#base de funk consciente | Explore Tumblr posts and blogs

trastornadosrevista · 6 years ago

Text

Ca7riel & Paco Amoroso en Obras: el ascenso de los outsiders

Ca7riel & Paco Amoroso confirmaron su ascenso meteórico con un show sold out en Estadio Obras Sanitarias. Motorizados por una pulsión sonora mutante, estos dos (muy jóvenes) amigos de toda la vida se dieron el lujo de combinar la esencia de una rave con la agresividad y la potencia de un recital de heavy metal, resultando todo en una inolvidable presentación que volvió a dejar inquietos a los rancios defensores de la tradición.

Apenas un día después del segundo show de su amigo WOS en el Luna Park, Ca7riel & Paco Amoroso debutaron en el Estadio Obras Sanitarias con cartelito de sold out colgado poco más de un día antes. Dándole forma a una sucesión que confirma el predominio de la esa flexible unidad llamada “Música Urbana” dentro de las escenas mainstream y emergente de nuestro país, estos dos muy peculiares y decididos alquimistas del sonido cerraron a toda velocidad un año que también fue consagratorio para ellos.

La fila que se extendía por la Avenida Del Libertador era francamente impactante: si hace poco más de un año, tanto a Catriel Guerreiro como a Ulises Guerriero ��hasta en el apellido hay una simbiosis plena– les costaba asentarse dentro de la salvaje y competitiva escena local, la actualidad los encuentra disfrutando las mieles que traen las alturas. De llevar una base reducida de seguidores y conocedores a un show gratuito en el Centro Cultural Recoleta a quemar por completo todos los papeles sin escalas: tres Niceto Club agotados, una gira por España que incluyó un show en el Sonar de Barcelona, uno de los mejores momentos del Buenos Aires Trap 2019 y el honor de poder homenajear a Gustavo Cerati con una acertadísima versión de “Crimen” en el Teatro Colón. Todo ello potenciado por el hecho de estar siempre en movimiento, por nunca conformarse ni con lo establecido ni con lo desconocido: su música puede ser descripta como una mutación anti-formalismos constante en la que no existen los límites género-estilísticos y donde lo audiovisual y lo físico/performático son tan elementales como lo sonoro.

Siguiendo esta prerrogativa, la previa en el Templo del Rock estuvo sazonada e impulsada por un DJ set muy acido que recordó a las viejas fiestas del Segundo Verano del Amor. Claro que tres cuartos de los presentes no superaba el promedio de los 24 años de edad, por lo que tal afirmación quedó reducida a simplemente dejar que el cuerpo se mueva al ritmo de los beats incisivos y repetitivos disparados desde la bandeja central. Su irrupción en el escenario se dio cerca de las diez de la noche, abriéndose hacia arriba la rampa que haría las veces de pantalla gigante e ingresando con ellos la siempre infalible ATR Band.

Si sus shows en Niceto Club y en el Hipódromo de Palermo ��por nombrar a los más grandes– se habían caracterizado por un interesante equilibrio entre una esencia jazz-funk y una serie de explosiones incontrolables, lo que sucedió en Obras puede ser descripto como “la presentación más agresiva y punk que hayan tenido”. Distorsión pura, estética vaporwave y un viaje a lo profundo de la Londres de los ’70, “Ola mina XD” fue el delirio nuclear que tanta ansiedad colectiva necesitaba como para quedar con las piernas liquidadas en apenas cuestión de minutos.

Enfundados los dos en pieles –Ca7riel como una pantera negra, siempre saltando y agitando a la gente, y Paco Amoroso como una estrella de la nouvelle vague, deslizándose por las tablas como gacela y saltando hasta el punto justo–, los protagonistas se regodearon ante tamaña euforia e inyectaron funk, EDM y acid house en el sistema circulatorio de la mano de una versión ‘hecha a mano’ de “Antiyuta”. Bajo un beat bien hip hopero y la suavidad de un teclado en modo vangelis, la sesión de Bizarrap protagonizada por Paco los encontró muy cómodos dentro de la canción tradicional, sacando a relucir esa formación clásica y rockera de la que jamás han renegado.

El pujante binomio entre ‘bella’ y ‘bestia’ se acentuó durante “Terrible Kiko”, un dark pop capaz de agujerear cualquier estómago que creó un clima oscuro y auto-destructivo en el que las voces se perdieron y deshicieron hasta convertirse en lejanos alaridos llenos de dolor. Puro flow, hija del funk y del hip hop clásico, “A Mí No” los encontró luciendo sus voces sin ninguna pizca de auto-tune, dialogando a la perfección con un público que no dejó de cantar en ningún momento y eligiendo los momentos en los que subir la velocidad para mostrar que el freestyle también es terreno fértil para ellos.

La vibra entre tropical y distópica de “Piola” fue un punto más que elevado, llevándose la ATR Band una merecida ovación tras dejar tras de sí a un tendal de músicos que no saben cómo tocar en vivo sin atarse a las programaciones. Referencias retro ineludibles y un tempo invencible, dos características que hicieron que el paso hacia la angustiante y nostálgica psicodelia –acompañada por una base techno-disco consistente– de “Mi Sombra” no sea en absoluto incómodo. Luego de quedar al borde de la pasarela, acechando a su presa, Ca7riel tuvo su momento en solitario y no lo desaprovechó: dos movimientos en los que unificó al hip hop y a la cumbia villera con el rock industrial (“No Aterrizó”) y, ya con la guitarra colgada a puro riff metalero (“Gatxs” y “Vibra Alta”), en donde profundizó ese camino pero aprovechando la versatilidad mutante y la consecuente velocidad en el cambio de cuadros de la ATR Band.

Paco Amoroso regresó de pantalones cortos para ponerle un poco de funk rock a la ya de por sí ridícula “Picky” de Joey Montana, gesto por completo desafiante hacia el canon tradicional, para luego liderar desde la pureza del flow una versión de “OUKE” que incluyó a Esteban Lamothe sobre las tablas para recrear un segmento del video oficial. Tiñendo de negro pesadilla al estadio, la sesión de Bizarrap de un Ca7riel más gutural que nunca trajo el pogo más violento de todos y puso sobre la mesa el gusto todavía vigente en los más jóvenes por el thrash metal y sus diversas ramas.

“¡Cómo se picó papaaaaaaaaa!” gritó el espigado frontman desde atrás de todo, para luego dar pie al enlace entre “McFly” y “Todo El Día”; sus dos más recientes temas solistas mostraron una poderosa conexión que va mucho más allá de los videoclips oficiales: convirtiendo al recinto en un sótano húmedo y sucio, desataron una rave extremadamente ácida que encontró en el galope de la batería y en la monumental potencia física de Ca7riel y Paco su principal fuente de combustión.

La introducción a puro headbanging con un riff clásico bien thrash fue más que suficiente como para tenderle la alfombra roja a Dillom -otro de esos músicos criados en la suciedad del punk- con quien llevaron la propuesta hacia el metal más oscuro y brutal, justificando y enalteciendo la famosa (y poco respetada, cuestión de capacidades) esencia deforme y sangrante del trap. Luces prendidas, momento para agradecer y marcar el camino a seguir para triunfar: “Siempre con los pibes loco, nunca solos” exclamaron casi al unísono luego de nombrar a todos los integrantes de la banda y de su crew; pura sangre callejera, WOS devolvió el favor de las noches anteriores a su amigo Ca7riel para que el lugar se venga abajo de la mano del vaporwave asesino y candente de “Klapaucius”.

Después de jugar un poco con el estribillo de “Qué Calor” de Los Pibes Chorros –otra particularidad que trae a colación el viejo concepto de “plebeyización”–, estos dos inefables amigos detonaron la casa estrenando ese experimento house mitad paródico, mitad auto-consciente, llamado “Cono Hielo”. Tema del verano sin duda alguna, lejos está de ser una rendición: allí donde muchos ven un estilo de vida, un aspiracional absoluto, ellos ven algo para esquivar, burlar y (¿Por qué no?) aprovechar. Como bien explica Ca7riel en una entrevista realizada por Mariano Del Águila en la Revista Anfibia: “Después llegó Paquito al mic y las necesidades cambiaron, fueron otras ¿Ganar dinero? ¿Por qué no? ¿Por qué no meternos en este ambiente, y ganar dinero?”. Si uno de los pilares del trap es la autenticidad, nadie podrá decir que ambos no dejaron en claro las razones por las que decidieron meterse de lleno en la escena.

Y de eso se trata, pues los purismos nunca son buenos, sin importar para que lado del espectro ideológico apunten. Catriel y Ulises quieren hacer dinero, pero respetan profundamente al trap al punto de buscarle las mil y una vueltas de tuerca con el objetivo de hacer evolucionar su sonido. Como si fuese una especie de reafirmación de todo esto, el cierre con el heavy metal y el rock industrial de “Jala Jala” fue un fiel reflejo de la oscuridad que reside en su interior y que los impulsa día a día. Fuego a sus espaldas, el corazón de una fábrica metalúrgica en pleno funcionamiento, quedando derretidas las estructuras metálicas del recinto mientras los dos artistas del momento se repartían entre las onomatopeyas selváticas y el mosh más enloquecido posible.

Exhibiéndose como los grandes outsiders del trap, Ca7riel & Paco Amoroso brillaron en una noche que estuvo marcada por la oscuridad conceptual, la agresividad sonora y el total desparpajo escénico. Cultores de la deformidad género-estilística, lo cierto es que pusieron sobre la mesa grande el hecho de que, dentro de la nueva generación, también hay lugar para el disfrute del rock pesado y del punk originario ¿Y saben qué? Eso está mucho más que bien. Lo entendemos por completo.

Por Rodrigo López Vázquez

21 notes · View notes

suburbanaco · 5 years ago

Text

Mateusfazenorock (entrevista)

Por Uirá dos Reis

Dias depois do lançamento de seu disco “Rolê nas Ruínas” (e depois de infinitas audições em looping) decidi chegar junto do Mateus e conversar sobre seu disco, o que me levou a pensar em outras questões que estão presentes no álbum, que é um disco de rock incomum (o que é uma pena, obviamente), livre ao ponto de passear por quantas paisagens e culturas musicais se queira, com melodias por vezes dançantes, as vozes por vezes sacanas e tudo abertamente corpóreo, seja para o sexo, para a festa, para a luta ou para a morte. Rock and Roll. E funk e reggae e MPB: Rock de Favela. Suas letras trazem temas muito sérios que, não obstante me tocam diretamente, como o racismo ou questões de classe. Decidi me convidar para entrevista-lo por e-mail e assim fizemos por algumas semanas – que ele me impôs um hiato profundo até que voltou com a explicação já no título do email da manhã: “Demorei mas mandei. Foi mal a demora, andei introspectivo e com dificuldade em verbalizar as coisas”. Salve, Mateus Fazeno Rock!

Foto da capa de Nay Oliveira e arte de Fluxo Marginal

Ouça “Rolê nas Ruínas”: https://www.youtube.com/playlist?list=PLLNpitdnzc837Er9ofKK2CXLsY3KRnvlf

Percebo que há em seu trabalho um interesse forte na letra. Em todas as suas canções o que é dito através da letra, que resvala na música, nos arranjos e por fim na performance, tem importância declarada. O que entrou primeiro em sua vida, a literatura ou a música?

Passei um tempão refletindo pra responder essa. Precisei ir lá na infância, mas na real com essa pergunta posso pensar em várias fases da minha vida. Se for na infância a música, com certeza a música. Tive várias formas de receber essa arte. Meu avô comprou um violão pra um amigo seu tocar aqui em casa aos domingos e esse violão foi o instrumento que usei pra fazer barulho bem cedo, antes disso teve a bateria de panela também. Mas se formos falar de um processo mais consciente a minha imersão nos saraus lá pra 2008 numa praça aqui perto de casa, me fez exercitar as duas linguagens de forma conjunta. Poesia e música. Se bem que a leitura também foi bem compartilhada na infância pq enquanto eu era criança minha mãe tentava retomar os estudos e passar no vestibular então liamos juntos. Não tenho um pai então muito do meu aprendizado tem a ver com momentos em casa com minha mãe, vó e vô.

O seu projeto tem um nome curioso que aponta pra um estilo musical específico, o rock, e que a partir deste nome seu disco poderia ter sido de muitas maneiras no que diz respeito ao som/sonoridades. Você evoca esse estilo musical – e ele está presente na energia de todas as faixas, certamente – mas não se prende a ele. É bonito isso, porque me parece que você está mais devotado à favela que ao rock, uma vez que existe o funk ali, o rap ali, por vezes a percussão tem mais importância que a guitarra... A atitude do seu álbum, digamos assim, é rock, funk ou rap? Quais elementos dentro dessas três culturas te interessam e influenciam?

O que me interessa nesses três caminhos de música, é que suas essências apontam prás festividades e histórias de um povo em seus territórios. Evocam libertação. Percorrem caminhos contrários aos apontados pelo mundo branco. Aos mesmo tempo é contraditório pq usei no disco como referência o Nirvana/Kurt Cobain, um representante bem branco do mundo do rock que marcou com certeza muito forte meu interesse pela música e pelo som. Mas quis e quero ir mais fundo e sei que fazer rock é muito sobre contar histórias e que existe um mundo imenso submerso por fontes limitadas de informação.

youtube

Seu disco é claramente um disco extra-Regional II. Não me parece que lá alguém faria um disco de rock que não fosse indie em alguma medida, e também acho que jamais olhariam para o funk com tanta intimidade ao ponto de colocar em seu rock elementos do próprio funk brasileiro. Bom, você é um rapaz da Regional VI, do bairro da Sapiranga na periferia de Fortaleza, vizinho da minha amada Messejana, que é de onde venho. Como ter sido criado num bairro da periferia de Fortaleza, com seus sons, morais e ritmos próprios (bem diferentes dos sons, morais e ritmos da classe média), tendo estudado em escola pública de bairro, te afeta como artista e como pessoa sobretudo quando em contato com esses novos círculos sócio-culturais aos quais, suponho, agora te são permitidos o acesso por conta da arte?

Ainda não são meus espaços. Só me sinto bem quando não estou sozinho nos pontos de arte tido como centrais. Agradeço por ter encontrado estima e poder pra pensar sobre meu passado presente futuro e fazer algo com isso. E também por ver hoje vaaarios pivete na Sapiranga fazendo coisas incríveis. Mas também um salve pras que crescero cmg e hoje fazem coisas incríveis por aí, roberta kaya, lelé, mario magno! Não espero estar em relação de dependência com os espaços centrais e espero encontrar meios de sobrevivência a parte desses pactos.

A arte salva?

Não sei. Acho que não. Pelo menos não sozinha ou não da forma que ela é utilizada hoje. Pra eu ficar pelo menos bem preciso de tanta coisa que a arte não dá conta. Um chão, memória, comida, paciência, família. Arte pode caminhar com tudo isso, mas sozinha ela não dá conta.

Gostaria que você me contasse um pouco da história do disco “Rolê nas Ruínas”, que é produzido por Rami (Freitas) e tem presença imensa do Caiô e do Nego Célio. Me conta como isso se foi desenhando, como se foi construindo esse grupo e esse trampo, também me conta como se deu a aproximação com cada pessoa envolvida no trabalho?

Acho que fui entendendo aos poucos o que eu tava fazendo. Em 2017 eu tava pensando em gravar um EP com 5 músicas, de músicas que eu escrevi entre 2016 e 2017. A ideia era um trabalho apenas com vozes e se surgisse algum instrumento, que fosse sutil. No final, a vida foi andando e não rolou. Em 2018 foi que eu comecei a reunir outras músicas que já vinha compondo nesse caminho e pensar o que fazer com elas. Tinha acabado de me conectar com o Caiô e com o Célio. Separadamente, cada um em um contexto. Sendo que, na real, o Caio eu conheço desde 2011 através da Viviane Brasil grande amiga que já trabalhamos juntos no projeto dela. Eu, ela e Roberta. Enfim. Comecei a mostrar as músicas pro Caio, na verdade, já estávamos nessa troca. Fizemos até uma música juntos e íamos gravar. Aí propus da gente criar esse projeto mais voltado pro rock, Não vou dizer o nome rsrs talvez isso seja algo mais à frente. Enfim chegamos a gravar guia de slowmotion e de outra que acabou não entrando quando rolou a cisão. Que tipo, Caio precisava cuidar do outragalera e eu precisava muito fazer isso se não enlouquecia. Então decidi focar apenas em produzir o disco sem pensar em fazer show nem nada disso. Mas aí quando abri o processo na internet foram rolando convites e eu entendi esse movimento como uma parte importante para compreender e evoluir com o que eu tava fazendo, também foi fundamental pra eu conseguir alguma grana que apoiasse de alguma forma a produção, fiz algumas apresentações com cachê 100, 200 que me ajudaram bastante (embora eu tenha tido que trabalhar de mil outras formas pra conseguir custear os processos de produção). Quanto a participação do Caio e do Célio foi bem natural pq paralelo a isso, fizemos um som juntos chamado A guerra entre nós e esse som foi fundante de um espaço/conexão que é pra nós uma base de trabalho, a Espelho Negro. Temos algumas músicas lançadas juntos e outras na gaveta mas muitooo desse processo foi compartilhado com eles, então natural mais que natural eles estarem tão presentes. Porque são presentes na minha vida também. Quanto ao Rami já trabalhamos juntos a cinco anos em vááárias missões. Confio muito nele e o acho incrível e sensível demais e sabia que ele me compreenderia sonoramente, então partiu!

Complementando, não queria deixar de fora Nay nem Arara nem fluxo nem Gustavo Portela nem Eric. Porque todas essas pessoas são importantes pra mim e foram muito importantes para a construção do trabalho mas também fico naquela, de a resposta ser muito longa. Então só agradeço muito que essas pessoas estejam presente, pra além desse trabalho em outros e pra além do trabalho amo e admiro tods.

youtube

Mateus com Eric Lennon e Rami Freitas

Como é você criando? Obcecado? Ou lida de boa com as ideias martelando na cabeça, e faz uma coisa, faz outra, volta, faz de novo, faz algo novo... Como funciona a criação pra você?

Depende muito da fase/etapa ou de como aquilo que tá surgindo mexe comigo. No geral eu to sempre tentando fazer música kkkkk as vezes fico fazendo várias coisas, apenas como exercício de compor, de testar melodias, palavras, ritmos. Acho que as músicas que foram a frente nesse disco, por exemplo; elas me vieram muito ao acaso, no sentido de que só depois que eu faço, eu percebo o quanto aquilo mexeu comigo e me instigou a ficar repetindo. Algumas vieram praticamente inteiras duma veizada só... Do Harlem a Cajazeiras, eu fiz na rua vindo da casa da roberta pra minha (ela mora na rua logo aqui ao lado). Trilha Sonora também foi de uma vezzz. Agora teve música como Missa Negra que eu fiz uns versos numa semana, mandei pra algumas pessoas pra ver se instigavam a terminar comigo ou só mesmo pra trocar ideia. E na repetição aqui em casa é que foram surgindo os outros versos. Acho que também quando faço um versinho que gosto muito de cantar e tocar e mexe comigo, eu fico repetindo mil vezes durante vários dias, mudando a forma, mexendo com ele e aí isso vai se desenhando e evoluindo e ganhando forma. Minha forma de compor mudou muito da adolescência pra cá, as músicas que fazia mais novo, vinham muito de imaginar possíveis situações ou me inspirar em narrativas de livros que lia e hoje acho que as palavras estão pregadas no meu corpo.

Sua presença no palco é muito marcante porque sempre coloca o público numa espécie de deleite afirmativo que é muito bonito. As pessoas costumam estar felizes em te ver, estão emocionadas, agitadas, se reconhecendo em algo que é vigoroso e bonito, e elas sabem disso. E você tem uma extensão vocal acima da média dentre os cantores e uma voz muito linda, mas também é impressionante o seu corpo em cena, porque toda sua expressão é poderosa. Você falou de ter feito CPBT ainda em 2012. Qual a importância da performance no seu trabalho como músico? A atuação te interessa? Já atuou? Se sim, pode falar dessa experiência?

Estudei teatro pelo CPBT 2012 e atualmente faço formação continuada em teatro na Vila das Artes. Me interesso pelo teatro desde 2011 mas as ações que fiz no teatro sempre foram muito pontuais e espaçadas. Não sei exatamente se o que faço no palco com a música tem a ver com o teatro. Porque refletindo aqui me vejo como um ator muito imaturo e destreinado. Acho que o que acontece no show tem muito mais a ver com a minha vontade de estar ali, e quando não consigo colocar minha energia ali por algum bloqueio que eu sinta, saio triste.

A primeira vez que te vi, e já tem uns bons anos, foi na banda Casa de Velho. Eu já era amigo do Marcus e do Rami. Essa foi a primeira banda da qual você participou? Teve algo antes? Você falou dos saraus no seu bairro em 2008, conta um pouco também dessa experiência?

Minha primeira banda foi com 14 anos, mas ficava só ensaiando kkkkk juntando os trocados e indo pra estúdio ruim tocar sem se ouvir kkkkkk ! Depois participei de um projeto chamado Arte no Beco, que surge no contexto desses saraus. Era muito ligado a um movimento político que era ativo no meu bairro na época e nós ensaiávamos na praça e tinha prática de ensinar pra pivetada tocar percussão. Nesse projeto eu passei por todas as funções, percussão, violão. Guitarra, baixo e voz. Depois entrei no CPBT 2012 (Curso Princípios Básicos de Teatro, que acontece no Theatro José de Alencar) e conheci a Viviane Brasil, aí nessa época eu e Roberta Kaya tocamos num projeto pensado pela Vivi. Eram músicas da Vivi, e a gente tinha muito forte nesse projeto o lance de construir arranjos com as 3 vozes. Foi muito importante essa experiência pra mim. Depois segui um tempo experimentando coisas eu e Roberta, chegamos a nos apresentar algumas vezes. Faziamos versões de diversas músicas. Eu gostava muito. Só depois veio a Casa de Vei.

youtube

Foto Nay Oliveira

FAIXA A FAIXA

As letras, por Mateus Fazeno Rock:

1. AS VOZES DA CABEÇA

Sei que não parece uma ligação direta mas me inspirei de alguma forma nos Os Tincoãs pra fazer essa música e por isso também compartilhei com meus amigos. O nome inclusive veio antes de eles fazerem a parte deles, o Caio escreveu primeiro, o manda bala dele vinha logo depois que terminava minha parte e a gente mandou áudio pro Célio, depois fui pra casa do Célio e ele tinha feito a parte dele. É sobre dores e revolta, e fragilidades e nossa saúde física e mental. Aquilo que a gente sente na pele, diretamente na pele.

2.BEMLETINHA/SLOWMOTION

Sentimento de vulnerabilidade na volta pra casa. O que costumam ver sobre meu corpo é que causo medo quando volto a noite. Esteja eu lombrado ou não. Mas o medo é meu e é real, de morrer por tá passando num lugar que eu não devia tá passando, de alguém achar que vou roubar e decidir me espancar, ou de a polícia ficar com raiva por não achar nada nas minhas coisas e começar a me bater (como já aconteceu bem mais de uma vez.)

3.LEGAL LEGAL

A gente costuma ter patrões brancos, contratantes brancos enfim, gente que tem poder e grana, brancos. E por conta disso ficar de alguma forma condicionado às escolhas dessas pessoas e que situações de trabalho ou de estrutura vamos ter. É uma resposta a isso, a alguns desrespeitos que já passei ao longo da vida em trabalhos artísticos ou não. Teve uma situação mt especifica que aconteceu no dia que fiz essa, que inclusive veio de uma vez só (a música). Mas é isso, quem é vai entender.

4.AQUELA ULTRAVIOLÊNCIA

A música é do Caiô, e me vejo nela pela semelhança dos processos de vida e de entendimento das próprias ações e também do que nos sujeitamos quando relacionamos nossa vida e nossas histórias de vida com os playboy. Não vai existir cuidado com nossa saúde e é isso. Desviar.

5. NÉVOA

Não sei muito o que dizer sobre essa. É sobre paixão, sobre momento, sobre encontrar alguém e os mistérios que tem nisso.

6. MELÔDODJAVAN

Essa acho que a letra não deixa dúvidas. Posso tá enganado, obviamente. Mas é muito um pensamento sobre mim, minha voz, meu corpo, as condições que tenho pra trabalhar, minhas inspirações, meus motivos pra continuar ou parar. E gosto do Djavan que surge como adjetivo nessa música.

7. MISSA NEGRA

Ai, poderia escrever muitas coisas sobre essa música. Mas vou resumir. É lazer da favela, da juventude afroindígena urbana favelada. O percurso, as contradições, os conflitos territoriais no encontro de muita gente, o lícito e o proibido. É sobre nosso lazer por si só ser criminalizado. Nossa reunião é criminalizada.

8. DO HARLEM A CAJAZEIRAS

Outra que também que não sei se precisa falar muito. O genocídio, a direção do genocídio, a atualização do genocídio. A precarização e a violência sobre gente preta, gente indígena e favelada. É recorrente mas tratada como casos isolados e não vinculados. Mas estão todas historicamente e estruturalmente ligadas.

9. TRILHA SONORA PARA O FIM DO MUNDO

Essa eu sinceramente não sei explicar muito bem. Ela tem muito a ver com todas as outras. E na minha cabeça é como se fosse uma caminhada, mas não uma caminhada comum, uma caminhada do meu corpo no cosmos, eu penso sobre meu encontro com o mundo branco, os baques, os caminhos de vida e de morte, penso no passado no futuro, no que me acolhe e no que me mata. É isso. É trilha dos vários sentidos da palavra trilha.

Foto Nay Oliveira

2 notes · View notes

somosnadaylibres · 7 years ago

Text

PLAYLIST: Rap de España que deben escuchar VOL.1

El rap en España ha marcado el punto en lo que a evolución de éste movimiento hispano es, potencia del rap en español; por eso he vuelto con un top ─el primero del que espero sean unos cuantos─ para rendir homenaje de aquellas canciones en las que a mi y algunos más nos hicieron cabecear y cantar hasta dejar seca la garganta. Afinad el oído y comencemos:

Dejo claro antes de empezar que ningún tema está valorado por encima de otro, ignoren las posiciones.

1. Erick Hervé, YonGreek ─ Thats all we need (ft. P. Bautista)

Prod. YekeBoy – Año: 2015 – Tema Inédito

youtube

Pisando vidrios y rompiendo televisores, mientras que la gente se amontona delante en un concierto de Erick coreando la canción, así se siente escuchar esto.

Un inédito de la mano mágica de YekeBoy en las máquinas y el saxo de P. Bautista al inicio de la canción hace que te conectes desde los primeros diez segundos. Maravillosas metáforas se encuentra en las letras al mando del buen e infravalorado Erick Hervé y YonGreek. El tema muy por encima del videoclip (ni pena, ni gloria), y si mal no recuerdo, es la primera entrega de la dupla del este, actualmente conocida como M.O.M desde su disco del 2017 del mismo nombre.

2. Dheformer Galinier & Toteking – Escupiéndolo

Prod. Drama Theme – Año: 2016 – Albúm: Tyson Pigeons

youtube

Sargento de Artillería Hartman gritándoles en la cara, es la única imagen que se me ocurrió para definir éste tema. Una exquisitez de rimas tan hardcore que lloró hasta el último de la fila.

El abreboca del Tyson Pigeons, teniendo a dos de los mejores liricistas de España con esencia traída del foso de mano de Drama Theme ¿qué se esperan?

3. Dano & Emelvi – Equilibrio

Prod. Emelvi – Año: 2013 – Albúm: Equilibrio

youtube

Cigarrillos, alcohol, madrugada y ganas de escribir con lo que te rodea, o café, tardes de colores intenso y ganas de escribir con lo que te rodea; la atmósfera está clara, transmite calma y abraza los 90’s.

Homónimo del disco, nos regalan un pedacito de lo que se sienten por la música, Emelvi nos trae una exquisitez para acariciar tímpanos con semejante sample y detrás sale Dano con una bandera en mano diciéndonos: ‘’Somos déspotas…’’. Un repaso bien underground.

4. Elio Toffana – Santo Padre

Prod. Dano – Año: 2016 – Albúm: Espíritu de nuestro tiempo

youtube

La duda ve su reflejo, con la soga en el cuello buscando ayuda un noche de desesperación.

Otro sonido del sello Ziontifik, producción servida por Dano y LA LETRA, señores, LA LETRA cortesía de Elio y la confusión entre la lección o el abrazo a un bloque de cemento que lo hunde más, del barrio pura y dura. La visión que presenta este tema es la guía del disco, es necesaria, denle una oportunidad.

5. C. Tangana ─ Diez Años

Prod. Nesan – Año: 2011 ─ Albúm: Agorazein

youtube

El viaje por el mundo del rap, Michael Jackson y la cátedra de Antón. Del primer disco de su metamorfosis de Crema a C. Tangana es un dulce nostálgico para los que añoramos y de vez en cuando volvemos a ese boombap que nos encanta.

6. Kase.O ─ Repartiendo Arte

Prod. Kase.O, Gonzalo Lasheras & Juez One – Año: 2016 ─ Albúm: El Círculo, Previo (EP)

El viaje consciente hacia otro mundo: el mundo de las ideas. La base oculta para que se luzca la letra ─como suele suceder en el rap─ , Javier visita el mundo del arte, la ciencia y el infinito, para dar con su espíritu.

La secuencia y el trazado del beat hacen un nudo precioso y preciso, exponiendo la belleza del verso y el sonido.

Es un buen ejemplo de armonización y composición musical; el profundo mensaje de la filosofía, la física y la matemática nunca se nos había presentado tan exquisito. Se puede decir que el concepto de todo el tema en general bebe mucho de lo que es el art rock y rock psicodélico, como Pink Floyd (o al menos eso se percibe la primera vez si estás familiarizado).

Este tema forma sin ninguna duda, una de las mejores composiciones de rap en español; súbanse a esa nave.

https://www.youtube.com/watch?v=1vbZMpRTT5M

7. Vito ─ Ventana a una nube

Prod. Acid Lemon ─ Año: 2016 ─ Albúm: Itinerarios

El viaje más nostálgico a la infancia, el retrato de un niño hastiado del dictado de la maestra y el trazo largo del viaje que lo estresa y lo inquieta. Duele bonito ese recuerdo .

Vito de lo mejor que tiene España en letras, y sus duplas con Acid Lemon siempre dejan el sentimiento de volver a escucharlo una y otra y otra vez…

https://www.youtube.com/watch?v=KEbKEthJMyM

8. Kase.O – A Solas con un ritmo

Prod. R d Rumba ─ Año : 1999 ─ Albúm: Genios

No necesita presentación, métrica estructura y rap bien rap. Dos versiones brutales de esta tema, una en jazz.

https://www.youtube.com/watch?v=nof_76jLoHg

https://www.youtube.com/watch?v=5EzrVrr88fY (versión jazz)

9. Vito & Acid Lemon - Óleos (ft. Sharif & Morgan)

Prod. Acid Lemon ─ Año: 2015 ─ Albúm: El Taller

¿Otro tema de Vito en la lista? Pues si, pero con acompañantes de lujo Sharif El Increíble, Morgan y scratches de Gordo del Funk. ‘’… cada palabra es sagrada.’’ Dice Sharif en el tema, y es cierto, es la mezcla del dolor y el olvido de manera muy bonita, está repleto de rimas entrañables.

https://www.youtube.com/watch?v=7TREniZeX8E

10. Suite Soprano – Crucificado (ft. Dheformer Galinier)

Prod. Stash House ─ Año: 2014 ─ Albúm: Domenica

Sólo escúchenlo.

https://www.youtube.com/watch?v=pV1Ki_ebcbQ

ALGUNOS BONUS TRACK:

Delaossa, Chicolisto, Raggio, Saske & Dheformer Galinier – Turin 97

Prod. JMOODS ─ Año: 2017 ─ Tema Inédito

https://www.youtube.com/watch?v=0nL0m_0hKWo

Kase.O ─ Viejos Ciegos (ft. Sho-Hai & Xhelazz)

Prod. Big Hozone ─ Año: 2016 ─ Albúm: El Círculo

https://www.youtube.com/watch?v=SUbpqZgAQ2k

2 notes · View notes

juliancallejo · 4 years ago

Text

El Hombre Viento

Del Amor y otras Historias (2019)

Una mañana me levanté pensando que los tiempos requerían épica, que la lírica ni nos llevó ni nos iba a llevar a ninguna parte. O, una mañana me levanté. Una mañana más. Entonces (después de un poco de mañana) puse Del Amor y otras Historias, el nuevo disco de El Hombre Viento, y me encontré escuchando su primer corte, Se lo Llevaron Todo, una canción política, pero y sobre todo, orgullosamente lírica. Una lectura política del presente bélico, del seguro desfile del capitalismo triunfante en el que la batalla es el desahucio, la derrota la miseria, y el consuelo es lo que queda, lo que todavía no puede acotarse ni venderse: un atardecer, los sentimientos; la lírica, de manos de la política, de manos de lo personal: después de las derrotas, cantada en primera persona y entonada como un himno miliciano en medio del campo de la muerte. Hay muchas derrotas que digerir y vamos a necesitar bálsamos como el de este texto, para volver a ponernos en pie. Frescos con la escala, la sencillez y la parquedad necesarios. Con la convicción gigante de Diego Rivera y la potencia narrativa del desierto jordano de David Lean. Las bases secas y vibrantes, los scratches de ecos de voces no inteligibles (¿fantasmas?) y un solo de violín hecho con rabia satánica, queda hecha la canción. Y nos quedamos en ese desierto en el que, parece, no queda espacio para otra cosa que la derrota, es donde la dignidad tiene que pasar los días que pueda resistir.

youtube

Después de un exceso tal, parece que no puede quedar mucho más que encontrar en ese disco/carrera/páramo. Pero Del Amor y Otras Historias continua caminando tema a tema sobre el mismo foco: el detalle. La sociedad de las redes, la suciedad del contacto, el demonio el gluten y el fin de la humanidad, dibujados con un gesto tan olvidado como dar la mano, a ritmo de folk, funk y jazz. La prevalencia de la naturaleza como mapa para cualquier vida (la luna perdida en una charca, testigo indiferente de nuestra grandiosa y solitaria vida de mierda, atrapada en los charcos de una metrópoli colosal, la más grande de todas), concebida al son de las percusiones, dibujando con ritmo, impasible e incitador, y un relato de confusión, de serenidad perdida, de soledad noctámbula, con cita cinéfila del Moonlight de Barry Jenkins. La añoranza y el llanto, el recuerdo físico de la pérdida debajo del estruendo (que una vez más nos ignora, demasiado grande para tenernos en cuenta) de una tormenta de verano, y un coqueteo muy sui géneris con el trap y (tal vez) el trip-hop; y, finalmente, el deseo, el sexo, de nuevo en el camino de la electrónica, la pieza musicalmente más extraña de todas, y una metáfora fálica y brutalista pero dulce, basada en la imagen de la labranza, como cierre de un viaje que pasa del fresco de la batalla recién resuelta a una gota de semen sobre la tierra seca, sobre la amante perdida, sobre la Esposa Naturaleza.

Esos son los cinco primeros temas: cinco pequeños dibujos que van de lo épico a lo lírico, de una manera que es la de El Hombre Viento (y que, así de inconcreta, podria definir toda su obra musical y los textos que contiene). Cinco carboncillos que narran episodios dispersos, bocetan ideas o muestran instantes: cinco piezas de grandeza inmortal y precaria que a la vez, que definen su forma de ver la realidad de: la llamada de la soledad, un espíritu gruñón y eremita que parece anhelar y renegar del bullicioso Viernes y que contempla con desdén los giros del tiempo presente.

Es extraño como la aparición de Arziniega, a la mitad del disco, crea una especie de antes/después en la narración, abriendo un segundo acto de textos más íntimos y personales que nos va a contar la historia de una caída (y que cerrarían un círculo que arrancaría, de nuevo en Se lo Llevaron Todo). Las colaboraciones en el rap suelen funcionar por afinidades prácticas, que dejan la coherencia de lo que se ha grabado para después, pero parece que El Hombre Viento ha entendido que Arziniega podía crear esa inflexión, con sus versos rudos (su manera ruda de rapearlos) y existencialistas, hacia lo que viene después, y que ha sabido ponerlo a correr hacia el lugar preciso.

Correr. Otra de esas pequeñeces que definen la forma práctica y mágica de entender que la pieza que falta en el propio rompecabezas, la tiene otro. Arziniega ya se mimetizaba en el folk de ultramar de su anterior disco, y en este trabajo su aportación cae a plomo sobre la melancolía terrena de los pequeños frescos de El Hombre Viento, pero aquí, con su forma de recitar apresurada y seca casi parece estar intencionadamente rompiendo la serenidad flotante del disco. Incluso su sonoridad, basada en una secuencia de piano que se disuelve en una base que circula entre el folk y el jazz, quizás (ojalá acierte) con la vista puesta en la tristeza dejada y compleja de Portishead.

Paul Bunyan es el leñador gigante. El ego masculino. Tal vez, una auto-parodia. Abre como un nuevo comienzo, como la cara B, Capitulo primero. La edad de la confianza, el tiempo de las maravillas, el mundo desde los hombros de un gigante de camisa de cuadros que todo lo alcanza y todo lo tiene, mientras danza al ritmo de las guitarras, los violines y los cueros. Y aunque parezca desde fuera eso, una parodia, suena tan dichoso como podemos recordar, tan hermoso como se ve el Noé de Aronofsky. La voz distorsionada podría ser así para representar una otredad, una casualidad, un disfraz, un gigante cabezón que baila sin saber para qué.

Tres suena a canto de la plenitud, pero acompañada. La pareja. 3000 Días, su final. Canciones gemelas, rítmicamente muy similares (el número 3 de los títulos parece reforzar esa conexión) y con un sonido relativamente parecido: basado en los bajos y los bombos la primera, en el bajo y el piano la segunda. Quizás el matiz está en que la primera está escrita de forma coral por tres personas y establece con la química de los tres intérpretes (creo que sobre todo, la de la brillante Rocío Barig) la sensación del amor en su estado de euforia y seguridad: la base es lo bastante seca para no estorbar esa plenitud; y, la segunda, es capaz de recrear las sensaciones de un fin de ciclo sentimental sin reproches, dándole un giro conceptual al bolero clásico (en el que guste o no, se apoyan todos los raperos que hablan de desamor) que merece la pena escuchar con calma: la línea de bajo es una rareza en el disco y los platos arañando al fondo, el conjunto que la hacen tan peculiar y anticuada.

(Y ya tenemos la historia: el amor que derribó al gigante bobo).

Dos canciones sobre el sexo (¿el sexo desubicado de los separados?), una dedicada a su perro y su forma de lidiar con el dolor, la orfandad, el deseo y el extraño vertedero que es el mundo, y que se identifica inmediatamente con el hombre que lo acompaña. Y, otra, a los amoríos noctámbulos, que casi pudiera ser una recreación del género del amor fugaz que nos hemos comido los que tenemos cierta edad y hemos vivido la era dorada de la música ligera, con una carga lírica similar, y un noctambulismo que habla de heridas curando y tenebrosos lugares de caza iluminados con el amarillo de las ciudades y el azul de la luna, sonorizados con una trompeta.

Y, finalmente el cierre en desolación. El reverso de la batalla, el corazón roto y de nuevo el desierto, esta vez el personal: la soledad. Estructuralmente es muy parecida a Correr: un piano dando entrada a lo tenebroso y una secuencia de Beats para crear el espacio narrativo, basado en repetir «ya no queda nada» como letanía contrapuesta a la del piano. Después, silencio.

La estructuras circulares con que ha ordenado las canciones, creando dos momentos de desolación expandidos en vitalismo convierten este disco en una experiencia dulci-agria, o casi triste. Una suerte de reverso/epílogo para el anterior. Correr sin duda marca el compás y nos lleva, en círculos, a la misma ruta de alegrías, decepciones, injusticias, deseos y naturaleza, en una suerte de reiteración que, posiblemente, termine con la muerte.

La electrónica, algo de jazz, algo de folk, y un sonido mimado y sutil construyen el sonido de todo el periplo que hay en este disco. Quizas las distorsiones vocales sean la novedad más llamativa. Sobre todo porque algunos temas están en la línea fronteriza del trap, ese género del que todos hablan, del que todos reniegan, pero que podría estar aportando una buena dosis de novedades a la música contemporánea, de la que no somos conscientes. Sobre todo, crear unas texturas capaces de acoger el relato introspectivo y la irrupción de los sentimientos en esa parcela de la música electrónica llamada rap.

El Hombre Viento podría ser el hombre perplejo. Minucioso y desencantado, ha conseguido crear su propio lenguaje y hacer que las canciones suenen justas, talladas para su texto, para ese, para ningún otro. Es más, después de haber fabricado lo que debiera ser su obra cumbre, 12 Canciones Casi Alegres, este disco casi parecía innecesario, e incluso llegó a plantearse dejar su carrera musical y ocuparse de otras cosas: pero ahí están la forma, el contenido, perfectos, nuevos, brillantes, vibrante y emotivo como los anteriores, con los mismos rasgos, los mismos ademanes, los mismos gestos. Igual a sus hermanos, pero perfecto en su forma de dibujar el eco de la vida, de anudar otro tonto apremio de apremios en la garganta. Otra mañana, queremos seguir vivos, queremos hacer un disco, queremos repetir la misma faena porque quizás, lo próximo no se pueda tocar. Bendita rutina.

youtube

#Youtube

0 notes

haitilegends · 6 years ago

Text

Tabou Combo: la légende à faire danser

Auteur: Yves Bernard/Le Devoir (19 juillet 2014)

À travers ses 45 ans d’existence, Tabou Combo est devenu la référence absolue du konpa, le genre populaire national d’Haïti. On appelle affectueusement certains de ses membres fondateurs Shoubou, Fanfan et Kapi, comme on dit John, Paul, George, Ringo et… Jagger. Ils sont de la même génération et sont à leur pays ce que les Britanniques sont à la pop mondiale. Ce dimanche, ils s’amènent au Parterre du Quartier des spectacles pour un concert extérieur gratuit en clôture du Festival international Nuits d’Afrique. Tabou Combo est la véritable machine à danser en créole.

« Nous sommes toujours cinq membres originaux », affirme le chanteur Yves Joseph, dit « Fanfan », qui est l’un d’entre eux. « Étant donné que nous sommes treize sur scène, nous avons des jeunes qui nous accompagnent dans cette aventure. Ça nous aide à maintenir l’énergie. Et ils apportent beaucoup d’innovations. Par exemple, sur le plan de la technologie, ce sont eux qui ont grandi là-dedans, alors que nous, nous sommes de l’époque où il fallait savoir jouer d’un instrument pour être musicien. Mais on essaie de maintenir notre style et on ne veut pas trop s’aventurer dans les musiques qui se font maintenant. »

Tabou Combo représente la troisième génération du konpa haïtien. Il y eut d’abord la révolution de Nemours Jean-Baptiste, qui a créé le konpa direct en 1955 en ralentissant le merengue dominicain, en rendant le groove plus lascif, en s’abreuvant de l’esprit des conjuntos tipicos cubains, en créant une nouvelle musique avec tambour, cloches et batterie, tout en conservant les cuivres des big bands.

Générations konpa

Puis, en réaction contre Nemours Jean-Baptiste et sous l’influence des Beatles, ce fut la période des mini-jazz, les mini-groupes qui ont réduit le nombre de musiciens en éliminant les cuivres et en proposant une musique à base de guitares, mais à la manière créole. Lorsque Los Incognitos ont pris le nom de Tabou Combo en 1969, leurs musiciens se réclamaient de cette tendance. Puis, pour le groupe, ce fut successivement la séparation, l’exil à Brooklyn, la re-formation, la création du konpa funk, l’ajout des cuivres et l’adaptation à la nouvelle concurrence antillaise, du zouk à la musique racine et aux nouvelles musiques urbaines. En dépit des impondérables, Tabou Combo a créé la troisième génération du konpa.

Sous la dictature des Duvalier, le groupe avait écrit des chansons sociales, mais en déguisant souvent les textes. Le processus d’écriture se déroule maintenant de façon plus libre, et le plus récent disque Konpa to the World, paru en 2010, en témoigne. « Ce disque a été conçu comme un clin d’oeil à l’Afrique, parce qu’en 2010, certains pays africains célébraient le 50e anniversaire de leur indépendance. On y rappelle Patrice Lumumba que nous admirions beaucoup. On a même interprété Indépendance cha cha, un classique en l’honneur de l’indépendance du Congo de la Belgique », raconte Yves Joseph.

Et quels sont les rapports du groupe avec Michel Martelly, actuel président haïtien et ex-garnement du konpa ? « C’est un mordu de Tabou Combo. On a sorti un titre sur lequel il veut chanter. Il nous a déclaré qu’à la fin de son mandat, il s’en vient chanter dans le groupe », répond Fanfan, qui semble sérieux. Il parle d’autres projets de collaboration qui pourraient se dessiner avec des artistes de renom. « Après 45 ans et 300 chansons, je pense que ça devient plus difficile de parler de choses légères. On devient très conscients de l’environnement et on essaie aussi de sortir des pièces qui sont significatives au point de vue du jumelage entre les pays. On essaie de collaborer avec Ruben Blades. »

Pour l’instant, restent la puissance de ce groupe conçu pour la scène et sa musique qui, à défaut d’être toujours frénétique, apporte ce sentiment de bonne humeur et sa délicatesse lascive.

Tabou Combo aux Nuits d’Afrique: grande fête au centre-ville

Philipper renaud/Le Devoir (22 juillet 2019)

Comptez sur Tabou Combo pour transformer le parterre du Quartier des spectacles en grand bal populaire. L’aubaine du jour que ce concert gratuit du célèbre orchestre haïtien, venu célébrer hier soir avec les tout-petits et les moins jeunes son demi-siècle de carrière, mélangeant comme à sa festive habitude les rythmes latins et funk au kompa.

Deux heures avant que n’embarque Tabou Combo, la soirée de clôture de la 33e édition du Festival international Nuits d’Afrique avait déjà l’air d’un succès. On faisait la longue file aux comptoirs servant les mets africains et antillais, les enfants courraient partout, ça rigolait fort assis dans les marches ou étendu sur la pelouse du parterre. En plus, il ne faisait pas trop chaud en ce dimanche soir parfait, quoique même la canicule n’aurait freiné l’enthousiasme des amateurs de kompa.

Ni même les quelques couacs de sonorisation qui ont troublé le travail des chanteurs sur scène. Les fans étaient là pour chanter avec eux, de toute façon : après une trompeuse introduction en forme de pop atmosphérique, lorsque les vétérans ont rejoint les plus jeunes accompagnateurs (dont, à la batterie, le fils du cofondateur du groupe, Herman Nau !), le rythme est passé d’un coup à la troisième vitesse et la foule s’est illico allumée. Et ça chantait, comme si tout le monde avait pris part à la répétition ! Plantés que nous étions au milieu du parterre, les chants créoles surgissaient de partout autour, alimentés par le medley de vieilles chansons que nous servait le Tabou Combo, parmi lesquelles l’incontournable New York City.

« C’est comme la prise de la Bastille ! », a lancé Yves « Fanfan » Joseph en observant la foule lever les bras en l’air, les balançant avec le tempo. La sueur nous ruisselait dans le dos, le sourire nous fendait les joues. Une bonne douzaine de musiciens sur scène, la section de cuivres, section rythmique irréprochable, ce synthétiseur au timbre indissociable du kompa moderne, une vraie belle fête qui, plus la soirée avançait, gagnait en intensité, et c’est probablement quand le groupe a déroulé le succès Baissez Bas que cette soirée qu’on annonçait déjà comme un succès s’est définitivement confirmée.

#TabouCombo

#NuitsdAfrique

#LeDevoir

#HugoValcin

#haitilegends #haiti legends #haiti #haitian #konpa #hugo valcin #compas #music #haitian music #kompa #haiti music legends #Tabou Combo

0 notes

megacecilia12-blog · 6 years ago

Text

Sitios nocturnos en Peru

La mayoría de los bailes y clubes, bares y otros lugares de fiesta en Lima, Perú, funcionan hasta muy tarde en la noche, lo que le permite continuar de fiesta durante muchas, muchas horas. Algunos de ellos se dirigen a un público muy joven, otros a personas de 30 años o un poco más; Algunos son conocidos como puntos de recogida. Pero todos los clubes incluidos en esta lista ofrecen excelente música, bebidas de alta calidad, shows en vivo y la posibilidad de divertirse toda la noche.

La mayoría de los clubes que se enumeran aquí están ubicados en Miraflores y Barranco, como Vale Todo o Tequila Rock , que pueden ser convenientes para usted: pero también hemos incluido uno en San Borja y uno en el centro de Lima, en caso de que se encuentre en o cerca de Esos barrios, o si simplemente quieres probar algo diferente. Todos estos clubes están en lugares relativamente seguros, con cámaras de vigilancia y guardias de seguridad.

Sin embargo, hagamos algunas aclaraciones, ya que la etiqueta "club nocturno" puede ser un poco confusa aquí en Lima; en realidad, la mayoría de los lugares que se definen como "clubes nocturnos" en Lima son, de hecho, bordellos disfrazados. Somos conscientes del hecho de que las empresas de entretenimiento para adultos tienen una gran demanda hoy en día, pero para evitar confusiones o malentendidos no deben aparecer aquí, sino en la categoría "burlesca" u otra categoría similar.

ETNIAS BAR CULTURAL

CERCADO DE LIMA

Etnias Bar, un lugar que dice ser un bar cultural, tiene un ambiente "rasta" muy fuerte y se enfoca en brindar a sus clientes experiencias de arte étnico y shows en vivo originales, para que pueda conocer a muchos artistas locales: pero también hay DJ's y Música de baile, e incluso algunos rock de los años 80-90. A diferencia de los lugares para salir por la noche en San Isidro o Miraflores, este no es un lugar moderno ni exclusivo, y los precios de los alimentos y las bebidas son asequibles y razonables, por lo que esta barra de "caleta" (palabra peruana que significa "discreta") sería una buena opción. para salir de fiesta y beber con un grupo de amigos y sin quedarse sin dinero. Una gran pista de baile y una multitud local grande y alegre completan el escenario.

NEBULOSA

Si eres un niño de los años 80, o saliste mucho durante los 90, este podría ser tu lugar de baile favorito en Lima. Nebula es una de las discotecas y clubes de baile más antiguos de Lima y, sin duda, uno de los más respetados, debido a la calidad de sus listas de música y al prestigio de los músicos y DJs que han actuado o visitado aquí. Como ejemplo, Robin Guthrie (Cocteau Twins), Peter Hook (New Order), Andy Rourke (The Smiths) han estado aquí, entre muchos otros. Revise su blog para su calendario y próximos eventos.

BAR HUARINGAS

Uno de los bares más populares de la ciudad, este lugar tiene varios espacios de socialización, desde el suelo hasta el ático. Se especializan en bebidas a base de pisco, centrándose, por supuesto, en el pisco-sour peruano; pero lo han elevado a una nueva dimensión, mezclándolo con frutas locales y tropicales. Además del pisco sour clásico, recomendamos encarecidamente el pisco sour de la fruta de la pasión, y el preparado con hojas de coca, conocido como "bruja" o "brujo sour". En un día regular, encontrará a muchos lugareños que se relajan después del trabajo, con uno de los muchos tipos de piscos, cuyos precios oscilan entre 18 y 25 soles. Música en vivo los fines de semana.

DULCE VIDA

Dolce Vita es una opción buena y asequible para una noche de diversión, y el lugar ideal para las personas de más de veinte años. Esta es una discoteca moderna, ubicada en el corazón de Miraflores (a solo 150 de distancia del Parque Kennedy), con una gran pista de baile y dos bares con bebidas peruanas e internacionales. La música aquí es muy variada, desde el hip-hop hasta la electrónica, con algo de rock, pop y pop latino incluido. Hay un área VIP en caso de que usted y sus amigos necesiten más espacio o privacidad con su. La admisión es gratuita muchos viernes, así que visite su página de Facebook para ver los próximos eventos.

AURA

Uno de los clubes de baile más elegantes y exclusivos de Miraflores: su pista de baile es muy grande y el lugar siempre tiene los conjuntos de luces de discoteca más modernos. La mayoría de los clientes habituales aquí han comprado membresías o son amigos de un miembro. Aura también tiene varios bares bien surtidos y algunas áreas de descanso estratégicamente ubicadas, y una hermosa terraza con una vista impresionante de la bahía de Lima. La música de la fiesta es variada: desde el pop estadounidense y británico contemporáneo, hasta la electrónica, que incluye algo de rock y techno, pero si es muy tarde y la gente necesita algo de resistencia, es posible que también escuche algo de música latina.

CRONOS

Cronos sigue siendo un lugar nuevo (se abrió por primera vez en noviembre de 2011) pero se está ganando la reputación de ser una discoteca lounge elegante, elegante y segura, especial para adultos jóvenes que buscan una alternativa diferente. También se ha hecho conocido por tener el bar gratuito más grande de Lima, con bebidas y cócteles para satisfacer las preferencias de todos. La decoración es muy moderna, con muchas luces de neón y efectos, y la música es principalmente de baile, pop, rock, dance y chillout: y de hecho el DJ es una mujer, DJ Residente Gisella. A pesar de no estar cerca de Miraflores o San Isidro, esta puede ser una buena opción.

GOTICA

MIRAFLORES

Esto es en realidad una discoteca, un club de baile: es considerado como el mejor lugar de música electrónica en Lima, con algunos de los mejores DJs peruanos e internacionales que giran aquí. Pero Gotica también atrae a las personas que buscan un bar moderno, y atrae a un público joven, yuppie y ruidoso durante toda la noche. Gotica se organiza en dos áreas principales y varios bares, por lo que las bebidas siempre son fáciles de ordenar. Y dado que el lugar está orientado hacia el mar, si en algún momento se llena demasiado o si necesitas un descanso de tanto bailar, puedes relajarte en el patio y tal vez socializar un poco.

EL DRAGON DE BARRANCO

BARRANCO

Establecido en una casa señorial tradicional en Barranco, El Dragón es considerado por muchas personas (especialmente personas jóvenes) como el mejor y más animado lugar para bailar en Lima. Siempre hay música en vivo, muy especialmente electrónica, dance, rock, reggae y algo de jazz; Las bebidas son bastante baratas (entre $ 4 y $ 6,50) y el ambiente es relajado e informal. Los propietarios describen este lugar como un "bar cultural" que promueve bandas con un toque especial en la fusión de funk y ritmos latinos con elementos locales de jazz. La decoración incluye arte de pintores locales y cambios de música según el día: los martes son para Afro, Jazz, Reggae y funk fusiones; Miércoles para electrónica, jueves para bandas locales y viernes y sábados para DJ locales.

CENTRO DE VALE TODO

MIRAFLORES

El lugar más popular y conocido en la escena gay / lésbica de Lima, ha pasado por una cuidadosa remodelación y ahora tiene lugar para unos 500 invitados, incluidos los heterosexuales (sí, son bienvenidos). Vale Todo alberga algunos de los espectáculos de drag-queen más espectaculares de la ciudad, tocando en vivo en el escenario sobre el bar. Si decides venir, trae algunos amigos y prepárate para quedarte hasta muy tarde, ya que los mejores espectáculos y eventos suelen programarse para las 2 am a las 3 am. Vale Todo también tiene otro lugar en las playas del sur de Lima, en Playa Pulpos, ubicada en el Km. 41 de la carretera Panamericana Sur.

TEQUILA ROCK

MIRAFLORES

Este lugar se ha convertido, con mucho, en el lugar más popular entre los locales y extranjeros que buscan divertirse en una fiesta para adultos. Es un club de baile como muchos otros, pero es el único en Lima que está abierto todas las noches durante todo el año. Por supuesto, ofrece música de baile, espectáculos y bebidas, como la mayoría de las discotecas, pero hay dos factores que hacen de este lugar uno de los más populares: el primero, que es el único que está abierto los 365 días del año. de 6pm a 9am. Segundo: las chicas más hermosas de Lima se encuentran aquí, ya sea como parte del espectáculo o como clientes. Pero, ten cuidado; Como en cualquier otra gran ciudad, muchos de ellos pueden calificar como prostitutas. Pero si mantienes los ojos abiertos, es probable que pases toda una noche de diversión.

0 notes

vidalokanet · 6 years ago

Text

Nego Gallo lança 'Veterano' no SESC Pompeia

Nova matéria públicada em https://www.vidaloka.net/nego-gallo-lanca-veterano-no-sesc-pompeia

Nego Gallo lança 'Veterano' no SESC Pompeia

Lenda do rap nordestino lança seu aguardado disco na Choperia no dia 11 de maio

Nego Gallo entrega vida em cada verso de Veterano, trabalho lançado em janeiro de 2019 e que foi destaque em diversos veículos da imprensa nacional, como G1, Estadão, O Povo e Destak. Agora, o MC cearense se prepara para apresentar seu show no dia 11 de maio e promete transformar o SESC Pompeia nas ruas de Fortal. Os ingressos começaram a ser vendidos online na última terça-feira, dia 30 de abril, e as vendas nas unidades começaram na quinta-feira, dia 02 de maio de 2019.

Para o evento, Nego Gallo convida ao palco seus parceiros que vem de Fortaleza: Coro MC, que produziu o disco, Doiston, uma das revelações do trap cearense e que veio a São Paulo para o FavelaFort, além de Don L, um dos nomes mais importantes do rap no Brasil e seu amigo da época de Costa a Costa. “Fazer isso é fazer o que ninguém faz. É chamar rappers do nordeste para participar, compor e trazer a potência da sua arte para um momento que eu acho que é um indicativo histórico. Há uma necessidade desses rappers e desse contexto regional ser ouvido em outros lugares”, comenta Gallo sobre a escolha dos nomes.

Quem espera que o show de Veterano terá apenas alguns MCs no palco e as faixas do disco, pode repensar um pouco o conceito de espetáculo. Com a apresentação da sua mixtape, Gallo tem ambições maiores do que simplesmente cantar as músicas que registram sua Fortaleza de mente. “Estamos pensamos em uma dinâmica de show que possa fazer um caminho por Fortaleza através da música, mostrando um pouco do que trouxe a gente pro rap e tudo o que vem se desdobrando desde o Costa a Costa. A gente tem um caminho musical pra fazer, passando pelas visões não só da gente, mas de outros rappers da cidade”, explica o MC.

Apesar de já ter tocado em São Paulo várias vezes, este show no SESC Pompeia marca a primeira vez que ele sobe ao palco com um trabalho solo na capital paulista — antes havia vindo com o Costa a Costa e participado de apresentações do Don L. Gallo fala um pouco da sensação. “É uma honra trazer esse show pra uma cidade que tem uma histórica rica, um apelo musical importante e representar a quarta capital do país. A gente tem uma faixa litorânea em Fortaleza, uma série de elementos que compõem a cidade e que transforma o viver daqui em uma coisa meio inusitada para algumas pessoas”.

No show, o público ainda poderá comprar camisetas feitas exclusivamente para a apresentação em São Paulo. Ouça Veterano nas plataformas digitais ou no Youtube.

Nego Gallo lança Veterano no SESC Pompeia

Onde: SESC Pompeia – Rua Clélia, 93 – Pompeia – São Paulo – SP

Quando: Sábado, 11 de maio. 21:30.

Quanto: R$ 20 (inteira), R$ 10 (meia) e R$ 6 (comerciário)

Mais infor.: Facebook | SESC

Sobre Veterano

Em Veterano, amor, as ruas de Fortaleza e o hino da vitória se misturam às bases de trap, reggae, ragga e dancehall feitas por Coro MC com coprodução de Leo Grijó. A nova mixtape de Gallo é a sua “Fortaleza da Mente“: um registro de sua cidade pela caneta de um MC que observa e sente tudo o que está ao seu redor: das conquistas em “O Bagui Virou” às festas e curtição de “DownTown“.

Apostando nas andanças pelas ruas da capital do Ceará, Gallo respira e transpira a cidade em que cresceu e ajudou a consolidar o rap. Tanto é verdade que escutar Veterano parece transportar o ouvinte para o clima quente de Fortaleza, as calles de Porto Rico e as zones de Atlanta. Sua mixtape é a vida de uma periferia que se estende para outras, um registro não apenas de um veterano, mas de um rico sobrevivente que foge dos clichês atuais do gênero e canta sobre a banalização da violência, sonhos, esperanças, o caos urbano e o amor.

“Veterano é minha forma de agradecer a toda a cidade. Eu não tenho um bairro. Eu tenho uma cidade, tenho Fortaleza na minha caminhada. Veterano é uma forma de agradecer por toda amizade, consideração, respeito e generosidade de quem tá aqui, saca e vive o rap como ele se dá em Fortal, que é muito parecido do jeito como se dá em qualquer lugar do mundo”, conta Gallo sobre sua canção ser cosmopolita e falar sobre cotidiano que se passa em várias quebradas ao redor do mundo.

É inevitável quando se ouve Veterano prestar atenção na produção e na musicalidade que a mixtape exala. Gallo explica a importância de Coro MC no processo. “Além de beatmaker, ele é um amigo, uma pessoa com quem a gente divide nossas ideias e que de vez em quando apoia a gente em algumas loucuras. Acho que a função é contribuir, trazer luz e dar visibilidade a alguém que também tem talento, consciente do lugar que vem, da história que traz e como ele está contribuindo dentro da sua comunidade. Ele é de suma importância na cultura do rap aqui de Fortaleza, já trabalhou com vários artistas da cena e eu sou muito grato a ele“.

Além de Coro MC, outro produtor muito importante no processo de Veterano foi Leo Grijó. Gravado em um home-studio em uma comunidade de Fortaleza, Gallo trouxe o material pra São Paulo e apresentou para Leo Grijó, que passou cerca de um ano trabalhando vozes, chamando músicos para gravar instrumentos e trabalhando na pós-produção da mixtape.

A foto que compõe a capa de Veterano foi feita pelo artista italiano Antonello Veneri quando ele foi a Fortaleza para fazer um trabalho sobre os pescadores e o povo do mar. “Ele é um tremendo artista. Ser fotografado por ele nesse trabalho foi uma experiência linda, ele conseguiu entender bem as minhas dificuldades frente a câmera, isso ajudou muito o processo“, lembra Gallo, que contou também com o talento de Filipi Filippo na elaboração da arte, responsável pela parte gráfica de Caro Vapor – Vida e Veneno de Don L, Roteiro pra Ainouz, Vol.3 e todas as camisetas e pôsteres de Don L.

Veterano tem participações importantes e que mostram o diálogo entre algumas cidades do nordeste. Do Ceará, Coro MC, Don L e MC Mah. Da Bahia, Gallo aposta nos seus parceiros e pilares da cultura do hip-hop na capital soteropolitana: DaGanja e Galf AC.

Sobre Nego Gallo

Oriundo de Fortaleza, Nego Gallo é um dos nomes mais importantes da história do rap nordestino e do Brasil. Em 2007, escreveu seu nome no hall do gênero ao lançar, com o Costa a Costa, a mixtape Dinheiro, Sexo, Drogas e Violência, em que propunha uma nova linguagem dentro de uma cena musical que passava por uma crise de identidade e iniciou a pavimentação do caminho de descentralização do eixo Rio/São Paulo no rap.

Desde então Gallo seguiu um caminho parecido com o de outro integrante do Costa a Costa: seu chapa Don L. Além de muitas participações em canções, inclusive do próprio Don, Nego Gallo foi assumindo a posição de um cronista periférico raro nos dias de hoje. Do reggaeton ao funk, do trap ao dancehall, suas canções espelham uma “Fortaleza da mente”, ao mesmo tempo em que soam a união perfeita de sons cada quebrada do mundo — das zones de Atlanta ou das calles de Porto Rico.

Em 2016, Nego Gallo lançou o EP Carlin Voltou, com o single “Bang Bang” e a faixa “Leões Rugem“, que o público já tinha escutado alguns trechos lá em 2013, em “Gasolina e Fósforo“, da mixtape Caro Vapor – Vida e Veneno de Don L. No mesmo ano, roubou a cena em “Coração no Gelo“, faixa do grupo pernambucano Chave Mestra.

Recentemente, Gallo soltou o clipe de “Verso Livre“, música que mostra a realidade e o cotidiano de várias vidas periféricas de Fortaleza e participou da canção “Dona da Boca”, ao lado de Lívia Cruz. Estreou dois singles em dezembro de 2018: “O Bagui Virou” e “DownTown“, mostrando um pouco a musicalidade e pluralidade de gêneros que gosta de trabalhar.

Com produção de Coro MC e coprodução de Léo Grijó, Veterano é sua nova mixtape e sua mais perfeita tradução: sua “Fortaleza da mente”, seu amor e dor, sua energia e sua musicalidade inabalável.

#Rap

0 notes

fueradefocomagazine · 7 years ago

Text

CULTURA PROFÉTICA

INICIA SU NUEVA GIRA “QUALIA” CON DOS SHOWS EXCLUSIVOS EN BUENOS AIRES

MARTES 19 Y MIÉRCOLES 20 DE FEBRERO – 21:00HS

MUSEUM LIVE – PERÚ 535

Entradas a la venta en http://www.livepass.com.ar/ y sus puntos de venta oficiales.

Tras el gran éxito alcanzado con el sencillo “Llevarte Allí” Cultura Profética comienza su nueva gira “Qualia” * con dos presentaciones íntimas y especiales en Argentina. – “Durante los pasados años hemos recibido miles de peticiones de parte de los fanáticos pidiendo que volviéramos a la magia de la “Trastienda”. Creemos que “Museum Live” irá a revivir ese sentimiento de cercanía que tanto nosotros como los fans deseamos encender”.

La banda desea compartir con el público el mismo fervor de sus principios y prometen un show a la altura de su acostumbrada calidad musical y visual; llenos de entusiasmo anuncian dos conciertos en Museum Live (Perú 535) los días 19 y 20 de febrero para revivir la magia de la ciudad que los galardonó en el 2014 con la medalla de ciudadanos honoríficos.

El grupo se encuentra finalizando su nuevo álbum de estudio, luego de haber logrado grabar dos sencillos en New York para “Spotify Singles” (logro alcanzado por muy pocas bandas de Latinoamérica). Ambos sencillos están programados a publicarse en enero 2019.

¡El momento de evolución que atraviesa Cultura arrancará este próximo año en el Cono Sur!

ACERCA DE CULTURA PROFÉTICA

Cultura Profética es una banda de músicos puertorriqueños formada en el 1996, con una carrera internacional en pleno crecimiento. Está integrada por Willy Rodríguez, Omar Silva, Eliut González y Juan Carlos Sulsona (piano y teclados). Tienen 8 producciones discográficas y se han presentado en los mayores foros de las ciudades más importantes de Latinoamérica y Estados Unidos.

Conscientes de las realidades socio-políticas de su Puerto Rico natal y la geopolítica en general, deciden levantar su inspiración en favor de la libertad, la igualdad, la naturaleza y el amor, a través de canciones motivadoras y originales. Armadas con buen sentido poético, sus creaciones resultan frescas y espontáneas, con carácter contemporáneo y valor universal.

Cultura Profética no limita su estética con sellos o clasificaciones musicales estrictas. Aunque la base musical es el “reggae roots”, son muy perceptibles los toques armónicos del jazz, el funk y la electrónica, además de los ritmos de hip hop, ska, la música brasileña y una indiscutible síntesis de las raíces afro-caribeñas en general, incursionando incluso en el “world music”. La textura es rica en disonancia y ritmo. En fin, logran un sonido muy peculiar que ha sido admirado por grandes cantidades de artistas, músicos, ingenieros y los más grandes exponentes del reggae en el ámbito internacional.

Cultura Profética:

Willy Rodríguez (bajo y voz) Omar Silva (guitarra y bajo)Eliut González (guitarras)Juan Carlos Sulsona (piano y teclados)

Discografía:

Canción de alerta (1998)Ideas nuevas (1999)Cultura en vivo (2000)Diario (2002) M.O.T.A. (2005)Tribute To The Legend Bob Marley (2007) La dulzura (2010)15 Aniversario en el Luna Park (2012)

youtube

Para más información de Cultura Profética: Web Oficial:http://www.culturaprofetica.com/

Facebook: @culturaprofetica

Twitter: @culturaprofetica

Instagram: culturaprofetica_oficial

Youtube: https://bit.ly/2S2o1WT

#cultura #profética #reggae #2019 #show #useum #entradas #gonna go #prensa #fuera de foco

0 notes

nefilinn-blog · 7 years ago

Video

Base De Funk | 2018 | Consciente | Não Chora |

#basedefunk basedefunk2018 funk2018 funklanaçamento

0 notes

oversetstreet-blog · 8 years ago

Text

Hip Hop

REFERÊNCIA BIBLIOGRÁFICA HERSCHMANN, Micael, O Funk e o Hip-Hop invadem a cena. Rio de Janeiro: UFRJ, 2003. VIANNA, Hermano, O mundo funk carioca, Rio de Janeiro: Zahar, 1988 http://www.multirio.rj.gov.br/seculo21/

Arquivado em:

Artes

Por

Lindomar da Silva Araujo

Para abordar o Hip Hop torna-se essencial resgatar, de forma sucinta, a origem do funk, pois essa forma de música surgiu da música negra americana, o “Rhythym and Blues”, rotulada como “race music” até cair no gosto popular dos jovens brancos americanos. Houve a partir da década de trinta, uma grande migração da população negra que vivia no sul do país, para os centros urbanos do norte dos Estados Unidos e que necessitava, emergencialmente, de trabalho. Neste período o Blues absorve instrumentos elétricos dando origem ao Rhythm’d Blues, que conseqüentemente mistura-se com a música gospel protestante, resultando no “Soul”, cuja tradução é “alma”. Na década de sessenta o Soul passa a ser a música de protesto dos movimentos em favor dos direitos civis dos negros, tornando-se a “black music” americana. Na luta por uma real cidadania, eles começam a fazer uso da palavra “funky” (fedorento), muito utilizada por seus agressores. Desta forma o Funky passa ser uma forma de atitude e identidade negra no vestir, falar, dançar, enfim, viver.

Na década seguinte, anos setenta, a mídia no Brasil se apropria desse estilo e passa a comercializa-lo, projetando o estilo “Black Power” com Gerson King Combo. Uma espécie de James Brown à brasileira. O Rio de Janeiro, por concentrar a maior mídia de massa da época, aglomera grandes equipes de som, como as “Soul Grand” e “Furacão 2000”, com realização de grandes bailes na zona sul e subúrbio da cidade. A imprensa batizou este movimento ao orgulho negro de “Black Rio”, entrando a década de oitenta sacudindo clubes, discotecas e casas noturnas das grandes capitais brasileiras.

Nos Estados Unidos, paralelamente, em Nova Iorque e Detroit, estava acontecendo uma reação ao movimento Black Power. Começa a surgir um dos primeiros elementos estéticos da cultura Hip Hop: o RAP (Rhythm And Poetry). Com a criação e comércio desacelerado dos CDs (compact disc), a classe média americana começa a se desfazer de seus toca-discos de vinil, então os jovens desempregados os recolhem e os reciclam, produzindo novos sons com esses vinis, criando o “stracting”, que é arranhar a agulha no disco de vinil no sentido anti-horário, o “phasing”, alterando a rotação do disco, e o “needle rocking”, a produção de eco entre duas picapes. Desta forma é lançada a base musical, ou melhor, o “break beats”, do rap. Esses DJs (disc jockeys) produziam seus sons nas ruas e becos, desta forma proporcionando o surgimento do movimento Hip Hop, que passou a unir a break dance, o rap, o graffiti, e o estilo b-boy (b-girl) com suas grifes esportivas.

O Hip Hop chega ao Brasil, vindo da Florida (EUA), pelo ritmo “Miami Bass” de músicas com batidas rápidas e erotizadas, mas este ritmo aqui foi batizado de “Funk”, uma retomada ao movimento anterior. Duas vertentes vão surgir neste estilo que acaba de chegar às comunidades de baixa renda. Uma atente a demanda da produção midiática, à cultura de massa, liderada por um grupo de pessoas que visam o lucro com esta produção, oferecendo a população uma forma de diversão e de passar o tempo. Enquanto que a outra vertente, o Hip Hop, propõe uma ação de protesto político e social para o exercício da cidadania. O termo Hip Hop tem na sua etmologia as danças da década de setenta, em que se saltava (hop) e movimentava os quadris (hip). Mas também há registros de que tenha sido criado por Afrika Bambaataa (Kevin Donovan).

O Rap (Rhythm And Poetry) tem sua origem nos “Sound Systems” da Jamaica, muito utilizados por lá na década de sessenta, uma espécie de carro de som onde o “toaster” (como o MC atual) discursava sobre os problemas socioculturais e políticos do seu povo. Em busca de trabalho, na década de setenta, esses toasters migraram para os Estados Unidos, e lá contribuíram para o surgimento do Rap. A linguagem do Rap possibilitou aparecer novos cantores, grupo musicais e mestres de cerimônia, os MCs, importantíssimos nos bailes funks e nas apresentações de Rap.

A Break Dance é a linguagem artística dentro do Hip Hop praticada pelos b-boys e b-girls, os adoradores de grifes esportivas. Este estilo de dança surgiu com a quebra da bolsa de valores dos Estados Unidos, em 1929, quando acontece o desemprego em massa. Os artistas dos cabarés americanos foram para as ruas fazerem seus números de música e dança, em busca de dinheiro. Daí surge a “Street Dance” (Dança de Rua), porém com uma estética própria daquela época. A break dance baseia-se na performance do dançarino, na sua capacidade de travar e quebrar os movimentos leves e contínuos. Ela é uma estética específica dentro da Dança de Rua (Street Dance) que possui característica de enfrentamento, protesto e/ou performance em grupo, mas permitindo que em determinado momento da apresentação alguém possa improvisar com a sua habilidade em break dance.

Outra expressão artística marcante no movimento Hip Hop é o “Graffiti”, que em parte tem a ver com a pichação, isto porque no surgimento do Hip Hop o graffiti servia para demarcar becos, muros e trens nas grandes metrópoles. Com a essência do movimento Hip Hop, nos anos oitenta, essas demarcações foram se transformando em verdadeiros murais de obras de arte. Hoje há uma nítida diferença entre o graffiti e a pichação, inclusive pela ilegalidade e vandalismo do segundo. O movimento Hip Hop tem sido respeitado por uma grande parcela da sociedade brasileira. Mérito alcançado pelos líderes conscientes deste movimento no Brasil.

0 notes

audioplug · 4 years ago

Video

youtube

Base De Funk Consciente | La Vida | Template | Projeto Samples e Loops | https://audioplug.org

0 notes

ellimontodolocura · 8 years ago

Text

El soundtrack de mi vida. Parte 1

Desde mis primeros recuerdos puedo pensar en muchas canciones de fondo que me acompañaron aún cuando apenas tenía noción de mi existencia.

Mis papás, mis tías, tíos, abuelas y abuelos... toda mi familia en generaciones anteriores son de Oaxaca. Somos de Oaxaca. De un pequeño pueblo llamado Tepelmeme ubicado en el límite con Puebla en la región de la mixteca.

Los primeros acercamientos que tuve con la música fueron influenciados en mayor medida por mi papá quien ha tenido en su vida muchos equipos de sonido bastante modestos, cursó una carrera técnica como eléctrico y eso le permitió seguir su afición por el sonido. Me contaba que su padre, mi abuelo, fue igual que él. En aquellos tiempos, cuando mi papá fue niño en Tepelmeme, a pesar de los bajos recursos, mi abuelo contaba con un tocadiscos con el cual ambientaba las fiestas del pueblo y le aseguraba ser invitado.

Mis padres se casaron y asentaron como familia en la Ciudad de México. En el Estado de México. Soy la tercera de cuatro hijos y desde mis primeros años de vida, lo que recuerdo muy bien como tradición que llevo en la sangre, son los viajes a Tepelmeme en carretera cada agosto para la fiesta patronal. Mis padres, al tener tres hijas (mi hermano aún no nacía) y ser comerciantes, tenían una pick up Ford en la cual salíamos desde las 4 o 5 de la mañana llenos de maletas para emprender el viaje por la carretera federal a Oaxaca. Si bien el viaje duraba muchísimas horas entonces, mi papá se armaba de una veintena de cassettes que mi mamá iba cambiando a medida que se acababa uno tras otro. La selección era muy variada, desde Hi-NRG, hasta música instrumental de orquestas como las de Billy Vaughn, Paul Muriat, Henry Mancini, Al Caiola o Francis Lai. Temas de latin jazz como “Watermelon man” de Herbie Hancock o la Orquesta Románticos de Cuba y sus versiones de “Adiós pampa mía- Fumando espero” que casi hacía llorar a mi mamá o “El Manisero”. Y claro, también el funk y música disco que mi papá vivió en sus tiempos de juventud con músicos como Jimmy Bo Horne, The Equals e incluso The Doors o Creedence Clearwater Revival. La carretera y la música parecían ir bien combinados pero una de las canciones que me hacen recordar perfectamente cada tramo de ese antiguo camino es esta canción de Giorgio Moroder que muchos años después descubrí como parte del sountrack de la película “Midnight Express”, un drama basado en hechos reales, horrible por cierto, pero que evoca en mí y en toda mi familia ese viaje que nos llenaba de alegría porque era el preludio para el encuentro anual con nuestras raíces. Ahora, años después, me parece curiosa esta asociación y me pregunto qué diría Moroder, un gran precursor de la música techno, de la relación entre su música y el viaje de una familia oaxaqueña.

CHASE- Giorgio Moroder

Siendo originarios de Oaxaca, mis padres escuchaban canciones conocidas como rancheras en el sentido más amplio de la palabra, en intérpretes como Antonio Aguilar, los Cadetes de Linares, José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, Chalino Sánchez, el Piporro, las Jilguerillas y un sinnúmero de intérpretes que contaban historias, algunas un poco trágicas o dramáticas, otras muy románticas, pero que a todas con el tiempo he empezado a mirar con cariño por el recuerdo que implica. Me gusta mucho conocer de este género y cantar las canciones a todo pulmón, a veces puedo imaginarme con ellas el tiempo de las cantinas en la Ciudad de México o el de los bailes de pueblo hace años, donde estas canciones eran el pretexto para enamorarse entre ¡los jóvenes! de la época. Las canciones son aquellas que mis abuelos escucharon y que quedaron en la memoria de mis papás. Sin embargo, aún más curioso que esta música ranchera, hay un género que agrego a este periodo de mi memoria pues también se escuchaban en los bailes del pueblo y que según cuentan mis papás, eran de las preferidas para las parejas porque se bailaban con un paso sencillito que no tenía muchas dificultades. Estas canciones son los pasodobles, asociados sobretodo con la fiesta brava y los toros pero que en cambio yo las recuerdo como acompañamiento de esa historia en nuestro pueblo. Existen dos versiones de los pasodobles, al menos dos que yo conozco, aquellas tocadas por mariachis y aquellas tocadas por banda. Las mejores versiones, para nosotros los oaxaqueños son y serán aquellas orquestadas con banda pues las bandas de viento son orgullo de nuestra región y que así como podían acompañar los bailes, también servían para acompañar las procesiones o eventos religiosos. Son parte importante de la música originaria de nuestro pueblo.

EL ZOPILOTE MOJADO - Banda

Siendo el sándwich de la familia, era de esperarse que los gustos de mis hermanas mayores también influyeran en mí. Mi hermana la mayor siempre tuvo un gusto particular por la música en inglés, de hecho eligió como carrera profesional la enseñanza de inglés a raíz de su curiosidad por conocer lo que estas canciones decían, algo muy similar a lo que añoraba mi papa, porque él igual podía escuchar música en inglés, francés o portugués sin entender lo que decían y aún así podía imaginarse por el título de las canciones traducidas en la radio, la historia que había detrás de cada una de ellas. Pero el fenómeno que sucedió con mis hermanas y años después con mi hermano es que todos nos volvimos abiertos a lo que uno u otro escuchaba y mis hermanas mayores, la primogénita sobretodo, nos expuso a música que estaba de moda en los primeros años de los 90′s, desde Ace of Base hasta Scorpions, Roxette, Depeche Mode, Boston, Toto, Billy Idol. Mi hermana solía comprar cassettes, la verdad no sé cómo conseguía la música, mi papá la grababa de la radio y así nos mostró un método efectivo para recopilar música, no estoy segura si mis hermanas hacían lo mismo, yo lo llegué a hacer. Así que de pronto nos encontrábamos jugando o haciendo el quehacer cuando una de ellas ponía música nueva. Entonces una canción que nos trajo muchos momentos de diversión porque nos poníamos a cantarla y bailarla simulando ser las intérpretes fue “Bohemian Rhapsody” una canción que obviamente no sabíamos de qué trataba, pues seguramente no la hubiéramos bailado y cantado tan felices sabiendo que trataba de un asesino que es asediado por demonios pero que... gracias a esta ignorancia de idioma, nos parecía una canción divertidísima. Otra anécdota sobre Queen trata de un festejo por el día del niño que tuve en la primaria. La maestra nos llevaba una grabadora y nosotros llevábamos los cassettes. Ese día, yo, absurdamente llevé el cassette de Queen y la verdad no imaginaba que a los niños de mi edad no les iba a gustar tanto como a mí y obviamente tras unos segundos de escuchar Killer Queen me abuchearon y muy decepcionada tuve que quitar mi música para que alguien más pusiera a alguna estrella pop del momento. Pero en fin, sin querer tuve un contacto muy temprano y alegre con el rock gracias a mis hermanas.

BOHEMIAN RHAPSODY- Queen

La segunda parte de mi historia de fracaso como DJ en la primaria, fue la parte exitosa: mi gusto por el “pop”. Mis hermanas no sólo escuchaban rock, siendo adolescentes también escuchaban pop en español, desde Maná, Onda Vaselina, Hombres G, etc. Pero mi mero mole como consumidora medianamente consciente fue Shakira y Selena. Mi historia con Shakira se remonta a mi primer cassette que fue el de “Pies Descalzos”, me encantaba escuchar esas canciones de amor y desamor aunque a esa edad ni siquiera sabía de qué se trataba eso pero cantarlas con mucha devoción. Por otra parte las canciones de Selena alimentaban la parte de mí que siempre quiso bailar. Años más tarde, el segundo disco de Shakira “¿Dónde están los ladrones?” fue para mí la consagración de una ídola, sus canciones me emocionaban y me hacían querer cantar como el disco anterior. Me compré con no sé qué dinero este disco ya en formato CD, lo escuché completito y si bien todas me parecían asombrosas, la última canción de este disco liberó en mí lo que también había comenzado Selena, la parte del baile. A veces creo que bien pude dedicarme a cualquiera de esas dos actividades pero la verdad es que aunque canto con mucho sentimiento, no tengo oído, soy desafinada y mi voz aun en karaoke, para el que se atreva a escucharme, es un martirio. Aún así no me importa, yo canto. Pero el baile aunque no lo haga tan bien, creo que es una de mis pasiones, el movimiento del cuerpo al ritmo de la música es para mí una especie de liberación. Hoy en día me gusta correr, me gusta sentir que pongo mi cuerpo al límite cuando ya no puedo más pero la música que escucho siempre me da ese impulso como si se tratara de un baile. Así pues “Ojos así” representa eso, mi gusto por la bailada y cantada, ver el video con Shakira moviendo las caderas me hacen pensar: sí sí... ¿por qué no todos nos la pasamos bailando y sacando esa energía y alegría que tenemos dentro?.

OJOS ASI- Shakira

En mi familia siempre existió una raíz un poco subversiva. De crítica al sistema político. Mi mamá fue activista cuando iba en el CCH, años después cuando se casó, contagió a mi padre de esta parte rebelde que él mismo ya tenía desde antes. Juntos tuvieron en común el interés en lo político, en las injusticias que asolaban el país desde que ellos lo recuerdan. Mi mamá solía escuchar canciones de protesta que surgieron en los años 60′s y 70′s, sobretodo de José de Molina y aquellas canciones que ensalzaban los movimientos sociales latinoamericanistas como Víctor Jara, Inti Illimani, etc. Esta herencia pasó a nosotras, mis hermanas mayores sobretodo en el movimiento estudiantil del 99. Mi hermana la mayor cursaba ya la carrera universitaria y mi hermana la segunda estaba por comenzar la carrera de Derecho. Sin embargo mis papás, mi mamá activamente, nos inculcó el interés en lo político y en la lucha a través de los movimientos sociales. Yo aún era una niña. Mis papás trabajaban todo el día, toda la semana y aún así, se dieron el tiempo para unirse al reclamo como jefes de familia de la universidad para el pueblo. Se organizaban y mientras mi papá se hacía cargo del negocio familiar, mi mamá nos llevaba a los mitines y marchas. Mis hermanas se unían a los contingentes de sus escuelas y mi mamá nos llevaba a mi hermano de cuatro años y a mí de once con los grupos de padres de familia a los que también se unían mis tías y tíos. Jamás dejaré de admirar y agradecer a mi mamá la convicción que la hizo salir a reclamar nuestros derechos. Esa raíz también es parte de mí. Más tarde, por influencia de una prima muy querida, también activa en el movimiento, mi hermana mayor y yo tuvimos acercamiento a Silvio Rodríguez. Sus canciones no me provocaban el deseo de bailar ya pero sí de unirme a un movimiento y ser parte de algo. La verdad es que con el tiempo me he convertido en una persona apática y ajena a lo político, sin embargo en mi familia continua este interés por la situación social y política.

Cabe mencionar que en las canciones de Silvio Rodríguez no sólo pude encontrar temas de conciencia política sino también social y sentimental. Pero este tema en particular me remite al agradecimiento a mis padres, a mi mamá porque es un tema de agradecimiento a todas las personas que han pasado antes que nosotros y que han luchado para que gocemos de unos pocos más de privilegios que ellos no tuvieron o que nos han querido o han logrado arrebatar.

PEQUEÑA SERENATA DIURNA- Silvio Rodriguez

#soundtrack #biografia #memoria

0 notes

julio-viernes · 8 years ago

Video

youtube

___

Insisto un poco más en “Think Visual” (1986) de The Kinks y ya lo dejo estar. Resumiendo:

1- Working At The Factory. Gran inicio. La música le salvó de trabajar en la fábrica, pero al final acabó trabajando en otra fábrica: la industria musical. Ray Davies conmueve con ese “All I lived for, all I lived for...” cantado a pleno pulmón, con tanta convicción. Era consciente de la gran canción que había compuesto.

2- Lost & Found. Lenta in crescendo, opción bien utilizada en varias canciones del álbum. Deliciosa, con saxofón que remite a la apertura de “Factory”. En esos medios tiempos Ray es un maestro absoluto. Y Dave su mano derecha eléctrica ejecutora (en este LP está espléndido). El soniquete “Jungla”, eso sí, se lo podían haber ahorrado. XXD

3- Repetition. Corte rítmico, extrovertido, a base de riffs y punteos (muy ”hard way”) de Dave Davies y un puente muy melódico que sirve para abrir una canción que por lo demás desfila bastante tiesa y cuadrada.

4- Welcome to Sleazy Town. Los Kinks más negroides, jazzy y blues derivando hacia el contagioso estribillo: “This city was cruel. This city was keen. This city was alive. This city was mean”. Valían para un roto y un descosido. Todo, o casi todo, lo sabían hacer bien.

5- Video Shop. El derivado de “Come Dancing” que generó este álbum, en principio concebido por Ray Davies como otro álbum conceptual, desechando después la idea. Lo que más me gusta es la subida orquestal de 2´50″ y el corte acústico en 4´15″. Arreglos acertados que sirven para insuflar vida a una buena canción que por momentos se hace monótona. Hasta aquí la cara A.

6- Rock and Roll Cities. Fue escogida como single inicial, y es la canción más vulgar del disco. La gracia está en la ironía “on the road” de la letra, por lo demás es un rockazo correcto, sin mucha tela que cortar.

7- How Are You. Otro medio tiempo maestro de aire nostálgico, de aceptación de cosas que se fueron para no volver. Creo que es sobre Chrissie Hynde. Fíjense en que punto melódico empieza la canción y de que sutil, casi diría perversa, manera Dave va metiendo un riff típikamente Kinks a partir de 3`19″ para acabar la canción rockeando de modo triunfal (superb, terrific). Y pensar que la crítica puso este disco a caer de un burro... ¿Pero qué coño estarían escuchando? ¿Culture Club, Frankie Goes To Hollywood?

8- Think Visual. Funky, guitarrera, con cambio pop-vodevil encajado a la perfección. ¿He dicho que Jim Rodford es un bajista creativo y preciso? De esta - y de otras de kinks, pero de esta en concreto- tomaron buena nota Blur en su momento de esplendor, “Parklife”.

9- Natural Gift. Extraña mezcla de música de primeros de los 60´s, Lou Reed, funk, rock y electrónica que puede resultar precisamente poco natural y aparatosa y que, sin embargo, funciona. Gran línea de piano de Ian Gibbons que sirve para hilar las diferentes partes de la canción. Upbeat ¡Afuera! ¡A la calle!

10- Killing Time. Otra reflexiva, si cabe, mejor que “Lost & Found” o “How Are You”. Inicio majestuoso con Ray Davies en la cumbre de sus poderes melódicos, lo cual es demasiado.

11- When You Were a Child. La segunda canción de Dave para “Think Visual”, y la mejor de ambas. Es un tema un poco extraño que une rock y electrónica, con un estribillo que puede penalizar para el rockero media (sí, recuerda un poco a “Never Ending Story” de Limahl) dependiendo de su grado de cerrilidad. Sinceramente, creo que es una canción sentimental y nostálgica que Dave interpreta de un modo soberbio. Se nota que era importante para él, y la canta con emoción.

Sólo para desprejuiciados. ¿Buscan un “Great Lost Kinks Album”? Pues es sencillo, si la mitomanía de los 60´s se lo permite (y la horrorosa portada), aquí lo tienen. Ante sus mismísimas narices, saldado en tiendas y ferias, grotescamente infravalorado. Espero que se le acabe reconociendo el mérito que de un modo tan roñoso un día le fue arrebatado. Brian Heino.

#the kinks #ray davies #dave davies #blur #lou reed #chrissie hynde #limahl #jim rodford #ian gibbons #canciones #videos #frankie goes to hollywood

1 note · View note

rollingstonemag · 8 years ago

Photo

Un nouvel article a été publié sur http://www.rollingstone.fr/10-choses-que-vous-ne-saviez-pas-sur-rumours-de-fleetwood-mac/

10 choses à savoir sur « Rumours » de Fleetwood Mac

Pourquoi « Silver Springs » ne figure pas sur l’album, comment la photo du groupe sur la couverture de Rolling Stone a alimenté la relation amoureuse entre Stevie Nicks et Mick Fleetwood, et plus encore

Par Jordan Rungath / Traduit et adapté par Mélanie Geffroy

« Un drame. Dra-me ». Voilà comment Christine McVie a décrit l’enregistrement de Rumours à Rolling Stone peu après sa sortie le 4 février 1977. Et ce n’était pas exagéré. Les sessions pour le chef-d’œuvre de Fleetwood Mac contiennent tous les éléments d’une romance théâtrale méticuleusement écrite : des participations élaborées, beaucoup d’argent et des montagnes de cocaïne.

La saga Rumours est l’un des feuilletons les plus célèbres du rock. Voici un récapitulatif des personnages : Stevie Nicks vient de rompre avec Lindsey Buckingham, son amant de longue date et partenaire musical, tandis que Christine est en plein milieu de son divorce avec le bassiste John McVie. Pendant ce temps, le mariage de Mick Fleetwood bat de l’aile, ce qui le mène à entretenir une liaison avec Nicks. Cette tourmente s’exprime dans des paroles très honnêtes, transformant l’album en une confession attrayante. Les vies personnelles des musiciens fusionnent en permanence et tous ceux qui écoutent Rumours deviennent des voyeurs de ce bazar douloureux et glamour.

Si on met de côté le drame, Rumours est l’un des meilleurs albums jamais produits par le groupe. « On a refusé de laisser nos sentiments nous écarter de notre engagement envers la musique, peu importe à quel point ils devenaient compliqués ou entrecroisés, a plus tard déclaré Fleetwood dans son autobiographie sortie en 2014. C’était dur à faire, mais nous avons joué malgré la douleur ».

Rumours est finalement une histoire d’amour malheureuse qui finit bien. Au final, la pression émotionnelle insoutenable a fait naître un diamant de rock somptueux de la fin des années 1970. La RIAA a plus tard certifié l’album comme tel. A ce jour, il s’en est vendu plus de 45 millions d’exemplaires à travers le monde, ce qui en fait l’un des albums les plus vendus de tous les temps.

Pour fêter le 40e anniversaire de Rumours, voici 10 histoires peu connues sur sa création.

1. « The Chain » est basée sur une chanson de Christine McVie qui n’a jamais vu le jour

https://youtu.be/mJzCae_GAnY

La face B de Rumours démarre avec le monstre de Frankenstein de Fleetwood Mac. Construite à partir d’une poignée de fragments musicaux disparates, « The Chain » est la seule chanson attribuée aux cinq membres qui constituaient le groupe à la fin des années 1970. En son centre se trouve « Keep Me There », la composition de Christine McVie (également connue sous le nom de « Butter Cookie »), un morceau plein de tension, interprété au clavier et resté incomplet pendant les premières sessions de l’album en février 1976.

« Nous nous sommes dit qu’elle avait besoin d’un interlude et on l’a revisitée dans le reste de la chanson », a déclaré Buckingham à Rolling Stone en 1977. Ils se sont mis d’accord sur un passage de basse à 10 notes joué par John McVie et sur un crescendo lent de batterie joué par Fleetwood. « On n’avait pas de paroles et on l’a laissée en morceaux pendant longtemps. Elle a failli ne pas figurer sur l’album. Puis on l’a réécoutée et on s’est dit qu’on aimait bien l’interlude, mais pas le reste de la chanson. J’ai donc écrit des couplets pour cet interlude, qui à la base n’était pas dans la chanson, et je les ai ajoutés ».

https://youtu.be/C9EYjYfbWko

En travaillant à partir de l’interlude, il a utilisé la grosse caisse de Buckingham comme simple métronome pour garder la mesure. Il a également emprunté une guitare folk que l’on entend dans sa propre chanson « Lola (My Love) », enregistrée avec Nicks pour l’album pre-Fleetwood Mac sorti en 1973. « La fin était la seule chose qu’on avait gardée du morceau original [de Christine McVie]. On a fini par l’appeler « The Chain » parce que c’était un tas de morceaux ».

Les paroles sont arrivées en dernier. « A l’origine, on n’en avait aucune, a plus tard déclaré Fleetwood à la radio Lucky 98 FM. C’est vraiment devenu une chanson quand Stevie en a écrit quelques-unes. Elle est arrivée un jour et elle a dit « J’ai écrit quelques paroles qui pourraient être bien pour le truc que vous faisiez en studio l’autre jour ». On a donc tout assemblé. Lindsey a fait les arrangements et a créé une chanson à partir de tous les morceaux qu’on enregistrait ». La chanson reste un élément central des interprétations live du groupe, une métaphore appropriée des liens qui lient Fleetwood Mac malgré des décennies de tourmente interpersonnelle.

2. Stevie Nicks a écrit « Dreams » dans le lit de Sly Stone

https://youtu.be/cpICbfRbDGQ

Les sessions au Record Plant de Sausalito en Californie n’étaient pas une mince affaire. Nick n’avait pas grand chose à faire. Pour éviter de s’ennuyer (et pour éviter de se disputer avec Buckingham trop souvent), elle cherchait refuge dans un studio non utilisé construit pour le renégat funk Sly Stone. « Je prenais un piano électrique avec moi, mon crochet, mes revues, mes livres et mon art et je restais là jusqu’à ce qu’ils aient besoin de moi », s’est-elle souvenue en 1997 dans le documentaire Classic Albums: Rumours.

Aux dires de tous, c’était un endroit plutôt inspirant, décoré dans le style des années 1970. « C’était une pièce noire et rouge avec un trou en contrebas. Au milieu, il y avait le piano et un grand lit en velours noir avec des rideaux victoriens, se souvient-elle dans Blender. Je me suis assise sur le lit, le clavier devant moi. J’ai trouvé un modèle de batterie, démarré mon petit radiocassette et j’ai écrit « Dreams » en 10 minutes environ ». Le riff simple et répétitif de trois accords jette un sort hypnotique sur un groove dancy.

Consciente qu’elle avait quelque chose de spécial entre les mains, elle est retournée dans le studio où se trouvait Fleetwood Mac. « Je suis entrée et j’ai tendu une cassette de la chanson à Lindsey, a-t-elle déclaré au Daily Mail en 2009. C’était un enregistrement brut, juste moi qui chantais en solo et qui jouais du piano. Même s’il me faisait la tête à l’époque, Lindsey l’a écouté puis il m’a regardé et m’a souri. Ce qui se passait entre nous était triste : on était un couple qui n’arrivait pas à ses fins. Mais en tant que musicien, on se respectait toujours mutuellement ».

La chanson est devenue le deuxième single tiré de l’album Rumours, après « Go Your Own Way » de Buckingham. Nicks appelait les deux chansons « les chansons jumelles » car elles racontaient toutes les deux les difficultés à faire la part des choses entre leur partenariat romantique toxique et leur partenariat professionnel qui connaissait un grand succès.

« Même si « Go Your Own Way » était une chanson colérique, elle était également honnête, a écrit Nicks dans le livret de la réédition de Rumours en 2013. J’ai ensuite écrit « Dreams » et parce que je suis la fille qui croit aux contes de fées et que Lindsey est un mec hardcore, ça ne rend pas pareil. Lindsey me disait de sortir avec d’autres hommes, de vivre ma vie merdique et [je] chantais à propos de la pluie qui nous nettoie. On abordait la chanson de façon totalement opposée, mais en réalité, on disait exactement la même chose ».

Tandis que « Go Your Own Way » a atteint la place respectable de numéro 10, ça a sans doute fait plaisir à Nicks lorsque « Dreams » est arrivé en haut du classement Billboard. « Dreams » reste le seul single numéro un de Fleetwood Mac aux États-Unis.

3. Mick Fleetwood attribue sa dyslexie au modèle inhabituel de batterie de « Go Your Own Way »

https://youtu.be/6ul-cZyuYq4

En arrivant au Record Plant un matin, Buckingham et le co-producteur Richard Dashut ont commencé à parler de leur admiration pour la batterie syncopée de Charlie Watts sur « Street Fighting Mand » des Rolling Stones. Si on va un peu plus loin, Buckingham a décidé qu’un modèle similaire irait bien à sa nouvelle chanson « Go Your Own Way ». Il en a parlé à Fleetwood qui a fait de son mieux pour imiter ce qu’il entendait mais le résultat n’était qu’un rythme déroutant et troublé. Même s’il est très différent de ce que Buckingham (et Watts) ont joué, l’arrangement improbable colle finalement très bien à la chanson.

« [Le] rythme était une structure tom-tom dont Lindsey a enregistré une démo en frappant des boîtes de Kleenex ou quelque chose comme ça, a déclaré Fleetwood dans Classic Albums. Je ne suis jamais parvenu à reproduire ce qu’il voulait. Le résultat final est mon interprétation transformée. C’est devenu une grande partie de la chanson, une approche complètement à l’envers qui provient, j’ai honte de le dire, de la capitalisation de ma propre incompétence ».

Fleetwood pense que sa soi-disant « incompétence » est le résultat de sa lutte contre un trouble de l’apprentissage. « La dyslexie a tempéré la façon dont je pense au rythme et la façon dont j’ai joué de mon instrument, a-t-il écrit dans son autobiographie, Play On. Par nature, ce qu’on fait, nous les batteurs, c’est réussir une série de jonglages… [mais] mes méthodes de jonglages sont les miennes. Je n’avais vraiment aucune idée, ni la capacité d’expliquer avec des termes musicaux, ce que je faisais dans une chanson particulière ».

Son style a également dérouté d’autres batteurs. Lorsque Boz Scaggs a fait la première partie d’une tournée de Fleetwood Mac, le batteur Jeff Porcaro a passé de nombreuses nuits à essayer de disséquer les rythmes de « Go Your Own Way ». Troublé, Porcaro a finalement demandé à Fleetwood un soir après un concert de lui révéler son secret. Malheureusement, Fleetwood lui-même ne savait pas exactement comment il faisait. « Ce n’est qu’après avoir continué à discuter que Jeff a réalisé que je ne plaisantais pas, a-t-il plus tard déclaré. On a beaucoup ri à propos de ça et quand je lui ai dit que j’étais dyslexique, ça a enfin fait sens ».

4. On remettait des cordes à la guitare de Lindsey Buckingham toutes les 20 minutes pendant l’enregistrement de « Never Going Back Again »

https://www.youtube.com/watch?v=sKj1EFeU-cM

Les récits sur la poursuite de la perfection sonique de Fleetwood Mac sont légendaires. Il paraît qu’il a fallu au groupe quatre jours, neuf pianos et trois accordeurs pour trouver un instrument convenable à Christine McVie et le co-producteur Ken Caillat a déclaré à Sound on Sound que les sessions pour « The Chain » étaient tout aussi épuisantes. « Je me suis presque fait virer pendant l’enregistrement parce qu’on a passé cinq jours sur des sons de batterie. Le groupe pensait qu’on n’y connaissait rien ».

Caillat a également prêté une attention toute particulière au son de la guitare acoustique de Buckingham pendant l’enregistrement du délicat « Never Going Back Again », ce qui a mené à une technique d’enregistrement inhabituelle. « J’ai remarqué qu’à chaque fois qu’il jouait, le son de ses cordes était très différent après 20 minutes, a-t-il déclaré à Music Radar en 2012. Alors j’ai dit « Est-ce qu’on peut remettre des cordes à ta guitare toutes les 20 minutes ? ». Je voulais le meilleur son sur chacune de ses parties ».

Je me suis presque fait virer pendant l’enregistrement parce qu’on a passé cinq jours sur des sons de batterie. Le groupe pensait qu’on n’y connaissait rien

L’effort a pris une journée entière et les techniciens de studio ont fini sur les rotules. « Je suis sûr que les roadies voulaient me tuer. Remettre des cordes à la guitare trois fois par heure, c’est horrible. Mais Lindsey avait beaucoup de parties à jouer dans la chanson et chacune d’elles sonne magnifiquement bien ».

Le résultat final est la perfection pure, à un détail près. « Quand Lindsey s’est mis à chanter, il a réalisé qu’il jouait toutes ses parties de guitare dans les mauvais tons. Mon Dieu ! On a donc tout réenregistré le lendemain. On n’avait pas le choix si on voulait que Lindsey chante sur le bon ton ».

5. Le groupe a utilisé une chaise comme instrument de percussion sur « Second Hand News »

https://www.youtube.com/watch?v=p6Fdm3-dnr0

Le premier morceau de l’album écrit par Buckingham commence comme une marche celtique provisoirement connue sous le nom de « Strummer ». Ne souhaitant pas contrarier Nicks davantage, il n’a pas divulgué les paroles acerbes et ils ont continué à travailler le morceau en version instrumentale.

« La chanson en elle-même a des influences écossaises. Quand on a commencé à travailler dessus, on a fait quelque chose qui ressemblait à une traduction littérale, se souvient-il dans le documentaire Classic Albums. Mais on voulait aussi garder l’élément pop parce que ça allait être la première chanson et que c’était un album pop ».

Intrigué par les rythmes haletants que l’on trouvait à l’époque dans « Jive Talkin’ » des Bee Gees (inspiré par le son de la voiture des frères Gibb traversant le Julia Tuttle Causeway de Miami), Buckingham a cherché à injecter un léger groove disco dans la chanson. Pour obtenir l’effet de percussion qu’il voulait, il a frappé sur une chaise trouvée dans le studio.

« Lindsey était le roi de l’accentuation, a déclaré Caillat au Grammy Museum en 2012. Il pouvait faire des accentuations avec des guitares, avec des toms [et] avec des chaises ».

6. « Songbird » a été enregistrée en direct au Zellerbach de l’UC Berkeley

https://www.youtube.com/watch?v=51vjhSlUCcE

De nombreux morceaux de Rumours ont subi une grande transformation avant de finir sur l’album, mais le livre de cantiques moderne de Christine McVie a pris forme à partir du moment où Caillat l’a entendu pour la première fois, à la fin d’une longue journée d’enregistrement. « On terminait l’une des folles sessions au Sausalito Record Plant et je rangeais quelques câbles, se souvient-il au Grammy Museum. Christine s’est assise au piano et a commencé à jouer cette belle chanson. J’ai arrêté ce que je faisais, je me suis retourné et je l’ai regardée. J’étais impressionné par la beauté de la chanson ».

Plutôt que de noyer la mélodie avec un orchestre, Caillat a décidé d’essayer une approche dépouillée. « Avant Rumours, j’avais enregistré un album avec Joni Mitchell au Berkeley Community Theatre, a-t-il déclaré à Music Radar. J’ai pensé que faire un enregistrement similaire était parfait pour « Songbird ». Christine et les autres membres du groupe ont adoré l’idée ».

Le Berkeley Community Theatre n’était pas disponible, alors Caillat a réservé le Zellerbach Auditorium de l’Université pour le 3 mars 1976 avec une conque d’orchestre et un piano Steinway. « Pour faire une surprise à Christine, j’avais demandé à ce qu’un bouquet de roses, illuminé par trois projecteurs, soit placé sur son piano. Je voulais vraiment créer une ambiance ! a-t-il écrit dans son livre, Making Rumours: The Inside Story of the Classic Fleetwood Mac Album. Quand Christine est arrivée, on a tamisé les lumières pour qu’elle ne puisse rien voir d’autre que l’endroit où étaient les fleurs et le piano avec les projecteurs qui répandaient leur lumière depuis le ciel. Elle s’est presque mise à pleurer. Puis elle a commencé à jouer ».

La session d’enregistrement a continué jusqu’à sept heures le lendemain matin. Des performances live étaient capturées par 15 microphones placés autour de l’auditorium. « Ça a pris longtemps parce que je devais le faire en une prise », s’est-elle souvenue dans Classic Albums. La guitare acoustique de Buckingham était elle aussi enregistrée en live.

7. La chanson « Silver Springs » a été écartée de Rumours à cause du manque de place

https://youtu.be/0FLXwCc9kCk

L’album de 11 titres de Fleetwood Mac a été conçu comme si tous les titres allaient avoir du succès, un plan qui a fonctionné exactement comme le groupe l’avait espéré. Très bien adapté pour la radio, les quatre singles (« Go Your Own Way », « Dreams », « Don’t Stop » et « You Make Loving Fun ») ont atteint le Top 10 américain et les ventes astronomiques de l’album ont révélé la qualité de production et le savoir-faire musical de Rumours. Mais le contrôle qualité impitoyable a eu un effet secondaire inattendu : laisser l’un des futurs classiques de Nicks dans les cartons.

« Stevie est tellement prolifique ; toutes ses chansons duraient, à l’origine, environ 14 minutes, a déclaré Caillat dans le documentaire Stevie Nicks: Through the Looking Glass. Elle continuait encore et toujours. Il y avait des histoires sur sa mère et sur sa grand-mère et des histoires éloquentes sur son chien ou d’autres choses. C’était mon travail de m’asseoir à côté d’elle et de les réduire à trois ou quatre minutes. Il y a eu des larmes : « Tu ne peux pas enlever cette phrase ! ».

« Silver Springs » est une chanson pleine de reproches adressée directement à son ex. « J’ai écrit « Silver Springs » en parlant de Lindsey, a-t-elle déclaré dans Classic Albums. On était quelque part dans le Maryland en train de conduire. On est passés devant un panneau sur lequel on pouvait lire Silver Spring, Maryland. J’adorais le nom. « Silver Springs » me semblait être un endroit fabuleux. « You could be my silver springs. … ». C’est quelque chose de symbolique, ce que tu aurais pu être pour moi ».

Les vinyles ne pouvant contenir qu’environ 22 minutes par face, il était nécessaire de faire des modifications. Lorsque les sessions d’enregistrement se sont terminées à la fin de l’année 1976, Caillat a dû faire face à un problème mathématique et esthétique. « On était dans le neuvième mois d’enregistrement à l’époque et on commençait à réfléchir à quelles chansons on allait inclure sur l’album. On s’est rendu compte qu’on avait des chansons comme « Go Your Own Way », des chansons lentes et des chansons moins lentes. On avait peur d’avoir un album trop lent. On ne voulait pas poser l’aiguille du tourne-disques sur la face A et n’avoir que des chansons lentes. On a commencé à faire des tests et on s’est rendu compte qu’on ne pouvait pas faire une séquence de toutes les chansons pour qu’elles tiennent en 22 minutes et ne soient pas trop lentes ».

« Silver Springs » a donc été victime de ces tests. Afin d’apaiser Nicks, le groupe a enregistré le morceau instrumental de l’une de ses chansons pre-Fleetwood Mac, « I Don’t Want to Know », sans qu’elle le sache. Buckingham lui a finalement appris la nouvelle au moment d’enregistrer les paroles.

« Ils m’ont amenée sur le parking et m’ont dit « On retire « Silver Springs » de l’album parce qu’elle est trop longue » », a plus tard écrit Nicks dans le livret de Rumours lors de sa réédition. « Inutile de vous dire que je ne l’ai pas bien pris. J’ai demandé « Quelle chanson vous allez mettre à la place sur l’album ? ». Ils m’ont répondu « On a enregistré « I Don’t Want To Know » » et je pense que Lindsey croyait que ça m’irait parce que j’avais écrit cette chanson, mais ça ne m’allait pas du tout. Il y a toujours une ombre au-dessus de « I Don’t Want To Know », malheureusement, même si je l’adore et qu’elle est géniale ».

« Silver Springs » a été reléguée à la face B de « Go Your Own Way » de Buckingham, un choix irritant car la chanson faisait référence à Nicks par des paroles plus ou moins flatteuses comme « shacking up’s all you want to do ». Le morceau est resté relativement profond jusqu’à ce qu’il soit inclus sur The Dance, l’album live de Fleetwood Mac sorti en 1997. Grâce à cette nouvelle version, le groupe a remporté un Grammy et Nicks en a tiré une réelle satisfaction.

« Vous devez comprendre que « Silver Springs » a été retirée de l’album il y a 20 ans et que j’étais réellement dévastée…parce que j’adorais la chanson, a-t-elle déclaré à MTV à l’époque. Je n’ai donc jamais pensé que « Silver Springs » serait un jour jouée sur scène, [ou] qu’on l’entendrait à nouveau. Ma jolie chanson avait simplement disparu. Le fait qu’elle soit réapparue comme ça a vraiment été spécial pour moi ».

8. Les boules de Mick Fleetwood sur la pochette de Rumours ont une histoire

https://youtu.be/rFiCIbPox1Q

L’un des détails les plus étranges de la pochette iconique réalisée par Herbert Worthington est la paire de boules en bois qui pend entre les jambes de Mick Fleetwood vêtu d’un pantalon très serré. Plus qu’une farce enfantine faite sur un coup de tête, les boules datent de l’un des premiers concerts de Mac.

« Je dois admettre que j’avais bu quelques verres de bière anglaise et je suis sorti des toilettes avec ça, a-t-il déclaré au Maui Time en 2009. J’étais très destructeur, je les ai arrachées des toilettes et je les ai faites pendre entre mes jambes ».

Alors que l’humour a joué un rôle majeur dans ce choix vestimentaire non orthodoxe, Fleetwood s’est dit que c’était un clin d’œil approprié à ses origines musicales. « A vrai dire, j’ai commencé comme joueur de blues. De nombreux morceaux blues sont légèrement suggestifs, si je peux dire. Je suis entré sur scène avec ces deux boules en bois qui pendaient et puis c’est resté ».

Ce n’était pas son seul hommage à la virilité. Fleetwood a pendant longtemps mis un godemiché sur sa grosse caisse. Surnommé « Harold », le sex toy est devenu un genre de mascotte durant les représentations pre-Buckingham/Nicks du groupe. « La vie de showbiz d’Harold a pris fin dans un lycée baptiste du sud de l’Amérique où on a failli se faire arrêter pour sa performance, » a déclaré Fleetwood à l’Express des années plus tard.

Les boules de Fleetwood ont perduré bien plus longtemps. Elles sont devenues les talismans personnels du batteur, faisant une apparition lors de presque chaque performance de Fleetwood Mac. Malheureusement, les boules d’origines ont été perdues sur la route mais il s’est débrouillé avec une réplique. « Je ne dirais pas qu’elles sont aussi vieilles que moi, mais…ça devient obscène comme commentaire…mes boules sont plutôt vieilles ».

9. Le groupe a envisagé de remercier leur dealer dans les crédits de l’album

Lorsqu’on étudie l’enregistrement de Rumours, il est impossible d’éviter le sujet de l’utilisation effrénée de la cocaïne. Fleetwood a déclaré que s’il alignait toute la cocaïne qu’il a sniffée dans sa vie, la ligne ferait plus de 11 kilomètres. « Les récits des excès sont véridiques, mais on serait déjà tous morts si on n’était pas aussi forts, » a-t-il écrit dans Play On.

La cocaïne était moins un plaisir qu’une nécessité. Elle aidait à combattre la fatigue pendant les sessions éreintantes qui duraient plusieurs heures (et les émotions alambiquées). « On se sentait si mal en pensant à ce qui se passait qu’on se faisait une ligne pour se réconforter », a déclaré Nicks à Mojo en 2012.

La cocaïne a joué un rôle si important dans la production de Rumours que le groupe a sérieusement envisagé de remercier leur dealer dans les crédits de l’album, jusqu’à ce que la violence des gangs mit prématurément fin à l’idée. « Malheureusement, il a été exécuté avant que l’album ne sorte », a écrit Fleetwood dans sa première autobiographie sortie dans les années 1990, Fleetwood: My Life and Adventures in Fleetwood Mac.

10. La photo de couverture de Rolling Stone prise par Annie Leibovitz a semé les graines de la relation entre Nicks et Fleetwood

On s’est moqué de la réputation incestueuse de Fleetwood Mac lors de leur première apparition en couverture de Rolling Stone. Sur la photo, on voit tous les membres du groupe dans le même lit. « Le but était de parodier les rumeurs sur notre vie privée et pourtant, de façon symbolique, l’image nous montrait exactement comme on était : tous mariés les uns aux autres », a écrit Fleetwood dans Play On.

Annie Leibovitz, déjà icône de la photographie rock, jouait le rôle de l’hôte consciencieux lorsque le groupe est arrivé dans son studio pour la séance photos. « Je me suis dit qu’il fallait que je sois gentille et polie et j’ai apporté de la cocaïne pour tout le monde, se souvient-elle. A cette époque, pour les séances photos, vous apportiez de la cocaïne. Je l’ai sortie et ils ont tout d’abord semblé effrayés mais ils en ont pris au bout de 30 secondes. J’ai ensuite appris qu’ils avaient tous récemment fait une cure de désintoxication. Ils étaient donc tous un peu nerveux et tendus ».

Nicks ne se souvient pas de la cocaïne (« J’ai pensé que c’était un carton de champagne ») mais elle se souvient de l’agitation. « Quand Annie a dit qu’elle voulait qu’on s’allonge tous ensemble dans un grand lit, je lui ai dit « Euh… j’espère que tu as une idée de secours ». Elle m’a répondu « Non, tu vas être superbe, ça va être drôle, prends un verre de champagne » ». Le concept original voulait que les deux ex couples s’étreignent mais il ravivait trop de souvenirs. « Pour Stevie et moi, les blessures et l’animosité étaient toujours très présentes, a déclaré Buckingham. L’idée de la photo n’était pas du tout drôle ».

Nicks a fini par accepter. « J’ai dit « Okay, mais je ne veux pas être à côté de Lindsey dans le lit ». Du coup je me suis allongée près de Mick durant les trois heures suivantes pendant qu’Annie était suspendue au-dessus de nous sur une plate-forme. Christine n’aimait pas vraiment être à côté de John parce qu’ils venaient de divorcer ». Le bassiste, seul, était absorbé par un exemplaire de Playboy.

Même s’ils ont essayé de garder une distance respectable, la session a brièvement réuni Nicks et Buckingham. « Après la séance photos, Lindsey et moi avons discuté : il n’y avait pas si longtemps, j’étais une serveuse et il n’avait pas de travail. Aujourd’hui, on était en couverture de Rolling Stone avec un album à succès. On est restés là pendant environ deux heures à parler et à s’embrasser. Annie nous a finalement dit de partir parce qu’elle avait loué la pièce pour un temps limité ».

Encore plus surprenant, les heures que Nicks a passées à câliner Fleetwood ont fait forte impression sur eux. Fleetwood a plus tard écrit que la séance photos lui avait fait comprendre que Nicks et lui s’étaient « sans aucun doute connus dans une vie antérieure ». Nicks a elle-même admis que la session avait « planté les graines pour Mick et moi, ce qui s’est réalisé un an plus tard ». La relation a sérieusement commencé pendant une pause, à la fin de l’été, durant la tournée du groupe qui n’en finissait plus cette année-là, juste avant qu’ils ne se rendent dans le Pacifique sud. « Stevie et moi avions l’habitude de partir à l’aventure après les concerts. C’était une façon très simple de s’enfuir ». Des voyages romantiques à Maui, en Nouvelle-Zélande et des trajets en voitures dans les collines d’Hollywood, tout cela les a rapprochés.

Leur relation n’a pas duré, mais Fleetwood a porté une sorte de flambeau pour son amie. « On s’aimait simplement dans le vrai sens du terme, ce qui transcende la passion. J’emporterai mon amour pour elle dans la tombe parce que Stevie Nicks est le genre de femme qui inspire ce dévouement. Je n’ai aucun regret et elle non plus. Parfois on rit et on se demande ce qui se serait passé si on avait donné à cette passion l’espace et le temps pour se développer ».

#Annie Leibovitz #Christine McVie #Dreams #fleetwood mac #Go Your Own Way #John McVie #Lindsey Buckingham #Mick Fleedwood #Never Going Back Again #Rumours #Second Hand News #Silver Springs #Songbird #The Chain #topliste

0 notes