#maurice durant

[mariocki]

Pathfinders to Mars (ABC, 1960 - 1961)

"You know, Henderson, the progress of true science depends not only on the cold, calculating types, but also on the adventurers and dreamers. There's a place for all of us under the sun."

"Yes... as long as we don't get too close to it."

[windowsmeisbest-jbp]

a bday gift for a certain someone (skel) check out @sentienttoastah 's and @cottonthebun 's counterpart art even though this one isn't even related ░░░█░░█░░█░░░ ░░░▓░░▓░░▓░░░ █░░▒▒▒▓▒▒▒░░█ ▓░░░░░▓░░░░░▓ ▒▒▒▒▓▓▓▓▓▒▒▒▒ ░░░░░░▓░░░░░░ ░░█▓▒▒▓▒▒▓█░░ ░░░░░▓░▓░░░░░ ░░░░▓░░░▓░░░░ ░░░░▓░░░▓░░░░ ░░░░░▓▓▓░░░░░

[schizografia]

Un giorno, durante un incontro a Gmünd, Milena domandò a Kafka se a Praga le fosse stato infedele. “Era una domanda possibile? - le scrive Kafka. - Ma io, non contento, resi la cosa ancora più impossibile. Dissi che, in effetti, ti ero stato fedele”. Nello stesso modo assurdo, Isotta potrebbe interrogare Tristano. E l’episodio dell’altra Isotta non è che un’allusione a questa fedeltà senza fede, nel regno della fascinazione dove gli esseri hanno la duplicità dell’immagine. Mondo del sogno privo di sonno, dove si va e si torna senza nulla stringere, che nello stesso tempo è l’abisso dove chi decide è la rapidità, come quando Tristano, con un balzo meraviglioso che manca alla storia di Don Giovanni, salta dal suo giaciglio al giaciglio inaccessibile di Isotta.

Maurice Blanchot

[classical-music-suites-bracket]

I am now no longer accepting submissions as I need time to set up the tournament to start on the 1st of December (first poll will be scheduled for midnight GMT that day). I will have a little more information about the tournament structure soon when I release the bracket. Thank you so much everyone for your submissions, the following 58 suites will be included:

Lincolnshire Posy (Percy Grainger)

First Suite in E-flat for Military Band (Gustav Holst)

Second Suite in F for Military Band (Gustav Holst)

The Planets (Gustav Holst)

The Firebird Suite (Igor Stravinsky)

English Folk Song Suite (Ralph Vaughan Williams)

Children’s Corner Suite (Claude Debussy)

Le tombeau de Couperin (Maurice Ravel)

Jazz Suite no. 2 (Dmitri Shostakovich)

Daphnis et Chloe Suite no. 2 (Maurice Ravel)

Peer Gynt Suite no. 1 (Edvard Grieg)

The Nutcracker Suite (Pyotr Ilyich Tchaikovsky)

The Carnival of the Animals (Camille Saint-Saens)

Cello Suite in G Major (Johann Sebastian Bach)

Lieutenant Kije Suite (Sergei Prokofiev)

Romeo and Juliet Suite No. 2 (Sergei Prokofiev)

Romeo and Juliet Suite No. 2 (Sergei Prokofiev)

Pictures at an Exhibition (Modest Mussorgsky orch. Maurice Ravel)

Capriccio Espagnol (Nikolai Rimsky-Korsakov)

Swan Lake Suite (Pyotr Ilyich Tchaikovsky)

Sleeping Beauty Suite (Pyotr Ilyich Tchaikovsky)

Giselle Ballet Suite (Adolphe Adams)

Masquerade Suite (Aram Khachaturian)

Orchestral Suite no. 3 in D (Johann Sebastian Bach)

Suites for Solo Viola, op.131d (Max Reger)

Dances Suite (Béla Bartók)

L’Arlésienne Suite no. 2 (Georges Bizet)

Appalachian Spring (Aaron Copland)

Der Rosenklavier Suite (Richard Strauss)

Suite Española no. 1 op. 47 (arr. for guitar) (Isaac Albéniz)

Carmen Suite no. 2 (Georges Bizet)

Papillons Suite (Robert Schumann)

Mother Goose Suite (Maurice Ravel)

Holberg Suite (Edvard Grieg)

Scheherezade (Nikolai Rimsky-Korsakov)

Má Vlast (Bedřich Smetana)

Magnificant in Bb Major (Francesco Durante)

Suite for Recorder and Strings (Gordon Jacob)

Symphonic Dances (Sergei Rachmaninoff)

Suite in Old Style (Nikolai Kapustin)

Livre de Guitarre dédie au roy, Suite no. 3 in D Minor (Robert de Viseé)

American Suite (Antonín Dvořák)

Caucasian Sketches Suite no. 1 (Mikhail Ippolitov-Ivanov)

Petrushka Suite (Igor Stravinsky)

Peter and the Wolf (Sergei Prokofiev)

A Time There Was… (Benjamin Britten)

Suite from Incidental Music from the Film “The Golden Mountains” (Dmitri Shostakovich)

Suite from Hamlet (Dmitri Shostakovich)

Violin Partita no. 2 (Johann Sebastian Bach)

Violin Partita no. 3 (Johann Sebastian Bach)

Keyboard Partita no. 2 (Johann Sebastian Bach)

Keyboard Partita no. 6 (Johann Sebastian Bach)

Dances in the Canebrakes (Florence Price)

Mountain Roads (David Maslanka)

A Moorside Suite (Gustav Holst)

Lemminkäinen Suite (Jean Sibelius)

Danish Folk Music Suite (Percy Grainger)

St Paul’s Suite (Gustav Holst)

This number does mean that some suites will have a bye in the first round, however the draw (including byes) will be drawn randomly to make it fair.

[azulblue9]

EWF and Prince "Superhero"

Super Hero es la duodécima pista del primer y único álbum de Reprise Records, Millennium, de Earth, Wind & Fire , y fue escrita por 💜PRINCE💜 (quien también contribuyó musicalmente a la versión lanzada). También se incluyó una versión extendida en un lanzamiento japonés de su sencillo Blood Brothers .

Una versión de New Power Generation (con la voz principal de The Steeles ) fue lanzada al año siguiente en la banda sonora de la película Blankman y fue lanzada como sencillo el mismo día del lanzamiento del álbum.

Aunque se desconocen las fechas de grabación específicas, las pistas básicas se grabaron en septiembre de 1992 en Paisley Park Studios en Chanhassen, Minnesota (durante el mismo conjunto de sesiones que produjeron Down , Holly Don't Care , The P , The Halls Of Desire , París 1798430 , Uncle Sam , Hit U In The Socket , Extraordinary y un remake de Shhh ).

Earth, Wind & Fire se agregaron a la grabación, y a Maurice White se le atribuye el mérito de producir su versión, pero a 💜PRINCE💜 se le atribuyen los arreglos vocales, los coros, los teclados y la programación de la batería, presumiblemente todos conservados de la propia versión de 💜PRINCE💜 .

La versión de New Power Generation con The Steeles (con Fred Steele como cantante principal) se grabó en vivo en mayo-junio de 1994 en Paisley Park Studios .

Se grabó una segunda versión de New Power Generation (sin The Steeles ) (muy probablemente aproximadamente al mismo tiempo) y se incluyó en una configuración de Exodus de diciembre de 1994 (que dio paso a una versión no acreditada de Outa-Space de Billy Preston ). El álbum pasó por una revisión importante antes de su lanzamiento y esta pista fue eliminada del álbum.

La versión de 💜PRINCE💜 (guía vocal) de Super Hero fue una de las pistas de Vault grabadas entre 1990 y 1992 programadas para aparecer en el planificado Diamonds & Love que se espera sea lanzado por The Prince Estate en el verano de 2022. Ese proyecto, que consistía del material que abarca tanto las épocas como Diamonds And Pearls O(+> , se redujo a la era Diamonds And Pearls , excluyendo las canciones grabadas después de octubre de 1991 (y esta pista como resultado).

PRINCE is MUSIC ✨💜⚜💜✨

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #278 - Charles Mingus, Mingus Ah Um, 1959

Le storie di giugno nascono dalla lettura di uno dei libri più belli sulla musica scritto da un non esperto musicale, Natura Morta Con Custodia Di Sax, che Geoff Dyer, sublime scrittore britannico, dedica a storie di jazz. In questo bellissimo saggio, che pesca da fonti storiche, un po’ inventa, un po’ sogna, Dyer scrive storie di alcuni tra i più grandi interpreti di questa musica particolare, creativa, magmatica, pilastro della cultura mondiale da cent’anni. Per mia indiretta colpa, in tutte queste storie di musica non mi era mai capitato di raccontare del personaggio che ho scelto, e uno dei protagonisti del libro, per un mese monografico anche piuttosto particolare: Charles Mingus. Contrabbassista, genio e sregolatezza, uno dei musicisti più importanti del jazz. Arrabbiato, per via di una infanzia passata a cercare di combattere quel sentirsi minoranza di una minoranza (pur essendo di famiglia piccolo borghese, soffriva terribilmente le sue origini meticce, tra genitori con discendenze afroamericane, asiatiche e nativo americane), nato In Arizona nel ’22 ma cresciuto poco prima della Seconda Guerra Mondiale nel tristemente famoso sobborgo di Watts a Los Angeles. Mingus si avvicina da giovanissimo al violoncello, ma poi si appassiona al contrabbasso, che studia con i migliori insegnanti, tra cui Herman Reischagen, primo contrabbasso dell’Orchestra Filarmonica di New York. Nel 1947 entra nell'Orchestra di Lionel Hampton, è già leader di propri gruppi e ha già fatto i primi tentativi di composizione. Mingus si approccia alla musica grazie ai canti gospel delle congregazioni religiose che frequentava regolarmente a Watts e a Los Angeles, realtà con cui venne a contatto durante gli anni dell'infanzia. Ascolta il blues e il jazz ma ha una varietà di conoscenze e di curiosità che compariranno qua e là nel corso della sua leggendaria carriera musicale: si dice ascoltasse Bach ogni giorno, studia Richard Strauss e Arnold Schönberg, non nasconde una passione per Claude Debussy e Maurice Ravel. Suona con il Mito Charlie Parker, ma il suo idolo è la big band di Sir Duke Ellington. E nel 1953 ha l’occasione della vita: viene chiamato da Ellington a suonare con lui. Leggenda vuole che Juan Tizol, portoricano, bianco, trombonista, che in quel momento scrive dei pezzi per l’Orchestra, gli scrive un assolo da suonare con l’archetto. Lui lo traspone di un’ottava per renderlo cantabile, e lo esegue come se lo strumento fosse un violoncello. Tizol lo apostrofa dicendogli che «come tutti i neri della band non sai leggere bene la musica»; Mingus, che è un gigante di mole (tra i suoi demoni, un’ingordigia da romanzo) lo prende a calci nel sedere. Tizol, sempre secondo la leggenda, nella custodia del trombone aveva un coltello, che prontamente afferra per scagliarsi contro Mingus mentre Duke dà l’attacco del brano. Questi, agilmente nonostante la sua mole, con il contrabbasso preso in braccio, salta e scivola sul pianoforte, correndo e dileguandosi fra le quinte. Rientra in un lampo sul palco con in mano una scure da pompiere e sfascia la sedia dell’esterrefatto Tizol. Ellington, che si dice non licenziò mai un suo musicista, lo “spinse” a dimettersi, e nella sua autobiografia (dal titolo già profetico, Beneath The Underdog, tradotta in italiano con il titolo magnifico di Peggio Di Un Bastardo) Mingus racconta: “Duke mi disse <<Se avessi saputo che scatenavi un simile putiferio avrei scritto un’introduzione>>, gli risposi che aveva perfettamente ragione”. Il suo era uno stile libero, che in pratica rimarrà unico. Esempio perfetto è il noto Pithecanthropus Erectus (1956), primo grande disco da solista, che dà un’idea generale della sua musica: bruschi cambi di atmosfera, di tempo e ritmo, un tocco “espressionista” che, di fatto, lo rendono quasi precursore del free jazz, considerazione tra l’altro che lo faceva andare su tutte le furie. Mingus si appassiona alla musica di New Orleans, seguendo l’idea di big band di Ellington, e da questo punto in poi viene fuori tutta la sua incontenibile vitalità, spesso oltremodo eccessiva e davvero fuori le righe: altro caso leggendario fu la “maratona” intrapresa con il fido Dannie Richmond, il suo batterista per quasi tutta la carriera, a chi consumava più amplessi e tequila nei bordelli di Tijuana; da questa esperienza nacque quel capolavoro assoluto che è Tijuana Moods, registrato nel 1957 ma uscito solo nel 1962. Miles Davis disse di lui: “Era sicuramente pazzo, ma è stato uno dei più grandi contrabbassisti che abbia mai sentito. Mingus suonava qualcosa di diverso, era diverso da tutti gli altri, era genio puro”. La prova è il disco di oggi, uno dei capolavori assoluti del jazz, che esce nel 1959, il suo primo per la Columbia. Il titolo Mingus Ah Um è una parodia di una declinazione latina (gli aggettivi latini della I classe sono solitamente ordinati enunciando prima il nominativo maschile singolare che finisce con "us", poi il femminile "a" e infine il neutro "um"). In copertina un dipinto di S. Neil Fujita, che già aveva creato un disegno per un altro disco leggendario, Take Five di Dave Brubeck. Il disco è una sorta di enciclopedia del jazz, sia per la varietà dei brani proposti, sia per il futuro successo di alcuni, diventati standard tra i più famosi di tutti i tempi. Better Git It In Your Soul è un omaggio alla musica ritmica dei gospel e dei sermoni di chiesa, pezzo già leggendario, che fa da apripista al primo immenso capolavoro. Goodbye Porky Pie Hat è un omaggio al Pres, Lester Young, immenso sassofonista, scomparso poche settimana prima che l’album venisse registrato (per la cronaca in due leggendarie sessioni di registrazioni agli studi Columbia, il 5 e il 12 Maggio, sotto le cure mitiche di Teo Macero, il grande produttore di Miles Davis). Il porky pie hat è un cappello che ricorda nella forma il famoso pasticcio di carne inglese, e per dare un’idea di come è quello che indossa sempre Buster Keaton nei suoi film, ma era anche un cappello dal valore simbolico interraziale per i musicisti jazz, e Young lo teneva sempre in testa durante le esibizioni: il brano è divenuto uno standard da migliaia di interpretazioni, uno dei brani più famosi della storia del jazz. Self-Portrait In Three Colors era stata originariamente scritta per il film Ombre, opera prima di John Cassavetes, ma la canzone non appare né nel film né nel disco colonna sonora. Open Letter To Duke è un chiaro omaggio alla figura di Duke Ellington, composto riunendo insieme alcuni pezzi da tre precedenti brani di Mingus (Nouroog, Duke's Choice e Slippers). Jelly Roll è un riferimento al pianista pioniere del jazz Jelly Roll Morton, che si autoproclamò l’inventore del jazz nella prima decade del 1900; Bird Calls passò in un primo momento per un omaggio alla leggenda del bebop Charlie "Bird" Parker, con cui Mingus suonò molte volte, ma fu lo stesso Mingus a chiarire: «Non era stata intesa per suonare come qualcosa di Charlie Parker. Doveva piuttosto assomigliare al cinguettio degli uccelli - almeno la prima parte». Completano il capolavoro Pussy Cat Dues, Boogie Stop Shuffle dal ritmo irresistibile ma soprattutto Fables Of Faubus, primo dei grandi brani politici di Mingus: fu “dedicato” al governatore (democratico!) dell’Arkansas, Orval Eugene Faubus, convinto segregazionista, che nel 1957 tentò di impedire l'ingresso a scuola di nove ragazzi neri in un liceo di Little Rock, in deroga ad una decisione della Corte suprema che aveva reso illegale la segregazione nelle scuole. L'episodio ebbe un punto di svolta quando il presidente Dwight Eisenhower federalizzò la Guarda nazionale dell'Arkansas e permise agli studenti di colore di entrare nell'istituto sotto scorta. Faubus decise allora di chiudere tutte le scuole superiori di Little Rock fino al 1958. Mingus scrisse anche un testo, molto sarcastico, sul Governatore, e si dice che la Columbia lo censurò. In realtà però il testo fu aggiunto dopo da Mingus, quando il brano era stato già registrato, ma non si perse d’animo e lo pubblicò cantato nel suo disco del 1960 Charles Mingus Presents Charles Mingus, con il titolo di Original Faubus Fables. Il disco è uno dei capisaldi del jazz, uno dei cinquanta dischi selezionati dalla Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti per essere inclusi nel National Recording Registry in conservazione per i posteri e la prestigiosa Penguin Guide, la bibbia della critica jazz, lo inserì nella Core Section con il loghino della corona, la massima valutazione per un disco. Con Mingus suonano il fido Richmond alla batteria, John Handy, Booker Ervin e Shafi Hadi ai sax (alto e tenore), Willie Dennis al trombone, Horace Parlan al piano (che suona pure Mingus) e Jimmy Knepper, leggendario trombonista, personaggio da cui si partirà per la seconda tappa di questo mese Mingusiano.

Che vi dico già verrà pubblicata Martedi 13 Giugno.

[sobreiromecanico]

Lupin III: O Castelo de Cagliostro: Miyazaki antes de Miyazaki

De certa forma, Lupin III: O Castelo de Cagliostro, a primeira longa-metragem de animação realizada por Hayao Miyazaki (em 1979, uns bons anos antes dos Estúdios Ghibli) é uma espécie de Miyazaki antes de Miyazaki: antes de ser o mais consagrado realizador de animação do mundo (algo que me parece indiscutível) e de fazer filmes absolutamente originais, como Nausicaä do Vale do Vento, O Meu Vizinho Totoro, A Princesa Mononoke, A Viagem de Chihiro ou o tão recente O Rapaz e a Garça, trabalhou noutros projectos (colaborou com o amigo de longa data Isao Takahata em Ana dos Cabelos Ruivos, uma série animada da qual a minha geração ainda se lembrará) e com personagens que não eram originalmente suas, como este Lupin III: uma criação curiosa da banda desenhada japonesa dos anos 60, depois transformada numa franchise multimédia com filmes, séries e até videojogos. O protagonista é o neto do icónico ladrão Arsène Lupin, criação célebre do autor francês Maurice Leblanc. O Castelo de Cagliostro é precisamente o segundo filme de animação de uma longa série de filmes animados produzidos desde 1978 até aos dias de hoje - o mais recente, Lupin III: The First, data de 2019.

É possível encontrar neste filme algumas ideias e alguns conceitos que Miyazaki viria a explorar ao longo da sua riquíssima carreira (não podiam faltar máquinas voadoras, por exemplo), mas na prática podemos dizer que este filme será talvez mais um ensaio - um belíssimo ensaio, é certo, mas ainda assim algo preliminar, quando constatamos o tremendo salto qualitativo que a trama, a destreza e a força narrativas, e a animação do realizador japonês dão no intervalo de cinco anos que vai deste Lupin III ao impressionante Nausicaä do Vale do Vento. O que, atenção, em nada diminui este filme: Lupin III: O Castelo de Cagliostro é um excelente filme que não acusa a idade (excepto talvez na quantidade de cigarros que Lupin e o seu parceiro, Jigen, fumam durante todo o filme), pois o tipo de história que conta é tão invulgar que se torna refrescante vê-lo hoje: a aventura mirabolante, o castelo cheio de armadilhas impossíveis, as reviravoltas vertiginosas, tudo isto leva-me para os desenhos animados da minha infância, para as histórias que rabiscava em cadernos aleatórios, algures a meio entre o desenho e a escrita, cheias de labirintos e alçapões e passagens secretas, e veículos com motores impossíveis. E é claro que a animação de Miyazaki já brilhava - a perseguição inicial nas estradas de montanha a caminho do reino de Cagliostro é uma delícia de ver, assim como todas as encrencas em que Lupin se mete, e das quais se safa com destreza, malandrice, e um pouco de sorte.

Não sei bem quem decidiu remasterizar Lupin III: O Castelo de Cagliostro e colocar o filme em exibição em salas de cinema de todo o país (ainda está em exibição, é aproveitar), mas a iniciativa merece aplauso. E já agora: não querem repor toda a filmografia do mestre?

[estebanlopezgonzalezcom]

Durante un festival chino, el oficial de policía Maurice Cullinane intenta convencer al pequeño Allen Weaver para que no cruce la calle durante la explosión de los fuegos artificiales. El fotógrafo era William C. Beall que trabajaba entonces para el Washington Daily News. Llamó a esa foto "Fe y confianza". Fue Premio Pulitzer de 1958.

"Dios se opone a los orgullosos, pero trata con bondad a los humildes".

- Santiago 4:6, DHH.

https://estebanlopezgonzalez.com/2014/08/28/angelo-giuseppe-roncalli/

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

LEROY JENKINS, VIOLONISTE DE FREE JAZZ

‘’Our music was a result of Ornette Coleman and Cecil Taylor. And we prided ourselves on taking it further, because we studied Cage, and Xenakis, and Schoenberg, and all those guys. They were the ones who broke away from the old way in classical music, so we had to study them to see how we could break away."

- Leroy Jenkins

Né le 11 mars 1932 à Chicago, en Illinois, Leroy Jenkins était issu d’une famille pauvre. Jenkins avait passé son enfance dans un appartement de trois chambres du South Side avec sa mère, sa soeur, deux tantes, et à l’occasion, un chambreur. Jenkins, qui avait été mis en contact avec la musique dès son plus jeune âge, avait raconté plus tard avoir écouté Charlie Parker, Dizzy Gillespie et des chanteurs comme Billy Eckstine et Louis Jordan durant sa jeunesse.

Jenkins était âgé de sept ans lorsqu’une de ses tantes avait apporté à la maison un ami de coeur qui jouait du violon. Après avoir entendu le petit ami de sa tante jouer une danse hongroise plutôt difficile à exécuter, Jenkins avait demandé à sa mère de lui acheter un violon. Jenkins s’était finalement retrouvé avec une violon miniature de couleur rouge de marque Montgomery Ward d’une valeur de vingt-cinq dollars. Après avoir commencé à prendre des leçons, Jenkins s’était produit dès l’âge de dix ans à la St. Luke's Church, une des plus grandes églises baptistes de la ville, où il avait été accompagné au piano par Ruth Jones, la future Dinah Washington. Jenkins s’était éventuellement joint à la chorale et à l’orchestre de la Ebenezer Baptist Church, qui était dirigé par le Dr. O. W. Frederick, qui l’avait initié à la musique de compositeurs de couleur comme William Grant Still et Will Marion Cook. Multi-instrumentiste, Jenkins avait également appris à jouer de la clarinette, du saxophone alto, du basson et de la viole durant son enfance.

À l’adolescence, Jenkins avait étudié au légendaire DuSable High School, où il avait troqué le violon pour la clarinette et le saxophone alto, car l’école n’avait pas d’orchestre, ce qui limitait ses possibilités de jouer du violon. Au DuSable High School, Jenkins avait étudié sous la direction du célèbre ‘’capitaine’’ Walter Dyett, jouant notamment du basson et de la clarinette avec le groupe de concert de l’école.

Après avoir obtenu son diplôme, Jenkins avait décroché une bourne pour étudier à l’Université Florida A&M, où il avait décroché un baccalauréat en composition et en violon classique. Jenkins avait également fréquenté la Florida Agricultural and Mechanical University à Tallahassee, en Floride, où il avait étudié le basson. Parallèlement à ses études, Jenkins avait également obtenu un revenu d’appoint en jouant du saxophone dans les clubs locaux.

Après avoir décroché un diplôme en éducation en 1961, Jenkins s’était installé à Mobile, en Alabama, où il avait enseigné la musique (et plus particulièrement les instruments à cordes) dans un high school durant quatre ans.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Au milieu des années 1960, Jenkins était rentré à Chicago où il avait obtenu un emploi dans le système d’éducation public. Peu après, Jenkins avait assisté à un événement de l’Association for the Advancement of the Contemporary Musicians (AACM) mettant en vedette la musique du saxophoniste Roscoe Mitchell. Participaient également au concert Maurice McIntyre, Charles Clark, Malachi Favors, Alvin Fielder et Thurman Barker. Jenkins s’était rappelé plus tard avoir été à la fois confus et excité à l’idée de participer à une improvisation collective avec son violon. Jenkins avait alors commencé à participer à des répétitions dirigées par Muhal Richard Abrams. Il expliquait:  "it was something different, something where I could really be violinistic... I discovered that I would be able to play more of my instrument and I wouldn't have to worry about the cliches... I found out that I could really soar, I found out how I could really play." Jenkins avait continuer de répéter et de se produire avec le groupe durant quatre ans.

Jenkins avait fait ses débuts sur disque sur l’album d’Abrams ‘’Levels and Degrees of Light’’ en 1967. À la même époque, Jenkins avait commencé à jouer en trio avec les membres de l’AACM Anthony Braxton et Leo Smith, avec qui il avait enregistré l’album ‘’3 Compositions of New Jazz’’ en 1968. Abrams avait également participé à l’enregistrement. L’année suivante, le trio de Jenkins s’était installé à Paris et avait commencé à jouer avec le batteur Steve McCall avec qui il avait formé un groupe appelé Creative Construction Company. À l’époque, McCall était déjà établi en Europe depuis quelques années.

Durant son séjour à Paris, Jenkins s’était produit avec une vaste gamme de musiciens, dont Archie Shepp, Philly Joe Jones, Alan Silva (avec qui il avait enregistré l’album ‘’Luna Surface’’) et Ornette Coleman. À un certain moment, Coleman avait organisé un concert conjoint avec la Creative Construction Company, l’Art Ensemble of Chicago de Roscoe Mitchell et son propre groupe. À la même époque, Jenkins avait également collaboré à un album de Braxton intitulé ‘’B-Xo/N-0-1-47a’’ sur étiquette BYG Actuel.

En 1970, Jenkins avait quitté Paris et était retourné à New York où il avait fondé le Revolutionary Ensemble. Le groupe, qui avait enregistré un total de sept albums, avait également fait des tournées en Amérique du Nord et en Europe.

Jenkins avait expliqué plus tard qu’il avait quitté Paris parce qu’il se sentait mal à l’aise avec le fait qu’il ne parlait pas français. À son arrivée à New York, Jenkins avait repris contact avec Coleman. Il avait même vécu durant quelques mois dans le loft du saxophoniste appelé Artists House. Jenkins précisait: "We stayed downstairs... It was cold down there, where we slept. Ornette gave us a mattress but he didn't realize how cold it was." Devenu le mentor de Jenkins, Coleman l’avait présenté à plusieurs musiciens qui fréquentaient son loft (les lofts étaient d’importants lieux d’improvisation particulièrement actifs à New York à l’époque). Outre Coleman, Jenkins avait également été très influencé par John Coltrane et Charlie Parker.

Parallèlement, Jenkins avait continué de répéter et de jouer avec la Creative Construction Company, ce qui avait donné lieu à la présentation d’un concert à la "Peace Church" de Greenwich Village le 19 mai 1970. Le concert, qui mettait également en vedette Abrams et le contrebassiste Richard Davis, avait été enregistré par Coleman avant d’être publié en deux volumes par les disques Muse. Chacun des deux albums comprenait une composition de Jenkins.

À la suite du concert, Braxton s’était joint au groupe de free jazz de Chick Corea, Circle. En 1971, Jenkins avait fondé le Revolutionary Ensemble avec le contrebassiste et tromboniste Sirone (pseudonyme de Norris Jones) et le percussionniste et pianiste Jerome Cooper. Le groupe avait poursuivi ses activités durant six ans. Parmi les albums du groupe, on remarquait le disque éponyme Revolutionary Ensemble, également connu sous le titre de ‘’Vietnam’’ (mars 1972), qui comprenait une longue jam session de 47 minutes qui visait à démontrer toute l’horreur de la guerre. Le groupe avait enchaîné en décembre de la même année avec ‘’Manhattan Cycles’’ avant de récidiver trois ans plus tard avec ‘’The Psyche’’ qui comprenait une composition de chacun des membres du groupe. Également publié en décembre 1975, l’album ‘’Ponderous Planets on The People's Republic’’ avait expérimenté avec différentes textures. Si Jenkins jouait à la fois de violon, de la viole, du piano et de la flûte sur l’album, Sirone avait alterné entre la contrebasse, les percussions et le trombone tandis que Jerome Cooper avait utilisé plusieurs techniques de percussion. L’album ‘’Ponderous Planets on The People's Republic’’ est aujourd’hui considéré comme un classique.

À la même époque, sous l’influence du Jazz Composers' Orchestra de Carla Bley et Michael Mantler, Jenkins avait assemblé une formation tout-étoile composée d’Anthony Braxton, de Kalaparusha Maurice McIntyre, de Dewey Redman, de Leo Smith, de Joseph Bowie (le frère du trompettiste de l’Art Ensemble of Chicago, Lester Bowie) de David Holland, de Jerome Cooper, de Charles Shaw et de Sirone dans le cadre de l’enregistrement de l’album ‘’For Players Only’’ (janvier 1975).

Après la dissolution du groupe Revolutionary Ensemble en 1977, Jenkins avait fait une tournée aux États-Unis et en Europe. En 1979, Jenkins avait formé le Mixed Quintet, un groupe composé de Jenkins au violon et à la viole, de Marty Ehrlich à la clarinette basse, de J. D. Parran à la clarinette, de James Newton à la flûte et de John Clark au cor français.  

En janvier 1975, Jenkins avait publié ‘’Swift Are the Winds of Life’’ un album en duo avec l’ancien batteur et percussionniste de John Coltrane, Rashied Ali. 

Au début et au milieu des années 1970, Jenkins avait également joué et enregistré avec des musiciens aussi diversifiés qu’Alice Coltrane, Cecil Taylor (1970), Anthony Braxton (1969-72), Don Cherry, Carla Bley, Albert Ayler, Grachan Moncur III, Rahsaan Roland Kirk, Paul Motian, Cal Massey, Dewey Redman et Archie Shepp.

À la fin des années 1970, Jenkins avait joué et enregistré avec le pianiste et compositeur Anthony Davis et le batteur Andrew Cyrille. Au début de la décennie suivante, Jenkins avait formé le groupe de fusion Sting, une formation largement influencée par le blues qui comprenait deux violonistes (Jenkins et Terry Jenoure), deux guitaristes (Brandon Ross à la guitare électrique et James Emery à la guitare acoustique amplifiée), un bassiste électrique (Alonzo Gardner) et un batteur (Kamal Sabir). Un des meilleurs albums du groupe était ‘’Urban Blues’’ (janvier 1984), un disque qui offrait un mélange plutôt inusité de funk, d’avant-garde, de pop, de gospel, de rhythm & blues et de hip-hop.

En 1981, Jenkins avait publié l’album double ‘’Beneath Detroit’’ avec le New Chamber Jazz Quintet. L’album mettait en vedette Spencer Barefield à la guitare classique douze cordes et à la harpe africaine, Faruq Bey au saxophone ténor, Anthony Holland aux saxophones alto et soprano, Jaribu Shahid à la contrebasse et Tani Tabbal à la batterie, aux percussions et au balafon.

À la même époque, en plus de s’être classé en bonne position dans les sondages des lecteurs et des critiques de Down Beat et de Jazz Magazine, Jenkins avait décroché plusieurs bourses et commandes du  New York State Council on the Arts, de la New York Foundation for the Arts, de la Fondation Rockefeller, de Meet the Composer, de Mutable Music et du National Endowment for the Arts (1973, 1974, 1978, 1983 et 1986). Durant cette période, Jenkins avait aussi reçu de commandes d’organismes prestigieux comme le Kronos Quartet, le Brooklyn Philharmonic, le New Music Consort, le Pittsburgh New Music Ensemble, du Lincoln Center Out of Doors, de l’Albany Symphony et du Cleveland Chamber Symphony Orchestra.

DERNIÈRES ANNÉES

Les années 1980 et 1990 avaient été plutôt difficiles pour Jenkins, qui avait commencé à avoir des difficultés à se trouver des contrats pour la première fois de sa carrière. Comme Jenkins l’avait expliqué au cours d’une entrevue accordée au magazine Village Voice, le milieu du jazz était devenu beaucoup plus conservateur, ce qui avait laissé beaucoup moins de place pour le jazz d’avant-garde. Il précisait:

"Wynton Marsalis was in, and people started talking about going back to classic jazz. We couldn't play in clubs. As soon as we'd walk in, the jazz guys, the beboppers, would walk out. We'd come in and make a big sound, and they didn't go for it. They'd say, 'Oh, the noisemakers.' They wanted chord changes. Our music was a result of Ornette Coleman and Cecil Taylor. And we prided ourselves on taking it further, because we studied Cage, and Xenakis, and Schoenberg, and all those guys. They were the ones who broke away from the old way in classical music, so we had to study them to see how we could break away."

À la fin des années 1980, Jenkins avait quand même réussi à enregistrer et à participer à des tournées avec le quintet de Cecil Taylor, même si les choses n’étaient décidément plus ce qu’elles étaient.

Même s’il n’avait presque plus enregistré au milieu des années 1980 et au début des années 1990 et qu’il avait presque abandonné le jazz pour se consacrer à la composition de musique classique, Jenkins avait été très actif dans le Composers Forum, un groupe de pression de New York. Au cours de cette période, Jenkins s’était également produir en duo avec le saxophoniste Joseph Jarman de l’Art Ensemble of Chicago.

À la même époque, Jenkins avait continué de démontrer ses talents d’improvisateur, notamment dans le cadre de son album ‘’Solo’’ (1998), un enregistrement sans accompagnement dans lequel il avait revisité les oeuvres de John Coltrane et de Dizzy Gillespie. Il ne s’agissait pas du premier album solo de Jenkins, qui avait déjà publié en janvier 1977 un album live intitulé Solo Concert, qui avait été suivi en juillet 1978 de l’album ‘’Legend of Ai Glatson.’’ Jenkins avait également publié d’autres enregistrements en solo sur l’album ‘’Santa Fe’’ en octobre 1992.

Parmi les albums néo-classiques de Jenkins, on remarquait ‘’Lifelong Ambitions’’ (mars 1977) avec Muhal Richard Abrams, une improvisation électronique de vingt et une minutes avec Richard Teitelbaum et George Lewis aux synthétiseurs dans le cadre de l’album ‘’Space Minds/ New Worlds/ Survival America’’ (septembre 1978), le Quintet No 3 pour violon, cor français, clarinette et clarinette basse (enregistré avec Marty Ehrlich), l’album ‘’Mixed Quintet’’ (mars 1979) et la pièce ‘’Free at Last’’ publiée sur l’album ‘’Straight Ahead/ Free at Last’’ (septembre 1979) mettant en vedette le violoncelliste Abdul Wadud.

Toujours dans les années 1990, Hans Werner Henze, le directeur artistique du Munich Biennial New Music Theatre Festival, avait chargé Jenkins de composer un danse-opéra intitulé ‘’Mother of Three Sons’’ (1991), une oeuvre qui faisait une sorte de synthèse entre les danses africaines, le jazz d’avant-garde et le folklore d’origine africaine. L’oeuvre, qui racontait l’histoire d’une femme qui tentait de donner naissance à des fils parfaits en copulant avec les dieux, s’appuyait sur la collaboration du chorégraphe et réalisateur Bill T. Jones et de la livrettiste Ann T. Greene. L’oeuvre, qui avait été présentée en grande première à Aachaen en Allemagne en 1990, avait également été interprétée par le New York City Opera en 1991 et le Houston Grand Opera l’année suivante.

Jenkins avait poursuivi son exploration de la musique classique dans les années 1990 et 2000 avec des oeuvres comme ‘’Fresh Faust’’ (1994), un opéra de jazz-rap (dans lequel il revisitait la légende de Faust) qu’il avait composé pour l’Institute of Contemporary Art de Boston, et ‘’The Negro Burial Ground’’ (1996), une cantate produite par la troupe The Kitchen et qui avait été présentée par l’Université du Massachusetts à Amsherst. Basée sur un livret d’Ann T. Greene, l’oeuvre traitait de la pierre tombale d’un esclave du 18e siècle qui avait été découverte en 1991 sur une propriété de Wall Street. Parmi les autres oeuvres majeures de Jenkins, on remarquait ‘’Editorio - The Three Willies’’ (1996), un opéra multimédia qui avait été présenté au Painted Bride de Philadelphie ainsi que ‘’Coincidents’’, un opéra basé sur un livret de Mary Griffin. L’oeuvre avait été présentée à la Roulette de New York.

Même s’il enregistrait beaucoup moins, Jenkins avait fait paraître d’autres albums dans les années 1990, dont ‘’Themes and Improvisations on the Blues’’ (1992), qui mettait en vedette des cordes, des cuivres, de la contrebasse et du piano sur quatre pièces. En 1993, Jenkins avait enchaîné avec un album en concert intitulé ‘’Leroy Jenkins Live!’’ qui comprenait à la fois une section rythmique traditionnelle et des synthétiseurs.

À la même époque, Jenkins avait également participé à une réunion du Revolutionary Ensemble. En 1998, Jenkins avait enregistré avec le multi-instrumentiste Joseph Jarman de l’Art Ensemble og Chicago l’album ‘’Out of the Mist’’, un enregistrement qui combinait la musique africaine et asiatique au jazz, en passant par la musique classique européenne contemporaine. Par la suite, Jenkins avait prolongé sa collaboration avec Jarman en formant le trio Equal Interest avec la pianiste Myra Melford. Le groupe avait publié un album éponyme en 2000 qui refétait les intérêts de chacun de ses membres. Le critique du magazine Down Beat, James Hale, avait écrit au sujet de cet album:  "Jarman's devotion to Buddhism dovetails with Melford's interest in music for the harmonium, while Jenkins thrives on developing thematic patterns that span musical cultures from East Asia to Appalachia. Together, the three create music that defies categorization beyond the beauty and humanity that suffuse all of it."

En 2004, Jenkins avait formé le groupe Driftwood, un quartet qui comprenait Min Xiao-Fen au pipa, Denman Maroney au piano et Rich O'Donnell aux percussions. Le groupe avait publié l’album ‘’The Art of Improvisation’’ en octobre de la même année. En 2005, Jenkins avait retrouvé le Revolutionary Ensemble avec qui il avait publié deux albums live: ‘’The Boundary of Time’’ (mai 2005) et ‘’Counterparts’’ (novembre 2005). Le groupe avait publié son dernier album studio en juin 2004. Intitulé ‘’And Now’’, l’album comprenait une composition de vingt et une minutes du batteur Jerome Cooper.

Au cours de sa carrière, Jenkins avait collaboré et fait des tournées avec de nombreux chorégraphes. Il avait également fondé un groupe d’improvisation basé sur la World Music. En 2004, Jenkins avait été lauréat d’une bourse de la Fondation Guggenheim. Il avait aussi joué comme musicien-résident dans plusieurs universités américaines, dont les universités Duke, Carnegie Mellon, Williams, Brown, Harvard et Oberlin. Également professeur, Jenkins avait enseigné la musique dans un high school de Mobile, en Alabama, de 1961 à 1965, puis dans les écoles de Chicago de 1965 à 1969.

Leroy Jenkins est mort d’un cancer du poumon à New York le 24 février 2007. Il était âgé de soixante-quatorze ans. Au moment de sa mort, Jenkins travaillait sur deux nouveaux opéras: une histoire du quartier South Side de Chicago, et ‘’Minor Triad’’, un drame musical sur les artistes de jazz Paul Robeson, Lena Horne et Cab Calloway. Jenkins vivait à Brooklyn au moment de son décès. Jenkins laissait dans le deuil son épouse Linda Harris et sa fille Chantille Kwintana. Le dernier membre survivant du groupe Revolutionary Ensemble, le batteur Jerome Cooper, est mort en 2015.

Influencé par plusieurs styles musicaux allant de la musique afro-américaine au bebop en passant par la musique classique européenne, Leroy Jenkins, qui avait été un des principaux leaders du  jazz d’avant-garde durant quatre décennies, n’avait jamais cessé de se réinventer. Comme l’avait déclaré un critique du San Francisco Chronicle, "Jenkins is a master who cuts across all categories." Au cours de sa carrière, Jenkins avait publié une douzaine d’albums sous son propre nom.

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SOURCES:

‘’Leroy Jenkins.’’ Wikipedia, 2024.

‘’Leroy Jenkins Biography.’’ Net Industries, 2024.

RATLIFF, Ben. ‘’Leroy Jenkins, 74, Violinist Who Pushed Limits of Jazz, Dies.’’ New York Times, 26 février 2007.

SCARUFFI, Pierro. ‘’Leroy Jenkins.’’ Piero Scaruffi, 2006.

[toscanoirriverente]

Il preside del liceo Maurice Ravel ha lasciato l'istituto per ragioni legate alla sua incolumità. Tutto è iniziato il 28 febbraio scorso, quando aveva chiesto a tre studentesse di rispettare la laicità della scuola francese

Parigi. Temeva di fare la fine di Samuel Paty, il professore di Storia e Geografia decapitato da un jihadista ceceno per aver insegnato la laicità ai suoi studenti, o di Dominique Bernard, docente di Francese assassinato da uno studente radicalizzato all’entrata dell’istituto Gambetta-Carnot di Arras per gli stessi motivi. Il preside del liceo Maurice Ravel, situato nel Ventesimo arrondissement di Parigi, ha deciso di dimettersi per “motivi di sicurezza”, dopo le minacce di morte di cui è oggetto da un mese. Tutto è iniziato il 28 febbraio, quando il preside, vedendo tre studentesse che indossavano il velo all’interno del perimetro scolastico, ha ricordato loro che è vietato per legge esibire simboli religiosi nelle scuole pubbliche.  

Due hanno subito tolto il velo, la terza, invece, ha fatto finta di non sentire. Il dirigente scolastico, stando al racconto fatto all’Afp dai servizi del ministero dell’Istruzione, si sarebbe avvicinato indispettito e avrebbe trascinato “verso l’uscita della scuola” l’allieva, che avrebbe “opposto resistenza”. Dinanzi all’aumento delle tensioni, il dirigente avrebbe lasciato perdere, fino all’intervento della polizia. Ma da quel momento, la situazione è degenerata. Sui social ha iniziato a spargersi la voce di un litigio tra un preside e una studentessa musulmana. Quest’ultima, oltre a sporgere denuncia per “violenze” (denuncia in seguito archiviata per mancanza di prove), ha riferito alla stampa di essere stata “spinta” e “colpita con forza sul braccio”, versione smentita da Valérie Baglin-Le Goff, direttrice del provveditorato di Parigi. La studentessa ha poi deciso di rincarare la dose contro il dirigente scolastico testimoniando sulla pagina Facebook del Collectif contre l’islamophobie en Europe, associazione sulfurea che nel dicembre 2020 era stata dissolta per propaganda islamista dal ministro dell’Interno francese Gérald Darmanin sotto il nome di Collectif contre l’islamophobie en France. Risultato? Contro il preside del liceo parigino sono piovute le minacce di morte, secondo un meccanismo simile a quello che ha portato alla tragedia di Samuel Paty. Un ventiseienne originario del dipartimento degli Hauts-de-Seine è stato arrestato e sarà processato a Parigi il 23 aprile per minacce di morte sui social. Un altro uomo, arrestato a metà marzo a Trouville-sur-mer (Calvados), è stato posto in stato di fermo per lo stesso motivo, ma è già stato rilasciato.  

“Sono veramente triste, è una storia grave che ha portato alle dimissioni del preside quando invece doveva accadere l’esatto contrario”, ha dichiarato in forma anonima a France Info un insegnante del liceo Maurice Ravel. Tranne dalla France insoumise, il partito della sinistra radicale noto per intrattenere legami ambigui con un certo islam politico, tutta la classe politica francese ha manifestato solidarietà al professore, sottolineando la gravità di quanto accaduto. “È un fallimento collettivo”, ha commentato il capogruppo dei deputati socialisti Boris Vallaud. “Ecco dove ci portano le piccole pusillanimità e le grandi rinunce”, ha aggiunto Bruno Retailleau, patron dei senatori gollisti. Ieri pomeriggio, il preside dimissionario è stato ricevuto a Matignon dal primo ministro Gabriel Attal. Ex ministro dell’Istruzione, Attal, durante il suo primo discorso da premier il 9 gennaio, aveva affermato che la scuola “è la madre di tutte le battaglie”. Il caso del preside del liceo Ravel mostra che la lotta all’islamismo, in questa battaglia, deve essere prioritaria. 

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Albert Marquet (1875 – 1947) los críticos llamaron a estos artistas «fauves», esto es, bestias salvajes...

http://www.fauvismo.noradar.com/albert-marquet.htm

Albert Marquet (27 de marzo de 1875 – 14 de junio de 1947) fue un pintor francés, relacionado con el fauvismo. Marquet nació en Burdeos. En 1890 se trasladó a París para acudir a la Escuela de Artes Decorativas, donde conoció a Henri Matisse. Fueron compañeros de habitación durante un tiempo, y se influyeron mutuamente. Marquet comenzó sus estudios en 1892 en la École des Beaux-Arts con Gustave Moreau, un artista simbolista que era seguidor de la tradición romántica de Eugène Delacroix. En estos años, Marquet expuso pinturas en el Salon des Indépendants. Aunque no vendió muchas pinturas, la comunidad artística de París tomó conciencia de su obra. Sus primeras composiciones se caracterizaban por un acercamiento claro y pictórico fauve, en el que tenía un buen control del dibujo y respondía a la luz, no sólo intensificando los tonos más fuertes, sino también viendo los más débiles en términos coloristas.En 1905 expuso en el Salón de otoño donde sus cuadros se pusieron junto a los de Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, Othon Friesz, Georges Rouault, Raoul Dufy, Henri Manguin, Georges Braque, Louis Valtat y Jean Puy.Consternados por el intenso colorido de estos cuadros, los críticos reaccionaron llamando a estos artistas «fauves», esto es, bestias salvajes. Aunque Marquet pintó con los fauves durante muchos años, usaba colores menos intensos y violentos que ellos, y enfatizó los tonos menos intensos mezclando complementarios, pero siempre como colores, y nunca como grises.

[tomoleary]

Miguel Covarrubias “Hollywood's Malibu Beach Scene” Source

“Mid-left is John, Ethel and Lionel Barrymore are sitting with George Arliss and Helen Hayes who is holding a baby. Below left are Miriam Hopkins, Lilyan Tashman, Mae West, Edmund Lowe, Constance Bennett, Joel McCrea, Maurice Chevalier, Kay Francis with hands behind her head, Joan Crawford, and Leslie Howard. In the middle, Dolores Del Rio, Adolphe Menjou, Joseph Schenck, Samuel Goldwyn, Joan Blondell, Douglas Fairbanks Jr. with his arms up, Sylvia Sydney, Mary Pickford, Gary Cooper, and Douglas Fairbanks. On the right, Laurel and Hardy, Edward G. Robinson, Cecil B. Demille, Claudette Colbert, Marion Davies, Norma Shearer, Charlie Chapman, Fredric March, Marie Dressler, Gene Fowler, Nancy Carroll holding a beach ball, Howard Hughes, George Raft, Louella Parsons, Harpo Marx, Katharine Hepburn, Jean Harlow, Marlene Dietrich, Schnozzle Durante with his hands up, Greta Garbo, Clark Gable, Ernst Lubitsch, and Wallace Beery.”

[falopaycosas]

Merecemos historias y finales felices 🏳️‍🌈

Sobre la cancelación de Our Flag Means Death

Durante años la representación de la comunidad LGBT+ en el cine, series y literatura ha sido escasa. Pero lo más sorprendente de todo fue que cuando por fin nos encontramos en las historias, ellas llegaron acompañadas de protagonistas que aún en sus propias peliculas e historias, tenían finales tristes y trágicos. La diversidad sexual como un castigo o una condena.

Podemos ver de ejemplos historias como: Maurice, Philadelphia, La vida de Adéle, Plegarias para Bobby, Secreto en la Montaña, La Chica Danesa, Boys don't cry, Wilde y un montón más. Dónde el ser gay, trans, lesbiana o no-binarie viene de la mano con abusos de sustancias, ser él amante de un hombre casado, morir de alguna enfermedad, problemas mentales , etc.

Por años a la comunidad LGBT+ se le dijo que esas historias eran las únicas a las que podían aspirar, y muchísimas personas crecieron creyendo que eso era lo que les deparaba la vida, esa era su realidad.

Hoy encontramos representaciones en historias dónde ser de la comunidad no es un problema y no es parte fundamental de la trama, sólo es. Eso no significa que los problemas por ser LGBT+ se hayan terminado y viendo la vuelta de la derecha en el mundo sabemos que no es así, pero aún con todos los problemas que acarrea tener una sexualidad disidente: NOS MERECEMOS FINALES FELICES, HISTORIAS LINDAS, COMEDIAS ROMANTICAS Y TODO.

Por eso, molesta tanto que cancelen series como Our Flag Means Death donde había un representación LGBT+ de todo tipo, sin que sea parte de la trama. Dónde la historia se corría de la típica historia escolar y veías odias hombres adultos descubriéndose en su sexualidad sin que eso sea un tema tabú.

Se debe exigir a las plataformas que continúen con estas historias porque son muy importantes y mucha gente encuentra sus lugares seguros ahí.

A pesar de la cancelación Our Flag Means Death mantiene un final y recomiendo a todes que vayan a verla porque es linda, tierna y tiene piratas gay que forman una familia homoparental con su tripulación ¿Qué más le podés pedir a la vida?

[schizografia]

Ci interroghiamo sul nostro tempo. Questa interrogazione non si esercita in momenti privilegiati, ma procede senza soste, fa essa stessa parte del tempo, lo incalza nel modo assillante che è proprio del tempo. In un certo senso non è una interrogazione ma una specie di fuga. Sul rumore di fondo costituito dal sapere del corso del mondo, con cui esso precede, accompagna e segue in noi ogni sapere, durante la veglia e il sonno, proiettiamo delle frasi che si scandiscono in domande. Un ronzio di domande. Quanto valgono? Che dicono? Anche queste sono domande.

Maurice Blanchot

[notasfilosoficas]

“Puedes imponerme silencio, pero no puedes evitar que piense”

Aurore Dupin

Amantine Aurore Lucile Dupin de Dudevant, mas conocida con el seudónimo de George Sand, fue una periodista y novelista francesa nacida en París en julio de 1804, considerada como una de las escritoras mas populares de Europa en el siglo XIX.

Sand es reconocía como una de las escritoras mas notables del Romanticismo Frances.

Primeros años

Su madre era Sophie-Victoire Delaborde, era proveniente de una familia pobre e inestable, y su padre de nombre Maurice Dupin fue nieto del mariscal general de Francia Mauricio de Sajonia conde de Saxe, y emparentado con el Rey Luis Felipe I de Francia a través de antepasados comunes de familias reinantes alemanas y danesas.

El matrimonio de Maurice Dupin y Sophie-Victoire estuvo mal visto por la sociedad de la época y no fue aceptado por la madre de Maurice y abuela de George Sand.

La familia de Sand se vió forzada a vivir en España por motivos laborales y esa estancia fue descrita por George como una de las mas felices de su vida. Es en este momento cuando George Sand comenzó a manifestar tendencias masculinas para la época.

En 1809 la familia regresa a Francia en donde vivieron en la finca de la abuela de Sand. La finca de Nohant fue el escenario de muchas de sus novelas y poco tiempo después de instalarse, su padre sufre un accidente con un caballo y muere y es en ese momento que la rivalidad entre la aristocrática abuela de Sand y su madre se acentúa.

Al volverse difícil la relación de la abuela con la madre esta ultima deja la finca y abandona París, dejando a Sand al cuidado de la abuela. En 1822 la abuela muere y Sand hereda toda su fortuna.

A los 18 años se casó con un Baron quien abandona en menos de 10 años para irse a París en donde comienza a colaborar en el diario Le Figaro, en donde se enamora del periodista Jules Sandeau, de donde se bosqueja el primer seudónimo de Aurora como Sand.

Al firmar su siguiente relato, se ve forzada a inventar otro seudónimo, cambiando la inicial “J” de Jules por la G de George y el apellido Sandeau por Sand.

Legado

Fue una escritora incansable y una fervorosa luchadora por los intereses del pueblo, por la libertad individual y por la igualdad entre sexos.

Compaginó sus centenares de libros, colaboraciones en prensa y misivas con inumerables viajes, multiples amantes y buenas amistades con intelectuales y artistas de la época como Franz Liszt, Eugene Delacroix, Heinrich Heine, Victor Hugo, Honoré de Balzac, Gustave Flaubert y Julio Verne.

George Sand fumaba, vestía pantalones y escribir novelas, dichas actitudes eran escandalosas en su tiempo. Desafiaba los prejuicios tanto en la literatura como en lo personal.

Asumió la idea del amor libre en Francia y tuvo diversos romances, algunos de ellos muy turbulentos entre los que destacan los que tuvo con el compositor Frédéric Chopin, la actriz Marie Dorval o el poeta Alfred Musset.

Últimos años

Durante los últimos años de su vida se refugió en si misma. Vivió en Nohant donde residió de forma permanente hasta el final de sus días, protegiendo a escritores jóvenes como Gustave Flaubert y escribiendo relatos idílicos hasta los últimos días de su vida.

Muere en Nohant Francia en junio de 1876.

Fuentes: Wikipedia, biografiasyvidas.com, lavanguardia.com

[memoire2cite]

64150 MOURENX L'étrange association du Béarn, de la France et de la modernité la ville nouvelle la 1ere ville neuve du pays la plus jeune de toutes les villes nouvelles qui fetent aujourd hui la cinquantaine, la bas c'est les usines et la cité Pechinets mais aussi celle de Lacq une ville moderne creee pour elles avec Jean-Benjamin Maneval, comme architecte-urbaniste de la ville, avec aussi Maurice NOVARINA. Un hommage aussi pour toutes ses cartes postales mais aussi ses photographies ses clichés vintage de Mr Claude ROUX habitant passionné de sa ville qui avait photographié jadis les immeubles ds tous les angles par la suite il avait fait dont de toutes ses photos a sa ville soit MOURENX rip! @ la ville Neuve & son symbole la Tour des célibataires est construite à l'entrée de la ville la TC2, achevée en 1961, a rempli son office durant des décennies : accueillir sur 17 étages dans des petits studios les ouvriers des usines du bassin de Lacq. Depuis quelques années - et malgré des travaux de réaménagements pour offrir des logements plus grands dans les années 1990 - elle était désertée. En 2021, elle ne comptait plus que 29 locataires. Cette année 2023 verra disparaître l'un des symboles de Mourenx. La Tour des célibataires, 17 étages, doit être foudroyée en novembre 2023 et laisser le champ libre à la construction d'un immeuble plus moderne de 6 étages. D'ici-là, les personnes habitants dans les 200 mètres à la ronde seront recensées, afin d'être évacuées le jour fatidique. ANRU3 la célebre tour HLM des Celibataires R+17 place des Pyrénnées est en cours de préparation au dynamitage construite en 1961, 200 lgts va être dynamitée le 26 novembre 2023 Depuis mi-janvier, les entreprises de démolition se succèdent. https://www.youtube.com/watch?v=QdIT1wQWbI8 64 MOURENX - Majorettes @ Une Ville Nouvelle faite d'HLM... NB Nikita Kroutchev avait fait une visite la bas le 26 mars 1960 en compagnie des architectes