#Клод Моне

[iskusstvo-kultura]

КЛОД МОНЕ (1840 - 1926)

Французская школа.

Белые кувшинки. Живерни. 1899

Холст, масло, 89х93

Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Москва

Поселившись в Живерни, на берегу речки Эпты, Моне уделял большое внимание дому и саду. Живописец создал там особую среду из искусственных прудов, водяных растений, деревьев с нависающими над водой ветвями, с перекинутыми через пруды мостиками. Подобные рукотворные пейзажи с кувшинками, менявшиеся в цвете в зависимости от времени года, вызывали у Моне ассоциации с Японией, искусством которой всегда увлекался художник.

[numbergrechka1]

Клод Моне

[unabashedwitchnut]

Картины-поджигательницы

Вряд ли Клод Моне, работая над картиной «Водяные лилии», предполагал, что несколько десятилетий спустя о ней заговорят не только как о шедевре мировой живописи, но и как о полотне с мистическими свойствами. А все дело в том, что эта картина несет в себе некий незримый огненный фантом, который в определенный момент вырывается наружу, создавая в помещении пожар. Впервые же «Водяные лилии»…

[panmikola]

[korob0k]

Триш проснулась, а я типа Клод Моне

Trish woke up, and I'm like Claude Monet

[bakinochkame]

🟠"Цвет - это моя одержимость, радость и мука".

🟡Клод Моне

[vladimir777sk]

"Никто не может называться художником, если он не представляет себе готовой картины, техники ее выполнения и композиции, прежде чем начинать рисовать." © Клод Моне

"No one can be called an artist if he does not imagine the finished painting, the technique of its execution and composition before starting to paint." © Claude Monet

🎭 ART-галерея

[unicaler]

Просто мини история

П (я не придумала ему прозвище, будет просто П) стоит и мешает нашему разговору с Сайри. Я его игнорировала. Заглянула в книгу Сайри, и взгляд выцепил слово "Клод"

Я: Клод? Как Клод Моне?

Сайри: Ну, почти, но отсылку поняла)

П: кто? Какой Моне?

Я:...

Сайри:...

Я ему не объяснила. В жизни я чаще всего объясняю свои фразы только тем, кого принимаю как человека, но П я не считаю за своего, хоть он и дружит с Сайри и Лёней. Для меня он никто

[blueberry-galaxy-30]

"У меня должны быть цветы, всегда и во все времена" - Клод Моне

[cerafimatrifonova]

ПОСАДИТЬ САД - ЗНАЧИТ ВЕРИТЬ В ЗАВТРАШНИЙ ДЕНЬ. ✍ Клод Моне

To plant a garden means to believe in tomorrow. ✍ Claude Monet

[books-things]

13 мая - 185 лет со дня рождения Альфонса Доде (1840-1897),  французского романиста и драматурга, автора ярких рассказов из жизни Прованса, создателя литературного персонажа, знакового образа романтика и хвастуна Тартарена из Тараскона. 

Удачливый провинциал. После разорения отца-фабриканта семнадцатилетний Доде становится помощником школьного учителя, но вскоре его увольняют из-за легкомысленных интрижек. К этому времени относится литературный дебют будущего прозаика - сборник стихотворений "Влюбленные" (1858). Совершив неудачную попытку самоубийства, Альфонс перебирается в Париж к старшему брату Эрнесту, начинает работать хроникером в газете "Фигаро" и посещает светские салоны, где имеет большой успех в качестве блестящего рассказчика. В 1860-1863 годах он служит секретарем у герцога де Морни, сводного брата Наполеона III, председателя Законодательного собрания, который впоследствии стал прототипом главного героя в романе "Набоб" (1877). 

В 1867 году Доде женился на Жюли Аллар, подарившей ему троих детей. В 1870 году его наградили орденом Почетного легиона. В период осады Парижа прусскими войсками он вступил в Национальную гвардию, но в апреле 1871 года покинул столицу, в которой была провозглашена Коммуна. Первый большой успех пришел к Доде в 1874 году с выходом остросоциального романа "Фромон младший и Рислер старший". Его принимают в свой круг самые заметные писатели эпохи (Гюстав Флобер, Эдмон и Жюль Гонкуры, Виктор Гюго), он заводит дружеские связи с близкими ему по творческой манере художниками-импрессионистами - такими, как Огюст Ренуар, Эдуар Мане, Клод Моне. 

Альфонс Доде. 1860-е годы. Фото Надара.

В нескольких романах Альфонс Доде описал хорошо знакомое ему общество времен Второй империи и Третьей республики: помимо "Набоба", это "Короли в изгнании" (1879), "Бессмертный" (1888), "Опора семьи" (1897). В скандальном деле Дрейфуса писатель поддержал официальную версию об измене офицера-еврея и выступил с рядом антисемитских заявлений. В 1890-е годы тяжелая болезнь вынудила его отказаться от активной жизни: он переезжает в загородный дом, где принимает молодых многообещающих литераторов - Марселя Пруста, Мориса Барреса, Жюля Ренара. Когда он скончался, влиятельные политики, в частности, Жорж Клемансо, просили устроить ему национальные похороны, однако они не нашли отклика у тогдашнего правительства. Надгробную речь на кладбище произнес Эмиль Золя, расходившийся с Доде в убеждениях, но ценивший его как писателя. Певец Прованса. Нравы и фольклор этой древней земли послужили материалом для самых значительных произведений Альфонса Доде. 

В автобиографической книге "Малыш" (1868) он фактически описывает свои детство и юность: его герой Даниэль Эйсет ради заработка вынужден поступить учителем в коллеж провинциального городка, где пресмыкаются перед отпрысками богачей и унижают детей бедняков. В "Письмах с моей мельницы" (1869) бытовые зарисовки из жизни простых людей соседствуют с творчески обработанными легендами и сказаниями. Поэтизируя патриархальность Прованса, Доде противопоставляет его Парижу как воплощение чистой, мирной, достойной жизни. На основе одного из ��исем сборника он создает пьесу "Арлезианка" (1872), переработанную в либретто оперы, музыку к которой сочинил Жорж Бизе. Наконец, самый популярный персонаж Доде - Тартарен из Тараскона - родом из крохотного провансальского городка. Писатель посвятил ему трилогию: "Необычайные приключения Тартарена из Тараскона", 1872; "Тартарен в Альпах", 1885; "Порт Тараскон" (1890). В первой части - несомненно, лучшей из трех - темпераментный южанин, смешной толстяк, тщеславный хвастун и неудержимый враль героически борется с собственной трусостью, пускаясь в довольно рискованные авантюры (путешествие в Алжир, охота на львов). Хотя из всех этих приключений Тартарен выходит изрядно потрепанным, у него остается достаточно энергии и воображения, чтобы поражать земляков рассказами о своих "подвигах".

[isskustvoved]

XIX век, Франция

Эдуарда Мане (1832-1883 гг.) «Завтрак на траве».

Когда-то, в 1863 году, она висела на выставке рядом с «Венерой» Александра Кабанеля.

Две обнаженные дамы смотрели на зрителей. Одна уверено, другая томно. Только вот зрители реагировали на 

Вверху: Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Внизу: Александр Кабанель. Пробуждение Венеры. 1863.

На выставку прибыл император Наполеон III. Картину Мане он назвал крайне непристойной. А вот "Венера" Кабанеля ему настолько понравилась, что он тут же ее купил.

Нам, современным зрителям, такая реакция кажется абсурдной. Скромно подставляющая бедро девица Мане более непристойна, чем лежащая во весь разворот красотка Кабанеля?

Дело в том, что у нас с Вами давно есть иммунитет к жизненности. А вот у публики XIX века его не было.

Со времен Ренессанса существовало негласное правило: обнаженной может быть только богиня или нимфа. Им положено быть без одежды, поэтому и смотреть на них не возбраняется. Реальных женщин почти никто не "раздевал".

Но Мане сделал невиданное. Мало того, что он "раздел" даму. Он ещё посадил ее рядом с одетыми мужчинами. Именно так парижские денди развлекались с куртизанками.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей Орсе, Париж.

Это была голая правда о жизни буржуа, и зрителям это не понравилось.

Только несколько молодых людей пришли в неописуемый восторг от смелости Мане. Это были будущие импрессионисты: Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега.

Жизненность стала обязательным атрибутом их живописи. Теперь никаких исторических сюжетов и мифов. А только настоящая жизнь их современников или природа, которую они видели каждый день.

Получается, что реальная куртизанка одержала верх над эфемерной богиней :)

Но импрессионисты пошли ещё дальше.

Кто-то из них начал охотиться за мимолетными природными эффектами, как Клод Моне. Для этого ему понадобились размашистые мазки и цветные тени.

Клод Моне. Стог сена на закате близ Живерни. 1891. Музей изящных искусств, Бостон.

Кому-то было интересно уловить необычную позу или жест человека. В этом направлении экспериментировал Эдгар Дега.

Так появились картины, похожие на фотоснимки: часть фигур «срезаны» рамой, а другие и вовсе кажутся случайными.

Эдгар Дега. Балет из оперной ложи. 1884. Художественный музей Филадельфии.

А Ренуар получал удовольствие от того, что ему не надо зацикливаться на сюжетах и можно просто писать девушек.

Он любил растворять их в пространстве, погружая в густой воздух из цвета и света

Пьер-Огюст Ренуар. Купальщица в шляпе, лежащая на траве. 1892. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Импрессионисты во главе с Эдуардом Мане открыли ящик Пандоры.

Оказалось, что необязательно следовать традициям сотни лет подряд. Можно экспериментировать и искать свой путь.

[panmikola]

"Излучина реки Эпт близ Живерни" (Bend in the Epte River near Giverny), 1888 г.

Художник Оскар Клод Моне (Oscar-Claude Monet; 1840-1926)

Холст, масло. 73.7 x 92.9 см.

Филадельфийский музей искусства, Филадельфия, штат Пенсильвания

[vprki]

Критичен поглед: Поетичната тоналност  в платната на Мариана Маринова

Когато за пръв път видях в парижкия музей „Оранжери“ прочутите „Водни лилии“ на Клод Моне, ми направи впечатление една наглед простичка, но много точна формулировка в придружаващия текст. Тя гласеше: „живопис без рисунка“. Живописта на Мариана Маринова е точно такава – без рисунъчна основа, без категорични и определени контури и без дефинирана линейна конструкция на формите и на предметите. Написа за „въпреки.com“ изкуствоведът проф. Чавдар Попов за изложбата на художничката Gift of Lights в галерия INTRO.

Тя, разбира се, не е импресионистична. От класическите признаци на това основополагащо течение в модерното изкуство я отличават по-интензивните и определено хроматично наситени тоналности, както и по-високата степен на постигнат синтез между цвят и светлина.

"Пролетни акорди"

Светлината в нейните картини сякаш се просмуква в живописната субстанция на пигмента и на тона, тя се излъчва отвътре навън, няма оптическа измеримост и логика.

Тези особености на пластическия почерк на Мариана Маринова предават особена поетична тоналност на платната. Художничката изпитва необходимост от постоянни контакти с натурата, не толкова с урбанистиката или с човешките фигури, колкото с природата, недокосната и чиста в своите първични проявления.

"Ято"

Импулсите и инспирациите за създаването на дадена картина имат като отправна точка, в една или друга степен, определени предпочитани мотиви, които като правило съдържат в себе си голямо богатство от вариативни възможности за разгръщането на най-интимните, най-съкровените особености на изкуството на живописта.

"Езеро"

Оттам нататък тя преработва, променя, видоизменя и обобщава онова, което наблюдава, за да изгради творбата като напълно автономна естетическа и художествена реалност, „паралелна на натурата“, както казваше Сезан. Амплитудата и противоположното между фигуративна основа и абстрактна конструкция, между мнимата дълбочина на пространствените планове и интензивната фактура на повърхнината на платното, попридават особена динамика на погледа и съответно на възприятията на образа.

"Остров"

Наред с колоритните особености, тук се прибавя и оптическият ефект, който увеличава живописното богатство и очарователното излъчване на нейните произведения.

Чавдар Попов

Gifts of Lights ( „Подаръците на светлината“) е поредната лятна изложба, с която Мариана Маринова ритуално открива сезона на цветовете, на ярката светлина, на топлината в природата и в човеците. Защото всеки от нас, поне веднъж в живота, се е чувствал като потънал и останал завинаги в  мига на щастието, Въпреки. Това е поредната ѝ интимна изложба, представяща  живописния свят на Мариана Маринова. Личен свят, който тя създава, както диша. Сътворява го постоянно – винаги добър, топъл и уютен. Свят без черно и сиво, без страх и ужас. Цветен.

От изложбата на Мариана Маринова в галерия INTRO

Едно от любимите ѝ като автор пространства е това на галерия INTRO. Почти точно преди година там бе изложбата ѝ „Фрагменти“. По някакви неведоми пътища, може би заради юни, часа на откриването в предчувствие за вечерта във все още дългия ден или…, но в картините се вижда дъгата, гледани през витрината откъм улица „Цар Самуил“. Загадка и миг, едновременно за всички, които се радваме на изложбата на Мариана и да го забележим…

"Прозорец"

Публикували сме при нас за изложбите на художничката и дори в мрачните ковидни времена, в които някак зимата като усещане за света ни притискаше, тя ни даряваше със светлината на разцъфналата природа, от която сме част като човешки същества. В този контекст преди време отново проф. Чавдар Попов бе написал за нас за експозицията ѝ в края на 2021 в Центъра по себепознание „Орфей“ в квартал „Лозенец“ Мотото на дадена изложба, естествено, не може да повиши или да понижи качеството ѝ, но има важно значение за да фокусира вниманието на зрителя към осмислянето и цялостното ѝ възприемане. В случая Мариана Маринова попада в сърцевината на спецификата на пластическите изкуства – дихотомията видимо/невидимо. За разлика от абстрактния характер на словото или от ефирността на музиката, тези изкуства са „обременени“ от материя. Как да изобразиш „невидимото“, след като то по принцип не може да бъде визуализирано?“ Тогава той написа и, че картините ѝ са „напоени“ със светлина. Можем да го споделим и сега по повод настоящата изложба на Мариана Маринова в галерия INTRO.

А това е дар за не малко изтерзаните ни души в света, който е около нас и, в който живеем не само в роден контекст…

"Южен вятър"

Мариана Маринова е родена в Хасково през 1960 г. Зав��ршва през 1985 г. Националната художествена академия, специалност живопис при изключителния проф. Иван Кирков. Да напомним, че Валентин Щинков /на водещата снимка заедно с художничката и Чавдар Попов/, собственик на INTRO, художник и колекционер, свързан от детските си години с него с великолепни експозиции, курирани от него всяка година по повод Ивановден почита паметта му.    

От 1987 г. до днес Мариана Маринова има повече от 40 самостоятелни изложби. Участвала е също в множество колективни изложби, международни симпозиуми, пленери и резиденции. Нейни картини притежават галерии и частни колекции в България, Германия, Франция, Гърция, Швейцария, Белгия, САЩ, Русия, Боливия и други.

И един допълнителен щрих към художничката, който винаги подчертаваме – тя почти не пропуска изложба на колегите си и винаги снима. Запечатва момента като среща и вълнение…Винаги го прави с обич и отношение. Кога ли ще направи и фотоизложба?...

Изложбата на Мариана Маринова  Gift of Lights в галерия INTRO продължава до 1 юли. Насладете се на светлината ѝ, необходима ни е! ≈

„въпреки.com”

Снимки: Мариана Маринова и архив на галерия INTRO

[adbot]

Почему импрессионизм изменил мир искусства

Импрессионизм — это не просто направление в искусстве, это революция, которая перевернула представление о живописи и открыла новые горизонты для художников. Возникший в конце XIX века, импрессионизм бросил вызов академическим канонам и подарил миру новый взгляд на красоту. Давайте разберёмся, как импрессионизм изменил мир искусства.

Истоки импрессионизма: вызов традициям

Импрессионизм зародился во Франции как реакция на строгие правила академической живописи. Художники, такие как Клод Моне, Эдгар Дега и Пьер-Огюст Ренуар, стремились запечатлеть мгновения жизни, свет и движение, а не создавать идеализированные сцены. Их работы вызывали споры, но именно это сделало их новаторами. Например, картина Моне «Впечатление. Восходящее солнце» дала название всему направлению. Критики назвали её «незаконченной», но для художников это было начало новой эры.

Техника импрессионизма: свет и цвет

Импрессионисты отказались от чётких линий и тщательной проработки деталей. Вместо этого они использовали короткие, выразительные мазки, чтобы передать игру света и цвета. Техника импрессионизма позволяла создавать ощущение движения и жизни, что было революционным для того времени. Например, Ренуар в своих работах, таких как «Бал в Мулен де ла Галетт», использовал яркие цвета и лёгкие мазки, чтобы передать атмосферу праздника и радости.

Свет и цвет: главные герои импрессионизма

Для импрессионистов свет и цвет стали главными инструментами выражения. Они изучали, как свет меняет восприятие цвета и формы, и использовали это в своих работах. Свет и цвет в искусстве стали ключевыми элементами, которые отличали импрессионизм от других направлений. Например, Моне в своей серии «Кувшинки» исследовал, как свет и время суток влияют на цвет воды и растений, создавая уникальные композиции.

Выставка импрессионистов: начало новой эры

Первая выставка импрессионистов в 1874 году стала поворотным моментом в истории искусства. Художники, отвергнутые официальным Салоном, организовали свою выставку, чтобы показать свои работы публике. Выставка импрессионистов вызвала бурю эмоций: от восторга до негодования, но именно она положила начало новому направлению. Например, работы Дега, такие как «Танцовщицы», вызвали интерес к новому подходу к композиции и движению.

Наследие импрессионизма: влияние на современное искусство

Импрессионизм не только изменил живопись, но и повлиял на развитие современного искусства. Его идеи о свободе выражения, использовании цвета и света вдохновили такие направления, как постимпрессионизм, фовизм и даже абстрак��ионизм. Наследие импрессионизма продолжает жить в работах современных художников. Например, Ван Г��г и Сезанн, которые начали как импрессионисты, развили свои уникальные стили, став основоположниками новых направлений. «Импрессионизм — это не просто стиль, это новый способ видеть мир.» — Клод Моне

Что в итоге?

Импрессионизм изменил мир искусства, открыв новые возможности для выражения и экспериментов. От техники до света и цвета, от выставок до наследия — это направление стало символом свободы и новаторства. Импрессионизм показал, что искусство может быть не только красивым, но и живым, эмоциональным и настоящим. Его влияние продолжает вдохновлять художников и зрителей по всему миру, напоминая нам о том, что искусство — это прежде всего впечатление. Read the full article

[lianachik]

Клод Моне

Сорока

Magpie,1868