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Jordan Peele / Director

En la actualidad el género de terror en el cine sigue dando muchas obras valiosas y algunas más que otras resaltan sobre las demás debido a muchos factores. Puede que sea por su innovación visual, la critica social, el uso de temas que no suelen estár ligados usualmente a este género o por añadir humor a la trama. Todo esto, tal vez sea (y más) tan solo algunas de las características por las cuales Jordan Peele es hoy uno de los directores más importantes, innovadores y por los que una vez más nos mantenemos muy atentos en las butacas cada que uno de sus trabajos llega a la pantalla grande.

Su primer largometraje Get Out (2017) fue muy bien recibido tanto por la critica como por el público en general. Nos muestra una historia que mezcla el terror con la critica hacia el racismo que se vive especialmente en Estados Unidos, dando como resultado una historia sofocante que se convierte a pesar de que podemos vislumbrar que es una película de ficción, en un reflejo del nivel de crueldad que ejerce el racismo hacia ciertos grupos de personas, que, si bien sabemos de que se trata, no experimentamos en carne propia como quienes realmente lo sufren y se convierte en una vida de terror puro.

El británico Daniel Kaluuya encarna a Chris, un fotógrafo afrodescendiente que se prepara para conocer a la familia de su novia Rose Armitage, una mujer blanca. En el camino él pregunta con temor si ella ya le ha mencionado a su familia si los demás saben que sale con una persona de color, a lo que ella tranquilamente y hasta casi inocentemente le responde que si. Una vez en la casa de la familia se ve rodeado de la familia de ella y de personas que actúan muy extraño, comportamientos mecanizados, casi como hechizado por alguna sustancia que no les permite ser naturales.

La película además de tener un tinte social, juega mucho con la mente del espectador al involucrarnos a través del personaje principal en sus mayores temores y como él va siendo acorralado por personas que en un principio pareciera que no pudieran dañarlo.

Us (2019)

Dos años después de su primer y exitoso largometraje, llega a salas “Us”. Si bien, esta película a mi punto de vista no es el mejor trabajo de Peele, si funciona el suspenso y la trama que ligeramente se recarga en temas conspiranoicos, nuevamente raciales, pero esta vez presentando la premisa de que cada persona en este mundo tiene a un doble “malvado” en alguna parte que representa el otro lado de la cara de la realidad, y a raíz de esto plantea una especie de venganza de estos dobles, siendo una metáfora posiblemente a la distinción de las clases sociales.

Algo que me llamó mucho la atención fue el uso constante de simbolismos en la película. Partiendo del concepto de los dobles podemos ver muchos ejemplos de esto, en el reloj cuando marca las once con once, las tijeras que son dos navajas idénticas enganchadas una a la otra, cuando el frisbee cae justo en un circulo perfecto de la toalla de uno de los niños, etc.

La fotografía está muy bien cuidada: rojos muy intensos en los vestuarios de los antagonistas que nos reflejan de que lado de la historia están. Las luces neón y extremadamente llamativas que lucen en la feria, en donde tenemos una escena inicial muy importante para el desenlace de la película.

“Us” cumple con su objetivo pero no es más grande de “Get Out”, finalmente logra mantener a Jordan como un director creativo y dinámico.

Tres años después presenta Nope (2022), dando un giro muy radical a los temas que traía en sus dos anteriores películas y que para la mayoría de espectadores del cine de Jordan Peele, es la mejor película que ha hecho hasta ahora. Aquí presenta una película que se va más por un terror cósmico-social-colectivo y lo adereza con un humor ácido que sabe muy bien en donde y como colarlo para suavizar un poco su intensa trama. Aquí conocemos Otis “OJ” quien se queda a cargo del rancho que heredó después de que su padre muriera en un misterioso accidente cuando una moneda que cayó del cielo junto con cientos de otros metales se le incrusta en la cabeza.

Pronto se dan cuenta de que algo los asecha desde los cielos cuando los electrodomésticos comienzan a fallar, la luz se corta y curiosamente las cámaras no pueden grabar estos hechos, es cuando descubren que es una criatura alienígena lo que se ha instalado en este pueblo decadente.

Los personajes están vinculados por varias similitudes: el gusto por el espectáculo. Lucrar con animales, personas, o lugares para hacer rentable un show, y la constante búsqueda de llamar la atención de la gente hacia el espectáculo. Además de un pasado manchado por algún suceso traumático derivado del espectáculo.

La ciencia ficción, los efectos especiales, más personajes de lo habitual y la complejidad de la trama, hace que esta película sea muy distinta a sus dos anteriores producciones, pero logra destacar por ser hábil en cuanto a resolver una historia con semejante carga. También encontramos un poco de horror visual, casi corporal. Por ejemplo en la escena inicial donde un chimpancé domesticado que es la estrella de un show, tiene una crisis y ataca a los actores, o cuando vemos apenas por unos segundos el rostro deformado de una chica. Esto hace que de alguna forma se sientan distintas dosis de adrenalina que Jordan Peele aplica sobre el espectador en muchas ocasiones.

Hay mucho que todavía Jordan Peele seguramente sigue guardando bajo la manga, y esperemos siga creando estas excelentes historias y que no sólo sea un susto más, sino que venga con una carga temática, social y reveladora que es lo que lo hace inconfundible antes muchos otros cineastas.

Reseña escrita por: Aldo M.

27.02.2024

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Hoy hace 10 años que llegué a Tumblr. 🥳

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THE NIGHT HOUSE (E.U.A., 2020)

(83) Reseña escrita por: Aldo M. Tena

Director: David Bruckner

Guion: Ben Collins y Luke Piotrowski

Actúan: Rebecca Hall, Sarah Goldberg y Stacy Martin.

“Tenías razón, no hay nada, nada te persigue, ahora estás a salvo…”

Pocas veces tengo la suerte de llevarme tan gran sorpresa cuando voy al cine a ver alguna película que poco antes del momento no sé nada de ella al respecto. Así pasó con la siguiente película que a continuación reseñaré. El mismo día que la descubrí, la vi en el cine y terminé satisfecho del resultado que vi en la pantalla grande. Corrí son suerte, ya que la película es del 2020 y, en Estados Unidos, esta cinta pasó desapercibida debido a la pandemia y se estrenó directamente en las plataformas digitales, pero en México tuvo algunas funciones todavía en cines.

Beth es una maestra de secundaria que vive el duelo de su recién fallecido esposo, Owen, quien una noche remó por el lago y sin más se disparó en la cabeza, todo esto en medio de una pacifica noche mientras Beth dormía en la casa que él mismo construyó para ambos. La causa por la cual su marido se quitó la vida es desconocida, y conforme pasan los días la tensión y el misterio del caso aumentan. Entre sus descubrimientos, ella encuentra su vieja libreta de bocetos donde están los diseños de la casa, y algunas notas extrañas. Pero es en el celular donde encuentra lo que más desconcierta a Beth: una serie de fotografías de distintas mujeres que guardan alguna similitud con ella.

Esta es una película que mezcla el terror clásico de plantear estar en una casa con algún fantasma, para pasar al terror psicológico en el que podemos ver como el ente o espíritu que se ha alojado, mantiene comunicación con la residente; en este caso con Beth.

Mediante susurros, llamadas desde el celular del difunto, hasta las típicas sombras, sonidos físicos en la casa o incluso el estar encendiendo la radio con la canción favorita de ellos, es así como el director David Bruckner junto con los guionistas Collins y Piotrowski desarrollan una trama que se saborea mientras sigue la película. Y es que me recuerda dando a A Ghost Story (2017) en ratos por la fuerza y nostalgia que irradia cada una de las escenas. El personaje de Beth a pesar de estar aterrada en un principio por la presencia de “algo”, rápidamente el vínculo de su esposo fallecido se hace presente con pequeñas cosas, y pareciera que desde el más allá reclama el cuerpo y la compañía de ella.

Aunque ya es casi habitual en estas películas de terror americanas, la ambientación aquí ayuda muchísimo y nos divide entre la soledad, la añoranza, el vacío y un suspenso constante ya que, la casa donde reside Beth, está situada en medio de un gran bosque espeso en el Upstate de Nueva York, sólo tiene a un vecino anciano y viudo que de vez en cuando la ayuda en casa. El resto del lago permanece vacío, y del otro lado pareciera que está totalmente deshabitado.

David Bruckner ha logrado acertar muy bien en cuanto a la técnica para llevarnos del suspenso al susto efectivo en cuestión de segundos. Recurre en distintos momentos a las pareidolias, que es cuando percibimos de forma errónea una figura reconocible en algunas figuras completamente distintas, es decir, por ejemplo, cuando vemos formas en las nubes. Pues es justo esta técnica la que usa en contadas ocasiones, y funciona de maravilla logrando llevar la tensión al punto culminante de un susto verdadero y nada forzado.

En cuanto a las actuaciones, Rebecca Hall demuestra su gran talento para los dramas con toques de suspenso, anteriormente la había visto en The Gift (2015) en un papel bastante modesto. Una de mis actrices francesas favoritas aparece en un pequeño papel, y es la increíble Stacy Martin que a pesar de tener muy pocas líneas en el filme, es quien termina por atar los cabos sueltos de la trama para lograr entender un poco más la situación.

The Night House se defiende a pesar de los pronósticos, tiene muchas cosas buenas, y también algunas cosas en las que tanto el director como los guionistas tendrán que ir puliendo cada vez más en sus próximos trabajos, pero sin duda, esta es una película que no se arrepentirán de verla.

16.01.2022

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TOP LIBROS 2021

2021 fue un año donde no hubo tantos libros como lo tenía planeado, pero dentro de este pequeño repertorio se encontraron grandes autores, novelas, e incluso, una excelente autobiografía. Banana Yoshimoto vino a reforzar mi teoría de que los autores japoneses contemporáneos son expertos en retratar las delicias de la vida cotidiana y sus momentos más amargos romantizarlos de una forma que solo ellos podrían. Descubrí como José Agustín plasma una generación completa en La Tumba. Y finalmente, Woody Allen maravilló con su autobiografía.

Como cada año, acá les dejo el TOP LIBROS 2021 ordenados en ascendencia en calidad, y descendencia en numeración. Además de que añadí un link en donde pueden encontrar alguna reseña o fotografía del libro, en Goodreads o Instagram.

¡Que sea un gran 2022!

★ (Horribles):

11. El enigma de la habitación 622 (Joël Dicker, 2020) (nota aquí)

★★ (Malos):

Ningún libro ocupó por suerte esta sección este año.

★★★ (Buenos):

10. El espía que surgió del frío (John le Carré, 1963) (nota aquí)

9. Pulp (Charles Bukowski, 1994)

8. El guardián entre el centeno (J. D. Salinger, 1978) (nota aquí)

★★★★ (Muy buenos):

7. Los Living (Martín Caparrós, 2011) (nota aquí)

6. La tumba (José Agustín, 1965)

5. El miedo del portero al penalti (Peter Handke, 1970) (nota aquí)

4. Casa de muñecas / El pato salvaje (Henrik Ibsen, 1879)

3. Kitchen (Banana Yoshimoto, 1988) (nota aquí)

★★★★★ (Excelentes):

2. El resplandor (Stephen King, 1977)

1. A propósito de nada (Woody Allen, 2020) (nota aquí)

4.01.22

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LAST NIGHT IN SOHO (REINO UNIDO, 2021)

(82) Reseña escrita por: Aldo M. Tena

Director: Edgar Wright

Guion: Edgar Wright y Krysty Wilson-Cairns

Actúan: Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy y Matt Smith

La nostalgia es algo que constantemente, a algunos más que a otros, alimenta sueños e ideas vagas sobre un pasado que normalmente desconocemos casi del todo. Solemos decir que tal década o tales años en el pasado fueron mucho mejor; que las películas, música, libros, etc, estaban mejor hechos que ahora en el presente. En gran medida se suele acertar, pero es cuestión de gustos al final de todo. Pero no todo fue antes un lugar seguro para el ser humano, o para una gran parte de su población, en el pasado también existían grandes callejones oscuros y sin salida.

Eloise (protagonista de la película) viaja a Soho para matricularse en diseño de modas en la universidad. Al verse agobiada inicialmente por sus compañeras de residencia, decide irse a vivir a una vieja habitación en una calle en el centro de Soho, donde comenzará a tener algunos sueños con una bella rubia de los años sesenta de nombre Sandy, que la dejará encantada mediante su vestuario, la música, un ambiente de fiesta y todo lo que romantiza una década pasada que termina por caerle como anillo al dedo a Eloise, quien ama la música de aquellos años. Sin embargo, los sueños dan un salto hacia la realidad, y la magia que en un principio deslumbraba a Eloise en luces neón, se convierte en una gran sombra de pesadilla.

Edgar Wright se inclina por representar una época que normalmente recuerda la gente por sus momentos buenos, y todo lo que la marcó como una década “ejemplar”, hablamos de los años sesenta. Sin embargo, nos recuerda que no todo es color de rosa. Soho es el escenario perfecto para este ejemplo donde podemos ver mientras avanza como es una película anti nostálgica que retrata el lado oscuro de la calidad de vida de la gente en aquellos momentos. La falta de derechos para las mujeres de la época, el machismo que reinaba en los pubs, bares, y teatros de mala muerte en donde se contrataba bajo engaños a las jóvenes mujeres actrices prometiéndoles un futuro de ensueño, siendo que las forzaban a hacer trabajos sexuales, damas de compañía, y una infinidad de situaciones en las que se veían envueltas y que todo pasaba por debajo de una nube gris que todos ignoraban.

Anya Taylor-Joy interpreta un caso similar. Bajo la piel de Sandy, una joven que se proyecta a si misma como la próxima Cilla Black, y prueba suerte en un club, cuando en la búsqueda se encuentra con Jack, interpretado por (uno de los ex Doctor Who) Matt Smith, quien en un principio se presenta como su futuro manager encantador, que rápidamente la conquista y hace que Sandy caiga perdida en sus brazos. Todo esto lo vemos representado inicialmente mediante pequeños sueños que tiene Eloise que se puede interpretar que son inducidos por la música que ella escucha.

Anya Taylor-Joy se suelta totalmente en su personaje, que junto con Matt Smith en las primeras escenas hacen que el espectador quiera ponerse de pie en la sala de cine para ponerse a bailar las exquisitas melodías que acompañan a los jóvenes amantes. No hay duda de que Taylor-Joy se dirige rumbo a una carrera más que prometedora. Ya la hemos visto en The Witch (2015) en donde debutó en su primer papel protagónico que quedó plasmado en la historia como una de las películas que abrió el regreso al cine de terror “clásico”. Le siguieron una serie de éxitos como: Morgan(2016) en donde se abre paso hacia un formato de ciencia ficción, Split (2016) donde finalmente saltó a la fama a un publico mucho más grande gracias a la dirección de M. Night Shyamalan; y finalmente en el último año The Queen’s gambit (2020) para Netflix y Emma (2020).

A Matt Smith le ha quedado a la perfección este papel que sin hacer más spoiler, su físico y esta armonía corporal con la que se desenvuelve en la pista y los escenarios lo definen como el amante/villano británico por excelencia.

De quien tengo que si o si hacer mención importante, es de quien se lleva toda la película, de principio a fin: Thomasin McKenzie. La actriz neozelandesa de veintiún años cuenta con una filmografía corta, pero muy interesante. Leave No Trace (2018) fue la oportunidad para que los reflectores se direccionaran hacia ella. Un drama enorme que impactó al cine americano en aquellos años y que la llevó a múltiples nominaciones en distintos festivales, ya desde entonces la crítica hablaba mucho sobre su acento y la capacidad de McKenzie de modificarlo de acuerdo a lo requerido. En 2019 viene The King y Jojo Rabbit, donde en papeles secundarios, logró enamorar a la audiencia gracias a su carisma y su enorme talento. Finalmente aquí Thomasin McKenzie brilla por si sola bajo esta trama de terror en Londres, interpreta con una naturalidad y sencillez a una chica universitaria que proviene de una familia en donde su madre se ha suicidado debido a una esquizofrenia no tratada, a su padre no lo conoce, y su única figura a seguir es su abuela, a quien deja en su pueblo natal al mudarse a Soho. Podemos resaltar una infinidad de momentos inolvidables a lo largo de la película, pero me quedo dos de mis favoritos: la escena con la que abre la película en donde ella baila al compás de A World Without Love de Peter and Gordon envuelta en un vestido de periódico, y el momento de la fiesta de Halloween, en donde el maquillaje hace lucir sus hermosos y enormes ojos azules, nuevamente al ritmo de otra gran canción, Happy House de Siouxsie and the Banshees.

La espectacular fotografía está a cargo del surcoreano Chung Chung-Hoon quien ha trabajado en It (2017) y Stoker(2013) entre otras más; queda en la memoria del espectador al recordar cada escena bajo las luces neón azules y rojas que empapaban los rostros de los actores, añadido a esto un exquisito soundtrack con The Kinks, Dusty Springfield, Cilla Black entre muchos otros grandes de la época. (Un paréntesis aquí, Anya ha hecho un cover espectacular de la canción Downtown de Petula Clarkque es increíblemente disfrutable.) La corona para que esta ambientación sea perfecta, se la lleva la británica Odile Dicks-Mireaux quien diseñó cada uno de los vestidos que luce Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie para lograr este look sesentero.

Edgar Wright junto con la guionista Krysty Wilson-Cairns, han logrado una vez más una película magistral. Tal vez la mejor en toda su carrera. Wright acostumbra musicalizar muy bien cada una de sus películas, anteriormente casi siempre comedias, como la Three Flavours Cornetto trilogy (2004-2013) y Baby Driver (2017) todas ellas cuentan con un soundtrack memorable y muy pegadizo. Incluyendo también su toque cómico, que recordemos, más de la mitad de su trabajo son películas de comedia negra, o sátira.

Además de que en esta ocasión sus personajes principales son mujeres, quienes a lo largo de toda la película tienen un crecimiento reflexivo muy importante, dando énfasis al lado femenino, la búsqueda por la justicia en cierto modo mediante sus respectivos roles.

Last Night in Soho es para mi una de las mejores películas de todo el 2021, buenas actuaciones, una trama nada predecible, buena música, fotografía increíble, y sobretodo una historia que siempre estará vigente no importa que tanto tiempo pase.

11.11.2021

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CICLO DE CINE MEXICANO

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El esqueleto de la señora Morales (México, 1960)

(81) Reseña escrita por: Y. G.

Director: Rogelio A. González.

Guion: Luis Alcoriza.

Basado en “El misterio de Islington” de Arthur Machen.

Actúan: Arturo de Córdova, Amparo Rivelles, Antonio Bravo, Elda Peralta, Guillermo Orea.

Considerada una de las mejores películas en la historia del cine mexicano, El esqueleto de la señora Morales forma parte de la selección de cintas que hemos hecho para este mes patrio. Sin embargo, es necesario tener algunos puntos a considerar con esta recomendación.

Cuando hace algunos años la ví por vez primera se colocó como quizás mi favorita del cine mexicano. Arturo de Córdova me cautivó con su papel y actuación- es la pieza clave que logra que funcione a la perfección-; el manejo de cámaras, las tomas que llegan a recordar a The Hunting (1963) pero con el humor de la que aquélla definitivamente carece por ser de un género distinto; el propio planteamiento de algunas situaciones y personajes que sale del común denominador y que por ende es más atractivo y fresco para los espectadores. Vaya, es una buena película en ese sentido. Hace unos días que la volví a ver, me percaté del cambio de mí frente a ella.

Somos seres en constante cambio, el mundo cambia. Cómo percibimos las cosas hoy no será igual que en un futuro. Y aunque el cine no deja de ser una representación en pantalla, por muy apegada a la realidad o muy alejada de la misma, su repercusión es verdadera y efectiva desde que surgió como técnica y arte. Y menciono esto porque como en muchas cintas, las interpretaciones que le damos a su contenido puede salirse de lugar si como público no somos responsables y no lo dejamos como una simple película. En anteriores ocasiones sentí la necesidad de tener este paréntesis por los temas de varios de los metrajes que he reseñado (abuso sexual, maltrato infantil, gaslighting, etcétera).

Esencialmente El esqueleto de la señora Morales es una sátira de la vida en matrimonio, uno disfuncional que termina en tragedia. Él es un taxidermista que encuentra en su trabajo, el alcohol, sus amigos y sus pequeños gustos como la carne y las cámaras el escaparate a la infelicidad que le causa su esposa. Ella es una mujer con una enfermedad que le ha deformado la rodilla y que la ha acomplejado y alejado del mundo, la religión es todo lo que conoce y cumplirla lo que anhela, es feliz haciendo miserable la vida de su esposo. Ambos caen en un juego de quién aguanta más, llega el crimen y cuando creíamos que al menos uno había salido bien librado, la suerte se esfuma por un despiste del perpetrador.

El feminicidio es un grave problema de nuestra sociedad hoy más que nunca. En cierto modo, creer que porque tu pareja te haga la vida difícil- como lo plasma la película- tienes derecho a matarla, solo justifica la idea y el hecho. El protagonista se sale con la suya y esquiva la ley. En la realidad, los crímenes impunes de esta índole se suman a diario.

No pierde su mérito en cuanto a propuesta técnica, las actuaciones valen mucho la pena, es un género no explorado con frecuencia en México y que pertenezca a él es un punto a favor, su final de vuelta de tuerca también un acierto. El trasfondo de la historia y de lo que significa en el contexto actual es el elemento de cuidado. Pero como ya mencioné, solo es una película.

30.09.2021

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Las Niñas Bien (México, 2018)

(80) Reseña escrita por: Aldo M. Tena

Directora: Alejandra Márquez

Guion: Alejandra Márquez

Basada libremente en la novela homónima de Guadalupe Loaeza

Actúan: Ilse Salas, Cassandra Ciangherotti, Paulina Gaitán y Flavio Medina.

México a principios de los 80’s. Una familia que goza de privilegios, dinero, una familia modelo en una de las mejores zonas de la Ciudad de México, situada en las altas esferas políticas y económicas, suficientes autos, mozos y niñeras. Todo esto se desmoronará muy pronto cuando la crisis de 1982 inicie en México y desvista lentamente de todos estos atuendos sociales y elitistas a los personajes de Las Niñas Bien.

La escritora mexicana Guadalupe Loaeza escribió en 1987 su ópera prima titulada Las Niñas Bien, que hasta la fecha sigue siendo uno de sus libros más vendidos y un referente a la prolífica carrera de la escritora, como de la literatura mexicana. Años después en el 2018, una joven cineasta que contaba con apenas un largometraje se encargó de adaptar dicha novela para la pantalla grande; Alejandra Márquez además adaptó el guion logrando así un trabajo exquisito que va desde la indumentaria que lucen cada una de las actrices haciendo énfasis a la moda de la década de los ochenta, los escenarios, diálogos, actuaciones, la increíble fotografía y más.

A pesar de ser una adaptación de una novela que tiene ya más de treinta años, esta sigue vigente hoy más que nunca al exponer los rincones más íntimos y sensibles de la elite social que sigue dirigiendo ciertos rubros en el país. Márquez retrata con claridad y veracidad la forma en que estas familias adineradas viven en una especie de burbuja que podría decirse, se marca en ciertas colonias y barrios de la ciudad, adornadas con sus tiendas y restaurantes favoritos, y cuando no encuentran lo que quieren, un simple viaje al extranjero resuelve todo. Pero, ¿Qué sucede cuando el dinero se evapora en los aires de un día a otro? Es aquí cuando la película entra en acción (y es casi inmediatamente) mostrando que no hay amistades que aguanten una crisis o que tolere no seguir al pie de la letra los protocolos ya establecidos de vestimenta, reuniones, los clubes a los que asisten a diario. Tal pareciera que los personajes de Las Niñas Bien están constituidos por cada lugar y membresía al que pertenecen. El contraste que se puede observar de la segunda mitad en adelante en la película es fascinante. Casi una pequeña tragedia, con un poco de humor que de vez en cuando, salpica a la cara de estos antagonistas sociales.

La película no podría ser nada sin la adecuada elección de actrices que han logrado castear. Paulina Gaitán a pesar de emplear un papel que en un principio pareciera ser casi indiferente, es quien junto a Ilse Salas se llevan toda la película, siendo un contraste perfecto una de otra. Ilse Salas cautiva a la audiencia a pesar de su papel un tanto odioso, adaptándolo de una “niña bien” a finalizar prácticamente en una personalidad totalmente distinta. Finalmente una de las consentidas de la casa, Cassandra Ciangherotti (de quien ya escribí en la reseña de Tiempos Felices (2014)) se funde con pasión en este papel que le queda a la perfección.

Alejandra Márquez ha decidido que esta película llegue a su fin, con una de las mejores escenas que he visto en películas mexicanas; un abucheo/ladrido hacia el entonces presidente en turno López Portillo haciendo que se goce hasta el cierre de la escena dicho momento.

Las Niñas Bien es una película que se disfruta por su forma de representar una clase social, un problema en el que constantemente México es tocado, además de que en ocasiones se le añade un toque cómico muy elegante que sobresale en algunas escenas.

21.09.2021

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Güeros (México, 2014)

(79) Reseña escrita por: Aldo M. Tena

Director: Alonso Ruizpalacios

Guion: Alonso Ruizpalacios y Gibrán Portela

Actúan: Tenoch Huerta, Sebastián Aguirre, Ilse Salas y Leonardo Ortizgris

Güeros es la ópera prima del director mexicano Alonso Ruizpalacios. La obra narra la historia de tres personajes que están suspendidos en un limbo tanto físico como mentalmente. Tomás el menor de todos ellos, llega a la Ciudad de México luego de que su madre lo manda unos meses con su hermano mayor “El Sombra” a su departamento que comparte con su amigo “Santos”. Ambos estudiantes de la UNAM se encuentran inertes en el tiempo, esperando a que pase algo más en sus vidas. A la llegada de Tomás se inicia una especie de cruzada por la Ciudad de México en busca de una estrella moribunda de nombre Epigmenio Cruz, una joven y hermosa poeta que lee en la radio, y una lucha ficticia que rememora momentos clave en la historia de la educación mexicana.

Ruizpalacios se ha creado una Ciudad de México atemporal, poética en casi cada escena que ha rodado en blanco y negro (por el costo claramente), con un elenco que brilla a pesar de los matices grises que marcan hasta el último minuto de la cinta, casi sin música, pero con un sentido del humor agresivo, llamativo, irónico, y con mucha inteligencia recordando a grandes poetas, músicos, muralistas, escritores, y en si, personajes que dan vida a México retratando de maravilla hasta los rincones más sórdidos, ruines y macabros de esta bella y caótica urbe.

La sentencia está dictada desde el inicio del largometraje: Tres personajes que persiguen a un extraño músico decadente y sin sombras ni rastro, mientras recorren la ciudad. Tal vez sea esta mi road movie mexicana favorita hasta ahora. Durante este paseo podemos reconocer algunos puntos importantes de la capital; Santa Fe, en donde tenemos un encuentro gracioso pero arriesgado con uno de los barrios peligrosos de la zona, la UNAM donde se desarrolla la mayor parte del filme, la zona centro del país que es abordada desde una de las perspectivas más naturales y realistas, durante una madrugada en donde vemos que la ciudad nunca duerme y salen en su lugar personajes que se ocultan entre puestos, banquetas sucias, o bajo puentes; Reforma es uno de los últimos puntos en el mapa y es donde culmina el filme con la esperada manifestación que sirve como cierre de telón.

En el reparto destaca Tenoch Huerta, que domina el personaje a la perfección con ese acento chilango casi nato y la forma con la que congenia con el paisaje, además de representar la ansiedad en su personaje, mediante alucinaciones constantes, perdida de la audición, y algunos ataques de histeria; Ilse Salas que además de su talento ante la cámara, es el destello de belleza y frescura que acompaña en este pequeño viaje; además el entonces joven actor Sebastián Aguirre para el cual este sería su primer largometraje y un papel bastante importante que ha logrado llenar muy bien como este pequeño hermano que está fastidiado de todo, pero encuentra a través de la música una guía casi espiritual que lo obliga a seguir su instinto.

Sin embargo, Alonso Ruizpalacios tiene algo con los personajes mayores. Tanto en esta película como en su siguiente trabajo Museo (2018) el cast trata de representar a jóvenes de entre dieciocho y veintidós años, pero sus actores son mucho mayores y eso, se nota lamentablemente. Tenoch Huerta e Ilse Salas al momento del estreno de la película tenían treinta y tres años, y no se diga de Leonardo Ortizgris quien ya pasaba de los treinta y siete años. Esto sin duda es un contraste duro al momento de escucharlos interactuar en la pantalla, se podría haber logrado más realismo si se tratara de actores que fueran de acuerdo a la edad que quieren representar.

Una curiosidad es que en un momento de la película los personajes interrumpen abruptamente la cinta y hablan acerca de la película, del guion y de hecho se escuchan algunas voces externas que le preguntan al personaje ¿Qué te pareció el guion de esta película? Pareciera una escena detrás de cámaras, ya que hasta se muestra la claqueta en un fragmento de la escena. Otra curiosidad algo extraña es que en toda la película se puede ver que los personajes en distintos escenarios están viendo un famoso reality show llamado “El gran hermano”.

Como uno de sus personajes dijo: esta es una película de correteados. Son mínimas las deficiencias que apenas se notan en el filme, pero le gana y por mucho la belleza con la que se retrata una de las ciudades más icónicas, y a la vez caóticas que puedan existir. Desde sus mejores barrios, hasta los peores. Güeros es al final una comedia muy bien lograda, de las mejores que he visto, y con mucho orgullo ha llegado a ganar reconocimientos internacionales como el Oso Dorado a la mejor ópera prima del Festival Internacional de Cine de Berlín en la sección Panorama y el Premio Horizonte en el Festival de San Sebastián. Fue nominada a doce Premios Ariel, ganando Mejor Ópera Prima, Mejor Dirección, Mejor Fotografía y Mejor Película.

Güeros está disponible en algunas plataformas digitales y siempre es buen momento para ver esta gran película.

10.09.2021

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Tiempos Felices (México, 2014)

(78) Reseña escrita por: Aldo M. Tena

Director: Luis Javier Henaine. Guion: Alejandra Olvera Ávila. Actúan: Luis Arrieta y Cassandra Ciangherotti.

He elegido Tiempos Felices para iniciar este Ciclo de Cine Mexicano por la habilidad con la que Luis Javier y Alejandra Olvera ambos responsables detrás de esta pequeña película, lograron hacer de dos géneros tan trillados en los últimos tiempos del cine mexicano, el romance y la comedia, se convirtieran en un material audiovisual bastante atractivo y que recompensara a quienes buscábamos una película con tintes un poco más llamativos a los usuales en la industria del cine nacional. Cómica, arriesgada con sus personajes tan excéntricos en momentos, y en su extraña línea del tiempo; esta película es digna de curar heridas respecto al cine comercial mexicano.

Max (interpretado por Luis Arrieta), el personaje principal de la película, es un adulto joven que no encuentra la forma de cortar con su enigmática novia Mónica (interpretada por Cassandra Ciangherotti) una chica sencilla, súper romántica y en ocasiones muy empalagosa, pero casi siempre divertida. De recomendación en recomendación, Max llega a una agencia de nombre Abadon en donde supuestamente le resolverán este problema y se encargarán de cortar con su novia por él. Después de llenar algunos formularios, y liar con un sistema burocrático y sospechoso, la acción comenzará, pero con los métodos más extraños jamás vistos. Así es como Max y Mónica serán víctimas de esta singular agencia que más que separarlos los tendrá muy confundidos.

Se destaca casi enseguida de iniciar la película la bella fotografía que han logrado. Basada en la Ciudad de México de los años setentas, podemos ver el gran trabajo de escenografía, vestuario, y decoraciones. Desde los autos, las calles, algunos edificios que han podido sobrevivir al paso de los años, el cine y la exquisita dulcería que se muestra en la primera parte de la película, las barberías y un sinfín de locaciones que nos invitan a viajar en el tiempo a la vez que disfrutamos de una comedia bastante inusual y actual.

Luis Arrieta encarna bastante bien a el tipo de hombre que no tiene claros sus propósitos, es inseguro a la hora de decidir, y con respecto a su situación. Más, sin embargo, muy dentro de su personaje sabe que él ama profundamente a su novia. Mientras tanto Cassandra Ciangherotti luce increíble en este papel irreverente de la chica que es casi incapaz de dejar a su novio, y en cambio en ocasiones suele rebasar ciertas fronteras de privacidad, o confianza hasta el punto de lograr que Max se sienta ahogado por su afecto extremo. Destaca en Ciangherotti la naturalidad con la que se adapta a un personaje tan común en la vida real, casi parece que pudiera estar representándose ella misma.

El humor que podemos ver es un tanto inusual, extraño y en ocasiones para algunos gustos especiales o algo obtuso. Los personajes secundarios y los antagonistas se esconden en un velo cómico que conforme avanza la película van destapándose uno a uno como pequeños objetos encontrados. Por mencionar algunos ejemplos tenemos a la familia de Mónica, una familia totalmente contraria a las buenas costumbres de ella. Su hermana Andrea, aparece como un personaje súper ficticio en la mente de Max, incluso a veces podemos pensar que no existe en realidad. Pero se confirma escenas después.

Entre una mezcla romántica, divertida y misteriosa, Tiempos Felices logró ver la luz gracias a un respaldo detrás de algunas grandes empresas de distribución como lo fue Cinépolis, quien se encargó de distribuirla no sólo en la gran mayoría de salas mexicanas, sino también en Latinoamérica. Es una buena oportunidad de verla siempre que se quiera disfrutar de algo familiar, divertido y nada complicado.

04.09.2021

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SLEEPERS (E.U.A., 1996)

(77) Reseña escrita por: Y. G.

Dirige: Barry Levinson

Guión: Barry Levinson

Basada en Sleepers de Lorenzo Carcaterra

Actúan: Kevin Bacon, Brad Pitt, Robert de Niro, Jason Patric, Dustin Hoffman, Ron Eldard, Minnie Driver, Billy Crudup, Brad Renfro, Jonathan Tucker, Geoffrey Wigdor Joseph Perrino.

Si alguna vez han visto Disclosure- protagonizada por MIchael Douglas y Demi Moore- que nos remonta a la década de los noventas en un thriller erótico, o bien se encontraron en su camino con The Bay- terror documental sumamente disfrutable-, estrenada más recientemente, entonces hallarán en Sleepers una forma distinta del trabajo de Barry Levinson, director de estos tres títulos cuyas historias no dejan indiferente al espectador.

Cabe mencionar que es una película fuerte, aunque su contenido no es explícito, hay escenas en las que te imaginas lo que no se muestra y puedes caer en la indignación, la reprobación, el asco, el enojo, etc. Está basada en un libro escrito por Lorenzo Carcaterra, quien cuenta lo ocurrido en modo autobiográfico, aspecto que lo acerca más a una realidad que todos sabemos o sospechamos sucede fuera de la pantalla, en el mundo que nos rodea, en cárceles, en la calle, en nuestros propios hogares.

En resumen, Sleepers cuenta el lazo de amistad entre cuatro amigos que se conocen desde niños y que viven en un barrio peligroso de Nueva York y que por una broma cometida en su adolescencia son remitidos a una reformatorio juvenil donde serán víctimas de múltiples abusos durante su estancia. Su vida después de aquella horrible época los marcará en el futuro, siendo adultos y creyéndola superada se reencuentran con el pasado que les arruinó.

El mensaje que, a título personal, deja la cinta es la importancia de la amistad. El final no es feliz para todos los personajes, pero no tenemos la sensación de su ausencia, puesto que la unión entre los amigos rebasó todo. La vida es brutal en ocasiones y tener a quienes te la hacen llevadera es el motor suficiente para seguir.

Por si no lo habían notado, el elenco es de grandes ligas y los personajes parecen hechos a su medida. Robert de Niro en su papel de cura e incondicional de los cuatro amigos hace que se le quiera aún más ver en la pantalla. Kevin Bacon interpreta al guardia que seguramente odiarás; Brad Pitt se convierte en una víctima y posterior orquestador de una venganza en los límites entre lo legal e ilegal; Dustin Hoffman es un abogado alcohólico y drogadicto que sorprende con su desempeño aún con sus limitaciones; y un gran etcétera porque cada uno de los personajes y actores(ices) merecen quedarse en la memoria.

Barry utiliza varios recursos para contar la historia sin que sea aburrida o atiborrada de elementos. De inicio a fin no te despegas y ansías conocer lo que viene. Es la clase de películas en las que nos sumergimos en la trama. Sin duda de no perderse.

20.08.2021

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Old (E.U.A., 2021)

(76) Reseña escrita por: Aldo M. Tena.

Director: M. Night Shyamalan Guión: M. Night Shyamalan Basado libremente en la novela gráfica SandCastle de Frederik Peeters y Pierre Oscar Lévy. Actúan: Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell y Thomasin McKenzie.

¡Por fin vemos en pantallas la esperada película del gran M. Night Shyamalan! Después de meses de retraso por los evidentes problemas de la pandemia llega a cines Old, que además de ser una película muy en la línea y a la altura de trabajos anteriores de Shyamalan, sorprende por la forma en que aborda el suspenso en un escenario nada ordinario para narrar una historia de este tipo.

Una familia encabezada por Vicky Krieps (Prisca Cappa) y Gael García Bernal (Guy Cappa) junto a sus dos pequeños hijos Maddox y Trent Cappa, viajan de vacaciones a una playa paradisiaca luego de que la esposa encontrará un llamativo anuncio y cupones en una farmacia. Durante su estancia, el dueño del hotel les ofrece a ellos y a otras familias ir a una playa exclusiva en donde solo algunos han podido entrar. Una vez dentro de esta hermosa playa, las cosas comienzan a cambiar a una velocidad tremenda. Es el tiempo el que será su mayor enemigo, envejecerán a velocidades inesperadas y con ello los problemas crecerán. Todo esto rodeado del mar, y una enorme muralla de rocas de las cuales misteriosamente no pueden volver a pasar.

Un distintivo del director a lo largo de su prolífica y aclamada carrera ha sido la forma en que lleva el suspenso, o como experimenta con el en base a la situación. Recordemos que M. Night Shyamalan es director de películas como The Sixth Sense (1999), Signs (2002) y más recientemente The Visit (2015), que con el paso del tiempo ha logrado atraer al público a su trabajo. Ha experimentado en al menos estas tres películas, tres tipos de narrativas diferentes en el suspenso. Tenemos en The Sixth Sense un vistazo hacia el mundo del terror sobrenatural, dando a su personaje principal la posibilidad de ver a fantasmas, y además de poder comunicarse con ellos. Sings, que en lo personal es una de mis películas favoritas de Shyamalan, juega con la ciencia ficción en esta historia en donde un ex sacerdote, junto con su hija y su hermano menor, se ven acosados por lo que al parecer fuesen extraterrestres. Dañando sus cultivos e incluso su casa. En cuanto a The Visit, entremezcla lo que pareciera sobrenatural en un inicio, para después convertirlo en un auténtico thriller, además de que en toda la película utiliza el recurso de cámara en mano, a cargo de sus dos jóvenes protagonistas que documentan la visita por primera vez en toda su vida a casa de sus abuelos.

Old se arriesga creando una atmósfera de terror y de incomodidad cuando vemos después de los primeros minutos que es el tiempo el que está en contra de los personajes. Las tres familias se encuentran en una playa amurallada por enormes rocas que no pueden escalar, ni pasar por ellas de nuevo. El escenario recuerda un poco a una obra de teatro, por ambos lados los personajes se encuentran recluidos entre la muralla y el mar. Haciendo que un espacio vacío y tan cálido como es la playa se vuelva en un ambiente tenso y sofocante. Lentamente los personajes comenzarán a caer, sus cuerpos envejecerán a ritmos desproporcionados, y la histeria colectiva se apoderará de ellos al no saber como detener ni defenderse de algo que no pueden ver.

Se puede ver también la lucha interna por adaptarse al tiempo, que inevitablemente siempre irá en contra. Cada personaje experimenta la crisis de la edad con mayor fuerza. Entre los adultos se resaltan sus enfermedades, la demencia, dolores, padecimientos repentinos, y sobre todo la fatiga. El saber que probablemente a ese ritmo, nunca saldrán de ahí.

La supermodelo australiana Abbey Lee Kershaw, interpreta a Chrystal, una joven mujer que está casada con un hombre mayor, médico director de un importante hospital. En ella podemos ver una enorme caída personal. Debido a sus complejos de belleza exagerados y con una aparente descalcificación en los huesos. Ella es extrañamente una de las últimas en caer, pero quien menos sobrelleva la situación, terminando recluyéndose en una de las cuevas de la playa, encerrada en medio de la oscuridad por miedo a que la vean en este estado de descomposición de su esbelto cuerpo. Incluso tal vez, su nombre haga referencia a la fragilidad del cristal en sí.

En cuanto a los más pequeños son quienes más experimentan los cambios. Empezando con Maddox, la mayor quien en una pequeña charla con otro de los personajes dice algo muy interesante al ser cuestionada sobre cómo se sentía con el repentino crecimiento de su cuerpo y ella responde: Es raro. Ayer veía pocos colores, pero todos eran muy vivos y atractivos, hoy veo más colores, pero todos me resultan apagados.

Kara la más pequeña en una conversación menciona: Ahora comienzo a entender esto. Ya no me asusta. Vienen a mi cabeza muchas ideas que puedo comprender ahora.

Es así como Shyamalan retrata el sufrir el paso del tiempo en un ambiente que prometía ser un espacio de relajación, meditación incluso para uno de los personajes que se encontraba en la playa para tener conexión con la gran naturaleza.

Hay varias referencias a algunas películas, una de las más interesantes y que seguramente sirvió de inspiración para el director como lo ha hecho para otras tantas películas sobre el tema es El Ángel Exterminador (1962) de Luis Buñuel, que como en Old, un grupo de personas asiste a una fiesta en una mansión, pero se sorprender al ver que no pueden abandonar la casa nunca más. La otra referencia es aquellos pensamientos que tiene el personaje de Rufus Sewell, Charles el médico que comienza a perder la cordura por completo y a ratos dice: ¡Sabían que hay Jack Nicholson hizo una película con Marlon Brando!. Y si, en efecto esa película se llama: The Missouri Breaks (1976) y a parte de la mención, no tiene al parecer nada que ver con la trama.

Una de las cosas que más disfruté fue ver a Gael García Bernal en un papel muy distinto a la mayoría de trabajos que ha realizado. Acá tiene un papel muy neutral, un padre que busca lo mejor para su familia a pesar de que está a punto de separarse de su esposa. No tiene estereotipos de nacionalidad, o alguna cosa que lo encasille. Al contrario, se siente la conexión con el resto del elenco mientras lo vemos actuar.

La cereza de este pastel del tiempo es Thomasin McKenzie que a pesar de su corta carrera ha llegado al corazón de su público gracias a su talento, pero, sobretodo a su exquisito acento neozelandés que le ha valido decenas de elogios. Lastimosamente en la película tiene muy poco diálogo, pero pues, es disfrutable.

Fuera de algunos movimientos de cámaras extraños que Shyamalan usa en momentos, Old se puede ver como una película que sobrevivirá en el tiempo muy bien. Interesante, fresca en su género, y lo suficientemente extraña para que haga voltear a nuevos espectadores al cine del director M. Night Shyamalan.

11.08.2021

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True Detective (Estados Unidos, 2014-2019)

(75) Reseña escrita por: Y. G.

Serie de TV. Temporadas: 1 - 3 Guión: Nic Pizzolatto

True Detective es una serie estadounidense cuya primera temporada fue estrenada en el 2014 teniendo como protagonistas a Matthew McConaughey y Woody Harrelson. Mediante sus personajes nos adentramos en la relación de un par de detectives que se ven unidos por un caso que les perseguirá por varios años. Personalmente es mi favorita, por la calidad visual y auditiva, actoral y en guión.

La primera temporada consta de ocho capítulos, durante los cuales actúa un asesino en serie en la costa del sur de Luisiana. La aparición del cuerpo de una de sus víctimas es el punto de encuentro de la pareja de detectives que le perseguirán. Por un lado, tenemos a Martin Hart, el aparente “ideal” servidor de la justicia y por el otro a Rustin Cohle, un opuesto a las características de su compañero. Sin embargo, ambos se complementan tan bien- personajes y actores- que es un gusto verlos en acción. A pesar de que avanzada la trama decae un poco, al final se reivindica y logra dar algo de esperanza en la oscuridad.

Cada temporada de la serie aborda- como el título lo indica- el cómo se entrecruzan los caminos de detectives con diferentes formas de pensar y actuar. Lo hace de una forma realista, a ratos cruda, que muestra el lado más oscuro de las personas en un mundo que ya de por sí es duro. Uno de los grandes aciertos es la selección del elenco principal, que llevan cada una de las historias. McConaughey y Harrelson en la primera; Vince Vaughn- en una actuación memorable que opaca a Collin Farrel y Rachel McAdams- en la segunda; y Mahershala Ali en la última.

En general, podemos notar la importancia de los lazos de amistad rayando lo familiar entre los personajes. Esto es una constante bien manejada a lo largo de la trama. En los malos momentos y en los peores saben que cuentan con su(s) compañero(s). A veces el desenlace no es feliz pero como espectador puedes quedar satisfecho por la sencilla razón de sus incondicionales vínculos- sí, con la esperanza de algún día poder encontrar algo similar-. Sin importar la edad, las circunstancias o las desavenencias, siguen ejerciendo su labor juntos.

La segunda temporada considero es la que tiene más fallas. Lo mejor sin duda es como ya mencioné Vince Vaughn, un mafioso que radica en una ciudad llena de corrupción. La idea pudo ser muchas cosas y se queda en una visi��n somera de la realidad sin el punch de su antecesora. Tiene desde problemas medioambientales, trata de personas, luchas personales por la orientación sexual, drogas, asesinatos, extorsiones, etcétera. Salen sobrando algunos elementos, otros no son explotados de la mejor forma, el ritmo en ocasiones se ralentiza al punto de ser aburrido y caer en lo forzado.

En la última temporada- quizás tras el desacierto de la anterior- vuelven a la narración a través de líneas del tiempo. La desaparición de dos niños en un pequeño poblado en Arkansas da un vuelco a la rutina de una pareja de detectives de la policía estatal. Un caso interesante que mantiene la intriga de principio a fin, más fácil de digerir, pero que tampoco consigue el nivel de armonía de la primera.

En conclusión, es una serie con guiones inteligentes, menos convencionales a ratos al género; hay actuaciones que sorprenden aún si sigues el trabajo de los actores; la musicalización y los efectos visuales- sobretodo en la primer temporada- no se quedan atrás; sin embargo, lo más encomiable es la imagen que proyecta del oficio y la justicia.

31.07.2021

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Oxygen (Francia-E.U.A., 2021)

(74) Reseña escrita por: Aldo M. Tena.

Director: Alexandre Aja

Guión: Christie LeBlanc

Actúan: Mélanie Laurent y Mathieu Amalric.

Oxygen es la nueva película de ciencia ficción que incorporó este año Netflix a su catálogo, trayendo de vuelta a Mélanie Laurent como protagonista en una cinta que ha tenido opiniones encontradas, pero que sin duda es un thriller que sabe defenderse de entre los grandes, además de narrar una historia nada predecible, emocionante y que nos habla acerca de la memoria y los sentimientos.

Laurent interpreta a Elizabeth Hansen, una mujer que despierta en una unidad criogénica medica hermética y descubre que ha quedado atrapada ahí. No recuerda su nombre, profesión ni de donde era. Absolutamente nada. A medida que pasan los minutos descubre que la unidad está comandada por un sistema de nombre M.I.L.O que revisa su estado de salud constantemente, además de administrarle medicamentos vía intravenosa, y notificarle que su oxígeno se está terminando mientras pasa el tiempo. Este sistema interactúa con ella a través de una voz masculina a la cual Elizabeth le pide ayuda, pero el sistema simplemente se niega a abrir la cápsula por órdenes previas impuestas en su código al momento de cerrarla. Lo único que le puede ofrecer es tener contacto con algunas personas vía internet o llamadas y es así como Elizabeth descubrirá porque se encuentra ahí.

Apenas vi la reseña de la película me recordó a Buried (2010) en donde Ryan Reynolds aparece en un ataúd y su secuestrador le exige un pago o lo dejará morir, pero en esta película todo es mucho mejor. Sí, no es una película apta para claustrofóbicos, porque gran parte del tiempo estaremos encerrados junto con la protagonista, pero esto es lo de menos. Tan pronto como comienza, también la acción se pone en marcha. Como a cuenta gotas, la guionista Christie LeBlanc nos va soltando pequeñas pistas, e indicios de la vida de la protagonista. A la vez que nos mantiene en tensión continuamente al enterarnos del poco oxígeno que le resta a Elizabeth Hansen, y la voz de aquel sistema que nos avisa la aparente inminente muerte de ella.

Hablar más sobre la trama de la película le restaría mucho al efecto sorpresa y a como cada uno de ustedes pueda ir digiriendo la historia. Es curioso como el francés Alexandre Aja explota de maravilla la cámara ante una obvia limitación de espacio y escenario. Podemos ver pequeños planos secuencia con cargas severas de dramatismo, angustia y terror al momento de ver cómo todo esto sucede en este espacio tan reducido.

La estética visual es impactante. Diseños limpios, nada aparatoso y sobretodo, muy futuristas. Me llama mucho la atención que se ocupan colores azules muy fríos a los que estamos acostumbrados en momentos de tranquilidad, u otro tipo de ambiente, pero en este caso, ayuda de cierta forma a retroalimentar esta necesidad de escape. La banda sonora fue creada por el francés Rob (Robin Coudert) que ha logrado con aquellas notas muy eléctricas de momento que la tensión se apodere de nosotros desde el otro lado de la pantalla. Recomendable la banda sonora para antes de dormir.

Finalmente, la cereza del pastel y como casi siempre resulta, es Mélanie Laurent. Siempre entregando una actuación espectacular, sabiendo manejar las emociones, su voz, todo.

Oxygen tiene mucho que ofrecer y ojalá llegue al público indicado, así también revisar el trabajo de Alexandre Aja, que promete mucho en el cine de ciencia ficción/suspenso.

26.07.2021

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ALGUNAS NOTAS QUE LEER - 8 AÑOS

¡ANIVERSARIO! 🎉 🥳

8 AÑOS DE ALGUNAS NOTAS QUE LEER.

2013-20221

23.07.2021

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The Accused (Canadá-EUA, 1988)

(73) Reseña escrita por: Y. G.

Dirige: Jonathan Kaplan

Guión: Tom Topor

Actúan: Jodie Foster, Kelly McGillis.

Basada en un caso mediático ocurrido en la década de los ochenta en Estados Unidos, The Accussed lleva a la pantalla grande la historia del proceso judicial que generó fuertes críticas para las partes involucradas y que puso en primer plano para difundirlo ampliamente el problema que aqueja a muchas mujeres: la violación.

Cheryl Ann Araujo, de 21 años y con dos hijas, salió una noche a conseguir cigarrillos. Al no estar abierto el establecimiento donde los compraría ingresó a una taberna cercana donde tomó un trago y conversó con una camarera. Posteriormente, un grupo de hombres que ahí se encontraban la violaron en repetidas ocasiones ante la presencia del resto de personas del lugar. Nadie lo impidió. Luego de la violación grupal de la que había sido víctima, cayó en el alcoholismo y finalmente murió a los 25 años en un accidente automovilístico, al conducir en estado de ebriedad. Al poco tiempo fue estrenada la cinta inspirada en los hechos que la colocaron en el foco de los medios.

Jodie Foster interpreta a Cheryl, en una de sus actuaciones que- en lo personal- más valen la pena ver. The Accused le dio su primer gran reconocimiento en las altas esferas de Hollywood y nos mostró la calidad de actriz que tiene. Sin duda ella se lleva la película de inicio a fin. Cabe destacar la mancuerna que hace con Kelly McGillis. Como dato adicional resalta el hecho que motivó a ésta última a participar en el proyecto, pues en la vida real fue víctima de violación. La fuerza que tanto ambos personajes como ambas actrices transmiten, es la directriz de la cinta. Un camino de lucha y defensa.

The Accused coloca el debate en torno a un tema que no lo debería tener pero que lamentablemente lo genera: la culpabilidad de la víctima. La protagonista es acusada de haber provocado a los hombres que abusaron de ella, se comienza a manejar este supuesto a favor de los perpetradores, no se diga de los medios y la sociedad en general. Se cuestiona la culpabilidad de los violadores al revisar los antecedentes de la víctima, su forma de vestir, de actuar, su estatus económico. Dudan de su testimonio, de lo que vivió.

Sin embargo, poco a poco- no como se quisiera- las víctimas van encontrando justicia en un mundo que a lo largo de la historia se ha inclinado hacia otros. Trabajos como este visibilizan lo que siempre ha ocurrido y no queremos ver.

17.07.2021

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The Voices (E.U.A., 2014)

(72) Reseña escrita por: Aldo M. Tena.

Director: Marjane Satrapi Guión: Michael R. Perry. Actúan: Ryan Reynolds, Anna Kendrick y Gemma Arterton.

Esta es una de esas películas extrañas, inusuales en su trama y en el mensaje que quieren dar. Junta el terror y la comedia con un trastornado personaje, dando como resultado un trabajo muy interesante.

En esta cinta seguimos la vida de Jerry un ciudadano promedio que trabaja en una fábrica de baños y tinas. Vive en la parte de arriba de una abandonada sala de bolos en medio de la nada. Tiene un gato de nombre Mr. Whiskers y un perro llamado Bosco con los que interactúa a diario, por interacción me refiero a que los animales le hablan, o eso parece. Bosco es tímido, amable, pasivo y siempre está consciente de que es lo mejor para su dueño. En cambio Mr. Whiskers representa una naturaleza malvada y fría, siempre susurrando planes sobre cometer asesinatos. Esta monotonía cambia cuando Jerry conoce a Fiona, su compañera de trabajo, una británica despampanante. Una noche tras una cita fallida, Fiona accede a que Jerry la lleve a su casa, pero en medio de la carretera, este termina asesinándola sin motivo alguno.

Ryan Reynolds interpreta de maravilla este personaje trastornado. Un tipo que vive aislado de su realidad, y que constantemente está al quiebre de sus emociones e ideas. Además de que internamente intenta controlarse creando personalidades a sus mascotas como antes he mencionado. Jerry podría ser apenas un ligero boceto de aquellos asesinos en la vida real. Gente que se esconde en una personalidad sumisa, amigable incluso, que viven vidas totalmente ordinarias y que nunca imaginarías que hay dentro de sus mentes. Las actuaciones de Gemma Arterton y Anna Kendrick son evidencia de su profesionalismo a lo largo de sus carreras, añadido a esto que gracias a un guión cómico, logran que escenas como la de sus cabezas cercenadas dentro de un refrigerador sean graciosas e ingeniosas.

Marjane Satrapi (historietista y autora de Persépolis) dirige este proyecto que de principio a fin es una joya visual más que nada. Los escenarios que marcan un antecedente de la trama como la casa de Jerry, las locaciones de su trabajo, los restaurantes, y sitios cerrados están diseñados con una paleta de colores muy divertidos, encantadores en un principio para después volverse un lugar terrorífico. El fotógrafo italiano Maxime Alexandre quien también trabajó en The Haunting of Bly Manor dió luz y vida a todo el film.

A mi gusto hay una escena que es la mejor de la película, y es justo con la que cierra la película, en donde hay una especie de musical con los personajes y todos bailan al ritmo de Sing A Happy Song de The O’Jays.

Distinta, con sentimientos constantemente encontrados, al borde del asombro y la comedia. The Voices logra su cometido, es divertida como comedia negra, es un ejercicio un tanto experimental, sus actuaciones relucen y concluye de maravilla, merece bien la recomendación y el recordarla de vez en cuando como aquellas películas “extrañas” que alguna vez se animó a hacer Ryan Reynolds.

1.07.2021