#berlinale 2010

[sigelfire]

I saw the first photo and had to find a good size... Which I did, and it led me to the other two photos...

Diego Luna at Berlin International Film Festival, 2010 (with Gael too!), presenting Revolución.

There's a video at the source. It's too long, so I am not allowed to upload it here, sorry!

[christianbalefanatic]

Christian Bale attends the press conference for American Hustle during the 64th Berlinale International Film Festival at the Grand Hyatt Hotel in Berlin, Germany (February 7, 2014)

Re: Christian Bale as Irving Rosenfeld in American Hustle (2013) dir. David O. Russell

(christianbalefanatic edit)

[binisaya]

“Ano nga ba talaga ang ‘Film Festival’?” (Pinoy Indies as Community Spaces) with Ed Cabagnot 

Importance of films and film festivals in bridging the gap between metropolitan advancements and cultural preservation

Edward Delos Santos Cabagnot's career in Philippine cinema spans over three decades beginning as Film Programmer at the Experimental Cinema of the Philippines in 1982. In 1987, it continued at the Cultural Center of the Philippines (CCP) where he served as Director of the CCP Media Arts (Film & Broadcast) Division until his retirement in 2013. His work includes the establishment of alternative cinema networks nationwide (the CCP/NCCA Lakbay Sine and the CCP SineKlab), managing the Gawad CCP Para Sa Alternatibong Pelikula at Video (the longest-running independent film festival in Southeast Asia_, and co-founding the Cinemalaya Philippine Independent Film Festival. Since 2008, he has served as a jury member for numerous international film festivals including the Berlinale, the Busan International Film Festival, and the International Documentary Festival Amsterdam, to name just a few.

In 2007, he was awarded an API (Asian Public Intellectuals) Fellowship Grant by the Nippon Foundation which focussed on the topic "Changing Landscapes, Changing Lives: the Changing Cinemas of Southeast Asia". In 2010, he also completed a five-week scholarship training on Film Festival Management for the Deutsche Welle in Berlin, Germany.

Cabagnot is a two-time Palanca awardee for playwriting and a prolific writer for Philippine and international publications. His latest work "Martin Heidegger's Being & Time and Manuel Silos' Biyaya Ng Lupa" on Philosophy and Pinoy Cinema was recently published by the University of the Philippines Press.

Currently, he is a member of the faculty at the University of the Philippines, De La Salle University, and De La Salle – College of Saint Benilde -specializing in Contemporary Southeast Asian Cinema, Film Festival Management, and, of late, AI Technology in Media and the Creative/Culture Industries.

In June 2024, he was awarded the Keys to the City of Manila by its mayor and vice-mayor for his role as Key Advisor to and Festival Director of recently-held The Manila Film Festival.

[elch-im-ausland]

Sunday Feb. 18 2024

I woke up a bit late but that's okay cuz it's Sunday! And nothing happens on Sundays in Germany... except for the Flohmarkt at the Mauerpark in Berlin. I took the tram just a couple stops away from where I'm staying and arrived at the market. Then I got a dirty chai latte and a currywurst for breakfast (very tasty with hot sauce and different kinds of mayo it was D-Lux!) and I walked around for a few hours.

There were lots of vendors selling coats and I wish I didn't live so far away because I have been dying to have a long fur-lined coat (of which there were many) but I really don't have any space so I ended up buying a leather bomber-style jacket to replace my really ratty denim coat I wear all the time.

As much as I love love love my denim coat and I've had it for a few years it's not very warm and the cuffs are so stringy and it's just not the best coat so I'm going to remove my patches and pins and leave it in Germany where it can have a new life hopefully and I will try not to think about how inanimate objects have feelings and how sad my coat will be that I am leaving it behind.

But I'm excited about the leather jacket. I think it will mark a new chapter in my life and although I am a bit saddened by the fact that leather is not really a pin-friendly material I have so many (some (my mother) might say too many) other jackets to redistribute my pins and patches onto, and I will continue the hunt for the long fur-trimmed coat of my dreams.

Back at the flea market I also bought a silver ring with a face on it for 6 euro, a record of Nena's Irgendwie, Irgendwo, Irgendwann 12" dance mix for 10 euro, and a button down t shirt for 2 euro. Then I got a cup of Sahlab and another currywurst and went home because I had to pee and there were no public restrooms.

I met one of my host's roommates, he was really friendly and somehow spoke the exact German that I understand like he didn't use big words idk it felt like talking to a german teacher who understands your level of german. So that was nice.

That night I went to the Berlin Independent Film Festival (not to be confused with the Berlin International Film Festival aka the Berlinale, however I recently bought tickets to 2 films that are being shown at the Berlinale so yay! but it's really annoying that they both take place at the same time and have similar names cuz I keep getting them mixed up).

The movie I saw was Lichtenberg by Carl Bessai. It was at the Babylon Theater and it was very good! It is about 5 different time periods during the last century in an apartment building in the Berlin neighborhood Lichtenberg. The eras where 1920s, 1940s, 1980s, 1990s and 2010s. The cast was small and they played different characters in each time period. And then at the end of the movie there was a short Q&A panel at the front of the theater with the cast and director which was a bit awkward since I had a front-row seat so everyone was standing like 4 feet away from me eep! Apparently the director (who is from Canada) wrote the script and then the cast (all German) decided that it was a bit dry so they improvised every scene so it felt more organic and personal so it was a bit like a stage play in that respect. It's not on Letterboxd yet so I haven't been able to add it to my list rip

Then I came home and went to bed because I was sleepy.

[ncityzen]

What films would your recommend from your country of origin? I am looking for recs, I hope you don't mind, could be classics regarded by the general public or your personal faves, thank you :)

Hi!! omg it´s been a while since I last got an ask I feel touched I feel seen, thank you anon 🤍☕🩷📰

anyways i'm going to recommend some Catalan films, but I'm sure i'll forget a few important ones, and i haven't seen them all, so I hope they're good!

Black Bread: this is kind of a modern classic from 2010. I think the story resonated quite a bit with what people went through in the post-war period + it was filmed near my hometown, so there was definitely a bit of buzz for me sjdflk

Summer 1993: i haven't watched this one (yet), but it did get a fair bit of attention and it's supposedly good. It's a little girl's summer in 1993, simple and sweet

Alcarràs: this one won the Golden Bear at the 2022 Berlinale, and I haven't seen it yet either, but i definitely saw it being played at posh london cinemas, which was quite cool

Salvador (Puig Antich): based on the real-life story of catalan anarchist Salvador Puig Antich, who was executed by garrotte in 1974 (!!!!!!) by the Francoist dictatorship. his story is really well-known in Catalonia for obvious reasons, and i bet most people don't know that daniel brühl is half catalan lmao

Barcelona Summer Night (Barcelona Nit d'Estiu): definitely not as arthouse-y as the other ones here, but just a simple movie for a chill evening, centred around relationships in barcelona. there's a follow-up called Barcelona Winter Night. it's definitely on Netflix Spain, but if you don't have a vpn i don't know :(

I hope this is more or less what you were looking for? let me know if you watch any of this and if you like them!!

[swissforextrading]

The Cinémathèque Suisse turns 75, and film lovers can rejoice

Founded in 1948, Switzerland's national film archives struggled for decades to find suitable conditions to keep the memory of Swiss cinema alive. Today it sits in state-of-the-arts facilities that can keep its gems safe even in case of nuclear war. For its 75th anniversary the Cinémathèque Suisse has many reasons to celebrate. It is considered one of the ten most important film archives in the world; preserving not only the memory of Swiss cinema but also many other international film gems. In the beginning of 2024, the Cinémathèque will also re-inaugurate the Capitole Cinema, Lausanne’s oldest movie theatre built in 1928 and acquired by the government for the use of the Cinémathèque in 2010. The new building will have its original architecture renovated and gain a second theatre underground. Furthermore, many of Swiss film classics it restored have been relaunched in some of the most prestigious film festivals this year, such as Cannes (The Village, 1953) and the Berlinale... https://www.swissinfo.ch/eng/culture/the-cin%C3%A9math%C3%A8que-suisse-turns-75--and-film-lovers-can-rejoice/48669812?utm_campaign=swi-rss&utm_source=multiple&utm_medium=rss&utm_content=o (Source of the original content)

[double-croche1]

[INTERVIEW CINÉ] GIACOMO ABBRUZZESE

Sélectionné en Compétition à la Berlinale, ‘Disco Boy’ est le premier long-métrage du réalisateur italien Giacomo Abbruzzese. A l’occasion de la sortie du film dans les salles françaises, on a eu la chance de le rencontrer pour parler des multiples détails de conception du film. ‘Disco Boy’ est votre premier long-métrage après des courts et moyens métrages documentaires et de fiction depuis le début des années 2010. Quand avez-vous eu les premières idées pour ‘Disco Boy’ et sont-elles présentes dans la version finale du film ? Giacomo : Je pense à ‘Disco Boy’ depuis environ dix ans. J’ai un ami anglais scénariste qui est venu voir le film à la Berlinale et qui m’a dit : « C’est incroyable, j’avais lu un pré-traitement du scénario il y a huit ans et c’est le même film. » C’est vrai qu’il y a des choses qui n’ont pas bougé. J’ai tout de même écrit 25 versions du scénario avec des ajustements. Ces dix ans m’ont permis de trouver l’argent pour le film, parce que c’était très ambitieux pour un premier long-métrage. Cela a été compliqué de trouver l’argent qu’il fallait. Nous avons tourné avec 3,5 millions, ce qui est beaucoup pour un premier film, mais je n’avais pas de directeur de production ni de premier assistant. On m’a dit que le film était impossible à faire, qu’il fallait au moins un million de plus et dix jours de tournage supplémentaires. Je suis ravi d’avoir bougé la ligne entre le possible et l’impossible. Je pense que parfois il faut pousser les choses pour qu’elles se fassent. J’espère travailler dans des conditions un peu moins extrêmes la prochaine fois parce que cela a été très dur. Quels ont été les points de départ du scénario ? Giacomo : La première idée vient d’une rencontre que j’ai eue il y a plus de dix ans dans une boîte de nuit avec un danseur qui avait été soldat. J’ai entendu des gens dire que ‘Disco Boy’ est un hommage à ‘Beau Travail’ de Claire Denis (1999). J’aime beaucoup Claire Denis, notamment ‘Trouble Every Day’ (2001) qui est un de mes films préférés, mais je n’avais pas vu ‘Beau Travail’ à ce moment-là. J’ai vu ce film seulement un mois avant le tournage et je me suis rendu compte que je m’étais posé la même question du corps du danseur et de celui du soldat. Et si cela se produisait dans le même corps ? Est-ce que cela a déjà existé ? C’est intéressant dans l’art lorsque des personnes très éloignées dans le temps et l’espace ont des sensibilités communes sur les choses. C’est un peu la même expérience que j’ai vécue avec le chorégraphe Qudus Onikeku nigérian. Je suis allé par un pur hasard voir son spectacle ‘Re:incarnation’ au Centre Pompidou (le 30 juin 2021). Je me suis rendu compte qu’on travaillait exactement la même chose : le retournement, les ancêtres, la structure de la spirale, la réincarnation... Le tout dans la même approche et la même idée de mélanger des archétypes primitifs avec des choses contemporaines.

Il y a plusieurs éléments dans le film qui sont lointains les uns des autres mais qui trouvent une étonnante fluidité. Comment vous avez pensé mettre en lien ces éléments, entre la légion étrangère, l’immigration européenne, la culture nigérienne, la danse et le monde de la nuit ? Giacomo : Nous sommes beaucoup de choses, comme peut l’être un film. Je n’aime pas les films trop monochromatiques avec un seul sujet. C’est pourtant ce qu’on t’apprend dans les écoles de cinéma, il faut toujours restreindre. Je comprends parce qu’on risque de se perdre. Au contraire, j’aime me perdre. En tant que spectateur, j’aime bien les films qui sont en constant mouvement, avec des changements de tons, de registres. Cela donne de la richesse, ce n’est pas une faute de goût. Je suis intéressé par la limite entre ce qui pourrait être une faute de goût et trouver la beauté là où on ne l’attend pas. Par exemple, le personne d’Aleksei est en constante métamorphose tout au long du film alors qu’il ne dure que 1h30. Dans ce temps, on voit plusieurs étapes et déclinaisons de son personnage. Au sujet du militaire danseur que vous aviez rencontré, vous avez pu lui parler ? Giacomo : En fait, ce qui était le plus intéressant de lui, c’était le concept. D’ailleurs, il n’était pas légionnaire. C’était un soldat italien. Je me suis interrogé de quel corps d’armée il était parce que cela m’intéressait en tant que réalisateur. Dans la légion étrangère, il y avait une puissance iconique, mythologique et j’aimais le fait que ce ne soit quasiment que des étrangers. Je me suis interrogé sur ce que je pouvais apporter en tant qu’italien sur ce genre de films dans le cinéma français. En tant qu’italien, je me suis dit que j’allais peut-être mieux comprendre ce regard d’étranger. Je viens d’un milieu populaire mais mon émigration a bien sûr été favorisée avec un passeport qui m’a donné des facilités, mais il reste tout de même l’idée de regarder Paris et la France avec des yeux extérieurs. Au sujet de la légion étrangère, est-ce que vous avez fait des recherches sur son fonctionnement ? Giacomo : J’ai fait beaucoup de recherches. Je pars toujours de quelque chose de très documenté. C’est comme si je préparais un sac plein de choses et après au fur et à mesure quand je pars dans le voyage, je décide de le perdre, de le laisser au bord de la route pour arriver plus léger à destination et pouvoir profiter mieux du voyage. J’aime procéder par abstraction, c’est important du point de vue cinématographique parce qu’on ne peut pas être exhaustif au cinéma. Un documentaire ne peut pas l’être et le cinéma de fiction encore moins. Ce n’est pas ce qui m’intéresse. Ce qui m’intéresse, c’est d’inscrire mon histoire dans une expérience cinématographique avant tout.

Vous avez pu être assisté de véritables légionnaires ? Giacomo : J’ai rencontré plein de légionnaires. Il y avait même beaucoup de légionnaires sur le tournage. Les figurants étaient des anciens légionnaires. J’avais un ancien lieutenant qui était avec moi et qui était une sorte d’autre premier assistant à la réalisation. Pour toutes les scènes d’entraînement, il était avec moi. C’est vraiment lui qui donnait l’ambiance. Il faisait faire des pompes à tout le monde quand les figurants arrivaient le matin. (Rires) Cela a fait une sélection autour de la figuration. Les gens avaient l’impression de vraiment passer une sélection pour la légion étrangère, ils étaient en transe ! C’était fou. Est-ce que cet assistant légionnaire a apporté des idées ? Giacomo : Il y a par exemple une scène que j’ai trouvée très forte, c’est celle où les gens s’abandonnent en cercle. C’est un exercice qui est utilisé au théâtre et j’avais entendu que cela se faisait aussi chez les militaires. J’ai demandé à ce conseiller si cela se faisait aussi à la légion étrangère et il me l’a confirmé. J’avais écrit un texte et je lui ai demandé comment il aurait géré cet exercice. J’ai fait cela plusieurs fois avec lui avant les prises. Je regardais aussi comment l’acteur Leon Lučev, qui joue l’officier Paul, gérait cela. Cela s’est fait vraiment sur le lieu du tournage. On n’avait pas le temps ni l’argent pour embaucher les figurants pour faire des répétitions. J’avais fait des répétitions avec les acteurs principaux mais toutes les scènes avec les figurants étaient jouées sur le moment. Là, le conseiller a dit pour cet exercice : « Ne regardez pas avec les yeux, regardez avec le cœur. » Il l’a dit avec son français cassé et en accentuant sur « le cœur. » C’était génial ! J’ai dit à Leon de le faire comme cela. D’ailleurs, personne ne parlait le français sur le film. Pour Leon, ce n’était pas un challenge important parce qu’on est restés assez fidèles au scénario mais c’est vrai que sur ces scènes-là, je laissais une petite marge de manœuvre pour trouver le texte. Du coup, j’avais un assistant qui me glissait les mots et les acteurs répétaient, cela rendait les choses plus faciles. Les acteurs dont le français n’est pas la langue principale ont appris le français pour le film ou alors cela est resté phonétique ? Giacomo : Tout est en phonétique ! C’était vraiment la question de comment s’approprier une langue. Souvent, les légionnaires parlent comme cela, par mimétisme, et parfois on ne les comprend pas. C’est pour cette raison qu’on a mis des sous-titres dans le film, même en français. Je trouve très drôle que des étrangers comme moi comprennent tout ce qu’ils disent alors que les français ne comprennent pas tout ! Un étranger est plus habitué à un français cassé alors qu’un français a plus de mal. Je ne comprenais donc pas la nécessité d’ajouter des sous-titres mais cela faisait finalement sens.

Est-ce que vous avez volontairement cherché des acteurs qui ne parlaient et ne comprenaient pas le français ? Giacomo : J’essaie de faire les choses de façon assez organique. J’ai des idées très précises et ensuite j’essaie de les confronter à une crise dans le réel. Je pense que c’est comme cela qu’on trouve de la vie et les meilleures idées. Je n’aime pas quand le réalisateur est une espèce de Dieu tout puissant, on peut avoir l’impression d’être dans une maison de poupées. J’ai beau être précis, avec un travail très écrit mais j’aime bien après le mettre en danger. Je n’arrive pas à caster des gens par rapport à leur nationalité, je ne regarde pas leur passeport. Quand je caste quelqu’un, je caste la personne. Par exemple, je n’allais pas caster seulement des biélorusses ou des russes pour le personnage d’Aleksei. J’ai choisi Franz Rogoswki parce que c’était celui qui pouvait le mieux incarner le personnage. Il avait quelque chose dans sa profondeur, dans son corps, son regard, qui était vraiment ce que je recherchais. Cela me permettait de dire deux ou trois choses de son passé mais surtout de le ressentir sur son corps. De la même façon, j’ai cherché le personnage d’Udoka pendant deux ans, j’ai vu des milliers de gens, en Europe et en Afrique. C’était très compliqué de trouver quelqu’un qui était crédible dans un village au cœur du Niger et en même temps une espèce d’icône au milieu de la nuit parisienne. Tout le film est construit autour de cette symétrie particulière. Quand j’ai rencontré Laëtitia Ky, c’était parfait. Je ne me suis pas dit qu’elle n’était pas nigérienne. C’est vraiment le parti pris du film et je me sentais beaucoup plus libre. J’ai voulu rechercher un terrain cassé avec plus de musicalité. A quel point les acteurs principaux sont intervenus dans la préparation du film ? Giacomo : J’aime travailler à la fois avec des acteurs professionnels et non professionnels. Pour les acteurs non professionnels, tu prends ce qu’ils ont en eux et tu leur donnes des indications précises. Tu peux les diriger et les accompagner, mais c’est rare qu’ils puissent inventer un geste. A l’inverse, un acteur professionnel aura d’autres défauts mais si c’est un bon acteur, c’est un inventeur de gestes. Une des choses les plus belles avec Franz Rogowski, c’est qu’on a discuté de comment son personnage allait se déplacer, marcher, s’assoir. Avec lui, on peut faire un travail de sculpteur. Une des choses les plus belles qu’il a apportées, c’est comment ce biélorusse allait boire le verre de Bordeaux dans le club. J’ai trouvé cela génial ! Déjà, j’avais trouvé l’idée qu’il allait commander du Bordeaux un mois avant le tournage, un peu avant que les acteurs arrivent pour le répétitions. Je me suis demandé ce qu’il allait commander et ensuite je me suis dit qu’il devait bien sûr commander du Bordeaux ! Ce n’était pas dans le scénario mais Franz a adoré cette idée et il m’a dit demandé comment le boire en me proposant ce geste particulier qu’on voit dans le film. C’est une anecdote mais c’est une des scènes que j’aime le plus, cela nous attache au personnage. De plus, Franz était un ancien danseur, il a une formation de danse et de cirque, ce qui a été un atout pour le film.

Les chorégraphies ont été faites par le chorégraphe nigérian Qudus Onikeku que vous avez donc découvert via un de ses spectacles au Centre Pompidou. A quel point vous êtes intervenu dans la direction des chorégraphies ? Giacomo : Je suis quand même pas mal intervenu dans le sens où j’ai donné des intentions, comme pour la musique. Pour moi, il fallait un rapport avec la terre, les ancêtres et le ciel, avec un mouvement de révolution sur place et autour d’un centre. J’ai demandé aussi quelque chose d’universel, avec des éléments archétypaux, mais qui puisse se passer à la fois au Niger et dans une boîte de nuit à Paris. Qudus Onikeku était quelqu’un qui était dans une sensibilité très proche de la mienne. Il n’y avait vraiment aucune distance culturelle entre lui et moi. Il était nigérian, ce qui était un avantage, mais je travaillais surtout avec lui en tant qu’artiste. J’ai trouvé cela plus pertinent que d’avoir un consultant qui me dise ce qui était nigérien et ce qui ne l’était pas. On a pu prendre des libertés. Il y a beaucoup de similarités entre les scènes de danse au Niger et dans la boîte de nuit à Paris. Comment vous avez fait cela ? Giacomo : Ce sont quasiment les mêmes danses. J’aurais voulu tourner les scènes dans l’ordre du film mais au cinéma, il faut s’adapter. Ce n’était pas possible, du coup on a d’abord tourné la danse de fin, puis celle d’Udoka toute seule et enfin la danse avec Udoka et Jomo en Afrique. Les scènes de danse ont été travaillées avant le tournage, durant les répétitions avec les acteurs. Le matin, danse et l’après-midi, le jeu d’acteur. La danse était très préparée et on avait prévu que ce soit la même dans les différentes scènes. On avait préparé la déclinaison Udoka/Jomo, Udoka/Aleksei, Aleksei tout seul et Udoka toute seule. La mise en scène était déjà décidée. La caméra était aussi en révolution autour d’eux. Une fois qu’on avait tout cela, c’était jouable même en tournant dans le sens antéchronologique par rapport au film. La légion étrangère permet également de faire un lien esthétique entre les exercices en forêt et la mission dans la jungle nigériane. Comment vous avez pensé à introduire cette mission ainsi que les militants sur place ? Giacomo : Certaines scènes ont été tournées au Nigéria, notamment celles de paysages. Toutes les autres ont été tournées sur l’île de la Réunion. La jungle y était beaucoup plus maîtrisable. C’est vrai que si j’avais raisonné de manière purement logique, ce n’est pas au Nigéria que la France fait le plus d’interventions avec la légion étrangère. Je ne raisonne pas comme cela. Cela m’intéressait de traiter du territoire du Niger et de parler du mouvement de libération local, que je connais depuis une dizaine d’années. C’est le premier mouvement écologique violent. A la base, c’était un mouvement pacifiste. Après, cela a beaucoup changé, c’est devenu un mouvement de banditisme avec du racket, mais au début c’était un mouvement assez cohérent. Ce qui m’a intéressé également, c’est qu’il y avait chez eux un véritable sens de la performance. Ils étaient conscients du sens du spectacle, ils savent utiliser l’image.

On voit des messages vidéos enregistrés dans le film. Est-ce qu’ils sont basés sur des actions qu’ils ont faites ? Giacomo : Quand je faisais mes recherches, j’ai vu plein de vidéos faites par eux. Il y a deux déclinaisons : une directement pour les journalistes occidentaux, et l’autre est une mise en scène qu’ils maîtrisent et qui s’adresse aux personnes de la région. Pour moi, c’était important d’avoir ces deux scènes dans le film. Je me suis demandé s’il allait y avoir une redondance mais ce sont deux déclinaisons différentes et il était important de les avoir toutes les deux, c’est un des centres du film. L’élément des yeux vairons [de deux couleurs différentes] vient de la culture nigériane ? Giacomo : Non, pour moi cela avait un sens pratique de lier Jomo et Udoka en tant que frère et sœur sans passer par le dialogue. Cela me permettait également d’avoir un élément de transmission qui pouvait être intégré par Aleksei afin que cela soit épidermique et pas seulement intérieur. En même temps, j’aimais bien le côté conceptuel d’intégrer deux regards dans un même visage. Le film parle de la contamination d’un personnage par un autre. Entre les mondes du Nigéria, de la légion étrangère et du club, il y a beaucoup de liens, que ce soit dans l’histoire et dans la musique. Est-ce que tout cela était écrit en amont ou vous avez trouvé certains éléments lors du tournage ? Giacomo : Il y a un article qui est sorti en Italie qui a décrit le film comme une « comédie musicale à mains armées ». Je comprends pourquoi ils ont dit cela : la musique a une place importante et la chorégraphie est prépondérante, entre les mouvements des entraînements des soldats et ceux de la danse. Tous les environnements que j’ai filmés se centrent également autour du corps. J’aime quand les choses sont poreuses, encore plus dans la troisième partie, les lieux communiquent entre eux. Il y a beaucoup de vert aussi bien dans les extérieurs que dans les intérieurs, on a même mis des plantes tropicales dans le jardin de la boîte de nuit pour représenter cette contamination. Dans l’autre sens, c’était aussi l’idée d’apporter de la lumière de la jungle en intérieur. C’était une prouesse technique de faire cela dans la scène où on voit Aleksei marcher dans la forêt à l’intérieur de la chambre. Comment avez-vous tourné techniquement cette scène étonnante ? Giacomo : Cela a été assez compliqué. On a créé un parcours à l’intérieur de la jungle et on a mis une énorme lumière sur une tour et on a mis un temporisateur d’éteinte et d’allumage. C’était presque fait à la main. On n’avait pas de lumière qu’on pouvait automatiser de façon simple, c’était très artisanal. La lumière donnait trop de contraste et on perdait l’image du premier plan. Du coup, des assistants à la lumière avaient des néons sur la tête et suivaient le personnage pour l’accompagner et lui donner un peu de lumière, en plus des variations de la grande lumière lointaine. C’est une idée très forte d’Hélène Louvart. La lumière bouge avec eux et cela a donné cet effet intéressant. En fin de compte dans cette scène, il y a zéro post-production !

La scène de combat entre Jomo et Aleksei est filmée en lumière thermique. Comment vous avez eu cette idée ? Giacomo : Cela était également présent dans le scénario, cela appartenait au film depuis longtemps. Ce film n’est pas ‘Rambo’. J’avais du mal à penser que j’allais filmer l’affrontement entre Aleksei et Jomo caméra à la main. Je ne voyais pas l’intérêt. Je pense qu’on a beaucoup vu cela. J’ai du mal également aujourd’hui par avec la frontalité de l’image par rapport à la violence. Je ne veux pas m’inscrire dans cela. La question était de ne pas m’inscrire dans cela mais en même temps il fallait que j’aborde la violence parce que c’est un film de guerre. J’ai quand même laissé la violence avec l’horreur au niveau du son. Il y a tout avec notamment le bruit du couteau, cela garde l’horreur de la scène, mais avec l’image, on peut aller vers un autre endroit, celui de la contamination et de la danse. J’ai trouvé cela beaucoup plus intéressant. Comment vous avez filmé la scène ? Giacomo : On a fait plein de tests. Les caméras thermiques ne sont pas des caméras utilisées pour le cinéma mais pour l’industrie. La définition n’est pas géniale. On s’est dit que cela tenait tout de même la route. Vous avez fait la plus grande partie de la musique avec Vitalic, ainsi que d’autres élément sonores avec un autre compositeur. Vous pouvez nous parler de l’habillage sonore du film ? Giacomo : Effectivement, Vitalic a fait 90% de la musique du film. Certaines choses plus petites ont été faites avec Maxence Dussère : des ultrasons, des transitions. Je voulais par exemple connecter la scène de l’enterrement de Jomo avec celle de la mort de Mikhail. J’ai eu l’idée que Mikhail meure dans le fleuve et qu’on entende ces ultrasons qui reviennent pendant le film. J’ai développé cela avec Maxence. Après, il y a eu beaucoup de travail au niveau du montage sonore. Je pense par exemple à la scène dans le métro avec le gros plan sur le visage d’Aleksei. Cela vient du sound design avec le monteur son qui était italien. Est-ce que Vitalic a pu voir les images avant de composer la musique ? Giacomo : Il a fait une partie avant. Je lui avais demandé certains morceaux avant le tournage. J’avais des images en tête, je lui ai donné des références à l’intérieur de sa discographie et dans celles d’autres discographies. Il a fait quatre morceaux que j’ai trouvé très pertinents et que j’ai partagés avec les acteurs et la directrice de la photographie avant le tournage pour que le film s’imprègne de la musique. On ne voulait pas avoir un effet clip avec un simple ajout d’images sur la musique, on voulait que le film sue déjà la musique. On a eu d’autres morceaux qui sont arrivés par la suite de façon plus classique pour le montage. Je pense aussi que c’était la façon la plus juste de travailler avec Vitalic parce qu’il n’est pas un compositeur pour le cinéma, il aurait eu plus de mal à travailler sur plusieurs versions au niveau du montage. On ne peut pas lui demander 20 versions de chaque chanson. Il faut parfois inventer comment travailler avec différents interlocuteurs.

Pour les scènes de danse, vous aviez donc déjà le morceau et vous vous êtes synchronisés dessus ? Giacomo : C’est bien cela. On l’avait déjà. Ce n’est que sur le morceau africain qu’il y a eu des choses qui ont changé après le tournage. Sinon, le thème du film était déjà là. C’est au tournage ou au montage que vous avez tenté de suivre le rythme de la musique ? Giacomo : Cela a eu lieu dès les essais, il fallait que les chorégraphies collent avec la musique. Après, on s’est aussi un peu adaptés au montage. Vous avez parlé de la scène du métro où l’esprit d’Aleksei semble divaguer. Il y a aussi celle où Aleksei est allongé et fixe les étoiles. Est-ce que cet esprit d’évasion était présent dans le scénario ? Giacomo : Je pense que c’est quelque chose qui appartenait au personnage. Le film a une dimension cosmique. Parfois, il y a des choses que tu écris et tu sais qu’elles vont être là mais tu ne sais pas comment elles vont arriver. Cette dimension était donc déjà là et elle s’est mise en place selon les situations que nous avons trouvées après. Dans la même idée, on a l’impression que plus le film avance, plus le temps semble se dilater. Au début, il y a le bus avec ses voyageurs très remuants, puis la légion d’honneur où c’est plus cadré, puis la mission dans la forêt où cela commence à se diluer, et enfin les scènes de voiture et des étoiles où nous avons l’impression que les personnages sont coupés du monde, et le club où la vie bat au rythme de la musique. Giacomo : Effectivement ! Les deux premières parties sont comme un voyage vers l’extérieur. Je voulais que la troisième partie soit un voyage vers l’intérieur avec une dimension mentale et un rapport totalement différent au temps. Et même si j’ai un seul regret, c’est que je voulais à un moment que la troisième partie aille dans la neige avec une sorte d’abstraction absolue ! Sans que ce soit lié à votre métier de réalisateur, quelle musique vous intéresse ? Giacomo : J’écoute un peu de tout, quand c’est bien fait. J’aime la scène post-rock, électro, psychédélique, comme le groupe Animal Collective. Ils sont d’ailleurs dans deux de mes films ! J’aime quand la musique apporte un côté sacré inattendu, avec la dimension du voyage. Est-ce que votre écoute est séparée de votre métier de réalisateur ? Giacomo : Non, elles ne sont pas séparées. Je conçois parfois des films avec une musique. Cela m’aide. J’ai des playlists pour rentrer dans le film que je suis en train d’écrire. J’ai des morceaux dans la tête que je n’utiliserais peut-être pas pour le film mais cela me donne des directions. La musique est un élément important pour moi, même si c’est autodidacte et intuitif. Si je suis honnête, sur le tournage je suis moins le son parce que je suis plus focalisé sur l’image. Je délègue alors en donnant des intentions. Par contre, à la post-production, après le premier montage image, c’est très fatigant mais là il y un travail de recherche sur le son dans lequel je suis totalement investi. Puis on fait des allers-retours entre montage son et image pour parfaire le tout. Est-ce que vous travaillez déjà sur un nouveau film ? Giacomo : Oui. Ce que je peux dire, c’est que si ‘Disco Boy’ parlait de mon regard sur la politique française, mon prochain filme parlera de mon regard sur la politique italienne. Crédits de couverture : Jens Koch ‘Disco Boy’ est maintenant en salles et hautement recommandé !

A&B

[whileiamdying]

Juliette Binoche, la persecución de la credibilidad

La actriz francesa, además del galardón que reconoce su trayectoria, es el rostro oficial de esta edición del Festival de Cine de San Sebastián y participa en dos de las películas programadas, una de ellas, 'Le lycéen', opta a la Concha de Oro.

La actriz, en la alfombra roja del año pasado. / ARIZMENDI

TERESA FLAÑO San Sebastián Jueves, 15 septiembre 2022, 15:52

La sombra de Juliette Binoche va a ser muy alargada en este Zinemaldia 2022 donde tiene un papel muy protagonista. El domingo recibirá el Premio Donostia en una gala tras la que se proyectará 'Avec amour et acharnement', de Claire Denis, pero su presencia va más allá porque es la imagen del certamen. Una fotografía en blanco y negro de su rostro, tomada por Brigitte Lacombe, ilustra el cartel oficial. Además, participa en una de las películas de la Sección Oficial 'Le lycéen', de Christophe Honoré. Ha visitado con asiduidad el Festival de Cine de San Sebastián, la última vez para acompañar a 'La verdad', de Hirokazu Koreeda.

Juliette Binoche es uno de los nombres que primero llegan a la mente cuando se habla del cine francés y sus intérpretes. La mejor prueba de que es un icono galo está en que se le conoce como 'la Binoche', al igual que sucede con 'la Deneuve' (Catherine) o 'la Huppert' (Isabelle), actrices con las que a partir de ahora aparecerá en la lista de premios Donostia, galardón que se unirá al Oscar que recibió por 'El paciente inglés' (1996), papel por el que también recibió un Bafta y el Oso de plata en la Berlinale y que le valió el reconocimiento internacional. También ganó un César y un León veneciano como mejor actriz por 'Tres colores: Azul' (1993), y una palma en el Festival de Cannes por 'Copia certificada' (2010).

Otra lista, la de los directores para los que ha trabajado, es asimismo de relumbrón. Jean-Luc Godard -fallecido este martes-, Louis Malle, Krzysztof Kielowski, Patrice Leconte, Lasse Hallström, Michael Haneke o Abbas Kiarostami son algunos de los reputados realizadores que han contado con esta actriz que se permitió el lujo de rechazar las propuestas de Steven Spielberg para aparecer en la tercera entrega de Indiana Jones -entonces estaba inmersa en el rodaje de 'Los amantes del Pont-Neuf'-, 'La lista de Schindler' -estaba embarazada- y 'Parque Jurásico' -porque ya se había comprometido para protagonizar 'Azul'-.

Lo cierto es que no para de trabajar. Ella misma afirma que está «más solicitada que nunca». Junto a las dos películas que se van a poder ver en el Festival de Cine de San Sebastián, también ha protagonizado recientemente 'Paradise Highway', donde da vida a una dura camionera en un thriller sobre la esclavitud infantil y acaba de rodar una serie para Apple TV, 'The New Look', que se estrenará el año que viene y en la que encarna a Coco Chanel. También se puede ver en las plataformas de streaming, uno de sus últimos trabajos, presentado el año pasado en el Festival, 'En un muelle de Normandía' (Emmanuel Carrère).

Experiencias

Esta parisina, nacida en 1964, considera que la credibilidad de las personajes que interpreta ha sido la mejor herramienta para llegar hasta este punto de su carrera. Para ello, ahonda en su interior buscando sentimientos similares a los del personaje. Siempre persiguiendo la verosimilitud, ha intentado sentir experiencias parecidas a las de sus protagonistas. Así vivió durante unos días en la calle antes de rodar en 1991 'Los amantes del Pont-Neuf' o ingresó en un psiquiátrico para preparar 'Camille Claude' (2013) o, más gratificante, aprendió confitería de cara a su papel en 'Chocolat' (2000).

Tras dar sus primeros pasos en el teatro y formarse como actriz en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático, su primera aparición en la gran pantalla fue con 'Liberty belle' (1982) de Pascal Kané. Enseguida fue reclamada por los directores franceses más relevantes de la década de los 80 como André Téchiné ('Rendez-vous') o Godard ('Yo te saludo, María').

Binoche ha participado en grandes superproducciones de acción como 'Godzilla' (2014) y hace diez años trabajó en 'Cosmópilis' junto al otro Premio Donostia de este año, David Cronenberg. Son frecuentes sus incursiones con el cineasta Olivier Assayas, que la ha dirigido en 'Las horas del verano' (2008), 'Viaje a Sils Maria' (2014) y 'Dobles vidas, 2018'.

En 'Avec amour et acharnement', filme por el que Claire Denis recibió el Oso de plata a la Mejor dirección en Berlín y que se proyectará tras la gala del Premio Donostia, la actriz se adentra en el mundo de los sentimientos dando vida a una mujer, aparentemente perfecta junto a su marido interpretado por Vicent Lindon, que ve cómo su matrimonio se tambalea cuando reaparece en su vida un antiguo novio.

[lamilanomagazine]

Verona, Grande Teatro: domani il via con “Mine Vaganti”

Verona, Grande Teatro: domani il via con “Mine Vaganti”. Con la riproposta di un cartellone di otto spettacoli, il Grande Teatro, rassegna organizzata dal Comune di Verona in collaborazione col Teatro Stabile di Verona, torna alla normalità di sempre. Torna a ravvivare gli autunni e gli inverni degli appassionati di teatro che da oltre trent’anni onorano con la loro presenza questa fortunata rassegna. A inaugurarla, al Nuovo dall’8 al 12 novembre alle 20.45 e il 13 alle 16.00, è Mine vaganti, spettacolo tratto dal film omonimo di Ferzan Özpetek del 2010. La regia e l’adattamento teatrale sono dello stesso Özpetek. Accanto ai protagonisti Francesco Pannofino, Iaia Forte, Edoardo Purgatori, Carmine Recano e Simona Marchini, saranno in scena Roberta Astuti, Sarah Falanga, Mimma Lovoi, Francesco Maggi, Luca Pantini e Jacopo Sorbini. Venduto in quindici paesi stranieri dopo il passaggio alla Berlinale, Mine vaganti vinse due David di Donatello, cinque Nastri d’Argento, quattro Globi d’Oro e altri prestigiosi premi. Come nel film, dopo essersi sprovincializzato a Roma, il giovane Tommaso intende tornare nella grande casa di famiglia nel paese del Sud dove è nato e comunicare al variegato clan dei parenti chi è veramente: un omosessuale con ambizioni letterarie e non un bravo studente di economia come tutti credono. Confida l’intento al fratello Antonio che però lo spiazza e anticipa la notizia. Vista la reazione del padre, colpito da infarto, e lo sconcerto della parentela, Tommaso è costretto a fermarsi in paese per occuparsi del pastificio di famiglia. Qui deve rivedere i suoi piani e lottare contro un mondo famigliare pieno di contraddizioni e segreti. «Come trasporto i sentimenti, i momenti malinconici, le risate sul palcoscenico? Questa – dice Ferzan Özpetek – è stata la prima domanda che mi sono posto, e che mi ha portato un po’ di ansia, quando ha cominciato a prendere corpo l’ipotesi di teatralizzare Mine vaganti. La prima volta che raccontai la storia al produttore cinematografico Domenico Procacci, lui rimase molto colpito aggiungendo entusiasta che sarebbe potuta diventare anche un ottimo testo teatrale. Poco dopo avviammo il progetto del film e chiamammo Ivan Cotroneo a collaborare alla sceneggiatura. Oggi, dietro invito di Marco Balsamo, quella prospettiva si realizza con un cast corale e un impianto che lascia intatto lo spirito della pellicola. Certo, ho dovuto lavorare per sottrazioni, lasciando quell’essenziale intrigante, attraente, umoristico. Ho tralasciato circostanze che mi piacevano tanto, ma quello che il cinema mostra, il teatro nasconde, e così – prosegue – ho sacrificato scene e ne ho inventate altre, anche per dare nuova linfa all’allestimento. L’ambientazione pure cambia. Ora una vicenda del genere non potrebbe reggere nel Salento; perciò, l’ho ambientata in una cittadina tipo Gragnano o lì vicino. In un posto dove un coming out ancora susciterebbe scandalo. Rimane la famiglia Cantone, proprietaria di un grosso pastificio, con le sue radicate tradizioni culturali alto borghesi e un padre desideroso di lasciare in eredità la direzione dell’azienda ai due figli. Qui la parte del pater familias è emblematica, oltre che drammatica e ironica allo stesso tempo. Le emozioni dei primi piani hanno ceduto il posto a punteggiatura e parole; i tre amici gay sono diventati due e ho integrato le parti con uno spettacolino per poter marcare, facendone perfino una caricatura, quelle loro caratteristiche che prima arrivavano alla gente secondo le modalità mediate dallo schermo . Il teatro può permettersi il lusso dei silenzi, ma devono essere esilaranti, altrimenti vanno riempiti con molte frasi e una modulazione forte, travolgente. A questo proposito, ho tratto spunto da personali esperienze. A teatro non ci si dovrebbe mai annoiare. Sono partito da questo per evitare che lo spettacolo fosse lento. Ho optato per un ritmo continuo, che non si ferma, anche durante il cambio delle scene. Ho realizzato una commedia – conclude Ferzan Özpetek – che mi farebbe piacere andare a vedere a teatro, dove lo spettatore è parte integrante della messa in scena e interagisce con gli attori». Giovedì 10 alle 18.00 tutta la compagnia incontra il pubblico nel Piccolo Teatro di Giulietta del Nuovo. Condurrà l’incontro Carlo Mangolini, direttore artistico Spettacolo del Comune di Verona. Biglietti in vendita al Teatro Nuovo (dal lunedì al sabato, ore 15.30-19.30) e a Box Office (dal lunedì al venerdì, ore 9.30-12.30 e 15.30-19.00, e il sabato dalle 9.30 alle 12.30). Biglietti on line su www.boxol.it/boxofficelive e www.boxofficelive.it  ... #notizie #news #breakingnews #cronaca #politica #eventi #sport #moda Read the full article

[skarsgardedits]

Stellan Skarsgård and director Hans Petter Moland at the photo call for EN GANSKE SNILL MANN (A SOMEWHAT GENTLE MAN, 2010) | 2010 Berlin International Film Festival

[christianbalefanatic]

Christian Bale photographed by Wolf Lux at the 69th Berlin International Film Festival where he was promoting Vice in Berlin, Germany (February 11, 2019)

Re: Christian Bale as Dick Cheney in Vice (2018) dir. Adam McKay

[filmsinayear]

Testről és lélekről (eng: On Body and Soul), Ildikó Enyedi, 2017

[gretagerwigarchive]

February 14, 2010. Greta Gerwig arriving at the Greenberg photocall during day four of the 60th Berlinale (Berlin International Film Festival) at the Grand Hyatt Hotel, Berlin, Germany. pt.2

[letterboxd]

After Agnès: Ten French Filmmakers to Watch in 2021.

It’s not every day that a grass-roots fandom inspires a Letterboxd Easter egg, but the love for Portrait of a Lady on Fire was so strong that those flames are here to stay. With a new Céline Sciamma fairytale on the horizon, we invited Sarah Williams—one of the #PortraitNation instigators—to highlight ten femmes de cinéma with new works due out this year, and suggest films from their back catalogs to watch now.

Among many dramatic moments in cinema in 2020, there was the resignation of the entire César Academy board, following protests about the nomination of filmmaker and child rapist Roman Polanski (dubbed ‘Violanski’ by French feminists). Then there were the walkouts at the 45th César Awards ceremony itself, led by actress Adèle Haenel, after Polanski won there. Firm calls for change followed from Le Collectif 50/50, a movement that has urged parity on festival selection committees, after seeing how few female filmmakers were allowed into competition categories. (They have had some success, particularly with Cannes, where selection committees have moved towards more transparency and a better gender balance.)

Actress Adèle Haenel has a message for the 2020 César Awards, shortly before walking out of the ceremony.

This year’s Césars were tame, by comparison: actress Corinne Masiero stripped on stage, using her brief spotlight to focus on the pandemic and the crisis of shuttered cinemas across France. May they open as soon as it’s safe, because many of the filmmakers prominent in these social movements have new movies on the horizon. As the older generation retires, this newer group of progressive filmmakers is making waves on the festival scene, working from perspectives often denied or overlooked in mainstream cinema. French cinema is at a sort of crossroads, and the next Portrait of a Lady on Fire, Divines or BPM could be just around the bend.

Letterboxd members are well schooled in the power of Agnès, and Céline Sciamma has entered the worldwide critical sphere—and Letterboxd’s highest ranks—thanks to the success of Portrait of a Lady on Fire (🖼️🔥 forever), but there are many more French storytellers worthy of your watchlists. Alongside Sciamma, here are nine more for your consideration.

Céline Sciamma’s ‘Petite maman’.

Céline Sciamma

Coming soon: Petite maman Watch now: Water Lilies, Tomboy and Girlhood

Before her worldwide hit Portrait of a Lady on Fire, Céline Sciamma helmed a trilogy of acclaimed coming-of-age stories, Water Lilies, Tomboy and Girlhood. Her fifth feature, Petite maman, both lives in the world of this trilogy, and radically differs from the trio.

Petite maman premiered at the 2021 Berlinale, where the North-American rights were snapped up by NEON, Sciamma’s partner on Portrait’s release. In the film, Nelly (Joséphine Sanz) is eight years old when her grandmother dies, and she goes with her parents to help empty the house. One morning, her mother, Marion (Nina Meurisse) disappears, and she finds a young girl also named Marion (Gabrielle Sanz) building a fort in the same place her mother had as a child. A non-traditional view of motherhood, Petite maman’s supposed twist is never meant to be a twist at all, as this Miyazaki-like fairytale never tries to hide where Nelly’s mother really is.

Unlike other time-travel films, Petite maman is not concerned with physics. It’s a gentle act of love that blurs generational lines, answering the question of what it would be like to see life through your parents’ eyes at your age.

What Sciamma does here is radical even for her, creating an entire film that lies in a safer place of childhood. Where in Water Lilies, Girlhood and, especially relevant, Tomboy, shot in the same forests of Cergy, she depicts the full violence that comes with adolescence, the two young girls here console each other, and don’t have a camera on them for the rougher events of their childhoods.

Sciamma’s earlier films about youth feel like personal catharsis, but also unflinchingly show coercion, a child being outed, and teenage gang violence. With Petite maman, the two young girls are allowed to live in the more innocent parts of their childhoods, and though they deal with grief, worries of abandonment, and one nervously awaits a major surgery, Sciamma now tells a weighty story without needing to show pain on screen.

The end result is a warm, nostalgic film that isn’t bound by time period or the specifics of setting. It’s a live-action Ghibli fairytale that, despite having Sciamma’s youngest leads, has matured from her earlier work. The plays acted out by the children sometimes parallel their own stories, and once, in a scene of a countess and maid, almost seem to be calling back to past films, in this case Portrait of a Lady on Fire. Many times, including at the film’s Berlinale Q&A, Sciamma has said she does not write characters, but stories and situations to enter. This feels more than true with this latest effort, a steady hand extended to an audience, promising us that it will be okay, some day.

Alice Diop’s ‘We’.

Alice Diop

Coming soon: We (‘Nous’) Watch now: Towards Tenderness (‘Vers la Tendresse’)

Through the many shortcomings and scandals of France’s César Awards, a memorable win of recent years was Alice Diop’s 2017 award for best short film for Vers la Tendresse (Towards Tenderness), a prize she dedicated to victims of police violence. The film is a 38-minute poetic exploration of how men view sex and romance in the French banlieues (suburbs). One line in the film summarizes Diop’s central thesis: “It’s just hard to talk about love. We don’t know what it is.” These young men struggle to conceptualize love from what they are taught, and their flaws are laid bare in the name of understanding the limitations of masculinity.

Though more abstract, Diop’s new film, We, which had its premiere in the 2021 Berlinale industry selection, comes from a similar desire for collective understanding. The train line of the RER B crosses Paris from north to south, and with it, so does an attempt to connect fragmented stories around the city. The film heavily recalls the Varda tradition that a documentary can be made just by walking and waiting. Using a series of suburban vignettes, Diop is able to piece together a wildlife conservatory of ordinary lives, looking at her own community and trying to capture the warmer side of society. She talks to a mechanic, a writer, and even her own father, in a sort of David Attenborough of human landscapes. We weaves through parts of the city with overwhelmingly Black and immigrant populations, building a nostalgic breed of documentary not focused on the gotcha! reveal.

Rebecca Zlotowski’s ‘An Easy Girl’ (2019).

Rebecca Zlotowski

Coming soon: Les enfants des autres Watch now: An Easy Girl (‘Une fille facile’)

Writer and director Rebecca Zlotowski has steadily released a film every three years since 2010. Her stories have centered on Jewish and North-African characters, and her television series Savages, based on a series of novels from Sabri Louatah, focuses on the attempted assassination of a fictional Arab President-elect in France. Very little has been spilled about Zlotowski’s newest film, Les enfants des autres, which began shooting in March. We know that Virginie Efira and Roschdy Zem are attached, and there were casting calls looking for children, and for extras for a scene set in a synagogue.

Though each of her four previous features have their strengths—and I’m even partial to Planetarium, an overzealous magical-realist film about American sisters with a supernatural gift, set in the Parisian film industry around the rise of anti-semitism—2019 Cannes selection An Easy Girl, readily accessible on Netflix, is a choice pick. Notable for its controversial casting of Zahia Dehar, who became infamous for relations with the French national football team while an underage sex worker, this choice proved to be a clever deception in a film about how women said to be easy with men are dismissed.

Dehar plays the older cousin to newcomer Mina Farid’s Naïma, a sixteen year old who longs for her cousin’s seemingly glamorous lifestyle. Naïma soon learns this life isn’t just fashion, but about learning to please wealthy men in order to get what she wants, while never having to give too much of herself away. While most of the director’s closest contemporaries are pioneers of a coherent movement of female gaze, Zlotowski chooses here to shoot through a decidedly male gaze, challenging her audiences’ perceptions of how they treat her characters before we come to understand them.

Also noteworthy is Zlotowski’s debut feature Dear Prudence, based around a diary she’d found in the street. Starring a very young Léa Seydoux as a seventeen-year-old girl who joins a motorcycle gang after the death of her mother, the film’s unique source material makes this Zlotowski’s most intimate film.

Julia Ducournau’s ‘Raw’ (2016).

Julia Ducournau

Coming soon: Titane Watch now: Raw (‘Grave’)

Julia Ducournau’s cult-favorite, coming-of-age, cannibal gorefest Raw quickly made her a name to watch. When Garance Marillier’s Justine tastes meat for the first time at a veterinary-school hazing, it awakens a cannibalistic desire within her. Shot as one would an erotic realization, Raw is at its essence an uncontrollable thread of self discovery.

Already backed by NEON for US distribution, with a possible mid-2021 release date, Ducournau’s follow-up Titane looks to be a wild thriller, if somewhat more traditional than the teenage “monstrous feminine” body-horror of her early work. Much of the production has been kept under wraps, but we know Vincent Lindon stars alongside newcomer Agathe Rousselle. Lindon plays the father of a mysterious young man named Adrien LeGrand, who is found in an airport with a swollen face, claiming to be a boy who had disappeared ten years before. Ducournau is a filmmaker unafraid to shy away from the provocative, and Titane is all but guaranteed a major platform come premiere.

Catherine Corsini’s ‘La Fracture’ (2021).

Catherine Corsini

Coming soon: The Divide (‘La fracture’) Watch now: Summertime (‘La belle saison’), An Impossible Love (‘Un amour impossible’)

Coming a generation before many of the other filmmakers here, Catherine Corsini is best known for her complex romantic dramas. Her most recent are the 1970s feminist-tinged Summertime (2015), starring Cécile de France and Izïa Higelin as a couple torn between rural farmlands and Paris, and An Impossible Love (2018), a novelistic chronicle of a couple (Niels Schneider and Virginie Efira) as their relationship sours from 1958 to the present day.

Summertime, which is currently available to rent or buy in the US, is Corsini’s first film to consciously depict a relationship between two women (though 2001’s Replay is ambiguous as to what is happening between Pascale Bussières and Emmanuelle Béart’s characters). The young lovers learn what freedoms they gain and lose between the pastoral countryside, and the feminist organizers they run with in Paris. It’s a fairly standard romantic arc, but illuminates a fiery counter-culture feminist era, and is a staunchly progressive film from a national cinema built so firmly upon a more traditional view of seduction.

La fracture, Corsini’s latest (and the third film produced by her life partner Elisabeth Perez) centers on yet another couple (Marina Foïs and Valeria Bruni-Tedeschi) who are on the verge of breaking up when a demonstration outside causes tensions to rise at the hospital they’re confined within. A relationship under strain alongside French protest culture? Extremely French subject matter indeed.

Claire Burger’s ‘Real Love’ (2018).

Claire Burger

Coming soon: Foreign Language (‘Langue étrangère’) Watch now: Real Love (‘C’est ça l’amour’)

Most likely known for her Clouzot-tinged music video for Kompormat’s ‘De mon âme à ton âme’, starring Adèle Haenel, Claire Burger is a filmmaker heavily rooted in location. Her past films, including a graduation short and two features, have been set in the north-eastern town of Forbach, where she grew up, just fifteen minutes from the German border. This looks to be a thread that runs through her next film: Foreign Language is about a friendship between two girls who live on either side of the French-German border. BPM producer Marie-Ange Luciani is set to produce; a poster for BPM made a cameo in Burger’s last feature, Real Love.

A personal story, Real Love is one of non-traditional fatherhood and a family that does not rely on masculinity. When his wife leaves, Mario (Bouli Lanners) is left to raise his two teenage daughters in their small town, all while taking part in a community-theater production. Most of the film is told from the perspective of the younger daughter (Justine LaCroix), experiencing first love with a girl from school, who doesn’t seem to want anything serious.

Notably, after her debut and a lengthy series of short films, this was the first time Burger, who edits her own films, cast professional actors, in the case of Lanners and Antonia Buresi (as a theater director). Yet it is the performance of the actresses playing the sisters that most touched the hearts of Letterboxd fans—as Lyd writes, “Maybe it was the opera music or the fantastic performances by Justine Lacroix and Sarah Henochsberg as the daughters, but it just affirmed so many things about life choices and the tipsy-turvy nature of love as just, everything.”

Marie Amachoukeli’s ‘Party Girl’ (2014).

Marie Amachoukeli

Coming soon: Rose Hill Watch now: Party Girl

A rare non-Sciamma project backed by producer Bénédicte Couvreur, Marie Amachoukeli’s solo debut is much anticipated, after Party Girl, where she was one-third of a directing trio with Claire Burger and Samuel Theis (who is shooting a feature of his own titled Petite Nature). Outside the collaborations with Burger, which began in film school, Amachoukeli is screenwriting for a number of films including Franco Lolli’s The Defendant, and has collaborated with animator Vladimir Mavounia-Kouka on two shorts, The Cord Woman and I Want Pluto to Be a Planet Again. A synopsis has yet to be released for Rose Hill, but in an old interview with Brain magazine, Amachoukeli mentioned searching for backers for a lesbian spy comedy.

Party Girl is essentially docu-fiction, with actors cast as versions of themselves building an authentic troupe of real people. Though it’s a collaboration, Amachoukeli shines as a screenwriter, introducing the story of a bar hostess who still lives the partying, single life of a woman in her twenties, despite having reached sixty. She is thrown when a man asks her to marry him, and she must reconstruct her outlook on love. From such young filmmakers, Party Girl is a sensitive portrait of an imperfect, ageing woman, which feels so rare in a cinematic landscape that longs for a fountain of youth.

Audrey Diwan’s ‘Happening’ (2021).

Audrey Diwan

Coming soon: Happening (‘L’evenement’) Watch now: Losing It (‘Mais vous êtes fous’)

French memoirist Annie Ernaux works by reconstructing her life over and over as time passes. One of her more well-known books, L’évènement, retraces her experiences trying to get an abortion in 1963, during a time when the procedure was banned in France.

Audrey Diwan—whose 2019 debut film Losing It follows a pair of young parents (the always-charming Pio Marmaï and Céline Sallette) working through the father’s spiral into addiction and recovery—has a knack for solid performances. She’s able to write a relationship under strain with nuance, and Céline Sallette’s character shows strength as a mother choosing between protecting her children and repairing her relationship to their troubled but good-hearted father, whom she still loves dearly. This skill for writing family should pair well with Ernaux’s deeply personal prose.

Happening sweeps up a small army of promising young actors: Being 17 star Kacey Mottet Klein, and Portrait of a Lady on Fire and School’s Out supporting breakout Luana Bajrami, appear alongside lead actress Anamaria Vartolomei. Her character, Anne, is a bright student who risks everything once her pregnancy starts showing, so that she can finish her studies. Audrey Diwan’s film isn’t the only Ernaux adaptation currently, with Danielle Arbid’s Passion Simple having premiered at Venice in 2020.

Claire Simon’s ‘I Want to Talk about Duras’ (2021).

Claire Simon

Coming soon: I Want to Talk About Duras Watch now: Mimi

One of few figures to bridge cinema and literature equally, Marguerite Duras was a social commentator on her world; she grew up poor in French-colonized Vietnam, took on a staunch leftist perspective, and developed a singular tone in her observational assertions. Duras’s 1975 film India Song, based on her novel of the same name, was a landmark in feminist film. Through a hypnotic structure (“a viewing experience like no other, one that touches all of the senses,” writes Carter on Letterboxd), India Song delivers a strong criticism of class and colonialism through its story of Anne-Marie Stretter (Delphine Seyrig), a French ambassador’s wife in 1930s Kolkata.

In I Want to Talk About Duras, writer-director Claire Simon (best known for her documentaries on the seemingly mundane) adapts a transcript of conversations between Duras (Emmanuelle Devos) and her much younger partner Yann Andréa Steiner (Swann Arlaud), in which the pair break down the codes of love and literature. These conversations were published in a book named after Steiner, who met Duras when he approached her after a screening of India Song.

The highlight of Simon’s previous work is Mimi, in which she settles down in the countryside with an old friend, and tells her life story over 105 minutes. Recently programmed as part of Metrograph’s Tell Me: Women Filmmakers series, it’s clear the film was selected for its authenticity. However, many Letterboxd members may heavily benefit from seeing The Graduation, her 2016 documentary about the famous Parisian film school La Fémis, and its difficult selection process. Most of the other filmmakers in this list passed through its gates, and Claire Simon’s Wiseman-lite documentary sheds light on the challenges these young people take upon themselves for a chance at a world-renowned filmmaking education.

Amandine Gay’s ‘Speak Up’ (2017).

Amandine Gay

Coming soon: A Story of One’s Own (‘Une histoire à soi’) Watch now: Speak Up (‘Ouvrir la voix’)

Amandine Gay has much to say about access to film school—and opportunities in the film industry—for those outside the mainstream. Initially on the radar for her Afro-feminist activism, Gay arrived on the cinema scene with Speak Up, a narrative reclamation focusing on the diaspora in France and Belgium.

Talking to Francophone Black women who may not be considered formal scholars, allowing her subjects to speak as experts on their own experiences, Gay disproves the idea that France is a race-blind society. She shoots mainly in regal close-ups and using natural light, allowing her subjects the clarity to speak for themselves, unfiltered. (And to put to bed the misconception that Black performers are harder to light, one of many important angles discussed in an excellent interview with Letterboxd member Justine Smith.)

Using family photos and home videos from subjects, Gay’s engaging documentary work is a mouthpiece to spark conversation. Her next documentary, Une histoire à soi, centers on transnational adoption and will likely take a similarly conversational approach in exploring a unique cultural divide; putting the microphone in front of those who can provide a first-person point of view. Though not officially backed yet, she’s also—for years!—teased a Black lesbian sommelier film on podcasts and in interviews. That’s a story that I hope won’t need much more maturing before we see it. A votre santé.

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Mia Hansen-Løve

Director and screenwriter Mia Hansen-Løve was born in Paris in 1981. Hansen-Løve made her directorial debut in 2007 with All is Forgiven, which won the Louis Delluc Award for Best Film. In 2010, she won the Lumière Award for Best Screenplay for The Father of my Children. Hansen-Løve won the Silver Bear for Best Director at the Berlinale for her 2016 film, Things to Come. 

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