, afirma que no todas las imágenes vistas son de dominio público, muchas de ellas poseen derechos de autor. Y dichos autores, no son entes o seres inexistentes cuyas ilustraciones aparecieron de la nada un dia en la web, no, alguien las hizo, y que se suban a la red y se distribuyan no quiere decir que no puedan reclamar por sus derechos, no quiere decir que deban ser desacreditados o invisibilizados.

En la nota de La Nación, tenemos un comentario que carece de elegir nutrirse de conocimiento “¿Utilizar imágenes del ilimitado archivo visual y re contextualizarlas en nuevas obras es un plagio? Si así fuera, entrarían en la categoría de plagiarios artistas tan variados como Marcel Duchamp, Andy Warhol, Antonio Berni, Roy Lichtenstein, Jeff Koons, Claudia del Río y Damien Hirst, entre otros conocidos -locales y extranjeros- por los amantes del arte. En la era digital, memes, stickers y GIF que usan imágenes de otros para crear sentidos (cómicos y satíricos, en general) viajan a toda hora por teléfonos celulares y computadoras.”

Que desconocedora es la gente que vive en el pasado y no sabe adaptarse a los nuevos tiempos que ya vienen ejerciendo desde incluso la época del 2000 o anterior.

¿Quien hoy en día no sabe que Roy Lichtenstein era odiado por la comunidad artística, criticado severamente por varios conocedores quienes afirmaban que lo que hacía no era arte? No neguemos que la historia del arte, viene acompañada de revelaciones, como cuando David Barsalou realizó su libro “Deconstruyendo a Lichtenstein”, un trabajo que demoró casi 3 décadas en concretarse, recopilando a los artistas de cómics originales y acreditandolos, reinsertados en la historia del arte en vez de despojarlos de ella. Andy Warhol, oh, tanta controversia y drama en el que se involucró, no olvidemos las veces que fue a juicio, las veces que invirtió dinero comprando derechos de otros artistas para no tener dilemas legales y así poder continuar con sus obras, y así, un montón de artistas a lo largo de la historia. En la era digital, pasa algo distinto a diferencia del caso de Fátima, los memes, stickers y gifs que se usan, no se acreditan como originales o creados por los usuarios que los suben y es más, existen archivos recopilando y que indican la procedencia de los mismos, algo tan simple de buscar al tipear en un teclado, pero eso, nuevamente, va a depender de aquel que tenga ganas de informarse o tenga la curiosidad suficiente en vez de conformarse con lo que sabe, o con lo que otros le dicen.

El apropiacionismo, siempre, estuvo y va a estar conflictuado, pero no solamente por esa ignorancia selectiva o esa inaccesibilidad del pasado, sino, porque hoy en día, esta autolimitandose, toman trabajos de dominio público o conocimiento general, no de otros autores menos conocidos, porque las personas ya no van ni tienen ganas de acallarse contra aquellos más poderosos, sea política o monetariamente, hoy en día, todos podemos alzar la voz y reclamar por nuestros derechos, sobretodo cuando vemos que nuestra autoría está siendo negada, invisibilizada y apropiada en contra nuestra, a nuestras espaldas incluso y en el peor de los casos, generando ingresos.

Como dice la nota de La Nación “¿Quién se hubiera animado a enjuiciar a Lichtenstein por “robarse” la viñeta de un historietista estadounidense?”

El mismo Irv Novick, de quien Lichtenstein tomó la viñeta del cómic “All American men of War #89”, perteneciente a la Editorial DC Comics, siempre habló desde la honestidad de que mientras Roy hacía millones, él apenas podía llegar a fin de mes ni cabe destacar que en realidad, mientras la mayoría de artistas de los cuales Roy plagio habían muerto, a Novick lo conoció mientras ambos realizaban el servicio militar, Novick afirmó que las habilidades de Lichtenstein eran pobres y académicas pero aun asi, le ayudó a conseguir un mejor trabajo… solo para luego enterarse de que Roy comenzó a copiar sus trabajos.

Hasta la fecha, Novick entre otros autores todavía siguen sin ser acreditados.

Pero resumiendo ¿Quien se hubiera animado a enjuiciar a Lichtenstein? DC Comics a nivel monetario no podía en ese entonces, Novick mucho menos y los artistas afectados que ya habían fallecido, tampoco. ¿Acaso estamos hablando y comparando de manera equitativa o solo estamos fanfarroneando? Siempre pasa, que aquellos con poder hacen un que me importa mientras dicen “Y bueno, denunciame si podes”

https://comicsalliance.com/russ-heaths-comic-about-being-ripped-off-by-roy-lichtenstein-will-give-you-a-new-appreciation-for-the-hero-initiative/

Respecto a Carou, no es muy diferente el asunto, estamos comparando las chances de ganar un juicio de una mujer avalada por el gobierno, perteneciente a una agrupación, a una asamblea, con apoyo de la prensa…. contra artistas independientes, nuevamente el ciclo se repite.

Mientras Valeria Gonzales reprocha sobre el caso de Mariana Esquivel, quien copió con pintura la fotografía de Nora Lezano para un concurso cuyas reglas exigen nada de tomar trabajo ajeno o copiar pero sin embargo participó y presentó la obra como suya, ahí, en ese momento que ella copia la fotografía de manera total, la reproduce de manera casi idéntica y la presenta como de su autoría en un concurso, ahí, se llama plagio, eso no es ni apropiacionismo, ni referencia, ni homenaje ni absolutamente nada, es una copia y no debería ser una discusión caprichosa de que “le quitaron su debido premio” cuando ella no respeta las reglas, las pautas del concurso.

Andrea Giunta, nuevamente se excusa en que porque algo se haya ejecutado en el pasado, significa que hoy en día podemos hacerlo nuevamente. Osea que como mucha gente ha robado a lo largo de la historia, yo puedo salir a robar y cuando me agarra la polícia, decir que estoy reinterpretando el robo porque quiero dar un mensaje a la sociedad. Mientras somos conscientes hubo ideologías y política involucrada desde el lado “Agresor”, no ignoremos que es imposible desligar una obra política, ideológica y militante de una mirada orientada a esos tres puntos de parte de un público, desgraciadamente, pareciera que son nuevas en el arte y desconocen que la crítica puede venir desde cualquier aspecto, desde cualquier lado, el arte no es solamente recibir palmadas en la espalda y halagos de nuestros amigos, de solo aquellos que validamos sea por un estatus social o número de títulos o fama.

Fatima antes de las acusaciones se denominaba así misma como Artista militante, feminista y peronista, parece que es lo mismo que cuando decían sobre que ella ganó la beca. Si no es bajo una luz positiva, entonces es desinformación y machismo

Se victimiza sobre que la mujer fue despojada de las artes y solo servían como musas, si supiera que a lo largo de las historias han habido mujeres que han usado seudónimos, se han revelado a lo largo de la historia, o han habido hombres que han interpretado el papel de musas o todo el romance entre aprendiz y maestro. Pareciera que quiere ignorar que han habido mujeres que han dado mensajes y han logrado mucho mas que ella, que han habido minorias, mujeres y hombres tanto reales como las que fueron representadas en cuadros, o ignorar que la homosexualidad ha formado parte de las artes y que los modelos independientemente de su reproduccion como mujer u hombre en el lienzo, eran originalmente el amante del artista.

“Solo lo hago como una referencia visual que se inscribe dentro del consumo de cultura de masas; son imágenes reproducidas hasta el cansancio en la web, los artistas del Fan Art los redibujan, los transforman; la cultura del cosplay y los cosplayers se apropian de personajes existentes, disfrazándose como ellos, jugando con su identidad y género; el merchandising de la industria del cómic reproduce una y otra vez imágenes de personajes”

Fátima, no podrías estar más alejada de la realidad. Que una imagen sea producida en masa, no significa que su dueño es despojado de sus derechos de autoría o sus representantes legales, independientemente de si es un artista de renombre o alguien que lo hace por Hobby.

El fanart y el cosplay no hacen apropiacionismo, no se apropian los personajes, no dicen que son suyos o que salieron del Taller de su cabeza, para nada, ellos son los que realizan un homenaje a una franquicia, libro, comic, animación, película, videojuego, etc ya existente, ellos son un sub-derivado, y se reconocen como tal, no buscan excusas en el arte contemporáneo, la referencia o una supuesta memoria de la niñez. Por algo, si es que no sabes inglés, se llama fan art, arte de un fan, de un seguidor. O Cosplay, la combinación de costume, vestimenta y play, juego. Conceptos tan metidos por dentro de lo que es el mundo del anime y el manga pero pareciera que sos totalmente ajena a ellos, y ni siquiera realizaste una búsqueda rápida en la red como para mínimo saber el significado de dichas palabras.

Y el merchandising en el mundo del cómic, es justamente, mercadería oficial de una franquicia existente y casi conocida a nivel general y las tiendas que venden ese contenido, pagan una regalía por vender productos de dicha marca, ¿Alguna vez tuviste un contrato de exclusividad con una empresa o una editorial? La mayoría de estos contratos comparten derechos y si, se realiza material de compra pero eso no significa que se denigra al creador original o al representante legal de la empresa a la cual pertenece. Un poco de sentido común

“Al descontextualizar los personajes de animé, les doy un nuevo sentido, al pasar de un lenguaje digital a un lenguaje pictórico los estoy inscribiendo en una nueva nueva lectura y narrativa -detalla sobre su método creativo-. Soy consciente de que el animé interpela a las nuevas generaciones y ese es también el público al que quiero llegar, con la intención de se acerquen a conocer, por ejemplo, hitos de la historia argentina desde otro lugar, como una saga de ficción, y también para acercarlos al arte desde otro lugar y se pregunten qué es el arte, ¿es solo el arte clásico hiperrealista que veo en los museos o puede ser también otra cosa?”.

El arte puede ser otra cosa, Fátima, pero no a costa del trabajo de otras personas las cuales no pediste ni permiso ni acreditaste en lo absoluto. Además de que algo pase de un lenguaje digital al pictórico, no desacredita la autoría o labor artística, después de todo ambos siguen siendo medios visuales. Pero si realmente querés inculcar y enseñar de historia del arte e historia argentina, tenés que hacerlo genuinamente a menos que quieras que los jóvenes coloquen en sus exámenes que Eva Perón era una ninja, contratada por el imperio Peronista para volverse una gigante que degollaba animales antropomórficos solo por no pensar de la misma manera que ella. El arte no tiene que ser estético, bellamente habilidoso y técnico, pero puede tener originalidad propia, puede basarse en algo sin necesidad de sobre depender de la composición de otra obra preexistente de la cual el mismo autor manifiesta que no está feliz y preferís ignorar su pedido como creador, porque es más fácil meterlo en la misma bolsa y culpar a un montón de “antis”, otakus neofacistas, pendejitos fanaticos del anime si no les gusta lo que haces.

https://www.instagram.com/p/CQfXOKpssWK/

““Las acusaciones de supuesto plagio son una excusa para correr el eje de lo que verdaderamente molesta: mi posición política y mi militancia feminista”

Disculpame, pero vos misma te catalogas como peronista y feminista, es obvio, van a ir por ese lado dado que es lo que vos expones, de lo que te validas como artista, como vos misma te presentas. Los temas que tocas no son libres de la opinión de las masas, eso lo sabe cualquier dibujante que sube su trabajo de manera pública a las redes, bienvenida a la experiencia pero no te excuses en eso.

“Las imágenes que tomo del manga las re dibujo, las pinto a mano, las transformo, les modifico o agrego detalles, les cambio el contexto, es decir, les cambio el sentido. Es casi como un ready made desde la pintura, hago un fair use, un uso justificado de las imágenes, esto ya existe en el arte: se llama apropiacionismo, que nada tiene que ver con la idea de plagio”

Apropiacionismo es cuando usas el trabajo de otro artista y añadís, extraes, o sustitius algo para que tenga un nuevo significado. Cuando uno apropia una imagen, uno debe cambiar de manera significativa el arte con sus alteraciones. No aclamas que la imagen original es tuya, haces tu obra bajo la clara asumpción de que el espectador sabe que estas copiando de una fuente preexistente. Por ejemplo y ya se ha citado, que el público sabe que Andy Warhol no inventó la lata de sopa de Tomate Campbell. El no aclamaba que diseñó la lata con la esperanza de que nadie lo descubriera mintiendo.

https://www.coroflot.com/straballo/appropriation-vs-plagiarism

Fatima, si querías propiamente hacer apropiacionismo, hubieses tomado imágenes que son del conocimiento del público general, limitarte a Sailor Moon o Dragon Ball hubiesen sido ideales para un debido apropiacionismo, quedarían dentro del Fair Use por el hecho de que serían personajes identificables por cualquier ciudadano argentino sin necesidad de pertenecer a una subcultura o ser demasiado joven o mayor. Pero, cuando haces apropiacionismo de otra cultura, puede ser denigrante si se hace descuidadamente y caer en lo que se conoce como apropiación cultural, en estos casos, cuando se toma el trabajo de un artista de otra cultura, la identidad de dicho artista es crítica y fundamental.

y cabe destacar que el fanart es lo que cae como fair use, no el tomar el trabajo de una franquicia, negar sus derechos, tomar el trabajo del artista sub derivado, negar sus derechos también y tercerizar a ambos mientras generas ingresos, con un trabajo de tercera mano. Cabe constatar que existe algo llamado Derechos Morales de un autor, osea, al reconocimiento de la paternidad de la obra (autoría) y el derecho de un autor a preservar la integridad de la misma, es decir, a negarse a la realización de modificaciones u obras derivadas de la misma. Esto explicado incluso de manera sencilla por Wikipedia. A parte del Copyright y Trademark. Tus derechos terminan donde comienzan los de otro, y si los autores te dicen que no tomes su trabajo, no lo tomés y no es un uso justificado, porque encima, que algo sea digital no significa que no esté hecho a mano, a menos que creas que nosotros dibujamos con la mente, no modificas, no transformás por el simple hecho que es evidente la procedencia original, hay muchas similitudes, no es algo del conocimiento general del público y se hizo a costa de los derechos de otros artistas que están vivos

“Cuando un DJ te hace bailar con un mashup en el que retoma, deforma y recontextualiza música de otros, ¿te indignás y salís a decir que es plagio? Fatima, acá hay una diferencia crucial y es que los temas de dichos mashups que hacen los DJ son justamente canciones conocidas por la gente, los hits del momento, los DJ, de la palabra disc jockey, es la Persona que tiene por oficio seleccionar y poner los discos en una discoteca, en una emisora de radio, etc. No es desconocido que un DJ reproduce el trabajo de otros, justamente, los temas pedidos por el público son temas que son de otras personas, se sabe que son de otros, y el DJ no se apropia de la música, la letra, los instrumentos usados, la discográfica. No confundas a un DJ con un productor.

“Siguen creyendo que el artista es un ser iluminado que genera obras auráticas y autónomas salidas de la nada. Atrasa mucho esta discusión”

Fátima, se supone que como artista tenés que hacer algo propio en los aspectos de nueva composicion, nuevos arreglos, algo que pueda llamarse propio y no que con una simple búsqueda inversa en google de con su contraparte de la cual te basaste y nunca acreditaste, ahi, me estarías indicando que fracasaste en hacer apropiacionismo, y no olvidemos, nunca dijiste que era tal cosa hasta una vez fuiste acusada, vendías como obras propias, presentabas en exposiciones, charlas y galerías como una creadora original, pero al final sos hiper dependiente de tus referencias en vez de trabajarlas, procesarlas y recomposicionarlas en algo que no parece un calco.

La nota de La Nación sigue:

“”Ante las denuncias -algunas disparatadas, como que la artista cobra “abultadas” cifras en dólares por la venta de sus pinturas- las autoridades del Museo Evita aclararon que la institución no había adquirido obras de Pecci Carou.””

Disculpame Fátima, pero así el Museo Evita no venda en dólares, ha hecho mercadería con tu obra “bootleg” del juego SINoAlice, tu Evita Ninja, la cual figura en la tienda del museo, por ende si fue adquirida solo que de una manera diferente. Pero bien que en Artsy, la misma estaba a la venta por $4500 dólares, cómo así entre $1500 hasta $4000 dólares estaban otras obras en tu cuenta, la cual vaciaste apenas salieron las acusaciones, sin darle chances al Sector de Seguridad de Artsy de accionar y que ellos mismos aclaman no apoyan tu “apropiacionismo” porque para ellos, una plataforma profesional para artistas, consideran que lo que hiciste es plagio.

“Nunca subestimen el poder de las imágenes, los artistas somos parte de la sociedad y nuestro aporte desde lo simbólico es muy importante -responde Pecci Carou-. Hagas o no arte ‘político’ o comprometido, estás produciendo nuevos sentidos de época, eso es un gran privilegio. También es importante que se abra la posibilidad de hacer partícipe al público de los debates culturales si queremos que nuestra actividad sea valorada. Y sería deseable que los que escriben sobre arte en medios de comunicación no desinformen y ayuden a enriquecer y subir la vara de la discusión cultural”

Fatima, nunca subestimes VOS a los verdaderos artistas y la importante accesibilidad al conocimiento que es el internet, tu ignorancia a nivel artístico pese a tener un título que parece más ser un decorado en las paredes de tu casa solo demuestran que creías que no ibas a ser descubierta, porque es ahora que solo con buscar en google o buscar en pinterest “chica anime ninja” se pudo dar con la contraparte original de 36 personajes de anime que afirmas que “apropiaste”. No subestimes la habilidad de artistas, dibujantes, fanaticos de anime que forman parte de la subcultura, de la comunidad, de manera internacional y que todos ellos sobretodo, rechazan tus palabras y acciones de manera ajena a la política que tanto afirmas que te ataca, no busques tapar bajo victimismos y distracciones políticas tus intenciones de menospreciar, invisibilizar y denigrar el arte de otras personas solo porque no las conoces, solo porque es más fácil tomar un trabajo preexistente en vez de bocetar, borrar y rehacer, por aprovechar tu privilegio y conexiones de un movimiento. Manchaste al feminismo al pisotear a otras mujeres y despojarlas de sus trabajos, manchaste a Argentina de manera internacional, no pidas ser valorada si desvaloras la labor de tus colegas, de tus hermanas, de cualquier ser humano que se esfuerza en hacer algo propio, en aprender.

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pensamientoelectronico2020b · 4 years

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Biophilia - Björk

Por Arminda Mariana Estrada Cruz

Biophilia es un proyecto artístico de la compositora islandesa Björk, una protagonista y símbolo en la música alternativa. Su proyecto resulta ser muy ambicioso, pues involucra la música, la ciencia y la tecnología.

Biophilia es el séptimo álbum de estudio de Björk, fue lanzado el 5 de octubre de 2011 en compañía de una aplicación que sigue el hilo del álbum. La base de este proyecto musical es la relación del ser humano con la naturaleza, nos habla de sucesos biológicos y la creación del universo; como el movimiento planetario, efecto de gravedad, electromagnetismo, interacciones biológicas y fenómenos naturales.

INSTRUMENTOS

El proceso de creación de este proyecto consistió en un arduo trabajo de 3 años dedicado a la investigación, innovación y exploración. Para rendir homenaje al mundo natural, en sus presentaciones en vivo, Björk, en compañía de sus colaboradores, montó una serie de parafernalia innovadora, no solo para crear una experiencia visual sino también sonora.

La bobina de Tesla creada en el siglo XIX por Nikola Tesla, es un artefacto para generar ondas magnéticas. Björk no se limitó a su uso original y lo ocupo también como un instrumento musical.

También se creó un instrumento llamado Gameleste que funciona con secuencias MIDI específicamente para Biophilia al igual que el Arpa de péndulo de gravedad.

Otro artefacto musical usado fue el Sharpsichord creado por Henry Dagg y el Reactable creado por Music Technology Group.

Bobinas de tesla: https://www.youtube.com/watch?v=C9Scr7wcqKk (minuto 1:08)

Gameleste: https://www.youtube.com/watch?v=q-7vRl7EEfo

Arpa de péndulo de gravedad: https://www.youtube.com/watch?v=kat4rLKkM54

Sharpsichord: https://www.youtube.com/watch?v=_ev7vxYRn8U&t=79s

Reactable: https://www.youtube.com/watch?v=hNeCHI4NAzw

MÚSICA Y APP INTERACTIVA BIOPHILIA

Este proyecto fue algo más allá de una composición simple de melodías pegajosas, cada canción esta tan bien pensada de acuerdo al tema inspirado en los propios sucesos naturales; para llegar a ello, Björk comienza en su etapa de investigación, consultando a gente especializada y museos, de manera que se dedica a entender diversos temas y conceptos para plasmarlos al arte sonoro y visual. A partir de ello, comienza también a planificar los instrumentos que utiliza para cada canción, la rítmica, los sonidos, compases y su propia voz.

Se sabe que Björk inicio estudiando música desde muy temprana edad, sin embargo, no se sentía completamente motivada por los métodos tradicionales de enseñanza, por lo cual con Biophilia vio una oportunidad para utilizar la tecnología como un método de ejecución musical. A raíz de lo anterior, Björk en colaboración de artistas y programadores destacados en el área, convierte cada canción de su álbum en una aplicación interactiva para explicar los principios musicales. Pronto esta serie de aplicaciones serian herramientas de aprendizaje musical para escuelas en Islandia y Argentina. (https://www.youtube.com/watch?v=dikvJM__zA4)

OPINION

Para mi Biophilia es un trabajo en el que se unen los procesos de investigación científica y la investigación artística, desarrollado en colaboración con grandes artistas, programadores y músicos, resultando todo un proyecto complejo y bien empleado al tratarse de la combinación del arte con la ciencia y tecnología.

Escuchar cada canción es una experiencia que cumple con el objetivo de Björk para empoderar a la naturaleza y hacernos experimentar de manera sonora las maravillas estéticas que nos brinda. De alguna manera también me hace fácil visualizar de lo que habla en cada canción con los patrones y efectos sonoros que usa, incluso es sorprendente porque este álbum, al tratarse de minimalismo musical, logra crear atmosferas de tal forma que nos incluye en este universo que Björk ha armado con Biophilia.

Me es complicado elegir una canción como favorita porque cada una tiene una esencia distinta, pero que me lleva al mismo sentimiento de fascinación y la sensación de estar en una obra de teatro protagonizada por el mundo natural.

Björk para mi es una artista muy completa, innovadora y muy libre a la hora de componer y desarrollar un proyecto; su voz prodigiosa que sabe utilizar para trasmitirnos un mensaje y que no es suficiente la magia en los discos de estudio, sino también llevarla a sus presentaciones en vivo brindándonos espectáculos que superan expectativas.

GLOSARIO PROYECTO: BIOPHILIA

Arpa de péndulo de gravedad: Instrumento que consiste en 4 péndulos de 11 cuerdas cada uno, se controlan con un software que hace sonar notas musicales según la posición de cada poste.

Biofilia: Etimológicamente, la palabra Biofilia viene de “bio”, que significa vida u organismo vivo, por otro lado “filia” significa afición o amor a algo; por lo tanto, biofilia es amor al medio ambiente, la unión del ser humano con la naturaleza.

Bobina de Tesla: Artefacto que se utiliza para generar ondas magnéticas, ya que al pasar corriente por ella se establecerá un poderoso campo magnético a su alrededor. Se usó para la canción “Thunderbolt” parte del álbum Biophilia de Björk.

Compás: Entidad métrica musical compuesta por varias unidades d tiempo. Sirve para escribir el ritmo de la música.

Efecto de gravedad: Fenómeno natural por el cual los objetos con masa son atraídos entre sí, efecto mayormente observable en la interacción entre los planetas, galaxias y demás objetos del universo.

Gameleste: Instrumento híbrido creado por Bjorvin Tomasson especialmente para el proyecto Biophilia. Consiste en la mezcla de un órgano antiguo y secuencias electrónicas MIDI.

MIDI: Interfaz Digital para Instrumentos Musicales

Parafernalia: Conjunto de instrumentos o aparatos que se necesitan para un fin determinado.

Reactive: Mesa redonda en la que se van poniendo diferentes fichas, cada una con una función: generador de sonido, filtro o modulador. Estas se van relacionando entre ellas, con la visión de un proyector situado debajo de la mesa.

Rítmica: es un método que trabaja con música y movimiento relacionado con el ritmo que es secuencia de sonidos y silencios ejecutados unos tras otros.

Sharpsichord: Instrumento creado por Henry Dagg que consta de una mezcla de arpa y caja orquestal. Funciona de manera muy similar a las cajas musicales.

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elizajurado · 4 years

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🆃🅴🅻🅴🆅🅸🆂🅸Ó🅽

𝕋𝕣𝕒𝕟𝕤𝕞𝕚𝕤𝕚𝕠́𝕟 𝕕𝕖 𝕤𝕠𝕟𝕚𝕕𝕠 𝕖 𝕚𝕞𝕒́𝕘𝕖𝕟𝕖𝕤 𝕒 𝕕𝕚𝕤𝕥𝕒𝕟𝕔𝕚𝕒

La televisión es uno de los inventos más destacados del siglo XX.

Se ha convertido en una de las formas más comunes en que las personas ven el mundo más amplio, más allá de ellos donde además uno puede escapar por tiempos de su realidad.

La TV ha representado la llegada de uno de los medios de comunicación masiva más importantes y trascendentes para la humanidad. Estos equipos desde su inicio recibieron una gran aceptación por la innovadora combinación de transmisión de imagen visual y sonido.

Fue un primer intento por capturar imágenes en movimiento, aunque no logró llevarse eficazmente a la práctica. Pero sirvió para el desarrollo de los primeros sistemas de televisión a principios del siglo XX.

En la historia de la televisión, la palabra Televisión proviene de la composición de la palabra griega Tele (Distancia) y del latín Visio (Visión). Por lo que el término Televisión hace referencia a los aspectos de transmisión y programación de estos equipos. Este término se le dio uso por primera vez en 1900 en el Congreso Internacional de Electricidad de París, por Constantin Perski. No obstante, en el español y sus variantes se le puede conocer con otros términos diferentes como: TV, Televisor, Transmisor o Tele.

En la década de 1880, un inventor alemán creó imágenes en movimiento simplistas utilizando una luz filtrada vista a través de un disco giratorio, sentando las bases de la televisión moderna. Durante la década de 1920, varios científicos comenzaron a experimentar con el envío de imágenes fijas mediante ondas de radio. Sin embargo, fue en 1928 cuando General Electric combinó por primera vez la idea de un dispositivo que pudiera mostrar imágenes en movimiento con la tecnología para transmitirlas de forma inalámbrica.

El primer aparato de recepción televisiva comercializable se creó en 1926 y fue obra del escocés Baird. Consistía en un dispositivo mecánico. Este formato se comercializó entre 1928 y 1934 en los Estados Unidos, Reino Unido y la URSS.

La primerísima transmisión televisiva la hizo el propio Baird en su laboratorio, pero fue apenas con fines promocionales o demostrativos. En 1927 la BBC produjo las primeras emisiones de programación, que no se emitía en un horario regular. En 1930 se hizo la primera transmisión simultánea de audio e imagen en blanco y negro.

Durante los años 30 y 40 la tecnología fue mejorando gradualmente. En Estados Unidos, las primeras transmisiones regulares comenzaron en 1939, aunque no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial que la televisión como electrodoméstico estándar comenzó a despegar realmente. Después de 1945, las ventas de televisores en Estados Unidos se dispararon. La primera emisión en color se realizó en 1954.

Aunque la transmisión a colores se había estado experimentando desde el principio, usando filtros de colores para teñir las imágenes, no se logró tener televisión a colores hasta mucho después. El primer paso se dio en 1940: el mexicano Guillermo González Camarena un sistema tricromático secuencial.

Ocho años más tarde, el estadounidense Peter Goldmark utilizó ese sistema para desarrollar un otro similar. Así es como en 1948 nació el Sistema Secuencial de Campos, que tuvo éxito y fue empleado por la Columbia Broadcasting System.

𝔼𝕝 𝕘𝕣𝕒𝕟 𝕤𝕒𝕝𝕥𝕠, 𝕝𝕠𝕤 𝕒𝕟̃𝕠𝕤 𝟝𝟘

De acuerdo con muchos analistas esta década fue la que le dio un avance considerable a la televisión y con ello un mayor desarrollo. Gracias a la regularización y expansión de este servicio, la población comenzó a popularizar este medio de información. A esto se le puede agregar que, debido al incremento de espectadores, otros medios de comunicación de masas como la prensa, el cine y la radio se sumaron a consumar este proyecto, pues les traía grandes beneficios a todos

Tomó mucho tiempo adaptar este sistema para que funcionara en los millones de televisores monocromos ya vendidos, cosa que dio sus primeros pasos en 1950. La adaptación de los televisores al color se completó en la década de 1970, aunque continuaron existiendo televisores monocromo mucho tiempo más.

El resultado fue una ganancia importante en inmediatez noticiosa y una mayor carga de poder y responsabilidad en los medios de comunicación. A partir de entonces tuvieron un alcance muy íntimo en los hogares, y el televisor se convirtió en uno de los principales electrodomésticos.

El desarrollo de la tecnología espacial y los satélites permitió dar un vuelco global a la televisión. El uso de satélites para la recepción y el envío de las emisiones televisivas vía microondas facilitó su distribución, haciéndola más ágil, veloz y efectiva a lo largo de amplias áreas geográficas.Esto también permitió el acceso a programación extranjera a través de suscripciones pagas. Las mismas requerían la instalación de antenas parabólicas en el techo de los edificios: artefactos voluminosos y peligrosos que fueron rápidamente sustituidos por variantes más pequeñas y locales, instaladas en las ventanas de los departamentos.

A partir de la década de 1980 la televisión empieza a dar sus primeros pasos hacia la digitalización, empujada por la revolución digital que la aparición de los computadores supuso. Esta tecnología permitía una mayor capacidad de transmisión de datos, mejor resolución y el aprovechamiento de toda la potencia de procesamiento del mundo computarizado.

La digitalización se aplicó tanto a la producción del vídeo como en la transmisión del mismo, tanto por satélite, cable y radiofrecuencia terrestre. Actualmente, puede verse televisión en computadoras equipadas para ello y a través de plataformas de Internet como YouTube, tanto en vivo como en diferido.

El televisor es el resultado de tres grandes descubrimientos que hacen referencia a la fotoelectricidad, los procedimientos de análisis de fotografías transformadas en líneas o puntos claros u oscuros y la transmisión de señales eléctricas por medio de ondas hertzianas.

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patriciagarciagomez · 4 years

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Tesoros de verano

Primera joya: “Tokri”

Con este corto de animación realizado con la técnica del stop-motion, abrimos algo así como un cofre del tesoro para ir descubriendo en pleno verano, ojalá cada joya pueda ser tan sabrosa como un rico helado.

A lo largo de 8 años, Suresh Eriyat y su compañía de producción Studio Eeksaurus estuvo creando “Tokri”. Esta historia llena de ternura trata de una familia, de las equivocaciones y el perdón. está llena de ternura. En ella que los errores y el perdón. “Tokri” trata de una niña que decide vender cestas por las calles de Bombay para conseguir el dinero con el que reparar un reloj muy valioso para su padre.

vimeo

Aquí un enlace a cómo se hizo.

Segunda joya: Viaje a la tumba del faraón Ramsés VI

Puedes hacer un tour virtual por la tumba del faraón Ramsés VI, llamada KV9, una estructura subterránea consistente en un pasillo largo que va descendiendo al sarcófago. Es impresionante estar rodeada de las paredes y los techos con las inscripciones de textos e imágenes del Antiguo Egipto. Ramsés VI, reinó 8 años como quinto faraón de la XX Dinastía de Egipto, en el siglo XII a.C. El sarcófago, restaurado a partir de más de 250 fragmentos recuperados en la tumba, se encuentra en el Museo Británico.

Tercer encuentro: Hilma af Klint, pionera del arte del siglo XX

Nunca había escuchado el nombre de esta artista abstracta, Hilma af Klint (1862–1944). Su obra innovadora precede la de otros artistas que sí han sido reconocidos por la historia del arte como son Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Paul Klee, y Josef Albers. En un esfuerzo por reescribir esa historia que gira en torno al hombre invisibilizando las aportaciones que las mujeres al desarrollo humano, el Guggenheim hizo una retrospectiva de la artista en 2018. A esta exposición la siguió la aparición del documental “Beyond the visible” (”Más allá de lo visible”), realizado por Halina Dyrschka sobre Hilma af Klint y su obra, con la voluntad de reconocerle su lugar como pionera del arte del siglo XX.

Aquí está el trailer del documental.

youtube

Aquí tienes algunas de sus obras comparadas con las de otros artistas. Si te fijas en la fecha y los rasgos esenciales, podrás apreciar que en la experimentación de nuevos lenguajes del arte, Hilma abrió caminos.

Cuarta joya: viaje hacia el cometa NEOWISE

Durante el mes de julio de 2020 quizás habéis podido ver el cometa NEOWISE mientras este orbita alrededor del sol. El fotógrafo Lester Tsai viajó recientemente desde Portland, donde vive, a Mount Hood para capturar el fenómeno mientras el brillante cometa aparece sobre la montaña más alta de Oregon. La serie fotográfica que ha generado es muy interesante.

Te puedes dirigir al Instagram del autor para seguir sus exploraciones de fenómenos de la naturaleza.

Quinta pieza: ¿cómo sería visualizar el trino de las aves?

Basándose en un audio con las grabaciones tomadas de un viaje al Amazonas, el artista australiano Andy Thomas traduce los diferentes matices del canto de las aves en una serie de esculturas digitales.

Muchos proyectos artísticos de Thomas exploran la intersección entre tecnología y naturaleza. En sus palabras:

Me fascina la idea de generar arte digital que reflejen la belleza y la complejidad de la naturaleza. Espero que esta pieza anime a la gente a investigar sobre la increíble variedad de aves que tienen el Amazonas como hogar, que nos recuerde la fragilidad e importancia que este lugar tiene para todos nosotros.

Puedes encontrar más exploraciones visuales de Thomas en

Instagram y Vimeo.

vimeo

Sexto hallazgo: ¿cuál es la magia del movimiento?

Con solo unos elementos en movimiento, ¿no te parece que se genera un encanto especial en las ilustraciones que hace Maori Sakai? Sería bonito explorar en algún momento maneras de crear ilustraciones animadas...

#stop-motion visita virtual historia del arte fotografía

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malenalvarez4 · 4 years

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Escapando del Mundo

El ciudadano ilustre (Coproducción Argentina-España; Aleph Media / Televisión Abierta / A Contracorriente Films / Magma Cine, Argentina, 2016). Dirección: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Guion: Andrés Duprat. Música: Toni M. Mir. Fotografía: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Reparto: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Laura Paredes, Gustavo Garzon, Emma Rivera.

La búsqueda de alguna obra que nos satisfaga de algún modo en la plataforma digital más conocida del mundo es toda una travesía. Títulos y portadas que ya se han visto en otras películas inundan la vista. Con desgano nos dejamos caer en manos de comerciantes con poca vista artística o ideas innovadoras. Pero este no es el caso del “El Ciudadano Ilustre”. Les recomiendo sumergirse en las profundidades de un pueblo del antepasado que corre en la actualidad, que se enfrenta cara a cara con el primer mundo y rechaza su mirada. La muerte interiormente caótica del sentido de la vida y una oportunidad ficticia de salvación.

Los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat nos proveen una obra exquisita que nos cuestiona y polemiza desde el humor irónico argentino. Es una historia con múltiples perspectivas, pero con ideas claras. Sin lugar a dudas, es una película que sobresale y nos planta un regocijo ilustre.

Oscar Martínez encarna en el personaje principal que desenvuelve la ficción con una personalidad soberbia, juiciosa, intelectual e impredecible. Él sin escrúpulos actúa ante los mandatos sociales. Y así es como llegamos a él, viviendo el peor momento de su vida, viviendo “el ocaso de un artista”. La descalificación que plantea el autor en su discurso de reconocimiento acompañado de la imagen de un público que aclama a cualquiera que recibe el premio le da ese toque de humor que nos acompaña durante toda la película y nos genera una inquietud insoslayable.

Luego de estar desamparado en una vida celebre de soledad, nace la idea de volver a sus raíces de las cuales intento escapar, la localidad de Salas. Todo le vuelve a sonreír. El escritor experimenta situaciones llenas de humildad y mediocridad, como un video de pésima producción sobre su vida o un paseo sobre el camión de bomberos. Hechos cargados de cotidianidad que se nos hace familiar. Personas que no saben de sus obras lo aclaman y veneran, le otorgan importantes participaciones en sus actividades culturales, entre otras.

La fotografía de la película hace posible el sentir que lo vemos por medio de una filmación casera y nos identifica con mayor proximidad. Hemos vivido en esa sociedad que vemos y lo aceptamos, pero en un momento el parecido nos molesta. Entre risas y sorpresas la historia nos atrapa. Deseamos escapar de aquellos que se ven tan semejante, de la corrupción y la violencia que se refugia bajo la palabra de la cultura. Es aquí donde extraigo una frase que dice el protagonista ante el pueblo:

“Creo que la palabra cultura sale siempre de la boca de la gente más ignorante, más estúpida y más peligrosa”.

Cuando la escuche me enamore de ella porque en tan pocas palabras se cayó el respaldo que los gobiernos e instituciones mantenían y mantienen. Es válido aclarar que el guion es excelente, a lo largo de la película nos ofrece frases, discursos reflexivos, cargados de significados y concisos. Los actores interpretan los papeles de modo que sentimientos empiezan a brotar contra ellos. Pena por algunos, odio hacia otros y hasta desagrado. Cada personaje de aquel lugar que nos expone, representa una cara de nosotros. Y ese protagonista que nos cautiva, representa a quienes se fueron del país y sobresalieron.

En conclusión, la obra es un conjunto de elementos bien logrados. Desborda de significación y críticas de las cuales hemos ignorado o dejado al lado. Analizar cada aspecto sería excesivamente extenzo. Es por ello que propongo obsérvala y disfrutarla.

Malena Alvarez Cortez

#reseña #critica #cine #argentina #elciudadanoilustre #malena #periodismo

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mujeresartistaseag-blog · 5 years

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MUJERES ARTISTAS DEL ART NOUVEAU, MODERNISMO Y ART NAIF

ART NOUVEAU

La historiografía ha condenado a las mujeres artistas del Art Noveau a un doble olvido: por el hecho de ser artistas del Art Nouveau, un estilo que durante décadas no ha sido valorado, y por el hecho, una vez más, de ser mujeres. Y si bien es cierto que en la sociedad del período Art Nouveau existía una gran discriminación de género que no ofrecía un entorno de igualdad que permitiese a las mujeres triunfar en el ámbito tradicionalmente “masculino” de las bellas artes, también es cierto que nuestra sociedad no comparte esa visión y que el estudio y la comunicación de la historia del arte del Siglo XXI tiene el deber de compensar esa discriminación.

Gerda Wegener, registrada al nacer con el nombre Gerda Marie Fredrikke Gottlieb (Hammelev, 15 de marzo de 1885 (quizá 1889) - Frederiksberg, 28 de julio de 1940), fue una pintora, ilustradora e ilustradora erótica danesa.

Tras vivir en provincias, se fue a Copenhague para inscribirse en la Academia de Bellas Artes. Allí mismo se casó en 1904 con el artista Einar Wegener.

En París, conoció un gran éxito como pintora e ilustradora de publicaciones como Vogue, La Vie Parisienne o Fantasio. Especialmente polémicas y admiradas fueron las doce acuarelas de contenido erótico y lésbico que pintó en 1925 para el libro Doce sonetos Lascivos de Louis Pearceau.1 De vuelta a su país, comenzó a cosechar gran reconocimiento gracias a su éxito parisino, y expuso en la Galería Ole Haslunds de Copenhague en varias ocasiones. Su carrera estaba bien edificada en un talento sobresaliente y alimentada por las peculiaridades de su matrimonio.

Gerda, que para muchos era una artista con más talento que su pareja, dejó aparcada su carrera para ayudarla, convirtiéndola en su modelo femenina favorita. Acompañó y apoyó a Lili en su transición, cuya operación fue la primera de un personaje público en 1930. El rey de Dinamarca declaró su matrimonio nulo en octubre de 1930.

En 1931, Gerda se casó con el oficial italiano Fernando Porta (1896-), con quien se mudó a Marruecos, donde intentó seguir con su carrera en vano. Finalmente se divorciaron en 1936, y la artista regresó a Dinamarca en 1938. Expuso por última vez en 1939, ya sin mucho éxito, y murió en julio de 1940.

En 2015 se estrenó un film sobre el caso, La chica danesa, dirigido por Tom Hooper y protagonizado por Eddie Redmayne en el que Alicia Vikander interpreta a Gerda. Por su interpretación impecable de la artista, Vikander ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto.

Libros ilustrados por Wegener[editar]

Le Livre des Vikings de Charles Guyot (1920 ou 1924)

Douze sonnettes lascifs de Louis Pearceau (1925)

Une Aventure d'Amour à Venise de Giacomo Casanova. Le Livre du Bibliophile. Georges Briffaut. Collection Le Livre du Bibliophile. Paris. 1927.

Les Contes de La Fontaine (1928-1929).

Contes de mon Père le Jars & Sur Talons rouges de Eric Allatini (1929)

Fortunio de Théophile Gautier (1934)

Margaret Macdonald, de casada Margaret Macdonald Mackintosh (Tipton, Staffordshire, 5 de noviembre de 1864-Chelsea, 7 de enero de 1933) fue una pintora, ilustradora y decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow, un grupo artístico cercano al modernismo y simbolismo. Los otros miembros destacados del grupo fueron su marido, Charles Rennie Mackintosh, su hermana Frances Macdonald y el marido de esta, Herbert MacNair, también conocidos como The Four (Los Cuatro). Esta escuela destacó especialmente en arquitectura y artes decorativas, y situó la ciudad escocesa de Glasgow como uno de los epicentros del modernismo internacional —también conocido como Art Nouveau en Francia o Modern Style en Reino Unido

Hija de un ingeniero que dirigía una mina de carbón, estudió con su hermana Frances en la Orme Girls' School de Newcastle-under-Lyme. En 1890 su familia se estableció en Glasgow y las hermanas entraron a estudiar artes decorativas en la Escuela de arte de Glasgow.1 En 1896 crearon la empresa de decoración Macdonald Sisters Studio en 128 Hope Street, Glasgow. En 1900 casó con el arquitecto Charles Rennie Mackintosh, con el pasó a colaborar en estrecha relación, además de con su hermana y el marido de esta, Herbert MacNair, que formaron el núcleo de la llamada Escuela de Glasgow.

El grupo se dio a conocer en la Exposición de Artes y Oficios de Londres de 1896. Su objetivo principal era la obra de arte total, para lo que diseñaban con esmero hasta el último detalle de sus obras, desde el diseño arquitectónico hasta la decoración y todos los elementos presentes en sus construcciones (mobilario, papales pintados, vidrios, metalistería, objetos decorativos, etc.). Cada objeto forma parte de un conjunto planificado, fuera del cual pierde sentido.2

Margaret se dedicó especialmente a la decoración de interiores, como en sus famosas decoraciones para varios salones de té de Glasgow, como la Willow Tea Room (1903). Su estilo decorativo era lírico y estilizado, con tendencia a la fantasía y preferencia por las formas redondas, en el que destacan los elementos vegetales —principalmente brotes y pimpollos de rosa— y unas etéreas figuras femeninas de influencia prerrafaelita.3 Por otro lado, en algunos de sus diseños se halla un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop.4 Otras influencias fueron los modernistas ingleses Aubrey Beardsley y Charles Francis Annesley Voysey, cuya obra conocieron a través de la revista The Studio, así como el arte celta tradicional.5

Utilizó preferentemente la acuarela, con un acabado parecido al esmalte, y trabajó a menudo con incrustaciones en madera, gessos, cloisonnés y repujados en oro y plata. También diseñó mosaicos, vidrieras y bordados.

Pese a su maestría e innovación artística, apenas se habla de las mujeres visionarias del mundo del arte moderno en las corrientes históricas principales.

«Cuando observas la forma en que se ha escrito la mayor parte de la historia del arte [de la época modernista], si se menciona a estas mujeres, se mencionan de pasada», afirma Deborah Gaston, directora de educación y compromiso digital en el Museo Nacional de Mujeres Artistas. «Muchas también se relacionaron con otros artistas que forman parte de ese círculo. Continúa la narrativa de ellas como seguidoras en lugar de innovadoras creativas por derecho propio».

Estas son seis mujeres ignoradas que han tenido un impacto importante en la escena del arte moderno.

Sonia Delaunay: la madre del orfismo

Nacida en Ucrania el 14 de noviembre de 1885, Sara Élievna Stern creció usando el nombre de «Sonia». Delaunay estudió arte en Alemania y Francia, donde más tarde se casó con el marchante Wilhelm Uhde en París. Esta unión evitó que su familia la obligara a volver a casa y también sirvió de tapadera de la homosexualidad de Uhde.

Además de su educación artística tradicional, Delaunay fue una gran fuerza en el mundo de las artes decorativas, con un talento especial para las telas y el diseño de interiores. Tras su divorcio amistoso de Uhde y su matrimonio con el pintor francés Robert Delaunay en noviembre de 1910, los Delaunay impulsaron el orfismo, una variante abstracta y vibrante del cubismo y del arte futurista.

«Siempre cambiaba todo lo que me rodeaba», decía Delaunay. «Hice que mis primeras paredes fueran blancas para que nuestros cuadros tuvieran un mejor aspecto. Diseñé mis muebles; lo he hecho todo. He vivido mi arte».

En 1964, Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer artista viva que tuvo una exposición en retrospectiva en el Louvre en París.

Marie Laurencin nació en París el 31 de octubre de 1883. La crió su madre y estudió arte con Georges Braque, que contribuiría al desarrollo del movimiento cubista.

Laurencin creó cuadros, acuarelas, dibujos y grabados. Es una de las pocas pintoras cubistas, junto con Delaunay, y desarrolló un enfoque único de la abstracción. Los tonos pastel y las figuras esbeltas en sus obras les dan una estética femenina. Pintó retratos de celebridades parisinas, incluyó animales en sus cuadros y produjo escenarios de teatro.

En 1983, se inauguró el Musée Marie Laurencin en Japón, convirtiéndose en el único museo de arte especializado del mundo centrado en una mujer artista. El museo alberga más de 600 obras de Laurencin en su archivo.

Aleksandra Exter: la rebelde de la escuela de arte

Aleksandra Exter, también conocida como Aleksandra Aleksandrovna Ekster, nació en Białystok, Polonia, en el seno de una familia bielorrusa acomodada el 6 de enero de 1882. En el transcurso de su educación privada estudió idiomas, música y arte y finalmente adquirió fama internacional en el panorama artístico europeo.

En la Escuela de Arte de Kiev, Exter se mezcló con otros artistas que reaparecerían en la vanguardia rusa. En 1908, se casó con un abogado de Kiev y ambos se convirtieron en destacados personajes culturales e intelectuales. Se mudaron a París, donde Exter estudió una temporada en la Académie de la Grande-Chaumière hasta que la expulsaron por rebelarse contra la visión artística de la institución.

El estilo de Exter se hizo cada vez más radical y vanguardista con el tiempo. Pasó por el impresionismo, el cubismo, el cubofuturismo y el arte no objetivo con pinturas abstractas de paisajes, formas geométricas y bodegones. Su obra es dinámica y, además de sus exposiciones, la artista de múltiples talentos destacó en su trabajo escénico e ilustraciones de libros.

Sophie Taeuber-Arp: la visionaria sin fronteras

Sophie Henriette Gertrude Taeuber nació en Davos, Suiza, el 19 de enero de 1889. Estudió dibujo en la Escuela de Artes Aplicadas en Saint Gallen y, a continuación, diseño textil en Alemania. También aprendió a tejer, a hacer artesanía con cuentas y a bailar.

Taeuber-Arp fue influyente en el Café Voltaire de Zúrich y en 1928 se mudó a la zona de París. Su obra como pintora, escultora y arquitecta —por no mencionar como consumada diseñadora de muebles y de interiores— seccionó las fronteras entre los diferentes géneros de arte.

Adoptó el modernismo y el dadaísmo, e incluso creó disfraces y marionetas para actuaciones dadá. Colaboró con otros artistas como su marido Hans para producir espectáculos, coreografías, textos y obras de arte.

Como guiño al legado de Taeuber-Arp, el gobierno suizo rediseñó el billete de 50 francos en 1995 para incluir su retrato.

Natalia Goncharova: la innovadora experimental

El 21 de junio de 1881, Natalia Goncharova nació en una familia de la élite de Nagaevo, Rusia. Empezó sus estudios en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú en 1901, inspirándose en los impresionistas, en especial en Auguste Rodin.

Como pintora, la obra de Goncharova tiene notas de la mezcla de lo sagrado y lo profano. Parte de su arte incluye a trabajadores rurales rusos realizando tareas cotidianas repetitivas, pero su estilo tradicional se presta a la interpretación religiosa. La formación formal en arte de Goncharova acabó en 1909 cuando la expulsaron del Instituto de Moscú por no haber pagado la matrícula.

Goncharova también trabajó en el sector textil y, con su marido y también artista Mikhail Larionov, exploró los estilos vanguardistas rusos que llevarían a futuros movimientos artísticos. Las obras de Goncharova en el rayonismo y el futurismo influyeron a sus contemporáneos rusos y fueron cruciales para guiar la abstracción futura.

Tarsila do Amaral: la revolucionaria con raíces

Do Amaral, a la que suelen conocer como Tarsila, nació el 1 de septiembre de 1886 en Capivari, Brasil, en el seno de una familia acomodada de productores de café. La familia de Tarsila apoyó sus propósitos educativos, animándola a que asistiera a la escuela en Barcelona, donde empezó a interesarse por el arte.

Tarsila comenzó su educación formal en arte en 1916, estudiando escultura, dibujo y pintura, pero el conservador mundo del arte brasileño y la falta de recursos creativos limitó su exposición. Los viajes a París la ayudaron a ampliar sus horizontes artísticos y finalmente se integró en el Grupo dos Cinco, un movimiento de artistas que promovían activamente la cultura brasileña sin emplear estilos tradicionales europeos.

«Quiero ser la pintora de mi país», escribió Tarsila en 1923. Su estilo de mezclar iconos locales brasileños con estética vanguardista ayudó a configurar el arte moderno de Brasil, y su legado perdura hasta la actualidad.

ART NAIF

María del Carmen Mondragón Valseca (Nahui Olin) nació en Tacubaya (México) en 1893, en el seno de una familia perteneciente a la burguesía mexicana, debido al trabajo del padre, trasladaron su residencia a París cuando la niña apenas contaba cuatro años. En Francia Carmen permaneció en un internado donde recibió formación en danza clásica, pintura, literatura y teatro,a los diez años, ya destacaba por su innata sensibilidad para escribir, especialmente poesía.

A su vuelta a Ciudad de México se casó con Manuel Rodríguez Lozano, pero poco tiempo después, debido a la irrupción de la Revolución Mexicana, la pareja se instaló nuevamente en París uniéndose al grupo de artistas que en aquellos momentos encabezaban el movimiento de las primeras vanguardista como Diego Rivera, Georges Braque, Henri Matisse y Pablo Picasso. Al estallar la Primera Guerra Mundial Carmen y Manuel se refugiaron en San Sebastián, donde se cree nació su único hijo, que al parecer murió por asfixia. Desde la muerte del niño la relación entre ambos se fue deteriorando y Carmen regresó sola a su país natal, donde se sumergió completamente en la vida artística compartiendo largas veladas bohemias junto a Dolores del Río, Antonieta Rivas Mercado, Frida Kahlo, Tina Modotti, María Izquierdo, José Vasconcelos, David Alfaro Siqueiros, Xavier Villaurrutia, Guadalupe Marín, Tereza Montoya, José Clemente Orozco, Lupe Vélez y Salvador Novo.

En 1921 se separó de Manuel después de descubrir la homosexualidad de su marido, mientras ella destacaba por sus ideas avanzadas y su actitud que algunos tachaban de provocadora.

Apoteosis del General Mondragón

Su belleza fascinó al artista plástico Gerardo Murillo, más conocido como Doctor Atl, con quien sostuvo una relación amorosa intensa y enfermiza que duró casi cinco años y de la que se conservan más de 200 cartas escritas por ella. Atl la bautizó como Nahui Olin, que según el artista significa “Renovación continua del Universo”. Este período fue el más fructífero en la producción poética y pictórica en la vida de la artista, con su siempre personalísimo estilo naif.

Como modelo, su figura se encuentra ámpliamente representada, tanto en fotografía como en obra pictórica, concrétamente en “La creación” de Diego Rivera, aparece como Erato, la musa de la poesía erótica, también posó para Jean Charlot y sus desnudos en las fotografías de Edward Weston y Antonio Garduño.

“Me retraté desnuda porque tenía un cuerpo tan bello que no iba a negarle a la humanidad su derecho a contemplar esta obra”

Mondragón formó parte del grupo de mujeres que durante las décadas de 1920 y 1930 produjo uno de los períodos más activos de la cultura y el arte en México, y a las que Elena Poniatowska bautizó como “Las siete cabritas” y en 1935 fundó la Liga Feminista de Lucha contra las Toxicomanías, que buscaba erradicar los vicios que, a su juicio, no permitían el progreso del país; con ella pronto se unió a otros grupos que buscarían el voto femenino, la igualdad de derechos frente a los hombres, acceso al trabajo con apoyos a la maternidad, derecho a poseer tierras, la integración de las mujeres indígenas y el acceso a la educación para todas las mujeres.

Tras terminar su relación con el Doctor Atl, Mondragón conoció al caricaturista Matías Santoyo, con quien viajó a Hollywood. Allí el director Rex Ingram le ofreció aparecer en una película, Carmen no la aceptó por manifestarse contraria a explotar su imagen como símbolo sexual.

Nahui y Agacino frente a la isla de Manhattan

A los cuarenta años conoció al capitán Eugenio Agacino, quien aparece en algunos de sus cuadros, ambos vivieron una relación tan intensa que a la muerte de Eugenio se retiró de la vida pública, optó por una soledad que derivó en locura; vivió con decenas de gatos y deambulando confusa, deshecha, demente, sucia, obesa y en estado de pobreza extrema, cayó para no levantarse jamás. Durante los últimos años de su vida, vivió dando clases de pintura en una escuela primaria y de una pequeña beca del gobierno. Murió en la casa familiar en la que había pasado su infancia a los 85 años de edad.

Séraphine Louis, también citada por algunos autores como Séraphine de Senlis, nació en Arsy-Oise (Francia) en 1864. Procedente de una familia campesina de muy pocos recursos fue hija de un obrero. La historia de Séraphine parece extraída de una novela costumbrista de podredumbre y desgracias ya que cuando apenas contaba con un año de edad falleció su madre. Su padre volvió a casarse, pero también falleció seis años después. La falta de medios la obligó a trabajar en todo tipo de labores para procurarse sustento. Séraphine era pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro y poseedora de una personalidad misteriosa. Empezó como pastora, más tarde como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia y finalmente como criada en diferentes casas de la preciosa ciudad de Senlis, donde era fácil verla caminar, siempre con prisa, por las antiguas callejuelas que rodean su muralla medieval.

Fue una artista autodidacta ya que nunca recibió ningún tipo de formación como pintora, pero en sus tiempos de pastora pudo encontrar materiales en la naturaleza que mediante un proceso intuitivo comenzó a utilizar mezclándolos con la cera de velas que cogía en la iglesia para realizar sus obras. Posteriormente, cuando trabajó como sirvienta, pudo destinar pequeñas cantidades de su salario para adquirir soportes y pigmentos más convencionales. Sabemos muy poco del drama íntimo y aun menos de sus ideas sobre la representación artística porque ella guardaba con riguroso celo el secreto de su pintura, se escondía para que nadie pudiera observar cuando y como realizaba sus cuadros, cómo mezclaba los colores y preparaba los lienzos; pero es conocido que todo ello lo efectuaba con una gran perfección artesana, fruto de muchas horas de ensayo y corrección.

El árbol de la vida (1928) Museo de Arte de Senlis

Vivió en un recogimiento casi monacal en su pequeña habitación y comenzó a pintar -según decía- por indicación de los ángeles y de la Virgen María. Cuando salía del aislamiento iba a hablar, a abrazar a los árboles y las flores. Pintaba en una especie de trance, como un jardinero místico flamantes ramilletes tras los cuales ocultaba la tentación de todo lo sagrado: plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas que en los que se adivinan ojos. La casualidad quiso que en 1912, cuando trabajaba como sirvienta, una obra fue descubierta por el coleccionista y crítico de arte Wilhelm Uhde – descubridor de Picasso, Braque y Rosseau – que quedó muy sorprendido al enterarse que la autora de la curiosa obra que esta admirando había salido del talento de la invisible mujer que estaba haciendo la limpieza.

Su carrera fue relativamente corta. En 1930, tres años después y bajo la tutela de su protector realizó la primera exposición de Louis, la crítica la calificó dentro de los “modernos primitivos” y su nombre alcanzó importancia como una de las pintoras naïf del momento. Poco tiempo después Uhde dejó de comprar sus pinturas debido a la Gran Depresión ya que, perseguido por la Gestapo, se vio obligado a regresar a Alemania y sus posesiones, incluida su colección de arte, fueron confiscadas por el estado francés.

Probablemente debido a una fuerte depresión, Séraphine Louis ingresó en el área de psiquiatría de un hospital geriátrico de Clermont, pese a su inestabilidad física sobrevivió hasta 1942 en una soledad extrema. Se especula que a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas o más probablemente muriera de hambre por la falta de alimentos que impuso la ocupación alemana de Francia y que fue especialmente letal para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. El pequeño cuerpo de la artista fue enterrado entre anónimos en una fosa común.

Feuilles (1928-29) Coleccion Dina Vierny

De los 200 cuadros que presumiblemente pintó, sólo han sido localizados 70 que pueden admirarse en el Museo de Arte de Maillol (París), el Museo de Arte (Senlis), el Museo de Arte Naif (Niza) y el Centro Georges Pompidou (París).

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