#danza contemporánea y danza multidisciplinar

[zerounotvadri]

La Filarmónica de las Artes celebra la época decembrina con El Cascanueces

● La Filarmónica de las Artes y la Compañía de Danza de las Artes presentan este tradicional cuento de hadas y ballet, con un toque de frescura y renovado.

● La Compañía de Danza de las Artes está integrada por bailarines de danza clásica, danza contemporánea y danza multidisciplinar, alternando funciones en este gran espectáculo.

● Este clásico decembrino contará además con 3 funciones Sin Orquesta --el martes 12, Miercoles 13 y Jueves 14 de diciembre-- a precios aún más accesibles para que todo espectador pueda disfrutar de esta gran puesta en escena.

Con el aclamado ballet navideño “El Cascanueces”, la Filarmónica de las Artes y la Compañía de Danza de las Artes, bajo la batuta de E. Abraham Vélez Godoy, celebran la época decembrina y homenajean a su autor.

Se trata del cuento de hadas-ballet en dos actos y cinco escenas con música de Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893) y libreto de Marius Petipa e Iván Vsévolozhsky basado en el cuento “El Cascanueces y el Rey de los ratones” (1816) de E. T. A. Hoffmann.

Esta serie de espectáculos promete sumergir al público en la magia de la temporada festiva y ser una experiencia inolvidable para los amantes de la música clásica y la danza.

La Compañía de Danza de las Artes está integrada por bailarines de danza clásica, danza contemporánea y danza multidisciplinar, alternando funciones en este gran espectáculo del gusto del público.

Además, se contará con 3 funciones Sin Orquesta a precios aún más accesibles para que todo espectador pueda disfrutar de esta gran puesta en escena y pueda adentrarse en el maravilloso mundo del Ballet Clásico.

La Filarmónica invita a toda la familia a congregarse y disfrutar de la historia de Clara y su hermoso Cascanueces que conduce por un mundo lleno de color, magia y aventuras con una gran producción.

“Este montaje acompaña el maravilloso trabajo de la Filarmónica de las Artes con una versión lúdica donde el público puede disfrutar de una obra del repertorio clásico.

“Deseo retomar las formas tradicionales del ballet clásico en una versión donde los asistentes puedan disfrutar un espectáculo de calidad y sea siempre accesible a este bello arte y sobre todo con música de orquesta”, dice Miguel Hernández, coreógrafo de El Cascanueces.

El Cascanueces se representó por primera vez en 1892, la música fue compuesta por Piotr Ilich Tchaikovski; la autoría de la pieza dancística estuvo a cargo de Iván Vsévolozhsky; y se basó en la adaptación de Alejandro Dumas del cuento El cascanueces y el Rey de los ratones de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann.

Cuenta la historia de dos hermanos, Clara y Fritz, que vivían en un pueblo llamado Nuremberg. En época de celebrar la Navidad, la familia se encontraba reunida en casa y entre sus invitados se hallaba el Sr. Drosselmeyer, padrino de la niña, quien le traía un hermoso presente: un Cascanueces.

Cuando la fiesta termina y Clara duerme, dentro de su sueño, todo comenzó a cambiar, las dimensiones de muchas cosas cambiaron y el juguete se convirtió en un Príncipe que la defendió del malvado ejército de Ratones, al ganar la batalla El Cascanueces junto con su ejército de soldados, la invitó a acompañarlo en un viaje por el Valle de las Nieves y el Reino de los Dulces.

La dirección artística está a cargo de Morelia Villarino y la dirección de escena es encabezada por Omar Olvera; tiene coreografías de Miguel Hernández; y vestuario de Consuelo Solis y Eduardo Comus.

La producción es de Diego Careaga Medina, Abraham Vélez Godoy y David Dohi Márquez. El Cascanueces, es una producción original de la Filarmónica de las Artes y DunkelArts.

El Cascanueces se presentará en el Centro Universitario Cultural (CUC), ubicado en la calle Odontología número 35, colonia Copilco Universidad, el viernes 8 y 15 de diciembre a las 19 horas; el sábado 9 y 16 de diciembre a las 13 y 18 horas; el domingo 10 y 17 a las 13 y 18 horas.

Mientras que en enero se presentará el viernes 5 a las 19 horas; el sábado 6 y el domingo 7 a las 18 horas. Además, tendrá tres funciones sin orquestas los días martes 12, miércoles 13 y jueves 14 de diciembre a las 19 horas.

Los boletos se encuentran a la venta en la página web http://filarmonicadelasartes.com

[diveintothedance]

IMPARTEN

Linda Bufali

Conocí EL C.I. en 1998 durante un curso de Teatro Físico. Me fascinó y comencé un largo proceso de aprendizaje que continúa hasta el día de hoy.

Desde 2008 he estado enseñando en muchas comunidades italianas (Italy Contact Festival) y en el extranjero (Madrid, Lleida, Alcoi, País Vasco, Colonia, Israeli Contact Festival, Ukraina Contact Festival, Barcelona Contact Festival, Asturias Contact Festival, In Touch Barcelona).

Enseñar significa para mí alimentar mi propia investigación y satisfacer la necesidad de contribuir y apoyar la de los demás.

Concebí y organicé eventos con el deseo de difundir al máximo CI (Italia Contact Camp y CicloNomade) porque creo que es una Revolución extraordinaria, poderosa y saludable que parte de nosotros, de nuestros cuerpos.

Personalmente, experimento C.I. como la mejor forma que tengo en esta vida de encontrarme con alguien fuera de los compromisos sociales, de meditar y mantener vivas las ganas de moverme.

La vida es movimiento, moverse en dos acelera la conciencia.

Hoy tengo 45 años, soy madre de dos hijos de 25 y 3 años. También soy abuela de un niño de un año.

https://www.youtube.com/watch?v=Ti7P4quBe68

Marta Wrzesinska

Bailarina y profesora de contact improvisation, apasionada por danza contemporánea e improvisación, método Feldenkrais y movimiento como un medio de crecimiento personal y una forma de expresarse. Se ha formado en danza contemporánea, en contact improvisación y en Proceso Corporal Integrativo (PCI) . Con diferentes compañías sigue investigando la técnica de CI, improvisación multidisciplinar, video danza y performance. Actualmente bailarina en compañía Perros de otra vida y leOma. A diario vive en Madrid y compagina su inquietud artística con el labor como docente e organizadora de los eventos relacionados con el CI.

https://www.youtube.com/watch?v=BBEbtuQkDb0

Jesús Alonso

Investigador del movimiento y bailarín de CI. Mi trabajo se centra en la danza entendida como una exploración desde las sensaciones corporales y la poética del movimiento.

He participado como docente en Flow Festival de Varsovia y Mediterranea Contact Festival, e imparte clases regulares de CI en Madrid.

Formado con maestras como Cristiane Bullousa, Diana Bonilla, Linda Bufali, Charlie Morissey, Katja Mustonen, Mirva Mäkinen, Ray Chung y en danza contemporánea e investigación de movimiento con Poliana Lima, Mónica Valenciano y Lucas Condró. Método Feldenkrais con Simonetta Alessandri y Julen Arévalo.

https://www.youtube.com/watch?v=k1_8BLlYr_0&t=12s

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Linda Bufali

I met THE C.I. in 1998 during a Physical Theater course. I was fascinated and began a long learning process that continues to this day.

Since 2008 he has been teaching in many Italian communities (Italy Contact Festival) and abroad (Madrid, Lleida, Alcoi, Basque Country, Cologne, Israel Contact Festival, Ukraina Contact Festival, Barcelona Contact Festival, Asturias Contact Festival, In Touch Barcelona) .

Teaching for me means nurturing my own research and satisfying the need to contribute and support that of others.

I conceived and organized events with the desire to spread CI (Italia Contact Camp and CicloNomade) as much as possible because I believe it is an extraordinary, powerful and healthy Revolution that starts from us, from our bodies.

Personally, I experience C.I. as the best way I have in this life to meet someone outside of social commitments, to meditate and keep the desire to move alive.

Life is movement, move in two accelerates consciousness.

Today I am 45 years old, I am a mother of two children, ages 25 and 3. I am also the grandmother of an almost one year old child.

Marta Wrzesinska

Marta Wrzesinska Dancer and contact improvisation teacher, passionate about contemporary dance and improvisation, Feldenkrais method and movement as a means of personal growth and a way to express oneself. She has trained in contemporary dance, contact improvisation and Integrative Body Process (PCI). With different companies he continues to investigate CI technique, multidisciplinary improvisation, video dance and performance. Currently a dancer in the company Perros de otro vida and leOma. She lives in Madrid every day and combines her artistic interest with work as a teacher and organizer of events related to the IC.

Jesús Alonso

CI Movement researcher and dancer. My work focuses on dance understood as an exploration of bodily sensations and the poetics of movement. I have participated as a teacher in Flow Festival in Warsaw and Mediterranea Contact Festival, and teaches regular CI classes in Madrid.

Trained with teachers such as Cristiane Bullousa, Diana Bonilla, Linda Bufali, Charlie Morissey, Katja Mustonen, Mirva Mäkinen , Ray Chung and in contemporary dance and movement research with Poliana Lima, Mónica Valenciano and Lucas Condró. Feldenkrais Method with Simonetta Alessandri and Julen Arévalo.

[bodyandcomposition]

IMPARTEN Marta Wrzesinska Bailarina y profesora de contact improvisation, apasionada por danza contemporánea e improvisación, método Feldenkrais y movimiento como un medio de crecimiento personal y una forma de expresarse. Se ha formado en danza contemporánea, en contact improvisación y en Proceso Corporal Integrativo (PCI) . Con diferentes compañías sigue investigando la técnica de CI, improvisación multidisciplinar, video danza y performance. Actualmente bailarina en compañía Perros de otra vida y leOma. A diario vive en Madrid y compagina su inquietud artística con el labor como docente e organizadora de los eventos relacionados con el CI. Jesús Alonso Investigador del movimiento y bailarín de CI. Mi trabajo se centra en la danza entendida como una exploración desde las sensaciones corporales y la poética del movimiento. Ha participado como docente en Flow Festival de Varsovia y Mediterranea Contact Festival, e imparte clases regulares de CI en Madrid. Formado con maestras como Cristiane Bullousa, Diana Bonilla, Linda Bufali, Charlie Morissey, Katja Mustonen, Mirva Mäkinen y en danza contemporánea e investigación de movimiento con Poliana Lima y Lucas Condró. Método Feldenkrais con Simonetta Alessandri y Julen Arévalo.

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CUERPO CONECTADO WORKSHOP. MARTA WRESINSKA

La propuesta de este taller es crear un estado de disponibilidad y honestidad en el cuerpo, para abrir camino a nuevos movimientos, recorridos y espacios. Trataremos de entender que significa estar disponible en la danza, buscando la sensación de cuerpo relajado, sin tensiones, pero no abandonado. Contactaremos con nuestra estructura ósea para poder encontrar la sensación de relajación muscular y (re)conocer conceptos básicos de la biomecánica. Exploraremos la sensación de agua y el peso de nuestro cuerpo, permitiendo que el agua elija el camino por el cual transitar. Viajaremos al mundo de las espirales, de las caídas, las rodadas y de la inercia, usando el suelo y su ayuda para encontrarnos en la posición vertical. Conoceremos pautas y ejercicios que facilitan estar en movimiento continúo, fluido y agradable. Bailaremos con cuerpo conectado a su centro, a los compañeros, espacio y universo :)

Marta Wrzesinska Bailarina y profesora de contact improvisation, apasionada por danza contemporánea e improvisación, método Feldenkrais y movimiento como un medio de crecimiento personal y una forma de expresarse. Se ha formado en danza contemporánea, en contact improvisación y en Proceso Corporal Integrativo (PCI) . Con diferentes compañias sigue investigando la técnica de CI, improvisación multidisciplinar, video danza y performance. Actualmente bailarina en compañía Perros de otra vida y leOma. A diario vive en Madrid y compagina su inquietud artística con el labor como docente e organizadora de los eventos relacionados con el CI.

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CONNECTED BODY WORKSHOP. MARTA WRESINSKA

The proposal of this workshop is to create a state of availability and honesty in the body, to open the way for new movements, routes and spaces. We will try to understand what it means to be available in dance, looking for a relaxed body sensation, without tensions, but not abandoned. We will talk with our bone structure to be able to find the sensation of muscle relaxation and (re) know the basic concepts of biomechanics. We will explore the sensation of water and the weight of our body, allowing water to choose the path on which to travel. We will travel to the world of spirals, falls, rolling and inertia, using the ground and its help to find ourselves in the vertical position. We will meet guidelines and exercises that make it easier to be in continuous, fluid and pleasant movement. We will dance with a body connected to its center, to the companions, space and universe

Marta Wrzesinska Dancer and contact improvisation teacher, passionate about contemporary dance, aikido, play-fight, Russian system, improvisation, Feldenkrais and movement as a means of personal growth and a way of expressing oneself. He has trained in contemporary dance, contact improvisation and Integrative Body Process (PCI). With different companies he continues to investigate the technique of IC, multidisciplinary improvisation, video dance and performance. Currently a dancer in the company Dogs of another life and leOma. Every day he lives in Madrid and combines his artistic concern with the work as a teacher and organizer of the events related to the CI.

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Workshop Cuerpo Conectado con Marta Wrzesinska

CONNECTED BODY/CUERPO CONECTADO

The proposal of this workshop is to create a state of availability and honesty in the body, to open the way for new movements, routes and spaces. We will try to understand what it means to be available in dance, looking for a relaxed body sensation, without tensions, but not abandoned. We will talk with our bone structure to be able to find the sensation of muscle relaxation and (re) know the basic concepts of biomechanics. We will explore the sensation of water and the weight of our body, allowing water to choose the path on which to travel. We will travel to the world of spirals, falls, rolling and inertia, using the ground and its help to find ourselves in the vertical position. We will meet guidelines and exercises that make it easier to be in continuous, fluid and pleasant movement. We will dance with a body connected to its center, to the companions, space and universe

Marta Wrzesinska Dancer and contact improvisation teacher, passionate about contemporary dance, aikido, play-fight, Russian system, improvisation, Feldenkrais and movement as a means of personal growth and a way of expressing oneself. He has trained in contemporary dance and contact improvisation and Integrative Body Process (PCI) . With different companies he continues to investigate the technique of IC, multidisciplinary improvisation, video dance and performance. Currently a dancer in the company Dogs of another life and leOma. Every day he lives in Madrid and combines his artistic concern with the work as a teacher and organizer of the events related to the CI.

La propuesta de este taller es crear un estado de disponibilidad y honestidad en el cuerpo, para abrir camino a nuevos movimientos, recorridos y espacios. Trataremos de entender que significa estar disponible en la danza, buscando la sensación de cuerpo relajado, sin tensiones, pero no abandonado. Contectaremos con nuestra estructura osea para poder encontrar la sensación de relajación muscular y (re)conocer conceptos básicos de la biomécanica. Exploraremos la sensación de agua y el peso de nuestro cuerpo, permitiendo que el agua elija el camino por el cual transitar. Viajaremos al mundo de las espirales, de las caídas, las rodadas y de la inercia, usando el suelo y su ayuda para encontrarnos en la posición vertical. Conoceremos paútas e ejercicios que facilitan estar en movimiento continúo, fluido y agradable. Bailaremos con cuerpo conectado a su centro, a los compañeros, espacio y universo :)

Marta Wrzesinska Bailarina y profesora de contact improvisation, apasionada por danza contemporánea e improvisación, método Feldenkrais y movimiento como un medio de crecimiento personal y una forma de expresarse. Se ha formado en danza contemporánea, en contact improvisación y en Proceso Corporal Integrativo (PCI) Con diferentes compañias sigue investigando la técnica de CI, improvisación multidisciplinar, video danza y performance. Actualmente bailarina en compañía Perros de otra vida y leOma. A diario vive en Madrid y compagina su inquietud artística con el labor como docente e organizadora de los eventos relacionados con el CI.

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AMOVERLA - DE QUÉ SE TRATA?

AMOVERLA

Nace en marzo del 2018 con la propuesta de desarrollar una práctica multidisciplinar que cruce el entrenamiento físico, la danza, la filosofía, la pregunta y reflexión del cuerpo colectivo y cultural.

Los encuentros buscan a través del entrenamiento físico concreto, investigar anatómica y sensiblemente el mapa del cuerpo físico, de manera que permita desarrollar un cuerpo perceptivo capaz de potenciar a lo largo de la actividad sus posibilidades motoras, en relación con el espacio, con les otrxs y con su propia reflexión interna. Investigar a través de procedimientos de la danza, un cuerpo permeable y disponible.

Los encuentros buscan entrenar: - la capacidad tónica, aeróbica y saludable del cuerpo - la conciencia del uso del mismo (qué muevo cuando me muevo?) - el registro anatómico de todas estas reflexiones, trabajando la especificidad del movimiento y de sus cadenas musculares - trabajar un cuerpo que no sea propix de un discurso establecido, armar y desarmar lenguajes constantemente, romper la narrativa unidireccional del movimiento para abrir múltiples sentidos. - generar un cuerpo colectivo capaz de reflexionar sobre la condición/convención física y cultural. - poner en juego la danza, bailar con nuestro cuerpo, con nuestras preguntas y respondernos en movimiento todo aquello  que pase.

Por lo general se desarrollará un entrenamiento físico, que permita fortalecer y calentar el sistema osteo musculo articular de nuestro cuerpo, trabajando sobre un registro profundo y mecánico, de las herramientas puestas en juego. Invitamos a la resistencia y el cansancio. Usamos ese pasaje para percibir los estados que genera, desde el entrenamiento físico concreto hasta el desarrollo de la emoción y de la narrativa. Luego a través de apoyaturas y procedimientos de la investigación del movimiento y la expresión corporal (tono, peso, ritmo, intensidad, tensión, contacto, tiempo, repetición, etc) se plantearán consignas tanto individuales como grupales para desarrollar la reflexión e investigación de la danza de cada une.

La invitación es a todes, no hace falta tener ninguna experiencia previa en danza o actuación, los entrenamientos siempre son acordes a la posibilidad y escucha de cada unx. Lo ideal es simplemente tener la semillita plantada de la pregunta y ver un poco: qué movemos cuando nos movemos?

Trabajamos con herramientas de: - Yoga - Eutonía y bioenergética - Entrenamiento funcional - Danza contemporánea - Expresión corporal - Investigación del movimiento

[shemakesnoisefestival]

SLIM SOLEDAD

La música electrónica está sirviendo como canal para la difusión de las obras de un buen grupo de artistas trans que se sienten cercanas a estas prácticas al margen de la normatividad vigente. En este año, tan relevante en nuestro país de cara a constituir los derechos de las personas trans, en el Patio de La Casa Encendida se comparte el trabajo por primera vez en Madrid de la Dj y performer Slim Soledad, brasileña de origen con base en Berlín y que trabaja como artista interdisciplinar conectada tanto a la cultura de clubs como a Centros de Arte y Festivales de toda Europa.

“Soy travesti, soy negra y soy brasileña”, así se lee Slim Soledad, artista multidisciplinar de São Paulo, Brasil, con base en Berlín conocida como miembro del colectivo queer Chernobyl. Comenzó como DJ hace unos años pinchando funk, pero desde entonces sus sets y puesta en escena han evolucionado y se ha ido radicalizando hacia performances que resultan desafiantes y salvajes en torno a conceptos como el martirio en conexión con los cuerpos que mutan y se transforman. Slim Soledad es todo un personaje de la actual escena electrónica berlinesa donde combina una amplia gama de sonidos que nos llevan desde sus orígenes brasileños y afroamericanos hasta el underground europeo, las estéticas del Vogue y la danza contemporánea.  En 2020 participó del festival de cultura electrónica CTM Berlín. Esta será su primera actuación en Madrid.

[jaimeariansencespedes]

01 - HISTORIA DEL ARTE - FICHAS (01-10) -

001 – La historia del arte es el relato de la evolución del arte a través del tiempo. Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, empleando diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.

002 – La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.

003 – A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

004 – La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía - entendida de forma amplia como literatura con intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).

005 – Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y los videojuegos.

006 – La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias.

007 – El estudio de la Historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental.

008 – No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no solo de los de la historia del arte occidental.

009 – El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia.

010 – Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte. jaimeariansen@outlook.com

[pablo-antonio-tonatiuh]

DANZA CONTRA EL ACOSO Y LA REPRESIÓN Las alumnas y alumnos de la Academia de la Danza Mexicana (ADM) se manifiestan en contra de los abusos que distintos profesores han ejercidos contra ellas, se pronuncian contra el acoso, hostigamiento, y violencia dentro y fuera de los salones. De manera valiente se han parado hoy frente a la escuela y frente a la cámara, pesar de que los directivos anunciaron desde el viernes que quien no se presente a clases esta semana, perderá todo el ciclo escolar. Es momento de cambiar las dinámicas que existen en las escuelas de danza, de arte, y en general en toda institución educativa, que se cierran al diálogo, y optan por encubrimiento y la indiferencia ante los cuestionamientos a su planta docente. Sirva pues esta sesión para visibilizar su situación, y seguir motivando a nunca quedarnos callados ante la injusticia. ¡No están solas! Modelos: Alumnas y alumnos de las distintas carreras de la ADM (Lic. en Danza opción Multidisciplinar, Lic. en Danza Popular Mexicana, Lic. en Danza Contemporánea) Modelo invitado especial: Ricardo Nuncio (actor) Fotografías: Pablo A. Tonatiuh Álvarez Reyes Insta: @pablo.tonatiuh Face: Pablo Tonatiuh Web: Pablo Tonatiuh Fotografía #academiadeladanzamexicana #metoo #danzacontraelacoso (en Academia De La Danza Mexicana) https://www.instagram.com/p/CN8zc0VDn9M/?igshid=wf1f2ns0kdf3

[grupo-enmascarada-carnaval]

El diseñador y coreógrafo de la comparsa Río Orinoco, Daniel Baute Hidalgo, lleva realizando diseños para la comparsa desde 2015. También y siendo artista multidisciplinar participa en eventos de bodypaint, como modelo y creador, así como en espectáculos de danza contemporánea como su participación en el reciente XXV Festival Internacional de Cuento de Los Silos. […]

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La Filarmónica de las Artes celebra la época decembrina con El Cascanueces

● La Filarmónica de las Artes y la Compañía de Danza de las Artes presentan este tradicional cuento de hadas y ballet, con un toque de frescura y renovado.

● La Compañía de Danza de las Artes está integrada por bailarines de danza clásica, danza contemporánea y danza multidisciplinar, alternando funciones en este gran espectáculo.

● Este clásico decembrino contará además con 3 funciones Sin Orquesta --el martes 12, Miercoles 13 y Jueves 14 de diciembre-- a precios aún más accesibles para que todo espectador pueda disfrutar de esta gran puesta en escena.

Con el aclamado ballet navideño “El Cascanueces”, la Filarmónica de las Artes y la Compañía de Danza de las Artes, bajo la batuta de E. Abraham Vélez Godoy, celebran la época decembrina y homenajean a su autor.

Se trata del cuento de hadas-ballet en dos actos y cinco escenas con música de Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893) y libreto de Marius Petipa e Iván Vsévolozhsky basado en el cuento “El Cascanueces y el Rey de los ratones” (1816) de E. T. A. Hoffmann.

Esta serie de espectáculos promete sumergir al público en la magia de la temporada festiva y ser una experiencia inolvidable para los amantes de la música clásica y la danza.

La Compañía de Danza de las Artes está integrada por bailarines de danza clásica, danza contemporánea y danza multidisciplinar, alternando funciones en este gran espectáculo del gusto del público.

Además, se contará con 3 funciones Sin Orquesta a precios aún más accesibles para que todo espectador pueda disfrutar de esta gran puesta en escena y pueda adentrarse en el maravilloso mundo del Ballet Clásico.

La Filarmónica invita a toda la familia a congregarse y disfrutar de la historia de Clara y su hermoso Cascanueces que conduce por un mundo lleno de color, magia y aventuras con una gran producción.

“Este montaje acompaña el maravilloso trabajo de la Filarmónica de las Artes con una versión lúdica donde el público puede disfrutar de una obra del repertorio clásico.

“Deseo retomar las formas tradicionales del ballet clásico en una versión donde los asistentes puedan disfrutar un espectáculo de calidad y sea siempre accesible a este bello arte y sobre todo con música de orquesta”, dice Miguel Hernández, coreógrafo de El Cascanueces.

El Cascanueces se representó por primera vez en 1892, la música fue compuesta por Piotr Ilich Tchaikovski; la autoría de la pieza dancística estuvo a cargo de Iván Vsévolozhsky; y se basó en la adaptación de Alejandro Dumas del cuento El cascanueces y el Rey de los ratones de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann.

Cuenta la historia de dos hermanos, Clara y Fritz, que vivían en un pueblo llamado Nuremberg. En época de celebrar la Navidad, la familia se encontraba reunida en casa y entre sus invitados se hallaba el Sr. Drosselmeyer, padrino de la niña, quien le traía un hermoso presente: un Cascanueces.

Cuando la fiesta termina y Clara duerme, dentro de su sueño, todo comenzó a cambiar, las dimensiones de muchas cosas cambiaron y el juguete se convirtió en un Príncipe que la defendió del malvado ejército de Ratones, al ganar la batalla El Cascanueces junto con su ejército de soldados, la invitó a acompañarlo en un viaje por el Valle de las Nieves y el Reino de los Dulces.

La dirección artística está a cargo de Morelia Villarino y la dirección de escena es encabezada por Omar Olvera; tiene coreografías de Miguel Hernández; y vestuario de Consuelo Solis y Eduardo Comus.

La producción es de Diego Careaga Medina, Abraham Vélez Godoy y David Dohi Márquez. El Cascanueces, es una producción original de la Filarmónica de las Artes y DunkelArts.

El Cascanueces se presentará en el Centro Universitario Cultural (CUC), ubicado en la calle Odontología número 35, colonia Copilco Universidad, el viernes 8 y 15 de diciembre a las 19 horas; el sábado 9 y 16 de diciembre a las 13 y 18 horas; el domingo 10 y 17 a las 13 y 18 horas.

Mientras que en enero se presentará el viernes 5 a las 19 horas; el sábado 6 y el domingo 7 a las 18 horas. Además, tendrá tres funciones sin orquestas los días martes 12, miércoles 13 y jueves 14 de diciembre a las 19 horas.

Los boletos se encuentran a la venta en la página web http://filarmonicadelasartes.com

[santmarc]

“WeChat” Julio 2017.

Leticia María es licenciada en Bellas Artes y profesora de la Escuela Superior de Diseño de Palma, donde actualmente vive y trabaja. Artista Multidisciplinar, ha estudiado en diferentes escuelas de Francia y México, adquiriendo en su trabajo una amplia gama de técnicas y lenguajes Plásticos (escultura, fotografía, vídeo), y Corporales, (danza contemporánea, teatro y performance).

Ha participado en diferentes Festivales Internacionales como (Water Tower Art Fest, en Sofia, Bulgaria), (Festival de Video Danza de Mallorca), (Bang, Festival Internacional de Video Arte de Barcelona). Ferias de Arte (Art Athina en Atenas) y (Supermarket en Estocolmo), Instituciones Públicas (Instituto Cervantes de Sofia) y en (Akademi Sztuk de Loodz, Polonia) y Museos de Mallorca (Es Baluard y Fundación Miró).

Espai sant marc desarrolla un programa de residencias en Sineu y ofrece alojamiento y medios para que artistas visuales de dispares puntos del mundo, den a conocer su trabajo, gran parte realizado in situ. 

https://santmarcair.wordpress.com/2017/07/28/leticia-maria-we-chat/

[mercedes-rodrigo]

Entrevistamos a Walter Thompson, creador del Soundpainting

Hoy visitamos el Centro Cultural Adolfo Suárez en Tres Cantos, donde se celebra la Soundpainting Week y el foro Think Tank, ambos organizados por el Ayuntamiento de Tres Cantos y Soundpaintingmadrid, cuyo creador es Ricardo Gassent, Soundpainter multidisciplinar y director artístico. Gracias a Ricardo ha sido posible llevar a cabo esta entrevista.

Este podcast concluye con variedad de entrevistas realizadas en torno al Soundpainting, usadas como material de investigación para mi TFM, máster de Innovación Educativa: Laboratorio de la Nueva Educación, que imparte la Universidad Carlos III, la Institución Libre de Enseñanza y la Fundación Colegio Estudio. Hoy contamos con la presencia del creador del Soundpainting, Walter Thompson. Buenos días Walter, buenos días Ricardo

W y R: Hola. Buenos días Merce

M: Walter Thompson se define como Soundpainter, compositor de instrumentos de viento madera, piano, percusión y educador. Ha logrado el reconocimiento internacional como compositor y por la creación del Soundpainting, el lenguaje universal de señas para la composición multidisciplinar en vivo. Asistió a la Escuela de Música de Berklee. En 1974 se mudó a Woodstock y comenzó con el Estudio de Música Creativa. Estudió composición e instrumentos de viento con Anthony Braxton, y comenzó a interesarse por el uso de gestos del cuerpo y de las manos como forma para crear composiciones en tiempo real. Comenzando como una herramienta para ayudar a dar forma a las improvisaciones grupales, ha evolucionado hasta convertirse en un fenómeno mundial, el Soundpainting, utilizado por artistas y compositores de toda clase de disciplinas y niveles de desarrollo. Este nuevo lenguaje es utilizado tanto en lo profesional como en lo educativo en más de 35 países, como pueden ser: Estados Unidos, Francia, Canadá, República Checa, China, Alemania, Brasil, Noruega, Finlandia, Sudáfrica, Turquía, entre otros.

Thompson ha compuesto Soundpainting con orquestas, grupos de teatro, compañías de danza contemporánea, y grupos multidisciplinares en ciudades como Barcelona, París, Nueva York, Chicago, Los Ángeles, Boston, Oslo, Berlín, entre otras muchas; y ha enseñado Soundpainting en el Conservatorio de París, Academia Grieg (Noruega), Academia de las Artes de Islandia, Eastman School of Music (Universidad de Rochester, NY), Universidad de California en San Diego, Universidad de Michigan, Universidad de Iowa, Oberlin College-Conservatory of Music (Ohio), y en la Universidad de Nueva York, entre muchas otras instituciones. Thompson es el fundador y Soundpainter de La Walter Thompson Orchestra, creada en 1984 y con sede en Nueva York.

En 2002, Thompson recibió el prestigioso premio “Aplaudiment” de la Premis FAD Sebastià Gasch de Artes Parateatrals, por su trabajo con Soundpainting en Barcelona. También ha obtenido premios de la National Endowment for the Arts, Meet the Composer, el Mary Flagler Cary Charitable Trust, ASCAP, Rockefeller Foundation, Mid Atlantic Arts Foundation, New York State Council of the Arts, y la Fundación Jerome.

M: Tras esta presentación, breve; de dónde parte ilusionarte con el Soundpainting y el nombre del Soundpainting, por qué tu inquietud en crear este lenguaje de signos

W: ¿Por qué he creado el lenguaje? fue en un momento de frustración, desesperado durante el concierto en Woodstock, New York. Hace cuarenta y seis años, más o menos,  creé mi orquesta, escribí varias partituras, y en cada partitura existe la ventana que excepcionalmente es improvisación, las normas para la improvisación eran tener relación con mi anotación,  el primer artista en la improvisación no seguía las normas, y estábamos en el concierto, delante del público, y pensé “qué debo hacer ahora, no es correcto, qué debo hacer” en el momento pensé “ creo tres  gestos tú, tú, tú”,  algo icónico como tono largo, gesto simbólico del tono largo, después pensé “ tocar,  tocar por favor, tocar sí!!, perfecto!!! Y después de 10 minutos pensé “ok voy a probar algo diferente: tú, tú”, el gesto icónico como puntillismo “pa, pa, pa, pá” con mis manos, y no hubo ningún problema en el grupo para tocar puntillismo, ese fue el nacimiento del Soundpainting.  Y el nombre del Soundpainting lo ideó mi hermano Charles hace ya 40 años, después de un concierto, mi hermano dijo “Walter, ¿tienes el nombre?” “no, no nada “, “¿por qué no Soundpainting? “Soundpainting de acuerdo”

M: ¿Y así te gustó?

W: Sí, okey

M: Tu debut profesional fue a muy temprana edad, empezaste muy pequeñito, ¿de dónde partía tu motivación?

W: ¿Por qué? Porque en la escuela, cuando era joven, tuve muchos problemas con los profesores, los profesores pensaban “Walter es un poco loco” (risas), tuve muchos problemas con mi concentración en la clase, porque la clase era aburrida. Después, cuando comencé a ser profesor, recordaba  cuando era joven, y como profesor soy muy sensible hacia alumnos como yo, con muchos problemas en la clase o con los profesores; en mi corazón tengo mucha, mucha sensibilidad hacia los alumnos con problemas

M: Muy bonito.

M: Qué les dirías a los niños y a los jóvenes para que  se adentren en el mundo del arte, de la expresión, de la improvisación.

W: Sí, sí he entendido. Para los niños  para mí es lo mismo, con los niños, adultos, enseñar Soundpainting  es lo mismo. Para mí cuando trabajamos con los niños o adultos, lo más importante es revelar al artista o la artista que hay en cada individuo, en cada persona, porque cada gesto  con Soundpainting es fácil, porque cada gesto no es lo mismo que la partitura, es muy diferente; conceptualmente con la partitura, “aquí tienes la partitura “es “toca la partitura” con Soundpainting el gesto no es nada,  es necesario tener la respuesta, la respuesta es tu idea. Conceptualmente en el Soundpainting voy a componer con tu idea y lo que ofrece cada persona es muy interesante. Para mí, Soundpainting es la herramienta donde la composición se hace con cada persona;  no es la partitura, no son las palabras, es tu palabra.

M: ¿Crees que es necesario contar con cualidades específicas? o ¿cualquier persona se puede introducir dentro del  Soundpainting? ¿Hay que tener unas características para poder trabajar con Soundpainting?

W: No, todos, con todos.  No, no es necesario tener cualidades específicas,  porque Soundpainting es muy inclusivo con todos. Es posible tener muchas personas de culturas muy diferentes, en el mismo grupo

M: Es muy enriquecedor porque pueden participar personas muy distintas

W: Muy distintas exactamente sí, sí

M: Cuál es la recompensa del docente, o en tu caso del Soundpainter cuando terminas una composición, cuando trabajas con grupos, cuál es tu satisfacción personal, en qué piensas cuando acabas

W: Personalmente es muy interesante, porque cada grupo es muy diferente, cuando enseñas “tono largo” la primera vez con el grupo,  la indicación con “tono largo” es básico sí, pero la respuesta es diferente cada vez. Para mí eso es bueno (risas), te da satisfacción, es  fantástico para mí.

M: Y en cuanto director, Soundpainter,  cuál ha sido el momento más crítico en el que hayas dicho “ésto no se me va de mi cabeza”, el momento más chocante

W: ¿Para mí? ¿Con el grupo?

M: O más difícil, a lo mejor

W: No, no,   nada. Conmigo sí, si hago en el concierto lo mismo varias veces ¡no!,  es imposible, hay que cambiar la manera de componer. Es muy importante para mí,  cómo el compositor con Soundpainting, cambiar la manera de componer cada vez, porque   es más interesante para el artista. Para mí, es mi problema

M: Y, ¿el momento más fascinante con un grupo?

W: Es muy importante tomar el riesgo con Soundpainting.  Soundpainting es un lenguaje, es un idioma, ¿sí?, y la manera de componer en tiempo real es,  cómo el Soundpainter usa las cosas conocidas conceptualmente (aquí se refiere a los signos) y las respuestas son  desconocidas. Y para mí cuando hay algo desconocido, y algo con el material desconocido, ¡es fantástico para mí buscar la solución en el momento! En la  composición en tiempo real es necesario buscar la solución cada vez

M: Es muy gratificante lo impredecible, lo que tú no sabes que va a pasar, es más satisfactorio que cuando lo sabes

W: Y he creado algo diferente. Lo pienso después del concierto, durante el concierto nada, nada, estoy como se dice sólo en la composición, nunca en el momento. Después  analizo, más tarde

M: Has dirigido orquestas por todo el mundo, has colaborado con Soundpainters,  cuál es tu fin, los signos se conocen pero, que tú estés allí donde te reclaman ¿no? cuál es tu objetivo para moverte tanto

W: Ah sí!! Porque estoy interesado en compartir sí, si buena pregunta (risas). Porque soy un educador ¿sí?,  es por esto simplemente, en mi opinión, para mí es muy importante compartir una herramienta como Soundpainting, para que tengan la misma experiencia.

M: No es solo el signo, sino que también es el uso del signo y cómo lo haces, que el resto de Soundpainters conozcan la forma de hacer, la forma de trabajar ¿sí?, no sólo el signo y ya ¿no?

W: Exactamente sí, sí

M: Esa es tu pedagogía

W: Sí, sí

M: Cuáles son los objetivos para crear los cursos que se realizan de certificación, por qué has creado esta certificación

W: Porque en Francia hay muchas, muchas personas que utilizan Soundpainting. Después de 10 años era posible tener trabajo como profesor de Soundpainting. Descubro que hay muchas personas que no tienen fluidez con Soundpainting como profesores, y para mí creo que es necesario crear certificación, para apoyar Soundpainting en el mundo. Así el Soundpainting es oficial, en lugar de algo aleatorio

R: Garantizar que la persona que enseña Soundpainting tiene la formación y la respuesta suficiente para ser profesor de Soundpainting

W: Descubro la sintaxis muchos años después de creado el Soundpainting, fue Sarah Weaver, el segundo Soundpainter en el mundo. Sarah Weaver me dice “Walter, ¡tienes la sintaxis!” “¡ah sí!, es correcto” “sí, la sintaxis es quién, qué, cómo, cuándo” “¡ah!, interesante” antes era desconocido para mí, porque con mi grupo en Nueva York usaba Soundpainting un poco, un poco, muchas partituras para mi grupo durante el concierto, Soundpainting un poco durante el concierto y cada año más, más, más, más y finalmente descubro el Soundpainting como el lenguaje. Analizo con Sarah Weaver el Soundpainting, descubro que existe en la sintaxis. El compositor usa la sintaxis naturalmente, por qué, porque es “quién va a tocar, qué va a tocar, el material cómo y, naturalmente cuándo”. La sintaxis fue algo natural con Soundpainting

M: Y el foro Think Tank por qué

W: Este año es el Think Tank 23, “¡uau!!” (risas) es mucho.  Para compartir el Soundpainting con los Soundpainters de forma muy fluida. Conferencia donde descubrir la manera interesante de usar el lenguaje, discusión sobre educación, sobre Soundpainting en el mundo profesional

M: Cuando trabajas con Soundpainting, no te centras sólo en los gestos; en tu forma de componer, de interactuar con los intérpretes, subyacen características de teorías muy potentes como es la pedagogía de la escucha, como la pedagogía del error, la pedagogía de la creación musical, el trabajo cooperativo. Cuando tú empezaste a formar el Soundpainting, pensabas de qué forma hacerlo, pensabas en la pedagogía, o surgía de ti el escuchar a los alumnos, el que no hay error. ¿De dónde parte esa norma o esa forma de trabajar, esa forma que tienes como educador?

W: Sí, de mi forma de trabajar, porque cuando improvisamos es muy importante usar el error en el Soundpainting, descubrir que es una manera filosófica. Es muy importante para cada niño, para cada persona, tener la capacidad de estar seguro, hacer algo en el momento, en lugar de tener miedo

M: ¿Crees que eso es necesario para que el niño o el adulto desarrolle esa creatividad o esa forma de expresar con la música, con la danza o con cualquier disciplina?

W: Sí, sí, el grupo, la clase, los alumnos, los niños, para todos es muy interesante; si no existe el error y para el Soundpainter también, porque durante la composición, si tú haces el error y el Soundpainter hace parar, no es bueno para la composición. El fin es la energía para la composición, es una obligación continuar todo el tiempo, es el trabajo del Soundpainter y si cometes un error, se continúa, continúa es la norma. Como Soundpainter, mi trabajo es hacer algo con tu error. La composición en tiempo real es muy importante y lo mismo para estudiantes, alumnos, es muy importante también tener confianza con la respuesta

M: Y del tema de la inclusión, cómo trabajas con la diversidad, qué ves de diferencia cuando no se utiliza Soundpainting, trabajar con variedad de personas

W: Como compositor, es muy importante para mí, incluir a todos en mi grupo, por qué, no sé (risas), porque me gusta mucho tener la capacidad de componer con abogados, con niños, con personas en sillas de ruedas, invidentes, hipoacusia, músicos profesionales, bailarinas, para mí como compositor es un regalo tener la capacidad de componer con todo el mundo. Ésta es mi razón para que haya incluido a todos en Soundpainting

M: Qué consigues con el Soundpainting que no consigues con otro tipo de composición

W: La diferencia entre las dos. El compositor tradicional escribe la partitura, dice “toca mi partitura por favor”, no es necesario que esté en el concierto (risas), porque la partitura existe sin mí, es muy diferente, ese es el contraste. Soundpainting es composición en tiempo real, es necesario tener la capacidad. La composición en tiempo real es como la conversación, sin la conversación todo es absurdo. Soundpainting es conversación, voy a usar los gestos, el idioma, el grupo responde al gesto, es una conversación; con la partitura no es conversación es simplemente voy a hablar yo todo el tiempo. Conceptualmente el Soundpainting es la partitura.

M: En el gesto relate to, cómo pueden relacionarse músicos con bailarines, con actores, con artistas visuales; es algo que me llama la atención, cómo todos pueden trabajar al unísono

W: Relate to, por ejemplo, relación entre bailarina y músico; músico a músico es simple, es la misma disciplina; es diferente con músicos y bailarinas, el gesto en relación con es abierto, si quieres ofreces algo como contraste o algo para apoyar al material, la relación es abierta, es similar conceptualmente a la anotación gráfica, no es direccional, es como si estuviese pintando, sincroniza más o menos con el movimiento de la bailarina

M: ¿Existe una automatización o una habilidad del Soundpainting como ocurre en cualquier lengua, que provoca una fluidez y una rapidez a la hora de tomar decisiones? Cuando uno es principiante, que todavía no tiene automatizado los signos es más difícil conectar con los intérpretes que cuando ya eres especialista y ya tienes tus signos, como un idioma ¿no?, como tienes un idioma interiorizado, es más rápido y entonces es más rápido interactuar y más rápido comunicar con el otro

W: Sí yo creo que es mucho más rápido, sí como un lenguaje, es mucho más rápido

M: La fluidez facilita la comunicación

W: En 5 minutos tengo al grupo tocando algo juntos

M: Esa fluidez que tenéis vosotros, se ve perfectamente cuando haces una grabación, porque vuestra fluidez facilita que el resto del grupo actúe rápidamente, pero una persona que está iniciándose, como tiene que preparar mentalmente lo que va a decir, al grupo le cuesta más seguir al Soundpainter nuevo

W: Aprender Soundpainter es rápido con los gestos básicos, como los lenguajes, como aprender un idioma nuevo, como español, como sueco, como francés, Después si quieres tener las cosas más claras, es necesario dedicar más tiempo al lenguaje Soundpainting, es como las palabras en subjuntivo. En la primera lección son las palabras, las frases básicas, el nivel 1 es simple de aprender, el nivel 2 y 3 es mucho más complicado

M: Los workbooks que has editado, cómo los distribuyes, de forma muy escueta, qué es lo que en cada uno de los workbooks tienes diseñado

W: En workbook libro 1 decido los gestos básicos, son como las palabras básicas en español.  En el libro 2 los conceptos son más difíciles; el 3 ya es específico, es como el 1 y el 2, pero especial de teatro y la danza, es más o menos lo mismo, con gestos diferentes como direcciones en la escena, intención, estilos específicos para los actores, en el libro 4 he incluido a los artistas visuales, grupos multidisciplinares y cómo componer con todos. Libro 1 y 2 músicos, libro 3 actores y bailarines; libro 4 incluyo a los grupos multidisciplinares con artistas visuales, muy, muy diferente

R: Pero hay un libro específico para profesorado

W: Sii, escribí el libro específicamente para educación, sí, hoy hay solo en francés y en inglés, es en relación con las normas para enseñar música en Estados Unidos, las normas estándares

R: Es cómo incluir el Soundpainter dentro del currículum de Estados Unidos

W: Exactamente, exactamente

M: Muy interesante

M: Otra parte también muy interesante es, cómo os sincronizáis cuando hay varios Soundpainters, en alguna ocasión he leído qué habéis estado hasta el 6 Soundpainters en una misma composición. Cómo lo hacéis que haya tantos Soundpainters, incluso que uno también dirija a otro Soundpainter en la misma composición

W: Muy interesante, compartir la obra con otro Soundpainter, durante la composición hago “tú Ricardo” por ejemplo, el gesto para añadir a otro Soundpainter, es muy interesante, ya no es mi composición, es de ambos. Es muy, muy interesante, porque es necesario escucharnos, es muy, muy importante, no es necesario hacer muchos signos, muchos, muchos no, no, no, no, no. Es muy, muy importante escuchar

M: es más importante quizá escuchar

W: sí, sí, sí, para componer juntos

M: muchas gracias Walter

W: De nada

M: Por haber tenido este ratito de conversación contigo y adentrarnos en este mundo tan bonito que es el Soundpainting. Creo que es necesario a nivel educativo, que haya esa chispa, pero que también se le dé la vuelta a la forma de funcionar en la educación, sobre todo aquí en España, que estamos poco motivados, tanto por parte de los alumnos como del profesorado y  hace falta un cambio importante. Escuchándote vamos a sacar conclusiones muy interesantes, también agradecer a Ricardo, en esta ocasión por ser traductor y alguna pequeña intervención. Muchas gracias

R: Un placer

W: Muchas gracias por tu trabajo con Soundpainting, es fantástico

M: Os lo haré llegar

Música: Performance DANÁPHORA. Soundpaintimgmadrid

Fotografía: Olga Novo

[martaandjesusciworkshop]

DE AGUA Y ARENA WORKSHOP. JESÚS ALONSO En este taller trabajaremos desde la somática con diferentes cualidades del cuerpo, permitiendo al cuerpo abrir espacios, hacerse permeable y disponible para la escucha. Buscamos un cuerpo disponible y atento, que observa y fluye ante lo que sucede en el momento presente, para poder viajar, comunicarse y expandirse en la danza en contactos con otros cuerpos. Trabajaremos diferentes cualidades del cuerpo, desde la piel al hueso, pasando por la masa y el intercambio de peso , expandiendo nuestros sentidos para dar paso al la creatividad desde la comunicación y la escucha.

Marta Wrzesinska Bailarina y profesora de contact improvisation, apasionada por danza contemporánea e improvisación, método Feldenkrais y movimiento como un medio de crecimiento personal y una forma de expresarse. Se ha formado en danza contemporánea, en contact improvisación y en Proceso Corporal Integrativo (PCI) . Con diferentes compañias sigue investigando la técnica de CI, improvisación multidisciplinar, video danza y performance. Actualmente bailarina en compañía Perros de otra vida y leOma. A diario vive en Madrid y compagina su inquietud artística con el labor como docente e organizadora de los eventos relacionados con el CI. Jesús Alonso Investigador del movimiento y bailarín de CI. Mi trabajo se centra en la danza entendida como una exploración desde las sensaciones corporales y la poética del movimiento. Ha participado como docente en Flow Festival de Varsovia y Mediterranea Contact Festival, e imparte clases regulares de CI en Madrid. Formado con maestras como Cristiane Bullousa, Diana Bonilla, Linda Bufali, Katja Mustonen, Mirva Mäkinen y en danza contemporánea e investigación de movimiento con Poliana Lima y Lucas Condró. Método Feldenkrais con Simonetta Alessandri y Julen Arévalo.

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WATER AND SAND WORKSHOP. JESÚS ​​ALONSO In this workshop we will work from somatics with different qualities of the body, allowing the body to open spaces, become permeable and available for listening. We will look for a body that is available and attentive, that observes and flows in response to what is happening in the present moment, in order to be able to travel, communicate and expand in dance in contact with other bodies. We will work on different qualities of the body, from the skin to the bone, going through the mass and weight exchange, expanding our senses to give way to creativity through communication and listening.

Jesús Alonso :

CI movement researcher and dancer. His work focuses on dance understood as an exploration of bodily sensations and the poetics of movement. He has participated as a teacher in Flow Festival in Warsaw and Mediterranea Contact Festival, and teaches regular CI classes in Madrid. Trained with teachers such as Cristiane Bullousa, Diana Bonilla, Linda Bufali, Katja Mustonen, Mirva Mäkinen and in contemporary dance and movement research with Poliana Lima and Lucas Condró. Feldenkrais Method with Simonetta Alessandri and Julen Arévalo.

[el-arte-de-las-curiosidades]

TAC Valladolid España

Festival TAC de Valladolid 22. 05. 2019 Francisca Arce

El Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC), se desarrolla cada año en el mes mayo en España, llevando espectáculos de teatro, danza, circo y música a cada rincón de esta ciudad. Este año 2019 será su versión número XX y quieren celebrarlo con una propuesta más ambiciosa que nunca, con un récord de espectáculos y compañías reconocidas tanto a nivel nacional como internacional. El festival se realizará entre los días 17 y 26 de mayo donde se presentarán más de 84 compañías, de 20 países diferentes, con un total de 272 actuaciones en 53 espacios, entre ellos: teatros, salas, plazas públicas y barrios.

Diversas son las propuestas que ofrece el TAC programadas desde muy temprano en la mañana hasta espectáculos y performance pasado la media noche, separadas por un índice de compañías según: Sección Oficial, Sección Off, Estación Norte, y Otros; como el III Encuentro Nacional de Impro y el Encuentro Europeo de Escuelas de Circo (EEEC).

El Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid a través de sus XIX versiones anteriores, ha definido muy bien cuales son los criterios de su programación, que reconoce que:

    -El arte es una herramienta social de poder desmontar el mundo real y volver a montarlo desde una dimensión más alta.     -Que existen una serie de expresiones artísticas que se asfixian en los teatros y que traspasa sus paredes y se ubica donde las personas desarrollan su vida cotidiana. Que hablan de tiempos actuales y utilizan herramientas tecnológicas del hoy, mezclando las artes escénicas, con diversas otras artes como la pintura, la música y el cine. Aprovechando también estas como un medio, para darle un vuelco a la dramaturgia tradicional, pasando de una estructura narrativa a una asociativa, en donde cada espectáculo sugiere algo y es el espectador que desarrolla una idea y le da la forma y contenido.     -Que el circo ha sido una de las formas más antiguas de intervención en espacios públicos y que en la actualidad se ha convertido en la madre que acoge a artistas multidisciplinarios dando un nuevo sentido a la carpa y a los trabajos que dentro o fuera de ella se van desarrollando.     -Que entiende el festival como un único espectáculo y no como una secuencia de trabajos hasta completar el presupuesto económico planificado. Como un escaparate donde mostrar trabajos que bien están en proceso de crecimiento o bien por su carácter de investigación están fuera de los circuitos comerciales.                                                                                                             -Que es muy importante tener un continuo feedback sobre la marcha y desarrollo del festival, por lo que siempre ha conformado un jurado internacional con una abierta actitud de escucha ante cualquier manifestación artística (1).

Algo muy interesante que estará presente y será protagonista en este festival, es la sub-sección “Performance Arte VA”, que ofrece representaciones marcadas con un componente de denuncia social, definiéndolo como un espacio: "Para alentar el arte con compromiso político, entendiendo este como un ejercicio de comunicación, que nos permita salir de la oleada de confrontación y de intolerancia que parece dominar nuestras sociedades contemporáneas" (2). El TAC programará durante el medio día compañías que profundizarán temas como la nación, el género, el cuerpo, la identidad y las fronteras, a través de diez propuestas proveniente de países como, México, España, Finlandia, Estados Unidos, Bolivia, Brasil e Italia.

La Sección Norte del TAC, esta definida como un espacio exclusivo para compañías vallisoletanas, dándole lugar a propuestas locales con el objetivo de poder fortalecer las artes escénicas en la ciudad. En esta sección podremos encontrar la compañía La Nave y su espectáculo de performance multidisciplinar “Morlokland”. La Nave es un programa de desarrollo de las artes escénicas para jóvenes del Teatro Calderón de Valladolid, un espacio de creación artística que acoge distintas disciplinas y a más de 60 jóvenes entre 16 y 26 años. Otras compañías que también son parte de esta sección son, Proyecto Tá-17 y Los Colochos (Teatro), Xtrañas Producciones (Videomapping), Compañía Lola Eiffel & RAIO (Multidisciplinar), Nuevo Fielato (Circo), Kull D'Sac (Clown) y Val Lírica en movimiento (Música).

El Circo en el TAC

Con un total de 18 compañías provenientes de 14 países diferentes; teatros, salas y espacios públicos acogerán tanto en la Sección Oficial como en la Sección Off propuestas de carácter circense. En el Teatro LAVA estará, Gravity & Other Myths (Australia) y su espectáculo “A Simple Space”, donde siete acróbatas exploran sus limites físicos sin reservas en un simple espacio, describiendo su espectáculo como una propuesta alejada de los maquillajes, el brillo y la perfección, más bien una presentación que busca expresar la fragilidad de los cuerpos y la veracidad de sus interpretes. En el Teatro Calderón con entradas ya agotadas, se presentará también la compañía Baro d'evel, (Franco-Catalana) y su espectáculo “La”, que ha puesto sus cimientos en buscar un lenguaje propio acompañado por animales amaestrados y que expone que su trabajo es un gesto bruto y desnudo que circula entre cuerpos y voces entre ritmos y portés.

Otras compañías circenses que inundarán las calles en la Sección Oficial serán; la Compañía Fiar (Portugal y Eslovenia) y su estreno “Baixos e Altos”, que nos invita a pensar en laberintos, en transitar la vida por subidas y bajadas, una propuesta que a través de su descripción, nos sugiere que es un trabajo más profundo y reflexivo. El dúo D'Irque & Fien (Bélgica) y su espectáculo “Sol Bemol” que nos presenta una propuesta de circo teatro donde el viaje y el recorrido de vida nos llevan a encuentros y experiencias donde nos cruzamos con otros y contribuimos a su travesía. Patfield & Triguero (Reino Unido) y su espectáculo “Gibbon” que es un trabajo más visual y de teatro físico, mezclado con la danza, el humor y el malabar. Y por último Kcirke (España) comediante premiado en la sección off del TAC 2018 que nos trae circo, música y comedia.

Otro espacio dentro de la Sección Oficial que da lugar a solos y dúos es, Pati Free donde se encuentran: Hanna Moisala (Filandia) y su espectáculo “Wire Do”, Tom & Ayala (Holanda) y su espectáculo “We are not a Couple” y Flying Dutchmen (Holanda) con su espectáculo “The Flying Dutchmen”.

De las propuestas circense programas en la Sección Off, encontraremos: Bambolea, (España) con su “Circus Feria”, Cía Artlequin (España -Argentina) con “Tentación Divina”, Cía Atirofijo Circ (España) y su espectáculo “A S'ombra”, Circo Deriva (España) y su espectáculo “Ya es tiempo de hablar de amor”, Dúo Papie (Italia) con “In Vago”, Escuela de Circo Carampa (España) con “Crisálida 19”, La Testa Maestra (Colombia-España) con “Hijos de Fruta”, Punto cero Company (España) con “¿Y ahorque?” y The Shester's (Brasil- España) con su espectáculo “La Chimba”.

Otra actividad importante que se desarrollará dentro del festival será el primer EEEC, organizado por la compañía vallisoletana, The Freak Cabaret Circus donde existirá charlas que articularan un espacio de encuentro para reflexionar sobre la realidad del circo europeo y espectáculos diseñados específicamente para su muestra en el TAC. En esta primera versión las escuelas que participarán serán: Die Etage (Alemania), Instituto Nacional de artes do Circo (Portugal), Escuela de Circo Carampa (Madrid, España) y Circo Vértigo (Italia).

El Arte de las Curiosidades intentará ver cada obra y realizar una descripción de las propuesta circense y algunas de otras artes escénicas presentada en el festival, con el objetivo posterior de analizar y reflexionar para construir un articulo que intente reflejar desde la mirada personal y la experiencia vivida una crítica objetiva que ayude al lector a reconocer los componentes más relevantes de la obra y el sello de su autor. La observación no solo será de las propuestas y espectáculos sino también del circo y su entorno; comparaciones entre festivales visitados, análisis y diferencias entre propuestas creativas, estilos y formas de hacer el circo, características y definiciones de lo tradicional y lo contemporáneo, análisis de espectáculos de calle y de sala, serán alguno de los temas que serán escrito en una segunda etapa del proyecto.

Bibliografía 

(1). Historia del TAC - TAC. (2019). Retrieved from http://www.info.valladolid.es/web/tac/historia-del-festival

(2). Ciclo de performances ArteVA - TAC. (2019). Retrieved from http://www.info.valladolid.es/web/tac/-/ciclo-de-performances-arteva?inheritRedirect=true&redirect=%2Fweb%2Ftac%2Fseccion-oficial-2019

(3). Inicio - TAC. (2019). Retrieved from http://www.info.valladolid.es/web/tac

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https://laboratoriosld.blogspot.com/2019/05/formacion-programa-mayo-julio-2019-en.html

Formación. Programa Mayo-Julio 2019 en Factoría CulturalFormación Programa Mayo-Julio 2019 Cursos cotidianos EN PEN MOV Express Entrenamiento para pensadores en movimiento Salud López* y otros profesores y maestros invitados. 06.05.19 a 06.07.19/Factoría Cultural Polígono Sur 8:30-9:00 Series de ejercicios condensados de fortalecimiento, relajación, meditación, masaje, energetización, respiración y de pensamiento creativo. Práctica diaria que tienen como objetivo la puesta a punto y armonización de nuestro cuerpo mente ( Sistema Corporamental ) para la eliminación de tensiones y otros malestares corporales, aumento de la energía y bienestar físico y mental.     Abierto a todas las personas interesadas, especialmente indicado a las personas que quieren mejorar las condiciones de vida en su jornada laboral y a las personas interesadas en impartir estas actividades en otras entidades, escuelas, empresas…, EN PEN MOV se desarrolla como un programa de formación de formadores que incluye esta línea de investigación.   (Posibilidad de asistir días alternos). Cursos cotidianos Danza contemporánea Salud López*y otros profesores y maestros invitados. 06.05.19 a 06.07.19/Factoría Cultural Polígono Sur 9:00-10:15 Clase sobre técnicas de danza contemporánea propias creadas para el entrenamiento de los intérpretes, en el aprendizaje y asimilación del material gestual de las obras coreográficas de la Cia Octubre, que incluye trabajos sobre la respiración, forma, dinámicas, tempos, contacto, apoyos, escucha, foco, percepción, pensamiento, proyección ... y metodologías de composición, seriación, transformación, improvisación. Inspiradas en otras técnicas de danza desde la danza clásica a otras danzas modernas y otras técnicas como las  artes marciales y las prácticas somáticas. Realización de frases y variaciones coreográficas con el objetivo de trabajar la memoria, expresividad y calidad interpretativa. Lunes y Miércoles Nivel Intermedio y Avanzado.Martes y jueves Nivel Iniciación. Jueves. Clases a grupos, escuelas, entidades, diferentes colectivos y a todas las personas interesadas. Nivel Introducción, iniciación.  (Posibilidad de asistir días alternos). Cursos cotidianos Taller coreográficoSalud López*y otros profesores y maestros invitados.06.05.19 a 06.07.19/Factoría Cultural Polígono Sur 10:15-11:30 Lugar de creación en donde se desarrolla y crea el material coreográfico y sonoro, se construye el espacio audiovisual y conceptual de la obra, un lenguaje propio que promueve una estética y ética determinada.Reparaciones coreográficas. Utilización de la coreografía como herramienta para reinterpretar, mejorar, adaptar, revisitar, actualizar, transformar otras obras. En este caso el taller se pone al servicio de otras personas, artistas, compañías para asesorarlos en sus proyectos. Lunes y Miércoles Nivel Intermedio y Avanzado.Martes y jueves Nivel Iniciación.Jueves. Clases a grupos, escuelas, entidades, diferentes colectivos y a todas las personas interesadas. Nivel Introducción, iniciación.   (Posibilidad de asistir días alternos). Actividad gratuita Organizada por en lugar de creación en colaboración con Factoría Cultural.-ICAS INSCRIPCIONES: Online. Formulario de inscripciónEn Factoría Cultural, contactando con la oficina de información. Para la concertación de clases para centros educativos y otras entidades solicitar más información de las fechas disponible, número de personas, etc. Más información:comunicación@enlugardecreacion.orgTel: 00 34 679536966 Factoría Cultural Calle Arquitecto José Galnares, s/n, 41013 SevillaTeléfono: 955 47 35 11 Cómo Llegar a Factoría Cultural :Bus 30 y 31Tren de cercanías Estación Virgen del Rocío C1,C4,C5. *Salud López Salud López, Sevilla (España) Coreógrafa e investigadora gestual.  Actualmente dirige el LaboratorioSLD “La pensée en mouvement” en «Tierra de nadie» De no man’s land à-nomal nomade. Expérience pédagogique en création”.  Ha concebido un sinfín de proyectos como “Pista Digital”, “Proyecto Paso”, “Coreógrafas Prêt à Porter”, “La mujer la danza”, “Retahílas trayectos y tangentes entre la coreografía y la performance”,” Crea R tu vídeo danza”, “Espacio Abierto” ... Desde 1990 también dirige la compañía de danza contemporánea Octubredanza. Estudia Filosofía y Ciencias de la Educación de la Universidad de Sevilla, en otras escuelas de danza y compañías nacionales e internacionales. En 2005 creó Sevilla Corporativa Dance. Sus colaboraciones coreográficas incluyen artistas prominentes, como Andrés Marín, Israel Galván, Northern Stage Company de Newcastle, entre otros. ¡Salud López es directora artística y responsable del proyecto “endanza lugar de creación” (Sevilla 1999), desde donde se apoya a empresas, grupos y agencias en la creación y difusión de sus proyectos y se realiza la Bauhaus Catedrales-Catedral Cinética-Cadenas de Cristal dentro del programa Internacional Mira! (Cultura 2000). Salud López impartió los talleres coreográficos para Master del Central Saint Martin´s College of Art and Design de Londres, y fue coordinadora en el Centro de Actividades Flamencas Mario Maya (1996-1998). Fundadora de la Asociación de amigos y profesionales de la danza, organizadora del Foro para el Desarrollo de la Danza en Andalucía (2006), desarrolló la investigación “Nuevos yacimientos para la mejora de la calidad del empleo y la empleabilidad de los trabajadores en el ámbito de la danza. Salud López crea y dirige la “PistaDigital” y premio “Creativa” (2007). También imparte formación en danza en España y en el extranjero. En la actualidad López trabaja para la asociación “en lugar de creación “. Co-fundadora del proyecto Corporealidades Póshumanas/Danças Somáticas e Tecnológicas) inicia un doctorado en Artes Visuales, Especialidad en Investigación Artística, Media y Estudios Culturales, en la Universidad de Évora en 2015.   Colaboradores: Mónica Coquoz, José Antonio Bono… Mónica Coquoz, Montreal (Canadá). Doctora en Danza Contemporánea Profesora de Yoga (Iyengar y Ashtanga) certificada por United Yoga Montreal. Mónica Coquoz tiene un Masters en Danza Contemporánea de la Universidad de Quebec en Montreal (2014-2016) cuyo proyecto de investigación-creación principal está basado en la integración de la meditación de la plena consciencia en un proceso de creación en danza.  Mónica es licenciada en Danza Contemporánea (Coreografía) en la Universidad de Concordia (Montreal, 2008-2011).  Sus obras coreográficas sola y/o en colaboración han sido presentados en festivales, maisons de la culture, teatros y espacios públicos en Montreal y en Sevilla. Su trabajo artístico incluye además performances, instalaciones y video-danzas que han sido también presentados en contextos culturales y artísticos relevantes de Montreal. En los últimos años ha trabajado en estrecha colaboración con otros miembros de O.D.N.I (Objetos Danzantes Non-Identificados:http://odnionline.org/odni/Groupe.html  colectivo de creadores de Montreal, especializado en la creación in-situ. Con O.D.N.I. ha impartido talleres de danza somática a públicos variados, incluyendo una cárcel para mujeres y una residencia para ancianos y presentado trabajos coreográficos en distintos contextos de la ciudad de Montreal, un piso residencial, una biblioteca municipal y varias plazas públicas. Diploma de estudios superiores (DESS) en Educación Somática de la Universidad de Quebec en Montreal (2010- 2011) especializada en el Método Feldenkrais (la consciencia a través del movimiento). José Antonio Bono Alcoba, Alcalá de Guadaira (España). Artista Multidisciplinar.  Desarrolla sus creaciones desde una perspectiva creativa e experimental, empleando sinergias entre diferentes lenguajes. Bailarín en los comienzos de la cultura Hip-Hop en Sevilla, grupo (Universal Rock Dancers) Creación de danza contemporánea “Un grano de arena” (endanza, lugar de creación) Bailarín Intérprete Contemporáneo para la Cia. Bikini. Ducc en “Vertebración”, Teatro de la Maestranza de Sevilla. Diseñador de Joyería y artesanía, Galería Kosmima. Preseleccionado en Yuste Debout(España) en Danza experimental. Preseleccionado en Pieza Única de Autor(España), Joyas de Autor. Exposiciones y performance (Madrid, Sevilla). LaboratorioSLD --------------------La pensée en mouvement en « Tierra de nadie »De no man's land à-nomal nomade.Expérience pédagogique en création.                                   http://endanzalugardecreacion.org/banner.php             http://laboratoriosld.blogspot.fr                   http://www.facebook.com/laboratotrosldpagina      http://www.facebook.com/laboratoriosld                                                                http://www.facebook.com/LaboratoireSld                                     https://twitter.com/LaboratoireSLD                                                                                   https://www.youtube.com/user/SLDlabo   https://www.linkedin.com/in/salud-lopez-sld/                                                             https://www.instagram.com/laboratoriosld/                                           https://plus.google.com/u/0/+SaludLopez                                                                                                https://www.pinterest.fr/laboratoriosld/                                                                               https://laboratoriosld.tumblr.com/                                               http://www.enlugardecreacion.org                         https://www.flickr.com/people/70131750@N08/ //////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////