#rudolf zwirner

[fabiansteinhauer]

Zwirner

1.

Kollege RS hat mich darauf aufmerksam gemacht, dass eine Biographie von Rudolf Zwirner erschienen ist. Er war kuratorisch in die Ausstellung Westkunst involviert, die im Rheinland einen gewissen legendären Charakter besitzt, was sich früh schon daran zeigte, dass man als Jugendlicher der Achtziger Jahre besonders dann abheben konnte, wenn man in seinem Zimmer einen Katalog dieser Ausstellung hatte (am besten abgegriffen, also intensiv und lässig genutzt!). Wenn ich mich recht erinnere, ist das auch literarisch irgendwo schon verarbeitet worden, vermutlich von den Popliteraten.

Es war schon wichtig, über bestimmte Schallplatten zu verfügen, bestimmte Literatur im Regal zu haben und eventuell auch, ein gutes Poster an der Wand zu haben. Der Katalog der Ausstellung Westkunst war aber ein Megagipferli im Zimmer, der Supertrumpf, Türöffner in die die höchsten Kreise und das intensivste Kreisen. Been there, done that.

2.

Zwirner hatte einen dicken Wagen, Beuys hatte einen dicken Wagen. Michael Werner besaß eine Galerie mit scheinbar nach oben hin nicht enden wollenden Flügeltüren. Die Jungs zeigten Jungs, die ein bloßes, archaisches Gefolge mit sich führten (nicht nur Immendorff führte das mit sich).

Das war nicht die Zeit, in der Galeristen einen Privatjet besaßen, in der Galeristen auch keine Zweitgalerie in St. Moritz hatten (Ausnahme: Bruno Bischofberger) und in der sich auch unter dem Begriff Zweitcytwombly (der zweite Cy Twombly für die gerade aktuelle Ehefrau) noch niemand etwas vorzustellen wagte, sprich: die Achtziger Jahre waren noch eine durch und durch bescheidene und asketische Zeit, in der man in Westdeutschland in Bescheidenheit und Askese, züchtig und folgsam lebte. Alle waren gesund und munter, außer den Kranken. Die Leute sparten viel In dieser Zeit waren die Richters und Kiefers nicht auf Jahre im Voraus, quasi trabilike, schon verkauft, weil plötzlich Russen, Mexikaner, Brasilianer, Chinesen und Araber (die von Kemp mit erstaunlich leichter Einseitigkeit genannten Oligarchen) auch so ein Ding haben wollen. Das war das am Kargheitsideal lebende Mittelalter der heute an den Schalthebeln noch Schaltenden.

[garadinervi]

Nancy Spero: 43 works on paper, excerpts from the writings of Antonin Artaud, Interview with Nancy Spero by Barbara Flynn, Galerie Rudolf Zwirner, Köln, 1987 [Leo de Goede Books. Art: © Nancy Spero]

[pwlanier]

Ned Smyth

Ned Smyth (b. 1948) lives and works on Shelter Island, New York, and has been exhibiting his work since 1973. His work has been exhibited at the Museum of Modern Art, the Whitney Museum of American Art, the Hirshhorn Museum, PS1, the Venice Biennale, Galerie Bruno Bischofberger, Galerie Rudolf Zwirner, 112 Greene Street, and Holly Solomon Gallery. In 1977, Ned Smyth was awarded his first public art installation, a fountain for the Governmental Services Administration in the US Virgin Islands. From 1985 through 2005, Smyth focused solely on public art. He has completed over thirty large-scale public projects in locations across the United States and abroad. His work is in public collections including the Whitney Museum of American Art, New York; the Parrish Art Museum, Southampton, NY; the Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA; and the Museum Ludwig, Cologne, Germany.

Bomarzo, 1987

Mosaic

Eric Firestone Gallery

[webionaire]

Richter in a statement cited personal relationships as one reason for the change. “I have known David since his childhood as I had already in the 1960s worked closely with his father, Rudolf Zwirner,” he said. “I feel this represents a beautiful continuity across generations.”

Philipp Kaiser, president of Marian Goodman and a partner at the gallery, was sanguine about losing the German superstar to Zwirner. “We are very proud to have represented one of the most remarkable artists of our time for nearly 40 years,” he told Artnet News. “We acknowledge his decision at this stage of his life.”

[sethsharpemohall-blog]

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“I believe that everything happens for a reason. People change so that you can learn to let go, things go wrong so that you appreciate them when they're right, you believe lies so you eventually learn to trust no one but yourself, and sometimes good things fall apart so better things can fall together.”

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A must attend Art Fairs all around the world.

Rather than running to the galleries to find the coveted work, collectors now prefer the major international fairs. According to the report published by Arts Economics, in 2016 dealers made more than 40% of their sales at fairs, a trend that is on the rise. Artists, gallery owners, collectors and other players in the art market therefore meet there every year. But where do these popular events take place?

In Basel:

There are few reasons why normally constituted people go to Basel, but once a year, in June, the unmissable Art Basel takes place there. Founded by Basel gallery owners Ernst Beyeler, Trudi Bruckner and Balz Hilt in 1970, the fair welcomes more than 290 galleries from 35 different countries. The exhibition is held on the two floors of the Messe Basel, which bears its name well, since it could be said that "the mass is said" for the artists exhibited there, as Art Basel occupies an important place in the contemporary art market. When is it? In June

In Maastricht:

Only say the "a" once, or you may appear to be in an uncontrolled spasm. To avoid any pronunciation problems, insiders talk more simply about TEFAF (The European Fine Art Fair). This important art and antiques fair, founded by art dealers in 1988, has the merit of reaching all kinds of collectors since manuscripts, cards, coins, antiques, silverware, jewellery, porcelain, furniture, modern art, great masters and objects are exhibited there. The 280 or so exhibiting galleries also feature works by great masters such as Van Gogh and Delacroix. A snag? None if you thought you could afford a work for a few hundred thousand euros. When? In March

In Paris:

Ah Paris, its Eiffel Tower, its bateaux-mouches and its FIAC. No, no, not Fiat. The FIAC is the most important contemporary art fair in France. A true ephemeral museum, its very high quality works are not the only ones to make its reputation. For this event, public and private museums, auction houses, galleries and even some "art advisors" compete for exclusive events. With its competitor in London (see below), it is one of the obligatory points of passage to understand the trends. When is it? In October

In London:

Do not see any connection with any hair event. The Frieze London, founded in 2003, - with its little sister the Frieze Masters since 2012 - is attacking the TEFAF, Art Basel and FIAC fields at the same time. Its particularity is that it was created by the editors of the eponymous Magazine engaged in deciphering current art trends. For this reason, the organisers, in addition to scheduling debates and colloquia, are also commissioning the big names in art criticism to design entire sections of the fair. When will it take place? In October

In Madrid:

Ola! Madrid isn't all tapas, sangria and siesta. ARCO Madrid, one of the most visited contemporary art fairs is also held here every year. One of the main reasons for going there is to discover or re-discover Latin American contemporary art in Europe. The ARCO Foundation was created in 1987 to promote, research and disseminate contemporary art, as well as to teach and publish on artistic trends and techniques, particularly with regard to modern art forms. The works in its collection - whose pieces constitute one of the most outstanding collections of contemporary art in Spain - have been exhibited at ARCO Madrid every year since 1987.  The fair has recently moved to Portugal with Arco Lisboa. When will it take place? In February

In New York:

The Armory Show is a cultural destination of choice for the discovery of the most important works of art of the 20th and 21st century.  The fair, which takes place on Piers 92 and 94, presents major international galleries and commissions from innovative artists. Founded in 1994 by four New York gallery owners, its name is reminiscent of the 1913 Armory Show, which paved the way for the Big Apple to become the art capital of the world. It should be remembered, however, that on that occasion, President Theodore Roosevelt exclaimed, "This is not art! "and that Matisse's paintings were judged "indecent" or even "epileptic". When was that? In March of this year.

In Cologne:

Again, it has nothing to do with perfume. Art Cologne is a pioneering fair, in the wake of which Art Basel will be founded. Its founders, the gallery owners Rudolf Zwirner and Hein Stünke, were inspired by Documenta, particularly its 3rd edition in 1964. Their intention was to create a similar event, but one that would present a diverse group of galleries rather than a selection of artists. While there were only 18 galleries for the first edition in 1967, 200 galleries from 31 countries now exhibit contemporary and modern art. When? In April

[xlcartxn]

Los hitos de Joseph Beuys

Tabita Sīmane  24/09/2012

Articulo original publicado en Arterritory.com http://www.arterritory.com/en/texts/articles/1538-joseph_beuys_milestones/ El 12 de septiembre, el Museo de Arte Moderno de Moscú abrió su exposición retrospectiva de la obra de Joseph Beuys (1921-1986) - artista más notable de la segunda mitad del siglo 20 de Alemania. Como parte del programa cultural "Año de Alemania en Rusia 2012/13", la exposición  “Joseph Beuys: Appeal for an Alternative (Apelación para una alternativa)" se extenderá hasta el 14 de noviembre.

El 18 de julio de 1963, Joseph Beuys realizó su primera "acción" pública con grasa en la Galería Rudolf Zwirner en Colonia, justo después de que Allan Kaprow hubiera terminado su charla sobre "sucesos". Grasa, fieltro y miel, los materiales que se convirtieron en elementos simbólicos distintivos del trabajo de Beuys, tienen un significado esencial tanto en el significado semántico de su trabajo como en el nivel de su conciencia personal como individuo. En el caso de Beuys, estos dos conceptos no se excluyen mutuamente; fue el primero que explícitamente movió el énfasis de lo que el artista crea a la propia persona, actividades y opiniones del artista. Beuys presentó su concepto expandido del arte a través de una serie de performance y discusiones públicas.

Sustancias del calor.

Hoy, la materialidad definitivamente se destaca como una de las características más resaltantes del arte de Beuys. Al hablar sobre su trabajo, Beuys a menudo mencionaba "calidez" y "energía", y los materiales que usaba en sus esculturas también están asociadas con la generación, el almacenamiento o la transferencia de energía. Para Beuys, esta era una metáfora de la energía creativa y espiritual que, como él creía, debía ser impulsada por el arte en cada individuo, así como en la sociedad en general.

Beuys razonó que las sustancias que usaba en sus esculturas e instalaciones eran de múltiples capas semánticas y ricas en asociaciones que, cuando se usaban repetidamente, adquirían un simbolismo personal. Una polémica leyenda también jugó de la mano al simbolismo de esta materialidad.

Beuys reveló su historia de guerra al público en 1979. Después de ser reclutado por el ejército alemán a los 20 años en 1941, Beuys fue entrenado como operador de radio de aviones y se convirtió en miembro de varias unidades de bombarderos. El 16 de marzo de 1944, su avión cayó en Crimea, cerca del pueblo de Znamianka. Todo esto es un hecho comprobado, pero lo que sigue es la interpretación de Beuys de los sucesos posteriores.

“Si no hubiera sido por los tártaros, hoy no estaría vivo. Eran los nómadas de Crimea, en lo que entonces era tierra de nadie entre los frentes ruso y alemán, y no favorecían a ninguno de los dos. Yo ya había establecido una buena relación con ellos y, a menudo, imaginaba el poder conversar con ellos. “Du nix njemcky” ellos dirían, “du Tartar”, y tratar de persuadirme de unirme a su clan. Sus formas nómadas me atrajeron, por supuesto, aunque para entonces sus movimientos habían sido restringidos. Sin embargo, fueron ellos los que me descubrieron en la nieve después del choque, cuando los grupos de búsqueda alemanes se habían rendido. Todavía estaba inconsciente y solo me recuperé completamente después de doce días más o menos, y para entonces ya estaba de vuelta en un hospital de campaña en Alemania. Así que los recuerdos que tengo de ese tiempo son imágenes que penetraron mi conciencia. Lo último que recuerdo es que era demasiado tarde para saltar, demasiado tarde para que se abrieran los paracaídas. Eso debe haber sido un par de segundos antes de golpear el suelo. Afortunadamente, no estaba atado, siempre prefería el movimiento libre a los cinturones de seguridad ... Mi amigo estaba atado y él estaba atomizado en el impacto, después no se encontró casi nada de él. Pero debí haber disparado a través del parabrisas cuando voló a la misma velocidad en que el avión cayó al suelo y eso me salvó, aunque tenía lesiones graves en el cráneo y la mandíbula. Luego la cola se volcó y quedé completamente enterrado en la nieve. Así es como los tártaros me encontraron días después. Recuerdo voces diciendo 'Voda '(agua), luego la sensación de sus tiendas, y el denso olor punzante de queso, grasa y leche. "Cubrieron mi cuerpo de grasa para ayudarlo a regenerar el calor, y lo envolvieron en fieltro como un aislante para mantener el calor".

Aunque testigos atestiguaron el hecho de que el piloto murió poco después del impacto, se sabe que Beuys estaba consciente cuando fue encontrado por un comando de búsqueda alemán. Además, no había tártaros en el pueblo en ese momento. Beuys fue llevado a un hospital militar, donde pasó tres semanas; en agosto, fue enviado al frente occidental.

Esta mezcla de realidad y ficción era un rasgo de la personalidad de Beuys, y esta reinterpretación de su propia biografía no estaba necesariamente en oposición a su arte, como lo indica un evento muy anterior en su carrera creativa. Para un festival de arte nuevo celebrado en 1964, en el Colegio Técnico de Aachen, Beuys inventó un currículum idiosincrásico llamado Lebenslauf / Werklauf. (Curso de vida / Curso de trabajo). Fue un recuento deliberado de la historia de la vida del artista, en la que los acontecimientos históricos se entrelazaron con episodios metafóricos y míticos. Cabe mencionar que, en este mismo festival, Beuys creó una "acción", o actuación, que fue interrumpida por un grupo de estudiantes; uno de los estudiantes atacó a Beuys y lo golpeó en la cara. Una fotografía tomada después del incidente, del artista con la nariz ensangrentada y la mano levantada, se distribuyó ampliamente en los medios de comunicación y convirtió a Beuys en una figura reconocida públicamente.

Por muy ficticia que haya sido la historia sobre el accidente aéreo y los tártaros, sin duda sirvió como un poderoso mito sobre la génesis de la identidad artística de Beuys, y también proporcionó una clave interpretativa para comprender su uso de materiales inusuales, de los cuales la grasa y el fieltro fueron los más significativos. La grasa aparece en muchas de las esculturas de Beuys. Eligió usarlo, en parte, para incitar a la discusión de cómo "un material muy básico para la vida pero no asociado con el arte" puede aparecer en el arte. En segundo lugar, la flexibilidad de la grasa (cómo cambió de una sustancia sólida a una líquida a cierta temperatura) le permitió usar la grasa como un símbolo efectivo de la trascendencia espiritual. El significado del fieltro, por otro lado, era su capacidad para absorber todo lo que entró en contacto con él. El fieltro era un material aislante que se convirtió en un símbolo del calor, así como un silenciador del sonido cuando Beuys lo envolvía alrededor de un piano, un televisor o un altavoz.

La grasa y el fieltro fueron los materiales más personales y "profundos" para Beuys, pero otros dos materiales "cálidos" que utilizó fueron la miel y la cera, que consideraron sustancias espirituales y algo que representaba la armonía política. Beuys se sorprendió de la organización social de las abejas y las describió como un "organismo socialista" que funcionaba "de una manera humana y cálida a través de los principios de cooperación y hermandad". El artista también utilizó metales, como el hierro; Beuys asoció la resistencia al frío y la durabilidad de la misma con la guerra, Marte y todo lo masculino. Beuys colocó el hierro en oposición al cobre, uno de los metales más blandos y un conductor de electricidad, y que asoció con Venus y todo lo femenino. El uso del oro indicaba magia, alquimia y transformación.

Chamanismo curativo

Podría ser que la leyenda sobre los tártaros que devolvieron a la vida al operador de radio moribundo tuviera alguna relación con el autoproclamado estatus de chamán de Beuys en arte / vida. Beuys creía que el arte de la performance puede desencadenar una reacción espiritual en el espectador, convirtiéndolo en un proceso de curación. Sus actuaciones, o "acciones", eran como rituales que incluían poderosos símbolos de nacimiento, muerte y transformación. Incluso su ropa tenía un aspecto ritual: el "uniforme" estándar de Beuys consistía en un sombrero de fieltro, un traje de fieltro, un chaleco y un bastón.

En la infancia, Beuys estaba fascinado por la naturaleza, y catalogaba obsesivamente la flora y fauna circundantes. Al mismo tiempo, estaba fascinado por la mitología y el folclore del Norte, en el que todas las criaturas poseían poderes mágicos. Beuys nunca perdió esta reverencia por el mundo natural, que también se podía ver en su arte. Se identificó con ciertos animales, creyendo que eran sus tótems: “Las figuras del caballo, el ciervo, el cisne y la liebre van y vienen constantemente: figuras que pasan libremente de un nivel de existencia a otro, que representan la encarnación del alma ...” En la década de 1970, Beuys participó activamente en la política de protección ambiental y fue uno de los fundadores del Partido Verde.

Beuys aceptó el chamanismo no solo como un método para presentar su arte, sino como la vida misma. Aunque el "artista como chamán" era un movimiento de moda en el arte modernista, Beuys se distinguió del resto por el hecho de que equilibraba y unía su "arte y su vida en este papel chamánico". Beuys creía que la humanidad, con su concentración en la racionalidad, trata de destruir las "emociones", destruyendo así la mayor fuente de energía y creatividad en cada individuo. En su primera gira de conferencias por los Estados Unidos, Beuys dijo que la humanidad se encuentra en una etapa de desarrollo y que, como entidades "espirituales", debemos recurrir tanto a nuestras emociones como a nuestro pensamiento, ya que ambos representan la energía y la creatividad totales del ser humano. Beuys supuso que debemos encontrar y activar la espiritualidad dentro de nosotros, y debemos vincularla con nuestro poder de pensar porque "nuestra visión del mundo debe extenderse para abarcar todas las energías invisibles con las que hemos perdido el contacto".

“Entonces, cuando parezco una especie de figura chamánica, o aludo a ella, lo hago para enfatizar mi creencia en otras prioridades y la necesidad de elaborar un plan completamente diferente para trabajar con esencias. Por ejemplo, en lugares como las universidades, donde todo el mundo habla de manera tan racional, es necesario que aparezca una especie de encantador ”. Como Beuys explicaba a menudo en las entrevistas, veía y usaba su arte de performance como una técnica chamánica y psicoanalítica para educar y sanar el público. "Fue así una etapa estratégica para usar el carácter del chamán, pero, posteriormente, di conferencias científicas. Además, a veces, por un lado, era una especie de analista científico moderno, por otro lado, en las acciones, tenía una existencia sintética como chamán. Esta estrategia tenía como objetivo crear en las personas una agitación para instigar preguntas en lugar de transmitir una estructura completa y perfecta. Fue una especie de psicoanálisis con todos los problemas de energía y cultura ”.

En este aspecto, el arte de Beuys era educativo y terapéutico; su objetivo era hacer uso de estas dos formas de discurso y estilos de conocimiento como herramientas de aprendizaje. Utilizó técnicas chamánicas y psicoanalíticas para "manipular a través de los símbolos" e influir en su espectador. De 1955 a 1957, Beuys atravesó un período de profunda depresión. Cuando salió de esto, afirmó que una "crisis personal" lo había hecho reevaluar todo, convirtiéndose en una especie de "iniciación chamánica". El chamanismo está conectado a la muerte, y un chamán es un mediador entre este mundo y "el otro lado". Beuys vio la muerte no solo en la inevitabilidad de la mortalidad humana, sino también en el entorno circundante. A través de sus actividades artísticas y políticas, se convirtió en un poderoso activista para la protección del medio ambiente. En ese momento, Beuys dijo: "No uso el chamanismo para referirme a la muerte, sino viceversa: a través del chamanismo, me refiero al carácter fatal de los tiempos en que vivimos. Pero al mismo tiempo, también señalo que el carácter fatal del presente se puede superar en el futuro ".

[garadinervi]

Dan Flavin: ‘Z’, Galerie Rudolf Zwirner, Cologne, 1966

[artriposte]

Rudolf Zwirner Rallies Germany’s Top Gallerists in a Campaign Against Its Protectionist Art Laws http://lnk.al/4wz6

[universallycrownpirate]

Die Art Cologne ist eine der ältesten Kunstmessen der Welt für zeitgenössische Kunst. Sie findet jährlich im Frühjahr in der Koelnmesse in Köln-Deutz statt. 1967 wurde sie auf Initiative der Galeristen Hein Stünke und Rudolf Zwirner als „Kölner Kunstmarkt“ im KölnerGürzenich ins Leben gerufen.

 2017 findet die Art Cologne vom 26. bis zum 29. April statt.

[danielfeistenauer]

Rudolf Zwirner