#Museo del Muñeco

[elcorreografico]

República de los Niños: Con la visita de 80 mil alumnos en 2022 se consolida como polo educativo y turístico

#LaPlata #Turismo #Educación | #RepúblicadelosNiños: Con la visita de 80 mil alumnos en 2022 se consolida como polo educativo y turístico

República de los Niños con la visita de 80 mil alumnos en 2022 que participaron de la experiencia pedagógica que propone el Municipio de La Plata se consolida como polo educativo y turístico para que los chicos conozcan sus derechos y obligaciones como ciudadanos del futuro.En total, fueron más de 80 mil estudiantes de la Provincia, niños que asisten a comedores y merenderos e integrantes de…

[mexicoantiguo]

Patio interior de la casa de los muñecos en Puebla cuando albergaba el Hotel de France. México. en el año de 1908. El Hotel de France, junto con la Casa de los Muñecos, fue un testigo de la vida social y cultural de Puebla en esa época, acogiendo a viajeros y figuras importantes que visitaban la ciudad. Hoy en día, la Casa de los Muñecos es parte del patrimonio cultural de Puebla y alberga un museo de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), manteniendo viva su rica historia y arquitectura.

[equipo]

¡Hola, habitantes de Tumblr! Al habla el propio Tumblr. Queremos contaros una novedad que está al caer: vamos a lanzar una función de retransmisión en directo y la hemos llamado... ¡Tumblr Live! Tumblr Live está integrada en vuestros Escritorios, así que podéis reunir en un mismo lugar tanto a la gente que lee vuestro blog como a quienes quieran veros en rabioso directo. ¿Dos mundos que se dan la mano en perfecta armonía? Qué belleza.

Como sabréis, inicialmente solo lanzamos esta novedad en Estados Unidos en las aplicaciones para iOS y Android, pero ha llegado el momento de abrir sus horizontes. Durante las próximas semanas, Tumblr Live estará disponible en muchos más lugares y en todas las plataformas (iOS, Android y la versión web).

En otras palabras: si vivís en cualquiera de los países o regiones que indicamos a continuación, podréis empezar a ver los canales de otras personas y a retransmitir en directo vuestras aventuras en Minecraft, las sesiones de vuestro club de tejido de ranas de ganchillo, vuestros paseos matinales, consejos para personalizar un Furby o... En fin, cualquier cosa que os entusiasme lo suficiente como para compartirla con el resto del universo.

Esta es la lista de lugares que podrán empezar a disfrutar de Tumblr Live muy pronto: – Brasil – Canadá – Corea del Sur – Japón – Malasia – México – Reino Unido – Turquía – Unión Europea

Os explicamos cómo funciona:

El icono de la cámara 🎥 que aparece en el menú inferior de las aplicaciones para dispositivos móviles os llevará hasta Tumblr Live, donde podréis navegar entre todos los canales que están retransmitiendo en directo en ese momento. También veréis algunos destacados en la parte superior del Escritorio en el apartado titulado «Tumblr Live».

Mientras el contenido sea apto para todos los públicos, podréis retransmitir lo que queráis: patos paseando por un parque, el muñeco de nieve al que acabáis de dar vida, un patrón de bordado tan bonito que hace que la gente se desmaye... Solo tenéis que pulsar el botón «¡Retransmite en directo!» y listo.

Es posible usar tanto la cámara frontal como la trasera, así que, si lo vuestro no es dejaros ver, podéis retransmitir sin mostrar la cara.

También tenéis la opción de dar privilegios de moderación a vuestro público más fiel y fiable para que os ayuden a gestionar las retransmisiones y evitar que se cuele gente indeseable mientras estáis en directo.

Para ver una retransmisión, solo tenéis que pulsar en el avatar del canal en cuestión (no importa si seguís su blog o no).

Podréis enviar regalos a quienes estén en directo durante la retransmisión si os está gustando el contenido.

Además, podéis guardar vuestros canales favoritos en una pestaña especial para no perderles la pista.

¡Y eso es todo por ahora! Es el momento de dejar volar vuestra imaginación. Todo es posible en Tumblr Live: retransmitir partidas de vuestro videojuego preferido, organizar un club de lectura, mostrar cómo crecen vuestras plantas, montar campañas de Dungeons & Dragons, ilustrar en directo, explicar datos curiosos sobre cada especie de tiburón, enseñar vuestras mejores combinaciones de ropa, hacer cosplay, tejer en grupo, compartir tutoriales sobre fotografía, contar cuentos, regar tomateras, dar conciertos, crear la primera convención mundial de Tamagotchi, hacer recorridos guiados por vuestro museo favorito, llenarlo todo de cangrejos (esta última es nuestra favorita)... ¡Qué locura!

Esperamos que os lo paséis tan bien como chapoteando en una piscina de bolas. Estamos deseando ver qué ideas maravillosas y disparatadas se os ocurren. No es poca cosa. ¡A llenar el mundo de caos y creatividad! ❤

[insurgentepress]

Participa la BUAP en Noche de Museos 2024

Agencias, Ciudad de México.- El acervo histórico y artístico de la BUAP, resguardado en sus museos Casa de los Muñecos, Memoria Histórica Universitaria y Carolino. Centro de la Cultura y los Saberes, estará expuesto de forma gratuita al público en general este 14 de septiembre, como parte de la colaboración de esta casa de estudios con Noche de Museos 2024, un programa del Ayuntamiento de…

[lanuevafotodelmes]

FOTO DEL MES/ SEPTIEMBRE A destiempo. Estoy perdido. No tengo brújula. Tampoco logro ver el horizonte ¿Siquiera donde me dirijo encontraré tierra firme?, ¿En donde estoy? Pienso ¿Estoy?.

Nahuel Gonzalez

Sobre la fotografía elegida escribe Pablo Masino

Ver fotos de cuando mamá era joven me pone triste. Es muy hermosa, sus ojos brillan felices y están llenos de ilusiones. ¿Por qué la vida no resulta como la proyectamos y desearíamos que fuera? ¿Por qué es el tiempo tan despiadado? ¿Por qué nos roba nuestras mejores oportunidades si no estamos alertas y las aprovechamos al instante?” se pregunta, interpelada por la imagen, Liv Ullman en su autobiografía.

Es extraña la forma que tiene de decir la fotografía de Nahuel. Posibilita, aparenta, ensaya, formas de hablar acerca del tiempo y la porosidad de los bordes, la evanescencia. Sus palabras son categóricas hasta para formular preguntas e intento responderme a mí mismo conectando los puntos, cruzando datos, triangulando con algo más que tenga a mano, como la primera edición de “Senderos” que leyó y marcó otra persona, hace muchísimos años. Entonces pienso, después de una larga vuelta, que si se tiene un recurso a disposición hay que usarlo hasta su agotamiento; que, quizás, algo de esta imagen es parte de una brújula que el autor construye por necesidad.

Sobre nuestro editor del mes

Pablo Masino. Tucumán (1989).

Es fotógrafo, artista visual y docente Orientó su trabajo al registro y documentación fotográfica en el ámbito de las artes visuales, la artesanía, el diseño, la música y la arquitectura. Como artista visual participó de diversas exposiciones de carácter individual y colectivo en Tucumán y Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Fue fotógrafo de rodajes de producciones audiovisuales tales como Puan (2023), Los Dueños (2013) y Muñecos del Destino II (2018). Forma parte del staff de artistas de @dicha.lugar, donde actualmente trabaja en San Miguel de Tucumán. Formó parte del equipo del Museo Casa de Yrurtia (CABA) desempeñando tareas en las áreas de bienvenida, archivo y programas públicos; además, se encargó del registro fotográfico de su patrimonio. Entre 2015 y 2023 fue docente y coordinador de campo de la Escuela de Bellas Artes de la UNT desempeñando funciones en diferentes espacios curriculares y campos de formación, tanto para el Nivel Medio como para el Nivel Superior de la institución. Dicta talleres de fotografía y audiovisual en contextos diversos desde 2011.

@masinopablo

[ncv]

Cerca al río me contaron que el oro se mueve como agua a través de las montañas causando avalanchas, la última vez que un mohán del bosque movió un gran tesoro fue para la erupción de Cumanday y enterramiento de Armero en el 85; así es que protegen sus muñecos de joyas como esos que están en los museos, también supe que desde entonces en cada noviembre llueven flores por allá

[etcetera-acabcia]

El cuerpo en Pedro Nel/ cuerpos en el parque/ muñecos

En la visita hacia el Museo Pedro Nel Gómez, encontraba un bricolaje extenso hacia los gestos, las rutinas y los cuerpos en el trabajo del maestro. Esto tuvo gran impacto para mí y para el ahora nuevo cuestionamiento sobre mi tema investigativo, hacia el cuerpo como registro de historia, identidad, relato, o viceversa. Me he dado cuenta, que a lo largo del curso he buscado de algún modo los gestos y las historias de estos. Hay una particularidad infinita en ellos. Busco de cierta forma, acercarme a las historias que responden a estos gestos, que puede ser una manera de expresarse o existir. Sin embargo, es en el lugar que se le da a la historia particular, donde encuentro lo vinculativo a lo social, contextual y/o político.

[sencilla-mentelibros]

La furia del jaguar

El 23 de julio de 2022 fui a la 4ª Feria Nacional del Libro, desarrollada en el MUNA. Fue durante días lluviosos, así que mientras caía el agua por fuera, yo recogía libros bajo el techo del museo. Mi objetivo principal: literatura salvadoreña. Iba de puesto en puesto valorando mis próximas lecturas cuando encontré este libro, «La furia del jaguar». Tuve la suerte de encontrarme con el autor, Héctor Dennis López quien, en sus palabras, me trazó algunas ideas de lo que va el texto.

Esta historia, trata de los nahuales y los tonales. Conceptos que no manejo con facilidad, a pesar de que he leído en otra ocasión la fantástica historia de tres tomos de Cenizas Quedan, donde me familiaricé un poco con el concepto del nahual. Según la contraportada del libro que reseño ahora, los nahuales: «son unos espíritus animales que te acompañan desde tu nacimiento para protegerte y guiarte». Algunas personas, como los shamanes, se creía antiguamente, eran capaces incluso de tomar la forma del nahual. Por otra parte, el tonal es un «alter ego» cuyos destinos estaban ligados al de uno mismo. Es decir, si uno moría, el otro también.

En este contexto, la historia comienza con la familia de Marco Tulio, padre, Ana, madre y Raúl, hijo, quienes viven en Santa Ana en el año 1800. El texto comienza muy interesante, con una escena de acción que atrapa desde el inicio: Marco Tulio corre por su vida e intenta librar a Ana y a Raúl de seguir su mismo destino. Marco Tulio es acusado de robo por el Señor Juárez y es vapuleado y asesinado en una plaza pública por estos delitos. Ana y Raúl consiguen huir, sin que Raúl conozca el verdadero fin de su padre, y el señor Juárez se queda con la finca de Marco Tulio. Ana y Raúl logran reubicarse después de su huida y un día Raúl escucha una historia sobre un tal Fulgencio, un viejo tan viejo, que despierta rumores y curiosidad en el pueblo por sus muñecos de barro, cabezas de tigrillo y figuras pipiles. Por razones del destino, Raúl se encuentra con Fulgencio y este le hereda su poder Nahual. A partir de ahí, la historia se desarrolla diez años después, dando paso a un relato rápido y lleno de fantasía.

El autor nos brinda una lectura ágil que se puede conseguir en un tiempo corto. No se adentra mucho en la psicología de los personajes, sino que se concentra mucho en la acción. A mí, personalmente, me recordó las veces de un cuento, más que una novela. Intenta, en el camino, desarrollar dos historias paralelas que convergen en un resultado inesperado, por ello la extensión. Me gusta además que hay una moraleja implícita que más que ser explicada es mostrada durante el relato.

Algo que extrañé, en lo personal, es el uso voseo tan natural del país. Al principio me costó situarme en una locación nacional por ese tuteo que se da en todo el texto. Es algo que quizá hubiese elegido diferente. Otra cosa que sentí que se podía mejorar fueron los saltos entre capítulos, a veces sentía que estaban bien, a veces los sentía muy abruptos. Finalmente, hay todavía pequeños errores «de dedo» que podrían corregirse para dar un mejor acabado al producto.

En conclusión, es una historia muy entretenida que da luces en el tema de las creencias pipiles y que se desarrolla de manera ágil y rápida. Es una historia de acción que involucra la magia y una cultura, generalmente ajena a nosotros. Le doy tres estrellas.

Fecha original de publicación: agosto 11, 2022.

[ensayosalpopurri]

Cronica sobre el repositorio de Graciela Ituride.

Escoger de entre una exposición en un museo o una digital, yo preferiría la de el museo. Nada se compara a salir de la prisión de la casa, donde duermes, comes y te atiendes. Pero el tiempo no favorece siempre el permitir visitar algunos lugares y no queda de otra que consumir del arte en casa.

El repositorio de Graciela Iturbide, un acervo digital de su trabajo pictográfico ahora esta disponible para que pueda verlo el que quiera. Al ingresar a la liga uno se encuentra de frente a una sintetizada biografía de la autora y una foto de ella misma con un par de pájaros comiendose los ojos. Solo eso.

Abajo, unas cuantas fotos más, algunas con título y otras sin. No hay explicación de las imágenes, solo la información sobre las piezas per se, pero nada del concepto o de la idea. Al fin y al cabo son fotografías.

“¿Qué es una fotografía si no el recuerdo tangible del instante?”

Eso es lo que me dice Juan Pablo, un muy buen amigo fotógrafo, el único que me ha ensñado la belleza de estar una hora bajo el sol tratando de tomar una foto.

Siempre que me detengo frente a una fotografía me cuesta mantenr la paciencia para adentrarme a la esencia de la pieza, o incluso entender el mensaje. A menos que sea algo muy llamativo o la imagen de un personaje importante o un momento memorable…

Solo hay fotos en esa galería… y nada más.

Recordé luego de varios minutos de ver entrevistas de la autora en YouTube, que cuando veo mi propia galería de fotos, incluso las fotos familiares que están impresas, siempre es acompañado de música. Nada simbólico, solo soy un melómano. Inmediatamente después fui a mi tornamesa, la descubrí de su funda y destapé la aguja. Busque algo ad hoc a la galería de Graciela Iturbide de mis vinilos. ¿Algo clásico?, ¿Beethoven o Chopin?, por ahí se asomó The Dark Side of The Moon pero no. Lo apropiado para una fotógrafa mexicana de los años 60´s era una especie de bolero. Algo que le pediría mi abuela a su Alexa para crear una atmósfera calidad y nostálgica Eydie Gormé Canta en Español con Los Panchos

Tengo ese disco, solo una canción está rayada, la primera “Amor”, pero eso no afecta tanto. Puse la aguja en la segunda canción del lado A. Las guitarras y el guitarrón inmediatamente le dieron un poco de color a esas fotos en monocromo. Edye comenzó a cantar.

“Caminito que el tiempo ha borrado Que juntos un día nos viste pasar, He venido por última vez, He venido a contarte mi mal…”

La canción adecuada para una foto, espacialmente esta llamada Sin título. Una figura que carga con lo que parecen unos muñecos cruzando un patio lleno de rejas. La historia se cuenta sola, solo ayudado de una canción y la imaginación se encarga del esto.

Lo mismo sucedió al hacer la mezcla entre Noche de ronda y otra foto sin nombre:

“Luna que se quiebra Sobre la tiniebla De mi soledad A dónde vas

Dime si esta noche Tú te vas de ronda Como ella se fue Con quién está

Dile que la quiero Dile que me muero De tanto esperar Que vuelva ya

Que las rondas No son buenas Que hacen daño Que dan penas Que se acaba Por llorar”

La foto Primer día de verano que no pude evitar asociarla con el cuento de José Emilio Pacheco “Las batallas en el desierto. La imagen contiene a unos niños jugando en arena, poareciera que se están aventandode un monticulo y se dejan rodar.  No pude pensar fácilmente en una canción con la cual ver esta imagen, no se me ocurría otra historia más alegre y nostalgia que la de unos padres viendo a sus niños jugar.

“Ojos negros piel canela Que me llegan a desesperar Me importas tú Y tú y tú

Y solamente tú Y tú y tú Me importas tú Y tú y tú Y nadie más que tú”

El resto de las fotos se iban combinando con las canciones que sonaban, no pude pensar en otra cosa más en que la cotidianidad del país, un juego entre el surrealismo, emociones y una extraña sensación de nostalgia a una época que no viví.

[elcorreografico]

Los vecinos eligieron a “Los Simpson” como el muñeco ganador en la quema de Año Nuevo 2023

#LaPlata #Cultura #Turismo #Sociedad | Los vecinos eligieron a “Los Simpson” como el #muñeco ganador en la #quema de #AñoNuevo 2023

El momo que representaba a las figuras de “Los Simpson” en 25 y 32 fue el ganador como el muñeco en la quema de Año Nuevo organizado por la Municipalidad de La Plata. La llegada del 2023 se celebró en la ciudad con miles vecinos que compartieron la histórica quema de 78 muñecos distribuidos por las esquinas de los distintos barrios platenses.  “Como en cada edición, hemos disfrutado de un…

[auroray7]

El Belén de Playmobil 7.5

El Belén de Playmobil 7.5

El Museo Etnográfico de Zamora vuelve a montar su belén de Playmobil. Estos simpáticos muñecos recrean las escenas más típicas del Nacimiento de Jesús.Desde la llegada de los Reyes Magos, hasta la adoración de los pastores, pasando por escenas romanas o del mismo Egipto. Un belén que enamora año tras año. Se puede visitar gratuitamente hasta el 8 de enero de 2023

[treeofliferpg]

Ideas de rol: Citas para tus personajes

Recordamos que el siguiente texto no ha sido redactado por el staff de ToL, solo lo hemos traducido para que pueda llegar a más personas. La autoría pertenece @screnwriter. Podéis leer el post original en su tumblr así como en nuestro tumblr bajo la etiqueta “idioma original”.

Vendarle los ojos a tu cita y llearlo a una maravillosa sorpresa

Hacer un hermoso picnic en el jardín

Tomar fotografías el uno del otro

Bailar bajo las estrellas

Dormir bajo las estrellas, asar malvaviscos y mirar las estrellas

Visitar museos (podría ser de arte, arqueología, dinosaurios, evolución humana, el espacio...)

Una cita estándar, cena y una película

Cita en el autocine, cena en un restaurante de comida rápida a la una de la madrugada.

Jugar al minigolf o algún otro tipo de deporte

Ir a un parque de diversiones, compartir un beso en el callejón

Ir a un festival de camiones de comida

Clase de cocina o repostería o cocinar juntos en casa

Pedirle que sea su acompañante en la boda de otro amigo

Visitar una librería de libros antiguos, elegir libros para que los lea el otro

Una cita recorriendo la ciudad, visitando pequeñas tiendas, descansando las piernas en un pequeño y tranquilo café acogedor, tomados de la mano sobre la mesa

Visitar viejos castillos, monumentos, atracciones turísticas...

Cita para desayunar

Contemplar el atardecer o el amanecer

Ir a dar un paseo a medianoche

Hacer una actividad en la que ambos son terribles, por una buena risa 

Jugar videojuegos/juegos de mesa juntos

Escribir cartas de amor

Recrear su primera cita/cita favorita

Construir un muñeco de nieve, tener una pelea de bolas de nieve

Ir a un huerto de calabazas, elegir la calabaza perfecta, decorar juntos para Halloween. O lo mismo per eligiéndo un árbol para Navidad y decorándolo.

Ir a una scape room

Hacer una capsula del tiempo

Visitar una casa embrujada

Conocerse en un bar, asumir nuevas identidades e intentar ligar

[jgmail]

Arte sacro español del Museo del Prado, un tesoro de valor incalculable

Entrevistamos a Fernando Álvarez Maruri, un auténtico enamorado del arte, para que nos hable sobre los tesoros del arte sacro español del Museo del Prado. Fernando se define a sí mismo como un “pradoadicto”. A pesar de no residir en Madrid, cada vez que viaja a la capital de España, realiza visitas al museo; en ocasiones, éstas duran una jornada entera. En esta ocasión nos habla del arte sacro español en el Museo del Prado, correspondiente al románico, gótico y renacimiento. El Museo alberga tanta cantidad de tesoros que es imposible abarcarlos todos en una entrevista. Por eso, cita y comenta, a modo de pincelada, algunos de los más significativos, siendo consciente de que tiene que omitir, muy a su pesar, muchísimas obras de arte de primerísimo nivel.

En una próxima entrevista, que debido a su minuciosidad tardará un buen tiempo, abordaremos del arte barroco en adelante.

¿Cómo descubrió el Museo del Prado y sus numerosos tesoros?

Comencé a viajar a Madrid, de manera continuada, en 1985, a la edad de veintidós años; en aquel tiempo, estudiaba Geografía e Historia en la universidad del País Vasco. Siempre he considerado que el patrimonio histórico artístico de una nación, de alguna manera, es la materialización de su historia. El emperador Carlos V, su hijo Felipe II, Felipe IV y los primeros reyes de la dinastía borbónica, por poner algunos ejemplos, se han convertido tan solo en un recuerdo. La España en la que vivieron se ha transformado profundamente, en muchos aspectos es irreconocible. Sin embargo, algo real y tangible nos queda de ellos. Lo esencial de sus colecciones artísticas se conserva en el Museo del Prado. Cuando contemplamos los Tizianos que tanto fascinaban al emperador Carlos, podemos introducirnos en su mundo, entender su mentalidad y conocer sus gustos estéticos; lo mismo nos ocurre al visitar la sala que atesora los Boscos de Felipe II, o cuando caminamos por el espacio reservado a Velázquez y nos maravillamos con los retratos que pertenecieron a Felipe IV. Tenemos la inmensa suerte de que las mejores obras artísticas de las que disfrutaron nuestros reyes han llegado hasta nosotros, casi siempre perfectamente conservadas, y son accesibles para los ciudadanos.

Huelga decir que para conocer, con un mínimo de rigor, un museo tan extenso y denso como lo es el Prado se necesita realizar decenas de visitas. Siempre que uno deambula por este lugar mágico, descubre pinturas “nuevas”, de las que habitualmente se encuentran depositadas en los almacenes y que por falta de espacio no encuentran acomodo definitivo en las salas del museo. Otras veces, la obra en cuestión ha pasado por los talleres de restauración y ha sido despojada de barnices oxidados, pudiendo ser admirada en toda su plenitud, como salió de las manos del artista que la creó. En realidad, el Prado nunca se termina de descubrir del todo. Es un museo vivo, no una colección cerrada; sigue creciendo e incorporando nuevas obras de arte. Gracias a las adquisiciones por parte del Estado y a las generosas donaciones de particulares, enriquece paulatinamente sus fondos y rellena las lagunas existentes.

Me gustaría que nos comentase cuáles son las obras más señeras de la colección del Prado; me interesan, de modo especial, las de temática religiosa que atesora entre sus muros tan insigne institución cultural. Creo que en esta entrevista deberíamos centrarnos en la escuela española y dejar, para más adelante, el resto de escuelas.

Es complicado hacer una selección de los tesoros artísticos que se conservan en nuestra primera pinacoteca nacional; se trata de una tarea ardua y dolorosa. Por falta de espacio, deberemos excluir de nuestra lista obras de gran belleza estética; tampoco podremos citar a muchos artistas célebres, mundialmente reconocidos. El Prado está considerado como el museo del mundo que atesora un mayor numero de obras maestras por metro cuadrado, se habla de unas ochocientas; los expertos lo califican como un museo de pintores y de artistas, no es una colección enciclopédica al uso. En estas páginas, me limitaré a comentar un ramillete de obras, y no podré realizar un análisis exhaustivo de las mismas. Mi única intención es despertar en el lector el interés por visitar, de manera pausada y ordenada, esta institución. Su existencia supone un motivo de orgullo para los españoles; nos abruma por su inmensidad y a la vez eleva nuestro espíritu. El Prado, entre otras cosas, es una auténtica Biblia visual, que nos ayuda a conocer los pasajes más representativos de las Sagradas Escrituras.

¿Cuáles son las principales obras, dentro de las más antiguas, de la escuela española, que se conservan en el Museo del Prado?

Tenemos que remontarnos al siglo XII, una época en la que en la mitad norte de la península se asientan cuatro reinos cristianos, que siglos más tarde se fusionarán para formar España; nos estamos refiriendo a las coronas de León, Castilla, Navarra y Aragón. Durante esta centuria, dichos reinos se enfrentarán a problemas de tipo sucesorio y competirán entre sí por ampliar sus fronteras. La zona sur de la península se encuentra bajo el dominio del Imperio Almohade; los musulmanes, tras siglos de Reconquista, luchan por conservar Al Andalus, sus tradiciones y religión. En este contexto histórico, en una pequeña población enclavada en la provincia de Segovia, encontramos la Ermita de la Veracruz de Maderuelo. El ábside de este templo se ornaba con una serie de pinturas al fresco. Como consecuencia de la construcción de un pantano, estos frescos fueron trasladados a lienzo en 1947. Su destino final fue la exposición permanente en el Museo del Prado, a partir de 1948. Las pinturas están fechadas en el siglo XII. Se trata, sin duda, de uno de los conjuntos pictóricos románicos más importantes de España.

¿Cuál es la principal finalidad de las manifestaciones artísticas del románico español?

Tienen como única finalidad adoctrinar a los fieles, en su inmensa mayoría analfabetos, a través de la representación de una serie de pasajes bíblicos, siempre con un carácter didáctico. Las cuestiones estéticas quedan supeditadas al mensaje doctrinal que se quiere enviar al espectador; se trata, por tanto, de un arte eminentemente conceptual. Desde el punto de vista temático, se hace referencia a los dos paraísos: el terrenal y el celestial. En un espacio semicircular se representan dos importantes pasajes del Génesis: la Creación de Adán y el Pecado Original; las dos escenas están divididas por una palmera, árbol que hace alusión a la localización oriental del jardín del Edén.

A la hora de representar a Dios Padre insuflando vida a Adán, el pintor anónimo renuncia a cualquier referencia espacial, nos da la sensación de que las figuras flotan en el espacio. En la pintura románica la perspectiva es inexistente. Las figuras aparecen flexionadas, adaptándose al espacio semicircular. Se representa a Adán completamente desnudo, ocultándosele al espectador tan solo la visión de sus partes pudendas. El pintor renuncia al naturalismo y nos da la sensación de que los cuerpos de nuestros primeros padres son los de dos muñecos articulados; recurre a una serie de líneas negras y rojas para dibujarlos. Se utilizan colores planos; los volúmenes de las figuras están iluminados por igual, no existen las sombras, ni matices lumínicos.

La narración del pecado original se sintetiza en una única escena, en la que los protagonistas se sitúan a ambos lados del árbol de la ciencia. Eva sujeta el fruto con una mano, mientras que cubre sus genitales con una hoja de parra, inequívoca señal de que siente vergüenza de su desnudez. Adán, por su parte, con el rostro desencajado, se sujeta el cuello con una mano y con la otra tapa sus partes íntimas; ya son plenamente conscientes de que han pecado contra Dios.

En el testero, espacio semicircular, el artista anónimo representa el Cordero Místico, es decir a Cristo Salvador, inserto en una cruz, sujetada por dos ángeles. A ambos lados aparecen las figuras de Caín (aunque para algunos estudiosos se trataría de Melquisedec) y Abel, presentando respectivamente sus ofrendas a Dios.

Presidiendo este esplendido conjunto pictórico, en la bóveda, aparece el Pantócrator; se trata de la representación, típicamente románica, de Cristo en majestad (Maiestas Domini), insertado en una mandorla o almendra mística, sostenida por cuatro ángeles. El Salvador, entronizado, nos bendice con una mano, mientras que con la otra sostiene el Evangelio. En una ventana muy estrecha encontramos al Espíritu Santo en forma de paloma.

Los cuatro evangelistas aparecen con la forma del Tetramorfos: con cuerpos humanos y las cabezas del animal con el que se les relaciona a cada uno (león para San Marcos, toro para San Lucas y águila para San Juan); a San Mateo se le representa con un ángel. Las figuras de los apóstoles de Cristo aparecen enmarcadas por estructuras arquitectónicas que nos remiten a la Jerusalén Celestial. El pintor reproduce en estos muros otras escenas evangélicas como La Anunciación del Ángel a María; La Virgen y el Niño adorado por un rey mago (en muy mal estado de conservación) y María Magdalena enjuagando los pies a Cristo con sus cabellos. Este conjunto pictórico estilísticamente guarda relación con los lienzos procedentes de San Baudelio de Berlanga (provincia de Soria) y que también se exponen en el museo, en la misma sección dedicada al arte románico.

De entre todas las que cuelgan de las paredes del Prado, ¿Cuáles serían las más paradigmáticas del gótico español?

El museo del Prado cuenta con una excepcional colección de pintura gótica española. Encontramos todo tipo de piezas, desde las de carácter más primitivo y arcaizante hasta las más evolucionadas, que utilizan un lenguaje naturalista, próximo al renacimiento. He escogido para la ocasión una tabla de Jaume Serra en la que se representa a la Virgen de Tobed. Procede de la Iglesia gótico-mudéjar de Santa María de Tobed, en la provincia de Zaragoza; concretamente se trata de la tabla central del retablo mayor. Ingresó en el museo recientemente, formando parte de la generosa donación que realizó Várez Fisa de su colección de obras góticas y renacentistas españolas. En el museo se ha habilitado una sala de grandes dimensiones para exponer dignamente tan valiosa aportación. La Virgen de Tobed está fechada entre 1359 y 1362. Se trata de una obra cumbre del estilo italogótico catalán; además de su indudable calidad estética, se trata de un documento histórico de incalculable valor. Las figuras se recortan sobre un lujoso fondo dorado. Se representa la advocación mariana de la Virgen de la leche. María aparece sentada, envuelta en un espléndido manto bordado, sosteniendo sobre su regazo al Niño Jesús.

Éste es amamantado, mientras gira el rostro hacia el espectador, al igual que hace su Madre; como si quisieran entablar un diálogo con el fiel y hacerle partícipe de la intimidad familiar. En los laterales se distribuyen cuatro esbeltos y bellos ángeles, dos a cada lado, flotando en el espacio, adorando al Niño Dios y a la Virgen María. El retablo fue costeado por el rey Enrique II de Castilla y su mujer Juana Manuel. En esta tabla están presentes varios escudos del reino de Castilla y León y de la casa de los Manuel. A los pies de la Virgen y el Niño, encontramos las figuras de los donantes arrodillados y con las manos juntas, en actitud de plegaria. Aparecen representados a una escala más reducida que las sagradas imágenes, como signo de humildad. A la izquierda se sitúan el rey Enrique II de Castilla junto a su hijo, el futuro Juan I de Castilla. En el extremo derecho de la tabla aparece la reina Juana Manuel y una de sus hijas.

¿Existe alguna otra obra gótica digna de mención?

Vamos a pegar un salto en el tiempo para situarnos en la segunda mitad del siglo XV. Una de las tablas imprescindibles, de las que dejan prendado al visitante por su belleza, es, sin duda, el Santo Domingo de Silos entronizado como obispo, salida de los pinceles de Bartolomé Bermejo. Está datada, aproximadamente, entre 1474 y 1479 y la podemos encuadrar en lo que se conoce como estilo hispano-flamenco. Bermejo creó escuela en Aragón, fue maestro de maestros. Se trata de la tabla central del retablo mayor de la Iglesia de Santo Domingo de Silos de Daroca (Zaragoza). La composición presenta un carácter marcadamente piramidal. Se representa al santo vestido como obispo, no como abad de Silos, y revestido de pontifical. Domingo se presenta ante el espectador en toda su magnificencia, como un ejemplo vivo de la pompa y el boato del que se reviste la Iglesia. Viste casulla y sobre sus hombros descansa la capa pluvial, con una cenefa ricamente labrada, en la que se bordaron imágenes de los santos que contaban con mayor devoción en la localidad; aparece tocado por una mitra y sujeta entre sus manos un libro abierto. La presencia de un precioso báculo, de formas afiligranadas, es otro signo de su poder. El trono, de un inconfundible estilo gótico, rematado por pináculos, se ornamenta con las figuras policromadas de las Siete Virtudes.

Por su parte, la imagen del santo es de una gran rotundidad; aparece colocado en una postura frontal, con la mirada fija en el espectador; su rostro presenta contrastes lumínicos que le confieren un gran realismo. En cuanto a la técnica se refiere, el pintor hace un alarde de su maestría a la hora de reproducir las calidades táctiles de los objetos: las transparencias y veladuras de los tejidos, la riqueza de las sedas y oros con los que han sido confeccionados los ornamentos litúrgicos, el brillo de las joyas, el minucioso brocado de la capa… También demuestra un gran dominio de los efectos del claroscuro. Se utiliza, de forma generosa, el pan de oro, para conferir a la composición una mayor riqueza. No podemos dejar de referirnos al espectacular marco, que es el original, con sus caprichosas y alambicadas formas góticas. Sin duda, se trata de una obra maestra que está a la altura de las mejores tablas flamencas.

El pintor palentino Pedro Berruguete es otro de los grandes artistas que trabajaron en las postrimerías del siglo XV. El Prado cuenta con un excelente conjunto de tablas de este autor. He escogido una que está datada entre 1493 y 1499 y que se titula Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán. Procede de la sacristía del Convento de Santo Tomás de Ávila. Podemos calificar esta obra como de transición; entremezcla elementos típicamente góticos, propios del estilo hispano-flamenco, con otros aspectos que anuncian la llegada del renacimiento. Todavía recurre al lenguaje medieval, representando a los personajes de rango más elevado con un tamaño mayor, como el propio Santo Domingo de Guzmán; por el contrario, los herejes albigenses aparecen empequeñecidos, quedando patente su inferioridad moral. Sin embargo, el autor acepta los presupuestos del renacimiento, demostrando un cierto dominio de la perspectiva, recurriendo para ello a la utilización de elementos arquitectónicos. También combina acertadamente los efectos de luces y sombras. Santo Domingo fue el fundador de la orden de predicadores; se le representa sentado sobre un rico trono con un nimbo coronando su cabeza y tres flores de lis.

Fue el encargado de presidir el auto de fe contra el hereje Raimundo. Este suceso ocurrió en el siglo XIII pero los personajes que aparecen en la escena visten a la moda de finales del siglo XV, época en que reinaron los Reyes Católicos. Seguramente, Berruguete se inspiró en algún auto de fe acaecido en el período en que le tocó vivir. En el centro de la composición, encontramos un trono con dosel amarillo, levantado sobre un basamento. Junto al santo protagonista, en este espacio de honor, se distribuyen seis magistrados, tres a cada lado, cómodamente sentados, conversando entre ellos. Como dato anecdótico, en la grada inferior y a los pies del santo, uno de los jueces dormita plácidamente, ajeno a las preocupaciones que conlleva el proceso. Los oficiales encargados de leer las sentencias permanecen de pie. Junto a las escaleras de la tribuna, un dominico comunica al hereje Raimundo que su pena ha sido conmutada, salvará su vida; el procesado se ha despojado del capirote pero sigue vistiendo el sambenito amarillo. La perspectiva es baja, quedando reflejado en la composición el pronunciado desnivel del terreno. En la lejanía, en la zona izquierda de la tabla, se levanta un pequeño tablado, sobre el que se apiñan los oficiales y los condenados. En el plano bajo de la derecha, muy cerca del espectador, se erige un pequeño estrado de piedra que hace las veces de cadalso para la ejecución de las sentencias. Aparecen dos condenados desnudos, atados a un poste y sufriendo el castigo del fuego; por el suelo se distribuyen las maderas que se utilizarán como combustible. Dos de los herejes visten capirote y sambenitos, símbolos de su pecado. La presencia de soldados, a caballo y a pie, aporta movimiento a la escena. Casi invisibles, bajo el tablado de madera, se sitúan los espectadores que contemplan atónitos la ejecución de los reos.

Otro de los grandes maestros de la pintura, activo a finales del siglo XV, fue Fernando Gallego.

Así es y una de sus obras más bellas es, sin duda, la que se titula Cristo bendiciendo, fechada en 1496. Procede de la iglesia de San Lorenzo de Toro (Zamora). Esta tabla la podemos encuadrar en el estilo hispanoflamenco castellano. El espectacular marco de madera dorada, de elaboradas formas góticas, se confunde con la pintura de la tabla, entremezclándose con el bello fondo arquitectónico que se representa en la composición. El artista dibuja esbeltos arcos apuntados, sujetados por columnas irisadas, que sirven de puntos de fuga, creándose así la ilusión de perspectiva; también utiliza el ajedrezado del suelo para dar la sensación de profundidad. Sobre una plataforma con dibujos de taracea, se levanta un trono gótico de madera sobre el que se sienta el Señor. Al fondo, podemos admirar un dosel, de rico brocado y reflejos dorados, que añade una nota de suntuosidad y elegancia a la escena. En primer plano y en el centro, aparece Cristo como Salvador del Mundo, bendiciendo a la humanidad.

Es una figura de una rotundidad escultural, majestuosa y solemne, que nos transmite una gran serenidad y paz. El pintor lo representa como a un hombre joven, de rasgos equilibrados, larga y ondulada cabellera, barba dividida en dos y con una mirada profunda y conmovedora. Su cabeza aparece inclinada hacia la derecha y el pie izquierdo, desnudo, adelantado; posiblemente el autor quiera romper la frontalidad de la composición y dotar de un mayor dinamismo a la escena. Para impartirnos su misericordiosa bendición, Cristo eleva la mano derecha, con los dedos índice y corazón juntos. En la mano izquierda, porta una esfera de cristal, símbolo del universo sobre el que reina, y que aparece rematada por una estilizada cruz de coral. El pintor demuestra su gran maestría y virtuosismo al diseñar los ropajes de Cristo. La túnica ha sido confeccionada con una espléndida tela, con brocados de grana y oro. El manto, de tono carmín, se sujeta por medio de un espectacular broche de rubí. Los tejidos se pliegan formando amplios ángulos quebrados, al gusto de la pintura flamenca. En los cuatro ángulos de la tabla se distribuye el Tetramorfos, los cuatro evangelistas representados por sus símbolos: el águila de San Juan, el león de San Marcos, el ángel de San Mateo y el toro de San Lucas. Flanqueado a Cristo, en los brazos del sillón y dibujadas a una escala menor, se representan las alegorías de la Iglesia y la Sinagoga. La Iglesia triunfante, a la derecha del Señor, encarnada en una joven muchacha, porta el estandarte de la Victoria y el cáliz con la Eucaristía, aparece cubierta con un manto rojo. Frente a ella, a la izquierda, contemplamos a una anciana a punto de caerse, sujetando una bandera rota y las tablas de Moisés; se trata de la Sinagoga, que viste de amarillo, el símbolo de envidia y la iniquidad.

Dejemos la Edad Media para adentrarnos en el renacimiento español, un momento de la historia en el que florecen las artes y las ciencias. ¿Cuáles son los artistas más destacados de este período con presencia en el Museo del Prado?

Comenzaremos por nombrar a Juan de Flandes, un artista de origen flamenco que difundió en Castilla el arte renacentista y fue pintor en la corte de Isabel la Católica. El Museo del Prado dispone de varias tablas suyas; hemos escogido la que se considera su obra maestra, la Crucifixión, que procede del retablo mayor de la catedral de Palencia. Ingresó en el museo en 2005, como consecuencia de una dación por impuestos. Está datada entre 1509 y 1519. La técnica que utilizó el pintor fue el óleo sobre tabla. La escena se contempla desde un punto de vista bajo, con el fin de que el espectador se sitúe al mismo nivel que los protagonistas de este pasaje evangélico; de esta manera, el fiel participa de una manera más directa en el drama de la Pasión. Presidiendo la composición, encontramos a Cristo crucificado; a su alrededor se distribuyen, en semicírculo, el resto de los personajes. Como paisaje de fondo, al atardecer, divisamos una tierra seca y áspera que nos recuerda a las llanuras castellanas por su color parduzco. En un cielo crepuscular surge una gran nube oscura y amenazadora, que oculta parcialmente la luna y el sol, una reminiscencia de las tinieblas que envolvieron la tierra cuando falleció el Redentor. En la lejanía divisamos a un grupo de aves, con sus siluetas sombrías, flotando en el aire como símbolo de muerte. El autor demuestra un gran dominio de la perspectiva; para ello utiliza con profusión la línea recta en un formato apaisado. Introduce elementos de una marcada verticalidad como la cruz, la lanza del soldado o las estructuras arquitectónicas.

Se observa cierta influencia del arte italiano, sobre todo de Mategna. De este pintor, el Prado posee una tabla en la que se representa el Tránsito de la Virgen. La mirada del espectador se dirige al Cristo clavado en la cruz con tres clavos, según la norma establecida en el siglo XIII. Su cuerpo, ya cadáver, muestra una gran rigidez, no aparece flexionado. Para compensar el hieratismo de la sagrada imagen, el autor nos presenta un paño de pureza en movimiento, con numerosos pliegues y flotando en el aire. La filacteria que corona la cruz dibuja una diagonal, rompiendo así la frontalidad con la que el artista representa a Cristo. El rigor mortis ha hecho acto de presencia, el tono de su piel ha adquirido el característico color cerúleo; de la herida del costado, producida por la lanzada, mana abundante sangre; la cabeza, inclinada hacia la derecha, todavía tiene incrustada la corona de espinas. En el centro de la imagen y en primer plano se hace referencia a una antigua leyenda, según la cual Adán fue enterrado en el monte Gólgota; una calavera y un fémur son los símbolos de esta tradición. Encontramos más restos humanos esparcidos por el suelo.

A la derecha del crucificado se distribuye el grupo formado por la Virgen María, las santas mujeres y San Juan. Observamos sus rostros compungidos, de una palidez marmórea; el llanto por el Redentor y las oraciones se entremezclan; los personajes no se relacionan entre sí, cada uno está encerrado en su propio dolor. La Madre de Dios aparece en primer plano, sentada sobre una roca, transida de pena y envuelta en un manto oscuro de amplios y pesados pliegues. A la izquierda de Cristo, se disponen tres personajes, que contemplan atónitos al ajusticiado; se han convertido a la verdad, ya son plenamente conscientes de que aquel hombre era verdaderamente el Hijo de Dios. Tanto el centurión como el soldado que clavó la lanzada en el costado de Cristo aparecen montados a caballo y de frente al espectador. En el extremo de la tabla, de espaldas, aparece otro soldado, vistiendo una brillante armadura. Juan de Flandes demuestra carecer de conocimientos históricos, su representación es anacrónica. Los tres militares visten según la moda de principios del siglo XVI y no como lo hacían los romanos de los tiempos de Cristo. La finalidad última de esta obra es conmover al espectador, tocar su fibra sensible ante el misterio de la Redención.

Fernando Yáñez de la Almedina introduce en Valencia y en Castilla el renacimiento pleno, la estética del cuattrocento italiano. Al parecer, este artista estuvo vinculado profesionalmente con Leonardo da Vinci, con quien colaboró en su taller. En el Museo del Prado, desde 1946, se custodia una de las más preciadas obras del renacimiento español: Santa Catalina, fechada hacia 1510. Al contemplarla, el visitante se percata de la monumentalidad con la que el autor diseñó la imagen de la santa; ésta se nos presenta de cuerpo entero, como única protagonista de la escena, y aparece magistralmente iluminada. Al mismo tiempo, es una figura delicada, de una sutileza exquisita y marcada verticalidad. Catalina de Alejandría fue una joven princesa del siglo IV, hija del rey Costo, profundamente religiosa, además de virtuosa y sabia. Se negó a contraer matrimonio con el emperador Maximiliano y a consecuencia de ello sufrió martirio y acabó decapitada.

Inicialmente, esta obra estuvo atribuida a los pinceles de Leonardo da Vinci por su perfección técnica. Como decorado de fondo, con el fin de dotar a la composición de profundidad y perspectiva, encontramos una construcción de gusto clásico, con un claro predominio de las líneas rectas. Sobre la cornisa, hallamos una serie de objetos que hacen referencia a las cualidades de la santa: un libro abierto, símbolo de la sabiduría y sobre éste la palma del martirio. En el otro extremo del pretil, una corona de oro, con formas afiligranadas y piedras preciosas engarzadas, hace alusión al linaje real de Catalina. En el primer plano de la composición, surge majestuosa la imagen de la joven, de una hermosura deslumbrante: su piel nacarada y tersa; la mirada baja, como signo de humildad; esbozando una media sonrisa, una clara alusión al mundo de Leonardo; su cabellera rubia aparece parcialmente cubierta con un velo de suave tejido…La posición de los brazos dotan de cierto movimiento a la escena. Con la mano izquierda se levanta delicadamente el manto, mientras que con la derecha sujeta la espada, signo de su martirio, al igual que el fragmento de rueda dentada que aparece en el suelo. Yáñez demuestra un gran dominio técnico al reproducir los suntuosos ropajes con los que se viste la santa. Pinta con esmero las calidades de los elegantes tejidos, muy de gusto italiano, con los que aparece ataviada Catalina. En la zona del escote encontramos tules con sutiles transparencias. El sombreado, producido por los pliegues angulosos de las telas, proporciona a la figura un cierto aire escultórico, dotándola de mayor volumen. De gran originalidad es la presencia de letras cúficas en los vestidos que evocan el mundo morisco. La santa aparece ricamente enjoyada, adornada con perlas y piedras preciosas.

El toledano Juan Correa de Vivar es otra de las figuras señeras del renacimiento español.

El museo cuenta con casi cuarenta obras de este pintor. En el Retablo de la Anunciación, fechado en 1559, podemos admirar sus excelentes cualidades artísticas. Procede del monasterio abulense de Guisando y es una obra de madurez, de su producción tardía. En la tabla central se narra con exquisita delicadeza un pasaje transcendental del Evangelio de San Lucas: el arcángel Gabriel anuncia a María que ha sido elegida para concebir en su vientre al Hijo de Dios. Estilísticamente hablando, esta obra se encuentra en la órbita del Manierismo. Para representar a las figuras humanas, el artista recurre a un canon muy alargado, dotándolas de movimientos agitados. El arcángel aparece en una postura forzada e inestable, un tanto artificiosa. Despliega en el aire una filacteria con el saludo divino a María; sus vestiduras, de suaves tonalidades, se agitan violentamente; contorsiona su cuerpo hacia adelante y flexiona las piernas, mientras sus pies flotan sobre una nube baja.

La paleta que utiliza el pintor es de una gran riqueza cromática, con colores tornasolados y vivos, muy del gusto manierista. Podemos distinguir dos planos: el terrenal y el celestial. En una suntuosa estancia se encuentra María leyendo un libro piadoso, que está apoyado sobre una lujosa mesa. Inesperadamente, irrumpe el arcángel Gabriel en la habitación. La que será Madre de Dios se gira hacia éste, sobrecogida ante esta visión celestial, inclina humildemente la cabeza mientras mueve delicadamente las manos. La perspectiva de la escena es un tanto forzada; las líneas del suelo funcionan como puntos de fuga. En la zona baja, en el centro de la composición, encontramos un jarrón con azucenas, cómo símbolo de pureza virginal de María. Al fondo, creando perspectiva, se dispone el elegante dosel de la cama. En la zona superior izquierda, encontramos lo que se conoce como “rompimiento de gloria”. Dios Padre, aparece como una figura en escorzo, rodeado de nubes y angelitos. Flotando en el espacio, encontramos al Espíritu Santo en forma de paloma. El misterio de la Encarnación del Hijo de Dios está a punto de suceder.

Flanqueando la tabla central, podemos contemplar los dos batientes o puertas de cierre. En ellos encontramos las figuras de San Esteban y San Lorenzo; se les reconoce perfectamente por sus atributos: la palma del martirio de San Esteban y la parrilla de San Lorenzo. Estos santos aparecen representados de manera magistral; el autor emplea una riquísima paleta de colores, llena de matices, que nos remite al manierismo rafaelesco. Correa de Vivar se recrea en el detalle, reproduciendo minuciosamente el bordado de las casullas o los cabellos de los personajes. Cuando se cierran los batientes, el espectador puede contemplar las imágenes de San Hilario, vistiendo un hábito marrón y en una postura un tanto serpenteante, y la representación de la Imposición de la casulla a San Ildefonso.

Juan de Juanes, cuyo nombre real era Vicente Juan Macip, está considerado como uno de los grandes artistas del Prado.

Pertenece a la escuela valenciana renacentista. Fue hijo y discípulo del insigne pintor Juan Vicente Masip, del que cuelgan algunas tablas en el museo. La representación de la Última Cena es, desde mi punto de vista, su obra cumbre. Está fechada entre 1555 y 1562. Tras la Contrarreforma, desde las instituciones religiosas se promueve la exaltación de la Eucaristía en las artes. Este trabajo se lo encargaron al pintor para que formara parte del retablo mayor de la iglesia de San Esteban en Valencia. El Prado conserva otras cinco tablas pertenecientes a dicho retablo; en ellas Juan de Juanes narra episodios de la vida de San Esteban, primer mártir que dio su vida por Cristo. Siempre se ha relacionado esta pintura con la celebérrima obra de Leonardo da Vinci del mismo tema; el pintor valenciano también recurre a la inclusión de fondos arquitectónicos en la composición para crear la ilusión de perspectiva. Podemos apreciar un arco central, tras el cual se divisa un evocador paisaje crepuscular, de formas difuminadas, que confiere profundidad a la escena. En los extremos cuelgan dos pesados cortinones verdes que añaden una nota de color al escenario.

También el diseño del suelo, con dibujo de damero y líneas que confluyen en el horizonte, contribuye a que percibamos esa tercera dimensión. En la zona baja central de la composición, hallamos una jarra y una jofaina de metal, que reflejan la luz y hacen alusión al lavatorio de los pies. Los comensales se distribuyen en torno a una mesa rectangular. Encima de ésta se disponen una serie de objetos y alimentos: trozos de pan, cuchillos, una bandeja plateada, un recipiente con sal, una jarra de cristal transparente con vino…Mención aparte merece el Santo Cáliz. Se trata de una fiel reproducción del grial que se conserva en la Catedral de Valencia y que, según recientes estudios, pudiera tratarse del que utilizó Cristo en la Santa Cena. Nos da la sensación de que el pintor ha recurrido a todos estos elementos para incluir un bodegón o naturaleza muerta dentro de la composición general. La paleta cromática que emplea el artista es rica en matices; el vibrante colorido de la escena y el cuidado dibujo nos remiten a la pintura de Rafael. Juan de Juanes representa el acontecimiento más transcendental en esta Sagrada Cena: la instauración de la Eucaristía por parte del Señor.

En el centro aparece Cristo, levantando la Sagrada Forma; su mirada, serena y profunda, nos transmite una sensación de paz interior. En torno al Redentor, se distribuyen los doce apóstoles, cada uno con sus nimbos y nombres, con la excepción de Judas. San Pedro y San Juan se sitúan al lado del Maestro, en un lugar preferente; estos tres protagonistas de la escena forman una estructura triangular. De gran interés son las expresiones místicas de los distintos apóstoles; cada uno de ellos recibe un tratamiento individual. Con el movimiento de sus manos y a través de la expresión de sus rostros comunican al espectador sus emociones, próximas al éxtasis religioso. En un extremo de la mesa, se sitúa Judas Iscariote, alejado del Señor, en un escorzo forzado; su nombre figura en la banqueta en que se sienta. Viste los colores de la envidia, el verde y el amarillo. Intenta esconder la bolsa que contiene el dinero de su traición; su cabello pelirrojo y la nariz prominente también simbolizan la perfidia.

El extremeño Luis Morales, apodado el Divino, por su dedicación exclusiva a los asuntos religiosos, es otro de los pintores más sobresalientes del renacimiento español.

Posee un estilo artístico inconfundible. Lo podemos encuadrar dentro del movimiento manierista; suele utilizar un canon muy alargado a la hora de representar las figuras humanas, como si quisiera remarcar la espiritualidad de las mismas. También recurre con frecuencia a la técnica del esfumado, inventada por Leonardo da Vinci; los personajes de Morales presentan unos contornos imprecisos y difuminados. En 2015 se celebró en el Prado una exposición antológica del pintor. Nuestra primera pinacoteca nacional cuenta en su inventario con aproximadamente una veintena de obras de este autor. Como ocurre siempre, me ha resultado complicado escoger una sola de sus pinturas. Al final he optado por una de las más reconocidas, imagen arquetípica en su producción. Me estoy refiriendo a La Virgen con el Niño, fechada hacia 1565. El artista recurre a una composición de tipo piramidal; nos presenta la figura de María, de tres cuartos, con la cabeza inclinada y las rodillas separadas, acogiendo en su regazo al Niño Dios.

Los contornos de las sagradas imágenes son imprecisos, se confunden con el fondo negro, de total oscuridad. Prescinde de cualquier referencia espacial, reduciendo a la mínima expresión los elementos representados, tan solo aparece un banco de piedra de forma alargada. Observamos fuertes contrastes lumínicos que ayudan a crear una atmósfera intimista. La Virgen, de suave rostro, dirige la mirada a su hijo, con una ternura infinita, conocedora de su naturaleza divina. Es muy habitual que en las obras de Morales aparezcan delicados velos; en este caso, la cabeza de María aparece cubierta con un tul transparente, casi imperceptible, un auténtico alarde de su dominio técnico. Sobre su vestido carmín, descansa una capa azul, color que se asocia a la pureza virginal. Con sus manos sujeta al Niño, estrechándolo amorosamente entre sus brazos. El infante reclama la atención de María, la mira con ternura mientras palpa con su diminuta mano el pecho de la madre, buscando el alimento. Morales recurre a un diálogo de miradas para conferir a la escena una mayor intimidad. Se trata de una variante del tema de la Virgen de la Leche.

Como colofón de esta selección de pinturas del renacimiento español, ¿podría analizar alguna de las muchas y magistrales obras que se conservan en el museo de Doménikos Theotokópoulos, más conocido como el Greco?

Este artista, reconocido en todo el mundo, cuyo nombre figura con letras de oro en el inventario de la pinacoteca madrileña, nació en la isla de Creta, en donde vivió hasta los 26 años. Después, viajo a Italia, concretamente a Venecia y Roma, y descubrió a los grandes artistas del renacimiento, como Tiziano, Tintoretto y Miguel Ángel. A partir de 1577, se estableció definitivamente en Toledo. Por su estrecha vinculación con nuestro país, se le encuadra dentro de la escuela de pintura española. El Cristo abrazado a la cruz que se expone en el Prado es uno de los lienzos más bellos que pintó sobre este tema; existen diversas versiones, unas salidas directamente de las manos del cretense y otras identificadas como obras de taller. Este óleo ha sido fechado hacia 1602, coincidiendo con la etapa final de la carrera del pintor. Al Nazareno se le representa como una figura de tres cuartos, recortándose sobre un fondo de tinieblas grises, sin ningún tipo de referencia arquitectónica o espacial. El espectador lo contempla desde un punto de vista bajo; de esta manera, se refuerza la monumentalidad de Cristo. El artista utiliza un canon alargado, con el fin de dotar a la imagen del Señor de una gran carga de misticismo y espiritualidad. Se trata de una composición de marcada verticalidad; todo lo representado en este lienzo nos invita a elevar la mirada hacia los cielos, toca nuestra fibra más sensible. De nuevo recurre al lenguaje manierista, tan presente en la obra de El Greco. La cruz aparece en una posición casi erecta, ligeramente inclinada, sujetada de una manera amorosa por Jesús.

Las manos alargadas del Nazareno, de una blancura casi nacarada, con los dedos anular y corazón juntos, nos recuerdan a las del Caballero de la mano en el pecho, uno de los iconos del museo. El rostro de Cristo es sumamente delgado, demacrado, propio de un asceta, de una palidez extrema. El espectador más sensible se conmueve al contemplar esos ojos humedecidos, con una mirada serena, ascendente, que establece un diálogo espiritual con el Padre que está en los cielos. El artista reproduce la corona de espinas con un gran detallismo y minuciosidad, recreándose a la hora de dibujar el complejo trenzado de las ramas; la presión que ejercen las espinas han provocado numerosas heridas en la cabeza de nuestro Señor, algunas gotas de sangre se deslizan por su cuello. Para remarcar aún más la naturaleza sagrada del Nazareno, el pintor sitúa detrás de la corona de espinas un nimbo romboidal, muy luminoso. En cuanto a la vestimenta se refiere, el cretense opta por los colores clásicos con los que se representa a Jesucristo: el rojo para la túnica y el azul para el manto.

Por Javier Navascués

[plantelmaratonyresidencia]

Rebeca Betancourt

I.           Bordes

el ángel rojo vino a mí cuando lloraba entumecida deseando morir y matar me invitó a sumergirme en la bañera recordando que había habitado un día un vientre como una paloma dormí pregunté: qué de todo está solo en mi mente una nube asfixiada con perfume derrota ninguna mano se extendió a peinar mi pelo la voz de mi madre joven             imaginada era más dulce hice un lugar dentro para morir feliz me ablandó la soledad con sus golpes como haciendo una masa decidí ser pedacitos para que coman los peces adentro dejé nacer fuego lo miré en el espejo paciente noté que había intentado            apagarme desde chica la resistencia me hacía doler                        los bordes libertad es cuando cierro los ojos y respiro

II.         Pop-up de gala

Aquí se exponen objetos para el deleite del adentro nos dimos cuenta que no hacen falta más de dos pares de ojos para que algo exista                  deslumbre me pongo los vestidos con más gusto que cuando tenía que pensar en quién iba a verme soy yo quien se quiere mirar en mi propio museo del traje conmigo, el caballito de plástico encerrado en una botella custodiado por otros dos       libres             nunca miran en dirección a él un muñeco en una silla          esclavo candelabros sin vela velas sin candelabro un conejillo de indias aparece de súbito en cada sillón gato mecánico corazón de conejo plantas medio muertas que no sé revivir sillón para amigos       espejismo porro y fuego infusión y flores en tarro lluvia a través de los párpados dormidos

III.       Eclipse

ante una idea triste decidí mirar al río vi el reflejo de dos soles haciendo una reverencia el cielo se estremecía tu cara se veía roja ningún mensaje del viento se daba a entender fue haciéndose noche parda y gélida

el disco de fuego velaba por un momento la atmósfera

supe que podía olvidar anunciar a las mías nueva forma       de existencia regida por la blandura

arcoíris de la noche varios días de fatiga e invierno dos soles adeptos 'nacer' y 'morir' ¿cuántos días puede durar la guerra?

hay que cavar una fosa y enterrarse ver salir la flor tostada, hija del eclipse decidida a amar temblando contra la luz

[pasalachido-cdmx]

APTO PARA CURIOSOS: MUSEOS EXTRAÑOS

Por Joshua C

Muchos artistas inmortalizan sus obras en museos para que la gente conozca su arte, pero en la actualidad no solo se exponen pinturas clásicas o esculturas históricas. A lo largo del mundo se pueden encontrar una gran variedad de museos de todo lo que te puedas imaginar, desde uno dedicado a la sandia hasta uno sobre cabello, chécalos.

Museo del pelo (Turquía)

Está ubicado en Avanos, una ciudad de Turquía y fue creado por Galip Körükü  quien es un maestro de la cerámica. Tal vez se preguntaran ¿Por qué un maestro de cerámica creó un museo así? Pues todo comenzó cuando una amiga suya fue a visitarlo en 1979 y al momento de su partida Galip le pidió un mechón de cabello, algo inusual pero a lo que ella accedió.

Esto le generó la idea de recolectar más de sus amigas, lo cual continuó haciendo hasta que consiguió 16,000 tiras de cabello con las cuales decidió abrir un museo.

Cada uno de estos se encuentran colgando de las paredes con su nombre y de donde proviene. Se ha vuelto tradición que los turistas también pasen a dejar su mechón para que sea exhibido, además de que el museo cuenta con un record Guinness.

Museo de las cucarachas (Estados Unidos)

El experto en plagas Michael Bohdan  hizo parte de su profesión un gran negocio ya que creo el “Cockroach Hall of Fame” (Salón de la fama de cucarachas) ubicado en Texas en el cual expone a uno de los insectos más complicados de exterminar como lo son las cucarachas, pero lo curioso es que están disfrazadas de diversos personajes famosos como Elvis Presley, Marilyn Monroe, La Estatua de la Libertad e incluso Santa Claus, todos ellos en el cuerpo de este insecto.

Museo de ventrículos  (Estados Unidos)

Los muñecos de ventrículo se usaron por mucho tiempo en programas de televisión y shows de comedia, y fue tal su relevancia que se planeó crear el Museo Vent Haven ubicado en Kentucky, Estados Unidos para brindarles un espacio.

En el lugar hay aproximadamente 700 ventrículos, la mayor parte de ellos en dedicatoria a Edgar Bergen y su muñeco Charlie McCarthy, quien fuera parte importante en el mundo de estos títeres. Cada año los días 18 al 20 de julio se lleva a cabo la Convención del Vent Haven en el cual asisten varios ventrílocuos para exponer sus mejores actos en escenario.

 Museo de la comida quemada (Estados Unidos)

Este Museo fue idea de la artista estadounidense Deborah Henson-Conant. La idea surgió un día  que se encontraba haciendo de comer y por accidente se le quemó la comida, pero él no tirarla fue el origen del “Museum of Burnt Food”  (Museo de la comida quemada).  

Establecido en Arlington, Massachusetts, abrió sus puertas al público en el año del 2010 y dentro de él se puede observar distintos platillos quemados como tostadas, tortas, frutas, verduras, donas y cualquier tipo de comestible que te imagines, incluso te dejan hacer tu propio alimento quemado el cual es exhibido temporalmente.

 Museo de las relaciones rotas (Croacia)

Este museo aparte de tener una sede en Sarajevo Croacia también cuenta con una en Los Ángeles California, Estados Unidos. Juntando los 2 museos se pueden encontrar más de 10,000 objetos donados por personas alrededor del mundo.

Esta idea surgió gracias a Olinka Vištica y Dražen Grubišić quienes se preguntaron ¿Qué pasará con las cosas que le regalaste a tu expareja? ¿Las personas seguirán guardando todo esto? Y con base en estas dudas decidieron recolectar objetos de relaciones pasadas para exhibirlas por un tiempo definido en un museo y la gente pudiera depositar ahí esos recuerdos para dejarlos atrás.

Cada objeto donado cuenta con una etiqueta en la cual explican cómo se convirtió en algo con gran valor sentimental para esa persona. Podemos observar desde un vestido de novia quemado hasta un boleto de las olimpiadas de México del 68.

Museo de la Sandía (China)

¿Museo de la sandía? Aunque no lo creas este museo existe desde el año 2002 en Pekín y es uno de los museos más visitados en todo el mundo. Ahí podrás enterarte de sus orígenes, sus características, su comercialización, su nacimiento en el sur de África y su travesía por el mundo.

Se exponen más de 170 tipos de sandias repartidas en diferentes salas donde se puede dar un paseo en algún cultivo al aire libre. Este espacio fue diseñado desde un punto de vista futurista con muchas luces de neón que le dan un toque especial, por lo que ningún asistente se resiste a sacarse fotos con alguna sandía.

Dentro del recorrido ofrecen degustaciones, asi que si eres un amante de esta fruta y te encuentras por China en la zona de Beijing la vas a pasar muy bien, pero ojo, no hay nada en ingles así que tendrás que llevar un traductor o poner en práctica unas clases de chino antes de asistir.

Es increíble ver como en donde nosotros vemos una simple rebanada de pan algunos pueden ver una obra de arte, o donde nosotros vemos un recuerdo triste algunos pueden verlo como una pieza digna de ser exhibida al público ¿Qué te pareció? Si alguna vez tienes la oportunidad, no dudes en visitarlos.

[anyonhaseyo]

Sin poder salir de nuestro asombro, en la primera planta del Museo de Arte Africano nos encontramos con todos los animales de África… de peluche. Nos cuesta asimilarlo y conforme vamos paseando entre los muñecos, decidimos colocar este lugar en nuestra lista particular de museos bizarros. Eso sí, infinitamente mejor resuelto que con animales disecados.