#colectivo acciones de arte

[garadinervi]

C.A.D.A. (Colectivo Acciones de Arte), Inversión de escena, (action, photography; 35 mm slide), 1979 [Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Memoria Chilena – Biblioteca Nacional de Chile, Santiago. © C.A.D.A (Colectivo Acciones de Arte)]

[speaknahuatl]

The Speaknahuatl Collective Condemns the Mishandling of Gabrieleño / Kizh remains by LA County, Archdiocese of Los Angeles, and LA Plaza de Cultura y Artes

The Speaknahuatl collective condemns the mishandling of more than 100 Gabrieleño / Kizh graves by LA County, Archdiocese of Los Angeles and LA Plaza de Cultura y Artes in 2010. These are atrocious actions and we are appalled and disappointed beyond belief. At a time in which museums are being held accountable under the Native American Graves Protection and Repatriation Act (NAGPRA) of 1990, the start of reparations must be done immediately. Learn more about the Gabrieleño / Kizh Nation here https://gabrielenoindians.org and about NAGPRA here https://www.nps.gov/subjects/nagpra/index.htm. 

Read more here and here 

El colectivo Speaknahuatl condena el mal manejo de más de 100 tumbas del pueblo originario Gabrieleño / Kizh por parte del Condado de Los Ángeles, la Arquidiócesis de Los Ángeles y LA Plaza de Cultura y Artes en el año 2010. Estas son acciones atroces y estamos consternados y decepcionados más allá de lo imaginable. En estos tiempos en que los museos deben rendir cuentas en virtud de la Native American Graves Protection and Repatriation Act (NAGPRA) de 1990 [Ley de Repatriación y Protección de Tumbas de Nativos Americanos (NAGPRA) de 1990], el inicio de las reparaciones debe realizarse de inmediato. Obten más información sobre el pueblo originario Gabrieleño / Kizh aquí https://gabrielenoindians.org y sobre NAGPRA aquí https://www.nps.gov/subjects/nagpra/index.htm.

Lee más aquí y aquí

Further reading / Otras lecturas: El Pueblo de Los Angeles Plaza Church Cemetery Campo Santo Excavations

Museum Excavation Continues as American Indians Call for Work to Stop

Lost Cemeteries of Early L.A.: The Forgotten Burial Sites of the City's Earliest Settlers

Timeline of events for La Plaza Cemetery

[huellas-poeticas]

Escultura Jonathan

Owen🌈

Jonathan Owen, nacido en 1973 en Liverpool, estudió Bellas Artes en la Universidad Metropolitana de Leeds, donde se graduó en 1996, antes de obtener un MFA de Edinburgh College of Art en 2000, Owen comenzó a exhibir con exposiciones individuales en la Galería Colectivo, Edimburgo, y doggerfisher, Edimburgo ( tanto en 2001), y como parte de la muestra colectiva Nuevo: Adquisiciones recientes del arte británico contemporáneo en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno, en Edimburgo (2002). La Galería Ingleby, Edimburgo, celebró exposiciones individuales de trabajo de Owen en 2011 y 2014 ha pasado a exposición en el Reino Unido e internacionalmente. Vive y trabaja en Edimburgo.

El arte de Jonathan Owen es la transformación. Encontrar las fotografías que se han reproducido en los libros, el artista utiliza un caucho ordinario para borrar partes de la imagen; que no añade nada a la superficie de la página. Hasta la fecha Owen ha trabajado en dos de estas series: estatuas públicas y estrellas de Hollywood en el set. En los primeros ejemplos que opera de una manera sistemática, mientras que sus obras más recientes han visto moverse de una manera más intuitiva. Owen sabe que la tarea fácilmente podría lograrse con programas de ordenador como Photoshop ® . Sin embargo, valora las imperfecciones inevitables que surgen cuando se hace a mano con una goma de borrar ordinaria. La traza residual de la figura, que se parece a una aparición fantasmal, deja pistas en cuanto a lo que una vez fue allí.

Owen describe este proceso de eliminación como una forma de talla de dos dimensiones. Por lo tanto, tiene sentido que su obra ha evolucionado en tres dimensiones. Esto comenzó con los cascanueces de madera que Owen alterada intrincadamente a través de la talla, muestra por primera vez en 2011 Estas pequeñas esculturas, cautivantes fueron seguidas por intervenciones audaces con estatuas de mármol del siglo XIX, que se transforma en parcialmente colapsadas reducciones y elegantes de su forma original.

Mercurio (2012) muestra el interés de Owen en la alteración de la dinámica de la figura. El artista ha tallado la figura del torso de Mercurio en la forma de una cadena. La cabeza de la escultura ahora se desploma hacia adelante, como si lamentándose. Por el contrario, en Untitled (2013) la cabeza de una figura militar se distorsiona de manera espectacular, sin embargo, el torso se mantiene intacta. El artista ha tallado la cabeza de la figura en una jaula con un patrón de estrella tridimensional compleja que se hace eco de la medalla en la solapa. Una esfera de mármol móvil está atrapado en el interior. En la eliminación de los rasgos faciales y no la titulación de la obra, se centra la atención en el aspecto físico de la escultura como un objeto en lugar de una declaración biográfica o alegórica. Owen está interesado en cómo las cifras son inmortalizados a través de la escultura y la fotografía y cómo sus propias acciones cuestionan su lugar en la historia.

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Buenos días🌞☕️

[lapaseante]

Ha nacido una Femme Fatale

Esta mañana mientras desayunaba, me topé con la imagen de portada del periódico “AS” que decía “Jenny deja caer a Rubiales”. Gracias a la lectura de la situación que hacía @pablomm me di cuenta de que la historia estaba girando hacia el lugar al que lleva girando desde el principio de los tiempos.

Desde Lilith -primera mujer de Adán- hasta la Lolita de Nabokov, en todas las artes la figura de la Femme Fatale ha protagonizado libros, pinturas y películas y forma parte del imaginario colectivo. Es posible que no sepamos mucho de ella pero sí la reconocemos nada más verla -un ejemplo, la Carmen de Mérimée que Paz Vega encarna en la película de Vicente Aranda-.

Pero cuando esta mañana fui capaz de reconocer que el giro que estaba tomando el incidente del beso de la final del Mundial de Fútbol Femenino, era provocado en gran parte por hombres -o por una visión machista- a través de entre otras cosas -en palabras de Iñaki Gabilondo- un “paraperiodismo” pensé “han perdido”, porque yo, al igual que muchos otros, ya me había dado cuenta de que el cambio de roles era intencionado.

Para llegar a esta conclusión, en mi caso he tenido que conocer un poquito de la Historia del Arte. ¿Quién de nosotros no se ha sentido atraído por esa mujer que con su belleza y poder de persuasión consigue lo que quiere de algún hombre en particular? Para conocer -y reconocer- a esta figura, vamos a hablar un poco de ella y sus creadores, empezando por saber desde cuándo existe. Pues “desde el principio”. Antes incluso que la Eva cristiana – otra mujer fatal- y seguiremos viéndola a lo largo de la Historia, especialmente a mitad del siglo XIX, cuando el Romanticismo, los Historicismos y Academicismos- muchos ismos- hacen que se representen muchas de estas mujeres fatales de la Historia y la mitología, como por ejemplo Helena de Troya , Pandora o la propia Lilith que representaron por ejemplo los Prerrafaelitas. Edvard Munch por ejemplo, el famoso autor de “El Grito”, tiene al menos dos cuadros en los que aparece una mujer y que ya solo el título deja muy claro el papel de sus protagonistas: “Amor y dolor. Vampiresa” y “Mujer con pelo rojo y ojos verdes. El pecado”.

"Amor y dolor. La Vampiresa"

A mí me encanta estudiar el siglo XIX porque en él hay tanto que explica lo que ocurre en el XXI...

Cuando estudiamos por ejemplo los cambios sociales de esta época vemos por ejemplo que las mujeres empiezan a reclamar sus derechos, coincidiendo el protagonismo que alcanza este mito con el movimiento sufragista. Más adelante, cuando a mitad del siglo XX el cine negro norteamericano vuelve a representar a la femme fatale, vemos que coincide con que la mujer gana terreno en lo laboral después de la II Guerra Mundial, alejándose de la imagen de ángel del hogar -básicamente madres y esposas- que tanto gustaba.

En nuestros días, esta idea de la mujer como devoradora de hombres y provocadora de los males del mundo está muy presente, pero por si cuesta un poco reconocerla, aquí van algunos trucos:

-Forma parte de los personajes principales de la trama.

-Es bella, atractiva y sexi.

-Vuelve loco a algún hombre y es la responsable máxima de sus acciones por haberlo “hechizado”.

-No tiene sentimientos recíprocos hacia su amante, o al menos la historia no nos los muestra, quedando ella reducida a puro fetiche.

-Es independiente y toma sus propias decisiones.

El hombre en estas mismas historias se convierte en un sujeto pasivo, alguien sin voluntad que solo llega a realizar acciones por mediación de ella y que es incapaz de abandonarla si no es matándola.

Pero, ¿qué tiene que ver esta figura con las últimas noticias sobre el beso de la final del Mundial de fútbol femenino? Pues que desde el periodismo y los medios de comunicación en general, se está cambiando el discurso y la mujer comienza a tomar protagonismo no cómo víctima, sino como provocadora de una situación que se le está yendo de las manos al propio culpable, que pasa a convertirse en víctima automáticamente.

Muchas veces, para ver si en un hecho concreto hay una situación de machismo, solo hay que darle la vuelta y cambiar de lugar a sus protagonistas. ¿qué habría pasado si en vez de ser un hombre -en este caso además ejerciendo un abuso de poder- hubiese sido una mujer quien lo hubiese besado sin su consentimiento? ¿Habría tenido lugar ese beso si en vez de ser una mujer el jugador fuese un hombre? Ya os adelanto que la idea de “hombre fatal” no existe. Si estudiamos la literatura y las artes, la mujer fatal es un invento de la imaginación masculina, de escritores y artistas siempre hombres que pasan a convertirse en víctimas y que no pueden resistirse ni alejarse de la mujer en cuestión. Han sufrido también un proceso de victimización, como por ejemplo el de Humbert Humbert, a quien Lolita de 12 años, maneja a su antojo en la novela de Vladimir Nabokov.

Pero es muy fácil caer en ese juego. Yo misma me sorprendí pensando que era una pena que al final por la situación, se perdiese la atención en esta hazaña que han hecho las jugadoras y solo nos centrásemos en este beso. Pero me di cuenta de dos cosas: la primera, que sin darme cuenta estaba haciéndola a ella “culpable” y la segunda, que sin quitar valor a lo que han conseguido, ¿qué hay más importante que luchar por los derechos humanos?

[magneticovitalblog]

"Cómo ser humano en un mundo superficial: consejos para vivir una vida plena y feliz"

En este post me gustaría contar los tiempos tan complejos que sufre la sociedad, cada vez más alejada del humanismo y más centrada en el ego e individualismo. Vivimos en un mundo donde se da más importancia a tener que a ser, un mundo donde se prioriza la imagen y las modas superficiales del momento, donde se valora más la fama y los likes que la cultura y la educación.

Creo que esta situación es muy preocupante y que nos aleja de nuestra esencia como seres humanos. No podemos reducir nuestra existencia a una mera acumulación de objetos o a una búsqueda constante de reconocimiento externo. Estamos perdiendo el sentido de lo que realmente importa: el amor, la solidaridad, la compasión, la creatividad, el aprendizaje, el crecimiento personal.

Para ilustrar este punto, me gustaría poner algunos ejemplos de cómo esta realidad se manifiesta en nuestro día a día. Por ejemplo, ¿cuántas veces nos hemos comprado algo que no necesitamos solo porque estaba de moda o porque nos lo recomendó alguien en las redes sociales? ¿Cuántas veces hemos dejado de hacer algo que nos apasiona o que nos hace felices solo porque no era lo suficientemente "cool" o porque no nos iba a dar likes? ¿Cuántas veces hemos dejado de expresar nuestra opinión o de defender nuestros derechos solo porque teníamos miedo de lo que los demás pudieran pensar o decir de nosotros?

Estos son solo algunos casos de cómo el tener y el parecer se han impuesto al ser y al sentir. De cómo hemos renunciado a nuestra autenticidad y a nuestra libertad por seguir unas normas impuestas por una sociedad superficial y consumista. De cómo hemos olvidado lo que realmente nos hace humanos: nuestra capacidad de amar, de crear, de aprender, de colaborar, de soñar.

Por eso, quiero invitarles a reflexionar sobre cómo podemos cambiar esta realidad y recuperar los valores que nos hacen humanos. ¿Cómo podemos fomentar una sociedad más humana, más justa, más solidaria, más respetuosa con el medio ambiente y con los demás? ¿Cómo podemos cultivar nuestra propia identidad y autoestima sin depender de lo que los demás piensen de nosotros? ¿Cómo podemos desarrollar nuestro potencial y contribuir al bien común?

Para responder a estas preguntas, me gustaría ofrecerles algunos consejos prácticos para ser la mejor versión de nosotros mismos y hacer una sociedad mejor. Estos son algunos de los hábitos que yo intento seguir y que creo que pueden ayudarnos a vivir una vida más plena y feliz:

Practicar la gratitud: Agradecer cada día lo que tenemos y lo que somos, reconociendo las oportunidades y los regalos que la vida nos ofrece. Ser conscientes de todo lo bueno que hay en nosotros y en nuestro entorno, y expresarlo con palabras y con acciones.

Ser generosos: Compartir lo que tenemos y lo que sabemos con los demás, sin esperar nada a cambio. Ayudar a quien lo necesita, sin juzgar ni criticar. Dar sin medida, sin miedo y sin egoísmo.

Ser curiosos: Aprender algo nuevo cada día, ya sea un idioma, una habilidad, un conocimiento o una experiencia. Buscar fuentes fiables y contrastadas de información, evitando las fake news y los bulos. Ampliar nuestros horizontes culturales, artísticos e intelectuales.

Ser creativos: Expresar nuestra personalidad y nuestra visión del mundo a través de diferentes formas de arte, como la música, la pintura, la escritura o el baile. Crear algo original y único, que nos haga sentir orgullosos y satisfechos. Innovar y experimentar con nuevas ideas y soluciones.

Ser solidarios: Colaborar con causas sociales o ambientales que nos importen, ya sea mediante donaciones, voluntariado o activismo. Apoyar a las personas o grupos que sufren injusticias o discriminaciones, defendiendo sus derechos y su dignidad. Participar en proyectos colectivos que busquen el bien común.

Ser respetuosos: Tratar a los demás como nos gustaría que nos trataran a nosotros, con amabilidad, educación y empatía. Respetar las opiniones, las creencias, las costumbres y las preferencias de cada uno, sin imponer las nuestras ni menospreciar las ajenas. Respetar el medio ambiente, cuidando los recursos naturales y evitando el desperdicio y la contaminación.

Ser auténticos: Ser fieles a nosotros mismos, sin dejarnos influir por lo que los demás esperan o quieren de nosotros. Seguir nuestros sueños y nuestras pasiones, sin rendirnos ni conformarnos. Ser honestos y coherentes con lo que pensamos, sentimos y hacemos.

Estos son solo algunos de los consejos que yo les doy, pero seguro que ustedes tienen muchos más. Lo importante es que cada uno encuentre su propia forma de ser humano, de ser feliz y de hacer felices a los demás. Creo que si todos ponemos en práctica estos hábitos, podremos cambiar nuestra realidad y la de nuestro entorno. Podremos crear una sociedad más humana, más justa, más solidaria, más respetuosa y más feliz.

Espero que este post les haya gustado y les haya servido de inspiración y de motivación. Me encantaría conocer sus opiniones y sus experiencias al respecto. ¿Qué piensan ustedes sobre esta situación? ¿Qué hacen ustedes para ser la mejor versión de sí mismos y para hacer una sociedad mejor? ¿Qué consejos nos darían a los demás? Les invito a dejar sus comentarios y a compartir este post con sus amigos y familiares. Muchas gracias por leerme y hasta pronto.

Post original de : @magneticovitalblog

[green-pen]

Expresionismo en latinoamerica

El expresionismo llega a Latinoamérica para asimilarse en las artes y resaltar el sentimiento nacionalista e indígena del sur del continente americano.

Siguiendo la línea de investigación de la vanguardia expresada en las artes plásticas, en una pequeña vista a la pintura latinoamericana se evidencia la existencia de esta vanguardia para crear un expresionismo propio, en contenido estético e intelectual; un expresionismo latinoamericano.

Esta vanguardia se adapta al contexto social e histórico del continente desde lo general a lo individual de cada nación; se crea un colectivo de colores vivos, paisajes rurales, el color de las pieles se oscurece y las facciones cambian.

Una expresión del discurso americano que se aleja de Europa y resalta las consecuencias de las acciones de las personas blancas denunciando sus acciones: dictaduras que se hacen presente en todo el Sur continental, la lucha por la integración de Latinoamérica en asuntos internacionales, agresiones de potencias con los pequeños países latinos. Una lucha por la paz usando los pinceles y pigmentos como armas.

Existen diversos artistas que fueron parte de este movimiento, hombres y mujeres de diversas culturas que compartían el sentimiento del nuevo discurso expresionista americano.

Oswaldo Guayasamín (1919-1999)

Ecuatoriano. Este artista fusionó el expresionismo con el cubismo para crear retratos de colores o muy vivos o poco saturados, con miradas penetrantes en sus ojos grandes.

Sus principales representaciones son de madres o niños, ya sean solos o en conjunto, siempre observando al espectador provocando un sentimiento de empatía hacia la figura.

Guayasamín crea sus obras en demanda de las crueldades e injusticias sociales hacía los pobres (él mismo era proveniente de una familia trabajadora), milita por la igualdad y en especial por la solidaridad por los pueblos oprimidos.

Anita Malfatti (1889-1964)

Brasileña. Fue una artista exponente de este movimiento en la integración de las vanguardias en Latinoamérica. Su obra consiste en paisajes y retratos llenos de movimiento y colores saturados, explora diversas técnicas y estilos que hacen su trabajo tan icónico.

Sus exposiciones y obras causaron polémica en la sociedad brasileña por la influencia norteamericana de estas y sus trabajos de desnudos.

Las vanguardias europeas llegan a Latinoamérica para crear los iconos artísticos por los cuales nuestra cultura es reconocida: colores, paisajes y retratos en un estilo que no se repite en el mundo y crea una identidad conjunta.

[zerounotvadri]

EL PARLAMENTO DE LA MEMORIA INICIA SESIÓN EN EL TEATRO DEL PUEBLO

Puesta en escena en la que se analizan problemáticas actuales para ser dialogados con la libertad que ofrece el Teatro

Se escenificará los días 1, 2, 8 y 9 de septiembre

El colectivo teatral La Comedia Humana se ha caracterizado por su enfoque en la reapropiación de procedimientos artísticos por parte de comunidades específicas. Con el objetivo de reactivar la memoria, investigar los imaginarios sobre el futuro y la puesta en común de acciones, se toma como base dos interrogantes: ¿cuál puede ser en el espacio público la potencia del arte? y ¿cómo puede un dispositivo artístico propiciar las prácticas estéticas de una comunidad para conformar imaginarios futuros?

La agrupación ha planteado otros tipos de teatralidad como oportunidades provenientes del arte para que las comunidades problematicen y reconstruyan sus lazos identitarios, a través de recabar testimonios, realizar acciones colectivas en el espacio público que inician una puesta en común de la palabra y la imagen de la comunidad. 

Uno de los instrumentos para llevar a cabo los objetivos de La Comedia Humana es la puesta en escena multidisciplinaria El Parlamento de la memoria, que se presentará los días 1, 2, 8 y 9 de septiembre, en el Teatro del Pueblo, recinto de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. 

A partir de la pinta de un muro en una calle de París en 1968 que decía: “Cuando el parlamento se convierte en un teatro, el teatro debe convertirse en un parlamento”, se propuso El parlamento de la memoria, como una práctica escénica en la que diversos especialistas plantean problemáticas propias de la realidad actual. 

Dichas problemáticas se trabajan en comisiones para hacer iniciativas de Ley que son votadas al final de cada sesión. En la presente temporada se analizarán casos como Despojo y gentrificación en la Ciudad de México, Patrimonio y discapacidades, Precariedad laboral en la Ciudad de México, Infancias, Desaparición forzada y otros.

La puesta en escena se desarrolla de manera formal: se recibe a los congresistas que son los propios espectadores, se forma y hace reconocimiento de bancadas; cesión de la palabra a los parlamentarios; presentación de problemática por parte del especialista, planteamiento de tres preguntas en torno al tema por parte del especialista, discusión de los cuestionamientos en comisiones por mesas, redacción de una Ley, votación de ésta y cierre de sesión.

En la puesta en escena participan los creadores escénicos: Moisés Álvarez, Braulio Amadís, Jennifer González, Juan Lugo, Mariana Morado, Rubén Ortiz, Bruno Ruíz y Armando Ventura.

“Creemos en organizarnos para la vida. Creemos en el ensayo como forma de vida: ensayar la democracia, la ternura, el cuidado”, dice la compañía, como una propuesta para construir otros mundos posibles. En otro sentido: “Prender fuego a un parlamento es un acto simpático, inútil pero simpático, cita del Comité Invisible, que para nosotrxs manifiesta que en la política partidista no está representada la agenda de la gente y no tenemos la esperanza de algún cambio en los congresos habituales. Así que decidimos construir un Parlamento de la memoria para dar espacio a esa agenda entre nosotrxs.”

El parlamento de la memoria se presentará los días 1, 2, 8 y 9 de septiembre, los viernes a las 18:00 horas y los sábados a las 17:00, en el Teatro del Pueblo (República de Venezuela 72, Centro Histórico, Metrobús Teatro del Pueblo).

Admisión: entrada general, $130. Los boletos se pueden adquirir en la taquilla del teatro y en las plataformas digitales de Ticketmaster.

Para conocer la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, visite la página: www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx o la aplicación TeatrosCDMX, disponible en los sistemas operativos Android e IOS y en las redes sociales: Facebook @TeatrosCdMexico, Twitter @TeatrosCdMexico e Instagram @teatroscdmexico.

#TeatrosCdMexico

[pangraphia]

Social

Presentación

'Social' es un proyecto artístico que consiste en la generación de un proceso colectivo de creación pictórica contemporáneo ideado y gestionado por los artistas Intiñan y Carloz. Los autores entienden a la pintura como un espacio de encuentro, unión, alegría y de transformación social. La acción colectiva, referenciada en la teoría de una estética relacional (Bourriaud), enfatiza las interacciones humanas y su contexto social por sobre las acciones individuales y privadas. La apertura de su proceso lo asemeja al lenguaje mural o la naturaleza de la urbe, donde la pintura se presenta como una experiencia de intercambio entre sus integrantes y la disolución de sus individualidades.

La finalidad del proyecto es generar dinámicas artísticas de creación y flujo colectivo que escapen de la cotidianeidad dentro de un contexto que, por lo general, entiende a la pintura como un proceso individual o privado; y a las relaciones sociales dentro de los parámetros comerciales de las redes sociales. Para los gestores no existe una distinción entre arte y vida, sino una linealidad constante entre uno y otra que la obra refleja como un lugar de coincidencia, pero también de disputa, en donde las libertades personales colisionan y se retroalimentan para formar una imagen impredecible (regulada en si misma por las personas y el contexto en las que fue creada). La dinámica generada sería una especie de antena que captura determinados puntos de aquella linealidad, no para representarla, sino para descubrir posibles caminos inexplorados de relaciones sociales múltiples y viables.

“Porque el modernismo está inmerso en un “imaginario de oposiciones”, retomando la expresión de Gilbert Durand, que actuaba separando y oponiendo, descalificando de buena gana el pasado y valorando el futuro; se basaba en el conflicto, mientras que en el imaginario de nuestra época se preocupa por las negociaciones, por las uniones, por lo que coexiste. Ya no se busca hoy progresar a través de opuestos y conflictos, sino inventar nuevos conjuntos, relaciones posibles entre unidades diferenciadas, construcciones de alianzas entre diferentes actores. Los contratos estéticos y los contratos sociales son así: nadie pretende volver a la edad de oro en la Tierra y sólo se pretende crear modus vivendi que posibiliten relaciones sociales justas, modos de vida más densos, combinaciones de existencia múltiples y fecundas. Y el arte ya no busca representar utopías, sino construir espacios concretos.”*

Metodología

Es simple en sus formas, el comando es de expresión libre y está determinada por las influencias del contexto sobre los participantes. Los autores facilitan los materiales y el estímulo para que los participantes se atrevan a pintar (muchas veces se encuentra reticencia en algunos participantes resultados de prejuicios acerca del concepto de lo que significa saber pintar/dibujar). El soporte es papel tabaco** de grandes dimensiones que recubren el entorno arquitectónico. El desarrollo de la obra se extiende por varias sesiones con diferentes actores. Dependiendo del caso, la actividad termina con la saturación del área del papel y la superposición de varias capas traslucidas de pintura. El tiempo está determinado por los artistas y la convivencia entre la obra y los autores. No existe una direccionalidad definida en la forma. El comando artístico es simple y los resultados indeterminados. Al final se registran los nombres de las personas involucradas en la creación durante el proceso.

*Estética relacional, Nicolas Bourriaud, pag. 54-55

**Material de uso comercial que se haya con ese nombre en la zona del mercado central de Lima. Es vendido por metros y tiene un ancho de 1.60 m aproximadamente.

Carloz, Lima, octubre 2023.

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Razones

Las razones son las bases fundamentales que explican por qué suceden ciertos eventos, situaciones o decisiones. En diferentes ámbitos de la vida, las razones juegan un papel crucial al proporcionar explicaciones y justificaciones.

En el campo de las relaciones interpersonales, comprender las razones detrás de las acciones de los demás puede ayudar a fortalecer los lazos emocionales y fomentar la empatía. Las razones también son clave en el ámbito laboral, ya que entender por qué se toman ciertas decisiones empresariales puede mejorar la colaboración y la eficiencia del equipo de trabajo.

Cuando se trata de la toma de decisiones personales, conocer las razones que subyacen a nuestras opciones puede llevar a una mayor claridad mental y a una mayor autocomprensión. Del mismo modo, en el campo de la educación, entender las razones detrás de ciertos conceptos o teorías puede facilitar un aprendizaje más profundo y significativo.

En resumen, las razones son los pilares sobre los que se construyen las explicaciones y justificaciones en diversos aspectos de la vida. Al profundizar en las razones que guían nuestras acciones y las de los demás, podemos ganar perspectiva, mejorar nuestras relaciones y tomar decisiones más informadas.

Restricción

La restricción es un término que se refiere a limitar o controlar algo. En diversos contextos, la restricción puede aplicarse a diferentes situaciones, desde restricciones gubernamentales hasta limitaciones personales.

En el ámbito gubernamental, la restricción se utiliza para regular ciertas acciones o comportamientos que podrían ser perjudiciales para la sociedad en su conjunto. Estas restricciones pueden incluir leyes y regulaciones que limitan la libertad de las personas en beneficio del bienestar colectivo.

Por otro lado, a nivel personal, la restricción puede referirse a limitaciones autoimpuestas o impuestas por otros. Por ejemplo, una persona puede imponerse restricciones en su dieta para mantener un peso saludable, o un padre puede imponer restricciones a sus hijos para proteger su seguridad.

En el ámbito de la psicología, la restricción también puede tener un significado más profundo. Puede referirse a la represión de deseos o emociones por motivos internos o externos, lo que puede tener repercusiones en la salud mental de una persona.

En resumen, la restricción es un concepto amplio que abarca diversas áreas de la vida, desde lo gubernamental hasta lo personal y lo psicológico. Comprender las restricciones que enfrentamos y cómo manejarlas de manera saludable es fundamental para nuestro bienestar general.

Protección de derechos de autor

La protección de los derechos de autor es fundamental para salvaguardar el trabajo y la creatividad de los autores. Estos derechos garantizan que las creaciones intelectuales estén protegidas de la reproducción no autorizada, la distribución ilícita y la copia no consentida por parte de terceros.

En el ámbito legal, la protección de los derechos de autor se establece automáticamente en el momento en que una obra creativa es plasmada en un soporte tangible, como un libro, una canción, una película o una obra de arte. Sin embargo, para fortalecer esta protección, muchos autores deciden registrar sus obras en organismos especializados, lo que brinda una mayor seguridad jurídica en caso de enfrentar una infracción.

La duración de los derechos de autor varía según la legislación de cada país, pero por lo general se extienden durante toda la vida del autor y un determinado número de años después de su fallecimiento, con el objetivo de proteger también los intereses de sus herederos.

La violación de los derechos de autor puede acarrear consecuencias legales graves, como multas económicas, indemnizaciones por daños y perjuicios, e incluso penas de cárcel en algunos casos. Por ello, es fundamental respetar y hacer valer estos derechos para fomentar la creatividad, la innovación y el respeto por la propiedad intelectual en la sociedad actual.

Seguridad en línea

La seguridad en línea es un tema de suma importancia en la actualidad, dado el uso constante de internet en nuestra vida diaria. Proteger nuestra información personal y mantenernos seguros mientras navegamos por la red se ha vuelto imprescindible.

Una de las medidas básicas para garantizar nuestra seguridad en línea es utilizar contraseñas seguras y únicas para cada cuenta que tengamos. Es recomendable combinar letras mayúsculas y minúsculas, números y caracteres especiales. Además, es aconsejable activar la autenticación de dos factores siempre que sea posible, para agregar una capa extra de seguridad.

Otro aspecto importante es mantener actualizados los programas y sistemas operativos de nuestros dispositivos. Las actualizaciones suelen incluir parches de seguridad que protegen contra posibles vulnerabilidades.

Es fundamental ser conscientes de los peligros que existen en internet, como el phising, el malware o el robo de identidad. Por ello, es importante no hacer clic en enlaces sospechosos ni descargar archivos de fuentes desconocidas.

Por último, es recomendable utilizar herramientas de seguridad, como antivirus y firewall, que nos ayuden a proteger nuestros dispositivos de amenazas en línea.

En resumen, la seguridad en línea es responsabilidad de todos y debemos tomar las medidas necesarias para proteger nuestra información y nuestra privacidad en el vasto mundo digital en el que vivimos actualmente.

Geobloqueo

En el mundo actual, uno de los términos que ha cobrado relevancia en el ámbito digital es el "geobloqueo". Se refiere a la restricción de acceso a ciertos contenidos en línea según la ubicación geográfica del usuario. Esta práctica, comúnmente utilizada por empresas y gobiernos, puede limitar la disponibilidad de servicios de transmisión de contenido, compras en línea y redes sociales, entre otros.

El geobloqueo se basa en la dirección IP del usuario, la cual revela su ubicación geográfica. Por ejemplo, una plataforma de streaming puede restringir ciertas películas o series debido a acuerdos de licencia que varían según el país. Del mismo modo, algunos sitios de comercio electrónico pueden no estar disponibles para ciertas regiones debido a políticas comerciales específicas.

Si bien el geobloqueo puede tener motivos legítimos, como proteger los derechos de autor o cumplir con regulaciones locales, también puede resultar limitante para los usuarios que desean acceder a determinados contenidos o servicios. Para evadir estas restricciones, existen herramientas como redes privadas virtuales (VPN) que permiten simular una ubicación diferente y acceder a contenido restringido.

En resumen, el geobloqueo es una práctica cada vez más común en el mundo digital que plantea desafíos en términos de acceso a la información y la cultura en línea. A medida que evoluciona la tecnología y la legislación, es importante reflexionar sobre los límites y las implicaciones de esta práctica en nuestra experiencia en internet.

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¿Cuál fue el resultado del último partido entre Colo Colo y Audax Italiano?

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Resultado final

El resultado final es el desenlace o conclusión de algo, generalmente producto de un proceso o una serie de acciones. En diversos contextos, el resultado final puede referirse a diferentes situaciones, como el desenlace de un evento deportivo, el producto final de un proyecto de trabajo o el desenlace de una situación emocional.

En el ámbito deportivo, el resultado final es el marcador final que determina el ganador de un partido, competencia o torneo. Este resultado final es el fruto del esfuerzo y desempeño de los equipos o atletas involucrados, y representa la culminación de un arduo trabajo.

En el mundo laboral, el resultado final se refiere al producto final de un proyecto o tarea realizada por un equipo de trabajo. Es el resultado tangible de la colaboración y dedicación de los profesionales involucrados, y puede ser evaluado en función de su calidad y cumplimiento de objetivos.

En el terreno emocional, el resultado final puede ser el desenlace de una relación, una situación personal o un proceso de crecimiento personal. Este resultado final puede ser satisfactorio o decepcionante, pero en cualquier caso representa el cierre de una etapa y el inicio de una nueva oportunidad.

En resumen, el resultado final es el epílogo de un proceso, evento o situación que refleja el éxito, fracaso o aprendizaje obtenido a lo largo del camino. Es importante valorar y reflexionar sobre el resultado final para seguir creciendo y mejorando en futuras experiencias.

Marcador

Un marcador es una herramienta útil y versátil que se utiliza comúnmente en diferentes situaciones. Ya sea en la escuela, en la oficina o en casa, los marcadores son imprescindibles para resaltar información importante o realizar anotaciones rápidas.

Existen diferentes tipos de marcadores, desde los clásicos de tinta líquida hasta los más modernos marcadores digitales. Los marcadores de tinta líquida son ideales para subrayar textos y resaltar palabras clave en libros, apuntes o documentos importantes. Por otro lado, los marcadores digitales permiten escribir y dibujar en pantallas táctiles, facilitando la creación de contenido interactivo y dinámico.

Además de su uso práctico en el ámbito académico y laboral, los marcadores también son muy populares en el mundo del arte y el diseño. Muchos artistas utilizan marcadores de colores para crear ilustraciones vibrantes y detalladas, mientras que los diseñadores gráficos los emplean para dar vida a sus proyectos creativos.

En resumen, los marcadores son herramientas indispensables que nos ayudan a expresar ideas, resaltar información importante y dar rienda suelta a nuestra creatividad. Ya sea en papel o en pantalla, los marcadores son aliados perfectos para plasmar nuestras ideas y destacar lo que realmente importa.

Ganador del partido

¿Qué significa "ganador del partido" en el mundo del deporte? Cuando se habla del ganador del partido, se hace referencia al equipo, jugador o competidor que ha logrado la victoria en un encuentro deportivo. Este término es fundamental en cualquier disciplina deportiva, ya sea fútbol, baloncesto, tenis u otros deportes individuales o colectivos.

En cualquier competición, el objetivo principal es lograr ser el ganador del partido, ya que esto significa obtener la victoria y superar a los oponentes. Para lograr este título, se requiere habilidad, estrategia, trabajo en equipo y, en muchos casos, un buen estado físico y mental.

El ganador del partido no solo se lleva el reconocimiento y la satisfacción personal de la victoria, sino que también puede obtener premios, trofeos, medallas o incluso ascensos en la clasificación. Además, la victoria no solo beneficia al ganador, sino que también puede significar mucho para sus seguidores, patrocinadores y comunidad deportiva en general.

En resumen, ser el ganador del partido es el resultado de un arduo trabajo, dedicación y pasión por el deporte. Es un título que se obtiene con esfuerzo y sacrificio, pero que trae consigo grandes recompensas y satisfacciones tanto para el deportista como para aquellos que lo apoyan.

Goleador

Un goleador es un jugador de fútbol que destaca por su habilidad para marcar goles de manera consistente y efectiva. Estos jugadores suelen ser vitales para sus equipos, ya que su capacidad para anotar goles puede marcar la diferencia en un partido.

Los goleadores suelen ser delanteros, aunque también puede haber mediocampistas o incluso defensores que se destacan por su capacidad goleadora. Estos jugadores suelen tener una gran precisión en el remate, tanto de cabeza como con los pies, y su instinto les permite estar en el lugar adecuado en el momento preciso para definir una jugada.

En la historia del fútbol mundial, ha habido goleadores legendarios que han dejado una huella imborrable en el deporte. Nombres como Pelé, Diego Maradona, Lionel Messi y Cristiano Ronaldo son algunos de los goleadores más destacados de todos los tiempos, con récords impresionantes de goles anotados a lo largo de sus carreras.

Los goleadores son admirados por su capacidad para convertir las oportunidades en goles, por su determinación dentro del campo de juego y por su capacidad de liderazgo. Son jugadores que enfrentan la presión con valentía y que son capaces de marcar la diferencia en los momentos más críticos de un partido.

En resumen, un goleador es mucho más que un simple anotador de goles, es un jugador clave en un equipo de fútbol, un líder en el campo de juego y un verdadero héroe para los aficionados. Su capacidad para marcar goles hace que sean fundamentales para el éxito de su equipo y que sean recordados como leyendas del deporte rey.

Estadísticas del encuentro

En el mundo del deporte, las estadísticas del encuentro son una herramienta fundamental para analizar el desempeño de los equipos y jugadores. Estos datos ofrecen una visión detallada de lo que sucede en el terreno de juego y permiten a entrenadores, jugadores y aficionados comprender mejor el desarrollo de un partido.

Las estadísticas del encuentro incluyen información como la posesión del balón, los tiros a gol, las faltas cometidas, los pases completados, entre otros datos relevantes. Estos números son recopilados y analizados por expertos para identificar fortalezas y debilidades de cada equipo, así como para evaluar el rendimiento individual de los jugadores.

Gracias a las estadísticas del encuentro, es posible determinar qué estrategias han funcionado mejor, qué aspectos deben mejorar los equipos y cuáles son los jugadores más destacados en cada partido. Además, estas cifras también son útiles para pronosticar resultados futuros y para enriquecer la experiencia de los aficionados, que pueden disfrutar de un mayor conocimiento sobre el deporte que tanto aman.

En resumen, las estadísticas del encuentro son una herramienta indispensable en el mundo deportivo, que brinda información valiosa y contribuye al análisis y la comprensión de cada juego. Gracias a ellas, podemos profundizar en el fascinante universo del deporte y apreciar en toda su magnitud la pasión y la emoción que despierta en millones de personas en todo el mundo.

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Lotty Rosenfeld, A Thousand Crosses on the Pavement, (16mm film transferred to video (color, sound)), 1979-1980 [MoMA, New York, NY. © Lotty Rosenfeld]

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¿Cuál fue el resultado del último partido de fútbol entre Armenia y Ucrania?

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¿Cuál fue el resultado del último partido de fútbol entre Armenia y Ucrania?

Resultado Armenia vs Ucrania fútbol

El partido entre Armenia y Ucrania terminó con un emocionante empate 2-2, en un encuentro lleno de acción y goles. Ambos equipos demostraron un gran desempeño en el terreno de juego, brindando un espectáculo de alta calidad para los fanáticos presentes en el estadio y para los espectadores en todo el mundo.

Desde el inicio del partido, ambas selecciones mostraron su determinación por llevarse la victoria, lo que se tradujo en un juego dinámico y vibrante. Armenia logró ponerse en ventaja en el marcador en dos ocasiones, sin embargo, Ucrania supo reaccionar y empatar el encuentro en ambas ocasiones, demostrando su capacidad de reacción y perseverancia.

Los jugadores de ambas selecciones desplegaron un gran talento en el campo, con acciones individuales destacadas y un juego colectivo efectivo. Los goles anotados reflejaron la calidad de los futbolistas y la intensidad del partido, que mantuvo a los espectadores al filo de sus asientos hasta el último minuto.

Este emocionante empate entre Armenia y Ucrania deja a ambas selecciones con un punto importante en su camino hacia la clasificación, demostrando que el fútbol es un deporte impredecible y lleno de emoción. Los fanáticos de ambas selecciones celebraron el buen rendimiento de sus equipos y esperan con ansias los próximos encuentros para seguir apoyando a sus jugadores favoritos. ¡El fútbol siempre nos regala momentos inolvidables como este!

Marcador último partido Armenia Ucrania

En el último partido entre Armenia y Ucrania, el marcador final fue 1-0 a favor de Armenia. Este emocionante encuentro tuvo lugar en un ambiente cargado de tensión y emoción, con ambas selecciones luchando por la victoria.

Armenia logró imponerse en el marcador gracias a un gol decisivo en los minutos finales del partido. La afición local estalló de alegría al ver a su equipo obtener los tres puntos tan importantes en esta competición.

Por otro lado, Ucrania no logró encontrar la forma de igualar el marcador, a pesar de sus intentos por presionar en los últimos minutos del encuentro. Los jugadores ucranianos demostraron un gran esfuerzo y dedicación en el campo, pero no pudieron superar la defensa sólida de Armenia.

Este resultado deja a Armenia en una posición favorable en la tabla de posiciones, mientras que Ucrania tendrá que trabajar duro para recuperarse en los próximos partidos. Sin duda, este partido quedará en la memoria de los aficionados de ambas selecciones como un enfrentamiento lleno de emoción y competitividad.

Los seguidores del fútbol estarán ansiosos por ver cómo evolucionan Armenia y Ucrania en los próximos partidos, ya que este encuentro ha dejado claro que ambos equipos tienen un gran potencial y lucharán con determinación en cada partido que disputen.

Ganador duelo Armenio-Ucraniano

En un épico duelo entre Armenia y Ucrania, el ganador se alzó con la victoria en una competencia reñida y emocionante. Ambos países tienen una rica historia y tradiciones que se reflejan en sus habilidades de combate, lo que hizo que la confrontación fuera aún más intensa y emocionante.

Los participantes mostraron un alto nivel de destreza y técnica en cada uno de sus movimientos, demostrando su dedicación y habilidad en el arte del combate. Los espectadores se mantuvieron al borde de sus asientos durante toda la contienda, aplaudiendo y animando a sus favoritos en cada ronda.

Finalmente, el ganador del duelo Armenio-Ucraniano fue coronado con honor y orgullo, celebrando su merecida victoria ante un competidor formidable. Este emocionante enfrentamiento sirvió para mostrar el talento y la valentía de los guerreros de ambos países, creando un memorable evento que será recordado por mucho tiempo.

La competencia no solo fue una muestra de fuerza física, sino también de determinación y espíritu deportivo. Los participantes demostraron respeto mutuo y camaradería a pesar de la intensa competencia, lo que elevó la contienda a un nivel aún más alto de grandeza y admiración.

En resumen, el duelo Armenio-Ucraniano fue un evento impresionante que destacó la pasión, la habilidad y el coraje de los competidores, dejando una huella imborrable en la historia de las confrontaciones épicas.

Goles encuentro Armenia contra Ucrania

En el emocionante encuentro entre Armenia y Ucrania, los goles fueron el centro de atención y marcaron la diferencia en el resultado final. Ambos equipos mostraron un alto nivel de juego y determinación en el campo, lo que mantuvo a los espectadores al borde de sus asientos durante todo el partido.

Armenia sorprendió con jugadas rápidas y precisas que pusieron en aprietos a la defensa de Ucrania. Sus delanteros demostraron gran habilidad para finalizar las jugadas y lograr penetrar la portería rival en más de una ocasión. Los goles de Armenia fueron recibidos con euforia por parte de los seguidores del equipo, que celebraron cada tanto con entusiasmo.

Por su parte, Ucrania no se quedó atrás y supo mantener la calma ante la presión del equipo contrario. Sus defensas bloquearon varios intentos de gol por parte de Armenia y permitieron que su ataque tuviera oportunidades claras para marcar. Los goles de Ucrania fueron el resultado de una estrategia bien ejecutada y de la calidad técnica de sus jugadores.

Al final del encuentro, Armenia y Ucrania demostraron por qué son equipos competitivos en el ámbito futbolístico internacional. Los goles anotados no solo reflejaron la destreza de los jugadores, sino también el espíritu de lucha y la pasión por el deporte que caracterizan a ambos países. Sin duda, este partido será recordado como un emocionante duelo lleno de momentos memorables para los aficionados de ambas selecciones.

Desempeño futbolístico Armenia y Ucrania

El desempeño futbolístico de Armenia y Ucrania ha sido destacado en los últimos años, mostrando un crecimiento significativo en el ámbito internacional. Ambos equipos han demostrado un gran nivel de competitividad y talento en las distintas competiciones en las que participan.

Armenia, a pesar de ser un país con menos tradición en el fútbol, ha logrado destacar en torneos como la Eurocopa y la Liga de Naciones de la UEFA. Jugadores armenios como Henrikh Mkhitaryan han deslumbrado en equipos de renombre mundial, lo que ha contribuido al crecimiento y reconocimiento del fútbol armenio a nivel global.

Por otro lado, Ucrania ha mantenido un desempeño consistente en competiciones internacionales, logrando clasificar para torneos de relevancia como la Eurocopa y la Copa del Mundo. Con una combinación de talentosos jugadores y una sólida estrategia de juego, Ucrania se ha posicionado como un rival a tener en cuenta en el panorama futbolístico actual.

Ambos países han trabajado arduamente en el desarrollo de sus selecciones nacionales, invirtiendo en infraestructura deportiva y programas de formación de jugadores. Esto se refleja en los resultados obtenidos en el terreno de juego, donde Armenia y Ucrania han demostrado que tienen el potencial para competir con las potencias futbolísticas europeas.

En resumen, el desempeño futbolístico de Armenia y Ucrania es motivo de orgullo para ambos países, que continúan creciendo y consolidándose como referentes en el mundo del fútbol.

[objecteiespai]

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https://www.march.es/es/madrid/conferencia/salones-galantes-i-cultura-conversacion

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la conversación, el eje civilizador.

Sinopsis

Benedetta Craveri ofrece en este libro, tan riguroso y sugerente como ameno y erudito, un periplo literario apasionante en el que da voz a figuras femeninas emblemáticas que hicieron posible una cultura basada en el poder de la palabra, germen de la sociedad civil moderna y de la opinión pública.

Antes de la Revolución de 1789, Francia conoció dos siglos convulsos. Este largo periodo de transformaciones tiene como hilo conductor el salón literario, donde la mujer es la figura central y la conversación, el eje civilizador.

El arte de la conversación, que en principio era un juego destinado al placer y a la distracción, se nutrió de la literatura para dar lugar a la introspección, a la historia, a la reflexión científica, filosófica y política. En ese ambiente estrictamente laico las mujeres de la época, carentes de derechos civiles y jurídicos, establecieron las reglas del juego: rechazaron las injerencias del poder en la vida privada para crear y fomentar así un espacio de libertad que se les negaba en el exterior.  

A través de anécdotas, de dichos memorables, de retratos, de descripciones de ambientes y lugares, la autora reconstruye un mundo en el que términos como sociabilidad, ingenio o gracia expresan un ideal de civilización que pretende plasmarse a través de la palabra, una palabra que Benedetta Craveri analiza y recrea de una manera magistral.

Leer fragmento

Cubierta en alta resolución

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El programa de Manifesta 15 s'estructura mitjançant tres clústers que uneixen projectes al voltant de tres temes principals: “Imaginant futurs”, “Cuidar i ser cuidats” i “Equilibrant conflictes”.

Sant Cugat del Vallès: Monestir de Sant Cugat 

Clúster: Cuidar i ser cuidats

El Monestir de Sant Cugat és una abadia benedictina fundada el segle IX. Acabat al segle XIV, el monestir, un dels més importants de la regió, té elements gòtics, renaixentistes i barrocs. El Monestir de Sant Cugat està ubicat a la serra de Collserola. L’espiritualitat del monestir és un reflex del tema Cuidar i ser cuidats, que aborda la importància de cuidar-nos a nosaltres mateixos, els uns als altres i el medi natural.

El colectivo radio SLUMBER explorará actividades participativas para ayudar a las generaciones más jóvenes en cuanto a bienestar y atención plena.

En relación al tema de la curación y el cuidado, se pondrán en contacto con la diáspora asiática de la zona del Besòs. 

radio SLUMBER: Zoénie Liwen Deng (NL/CN), Elaine W. Ho (HK/EE.UU.), Clara Jo (EE.UU./DE/KR), Amy Suo Wu (AU/NL/CN) y Hui Ye (CN/AT)

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via Manifiesta

Ayesha Tan Jones, Into the Eartheart: Walk, conversation, exchange– The Understory of the Understory

[agendaculturaldelima]

#FeriasyFestivales #ElEscenarioDelMundo

📣 “FESTIVAL SALIENDO DE LA CAJA” 🎭💃🎁

💥 La Pontificia Universidad Católica (PUCP) presenta la 23° edición del festival con una programación que incluye propuestas de nuevos artistas e investigadores en danza contemporánea, performance, obras de teatro, conferencias performáticas (programa Bitácora), acercando al público a los procesos en los proyectos artísticos de la FARES.

🎉 La inauguración nos ofrece dos propuestas escénicas innovadoras: “BOCETOS DE LILA”, performance interdisciplinaria que aborda la creación de momentos en base a la improvisación como forma de juego; y “MUCHO DE NADA”, danza contemporánea que desafía las normas de una sociedad obsesionada con la productividad.🙌

© Producción: Especialidad de Creación y Producción Escénica de la Facultad de Artes Escénicas (FARES).

📝 CARTELERA:

🕺 “BOCETOS DE LILA”.- performance interdisciplinaria de Improvisación con música en vivo que propone la liminalidad entre lo personal y lo colectivo de cada disciplina artística.

👥 Elenco: Ninam, Retroenemy, Germán Omaewa, ChicaPeruvianFlake, Luciérnaga, Simón V. de V. y Mauricio Mastrolliani Neyra.

💃 “MUCHO DE NADA”.- danza contemporánea que explora la presión incesante de ser productivos y la búsqueda del sentido de nuestras acciones en una sociedad fragmentada.

Elenco: Brado Díaz, Antuané Sahuay. Matía Dextre, Adriana Piedra, Claudia Pachas, Lucía Montenegro, Enzo de la Flor Enciso y Genaro Fiestas.

📆 Miércoles 17 de Enero 🕡 6:30pm. 

🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre, previa inscripción: @danza.pucp @fares.pucp 🎟

🎭 “ENTRETEJER-ME”

🗯 Unipersonal en formato teatral que toca temas de archivo, autoficción, duelo y pérdida. ¿Qué lazos tejemos con nuestras pérdidas? Sofía realiza un ritual de despedida a sus abuelos años después de sus partidas. Para ello, viajará a través de sus memorias en compañía de su perro Hipo. ¿Dejará de negarse el dolor que la pérdida le ha causado? ¿Logrará despedirse en paz y celebrarse sin culpa?

📢 Dirección e Interpretación: Sofía Cuadros

📆 Jueves 18 y Viernes 19 de Enero 🕗 8:00pm.

🎭 “SIEMPRE ×NUNCA× JAMÁS: O UNA MUÑECA DE NADIE JUGANDO SOLA”

📢 Dirección, Dramaturgia e Interpretación: Fernanda Mía

🗯 Unipersonal autoficcional dramático. Hace mucho que Fer no juega y hace más que la bebé trueno no llora. Yuyi se cansó de esperarlas, así que decide jugar sola. Pero si las muñecas pueden hacer lo que les plazca, si Peter Pan ya no viene y Alicia se olvidó del conejo blanco, entonces, ¿todavía existen las niñas?

📆 Sábado 20 de enero 🕗 8:00pm.

📆 Domingo 21 de enero 🕖 7:00pm.

🎭 “AHORA VIVIMOS AL MISMO TIEMPO”

📢 Dirección e Interpretación: Kelly Esquerre

🗯 En este drama Yo quiere comprender el porqué de sus sentimientos y en búsqueda de respuestas comienza un viaje de autodescubrimiento, que le llevará a cuestionar sus sentimientos románticos en un proceso de deconstrucción e introspección sin saber que, misteriosamente, despertará en el subconsciente de Otro al El Loco, quien ha estado durmiendo durante varios años y tratará de entender el presente en el que despertó. Ahora El Emperador -quien rige el subconsciente de Otro- debe lidiar con El Loco ya despierto junto con las respuestas de la búsqueda de Yo. Llevando a todos a entender el misterio del vínculo entre Yo y Otro. En escena: Mario La Riva, Leonardo Sifuentes y Kelly Esquerre.

📆 Jueves 25 y Viernes 26 de enero 🕗 8:00pm.

🎭 “¿Y SI MEJOR ME DEDICO A OTRA COSA?”

🗯 Proyecto Escénico de Teatro testimonial y archivo. Seis jóvenes nacidos en los 90s y 2000s traen a escena sus testimonios y archivos para cuestionar los mitos y conflictos de estudiar una carrera de artes escénicas en Lima - Perú, tales como la precariedad laboral, el difícil acceso a espacios de formación artística, la falta de apoyo del entorno, el centralismo cultural, la discriminación y la exclusión.

👥 Elenco: Víctor Lucana, Ana Lucía Neyra, Alondra Ticse Malarin, Ethel Abanto y Nataly Reátegui.

📢 Dirección y Dramaturgia: Eduardo Rios

📆 Sábado 27 de enero 🕗 8:00pm.

📆 Domingo 28 de enero 🕖 7:00pm.

🎭 “SOÑANDO EN UN JARDÍN DE PULPOS”

🗯 Teatro de autoficción. Una pequeña Silvana se refugia en el mundo de los sueños para escapar de los problemas del mundo real. Sin embargo, no contará con que su tía Judith, su madre, Marlene, y una versión más adulta de ella misma se aparezcan ante ella mientras duerme para revelar las historias de dolor de cada una. Así, Silvana tendrá que tomar una decisión sobre si mantener estas historias guardadas en el silencio o luchar para que la historia no vuelva a repetirse en futuras generaciones.

👤 Interpretación: Silvana Oblitas

📢 Dirección: Karen Vivero

📆 Jueves 01 y Viernes 02 de febrero 🕗 8:00pm.

🎭 “MANCO [CONCIERTO ESCÉNICO]” 🎼

🗯 Obra de teatro musical en formato concierto. En el Cuzco del año 1533, tras la muerte de Huáscar y Atahualpa, los cuzqueños reciben a los españoles pensando que se trata de los dioses Huiracochas. Manco Inca es nombrado sapa inca y forma una alianza con los españoles. Al poco tiempo, Manco descubre que sus intenciones son colonizadoras y arma un gran ejército para enfrentar a los invasores. Sin embargo, se revelan conflictos entre indígenas que se materializan en los campos de batalla y la rebelión fracasa.

👥 Elenco: Abigail Vizcardo García, Ximena Villacorta, Oswaldo Mariño, Avril Gil, Liz Navarro, Diego Neira, Luca Reategui y Gerson Borja Huallpa

📢 Dirección: Gerson Borja Huallpa

📆 Sábado 03 de febrero 🕗 8:00pm.

📆 Domingo 04 de febrero 🕕 6:00pm.

🤗 Como parte de la programación se cuenta con Bitácora, conferencias performáticas que tienen como objetivo generar un espacio de intercambio y reflexión, artístico y académico, en torno a la investigación en artes escénicas desde la experiencia de estudiantes del último ciclo. A través de la actividad se busca otras formas de socializar los procesos de investigación artística que permitan generar diálogo con un público diverso. Para esta edición las conferencias se activan desde un pensamiento situado en América Latina, donde cada investigador/a reflexione sobre su lugar de enunciación y comparta cómo sus inquietudes se vinculan con el presente.🌎

📜 PROGRAMA:

📆 Lunes 22 de enero 🕖 7:00pm.

🎤 Reconstruir vínculos e imaginarios desde la intimidad de la creación. Estudiantes del último ciclo de FARES

👥 Ponentes: Eduardo Ríos, Melany Prada y Dan Fribourg.

📆 Miércoles 24 de enero 🕖 7:00pm.

🎤 Reencantar el (nuestro) mundo desde el cuerpo y sus afectos. Estudiantes del último ciclo de FARES

👥 Ponentes: Fernanda Mía Chávez, Norma Venegas y Angie Damacén.

📆 Miércoles 31 de enero 🕖 7:00pm.

🎤 La Conferencia Performativa como proceso y espacio de encuentro entre el arte y la academia.

👥 Ponentes: Luisa Pardo (fundadora y co-directora del colectivo escénico Lagartijas Tiradas al Sol – México).

🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre, previa inscripción: https://bit.ly/3vqJEc6

👉 CLAUSURA:

🎶 “Música” a cargo de Ensamble musical Piel de Cereza y Latin Groove.

📆 Domingo 04 de febrero 🕖 7:30pm.

🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre, aforo limitado.

📌 TEMPORADA: Del 17 de enero al 04 de febrero

🏪 Teatro del Centro Cultural PUCP (av. Camino Real 1075 - San Isidro)

🎟 Adultos: S/.25

🎫 Estudiantes, Artistas Escénicos, Jubilados y Docentes: S/.15

🖱 Reservas: www.CCPUCPencasa.com

📧 DM: @saliendodelacaja 

[primaveraludica]

UNA DEFENSA UTILITARISTA DEL SIMBOLISMO

Primavera Lúdica viene del nutriente de una gama de autores de la llamada sophia perennis y sus comrades que, simplificando, presentan una noción del símbolo no como mera metáfora sino como una versión elevada (espiritualmente) de tal. En la teoría estética de Faretta, analizándola en términos comunes a todos, lo que sucede es que la metáfora se vuelve símbolo tradicional; lo que vale no es hacer uso de metáforas de cualquier tipo, sino específicamente (aunque no solamente) metáforas de un símbolo arcaico: el círculo, la cruz, la simbología de la alquimia (colores), simbología animal (la serpiente, por ejemplo). Roberto Calasso diría que, a través un proceso algo menos metódicamente descrito a comparación de la teoría de Faretta, la obra “capta” a los dioses, se vuelve trascendente. Como en una especie de proceso casi de epifanía, la obra “absoluta”, en términos de Calasso, es la que cataliza al numen lo suficiente como para que cuando experimentemos sus partes nos produzca el erizamiento (que es la experiencia de lo numinoso, el estremecimiento de Lewis, el terror de Jacob frente a la escalera en Bet-El; el terror a lo divino). Nosotros adscribimos a esta forma de ver el arte, pero aquí vamos a hacer una apologética más utilitarista.

El simbolismo (o lo metafórico) para el artista es primeramente lo que le permite rellenar huecos de inseguridad. Siempre que se hace una obra “porque sí”, o improvisadamente sin ningún sentido (en la acepción concreta de la palabra, que no es lo mismo que significado; el sentido es una dirección, “apunto hacia…”, el significado es algo que debería ser concreto, pero que nunca vamos a conocer como espectadores, y creo que ni como artistas, aunque podamos conocer el móvil, es decir, el motivo personal), siempre que se obra de forma meramente superficial, es decir, como artesano material antes que artista íntegro (sin intención de ofender a nadie), hay un grado de inseguridad respecto a lo que creamos. No necesariamente se trata de una inseguridad valorativa, aunque no negamos que pueda ser así en algunos casos (es decir, que a menos que haya un fin simbólico, no pensemos que sea algo “en serio”). Sobre todo se trata de una inseguridad moral. Ser moral (y ser tradicional en un sentido antropológico, no político ni social) se trata de tener una administración íntegra de las cosas que hacemos. Todos los aspectos de la vida (sexualidad, ocio, trabajo, estudio) forman parte de un orden sagrado y una relación con el universo. Si adscribimos al cristianismo, por ejemplo, no podemos tomar los dogmas que nos caen bien y desechar los dogmas que nos caen mal; esto sería usar la Biblia para confirmar lo que ya éramos, por ende no sería confirmarse como un hombre moral-tradicional sino como un solipsista. El conocimiento que se presenta como un placer tiende a ser una ilusión. El tener una organización íntegra de nuestras acciones implica que todas las cosas que hagamos estén en tela de juicio moral, que todas obedezcan a una finalidad única, que “apunten” hacia algo trascendental (tienen un sentido). Para el cristiano, ese “algo” sería la salvación. Así se entiende que exista una inseguridad moral en el arte. A veces, esta inseguridad es tan grande que nos vemos empujados a ser cada vez más explícitos con nuestros mensajes (Killers of the Flower Moon y Silence de Scorsese, por ejemplo). Si se es moral, no se soporta el pensamiento de que cada momento en que se hace uso de la plataforma del arte, no se está diciendo nada. Aun así, esto no quita que sea regla común para todos el hecho de que las personas no se sienten cómodas siendo sermoneadas. Por ende, si queremos comunicar una verdad a la audiencia, debemos imprimirla de forma sutil, para lo que la metáfora es método ideal (y el simbolismo más aún, puesto que es siempre universal, y no depende de un soporte histórico local, sino de conocimiento sagrado, o si somos ateos, del inconsciente colectivo jungiano[1]).

Si usamos la metáfora constantemente estamos “reduciendo el azar a un número parecido a cero”, como diría Faretta; esto se daría no con el uso típico de, por ejemplo, “…estaba rojo como un tomate!”, que sería un modo excesivamente didáctico y obvio, sino con una especie de solapa paralela entre una línea argumental material y una línea simbólica: es decir, por ejemplo, en mi plano pongo en un puente a dos personas, y en principio no es más que eso, dos personas en un puente, pero simbólicamente puede ser el puente como símbolo de unión entre mundos ajenos (el puente en El exorcista, por ejemplo). Esto soluciona mucho porque podemos librarnos de los sermones (y de la pedantería) a la vez que conservamos el juego superficial (y un sentido trascendental). Podemos tener una escena de acción desenfrenada que a la vez esté comunicando simbólicamente otra cosa más; estamos aprovechando el espacio. Imaginemos por otra parte que no tenemos ninguna finalidad moral, en este caso también para el artista perfeccionista el lenguaje simbólico es una herramienta muy útil, puesto que amplía el terreno sobre el cual trabajar: ya no sólo hay que perfeccionarse técnicamente, sino también poéticamente. Para el perfeccionista, todo criterio que achaque las opciones que uno tiene le resulta una táctica para, valga la redundancia, la perfección. Aprender sobre técnica y aprender sobre todo lo demás. Todo esto no quiere decir que tengamos que actuar robóticamente, como quien basa todas sus historias en el camino del héroe, sino más bien actuar como en un “caos controlado”. Como hacer crecer un árbol sanamente, podándolo, pero dejando después que crezca por el misterio de la naturaleza, no por pegar con pegamento ramita por ramita. También supongo que algunas personas argumentarán que el criterio de lo simbólico puede excluir una opción que para el criterio de lo técnico sea la mejor: yo respondo que el verdadero robot es el que supone que hay una “opción óptima según la técnica”. Siempre hay factor de decisión instintiva, incluso viéndonos acorralados por la búsqueda de congruencia simbólica y magnificencia técnica. Si lo entendemos así, entendemos que hay siempre más de una “opción óptima”. Al hacer todo esto estoy amputando toda trascendencia per se del operar simbólico, para que se vea como algo más que inminente charlatanería (que no lo es). Si quitamos toda trascendencia espiritual del operar simbólico, nos encontramos, queramos o no, con un método objetivamente profundizador. El simbolismo no resta nada, siempre suma algo. Hay una especie de vil ardid en las personas que se repugnan cuando alguien elige hacer una interpretación compleja de una obra aparentemente simple (los que leen esto por los videojuegos sabrán que este es, lamentablemente, el caso con Dayo). Que El exorcista trate sobre valores tradicionales perdidos no va a impedirte de disfrutar de la emoción del terror. El exorcista con o sin interpretación simbólica es, materialmente, la misma película. Esta es la maravilla técnica del simbolismo, comunica cosas profundas sin necesidad de aguar el espectáculo.

POSDATA 1: MAGNIFICENCIA

¿Por qué esforzarse en hacer una obra maestra? La respuesta realista, probablemente, sea orgullo, pero tratemos de encontrar una razón más trascendental. Si hablamos en términos de operatividad (es decir, que el artista tiene la responsabilidad de dar un mensaje para mejorar el mundo en algún sentido: espiritual, social, político, religioso etc.), no deberíamos preocuparnos necesariamente por la magnificencia técnica. Las películas de Marvel son técnicamente inferiores a una película de Steven Spielberg, sin embargo las últimas películas de Spielberg tienden a no tener un éxito comercial tan grande como Marvel. En este aspecto, Marvel presenta una plataforma mucho más útil en la inmediatez para dar visibilidad a un mensaje importante, por el simple hecho de que más personas están viendo sus películas. Esto es verdad, pero como dije, sólo en la inmediatez. Hoy en día seguimos leyendo a Franz Kafka, H. P. Lovecraft, Heráclito, o Edgar Allan Poe, y no porque hayan tenido un éxito inmediato e ininterrumpido hasta el día de hoy. La materia que conserva estos textos no es la del espectáculo marvel-iano, que no posee otro modo de llamar la atención más que sirviéndose de las modas fugaces (personajes que adscriban a causismos del momento como el feminismo, o chistes que resuenen con el código de humor del momento), sino algo más. He hecho énfasis en el aspecto técnico, y es verdad que seguimos leyendo a Poe, por ejemplo, en gran parte porque es técnicamente genial, pero no solamente. Posiblemente lo que haga trascender a un clásico sea que opera con símbolos, lo que nos exige una constante renovación de nuestras interpretaciones (ya que buscamos afianzar cada vez más el sentido que buscamos en la obra). También puede ser la sensibilidad con la que describe la condición humana. Son distintas cosas, pero evidentemente producto de un trabajo de aprendizaje e impresión de complejidad de parte del artista. El punto es que vale más dotar de “algo más” a la obra para hacerla trascender temporalmente; el conformismo de Marvel y demás artistas los condena a nunca ser revisionados, por lo que nunca serán clásicos. De nuevo, hablando en términos de operatividad, resulta que la formula Marvel no es tan buena a largo plazo para cambiar el mundo, porque si contamos las relecturas, independientemente de la cantidad de personas hoy vivas que lo hayan leído, Shakespeare es infinitamente más influyente. He aquí mi intento por explicar una razón por la cual intentar complejizar nuestro arte. Si no somos artistas perezosos ni bohemios de línea caótica, solipsista, von-Trier-eana nos regocijaremos, luego de esta reflexión, en la propuesta del simbolismo, la de la construcción de múltiples lecturas a través del uso de símbolos metafóricos (preferiblemente símbolos tradicionales, para más universalidad).

POSDATA 2: IDÓLATRAS

Primero que nada quiero advertir que esta reflexión tiene como propósito, si bien a medida que avanza se va por las ramas, advertir que cuando tenemos una visión positiva absoluta de todo el corpus de obras de un autor, debemos desconfiar, porque esto puede ser síntoma de la falta de criterio.

¿Por qué es incorrecto perdonar todas las obras que haga un artista, por el hecho de ser él? No sólo porque la falsa investidura del autor no garantiza calidad, sino también por una simple cuestión lógica. Si el artista cambia con el tiempo (cosa común), eso quiere decir no necesariamente que su calidad varíe, puesto que rara vez un artista reconoce que su arte ha entrado en decaída (si es que tal cosa existe), sino que su metodología se transforma. El artista no hace peor arte con el tiempo, sino que toma una dirección de transformación que él cree con seguridad que es una evolución positiva. Si nuestra óptica permanece la misma a lo largo de todo esa duración de supuesto empeoramiento, lo único que sucede es que la óptica se descalibra. Elaboremos un ejemplo extremista. Si nosotros basamos toda nuestra teoría estética en Who’s that knocking at my door? (1967)  de Martin Scorsese, con todo lo que conlleva, es decir, tenerla como modelo no sólo por lo simbólico sino también por lo formal (tecnico, musical, actoral, político), es inevitable que para la siguiente película, por el simple hecho de ser distinta en alguno de estos aspectos (tiene distinto soundtrack, por ejemplo) nos parecerá una peor película. El criterio de cada uno, si es que vale de algo, debe estar basado en la observación, es decir, uno echa un ojo a la historia del arte, toma lo que le gusta (o le parece más bueno éticamente) y arma una teoría. En mi caso, mi obra predilecta en el videojuego es Disco Elysium, y la mayoría de mis criterios tienen resonancia positiva con ella. Aún así, puede suceder que con el tiempo Robert Kurvitz evolucione su modus operandi y a mi me parezca que sea algo negativo, por el simple hecho de que opera distinto que en Disco Elysium. Por otra parte, yo he dicho que mis criterios tienen resonancia positiva con Disco Elysium, pero no que todo mi criterio está basado en el análisis de esta obra; mi criterio está basado en la reflexión producida de la observación de muchas obras, con intención de construir el estrato mental de una “élite” de buenas obras (porque un criterio estético siempre es polémico, es decir, decide entre algo considerado “bueno” y algo considerado “malo”, necesariamente). Es por eso que puede suceder que el autor de mi obra predilecta pueda con el tiempo crear obras más afines a mi criterio.

Un ejemplo a corto plazo también puede ser Robert Eggers, director de The Witch (2015), The Lighthouse (2019) y The Northman (2022). Eggers, en The Witch se despliega como un autor que sabe separar la congruencia argumental del mensaje simbólico, separando las “dos historias”; en The Lighthouse esta diferencia se difumina pero no desaparece, por el simple hecho de que la cámara retrata la óptica de un narrador no confiable que puede tener visiones paranormales sin que resulte contra-diegético (podemos ver esto en los cuentos de Poe, que es una gran influencia para Eggers); en The Northman, las diferencias están totalmente pervertidas, por el hecho de que los sucesos argumentales oscilan entre mundanidad y mística, en una relación confusa. He comparado estos únicos tres largometrajes de Eggers bajo cierta óptica de “sutileza”, es decir, una óptica que intenta establecer una gradación de la misma por las relaciones que se establezcan en el argumento entre una línea superficial y una línea simbólica (véase el concepto de las dos historias de Pigna, Faretta o T. S. Eliot para esclarecer esto). Si estamos en contra del equilibrio 1ºhistoria - 2ºhistoria, la última película nos seducirá, y si estamos a favor, la primera (y en The Lighthouse todo un espectro mixto, en el que, por otra parte, yo me encuentro). El punto de todo esto es que se vea cómo una óptica lo único que hace es producir “desfases” o “descalibraciones”, que no necesariamente sea algo malo, porque no tenemos por qué idolatrar a los autores. Los autores son escurridizos, a menudo cambiarán su modus operandi obligándonos a tomar la decisión de aniquilarlos o aceptarlos. Lo que debemos hacer, sin necesidad de claudicar nuestro criterio (en el que, seguramente, tanto trabajamos), por otra parte, es lograr un entendimiento. Yo, personalmente, no acuerdo con el modo de hacer cine que tuvo Eggers en su última película, pero siempre que uno empatice intelectualmente sabrá que siempre hay algo que se intentó decir. En política también sucede lo mismo, véase, que los liberales creen que los socialistas son demonios a favor de la opresión por defender al Estado, y los socialistas creen que los liberales son demonios a favor de la opresión por defender al Capital. No es mi intención vindicar un relativismo político en el que no creo, pero hay que observar que a nivel personal (que nunca, y enfatizo esto, nunca es un nivel intelectual ni político; recordemos la diferencia que Schmitt hace entre enemigo político y enemigo personal) por lo general se mezclan las cosas.

[1] Hoy en día, desde los acercamientos a la cuestión de la simbología tradicional que se hacen desde otras ramas científicas, está la biosemiótica. Si bien en estado primitivo, la biosemiótica se está encargando de demostrar que los símbolos tradicionales tienen una capacidad de transformación comprobable en nuestras acciones.

[morrasdelainfo]

marcelaygina

Marcela Quiroga y Gina ArizpeColectivo de arte feminista integrado por Marcela Quiroga y Gina Arizpe, fundado en 1997 y disuelto en 2010 en Monterrey, Nuevo León. Considerando una trayectoria de 13 años como entidad rebelde y contestataria, el colectivo tuvo un posicionamiento feminista del arte en una sociedad conservadora como la regiomontana.

Su finalidad: abordar temas y conflictos sociales, tales como la xenofobia, la disparidad de género, la migración, el feminismo, la desigualdad social y el contexto fronterizo entre México y Estados Unidos.

"No somos producto del desamor, tenemos vocación de miserables." (MyG)

Comenzaron su colectivo trabajando juntas como diversión; no tenían realmente una propuesta definida. Se trataba de dos amigas que actuaban según lo que sentían, hasta que vieron la oportunidad de transmitir un mensaje abiertamente feminista. Buscaban representar experiencias de mujeres jóvenes y urbanas, explorando la relación entre mujeres, su capacidad e irreverencia, además de plantear una crítica a los sistemas artísticos.

Sus obras se relacionan con la superficialidad, lo inútil, lo banal y una cotidianidad muy superficial, influenciada por el internet y nuestros vecinos del norte.Antes de la irrupción de las redes sociales, el colectivo femenino fue muy conocido por sus acciones performativas, como el happening (acontecimiento artístico en tiempo real) y el ready-made (apropiación de un objeto cotidiano que es modificado)