#flauta jazz

[altamontpt]

Rão Kyao - Estrada da Luz (1984)

Um dos discos mais conhecidos de Rão Kyao, um dos nossos mais interessantes músicos que é urgente redescobrir

Estrada da Luz foi um fenómeno estranho, um disco instrumental do nosso pioneiro da “world music” que foi um sucesso comercial e de crítica. Rão Kyao é um caso único no panorama nacional português. Músico com formação no jazz mas fascinado com o fado, a música portuguesa e as suas origens, nomeadamente as influências árabes e indianas, foi um verdadeiro globetrotter, tocando por todo o mundo e…

[semtituloh]

Vía Pasión por el Jazz y Blues.

Lew Tabackin (26 Marzo 1940) flautista y saxofonista tenor, es un artista de visión asombrosa. Su flauta electrizante es a la vez virtuosa, primordial, intercultural y apasionada. Su distintivo estilo de saxo tenor incluye el uso de amplios intervalos, cambios abruptos de humor y tempo y fervor intencional, todo al servicio de mostrar la gama completa de posibilidades de su instrumento: melódica, rítmica y dinámicamente. Sin copiar o emular a los grandes del jazz del pasado, Tabackin ha absorbido elementos en su estilo, creando finalmente su propio sonido y aura.

https://youtu.be/TD4OJACC9QM?si=BIMIJr8vJedJBgiS

[juliustrumpet]

NEW YORK, NEW YORK (fragmento).

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Orquesta Gran Soufflé. 2023.

Sin secuenciadores. Sin mandangas.

Toni Alós (batería), Roberto Llamas (bajo, voces), Julio Llamas (trompeta, voces, percusión), Paco Abarca (trombón, percusión), Fran Nicola (saxo, voces, percusión), Carles Piles (teclados), Eduardo de la Cruz (guitarra), Julia Perea (guitarra), Mia Rizzo (voz, percusión), Ricardo Llopis (teclados), Carmen Llopis (teclados), Frankie McCoy (voz), Conxa Polo (voz), Didier Ferrando (voz, percusión y flauta) y Txema Magraner (técnico de sonido).

#gransoufflé #gransouffle #orquesta #Almussafes #almussafes #spain #Valencia #trumpet #trombone #saxo #live #directo #endirecto #drums #bass #piano #voice #guitar #poprock #blues #funky #jazz

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Hurtmold & Paulo Santos "Curado"

Repasando mis textos para Antrópika, en los que buceo en las profundidades de mi relación con la música, parece ser que ésta relación se conjuga en pasado. Como contraste, hoy tomo como punto de partida un disco reciente, lanzado en Septiembre de 2016...pero este viraje tiene truco, mi relación con los protagonistas empezó hace años... En 2004, en Sao Paulo tuve la suerte de ver en Milo's Garage una presentación en directo del primer disco en solitario de Mauricio Takara al que llevaba unos años siguiendo a raíz de la trayectoria de una asombrosa banda llamada Hurtmold. https://youtu.be/Pq4Jwsdbgaw Hoy, casi 20 años después, cuando la banda se ha proyectado superando sobradamente las expectativas de entonces, coronan su legado con este disco de madurez con un título excepcionalmente apropiado "Curado". La generación de un espacio de creación conjunta con el percusionista Paulo Santos ha sido el pretexto para volver al estudio El Rocha tras cuatro años de silencio. Durante esos 18 años les ha dado tiempo al sexteto paulista a desarrollar un estilo que orbita con enorme facilidad alrededor del rock, jazz, minimalismo, electrónica y la MPB (música popular brasileña) expandiendo su universo de forma recurrente y haciendo de esa expansión su razón de ser al enriquecer su propuesta con cada colaboración. Takara y algunos de ellos colaboraron con Rob  Mazurek con el proyecto Sao Paulo Underground en sus diferentes manifestaciones. El grupo al completo vistió en 2008 gran parte de las canciones de "Sou" el primer disco en solitario Marcelo Camelo (que fuera líder de los imprescindibles Los Hermanos) y participaron ya juntos o por separado en infinidad de proyectos trascendiendo de la figura de músicos a  células independientes de agitación cultural. Mientras, como si nada, dejaron atrás una trayectoria sólida, con 6 discos que son 6 brillantes panorámicas de músicas contemporáneas y urbanas. Paulo Santos,  exmiembro de los longevos Uakti, una banda con 40 años de trayectoria a lo largo de los cuales sus caminos se cruzaron con Philip Glass, Stuart Copeland y Paul Simon. https://youtu.be/f_J4A7RNg2g Tomaron su nombre de una leyenda de la etnia Tucano. Uakti era un ser mitológico que vivía en las orillas de Rio Negro. Su cuerpo estaba lleno de agujeros de forma que, cuando el viento pasaba a través de éste, producía sonidos que hechizaban a las mujeres de la tribu.  Celosos, los hombres lo cazaron y mataron. Más tarde, crecieron palmeras del lugar donde su cuerpo fue enterrado y la gente  las usaba para hacer flautas que emitían sonoridades que encantaban a todos igual que hacía el sonido del cuerpo de Uakti.  La esencia de la banda queda completamente reflejada en la historia de su nombre: tradición y los sonidos de la naturaleza. Los instrumentos elaborados por los miembros del trío de Minas de Gerais con madera, vidrios o pvc dotaban al proyecto de una sonoridad única que les permitió dejar una huella en la música tradicionalista y minimalista del S.XX en Brasil. Paulo Santos, percusionista de la mítica banda se cruzó en el camino de los paulistas y empezaron a incubar la idea de "Curado". https://youtu.be/Evs0G8DVPXM Un disco de canciones que parten de lo sencillo y evolucionan, mutan una y otra vez desplegando toda su riqueza tímbrica y melódica. La sonoridad de los instrumentos imposibles de Santos se ensambla a la perfección en el discurso de Hurtmold Paulo Santos y Hurtmold dialogan a lo largo del disco en un idioma imaginario y se funden dos visiones tan puras y originales que uno tiene la certeza de hallarse frente a algo mágico, desafiante y vivo.. y te encandila...como las flautas hechas de las palmeras nacidas de los restos de Uakti.

[rutaalrocknoticias]

The Marshall Tucker Band - Fire On The Mountain

The Marshall Tucker Band es un grupo emblemático del género Southern Rock, que surgió en la década de 1970. Originaria de Spartanburg, Carolina del Sur, la banda fue formada en 1972 y mezcló diversos géneros musicales, como rock, country, jazz y blues, lo que les permitió destacar dentro de la escena del rock sureño. Aunque a menudo se les agrupa con otras bandas del género, como Lynyrd Skynyrd o The Allman Brothers Band, The Marshall Tucker Band siempre mantuvo un sonido único, caracterizado por el uso de la flauta, un instrumento poco común en el rock, tocado por Jerry Eubanks, lo cual le daba una textura especial a sus canciones.

"Fire on the Mountain" es una de las canciones más emblemáticas de la banda, lanzada en 1975 en el álbum Searchin' for a Rainbow. Esta canción es un excelente ejemplo de su mezcla de country y rock, con letras que evocan imágenes de la fiebre del oro y las dificultades de la vida en la frontera estadounidense.

El concierto en el Garden State Arts Center, grabado el 4 de agosto de 1981, es una ventana importante a un momento crucial para la banda y para la música en general. A principios de los 80, el Southern Rock había alcanzado su pico de popularidad en los años anteriores, pero ya comenzaba a mostrar signos de declive. Sin embargo, The Marshall Tucker Band seguía siendo una fuerza respetada en el género. Este concierto llega poco después de una tragedia que sacudió a la comunidad del Southern Rock: el accidente aéreo que mató a varios miembros de Lynyrd Skynyrd en 1977. A pesar de esto, bandas como The Marshall Tucker Band mantuvieron viva la llama del género.

El año 1981 también marca una transición en la industria musical. La aparición de MTV y la creciente importancia de los videoclips transformarían la manera en que las bandas se promovían y conectaban con el público. Aún así, la música en vivo continuaba siendo una forma esencial de experimentar a estos grandes músicos, y este concierto en particular capturó a The Marshall Tucker Band en un momento de madurez musical, a la vez que mantenía su autenticidad y sonido característico.

Musicalmente, la actuación de "Fire on the Mountain" en este concierto muestra a una banda cohesionada, con un sólido dominio de su material. El uso de la flauta y la guitarra slide le dan un aire evocador y nostálgico, mientras que las armonías vocales y la instrumentación dan cuerpo a la atmósfera sureña. La interpretación en vivo tiene una energía que trasciende la grabación de estudio, con una mayor interacción entre los músicos y una ejecución más cruda y directa. Además, este concierto sirve como testimonio del legado duradero de la banda en el Southern Rock, un género que a menudo se asocia con el orgullo y las raíces del sur de los Estados Unidos.

En resumen, este concierto de 1981 encapsula la esencia de The Marshall Tucker Band en un momento clave de su carrera, con un sonido único que sigue resonando décadas después, manteniendo viva la chispa del Southern Rock

[atenaviturino]

Linha do tempo da música:

A linha do tempo da música é uma história rica e diversificada que se estende por milhares de anos. Aqui está um resumo das principais etapas e períodos da evolução da música:

Pré-história

Música Primitiva: Instrumentos rudimentares, como flautas feitas de osso e tambores, são utilizados em rituais e comunicação.

Antiguidade (c. 3000 a.C. - 500 d.C.)

Música na Mesopotâmia e Egito: Uso de liras, harpas e outros instrumentos; a música é ligada a rituais religiosos e festivais.

Grécia Antiga: Desenvolvimento da teoria musical, com filósofos como Pitágoras explorando a relação entre música e matemática.

Idade Média (c. 500 - 1400)

Canto Gregoriano: Música vocal monofônica que se torna predominante na liturgia cristã.

Notação Musical: Invenção da notação, que permite a escrita e a preservação da música.

Renascimento (c. 1400 - 1600)

Polifonia: Desenvolvimento da música com várias vozes, como nas obras de Josquin des Prez e Palestrina.

Instrumentos: Aumento do uso de instrumentos como o lauto e o virginal.

Barroco (c. 1600 - 1750)

Ópera: Surge o gênero da ópera, com compositores como Monteverdi e Vivaldi.

Conceito da Sonata: Desenvolvimento das formas musicais, incluindo a sonata e o concerto.

Classicismo (c. 1750 - 1820)

Compositores: Figuras como Haydn, Mozart e Beethoven trarão a música à sua forma clássica, com estruturas claras e harmonias equilibradas.

Romantismo (c. 1820 - 1900)

Expressão Emocional: A música se torna um meio de expressão pessoal, com compositores como Chopin, Wagner e Tchaikovsky.

Ampla Variedade de Estilos: Aumento na diversidade de estilos e formas musicais.

Século XX

Música Popular: Surge o jazz, o blues e, posteriormente, o rock, pop e hip-hop.

Experimentação: Novos gêneros e estilos, como a música eletrônica, minimalismo, e música atonal, se desenvolvem.

Globalização: A música de diferentes culturas começa a se misturar e influenciar umas às outras.

Século XXI

Streaming e Digitalização: A maneira como consumimos música muda drasticamente com plataformas digitais e redes sociais.

Diversidade Cultural: O acesso global à música permite uma maior mistura cultural e experimentação, com gêneros fusionando como nunca antes.

Essa linha do tempo proporciona uma visão geral da evolução da música, mostrando como ela se transformou ao longo dos séculos e continua a influenciar a cultura e a sociedade.

[agendaculturaldelima]

 #SinMusicaNoExisto

🎶 “LATIN JAZZ & JAZZ AFROPERUANO” 🌚😻

🎙️🎸 Morales Jazz Trío 💽💿

👩 Invitada: Yassmín Noél (flauta - España).

📌 CONCIERTO:

📆 Viernes 09 de Agosto

🕗 8:30pm.

🐈‍ El Gato Tulipán (Bajada de Baños 350 – Barranco)

🎫 Entrada: S/.30

📱 Reservas: + 51 954 745 682

[schoje]

Um show on-line e gratuito vai levar ao público a dança, o ritmo, o choro, o samba e a alegria típica dos bailes de gafieira nesta quinta-feira (25). A live “Bebê Kramer & Magnífica Gafieira” será transmitida pelo canal do YouTube da ARTERAMATV, a partir das 20h. O show foi contemplado com recursos financeiros da lei federal Aldir Blanc, após seleção aberta pela Fundação Cultural de Balneário Camboriú por meio de editais. Além do acordeonista Alessandro “Bebê” Kramer, responsável pela direção musical e arranjos da live, participam os músicos Rubens Azevedo (sax tenor e flauta), Evandro Hasse (trombone e trompete), Gabriel Vieira (violino), Josias Pimentel (guitarra e violão), Willian Goe (bateria) e Alexandre Vicenti (contrabaixo). O evento estava previsto para ser um baile presencial. No entanto, em razão das novas medidas de enfrentamento à Covid-19 decretadas pelo Governo do Estado, a programação será virtual. Parte da cultura popular, a gafieira surgiu no Brasil no início do século XX. O termo gafieira remete a bailes populares ou aos espaços onde eles ocorrem. Entre os ritmos mais consagrados nesses bailes, estão o choro, o samba, o samba de gafieira e até o foxtrot. SOBRE OS ARTISTAS Bebê Kramer é considerado um dos maiores acordeonistas do Brasil na atualidade e é um dos nomes mais significativos da nova geração de acordeonistas também no exterior. Como compositor, Bebê apresenta uma estética musical inovadora, sempre tendo como característica principal sua forte energia ao tocar. Rubão, como é conhecido Rubens Azevedo, é cidadão de Balneário Camboriú há mais de 35 anos, onde reside com a família no bairro das Nações. Começou tocando saxofone como autodidata na década de 1980. Tocou com grandes instrumentistas como Bocatto e muitos outros. Atualmente, participa da gravação de CDs de artistas locais e atua como músico contratado em estúdios de música. Evandro Hasse começou a tocar trombone aos nove anos na Banda Municipal de Balneário Camboriú. Outros instrumentos despertaram sua curiosidade e passaram a ser objeto de estudo ainda na juventude. Hoje, ele toca trombone de vara, trompete, saxofone, flauta transversa e percussão. Evandro é professor do Conservatório de Música Popular Cidade Itajaí. Acompanha os artistas Arnou de Melo, Daniel Montero, Giana Cervi, Rafaello de Góes, Ricardo Pauletti, Ricardo Capraro e faz parte dos grupos itajaienses Samburá, Siriguidum, Trio Americanto, Onda Jazz e Itajazz. Gabriel Vieira, multi-instrumentista, iniciou seus estudos em música aos cinco anos de idade. Autodidata, seu primeiro instrumento foi o violão. Aos sete anos de idade, ingressou na Escola de Música Villa Lobos – Casa da Cultura em Joinville. Aos nove anos, iniciou seus estudos ao violino, formando-se pela mesma escola aos 15 anos. Após se formar, começou seus estudos com o violinista italiano Danielle Girardello, em Jaraguá do Sul, e ingressou na Orquestra Filarmônica de Jaraguá do Sul. Nesse período, ainda atuava como contrabaixista elétrico de um grupo de jazz e música brasileira autoral, em Joinville, grupo Anagajanfá. Aos 17 anos, ingressou na Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC), onde se formou no curso de Bacharel em Violino. Josias Pimentel foi um frequentador assíduo de diversos festivais e cursos de música, nos quais teve contato direto em oficinas, master class e cursos com diversos renomados músicos, como Nelson Faria, Sandro Albert, Pascoal Meirelles, Thiago Espirito Santo. Willian Goe é licenciado em Música, Bacharel em Bateria e Percussão e Pós-graduado em Educação Musical pela Universidade do Vale do Itajaí (Univali). É professor na Associação Proarte de Itajaí, ministrando aulas de bateria, percussão, violão, rítmica e prática de conjunto. Atua no programa Arte nos Bairros como professor de bateria e percussão e desenvolve também trabalho de musicalização e rítmicas em projetos sociais de música e cidadania. Dividiu o palco com nomes da música brasileira, como Elza Soares, Sandro Haick, Mozart

Mello, Alegre Correa, Arismar do Espírito Santo, Renato Borghetti, Bruno Moritz, Bebê Krammer, entre outros. Alexandre Vicente é contrabaixista e atua na música brasileira popular, jazz, música instrumental brasileira e música latino-americana. É graduado em licenciatura em Música (2008) e mestre em musicologia / Etnomusicologia pela Universidade do Estado de Santa Catarina (2012). Foi coordenador dos cursos de Música da Universidade do Vale do Itajaí – Licenciatura e Bacharelado. Coordenou a pós-graduação em música, especializações em educação musical e em música popular. ___________________ Informações Adicionais: Fundação Cultural de Balneário Camboriú (47) 3267-7011 Diretoria de Comunicação Jornalista: Silvana de Castro, com informações do site www.arthousebc.com  Foto: Divulgação (47) 3267-7022 www.bc.sc.gov.br  www.facebook.com/prefeituradebc  www.instagram.com/prefeituradebc  www.twitter.com/prefeituradebc  www.flickr.com/photos/prefeiturabalneariocamboriu 

[radioeuroextasis]

Te Quiero a Ti

Marla Lewis, cantante y compositora nacida en Nueva Jersey, lanzará su primera canción original en español el 23 de mayo. Te Quiero a Ti cuenta con la suave voz de Marla, acompañada de flauta, piano, bajo acústico, guitarra eléctrica, batería y exuberantes coros.Anteriormente, Marla ha lanzado dos álbumes de smooth jazz aclamados por la crítica, SONGBOOK (2021) y SONGBOOK, VOL 2 (2023). El primer sencillo de SBV2, "Enchantée", ha alcanzado el #1 y #2 en las listas World Indie y Euro Indie, respectivamente. "Blue Horizon" y "Kill the Lights", sencillos de SONGBOOK, también se ubicaron en el Top Ten.Anteriormente, Marla enseñó durante 25 años en la escuela primaria y se sintió inspirada para escribir canciones educativas y divertidas para niños. Uno de ellos, "Leap of Faith", coescrito con Nancy Schimmel, apareció en un álbum infantil ganador del Grammy en 2011, titulado ALL ABOUT BULLIES... GRANDES Y PEQUEÑOS. Read the full article

[falangesdovento]

A musica sempre esteve na minha vida desde cedo, durante a minha caminhada tive muitos amigos e convivas músicos e sempre estive muito próximo desta arte encantada que ao meu conceito considero uma das mais belas e inspiradoras, tive várias influências musicais passando pelo rock, pelo pop, pelo jazz e pelo blues , referência do qual sempre me inspirou mais.. Mas também sou um grande apreciador da música Irlandeza, da músicalidade transcendental dos povos e da cultura Celta, das flautas, das harpas, dos alaúdes , dos violinos, dos velhos mantras hindús e dos tambores tribais... E embora não por muito tempo, na adolescência tive também minhas experiências como instrumentista pois sempre fui um apaixonado por instrumentos de corda. Compartilho aqui então com vocês estas imagens já bem antigas de violões que eu customizei para alguns amigos, como também a da minha velha guitarra strato.

Que esta tarde nos seja leve! Paz, luz e bem!

Lucas Lima

[operaportugues]

L’enfant et les sortilèges (Maurice Ravel) - Tóquio 04/outubro/2023

Ópera completa com legenda em português: vídeo; legenda.

Um bule de chá dançando o foxtrote com uma xícara chinesa, uma poltrona cortejando uma cadeira Luís XV, objetos e animais unindo forças contra uma criança travessa. Esse é o mundo de L'Enfant et les sortilèges, uma "fantaisie lyrique" de Ravel. Esta joia musical finamente orquestrada mostra o gosto do compositor por humor, poesia infantil e animais.

L'Enfant et les sortilèges é uma sucessão de quadros independentes que misturam uma infinidade de gêneros musicais, do jazz ao foxtrote, incluindo um ragtime, uma polca, uma valsa e, para concluir, uma peça coral. Foi uma oportunidade para Ravel demonstrar a amplitude de seu gênio orquestral, empregando toda a sua paleta e usando instrumentos incomuns para traduzir a onomatopeia abundante no libreto: ralador de queijo, chocalho manual, chicote, bloco de madeira, eoliphone e flauta de lótus. Mais próximo dos musicais atuais do que de uma ópera, L'Enfant et les sortilèges expressa a sensibilidade do compositor, bem como seu gosto pelo encantamento e a meticulosidade de sua orquestração.

- Introduction to Suor Angelica / L'Enfant et les Sortilèges - Sobre a ópera L’enfant et les sortilèges

Sinopse: Uma criança resmunga por causa da lição de casa e é castigada por sua mãe, alimentada com pão seco e chá sem açúcar. Com raiva, ela descarrega nos animais e objetos ao seu redor em um acesso de raiva, derrubando o bule e a xícara de porcelana da mesa, picando o esquilo na gaiola com a ponta da caneta, cutucando a lareira, rasgando seus livros e vandalizando o papel de parede. Para seu choque, seu quarto ganha vida e os objetos se revoltam contra ele: a poltrona e a bergère comemoram o fato de estarem livres dele; o relógio do avô lamenta seu pêndulo quebrado; o bule e a xícara de porcelana dançam um foxtrote; o fogo lambe e se lança em sua direção. Os pastores no papel de parede lamentam sua cena pastoral rasgada, uma princesa surge das páginas do livro de histórias mutilado e um velhinho - Aritmética - o aterroriza. Dois gatos aparecem e a criança os segue até o jardim. Já é noite.

O Menino fica feliz ao ouvir insetos e sapos e o pio de uma coruja, mas uma árvore geme, sangrando seiva do ferimento de faca que o menino infligiu mais cedo naquele dia. Os animais o evitam e, em seu desespero, ele chama por sua mãe ("Maman!"). Em um desejo de vingança, eles se jogam sobre o menino. Durante a briga, um esquilo é ferido. A criança faz um curativo em sua pata e desmaia. Ao testemunhar esse ato de bondade, os animais se comovem e o carregam de volta para a casa. Uma luz se acende e os animais se retiram enquanto a criança, estendendo os braços, chama "Maman!".

[elchurupitete]

LA MÚSICA COMO INICIO.

Hay que temerle a aquel que no canta, 

porque algo esconde. - Texto de Salvador Díaz Pineda (Sadíp)

En música, se conoce el término modo (del latín modus) como una disposición de los sonidos que forman una escala, o los intervalos contenidos en ella y el orden en que éstos aparecen y por lo tanto, se organiza una graduación determinada.

En la Grecia Clásica se nombraba armonik a la relación de sonidos simultáneos producido por un instrumento musical; de ahí proviene el término armonía. 

Cabe mencionar que las notas musicales en la antigüedad no se les nombraba como ahora las conocemos; lo que sí se puede precisar es que estas siete notas en conjunto hacen una escala o Modo, tan conocido y usado por los helenos.

La primera obra occidental que se conoce sobre la música, fue realizada por Aristógenes, su nombre; Elementos de Armonía, aquí el autor manifiesta que los griegos creían en el Gran Sistema Perfecto y lo componían tres géneros. La invención de los modos se le atribuye a Pitágoras a quien también se le considera el iniciador del estudio científico de la música: Diatónico, Cromático y Anarmónico; en el género Diatónico está incluida la voz humana utilizada para el canto, que a su vez se hace acompañar por los Modos. Fue de esta forma como la música a través de los tiempos se fue sofisticando e incluyendo técnicas más elaboradas y adoptando la regionalidad de los ritmos autóctonos, convirtiéndose pues en el distintivo representativo y cultural de las regiones que trastocaba.

Las conquistas de Alejandro El Grande provocaron la helenización del mundo antiguo, continuada por el Imperio Romano. Todo el mundo conquistado por ellos, adoptó la forma helénica de hacer música; a esto se debe que la música musulmana viene siendo muy similar a de los griegos, si acaso la trasgreden algunas variantes. Lo que nos indica que existía un común acuerdo acerca de los modos a emplear, tanto en escalas, como en ritmos. Recordemos que los árabes consideraban a Pitágoras como el Patriarca de la Música. 

El modo o escala pentáfona es la más elemental, por ser la más común que las culturas de la antigüedad utilizaron indistintamente, incluso la griega. En Mesoamérica se han hallado flautas y ocarinas basadas en sonidos pentáfonos, aunque con algunas sutilidades microtonales.

Cuando este continente fue invadido, y su posterior proliferación de esclavos africanos, los sonidos autóctonos sufrieron un cambio enriquecedor en sus ritmos, toda vez que estos jamás abandonaron sus costumbres ni sus compases, tanto la cultura como la música, lasmantuvieron ocultas y solo en reuniones privadas o alguna festividad afloraba, así que ese aislamiento permitió que paulatinamente se fueran mezclando los ritmos. La esclavización no fue impedimento para mantenerla vigente entre las nuevas generaciones, solo era cuestión de tiempo para que fueran inyectados con su energía y vitalidad a la música occidental, incluyendo las canciones ancestrales que festejaban alguna deidad o acontecimiento.

África siendo un torrente creador de ritmos, fue el aspecto musical la aportación más relevante, y con algunas variaciones en la música nativa, constituyéndose en el aporte importante en la cultura musical de lo que hoy es América. Como ejemplo diremos que, con esta miscelánea de elementos alguien tuvo la idea de hacer un cambio a las notas africanas y con un Sol sostenido cambió el ritmo y la tonada, agregándole la nostalgia y el dolor reprimido de la población negra; naciendo así para el mundo y la posteridad el BLUES.

La escala de Blues, es simplemente Blues; no se puede considerar ni mayor ni menor, ahí se reconoce la escala pentáfona que se utiliza en este ritmo, y en algunos tipos de Jazz y de Rock.

Con el transcurso del tiempo varios compositores acudieron a fuentes populares para la creación de su obra, que derivaron en diversas escuelas rítmicas nacionalistas.

El siglo XX fue quien vino a romper todos los conceptos y echar abajo las teorías establecidas por el antiguo orden. En la música se agotaron las posibilidades de la tonalidad y del cromatismo basado en el temperamento exacto de los sonidos, obligando a los músicos a investigar cómo acceder a niveles superiores dentro del espectro armónico y cubrir las necesidades del momento.

En esa centuria se terminaron todas las posibilidades de hacer nueva música respecto a la tonalidad; es decir, no es que no sea posible componer algo con un método novedoso, sino que es casi imposible ser “original” y no queda más remedio que alterar las escalas para darle otra forma y estética. Henry Cowell dice que “en el transcurso de la Historia el oído humano se ha ido transformando paralela y simultáneamente al desarrollo de la Música”.

En los albores del S XXI se utilizan los modos clásicos dentro de la música popular. El Jazz se ha implementado toda una escuela para hacer que los modos antiguos suenen modernos, o que sea común escuchar música tonal, pero en ningún caso se puede decir que es una expresión genuina de este tiempo. 

Está en un error quien asegure que la música moderna es mejor que la antigua, lo que ocurre es que el oído se ha acostumbrado a la verticalidad del diseño musical, éste es posible gracias a los adelantos electrónicos.

Fue así como uno de ellos, quien llego a proponer un revolucionario y novedoso sistema que abrió nuevos horizontes a los compositores, en el espectro sonoro: el mexicano Julián Carrillo, propone su Teoría del Sonido 13 que implica la división del tono en segmentos más pequeños que el semitono, es decir, en microtonos.

Todo esto nos lleva a la idea de que aún las mismas escalas pentáfonas,las que consideramos tan “primitivas” fueron en sí una innovación técnica, un enlace con la prehistoria de la Música, porque si la Música es, como se ha dicho muchas veces, intrínseca a la naturaleza humana, entonces el hombre siempre ha hecho música, aún en la penumbra de la noche de los tiempos, antes del mítico Orfeo, antes de toda técnica, bastó con recoger y armonizar a los sonidos de su entorno.

No podemos concebir que el hombre primitivo pudiera estructurar armónicamente la música; esto surgió por la intuición, con el transcurso de los tiempos y la observación de los fenómenos naturales. Llegando a la afirmación, que era un hecho inevitable ya que la naturaleza, el universo mismo según Pitágoras se rige por la música. En la observación e imitación de la naturaleza tal y como se nos presenta en la vida cotidiana. Debido que sus sonidos eran imitaciones de lo que escuchaba en su entorno natural. Entonces ¿La música violentó la forma fonética de comunicarse del hombre? Sin duda tuvieron que adoptar el método deductivo y así, paso a paso, golpe a golpe fueron forjando su inventiva que ha evidenciado el carácter tonal; con esta hipótesis me atrevo a afirmar que la música pudo existir antes que el lenguaje.

La tecnología digital nos provee de plataformas que permiten la recolección, manipulación y utilización de cualquier sonido existente, el “ruido” hace ya mucho que se ha incorporado a nuestros lenguajes musicales y las investigaciones sicológicas acerca del comportamiento del subconsciente están llevando a las artes en general a terrenos más humanos, más “naturales”, es decir, a la exploración de nosotros mismos. 

Todo indica que, debido a la Globalización, las aportaciones culturales posibles en el Mundo se van a ir integrando para formar otro tipo de concepto cultural, siguiendo su propio criterio y cultura, degradando para muchos, mejorando para otros, pero la música basada en los principios, ha de perdurar como la memoria humana lo permita.

En fin, lo que sí es evidente es que en este Siglo la Humanidad conocerá nuevas y novedosas maneras de concebir, realizar y disfrutar el Arte, y sólo el tiempo nos dirá como.

Salvador Díaz Pineda (Sadíp)

[juliustrumpet]

Fragmento de La bikina. ¡Mis mariachis!

Orgulloso de formar parte de esta EXTRAORDINARIA agrupación.

Orquesta Gran Soufflé. 2024

Toni Alós (batería), Roberto Llamas (bajo, voces), Julio Llamas (trompeta, voces, percusión), Paco Abarca (trombón, percusión), Mario Roldán (saxo alto), Fran Nicola (saxo tenor, voces), Carles Piles (teclados), Julia Perea (guitarra), Carmen Llopis (teclados, percusión), Didier Ferrando (voz, percusión y flauta), Concha Polo (voz), Mía Rizzo (voz), Eduardo de la Cruz (guitarra), Ricardo Llopis (teclados, guitarra, voz).

#gransoufflé #gransouffle #orquesta #Almussafes #almussafes #spain #Valencia #trumpet #trombone #saxo #live #directo #endirecto #drums #bass #piano #voice #guitar #poprock #blues #funky #jazz #musicamelodica #mariachi

[aydanmadelineblog]

La Evolución del Tango en el Siglo 20

Introducción

¡Hola lectores! En la última entrada, dije sobre qué es el tango, sus orígenes en Argentina cerca del año 1900, y cómo se convirtió en más popular en las décadas de 1900 y 1910. En esta entrada, exploraré la evolución del tango en el resto del siglo 20. La historia del tango en el siglo 20 es divido a tres eras: 1920-1930, La Época de Oro, y Tango nuevo. Hablaré sobre los cambios y las figuras notables.

1920-1930

Fue durante estas décadas que el tango se convirtió en mucho más popular. Durante los 1920s, más personas fuera de las casas bajas y marginalizadas empezaron a agradecer y respetar la música y la danza. Roberto Firpo y Francisco Canaro eran líderes de bandas en ese momento, y ellos y otros líderes pararon de usar la flauta y empezaron a usar el contrabajo. 

Empezando en Francia, el tango se difundió a Europa y a los Estados Unidos, en parte debido al bailarín Carlos Gardel, un hombre que representaba la danza del tango en las películas muy sensualmente. Él era uno de los artistas del tango más populares de todos los tiempos, y era instrumental en la transición del tango a una danza respetable. Junto con Pascual Contursi, un letrista, Gardel creó un género nuevo: la tango-canción. Hasta entonces, las letras no habían sido una gran parte del tango, y la mayor parte del tiempo no eran consideradas muy importantes. Pero, Contursi escribió historias intrincadas en sus letras, con emociones reales y sobre temas de la vida real como los amores perdidos, la nostalgia, y la traición. Desde ese momento, las letras del tango eran consideradas su propia forma de arte, distinta de la danza.

Abajo está una grabación de “Mi Noche Triste,” escrito por Contursi y cantado por Gardel en 1930, y puedes leer la transcripción español y la traducción inglés aquí. Esta canción era una de las primeras del genero tango-canción. Yo recomiendo que escuches, porque es espectáculo y son evidentes las emociones. También, la transcripción y la traducción ayuda a comprender las letras y el mensaje de la canción.

La Época de Oro

Generalmente, es acordado que La Época de Oro fue el periodo desde 1935 a 1952. Durante este periodo, el tango era ejecutado por orquestas típicas, que eran orquestas con más de 12 músicos que ejecutaban música popular. La música se convirtió en tan importante como la danza. Había muchos líderes de orquestas influyentes que definieron el periodo. Juan d’Arienzo era conocido como el “Rey del compás” por su estilo con un ritmo insistente, y Fransisco Canaro ejecutó milongas lentas con las que son facilísimas bailar. En su orquesta, Carlos di Sarli enfatizó los instrumentos de cuerdas y el piano arriba del bandoneón, y hay muchos otros figuras que tenían estilos únicos e impactos grandes.

En Europa las bandas adaptaron el tango más, usando instrumentos no tradicionales como el acordeón, el saxofón, el clarinete, el ukelele, la mandolina, y el órgano eléctrico. También, introdujeron el uso de letras no españolas. Había muchos líderes de bandas que adoptaron el tango, incluyendo Otto Dobrindt y Marek Weber, pero el tango europeo perdió su popularidad en los años 1950s y 1960s.

Tango Nuevo

El tango nuevo era una fusión del tango, el jazz, y la música clásica, y se originó con Astor Piazzolla. En 1959, él escribió la obra de música del tango más importante desde las de Carlos Gardel en 1935. Se llamaba “Adiós Nonino,” y Piazzolla la escribió después de aprender que su padre había muerto. Mezcló los géneros diferentes experimentalmente, y tenía muchos seguidores como Dino Saluzzi y Juan Jose Mosalini. 

Abaja son dos grabaciones. La primera es “Adiós Nonino,” y la segunda es “Libertango.” Piazzolla escribió “Libertango” por la guitarra eléctrica, el contrabajo, el violín, el violonchelo, y el acordeón, y fue lanzado en 1974. Yo tengo una conexión a la pieza porque la he tocado en mis propias orquestas dos veces, y cada tiempo me fascinaba. ¡Espero que a tí te guste tanto como a mí!

Conclusión

En conclusión, el tango ha cambiado mucho desde sus orígenes en Argentina. Todo el mundo lo conoce y ha contribuido sus propios estilos, creando muchos géneros y subgéneros. En general, las músicas del mundo me interesan, pero el tango es una de las más intrincadas y cautivadoras– ¡y también tiene una danza fascinante! Espero que mis entradas del blog te hayan enseñado sobre la historia del tango y su evolución por todo el siglo 20, y que escuches e investigue aun más por tu cuenta.

¡Gracias por leer!

– Madeline

Fuentes:

https://en.wikipedia.org/wiki/Tango_music#:~:text=It%20is%20traditionally%20played%20on,or%20may%20include%20a%20vocalist

https://www.oscarvandillen.com/el-tango-cancion/

https://tangodance.omeka.net/items/show/9

https://en.wikipedia.org/wiki/Histoire_du_Tango

[selektakoletiva]

8 DISCOS MAGISTRAIS DO MESTRE JOÃO DONATO (POST IN MEMORIAM)

Bem, como sabem o homi deixou este plano e foi pra Orum... ou deve ser Emoriô.

E em homenagem ao grande mago do jazz e do groove brasilis, lançaremos aqui 3 obras que as vezes podem ser pouco lembradas, mas tratando-se de João Donato, jamais dá pra se afimar que é algo ruim. Aliás, tocou em mais de 20 discos de artistas consagrados como Gil, Caetano, Aldir Blanc, Paulo César Pinheiro, Gal Costa, e a lista não acabaria tão cedo...

Donato, um pioneiro da bossa nova - termo no qual não gosta, já que a define como "apenas outra alcunha para Samba produzido pelos garotos da Zona Sul" - nos presenteou com melodias envolventes e harmonias cativantes que transcenderam gerações. Sua abordagem inovadora e singular trouxe uma nova dimensão à música, que poucos instrumentistas conseguiram. Apesar de atuar predominante como instrumentista, foi com canções com vocal que a carreira de João atingiu seu auge, após conselho informal de seu compadre e colega de profissão Agostinho dos Santos.

Com mais de 30 discos lançados , sua discografia é uma viagem pela diversidade de estilos pelo Brasil. Donato sempre se reinventou, presenteando-nos com álbuns marcantes que se tornaram trilhas sonoras das nossas vidas. E nesse quadro em específico, vamos focar nas parcerias, que também não são poucas.

Sempre ativo, João costumava colar com todo tipo de gente, desde a rataria do underground como Marcelo D2, até poetas como Haroldo Campos. Conseguiu furar a bolha entre o morro e o asfalto de forma classuda e sem forçar nada. Sua música é fluída. Em cada nota, em cada acorde, o multi-instrumentista nos transporta pra paisagens sonoras impregnadas de suingue, e de sua sensibilidade ímpar.

Hoje, completam exatos um mês da partida de João, talvez o acreano mais querido do Brasil. Orgulho do norte, e fruto da Amazônia. E total traquejo brasileño. Do lado das ruas, na praia, nos morros, no campo, nos palcos, em casa. João Donato detalhava sua vida e buscava influências em coisas do cotidiano. Seu virtuosismo ecoava e ecoa até hoje por cada avenida da história da música brasileira.

Mestre maior, que descanse em paz.

E por aqui fica nossa homenagem a esse ícone. Discos dele com parcerias que abrilhantaram ainda mais a luz que João emana, e que assim como seus parceiros, também há de alumiá nós tudin lá de cima!

Donato/Deodato - 1969/1973

Primeiro da lista, o álbum foi originalmente lançado 1969, pela RCA, sem precedentes pelo Brasil, até a reedição, que hoje completando 50 anos, assim como um dos grandes tesouros de João - o incrível "Quem é Quem", 1973. Muito tempo depois esquecido por muitos da crítica e mídia musical, nós viemos aqui reverenciar esta jóia. Dividindo os teclados, seu gênio e seu brilho com o também genial e brilhante Eumir Deodato, outro que hoje com 80 anos, continua em um ostracismo bizarro por terras brasilis, fazendo mais sucesso comercial e intelectual na gringa. Talvez por ter se mudado cedo, ou ter estourado com trabalhos feito entre a década de 70 e início de 80 com o grupo de Black Music Kool & The Gang, além de outras grandes produções e arranjos sem consentimento do público e mídia brasileira.

"Deodato/Donato" marca o início da fase mais progressiva de João, onde misturava cadências do samba com grooves afronorteamericanos como soul e funk, além de texturas psicodélicas com efeitos nos teclados. O álbum tem três composições do mestre Donato e mais quatro em parceria com Eumir. irreverente e diferente, o álbum que a época era considerado exquiste jazz, por sua textura experimental, décadas depois pode ser considerado, e é, um clássico do jazz underground e brasileiro. Não bastasse a presença e alma dos brasileiros Eumir e João - entre gringos, latinos e brasileiros - o elenco vem com máxima potência e estimada cadência, com Ray Barreto (congas), Airto Moreira (percussões e efeitos), Allan Schwartzberg (bateria), Romeo Penque (flauta e assovios), Bob Rose (guitarra), Mauricio Einhorn (gaita), e metais por Michael Gibson (trombone) e Randy Brecker (trompete).

"Deodato/Donato" foi todo arranjado por João e Deodato que também conduziu a big band. Incorporam o melhor do jazz, fazendo uma espécie de fusion samba, com notas longas, harmonias incríveis e alguns improvisos que aumentam a eloquência do álbum.

Com seis faixas, Deodato/Donato certamente é mais uma obra-prima injustiçada nas páginas da nossa música. O álbum foi produzido por George Kablin e gravado por ele próprio, distribuída pelo selo gringo Muse (EUA).

Emilio Santiago Encontra João Donato - 2003

Esse aqui sim é um tesouro. Fora do catálogo e do radar das grandes plataformas, "Emílio Santiago encontra João Donato", 6 parcerias inéditas com seu irmão Lysias Ênio, poeta de grande trato com as palavras, assim como os grandes nomes que também compõe a lista de letristas e parceiros de Donato; Joyce, Carmen Costa, Norman Gimbel, Abel Silva, Caetano e Gil - além de duas faixas assinadas pela escriba de Arnaldo Antunes, sendo uma delas em parceria com Marisa Monte.

O disco segue a síncope do piano de João passeando entre a bossa nova, o samba, o bolero, e criando uma atmosfera das mais agradáveis, ainda mais contando com a voz do saudoso Emílio Santiago, certamente uma das vozes mais bonitas que esse país já ouvin. Jazz Latino de alta qualidade, entre esboços de um samba ou outro, de vez em sempre, o sambolero come solto, carregada pela alta competência do bando de craques que os acompanham. São eles; Nos sopros temos o grande Bigorna (sax tenor e flauta), Bidinho e Jessé Sadoc (trompete), além de Ricardo Pontes (flauta e sax alto). Nas cordas, começando pelo baixão, temos Jamil Joanes e Jorge Helder. Na guitarra/violão, ninguém mais ninguém menos que Nelson Faria e Ricardo Silveira. No bloco rítmico, temos Jurim Moreira, Renato Massa e o lendário Robertinho Silva na batera, também tem Sidinho na percussão desenhando nos espaços. O disco foi totalmente arranjado pelo próprio João, com pitacos de Emílio, e produzido por Almir Chediak.

Parceria mais que antiga, os dois artistas vem de uma caminhada de muitos sambas e experimentações juntos. Desde sua estreia com o disco homônimo de 195, Emílio Santiago é acompanhado como pupilo de João, com muitos discos como esse, arranjado por João.

20 anos após seu lançamento, "Emílio Santiago encontra João Donato" continua uma jóia que costura a alma de quem ouve com seu jeito único de misturas estilos latinos, assim como a maestria de seu parceiro nas interpretações de cada canção. O álbum contém 16 faixas e foi lançado pela Lumiar Discos. Foi bem recebido pela crítica da época, onde saíram em turnê por parte do Brasil e emocionando muitos . Apesar de hoje apagado o holofote, o brilho desses dois eternos mestres sempre estará altamente lá em cima, na cadência cadente, alumiano o céu del'américa!

Síntese do Lance - 2021

Aqui é uma parceria antiga e prometida de tempos, mas que só foi se concretizar final de 2020, quando iniciaram a proposta do projeto Síntese do Lance, disco com o grandessíssimo Jards Macalé, o maldito poeta, o cara da caneta mais violenta e sentimental da tropicália ao mesmo tempo. No álbum "A Síntese do Lance", uma agradável surpresa neste ano tumultuado, João Donato e Jards Macalé se unem para trazer uma obra que reflete despojamento e modernidade. A capa, com os músicos idosos nus e escondidos por folhagens, simboliza o retorno ao início da vida. O álbum evoca a sonoridade da Bossa Nova dos anos 50 e 60, destacando a influência de Donato, precursor do movimento, e Macalé, seu fiel seguidor.

A música "Côco Táxi", única colaboração entre eles, é uma alegre melodia com toques caribenhos, lembrando composições anteriores. A canção título "A Síntese do Lance" traz um samba à moda de Donato, antecipando tendências eletrobossa. O álbum inclui outras parcerias musicais, oferecendo uma rica mistura de piano, metais e percussão, criando uma atmosfera relaxada e musicalmente rica.

Há muito esperado, celebrando não apenas a Bossa Nova, mas também suas figuras centrais, como João Gilberto, álbum é uma joia, uma adição valiosa às carreiras ilustres de Donato e Macalé, transmitindo talento e bom humor, e prestando homenagem aos clássicos da música brasileira.

No álbum "A Síntese do Lance", uma agradável surpresa neste ano tumultuado, João Donato e Jards Macalé se unem para trazer uma obra que reflete despojamento e modernidade. A capa, com os músicos idosos nus e escondidos por folhagens, simboliza o retorno ao início da vida. O álbum evoca a sonoridade da Bossa Nova dos anos 50 e 60, destacando a influência de Donato, precursor do movimento, e Macalé, seu fiel seguidor.

A música "Côco Táxi", única colaboração entre eles, é uma alegre melodia com toques caribenhos, lembrando composições anteriores. A canção título "A Síntese do Lance" traz um samba à moda de Donato, antecipando tendências eletrobossa. O álbum inclui outras parcerias musicais, oferecendo uma rica mistura de piano, metais e percussão, criando uma atmosfera relaxada e musicalmente rica.

As gravações foram prazerosas para os artistas, que finalmente realizaram um encontro há muito esperado, celebrando não apenas a Bossa Nova, mas também suas figuras centrais, como João Gilberto. O álbum é uma joia, uma adição valiosa às carreiras ilustres de Donato e Macalé, transmitindo talento e bom humor, e prestando homenagem aos clássicos da música brasileira.