#artiste peintre international

[montillopierre]

Neige et verglas. Oeuvre d’art de Pierre Montillo

[fashionbooksmilano]

René Gruau L'art de la publicité The Art of Advertising

Réjane Bargiel, Sylvie Nissen

Le Cherche Midi, Paris 1999, 128 pages, 23x28cm, English/French, ISBN 9782862746951

euro 90,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

Un G surmonté d'une étoile, griffe d'innombrables images appartenant à la mémoire collective. Des lèvres spirituelles qui attendent le baiser, des jambes sublimes jaillissant d'un nuage de plumes, des bras qui se tendent vers vous, des yeux splendidement expressifs qui plongent dans les vôtres. Voilà autant d'images emblématiques et célébrissimes de Gruau, affichiste et illustrateur qui constituent des repères incontournables de l'art publicitaire du XXe siècle. Autodidacte, nourri d'une culture classique et graphique à travers les travaux des grands peintres et illustrateurs du XIXe siècle, il a créé un style. Admirable synthèse graphique, son trait épuré parent de la calligraphie extrême-orientale, le chic de ses femmes mutines, toujours en mouvement symbolisent internationalement l'élégance. Depuis 1947, il imagine la publicité des parfums Dior, réinvente depuis plus de 30 ans l'affiche de music-hall pour le Bal du Moulin Rouge et le Lido. A 90 ans, René Gruau, très actif professionnellement symbolise à la fois l'héritage de l'art graphique et publicitaire du XIXe siècle et la modernité de la fin du XXe siècle. Gruau's trademark, the letter G crowned with a star, bas become a part of our collective memory. It has marked many memorable images: a spiritual set of lips just waiting to be kissed, a sublime pair of legs emerging from a cloud of feathers, arms that stretch out invitingly, splendidly expressive eyes like bottomless pools. Gruau's famous, emblematic images are at the core of twentieth-century advertising art. An autodidact thoroughly familiar with classical painting and graphic art, Gruau drew on the work of the great artists and illustrators of the nineteenth century in order to create his own unique style. In short, his work represents an admirable graphic synthesis. The purity of his line recalls Oriental calligraphy, while his chic, saucy women, always in motion, are an international symbol of elegance. He has been the creative force behind Dior perfume ads since 1947. For over 50 years he has reinvented the dancehall poster for the Moulin Rouge and the Lido. Still a working professional at 90 years old, Gruau symbolizes both the heritage of nineteenth-century modernism.

06/12/23

[plaque-memoire]

Plaque en hommage à : Yves Klein

Type : Lieu de résidence, Œuvre

Adresse : 14 rue Campagne Première, 75014 Paris, France

Date de pose : 2006

Texte : 1928 . 1962. Dans cet immeuble a vécu et travaillé de 1958 à 1962 le peintre Yves Klein dit "Yves le Monochrome"

Quelques précisions : Yves Klein (1928-1962) est un artiste français, principalement connu pour son association à la couleur bleue, en particulier la nuance dite IKB (International Klein Blue), dont le procédé a été déposé en 1960 ; ce qui lui vaudra par ailleurs son surnom de "Yves le Monochrome", la monochromie étant la caractéristique essentielle de son art. S'inscrivant dans le mouvement artistique du Nouveau Réalisme, il est à l'origine d'une technique dite d'empreinte corporelle, consistant à enduire les corps de modèles avec de la peinture et à les presser contre une toile, donnant naissance aux œuvres de la la série des Anthropométries. Il décède à l'âge de 34 ans des suites d'une crise cardiaque. Ses œuvres continuent d'être exposées dans des musées du monde entier, et son style artistique unique a inspiré de nombreux artistes contemporains (son œuvre fut par exemple réinterprétée par l'artiste Rachel Lachowicz dans une performance intitulée Red Not Blue). Un square de Paris, situé non loin de l'immeuble où est apposé cette plaque commémorative, porte son nom.

[tynatunis]

Gabriele Münter (Germany, 1877-1962) The Yellow House Oil on board Private collection • #Repost @paintings_i_love № 3172 Landscapes inhabit a place of unparalleled importance in Münter's oeuvre; they were her favorite subjects to paint, and the nuanced changes in light and weather provided ever-varying material for her explorations of color modulation. The vast majority of her finest landscapes were painted en plain air in the town of Murnau, the Bavarian alpine village where she stayed with Wassily Kandinsky from 1908 until 1914. The two were fascinated by the local tradition of Hinterglasmalerei (glass painting) which they discovered there and with which they experimented extensively. Münter's response to the jewel-like luminosity, simplified forms and fresh naiveté of this folk art is particularly evident in her resulting paintings of the following years. The present work is a particularly early example of Münter's explorations of color and texture in landscape painting, and it provides evidence of the significant role she would play in the evolution of art in the decade that followed. In 1911 she would go on to collaborate with Kandinsky and other artists including Alexej von Jawlensky, Franz Marc and August Macke to found the vanguard movement Der Blaue Reiter (The Blue Rider) in Munich. The group sought to liberate painting from a literal, figurative understanding of the world, reaching instead for a symbolic and spiritual dimension in their art, paving the way for a broader international appreciation of abstraction. • #GabrieleMünter #Kandinsky #postimpressionismo #postimpressionisme #oilpainter #oilpaintings #oilpainting #artforeveryone #fineartpainting #paintingoftheday #peinture #historiadelarte #storiadellarte #peintures #historyofart #arthistory #beauxarts #instamuseum #artmuseum #pittura #arthistorian #peintre #malerei #19thcenturyart #20thcenturyart #oldmasters #impressionism #postimpressionism #europeanart #landscape https://www.instagram.com/p/ClGilv3o33-/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[omagazineparis]

Exprimez votre créativité : dix méthodes innovantes pour monétiser votre art

Êtes-vous un artiste en herbe ou une personne dotée d’une forte inclination pour la création ? Peut-être êtes-vous peintre, écrivain, musicien, photographe, ou simplement un passionné d’artisanat et de dessin. Quelle que soit votre aptitude spécifique, il existe une multitude de manières inventives de transformer votre talent artistique en une source de revenus. Cet article dévoile dix méthodes pour monétiser votre créativité. Monétisez vos œuvres d’art La manière la plus directe de capitaliser sur votre talent artistique est de commercialiser vos créations. Selon votre domaine de prédilection, cela peut impliquer la vente de peintures, de dessins, de sculptures ou même d’œuvres d’art numériques. Des plateformes en ligne telles qu’Etsy, eBay et des marchés d’art spécialisés vous offrent l’opportunité d’exposer et de vendre vos œuvres à une audience mondiale. Produits imprimés à la demande Pour les artistes qui produisent des œuvres numériques, les services d’impression à la demande constituent une option attrayante. Des sites web tels que Redbubble, Society6 et Printful vous permettent de télécharger votre œuvre d’art, et ils se chargent de la fabrication et de l’expédition de produits tels que des vêtements, des coques de téléphone, des affiches et bien plus encore. Vous recevrez une commission pour chaque vente, et votre œuvre d’art aura potentiellement la chance de toucher un large public. Organisez des cours et des ateliers d’art Si vous avez un don pour l’enseignement, envisagez d’offrir des cours ou des ateliers d’art. Vous pouvez enseigner en personne dans des centres communautaires locaux ou des écoles, ou organiser des cours en ligne sur des plateformes comme Udemy ou Skillshare. Partager vos compétences avec d’autres vous permettra non seulement de gagner de l’argent, mais aussi d’inspirer et de stimuler les artistes en devenir. L’art du tatouage L’art du tatouage requiert non seulement des compétences techniques, mais aussi d’excellentes aptitudes relationnelles. Il est crucial d’établir une relation de confiance avec vos clients, car ils vous confient une œuvre d’art permanente sur leur corps. Les tatoueurs doivent respecter des pratiques de stérilisation rigoureuses afin de garantir le bien-être et la sécurité de leurs clients, et utiliser du matériel et de l’encre tatouage de haute qualité. Illustration et conception de livres et de magazines Si vous êtes un illustrateur ou un graphiste, il existe de nombreuses opportunités pour vous dans le monde de l’illustration de livres, de magazines et d’autres types de publications. Les auteurs et les éditeurs sont constamment à la recherche d’artistes doués pour concevoir des couvertures, créer des illustrations internes et produire des œuvres d’art qui enrichissent leur contenu écrit. A lire également : Les expositions d’art contemporain à voir absolument cet été Art public et peintures murales Certaines villes et organisations font appel à des artistes pour réaliser des œuvres d’art public, comme des peintures murales, des sculptures ou des installations. Bien que ces projets ne soient pas une source de revenus régulière, ils peuvent offrir une rémunération importante et une excellente visibilité pour votre travail. Photographie et vidéographie d’archives Si vous êtes photographe ou vidéaste, considérez la possibilité de commercialiser votre travail sur des plateformes dédiées à l’achat de photographies et de vidéos. Des sites web tels que Shutterstock, Adobe Stock et iStock vous offrent la possibilité de télécharger votre contenu, qui sera ensuite acheté par des utilisateurs cherchant à obtenir une licence pour vos images ou séquences pour diverses utilisations. Artisanat et produits faits à la main Si vous avez un talent pour l’artisanat et la création d’articles faits à la main, des plateformes comme Etsy et les foires artisanales locales peuvent être un excellent marché pour vos produits. Les bijoux, la décoration intérieure, les vêtements et les accessoires faits à la main ne sont que quelques exemples d’articles qui peuvent générer des revenus. Les NFT et l’art numérique L’émergence des jetons non fongibles (NFT) a ouvert de nouvelles voies pour les artistes numériques. Les NFT permettent aux artistes de vendre des œuvres d’art numériques en tant qu’objets de collection uniques sur des plateformes de blockchain comme Ethereum. Bien que ce marché soit encore relativement nouveau, il a suscité beaucoup d’intérêt et peut s’avérer très lucratif pour certains artistes. Médias sociaux et création de contenu Les plateformes de médias sociaux comme Instagram, TikTok et YouTube offrent aux créateurs de contenu et aux artistes une opportunité unique de monétiser leur travail. Vous pouvez générer des revenus grâce à des partenariats, des publicités, des ventes de marchandises et du financement participatif (crowdfunding) de la part de vos fans en ligne. Read the full article

[artsenscene2020]

[leblogdemarinaetjeanmarie]

MARDI 4 AVRIL 2023 (Billet 1 / 3)

Grâce à une invitation de notre ami Pierrot (S.), dimanche nous sommes allés au Carrousel du Louvre nous balader dans les allées du Salon International d’Art Contemporain, plus simplement nommé « Art Shopping »… « Art Shopping » portant bien son nom car c’est un Salon qui est à la portée des visiteurs « lambda » que nous sommes, au contraire des grands et célèbres Salons (dont l’ancienne FIAC, aujourd’hui « Art Basel ») où il faut avoir un portefeuille plus que bien garni pour repartir avec une œuvre.

C’est la 3e fois que nous y allons. Beaucoup de stands n’ont, à notre goût, pas trop d’intérêt (« les goûts et les couleurs… »), mais il y en a toujours 2 ou 3 qui retiennent notre attention. Ce qui n’est déjà pas si mal et puis ça fait tellement du bien de voir de temps en temps des tableaux ou des sculptures, surtout en ces moments saturés d’images laides et « puantes », Cf toutes ces poubelles non-ramassées durant des semaines et des semaines dans Paris !

Vous trouverez ci-dessous quelques photos prises de-ci de-là… moins que nous l’aurions voulu, en cause les projecteurs éclairant les tableaux qui faisaient de grandes ombres verticales sur les photos (!!!).

Mais l’autre avantage de ce Salon, c’est qu’on peut rencontrer les artistes. Et là, ça peut vite devenir passionnant.

Nous sommes restés un certain temps à discuter avec Sonia Madani, une artiste d’origine iranienne. Nous avons beaucoup aimé ce qu’elle faisait : un mélange d’élégantes calligraphies en persan et d’aquarelles d’inspiration féérique.

En parlant d’abord avec son fils (étudiant aux Beaux-Arts à Metz) puis avec l’artiste, nous avons appris que le tableau qui nous avait fait nous arrêter était inspiré d’un poème. C’est d’ailleurs son nom :

« Souviens-toi

L’envol

…

Personne ne me présentera au Soleil

Personne ne m’emmènera à la fêtes des moineaux

Souviens-toi de l’envol

L’oiseau va mourir »

En rentrant à la maison, nous avons fait des recherches sur Internet pour connaître l’auteure de ces 4 vers.

Et nous l’avons retrouvée, c’est une poétesse iranienne qui s’appelle Forough Farrokhzad (1935-1967). Si vous aimez la poésie, nous pensons entre autres à Marlène (B.) et à Jade (A.)… cliquez d’abord sur le lien à la fin de ce Billet, puis sur la première proposition de Babelio et enfin sur « Lire plus ». En descendant au bas de la page, vous aurez un florilège de ses poèmes les plus « célèbres ». Elle a aussi écrit des livres et réalisé des films.

Nous avons tellement aimé ce que faisait Sonia Madani, une femme plus que charmante au demeurant, que nous aurions bien acheté une ses œuvres. Malheureusement, nous n’avons plus une seule place de libre sur nos murs. Mais nous avons gardé ses coordonnées et vous les communiquons aussi, on ne sait jamais, l’un ou l’une d’entre vous pourrait craquer… ou nous, changer d’avis.

Nous avons continué notre visite et quelle ne fut pas notre surprise, 5 minutes plus tard, de voir l’artiste nous rejoindre et nous offrir une de ses petites aquarelles. Comme ça, en pure amitié, tout simplement parce qu’elle a dû apprécier le fait que nous nous soyons intéressés à elle, à ce qu’elle faisait, à sa culture, à son talent. Voir ci-dessous la petite aquarelle.

Cela nous a beaucoup touchés…

Ses coordonnées :

Sonia MADANI (artiste peintre, encre et aquarelle)

E-mail : mad.et.encre@gmail.com

Téléphone : 06 28 15 75 63

Le lien vers la bibliographie de la poétesse iranienne :

[tadorsa]

Georges Du Pan (1754-1808)

Proche de la tradition du dessin, la découpure est une technique artistique foncièrement genevoise qui apparaît dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle. S’il est une personne à qui la Cité de Calvin doit tout en matière de découpure, c’est Jean Huber (1721-1786). Celui-ci tente d’élever cet art mineur au niveau des beaux-arts et son travail connaît un succès international. Il fonde véritablement ses ambitions artistiques dans ses « tableaux en découpures », qu’il conçoit comme des « Idées » ou comme «des tableaux qui laissent penser et qui font faire à l’imagination du spectateur ce que le simple contour indique». Diderot écrivit à son propos : « Quiconque a vu des découpures du fameux Huber de Genève, sentira vivement l’importance du coup d’œil. C’est avec la plus étonnante vérité que cet artiste unique en son genre sait, sans tracer aucun dessin, représenter chaque objet par la simple découpure d’un morceau de papier »

À Genève, dès 1790, de jeunes talents tels que Georges Du Pan (1754-1808), Michel Lullin (1754-1802), le peintre de genre, animalier et portraitiste Jacques-Laurent Agasse (1767-1849) ou Henri Serre (actif fin XVIIIe siècle) s’adonnent à cette pratique. Si Jean Huber donne ses lettres de noblesse à la découpure genevoise, Georges Du Pan est un amateur à placer quasiment au même niveau d’excellence. Formé dans l’atelier du premier, il réalise des productions de grandes dimensions pouvant aller jusqu’à un mètre de longueur.

Tout comme les papiers découpés ou les «poyas » populaires confectionnés en Gruyère dans le Pays d’Enhaut, les découpures genevoises relèvent d’une virtuosité technique. Toutefois, l’art genevois se développe chez des artistes de renom et n’obéit en rien à une tradition folklorique. Les thématiques illustrées font ainsi très souvent écho à celles élaborées dans la grande peinture néoclassique de l’époque : paysages historiés ou scènes de campagne.

G-7

[worldfamoustattoo-blog]

Portrait de Armando Reverón ( un artiste-peintre vénézuélien, né à Caracas le 10 mai 1889, et mort dans la même ville, le 18 septembre 1954. Précurseur de l'Arte povera, et reste considéré comme l'un des plus importants du XXᵉ siècle en Amérique latine. (Source : Wikipédia). Réalisé pour Yomico Moreno ( a famous tattoo artist from Venezuela. He is known for his amazing tattoo style and clientele such as Dwayne "The Rock" Johnson. ( Source : Yomicoart.com ). Par la légende du réalisme en noir Robert Hernandez ( he was born in Prudnik, Poland on July 19, 1969. He's 53 years old today. Tattoo artist whose hyper-detailed black and white work, much of it represents the faces of artists or characters from popular fiction, has earned him international acclaim. ( Source :allfamous.org ). Some of his Tattoo styles include medieval art, impressionism, surrealism, contemporary art, and event photography. Some of his biggest celebrity clients are members of the Kiss band which is the same band which Robert admired all his life. Apart from that David Beckham and Victoria Beckham are also other big names he has worked with. ( Source : allstarbio.com ) MESDAMES et MESSIEURS  exclusif chez  " The Most Famous Studio "  à Perpignan, sur rendez-vous uniquement :  ROBERT HERNANDEZ  pour vos tatouages dans son style unique au monde. Encore quelques rendez-vous disponibles. Possibilité de payer en 4 fois jusqu'à 2000€ The Most Famous Studio by @marco.scarfo is Powered by : @cheyenne_tattooequipment @inkmachines ⚜️ Sponsorship: @tadoo_original @247inkmagazine (@247inkmag ) ⚜️ Pro Team : @tattooproton Award-winning, published and sponsored artists 🏆 Published : best studio in P.O. France . 🥇 Published : most famous studio in Europe ⚜️ Published : top first page l'independant 🥇 Published : first page " Le Journal Catalan " 🥇 Published by : @hifructosemag ⚜️1 MLN FLWS 3 times @247inkmagazine ⚜️ Interview + publication : TIME MAGAZINE INDIA ⚜️ V-partners : @kimberleyanngram @inkedhumanmermaid @coconutkittywins ⚜️ 5.5 MLN FLWS @blacktapeproject @zitavass (Top Model) @rzzn__giulia ( Miss WNTM Europe) @ladybossk_official Testimonial : @jillisalynn #roberthernandeztattoos (à The Most Famous Studio) https://www.instagram.com/p/CpDi1Awrsa4/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[montillopierre]

Art Magazine. Pierre Montillo. Apprécié sur le marché de l’art international

[parkstone-international]

La période bleue et au-delà : Picasso et son empreinte intemporelle sur le monde de l'art

La période bleue et au-delà : Picasso et son empreinte intemporelle sur le monde de l'art

Le texte ci-dessous est l’extrait du livre Pablo Picasso (ISBN: 9781644618530), écrit par Anatoli Podoksik, publié par Parkstone International. Kahnweiler qui a pu observer Picasso soixante-cinq ans durant, écrivait : « Il est vrai que j’ai qualifié son oeuvre comme “fanatiquement autobiographique”. Autant dire qu’il ne dépendait que de lui-même, de son propre « Erlebnis ». Il était toujours…

[art-en-vrac]

Henri Michaux

Poète et peintre français d'origine belge. C'est parce qu'il rencontre trop d'obstacles dans le langage qu'il commence dès 1928 à dessiner, en se méfiant de ce qui paraît encore attacher la peinture à « l'encombrante réalité », mais Klee et Ernst lui donnent l'exemple des capacités exploratoires de l'art.

Son œuvre est inlassablement consacrée, en parallèle à ses coups de sonde poétiques, à la révélation du plus intime et du plus imprévu : apparitions et mouvements de foules, signes pseudo-calligraphiques et personnages peu nommables peuplent des vertiges, des absences à soi et des façons d'être dont il recense la diversité, à partir de 1956, par l'usage contrôlé des hallucinogènes.

Dans Émergences, résurgences (1972), Michaux analyse son expérience créatrice personnelle, qui excède l'art « informel » où on a cru pouvoir un temps l'intégrer ; il a de surcroît admirablement commenté certains travaux d'art brut, trouvant dans leurs auteurs des « ravagés » dont il se sentait complice.

Sans titre, 1946-1948.

« La volonté », assène Michaux, est la « mort de l'art ». Cela aurait pu le mener vers le surréalisme, mais sa méfiance à l'égard de l'automatisme et des apports du rêve l'en tient éloigné. Par contre, c'est pour déjouer sa propre volonté qu'il privilégie fréquemment les lavis, l'aquarelle, les encres diluées qui inspire cet artiste,les divers matériaux dont la fluidité et la rapidité d'expansion déjouent toute prétention à maîtriser le tracé et produisent pour ainsi dire de leur propre mouvement des formes que le peintre doit se contenter d'accepter comme et telles qu'elles viennent, pour les fixer légèrement, sans en détruire le dynamisme interne.

Il s'agit, affirme encore Michaux, de laisser courir la main « dans le désordre, dans la discordance et le gâchis, le mal et le sens dessus-dessous » : si le résultat se révèle décevant, qu'il soit détruit. Ce lavis d'encre et aquarelle a été conservé ; c'est donc qu'il comblait convenablement l'attente du peintre, en ramenant de l'« espace du dedans » l'indice d'un nouvel être, approché et saisi à l'état natif.

Sur le support, l'aquarelle a été répandue par de larges et hâtifs coups de pinceau : superpositions du bleu-vert et interruptions des empreintes signalent le simple désir de constituer un fond sans autre intérêt que de proposer un espace où puisse advenir l'inattendu.

Au lavis, un pinceau rapide trace une ligne sinueuse qui zigzague sur la surface - puis quelques autres, toujours hâtives, pour enclore une silhouette possible. Ce qui lui tient lieu de regard est curieusement exhaussé sous une absence de front, et les deux traits sombres diffusent un peu dans l'eau, comme pour signaler une surprise, un geste de recul, mais il est trop tard pour s'échapper : une attitude, sereine ou recueillie a déjà été saisie.

On ne cherchera pas à en savoir davantage : apercevoir ce surgissant tient déjà du miracle.

« Avec la peinture », confie Michaux, « je me sens jeune ». C'est qu'elle fait accéder à des présences tour à tour effarées ou narquoises, discrètes et capables de défier le regard de l'explorateur, sympathiques et refermées sur leur secret - en tout cas pas encore domestiquées, inciviles. Ce « personnage » émergeant à peine du fond (à moins qu'il s'y enfouisse) n'a pas de message à nous délivrer, on devine même qu'il ne tient aucunement à établir la moindre communication durable avec nous. Mais son apparition, signalant un mode d'être qui nous reste étranger, garantit amplement que le champ du possible reste illimité.

En renonçant à soi, Michaux se multiplie dans ce qui anime ses peintures et dessins. « Je est un autre », découvrait Rimbaud. Michaux confirme : « MOI n'est qu'une position d'équilibre. » La peinture est aussi faite pour vérifier les riches apports du déséquilibre consenti.

[louduvelleroy]

// À travers les yeux d’Alice 

Longtemps repoussée pour cause de mesures sanitaires, l’exposition Alice Neel, un regard engagé a enfin pu prendre place au centre Pompidou à Paris et sera mise à l’honneur jusqu’au 16 janvier prochain. Si j'insiste sur le dur report de cet événement, c’est parce que ce temps d’attente pour Angela Lampe, commissaire de l’exposition, fut source d'un dilemme éditorial. La plus grande partie des œuvres de cette artiste nord-américaine provenait évidemment des États Unis et c’est en avril 2020, dans un contexte international on ne peut plus préoccupant, qu’elle doit se rendre à l’évidence : la réalisation du projet devra attendre. Or le catalogue d’exposition, lui, est prêt à partir pour impression.

Poussée à l’action par la situation politique du moment, qui entrait étrangement en résonance avec les sujets abordés dans l’œuvre d’Alice Neel, Angela décida de prendre le risque de sortir le catalogue en amont de l’exposition. Une partie du message avait donc déjà été délivrée il y a deux ans, découvrons maintenant la suite. 

À l’entrée, c’est Alice qui nous accueille. La posture sereine de cette vieille femme aux cheveux tressés nous regardant de ses grands yeux tendres, m’invite même à dire qu’elle nous attendait. Et oui, cela fait bien deux ans. Une fois passée cette immense photographie en noir et blanc ainsi que le texte de présentation, une grande salle s’offre à nous. La rétrospective de cette peintre singulière du XXe siècle suit une approche intersectionnelle. Mêlant à la fois la cause féministe et des enjeux sociaux culturels telles que les notions d’origine, de couleur de peau, de milieu social, ces tableaux, majoritairement des portraits, sont disposés les uns à côté des autres sur des pans de murs artificiels. Les personnages, tous scrupuleusement nommés, s’observent en silence. On sent que les deux thèmes sont à différencier, cependant la frontière est fine entre ces deux manières d’aborder la peinture et je dois dire que cela obscurcit les intentions du commissariat. Doit-on voir une dualité thématique dans l’œuvre d’Alice Neel, avec d’un côté une dénonciation de la discrimination raciale et sociale, et de l’autre un soutien à la cause des femmes, comme indiquée dans le cartel d’introduction ? Si oui, pourquoi ne pas avoir effectué une rupture matérielle de la circulation dans l’espace ? Pourquoi avoir concentré dans une seule et même salle à déambulation libre, ces hommes et ces femmes qui ne semblent pourtant pas vouloir nous parler de la même chose ? Au contraire, était-ce voulu que les discours se confrontent brutalement ainsi ? Les engagements politiques de cette femme communiste sont nombreux. Lutte contre la ségrégation raciale, combat face aux inégalités, opposition aux discriminations subies par les femmes et les homosexuels, … Toutes ces personnes peintes portent en elles une histoire visible sur leur visage. Elles ont toutes quelque chose à crier. Et on n’entend plus rien. 

Il me semble donc que cette confrontation des tableaux nuit à l’audibilité de leurs messages. Cependant, sans ce dispositif d’exposition particulier, je n’aurai peut être pas saisi toute la force et l’intensité de l’oeuvre d’Alice Neel, qui m’a personnellement submergée. Des mains déformées, longues et veineuses, une atmosphère colorée froide, presque sans vie sont des éléments caractéristiques de son travail. Et pourtant derrière ce style cru, on ne peut s’empêcher de trouver un regard emphatique vis à vis de toutes ces histoires, celles transcrites par une femme qui peint les gens avec toute sa tendresse. Qui peint les êtres dans leurs plus simples apparats et nous en donne des représentations brutes, dénuées de considérations esthétiques. Des nus, il y en a beaucoup dans cette exposition. Ce qui ne fait que renforcer la vulnérabilité de ces gens donnés à voir, comme s’ils témoignaient : « J’ai souffert oui, et je souffre encore. Pourtant là, nu et sans défense, je n’ai pas peur ». Cette pertinente force me laisse sans voix, lorsque les leurs continuent de résonner dans ma tête. 

Lou Duvelleroy.

(Publié le 13 novembre, 4059 caractères).

[tynatunis]

Promenade à Londres chez un amateur du bleu outremer. Repost @fredericmagazine Text @k8bolick Product by @hudsonmoore Michael Amato a toujours été un "grand fan" du bleu. Pas n'importe quel bleu - l'outremer vif qui illumine chaque pièce de sa maison londonienne a captivé les artistes pendant des siècles. Les peintres de la Renaissance ont laborieusement broyé le lapis-lazuli pour obtenir un pigment si précieux qu'ils le réservaient aux robes de la Madone. Dans les années 1950, l'artiste français Yves Klein a trouvé un moyen de conserver l'intensité de cette teinte en la mélangeant à une résine synthétique, et a baptisé son invention International Klein Blue (IKB). L'année dernière, M. Amato a présenté sa propre version, le bleu Icon, dans le cadre d'une palette de couleurs emblématique de la marque d'éclairage de luxe The Urban Electric Co. dont il est le directeur de la création depuis près de deux décennies. View 1-2 To anchor that large wall, Amato created a “Saddle” table inspired by Jean-Michele Frank to evoke a fireplace. He designed the Kensington globe fixture for Urban Electric Co. in 2013, to commemorate the 150th anniversary of the London Underground View 3 Small neutral details, like the plaster lamp from Henry Saywell on a side table, and an antique African stool from Tribal Gathering London, add another layer of interest to the space View 4-5 In the kitchen, a corner wall is covered in De Gournay “Coco Coromandel.” The De Gournay wallcovering from the kitchen reappears here in the library loft/dressing room on a custom screen. The carpet is the existing “basic rental beige.”    #LiveArtfully#helmutnewton #mamiyarz67 #georgesjouve #luisbarragan #donaldjudd #vincenzodecotiis #charlotteperriand #josephbeuys #josephdirand #axelvervoordt #japandidesign #mediterraneandesign #jeanroyere #markrothko  #miesvanderrohe #pierrepaulin #ettoresottsass #jamesturrell #jeanprouvé #bottegaveneta #pierrechapo #midcenturydesign #bytyna https://www.instagram.com/p/Cl0UtwvNP-A/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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Exprimez votre créativité : dix méthodes innovantes pour monétiser votre art

Êtes-vous un artiste en herbe ou une personne dotée d’une forte inclination pour la création ? Peut-être êtes-vous peintre, écrivain, musicien, photographe, ou simplement un passionné d’artisanat et de dessin. Quelle que soit votre aptitude spécifique, il existe une multitude de manières inventives de transformer votre talent artistique en une source de revenus. Cet article dévoile dix méthodes pour monétiser votre créativité. Monétisez vos œuvres d’art La manière la plus directe de capitaliser sur votre talent artistique est de commercialiser vos créations. Selon votre domaine de prédilection, cela peut impliquer la vente de peintures, de dessins, de sculptures ou même d’œuvres d’art numériques. Des plateformes en ligne telles qu’Etsy, eBay et des marchés d’art spécialisés vous offrent l’opportunité d’exposer et de vendre vos œuvres à une audience mondiale. Produits imprimés à la demande Pour les artistes qui produisent des œuvres numériques, les services d’impression à la demande constituent une option attrayante. Des sites web tels que Redbubble, Society6 et Printful vous permettent de télécharger votre œuvre d’art, et ils se chargent de la fabrication et de l’expédition de produits tels que des vêtements, des coques de téléphone, des affiches et bien plus encore. Vous recevrez une commission pour chaque vente, et votre œuvre d’art aura potentiellement la chance de toucher un large public. Organisez des cours et des ateliers d’art Si vous avez un don pour l’enseignement, envisagez d’offrir des cours ou des ateliers d’art. Vous pouvez enseigner en personne dans des centres communautaires locaux ou des écoles, ou organiser des cours en ligne sur des plateformes comme Udemy ou Skillshare. Partager vos compétences avec d’autres vous permettra non seulement de gagner de l’argent, mais aussi d’inspirer et de stimuler les artistes en devenir. L’art du tatouage L’art du tatouage requiert non seulement des compétences techniques, mais aussi d’excellentes aptitudes relationnelles. Il est crucial d’établir une relation de confiance avec vos clients, car ils vous confient une œuvre d’art permanente sur leur corps. Les tatoueurs doivent respecter des pratiques de stérilisation rigoureuses afin de garantir le bien-être et la sécurité de leurs clients, et utiliser du matériel et de l’encre tatouage de haute qualité. Illustration et conception de livres et de magazines Si vous êtes un illustrateur ou un graphiste, il existe de nombreuses opportunités pour vous dans le monde de l’illustration de livres, de magazines et d’autres types de publications. Les auteurs et les éditeurs sont constamment à la recherche d’artistes doués pour concevoir des couvertures, créer des illustrations internes et produire des œuvres d’art qui enrichissent leur contenu écrit. A lire également : Les expositions d’art contemporain à voir absolument cet été Art public et peintures murales Certaines villes et organisations font appel à des artistes pour réaliser des œuvres d’art public, comme des peintures murales, des sculptures ou des installations. Bien que ces projets ne soient pas une source de revenus régulière, ils peuvent offrir une rémunération importante et une excellente visibilité pour votre travail. Photographie et vidéographie d’archives Si vous êtes photographe ou vidéaste, considérez la possibilité de commercialiser votre travail sur des plateformes dédiées à l’achat de photographies et de vidéos. Des sites web tels que Shutterstock, Adobe Stock et iStock vous offrent la possibilité de télécharger votre contenu, qui sera ensuite acheté par des utilisateurs cherchant à obtenir une licence pour vos images ou séquences pour diverses utilisations. Artisanat et produits faits à la main Si vous avez un talent pour l’artisanat et la création d’articles faits à la main, des plateformes comme Etsy et les foires artisanales locales peuvent être un excellent marché pour vos produits. Les bijoux, la décoration intérieure, les vêtements et les accessoires faits à la main ne sont que quelques exemples d’articles qui peuvent générer des revenus. Les NFT et l’art numérique L’émergence des jetons non fongibles (NFT) a ouvert de nouvelles voies pour les artistes numériques. Les NFT permettent aux artistes de vendre des œuvres d’art numériques en tant qu’objets de collection uniques sur des plateformes de blockchain comme Ethereum. Bien que ce marché soit encore relativement nouveau, il a suscité beaucoup d’intérêt et peut s’avérer très lucratif pour certains artistes. Médias sociaux et création de contenu Les plateformes de médias sociaux comme Instagram, TikTok et YouTube offrent aux créateurs de contenu et aux artistes une opportunité unique de monétiser leur travail. Vous pouvez générer des revenus grâce à des partenariats, des publicités, des ventes de marchandises et du financement participatif (crowdfunding) de la part de vos fans en ligne. Read the full article