#Terence Holder

[jazzdailyblog]

Earl Bostic: The Jazz Virtuoso Who Redefined Music

Introduction: Earl Bostic, born in Tulsa, Oklahoma, one hundred and eleven years ago today on April 25, 1913, was a musical prodigy who left an indelible mark on jazz. His innovative approach to music and electrifying performances continue to inspire musicians and listeners worldwide. Early Life and Musical Beginnings: In his youth, Earl Bostic honed his musical talents, playing the clarinet…

[mhash112]

Terence Crawford has risen through the ranks, and on Saturday night, he had a great accomplishment that led to him being a four-division world champion. After his long absence from the ring, he returned on July 2023. After his comeback to the game, he has tried hard to get himself back to good form. This time, Crawford put up a strong comeback to dethrone WBA super-welterweight title holder Ismail Madrimov in the fight held at the BMO Stadium in Los Angeles.

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

EARL BOSTIC, LE SAXOPHONISTE QUI EN AVAIT REMONTRÉ À CHARLIE PARKER

‘’Nobody knew more about the saxophone than Bostic, I mean technically, and that includes Bird. Working with Bostic was like attending a university of the saxophone. When Coltrane played with Bostic, I know he learned a lot.’’

- Art Blakey

Né le 25 avril 1913 à Tulsa, en Oklahoma, Eugene Earl Bostic avait commencé à jouer de la clarinette à l’école et du saxophone avec la troupe locale des Scouts.

Très influencé par Sidney Bechet, Bostic avait amorcé sa carrière professionnelle à l’âge de dix-huit ans en jouant du saxophone alto avec les Twelve Clouds of Joy de Terence Holder. Il s’était également produit avec Fate Marable sur les navires à vapeur qui faisaient la navette sur le Mississippi. Bostic avait aussi joué avec des groupes locaux avec qui il avait fait la tournée du sud-est des États-Unis et du Midwest au début des années 1930.

Les premiers solos de Bostic étaient très influencés par Benny Carter. Bostic avait aussi été très marqué par la musique classique européenne, le bebop et la musique de son Oklahoma natale.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Diplômé de la Xavier University à La Nouvelle-Orléans,  Bostic s’était produit avec de grands noms du jazz dès le début de sa carrière. Parmi ceux-ci, on remarquait Arnett Cobb, Oran ‘’Hot Lips'' Page, Rex Stewart, Don Byas, Charlie Christian, Thelonious Monk, Edgar Hayes et Cab Calloway. En 1938 et 1944, Bostic avait dirigé le groupe-maison du célèbre club Smalls Paradise de Harlem. Durant son séjour au club, Bostic avait également ajouté la guitare et la trompette à son arsenal.

Après s’être installé à New York en 1938, Bostic avait commencé à se faire un nom en jouant avec les orchestres de Cab Calloway et Don Redman. Il avait également commencé à diriger ses propres groupes dans les clubs. Bostic avait fait ses débuts sur disque le 12 octobre 1939 dans le cadre d’une session dirigée par Lionel Hampton à Manhattan. Le groupe de Hampton comprenait alors de grands noms du jazz comme Henry “Red” Allen à la trompette, J.C. Higginbotham au trombone, Charlie Christian à la guitare électrique, Clyde Hart au piano et ‘’Big Sid’’ Catlett à la batterie.

Dans les années 1940, Bostic avait participé au célèbres jam sessions du Monroe¹s Uptown House et du Minton's Playhouse, qui avaient marqué la fondation du bebop. Selon le saxophoniste alto Lou Donaldson qui avait assisté à une jam session de Bostic avec Charlie Parker au Minton's Playhouse, Bostic avait joué avec tellement d’énergie qu’il avait laissé Bird complètement épuisé. Décrivant Bostic comme ‘’the greatest saxophone player I ever knew’’, Donaldson avait expliqué: ‘’Bostic was down at Minton's and Charlie Parker came in there. They played 'Sweet Georgia Brown' or something and he gave Charlie Parker a saxophone lesson. Now you'd see him, we'd run up there and think that we're going to blow him out, and he'd make you look like a fool. Cause he'd play three octaves, louder, stronger and faster." Penchant dans le même sens, le batteur Art Blakey avait commenté: "Nobody knew more about the saxophone than Bostic, I mean technically, and that includes Bird. Working with Bostic was like attending a university of the saxophone. When Coltrane played with Bostic, I know he learned a lot."

En plus d’avoir joué avec Charlie Parker, Bostic avait également organisé ses propres jam sessions.

Vers 1943, Bostic s’était joint au big band de Lionel Hampton avec qui il était parti en tournée durant la célèbre grève de l’Union des musiciens qui avait limité les possibilités d’enregistrer avec les grands studios. Lorsque l’interdiction avait été levée en mars 1944, Bostic avait participé à deux célèbres sessions avec Hampton. La première session avait permis l’enregistrement de la pièce “Flying Home No. 2” mettant en vedette le saxophoniste ténor Arnett Cobb et le trompettiste Cat Anderson. La seconde session comprenait un enregistrement destiné aux soldats sur le front (les célèbres ‘’V-discs’’). Après avoir quitté Hampton pour se joindre au groupe de d’Oran ‘’Hot Lips’’ Page, Bostic avait joué du saxophone alto sur une session de Page qui mettait en vedette les saxophonistes ténor Ben Webster, Don Byas et Ike Quebec. Dans le cadre de cette session, Bostic s’était particulièrement illustré en se produisant en solo sur les pièces Good for Stompin” et “Blooey.”

Après avoir formé son propre groupe, Bostic avait dirigé la première session de sa carrière en novembre 1945 avec les disques Majestic. Avaient également participé à l’enregistrement Benny Harris à la trompette, Benny Morton au trombone, Don Byas au saxophone ténor, Tiny Grimes à la guitare et Cozy Cole à la batterie. Même si quatre pièces avaient été enregistrées au cours de la session, aucune n’avait remporté un grand succès. Bostic avait continué d’enregistrer avec le groupe de Page jusqu’en 1946.

DERNIÈRES ANNÉES

Après avoir signé un contrat avec les disques Gotham en 1946, Bostic s’était tourné vers le Rhythm & blues et avait connu un grand succès avec sa version de la chanson “Tippin’ In” d’Erskine Hawkins qui avait été enregistrée en mars de la même année. Lors de cette même session, Bostic avait également enregistré sa propre version du standard “Liza.” Au cours de sa carrière, Bostic avait d’ailleurs remporté beaucoup de succès en reprenant des standards comme "You Go to My Head", ‘’Night and Day’’ et "Cherokee".

En juillet 1946, avait enregistré “Jumpin’ Jack”, une pièce dans laquelle il s’était produit au chant, un peu à la manière de Louis Jordan. Plusieurs des enregistrements de Bostic avec les disques Gotham s’apparentaient d’ailleurs au style de Jordan, notamment dans le cadre de pièces comme “That’s the Groovy Thing,” “Let’s Ball Tonight” et “Cuttin’ Out.” Le trompettiste de Bostic, Roger Jones, agissait aussi souvent comme chanteur dans le cadre des balades du groupe.

En 1947, Bostic avait fait une apparition au cinéma avec son groupe dans le cadre d’un film tourné avec une distribution entièrement de couleur. Intitulé ‘’I Ain¹t Gonna Open That Door’’, le film mettait en vedette l’ancienne chanteuse de Duke Ellington, Joya Sherrill.

1948 avait été une année importante pour Bostic, qui avait enregistré une pièce appelée “840 Stomp” dans laquelle il avait joué avec un style tellement doux qu’on aurait presque cru qu’il se produisait à la clarinette. Dans le cadre de la même session, Bostic avait également repris la chanson “Temptation’’ qui avait été un grand succès de Bing Crosby en 1934. La chanson avait éventuellement été le plus grand succès de la carrière de Bostic après s’être classée dans le Top 10 du palmarès R & B à l’été 1948.

C’est alors que les disques King avaient racheté le contrat de Bostic avec les disques Gotham. Avec les disques King, Bostic était devenu un artiste de premier plan qui rejoignait une clientèle diversifiée tant dans les domaines du R & B, des combos avec orgue, la musique pour big band que du jazz et de la musique pop. Les albums de Bostic s’étaient tellement bien vendus que les disques King avaient même racheté les bandes maîtresses qu’il avait réalisées avec les disques Gotham pour les rééditer plus tard.

Au cours de son séjour chez les disques King, Bostic avait publié plus de quatre-vingt 45-tours, 63 simples, 11 longs-jeux sur dix pouces et environ vingt-cinq albums, dont neuf avaient été publiés en 1959 seulement. La plupart de ces albums comprenaient de nouvelles versions de standards adaptées à la sauce rock n’ roll comme “Night and Day” qui avaient donné un nouveau souffle à sa carrière.

Probablement sous l’influence de sa collaboration avec Lionel Hampton, Bostic avait recruté le vibraphoniste Gene Redd pour venir jouer avec son groupe en 1950. À partir de cette date, presque tous les albums de Bostic avaient inclus un vibraphoniste. Redd était demeuré avec le groupe jusqu’en 1958, lorsqu’il était devenu producteur et dépisteur pour les disques King. Même s’il ne faisait plus officiellement partie du groupe, Redd se joignait souvent à Bostic dans le cadre des sessions d’enregistrement.

Le dévouement des disques King envers Bostic avait éventuellement fini par payer lorsque la reprise de sa chanson des années 1920 “Sleep” avait atteint la sixième position du Hit Parade. Bostic avait également remporté un grand succès en 1951 avec sa reprise de la chanson “Flamingo” qui avait atteint le sommet du palmarès R & B. Duke Ellington avait enregistré la chanson en 1941. En 1956, Bostic avait aussi eu un grand succès avec son interprétation du standard "Where or When".

Bostic, qui admettait lui-même être d’abord intéressé à vendre des albums, était même allé jusqu’à transcrire ses propres solos afin de pouvoir les exécuter note par note devant ses admirateurs dans le cadre de ses concerts, ce qui ne l’avait pas empêché de se livrer à des improvisations endiablées lors de des performances. Toujours bien vêtu et articulé durant ses entrevues, Bostic avait la réputation d’accorder énormément d’attention à sa présentation et à son apparence. Showman accompli, Bostic avait même fait une apparition sur l’émission Soupy Sales TV Show dans laquelle il avait dansé le "Soupy Shuffle" mieux que Soupy tout en jouant du saxophone.

La virtuosité de Bostic était particulièrement évidente sur des albums comme "Up There in Orbit", "Earl's Imagination", "Apollo Theater Jump", "All On", "Artistry by Bostic", "Telestar Drive", "Liza", "Lady Be Good" et "Tiger Rag". Commentant la virtuosité de Bostic,  le producteur Victor Schonfield avait déclaré que le plus grand talent du saxophoniste ‘’was the way he communicated through his horn a triumphant joy in playing and being, much like Louis Armstrong and only a few others have done.’’ Capable de jouer des mélodies dans le registre altissimo de façon parfaite, Bostic pouvait jouer magnifiquement dans n’importe quelle clé et dans n’importe quel tempo. Qualifiant Bostic de meilleur technicien qu’il n’avait jamais entendu, le saxophoniste Benny Golson avait précisé: "He could start from the bottom of the horn and skip over notes, voicing it up the horn like a guitar would. He had circular breathing before I even knew what circular breathing was – we're talking about the early 50s. He had innumerable ways of playing one particular note. He could double tongue, triple tongue. It was incredible what he could do, and he helped me by showing me many technical things."

Vers le printemps de 1952, John Coltrane s’était joint au groupe d’enregistrement et de tournée de Bostic. Coltrane, qui avait énormément appris dans le cadre de sa collaboration avec Bostic, avait déclaré au cours d’une entrevue qu’il avait accordée au magazine Down Beat en 1960 que Bostic lui avait enseigné ‘’a lot of things on my horn. He has fabulous technical facilities on his instrument and knows many a trick." Lorsqu’on écoute soigneusement les accords et les solos de Bostic, on aperçoit d’ailleurs certains éléments du jeu de Coltrane. Quant au saxophoniste James Moody, il avait ajouté que Bostic ‘’knew his instrument inside out, back to front and upside down."

Le 7 juin 1953, Bostic s’était produit avec son groupe dans le cadre de la 9e édition de la Cavalcade du Jazz tenue au stade Wrigley Field deLos Angeles. Produit par Leon Hefflin, Sr., le concert mettait également en vedette Roy Brown and his Orchestra, Don Tosti and His Mexican Jazzmen, Shorty Rogers, le duo de Nat "King" Cole et Velma Middleton, ainsi que Louis Armstrong and his All Stars.

Au début des années 1950, Bostic s’était installé avec son épouse au Addisleigh Park de St. Albans, dans le Queens, dans un quartier habité par plusieurs autres vedettes du jazz. Victime d’une crise cardiaque, Bostic avait ralenti ses activités et était déménagé à Los Angeles, où il s’était concentré sur la composition et l’écriture d’arrangements. À Los Angeles, Bostic avait également ouvert un club de R & B connu sous le nom de Flying Fox. En 1951, Bostic avait d’ailleurs fait une tournée avec la chanteuse Dinah Washington sur le circuit R & B.

Élu deuxième meilleur saxophoniste alto dans le cadre d’un sondage du magazine Playboy en février 1959, Bostic avait devancé au classement des sommités comme Cannonball Adderley et Sonny Stitt. La même année, Bostic avait d’ailleurs enregistré une version mémorable du classique "All The Things You Are" sur l’étiquette de disques du magazine. En août 1959, Bostic s’était également produit au Playboy Jazz Festival de Chicago avec les plus grandes vedettes de jazz de l’époque.

À travers les années, plusieurs grands noms du jazz avaient fait partie des groupes de Bostic, dont Keter Betts, Jaki Byard, Benny Carter, John Coltrane, Teddy Edwards, Benny Golson, Blue Mitchell, Tony Scott, Cliff Smalls, Sir Charles Thompson, Teddy Charles et les frères Stanley Turrentine et Tommy Turrentine. Dans les années 1950, lorsque Bostic avait enregistré à Los Angeles, il avait eu recours à d’excellents musiciens de studio comme Earl Palmer, Benny Carter, Barney Kessel, Teddy Edwards, Rene Hall, Roy Porter et Ernie Freeman.

Excellent arrangeur, Bostic avait aussi écrit des arrangements pour Paul Whiteman, Louis Prima, Lionel Hampton, Gene Krupa, Artie Shaw, Hot Lips Page, Jack Teagarden, Ina Ray Hutton et Alvino Rey. C’est d’ailleurs Bostic qui avait composé la chanson “Let Me Off Uptown” qui était devenue un des grands succès de l’orchestre de Gene Krupa en 1941 avec Roy Eldridge à la trompette et Anita O’Day au chant. Le chanteur Louis Prima avait également remporté un grand succès avec la chanson “Brooklyn Bridge” à l’instar d’Alvino Rey pour la composition de Bostic intitulée “The Major and the Minor.” Bostic avait aussi conn un grand succès avec la pièce "Brooklyn Boogie", qui mettait en vedette Prima avec les membres de l’équipe de baseball des Dodgers de Brooklyn.

En 1963, Bostic avait enregistré deux albums typiquement jazz dans les studios de World Pacific à Hollywood. Intitulés ‘’California: Jazz as I Feel It’’ et ‘’A New Sound’’, les deux albums avaient été enregistrés avec une formation composée de Richard “Groove” Holmes à l’orgue, de Joe Pass à la guitare, du contrebassiste Al McKibbon et des batteurs Earl Palmer et Shelly Manne. Excellent exemple de formation orgue-saxophone, le groupe avait permis à Bostic de démontrer une facette peu connue de sa personnalité, plus particulièrement sur les pièces dépassant la durée de trois minutes fixée pour les enregistrements sur 45-tours. Ces albums qui avaient permis au saxophoniste de démontrer sa grande maîtrise du blues, lui avaient aussi fourni l’occasion d’illustrer son talent d’innovateur, annonçant ainsi le travail ultérieur de musiciens comme John Coltrane et Eric Dolphy. Les compositions de Bostic intitulées "The Major and the Minor" and "Earl's Imagination"  témoignaient également de sa grande connaissance de l’harmonie.

Pour Bostic, l’improvisation avait toujours été étroitement liée au blues. Comme Bostic l’avait expliqué dans le cadre d’une enrevue qu’il avait accordée à Kurt Mohr: "Of course I am maybe one of the few musicians who like simple recurring melody patterns and in all my playing I try to keep a basic melody line in my mind and attempt to develop meaningful inversions and variations... I like the basic blues... The blues has it all; basic rhythmic quality, genuine lyric content,essential and basic chord structure and maybe above all else, personality. Blues and jazz are inseparable."

À la fin des années 1950, Bostic avait été victime d’une attaque qui l’avait contraint à ralentir le rythme de ses activités. Bostic est mort d’une crise cardiaque durant une tournée à Rochester, dans l’État de New York, le 28 octobre 1965. Bostic avait été inhumé au Southern California's Inglewood Park Cemetery le 2 novembre suivant. Parmi les porteurs honoraires du cercueil de Bostic, on remarquait Slappy White et Louis Prima. Bostic repose aujourd’hui près d’une plaque sur laquelle est représentée l’image d’un saxophone et où est inscrit son nom, ses dates de naissance et de décès. La plaque est située près de la dépouille d’autres grands noms du jazz comme Chet Baker, Ray Charles et Ella Fitzgerald. La chanteuse était d’ailleurs née exactement quatre ans après Bostic.

Environ un an après sa mort, les disques Philips avaient fait paraître un album inédit de ballades de Bostic intitulé ‘’The Song Is NOT Ended.’’ Earl Bostic a été intronisé au sein du Oklahoma Jazz Hall of Fame en 1993. 

Saxophoniste souvent incompris et sous-estimé, Bostic avait été représenté à la fois comme un artiste commercial, un saxophoniste de R & B et un musicien de jazz. Avec ses nombreux succès au Hit Parade, Bostic était devenu un des premiers artistes de jazz à avoir démontré que les instrumentaux pouvaient atteindre les sommets du palmarès. Des saxophonistes comme Boots Randolph et Stanley Turrentine avaient d’ailleurs reconnu plus tard que Bostic les avaient énormément influencés dans leur cheminement.

Musicien au style diversifié, Bostic était également un remarquable technicien et improvosateur. Sur ses enregistrements, Bostic avait un des sons les plus facilement identifiables de l’histoire du jazz, à l’image de sommités comme Charlie Parker, John Coltrane et Johnny Hodges. Bostic maîtrisait tellement son instrument qu’il en avait même réussi à en remontrer à des virtuoses comme Parker et Coltrane. Malheureusement, il n’avait jamais obtenu la reconnaissance qu’il aurait normalement dû mériter.

©-2024, tous droits réservés, Les Productions de l’Imaginaire historique

SOURCES:

‘’Earl Bostic.’’ Wikipedia, 2023.

PATTERSON, Fred. ‘’Earl Bostic.’’ 2023.

[allaboutmarketing4you]

Why All Brands Should Study Stanley Cup CEO Terence Reilly's Marketing Masterclass

" Every so often, product marketing creates such a frenzy it becomes its own cultural moment - think Adidas Stan Smiths, Old Spice and Pokémon Go. The Stanley Cup phenomenon definitely fits the bill and is a masterclass in the power of well timed marketing and brand hype. This case study centers on one man, Terence Reilly, who was also responsible for turning Crocs into must have footwear. In this video, Forbes spoke with a number of product marketing experts to dissect what made the Stanley Cup a must have. "

Source: Forbes

Additional information:

" In the spring of 2020, Terence Reilly left his position as the chief marketing officer of Crocs, the footwear brand, and became the president of the beverage-container manufacturer Stanley. For Stanley, which had been selling workaday flasks for more than a century, it was an unexpectedly fashionable hire. At Crocs, Reilly had kicked off a kind of miracle. For years, the company’s stock price had hovered around thirteen dollars a share, and its signature shoe—clunky, holey, styrofoam-like—seemed to be beloved by Mario Batali and few others. Then Reilly took over as Crocs C.M.O, in 2015, bringing its marketing operations in-house, launching collaborations with celebrities like Post Malone, and embracing social-media notoriety. In 2018, Crocs stock began careening upward, eventually hitting a peak, in 2021, of a hundred and eighty dollars a share. Its negative reputation had become a kind of asset: the bad kind of recognizability turned into the good.

Reilly has in his short tenure at Stanley followed a similar playbook, and the result is a seemingly overnight ubiquity for the company’s tumblers, the large, steel-lined, two-segmented vessels that fit perfectly in car cup holders. In July of 2023, the brand launched its first celebrity collaboration, with the country musician Lainey Wilson, who produced a pink-and-green Watermelon Moonshine Quencher, named after one of her songs. It sold out in eleven minutes. In November, a woman named Danielle posted a TikTok showing her car after a fire, and a Stanley cup that had survived in the cup holder amid the wreckage. She picked it up and shook it: the telltale tinkle of ice cubes, which had remained frozen despite the flames. The video eventually garnered more than ninety-five million views, and Reilly recognized it as a perfect ad for the product’s durability. He posted his own video, pledging not only to send more Stanleys but to replace Danielle’s car. On New Year’s Eve, Target released new, exclusive Valentine’s Day Stanley tumblers in shades of red and pink ($45). The vessels incited stampedes down store aisles and sold out in minutes. On the online secondary market, they’ve fetched prices in the thousands. Recently, a woman in California allegedly stole sixty-five Stanley cups from a store and stuffed them into her car. The police issued a warning: “While Stanley Quenchers are all the rage, we strongly advise against turning to crime to fulfill your hydration habits.”

Reilly is a clean-cut corporate warrior, with a bald head and a graying goatee. He began his career in New Jersey; held leadership positions at Famous Footwear, Footaction, and Prudential Financial; and has, by his own account, attended at least sixty-five Bruce Springsteen concerts. His effort to cultivate a new customer base for Stanley dates back several years. In 2019, the brand’s now star product, the forty-ounce Quencher, was selling so poorly that the company had stopped restocking or marketing it. A partnership with the Buy Guide, an affiliate-marketing site based in Utah, where the Quenchers were popular among Mormon mothers, saved it. Coached by the Buy Guide, in 2020, Stanley launched a new Web site and an affiliate-marketing system through which fans could make money by driving sales. By May of 2022, a Times headline was observing the cup’s burgeoning popularity among women: “The Sisterhood of the Stanley Tumbler.”

Last year, in a Harvard Business Review podcast, Reilly discussed his shakeup: “We were the seventy-million-dollar sleepy little brand known for the hammertone green bottle.” As he tells it, a hit like the pink Target bottle is just the beginning of a more ambitious rollout to come. “We firmly believe that we will become one of the leading life-style brands in the world over the next few years,” Reilly said. Right now, besides some camping cookware, Stanley’s products are confined to the beverage-and-container space. Given the brand’s rising fandom, it’s easy to imagine an expansion into clothing, wine chillers, or kitchenware. In Internet-era capitalism, a brand is rarely content to do one product well; it must scale up to penetrate as many markets as possible. (My request for an interview with Reilly was turned down, though a spokesperson told me that they’d “be in touch in a few months with news from Stanley!”)

The strategy of flipping an established brand into a digital-content machine has been carried off a few times already. In 2016, Rimowa, the stalwart German luggage manufacturer known for its striated metal carry-ons, sold a majority stake to L.V.M.H., the conglomerate of high-fashion luxury brands. Rimowa had a cachet among a small group of international travellers—a kind of if-you-know-you-know status. But under the L.V.M.H. scion Alexandre Arnault it became a widely coveted item. Rimowa added new, bright, Instagram-friendly colors; collaborated with fashion brands like Supreme and Off-White; and released new non-suitcase products like a metallic crossbody bag and a canvas tote. In a similar vein, Blundstone, the maker, since 1870, of rugged Australian desert boots, capitalized on a swell in popularity during the pandemic by adding design twists like rainbow elastic, punched leather, and tighter silhouettes. Yeti, a manufacturer of heavy-duty coolers, launched by Texas fishermen in 2006, also moved into insulated tumblers, and then stemless wine glasses with the help of private-equity investment in 2012. With limited-edition colors and an ever-expanding array of products, the brand became aspirational—“the field and stream equivalent of a Knoll daybed,” the streetwear publication Highsnobiety wrote.

In a way, the rebranding of staid but trusty products is the opposite of the strategy chased by the direct-to-consumer startups that proliferated in the twenty-tens. The D.T.C. brands that gained traction—Casper, Parachute, Great Jones—did so by dressing up unremarkable products with digital-native aesthetics to appeal to a very online demographic of millennials. Yet the products themselves were often disappointing, and many of the startups faltered. The surge of Stanley—whose products are based on an innovative steel-insulation technique by the company’s original founder, William Stanley, Jr., in 1913—suggests that it might be easier to bring a strong core product online than to start with an optimized online presence and then backfill in the product to fit.

To an investor or a new C.E.O., the sleepy heritage brand can work as an advantage. It has not yet saturated the market; there are more potential consumers to reach, more room for growth. (Compare Stanley in that respect to, say, the clothing brand Skims, which, like its co-founder, Kim Kardashian, is already marketed to the hilt.) An added benefit is the kind of ironic consumption that the Internet prizes: it’s amusing to be obsessed with a product that your grandparents might have once owned, or with an ugly sandal that’s suddenly cool. On social media, the Stanley straddles a line between banal and influencer-chic. TikTok creators pose coquettishly with the cup dangling from one hand, or decorate it with third-party charm accessories (not unlike the Crocs’s Jibbitz), or line shelves with rows of Stanleys in different hues, like so many books arranged by the color of their spines. On the Harvard Business Review podcast, Reilly said that he uses an “airport test” to determine if a product has truly entered the Zeitgeist: if people are lugging their Stanleys with them to their gates, he knows the tumblers have arrived. “By the time I left Crocs, you would see hundreds of pairs of Crocs at the airport,” Reilly said. Perhaps TikTok is the airport of the Internet: the Stanley’s prevalence in the digital public space is both a conduit for and evidence of its covetable status.

Amanda Mull, of The Atlantic, recently wrote of the Stanley craze, “Sometimes a cup is just a cup in the right place at the right time.” It’s true enough: the tumbler is yet another shiny object caught in the viewfinder of the Internet’s collective attention; we maniacally consume it for a few weeks or months, until the next trend appears and kicks off a new wave of memes and think pieces. What might appear to be an organic phenomenon, though, is actually an engineered corporate crossover. Companies prepare carefully, and expensively, to cultivate their moments of ubiquity. They leverage our attention, the same way an influencer does, to convert online viewers into fans and customers. The problem, of course, is that there’s no guarantee that a spike in visibility will yield lasting dividends. Before Stanley, there was the popular water-bottle brand Hydro Flask; today, TikTok videos show discounted stacks of them at HomeGoods. Now, as an informed friend and Stanley convert told me, Owala is the up-and-coming tumbler brand to watch. "

Source: newyorker.com by Kyle Chayka is a staff writer for The New Yorker and the author of, most recently, “Filterworld: How Algorithms Flattened Culture.”

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[weaversweek]

GOSH! Bonnie Langford and the hit record

Here’s one for @partywithponies and the rest of the fan club: Bonnie Langford's one appearance on Top of the Pops.

On this day in 1988, the BBC's pop music programme played a clip from "The wishing well". What was this song, what's it got to do with a children's hospital, and why the chuff are Bonnie Langford and TV's Doctor Who on it?!

Great Ormond Street Hospital is a children's hospital in London. It's got a great reputation for medical care and research and pioneering surgery on young patients. This appeal was the first concerted effort to raise money for the work they do, and had a particular point - to refurbish the dilapidated buildings. £40 million needed to come from public fundraising.

The "Wishing Well" appeal would run through 1988 and smash through its target. It's rightly seen as a template for other charity appeals to emulate. Big events included a swimathon in February, concerts by Michael Jackson and Cliff Richard, a classic car auction, the Willow film premiere, and £1.5 million as the London marathon's default charity.

To raise awareness, there was a one-hour documentary on BBC1 in the gap between Christmas and New Year. There was also a charity single, three years after Band Aid invented the idea, and eight months after Ferry Aid kept the idea rolling.

To modern ears, "The wishing well" isn't a great song. Frankly, to ears in 1988, "The wishing well” wasn't a great song. It's simple, effective, unashamedly tugs at the heartstrings. It's optimistic, the rising cadences in the chorus point to a brighter future. Chris Copping wrote the tune, it was produced by Ray Santilli and Keff McCulloch.

Main vocals on the song came from Boy George (who seemed to do every charity single of the era, including Ferry Aid), Peter Cox from Go West, Hazel O'Connor, Grace Kennedy, forgotten 80s duo Dollar, and Noddy Holder from Slade. The chorus included one-hit wonders Jimmy Nail and Hollywood Beyond, the metal band Uriah Heep, 1970s popsters Showaddywaddy, Andy Scott of The Sweet, and Hot Chocolate.

And - like on Ferry Aid earlier in the year - the chorus featured anyone who was able to get to the studio. Folk from EastEnders, hitmakers from Spitting Image, The Rent Party, some stars of Grange Hill, Caron Keating made a film for Blue Peter, Shriekback, Roland Rat Superstar, Andy Crane and Simon Potter from CBBC's Broom Cupboard. All of them able to plug the single to their viewers / listeners / fans. And there was Lisa Maxwell, Michael Croft, Dave Joyner, Terry Rice-Milton, Tracey Wilson, Jodie Wilson, Patricia Conti, the Cantabile choir, the Housemaster Boyz, Jenny Day, Kevin O'Dowd, and "many more".

And there were Bonnie Langford and Sylvester McCoy from television's Doctor Who. They'd been invited by Keff McCulloch, as he'd written some of the incidental music for the recent series. Is there more Bonnie Langford in the video than her vocal contribution merits? Yes. Does it help to sell the single to casual buyers? Also yes.

At this distance, we forget that Bonnie Langford was simultaneously a Famous Person With Lots Of Fans, and Insufferably Uncool Because She'd Played An Irritating Girl On Telly Who Screamed And Screamed Till She Was Sick. Bonnie’s time on Doctor Who hadn't fully rehabilitated her, she'd only been in it for five minutes and we were all waiting for the way-cool Ace anyway. GOSH wasn't going to sell its record to those who thought Bonnie was uncool. It was for the mums and grannies, theatreland and luvviedom, and it hit the mark.

And that is why Bonnie Langford was on Top of the Pops. Up next, the new single from Terence “Trent” D’Arby.

[veganpsychedelephant]

Many of us have received so many wonderful benefits from ceremony and sacred medicines.

As these medicines rapidly enter Western culture, we are approaching a crucial tipping point in the psychedelic movement.

This rise in demand is placing significant pressure on the Indigenous communities, their biocultures, and their medicines.

Many people have looked for ways to support Indigenous communities but weren’t sure how to easily make a donation or where their money would actually go.

This is why we are thrilled to support the launch of @supportgrowmedicine.

Grow Medicine is a donation platform that makes it easy for the psychedelic and medicine community to step toward Right Relationship with the traditional knowledge holders of these sacred medicines.

Your donation goes towards Indigenous-led initiatives that are strengthening communities in their efforts to conserve keystone plant medicines and traditional knowledges that they rely on for their healing and cultural survival.

Visit the website. Grow Medicine is a project of the Indigenous Medicine Conservation Fund.

~from the McKenna Academy of Natural Philosophy.

#Terence McKenna

# Dennis McKenna

#Psychedelic Community

[featurecreep]

Bedroom featuring tiered cinder block shelving, mattress with beige bedding, hanging kites, tall black candle holder, embellished floor cushions, round paper lamp.

The House Book by Terence Conran, 1974.