#paul villinski

[53v3nfrn5]

‘Fortune’ (1997) & ‘Nature Studies’ (1992) ph. Paul Villinski

[ascension-13]

...Paul Villinski

[jonathanferraragallery]

Essence, 2019 - Paul Villinski

[inneroptics]

PAUL VILLINSKI

[cosmicanger]

Paul Villinski, Pilot, 1995, Found leather and canvas work gloves, rivets, steel, found wooden child's chair

[valentinapl19]

Procesos Tridimensionales Contemporáneos

El arte tridimensional se caracteriza por la creación de obras con tres dimensiones: alto, ancho y largo. Al igual que el arte bidimensional al, la creación tridimensional es tan antigua como el hombre mismo. En la Prehistoria el hombre modeló objetos de arte con fines mágico-religiosos, y como herramientas de trabajo y defensa.

El arte contemporáneo, es en si el arte de nuestro propio tiempo, se produce y manifiesta en el ahora, respondiendo a la conciencia cultural del momento, a su sociedad, a las necesidades conjuntas, al espíritu de la época. Y es que el arte es inherente a lo humano, a su cultura y evolución.

PRIMER TRABAJO (Móvile, suspensión, sonido)

TITULO: El ave que no vuela

AUTORES: Javier Mauricio Castro Parra y Valentina Puentes Losada

TECNICA: Mixta

REFERENTES

Paul Villinski

trabaja con objetos reutilizados como latas de aluminio y guantes viejos, explora temas de vuelo, ambientalismo, así como adicción y recuperación. Su musa principal ha tomado la forma de mariposas representadas en múltiples mientras se arremolinan en las paredes, o se organizan cuidadosamente en formas hecho curioso.

Este artistita sirvió de inspiración a nuestro proyecto ya que trabaja con latas y objetos reutilizados para ser sus móviles.

Alexander Calder

Célebre por sus esculturas de alambre, sus bosquejos de línea continua y sus abstracciones motorizadas, Alexander Calder es reconocido en el mundo del arte por crear una obra que Marcel Duchamp bautizaría como móvil, objeto que se convertiría en precursor del arte cinético, introduciendo en la escultura moderna movimiento y dinamismo como elementos plásticos dominantes en la obra.

Este artista sirvió de inspiración para nuestro proyecto ya que trabaja la figuras geométricas en sus móviles y en sus obras.

Bocetaje

Proceso

Primeros pasos

Para este proyecto se tuvieron que recolectar mas de 200 latas de cerveza, gaseosa y jugos, los cuales pasaron por un proceso de lavado y desinfección para poder trabajarlos, luego se ejecutaron los primeros pasos:

- Lavar las latas.

- Cortas las latas, formando una abertura suficitemente ancha para poder meter el nailon.

Montaje y Exposición

"El ave que no vuela"

Representación del ave "El Cóndor": Se esta representando el ave representativa de Colombia, ya que es una de las aves que esta en peligro de extinción.

Representación de las latas de cerveza: Se presenta el consumismo por parte de las personas que se ven atrapadas por el alcohol y atrás adiciones del mundo.

Representación de la sombra: Se presenta la sombra como a ella que sigue a todas partes y esta ahí en lo mas brilloso del día de lo mas oscuro de la noche.

El ave esta sujeta entre dos edificios, donde no puede volar. El "avance" y "progreso" de los seres humano no ha sido más que una fachada para crear cada día personas controladas por el mundo, donde nos aleja del verdadero significado de la vida, lo ralamente humano y vital, le quita la importancia del cuidado de la tierra y lo natura, la fauna y flora también se ve afectada por la contaminación de todos que habitan el planeta. No somos más que seres consumidores y asesinos de la vida.

SEGUNDO TRABAJO (Memoria)

TITULO: La casa negra

AUTOR: Valentina Puentes Losada

TECNICA: Mixta

REFERENTES

Katharina Grosse

La artista alemana Katharina Grosse (Berlín, 1961), conocida sobre todo por sus intervenciones en espacios naturales y urbanos (suelos, edificios, muros, techos y todo aquellos que sea susceptible de ser intervenido artísticamente). En unos de sus proyectos presentar una emotiva intervención en un edificio de la costa de Nueva York, que había quedado muy dañado y abandonado por el paso del fatídico huracán Sandy hace cuatro años. Allí decide pintar el edificio o casa con colores del atardecer como ultimo recuerdo antes de ser demolida.

Shannina Dionna

La artista narra en sus pinturas y creación todos sus sentimientos y dolores que han trascurrido en su vida, donde une la psicología y el arte como la voz para hacerse escuchar y sentir.

Bocetaje

Proceso

Para la iniciación de este proyecto se necesitaron los siguientes materiales:

Tela o platico blanco

Palitos de madera (palos pincho)

Silicona en barra

Nailon delgado

Bolsa negra

Flores artificiales

Lampara

Extensión

Para la construcción de la casa se tuvieron que tomar primero las medidas del lugar para así sacar las medidas exactas de tela.

Una vez las telas están cortadas se empieza a estructura la casa con los palitos de madera, esto para crear mas soporte a toda la estructura.

Una vez lista la estructura se pega y se amarra la estructura en el techo y en la pared para que la casa quede un poco suspendida.

Se coloca una bolsa negra dentro de la casa, se paga con silicona para que no se corra.

Lista la estructura de la casa se empieza la construcción de adentro. Donde se colocara una bolsa negra en el suelo, y en cima de ella se colocara las flores artificiales desprendidas de sus tallos, también ira una lampara amarra a los tallos sin las flores y esta lampara irán encendida durante la exposición.

Montaje y Exposición

"La casa negra"

El significado de la casa trasciende a través de mi memoria, siempre recuerdo mi casa como el lugar mas significativos, pues ella me ha visto crecer durante toda mi vida y a estado ahí para mi. Los recuerdos no siempre son "bueno" ni "bonitos".

El nombre de esta obra describe el contraste que se encuentra en los horas y en las casas de familia. el hogar y la casa debe ser lo mas puro, puesto que nos protege, nos ayuda y nos guía en el camino por la vida, pero en algunos caso no es así, para otros es una tortura vivir en la casa donde nacieron vivir y compartir con las mismas personas, en mi caso, mi casa, me trae todo esos recuerdos amargos que he pasado con mi familia, la casa no es siempre paz (blanca), también puede ser oscura (negra).

TERCER TRABAJO (Lo fundible, comestible, destructible)

TITULO: La muerte se come

AUTORES: Javier Mauricio Castro Parra, Natalia Joven , Valentina Puentes Losada

TECNICA: Arte efímero

REFERENTES

Jana Sterbak

 En su obra "El vestido de carne", sirvió de inspiración para nuestra obra efímera ya que nos habla de lo breve de la belleza. Nos recuerda que hoy estamos vivos y mañana nos vamos a pudrir.

Pieter Aertsen, Bodegón con la huida a Egipto, 1551

Oleo sobre madera, pintura donde se manifiesta un botín de diferentes animales desmembrados donde el artista quiso advertir al espectador sobre la distracción de la carne ante los deberes espirituales. Por eso, al fondo del puesto hay un grupo de fieles que se unen a la Sagrada Familia en su viaje a Egipto. Templanza y gula: la controversia del siglo XIV.

Bocetaje

Proceso

Para la iniciación de este proyecto se necesitaron los siguientes materiales:

Barillas

Soldadura

Herramientas

Maya de alambre

Alambre

Gordos, carne y viseras.

Carbón, madera y papel

Fuego

Como primer paso, una vez elegido el boceto se empezó hacer la estructura en metal que será el asador.

Se compro la varilla y empezamos hacer los circulo para el asador.

Una vez listo los circulos se paso a soldar cada uno, en este caso tres, el mas grande, el mediano y uno pequeño.

Luego empezamos hacer lo laterales que sujetara los circulos y la estructura.

Se soldan los laterales a los circulos

Estructura soldada

Se pule la estructura para mejor terminaciones

Una vez la pieza pulida se pinta la estructura

Montaje y exposición

Asador de las carnes

Se tiene listo la estructura del asador, se pondrá la maya de alambre alrededor y encima de esta se empezara a dar forma al ave con los gordos, viseras y carne.

Para el montaje: la obra se instalo en Agoras en la Universidad Surcolombina, donde se cumplió el objetivo propuesto, se expuso antes las personas el significado de la obra y mas detalles.

Ave construida con los gordos y restos de carne

"La muerte se come"

Representación del ave "El chulo": Para este proyecto se quiso representar el "chulo" común mente llamado, estas aves son las encargas de limpiar nuestro ecosistemas ellas se comen lo descompuesto (desechos, animales y cosas muertas) en los terrenos baldíos donde los seres humanos depositas su basura.

Representación de las carnes, Gordos y viseras: Que quiere representar la doble moral que tienen los seres humanos. Ya que cuando común mente comen carne animal se la goza de la mejor manera, en el desayuno, almuerzo y cena. Pero cuando nos encontramos una escena donde el animal esta descuartizado con sus órganos en una bandeja llenos de sangre inmediatamente nos surgen sentimientos de asco, de culpa o de nostalgia, pero igual nos comemos la carme.

El ser humano daña todo a su pasa descompone la vida natural, es el que genera la basura y no la limpia, el chulo en su caso limpia y ayuda a nuestro ecosistema, así como todos los animales viven a su instinto. Nosotras dañamos su habitad.

Nota: La estructura fue quitada por la Universidad, de la cual nunca fue devuelta.

[agendrangel]

comforter by paul villinski (1994)

"Paul Villinski began making this comforter while recovering from drug and alcohol addiction. He recalls, 'I needed a way to sit still, especially at night, so I spent multiple hours hand-stitching most evenings for about six months. I was coming to understand that I had been taking the comfort needed to survive from drugs and booze, but I was learning in sobriety to find that comfort in other human beings.' The artist often held hands with others during recovery meetings. He stitched together these work gloves—turned inside out to reveal the soft interior—to suggest the warmth and stability of a community wrapping its arms around him. Each stitch reflects the journey of his mind and hands and his restoration and connectedness. Though they began as melancholic, they are now hopeful."

[javiermauricocastrparra]

PROCESOS TRIDIMENSIONALES CONTEMPRANEOS

Esta bitácora demuestra evidencias de unos procesos artísticos presentados en el curso de procesos tridimensionales contemporáneos, en donde trabajamos desde lo Móvile, memoria y arte efímero. Estos procesos fueron grupales e enviúdales para generar aprendizajes artísticos, trabajo en equipo y uso de nuestra creatividad.

El concepto de tridimensional expresa lo que no es plano sino que tiene un volumen, se diferencia a un dibujo o una pintura que son artes bidimensionales, la escultura es una representación tridimensional real de un objeto que tiene alto, ancho y profundidad, pueden recorrerse y verse desde diferentes ángulos.

PRIMER TRABAJO (Móvile, suspensión, sonido)

TITULO: El ave que no vuela.

AUTORES: Javier Mauricio Castro Parra y Valentina Puentes Losada.

TECNICA: Mixta.

REFERENTES

Paul Villinski

trabaja con objetos reutilizados como latas de aluminio y guantes viejos, explora temas de vuelo, ambientalismo, así como adicción y recuperación. Su musa principal ha tomado la forma de mariposas representadas en múltiples mientras se arremolinan en las paredes, o se organizan cuidadosamente en formas hecho curioso.

Este artistita sirvió de inspiración a nuestro proyecto ya que trabaja con latas y objetos reutilizados para ser sus móviles.

Alexander Calder

Célebre por sus esculturas de alambre, sus bosquejos de línea continua y sus abstracciones motorizadas, Alexander Calder es reconocido en el mundo del arte por crear una obra que Marcel Duchamp bautizaría como móvil, objeto que se convertiría en precursor del arte cinético, introduciendo en la escultura moderna movimiento y dinamismo como elementos plásticos dominantes en la obra.

Este artista sirvió de inspiración para nuestro proyecto ya que trabaja la figuras geométricas en sus móviles y en sus obras.

Bocetaje

Proceso

Primeros pasos

Para este proyecto se tuvieron que recolectar mas de 200 latas de cerveza, gaseosa y jugos, los cuales pasaron por un proceso de lavado y desinfección para poder trabajarlos, luego se ejecutaron los primeros pasos:

- Lavar las latas.

- Cortas las latas, formando una abertura suficientemente ancha para poder meter el nailon.

Montaje y Exposición

"El ave que no vuela"

Representación del ave "El Cóndor": Se esta representando el ave representativa de Colombia, ya que es una de las aves que esta en peligro de extinción.

Representación de las latas de cerveza: Se presenta el consumismo por parte de las personas que se ven atrapadas por el alcohol y atrás adiciones del mundo.

Representación de la sombra: Se presenta la sombra como a ella que sigue a todas partes y esta ahí en lo mas brilloso del día de lo mas oscuro de la noche.

El ave esta sujeta entre dos edificios, donde no puede volar. El "avance" y "progreso" de los seres humano no ha sido más que una fachada para crear cada día personas controladas por el mundo, donde nos aleja del verdadero significado de la vida, lo ralamente humano y vital, le quita la importancia del cuidado de la tierra y lo natura, la fauna y flora también se ve afectada por la contaminación de todos que habitan el planeta. No somos más que seres consumidores y asesinos de la vida.

SEGUNDO TRABAJO (Memoria)

TITULO: La decadencia.

AUTOR: Javier Mauricio Castro Parra.

TECNICA: Mixta.

REFERENTES

Chiharu Shiota (Osaka, 1972)

Trabaja con su cuerpo como espacio de intervención, realizando performances que tratan sobre la vinculación a la tierra, el pasado y la memoria.

Heredera de Ana Mendieta y de toda una generación de artistas feministas de principios de los 70, la mayoría de sus instalaciones son colecciones de pertenencias usadas, llenas de recuerdos, que sirven como expresiones de actos humanos. Así, redes complejas de hilos se entrelazan alrededor y entre estos.

Shiota estudió pintura en la Universidad Kyoto Seika, en Japón. Especialmente interesante para comprender su trayectoria es su estancia en la Canberra School of Art, en 1994, momento en que empieza a substituir la técnica pictórica tradicional por sus instalaciones con hilos, los cuales suponen una suerte de dibujo en el aire, como la misma artista se ha referido en algunas ocasiones. Se mudó a Alemania en 1996 y continuó sus estudios en Braunschweig y más tarde en Berlín, donde vive y trabaja hoy día.

Bocetaje

Proceso

Para la iniciación de este proyecto se necesitaron los siguientes materiales:

Silicona en barra

Cinta de enmascarar

20 metros de hilo negro

Cuadro hecho por mi a la edad de cinco años

Molde de yeso

Cáncamos

Tijeras

Para la elaboración de esta instalación se buso un lugar oportuno que beneficie y favorezca el proceso de la instalación como un lugar encerrado con unas rejas.

Ya escogido el lugar empezamos la instalación.

Empezamos colocando los cáncamos en el techo hecho de draibol.

Luego seguimos enredando los hilos por todos los cáncamos y la reja para generar un gran volumen y notoriedad del hilo negro

Ya avanzado la colocación de los hilos colgamos el cuadro y enredados con los hilos nuevamente.

Por ultimo ubicamos el molde yeso y enredados nuevamente con los hilos.

Ya lista la instalación pegamos algunos hilos en piso y delimitamos la instalación para que no haya accidentes.

Montaje y Exposición

"La decadencia"

El significado del titulo es un antes y un después en mi vida, haciendo referencia a la ausencia de parte mi en el arte, el cuadro representa un antes en mi vida, un Javier más artístico y talentoso que el de ahora y entramos en la decadencia de Javier que empieza cuando se va a vivir a Bogotá y deja de lado sus procesos artísticos y dejando sus habilidades artísticas en el olvido y el después es el molde de yeso, el primero molde hecho por mi muestra una recuperación de ese pequeño Javier.

Los hilos representan metafóricamente las adversidades que he presentado, como la ansiedad, procrastinación y negligencia en mi vida, uno de los moldes está escapando de esa decadencia presentada en mi vida para un nuevo renacer, para una nueva oportunidad de recuperar ese niño que generó en mi los mejores momentos y versiones en mi y en mi vida.

TERCER TRABAJO (Lo fundible, comestible, destructible)

TITULO: La muerte se come.

AUTORES: Javier Mauricio Castro Parra, Natalia Joven Vásquez y Valentina Puentes Losada.

TECNICA: Arte efímero.

REFERENTES

Jana Sterbak

 En su obra "El vestido de carne", sirvió de inspiración para nuestra obra efímera ya que nos habla de lo breve de la belleza. Nos recuerda que hoy estamos vivos y mañana nos vamos a pudrir.

Pieter Aertsen, Bodegón con la huida a Egipto, 1551

Oleo sobre madera, pintura donde se manifiesta un botín de diferentes animales desmembrados donde el artista quiso advertir al espectador sobre la distracción de la carne ante los deberes espirituales. Por eso, al fondo del puesto hay un grupo de fieles que se unen a la Sagrada Familia en su viaje a Egipto. Templanza y gula: la controversia del siglo XIV.

Bocetaje

Proceso

Para la iniciación de este proyecto se necesitaron los siguientes materiales:

VarillasSoldadura

Herramientas

Maya de alambre

Alambre

Gordos, carne y viseras.

Carbón, madera y papel

Fuego

Como primer paso, una vez elegido el boceto se empezó hacer la estructura en metal que será el asador.

Se compro la varilla 3/8 y empezamos hacer los circulo para el asador.

Una vez listo los circulos se paso a soldar cada uno, en este caso tres, el mas grande, el mediano y uno pequeño.

Luego empezamos hacer lo laterales que sujetara los circulos y la estructura, para enderezar la varilla hicimos uso de una maceta.

Se soldan los laterales a los circulos

Estructura soldada

Se pule la estructura para mejor terminaciones

Una vez la pieza pulida se pinta la estructura

Montaje y exposición

Asador de las carnes

Se tiene listo la estructura del asador, se pondrá la maya de alambre alrededor y encima de esta se empezara a dar forma al ave con los gordos, viseras y carne.

Para el montaje: la obra se instalo en Ágoras en la Universidad Surcolombina, donde se cumplió el objetivo propuesto, se expuso antes las personas el significado de la obra y mas detalles.

Ave construida con los gordos y restos de carne

"La muerte se come"

Representación del ave "El chulo": Para este proyecto se quiso representar el "chulo" común mente llamado, estas aves son las encargas de limpiar nuestro ecosistemas ellas se comen lo descompuesto (desechos, animales y cosas muertas) en los terrenos baldíos donde los seres humanos depositas su basura.

Representación de las carnes, Gordos y viseras: Que quiere representar la doble moral que tienen los seres humanos. Ya que cuando común mente comen carne animal se la goza de la mejor manera, en el desayuno, almuerzo y cena. Pero cuando nos encontramos una escena donde el animal esta descuartizado con sus órganos en una bandeja llenos de sangre inmediatamente nos surgen sentimientos de asco, de culpa o de nostalgia, pero igual nos comemos la carme.

El ser humano daña todo a su pasa descompone la vida natural, es el que genera la basura y no la limpia, el chulo en su caso limpia y ayuda a nuestro ecosistema, así como todos los animales viven a su instinto. Nosotras dañamos su habitad.

Nota: La estructura fue quitada por la Universidad, de la cual nunca fue devuelta.

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Butterly Beer Can ArtNew York artist Paul Villinski is taking

Butterly Beer Can ArtNew York artist Paul Villinski is taking recycling aluminium cans to a wonderful new place.Dragon Made Entirely From Soda Can Pull TabsThis creature below is named Shinkonryuu, and he is a dragon made from hundreds of aluminium drink can pull tabs.” Source: Free Guest Posting Articles from ArticlesFactory. When he had completely covered the yards he began working on the house itself, setting out to cover every square inch with aluminium beers cans. But what happens when people with a keen artistic eye come across a bag of old cans waiting to be crushed, melted and re-used. Over 18 years Milkovisch collected approximately 50,000 cans and placed them carefully around the house – to great affect. It was built by amateur Japanese artist/sculptor OniMusha Kid (this was only his second piece) and is about 14 inches long and 8 inches tall. John Milkovisch, a retired upholsterer for the Southern Pacific Railroad, started his project now known as the Beer Can House in 1968. Budweiser were giving away a 1965 Mustang as a promo for anyone who bought their ‘Budbucks’ cans or bottles, and Kirby thought he’d stand out from the crowd by building his own facsimile of his favourite car. Let’s have a look at 5 awesome pieces of art created by recycling aluminium cans. Unfortunately he didn’t win, but he certainly put his art degree to good use.

Makaon’s Collection of Aluminium Can SculpturesJapanese artist Makaon is taking recycling aluminium cans to a whole new level with his incredible, intricate sculptures of American pop culture icons made entirely from can off-cuts. When a person dies [it] moves to a new spirit. His miniature replicas are astoundingly detailed, using beer and soda cans to create models of animals, superheroes, villains and mythical creatures.Check out the full collection on his website. We beg to differ. They see opportunity – a raw material to be repurposed for creative expression.Aluminium cans are amongst the most recycled materials in the world. Milkovisch first began collection of wood, rocks, marbles and metal that he placed around the front and back yards of the house, forming unique features and dazzling designs. Milkovisch says he considers the project merely a pastime rather than a work of art.The Beer Can HouseThe Beer Can House in aluminium railing profiles manufacturer Houston, Texas is an iconic landmark that thousands flock to every year.The 1965 Ford “Budweiser” MustangBack in 2007, UK art and design student Jack Kirby built a replica of a 1965 Ford Mustang out of 5,000 Budweiser beer cans that he “collected” (drank) over a four year period. Shinkonryuu is an energy-feeding being, and his creator says that it “inhabits the spirit of a person, where [it] obtains the necessary energy to live. Some spiral off walls, others stream from floors to ceilings; for Villinski “[the] pieces explore themes of transformation and recovery through the metamorphosis of crushed beer cans from the streets of New York into flocks of realistically crafted butterflies. Aluminium is highly recyclable, with the turnaround for a single can to be melted down and recycled, ready to be put on the supermarket shelf, taking just 60 days.com.”Check out his full collection here. Utilising the wealth of materials you can find on the New York streets to his creative advantage, Villinski collects discarded beers, cuts them out into a variety of butterfly shapes and attaches to them to wire to give them a three dimensional element

[x-heesy]

U gave me Butterflies 🦋

[nitrogen]

by Paul Villinski

[creanavt]

by @ Paul Villinski

https://creanavt.tumblr.com/archive

[jonathanferraragallery]

PAUL VILLINSKI

[s0irenic]

Untitled by Paul Villinski

[mmip-blog1]

Gabrielle Pfaeffle, Taubman Museum of Art

At the beginning of June, the Taubman welcomed a new artist to the museum. Paul Villinski’s exhibits Passage and Farther will be at the museum until the beginning of 2018. As part of the Taubman internship program all interns were given the opportunity to attend a private walkthrough with Vilinski, where he explained how he made his work and the inspirations behind it.

Before I was given the opportunity to meet Villinski, I was given the task of filming the installation of Passage. The Taubman was originally meant to exhibit another piece from Villinski in the Taubman atrium entitled Flower Bomber, however during transport from Villinski’s studio in New York to Roanoke, VA the truck carrying Flower Bomber was stolen. Fortunately, the truck and the piece were recovered and will be installed in the Taubman atrium this February.

Passage is a wood glider with a 33-foot wingspan, covered by 1,000 black butterflies, hanging low from the museum atrium, just past the reach of visitors. This glider encased in butterflies is just enough to prompt passerby to want to take a closer look. The exhibit titled Farther, located in the second floor gallery space does exactly as the name implies – gives museum visitors the opportunity to dive deeper into Villinski’s work, by traveling farther into the world that inspired him.

During the instillation of Passage, I got my first look at Villinksi. Dressed in head – to – toe black, with a bald head, and clear – thick rimmed glasses, he seemed to confirm the stereotype of the snobbish and intimidating big city artist. During the private walkthrough however, I learned that he was anything but. Villinksi was completely open, offering up the deepest explanations of his work, ranging from an interesting obsession with Lepidopterology (the study of butterflies), to his dark past with an abusive alcoholic father, and even admitting his own past with alcohol addiction. Villinksi wanted his audience to understand his past so we could better understand his art.

One piece titled Quilt is composed of dozens of leather belts woven together and interspersed with liquor bottles and books. When you look at the small space where Quilt parts from the wall and reaches the floor, you will find a chair and more books. Villinski explained the volatile temper that would arise in his father when drunk and how as a little boy he would take refuge in a small corner with a book, trying to be as quiet and as small as possible, so not to garner his father’s attention while in these states.

Diagonal from Quilt there is a bed covered in a blanket of white hands – Comforter. Made of workers gloves abandoned on the streets of New York City, Villinski turned them inside out to reveal their white felt centers and hand sewed each one to create a blanket of warm hands. He explained the support he received during his recovery from addiction, the feeling of being wrapped in warm protecting hands.

The juxtaposition of the pieces Quilt and Comforter is so interesting, two things that in name are so similar – both meant to cover, but one stiff, menacing, looming over as if intended to trap and the other warm and inviting, protective and healing. The close proximity of the pieces implied that things can be so similar yet have such different intents and outcomes, that these experiences both the good and the bad are what shape our lives, for better or for worse.

The wall opposite of Quilt and Comforter is covered in butterflies. Villinski was quick to admit the multiple failures and attempts it took to perfect his method of burning aluminum butterflies by the flame of a candle in order to create the black patina that covers them. When viewing Passage in the atrium all you see are black butterflies, but in Farther you can see spots where the metallic of soda and beer cans and the bright colors that decorate them shine through areas where the flame did not burn completely. Next to the burned butterflies are ones covered in an incredibly vibrant matte paint in a bright blue and lime green. These butterflies, both burned and colored, represent actual species of butterflies and moths either living or extinct and are utilized as paint, culminating into brushstrokes that create large abstracted paintings.

In Villinski’s words these butterflies represent “an exploration of the possible, at the heart of which is hope.” When looking at the whole of the exhibition you come to understand the journey of Villinski’s life; starting with abuse and addiction, leading to recovery and healing, and culminating to its current stage of hope and possibility. It is clear that through art Villinksi is able to work through his emotions and these pieces are how he expresses them.

When the public analyzes the word art and what that word represents, we often come to think of stuffy galleries, filled with work created by geniuses we will never understand. The truth is these pieces are the representations of entire lives, behind them are failures and experimentation, suffering and hope. When we view a work of art in a museum, we often fail to recognize the fact that it is an experiment in a more perfected form – that often the story behind a piece is more interesting and beautiful than the piece itself; art acts as a window into a life and it is our job to question and build the story that makes it a masterpiece.

[heartinhand]

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