#cimabue

[livesunique]

"The Mocking of Christ" by Cenni di Pepo known as CIMABUE (Active in the years 1272 to 1302).

The long-lost work by 13th century Florentine master has been found to be hanging over a kitchen hot plate in the French town of Compiègne in 2019. 

It is believed that the piece is part of a diptych made up of eight scenes centered on the passion and crucifixion of Christ. 

Two other related panels, Flagellation of Christ and the Madonna and Child Enthroned between Two Angels, were bought by the Frick Collection in New York in 1950 and the National Gallery in London in 2000, respectively. It too was lost for centuries before a British aristocrat found it in his home in Suffolk.

Only around eleven of Cimabue's paintings are know in the world.

The Louvre Museum in Paris has added a “national treasure” to its collection.

Tempera and gold leaf ground on a poplar panel.

25.8 x 20.3 cm.

[koredzas]

Cimabue - The Mocking of Christ. 1270 - 1300

[garadinervi]

Christian Eckart, Plate, from Cimabue Restoration Project, (laminated page from book with gold and aluminum leaf collage), Parasol Press, New York, NY, 1987 [Art Institute of Chicago, Chicago, IL. © Christian Eckart]

[t-annhauser]

Cimabue

L'ha detto il Vasari, che oltre a pittore fu anche uomo rinascimentale dai molti ingegni e primo storico della pittura "moderna" con Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, che tutto inizia con Cimabue, maestro di Giotto. Siamo nella seconda metà del ducento quando a Firenze tale Cenni di Pepo, questo il suo vero nome, inizia a innovare l'arte bizantina cercando di sfuggirne l'usuale fissità.

In particolare sui crocifissi, dicono, Cimabue diede saggio del suo nuovo stile: inarcò ancora di più la curva del corpo, definì meglio i muscoli attraverso un uso più sapiente della sfumatura, iniziò a far risaltare ancor di più i tratti drammatici del volto. Ecco un raffronto fra lo stile di Giunta Pisano (a sinistra) e quello di Cimabue (a destra).

Lentamente la pittura si stava spostando verso un maggiore realismo della figura contro il simbolismo dell'arte bizantina classica, un realismo di cui fu riconosciuto come primo maestro Giotto (e Cimabue come suo precursore).

[nota: che la pittura andasse verso un maggiore realismo non significava che fosse conseguentemente migliore di quella precedente, come se il valore di un pittore si misurasse dall'abilità di copiare meglio la realtà. Si tratta semplicemente di un concetto nuovo che si svilupperà via via fino ai giorni nostri, almeno fino alla nuova rivoluzione dell'arte astratta]

[onenakedfarmer]

Daily Painting

Cimabue THE VIRGIN AND CHILD (1295)

[girlartemisia]

For @girlcavalcanti, here's Giotto painting the portrait of Dante by Dante Gabriel Rossetti

From the left: Guido Cavalcanti, Dante, Giotto, Cimabue, ladies amongst which is Beatrice.

Guido is reciting Guinizelli's poems while Dante is cutting a pomegranate, symbol of immortality. Giotto instead is creating the painting that's in the Palazzo del Bargello.

Now. Tell me honestly. How concentrated is he on Guinizzelli? His mouth isn't even open. They just look like a married couple.

[hxllishchild]

Crucifix of San Domenico | (detail, Hand of Christ) - Cimabue

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[pmamtraveller]

THE DEATH OF LEONARDO DA VINCI (1818) by JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

FRANCIS I of FRANCE holds LEONARDO DA VINCI’S head in his arms as he takes his last breath. The painting is dedicated to the COUNT DE BLACAS, one of LOUIS XVIII’s ambassadors and a prominent figure in the Restoration. The painting has troubadour style and was loosely inspired by FRENCH history seen from the point of view of an anecdote.

As far as we know, LEONARDO died in 1519 at AMBOISE. He arrived in FRANCE at the request of FRANCIS I. The story of his untimely death at the hands of the King can be found in THE LIVES OF VASARI. This work which appeared in 1550, celebrates the best of ITALIAN painting in an ascending oder from CIMABUE to MICHELANGELO and finally RAPHAEL.

Although he dropped out of school at an early age, the artist’s ability to compose historical subjects was based more on his photographic memory than on his literary knowledge. In fact, he used several famous paintings on display in the LOUVRE Museum to model the figures in the scene.

The use of iconography is evident in the portrait of FRANCIS I, which is copied from the portrait of TITIAN painted in 1538. The figure of the dying LEONARDO has a typically ‘Ingresque’ figure, with an expressive twist of the neck and a delicate colour scheme.

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Un Trésor national voir Mondial : redécouvert dans une cuisine, un rarissime tableau de Cimabue entre au musée du Louvre

A National treasure or more a World treasure: found in a kitchen , a painting of Cimabue on a wood panel is coming in the Louvre Museum (Paris) !!!!!

Par Anne-Sophie Lesage-Münch le 02.11.2023 Connaissance des Arts

Cimabue, Le Christ moqué (détail), 25,8x 20,3 cm, peinture à l'oeuf et fond d'or sur panneau de peuplier, Actéon Senlis, vente 27 octobre 2019.

Après trois années d’attente, La Dérision du Christ de Cimabue, petit panneau de bois du XIIIe siècle devenu le tableau primitif le plus cher du monde, rejoint les collections nationales.

Une bien discrète annonce pour une acquisition extraordinaire. En ce premier jeudi de novembre, où la tempête Ciaran occupe tous les esprits, le ministère de la Culture a diffusé sans crier gare un communiqué que beaucoup attendaient. Voilà en effet près de trois ans que la question ressurgissait de loin en loin : mais que devient le Cimabue sauvé d’une cuisine ? On apprend donc officiellement aujourd’hui que La Dérision du Christ, petit chef-d’œuvre miraculé classé Trésor national, rejoint les collections du musée du Louvre.

Ceci n’est pas une icône

Dans la famille des chefs-d’œuvre perdus et fortuitement redécouverts, ce petit panneau de bois peint d’à peine 25 cm de haut tient une place plus que remarquable. Son histoire récente débute en juin 2019 lorsque Philomène Wolf, commissaire-priseur pour la maison de vente Actéon, travaille sur l’inventaire de la maison d’une nonagénaire à Compiègne. Elle remarque alors, accroché dans la cuisine au-dessus des plaques de cuisson, ce que jusqu’alors la famille considérait comme une simple icône russe. De fait, l’art de Cimabue s’ancre dans la tradition de la peinture byzantine dont il s’affranchit cependant (et c’est là tout son génie) pour développer une nouvelle esthétique à l’orée de la Renaissance.

Classé Trésor national en 2019, le tableau La Dérision du Christ de Cimabue rejoint les collections du musée du Louvre. ©Actéon

L’œuvre est alors soumise à l’expertise du cabinet Turquin qui l’attribue finalement, après des mois de recherche, au fascinant peintre florentin, maître de Giotto, dont on ne connaît à ce jour qu’une quinzaine de réalisations. Cette étude permet également de comprendre que le panneau appartient à un diptyque (un objet de dévotion privée) composé de huit scènes de la Passion du Christ, datant de 1280, dont seulement deux autres panneaux nous sont parvenus : La Flagellation du Christ, conservé à la Frick Collection de New York depuis 1950, et La Vierge à l’Enfant, acheté par la National Gallery à Londres en 2000.

Reconstitution du diptyque auquel a appartenu le Christ moqué de Cimabue ©Actéon

Une exposition exceptionnelle en 2025

Estimée entre 4 et 6 millions d’euros, l’œuvre est présentée aux enchères le 27 octobre 2019 où elle atteint le prix de vente record de 24 millions d’euros, devenant ainsi le tableau primitif le plus cher du monde (et accède également au 8e rang des tableaux anciens les plus chers jamais vendus). Le musée du Louvre, qui souhaitait se porter acquéreur, n’a alors pas encore pu réunir la somme nécessaire à sa préemption. Quelques semaines plus tard, la veille de Noël, on apprend que l’œuvre est finalement classée « Trésor national », un label qui exclut de fait toute autorisation de sortie du territoire français durant une période de 30 mois. Cette manœuvre va alors laisser le temps à l’administration de réunir les fonds pour l’acquisition du chef-d’œuvre.

Cimabue, La Vierge et l’Enfant en majesté entourés de six anges (Maestà), vers de 1275 à 1300, tempera et fond or, musée du Louvre ©Wikimedia Commons

Aujourd’hui le musée du Louvre peut se féliciter de l’entrée dans ses collections de cette œuvre insigne qui, comme l’explique Laurence Des Cars, présidente-directrice du musée « constitue un jalon crucial dans l’histoire de l’art, marquant la fascinante transition de l’icône vers la peinture ». La Dérision du Christ met déjà en œuvre des questions qui deviendront centrales dans les arts de la Renaissance, en particulier la représentation de l’espace, de la lumière ou encore des sentiments humains. Elle rejoint la monumentale Maestà, autre chef-d’œuvre du peintre florentin qu’abrite l’institution parisienne, et qui fait actuellement l’objet d���une campagne de restauration. Les deux tableaux, qui à grande comme à petite échelle font la démonstration du caractère révolutionnaire de l’art de Cimabue, seront au cœur d’une exposition au printemps 2025.

[koredzas]

Cimabue - The Mocking of Christ. Detail. 1270 - 1300

[garadinervi]

Christian Eckart, Plate, from Cimabue Restoration Project, (laminated page from book with gold and aluminum leaf collage), Parasol Press, New York, NY, 1987 [Art Institute of Chicago, Chicago, IL. © Christian Eckart]

[mollat-bordeaux]

📣 Le très beau numéro de Grande Galerie Le Journal du Louvre @museelouvre est disponible au Rayon Beaux-arts de la @librairie_mollat Au sommaire : un grand entretien sur les grands projets du Louvre avec Laurence des Cars, la restauration de La Mort de Sardanapale de Delacroix et de la Maestà de Cimabue, le portrait de grands mécènes du Louvre : Harry et Linda Fath et plein d’autres sujets passionnants encore comme le format perdu du Gilles de Watteau ou Feu ! Chatterton en résidence au Louvre… #grandegalerie #grandegalerielejournaldulouvre #lejournaldulouvre #delacroix #watteau #cimabue #feuchatterton #louvre #museedulouvre #librairie #mollat #bordeaux (à librairie mollat) https://www.instagram.com/p/CqLfzoDjlKi/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[fergeleo]

Cimabue, artistic pseudonym of Cenni (Bencivieni) di Pepo (1240-1302) - Madonna and Child Enthroned with Angels and Prophets, (c. 1290-1300). Tempera on wood, gold background; size: 384.00 cm x 223 cm. Coming from the church of Santa Trinità in Florence, it is currently kept in the Uffizi Gallery. Florence, Italy

[thegianpieromennitipolis]

Da: SGUARDI SULL’ARTE LIBRO SECONDO - di Gianpiero Menniti 

L’EVOLUZIONE DELLA PITTURA

Tra la fine del XIV e gli inizi del XV secolo, nel “Libro dell’Arte”, Cennino Cennini scriveva che per la pittura «conviene avere fantasia e operazione di mano, di trovare cose non vedute, cacciandosi sotto ombra di naturali, e fermarle con la mano, dando a dimostrare quello che non è, sia. E con ragione merita metterla a sedere in secondo grado alla scienza e coronarla di poesia». Quando Cennino si cimentava nella teoria dell'arte, Giotto, la punta più avanzata della nuova pittura, era già scomparso da oltre sessant'anni, lasciando in eredità l’apertura alla terza dimensione e con essa le infinite possibilità della narrazione, le ambientazioni naturalistiche, l’espressività che connota la psicologia delle figure ritratte, la magia della luce attraverso i colori. Ma anche qualcosa di più: il ruolo della pittura quale strumento principe di nuove forme di visione. Detta così sembra semplice. Eppure, la questione non può limitarsi a registrare il processo di maturazione in atto tra la fine del '200 e gli inizi del '300.La pittura rimase a lungo relegata in una manieristica, ossessiva ripetizione del modello "costantinopolitano": forse per la mancanza di riferimenti alternativi? Forse perché le arti plastiche coglievano le opportunità del tutto tondo ovvero dell’altorilievo che colori e pennelli non erano in grado di equiparare? Cosa accadde ai vari Giunta Pisano, Coppo di Marcovaldo, Cimabue, Giotto e Duccio di Buoninsegna perché si destassero spalancando all’arte scenari inconsueti e fecondi? E perché questo cambiamento, pur timido nelle sue fasi iniziali, si affermò proprio nel momento in cui i modelli bizantini, dopo la IV crociata del 1204 e la conquista di Costantinopoli, proliferavano nell'Europa occidentale? Proviamo a capire. Senza dubbio la pittura era più economica e più rapida da realizzare. Poi, occorre aggiungere, si affermò l’uso della “tavola” dipinta poiché poteva essere rimossa e così fungere anche da icona per le processioni. Naturalmente, non basta. Esisteva un riflesso culturale legato all’opera pittorica, una dimensione nella quale il dipinto è soggetto-oggetto: modificare questa concezione, diffusa e consolidata, diveniva atto di un riformismo radicale che non poteva essere accolto così facilmente. Quindi, la pittura nuova doveva nascere in un mutato ambiente culturale, quando gradualmente le generazioni dell’urbanesimo italiano (e non solo italiano) maturarono paradigmi differenti attribuendo alla figurazione funzioni diverse dal passato. In questa scia ci si accorse che la scultura possedeva una capacità narrativa intensa ma insufficiente a descrivere le novità della rivoluzione commerciale ed il cambiamento dei costumi sociali: sul supporto bidimensionale la descrizione del mondo e dei suoi contenuti è molto più agevole, potenzialmente più ampia, diventa soprattutto una questione tecnica prima che stilistica. Anche le sensibilità religiose si stavano trasformando: influenzate e mediate dagli Ordini mendicanti, presenze che hanno luogo nella città, nella fitta trama di società convulse, tendono a farsi corpo di una nuova espressività, più profonda, più vicina ai sentimenti dei nuovi ceti sociali e del loro protagonismo. Non è un caso se spicca la figura di San Francesco che diventerà uno dei soggetti preferiti della figurazione pittorica. Allo stesso modo, il Cristo crocifisso transita dall’essere "triumphans" al diventare "patiens", mentre la Vergine in trono, che simboleggia l’Ecclesia e tiene in braccio Gesù Bambino, comincia ad assumere in volto un’espressione carica di umano sentimento e di afflato materno. La prospettiva è ancora fragile. Eppure esiste: si tratta di una prospettiva inversa, quella che colloca il punto di fuga verso lo spettatore come per accoglierlo entro la scena rappresentata. Tutti assieme, questi elementi costituiscono i vagiti ancora lontani dell'Umanesimo: è lo spirito che si realizza nella storia.

Giunta Pisano (1190/1200 circa - 1260 circa): Crocifisso, Basilica di San Domenico, 1250/1254, Bologna (particolare)

Coppo di Marcovaldo (1225 circa - 1276 circa): “San Francesco Bardi”, 1250/1260, Basilica di Santa Croce, Firenze

Cimabue (1240 circa - 1302): Crocifisso, 1268/71, Chiesa di San Domenico, Arezzo (particolare)

Duccio di Buoninsegna (1255 circa - 1318 o 1319): "Madonna Rucellai", 1285, Galleria degli Uffizi, Firenze

Giotto (1267 - 1337):“Crocifisso”, 1290/1295, Santa Maria Novella, Firenze e "Omaggio dell'uomo semplice", 1295 /1299, ciclo di affreschi delle "Storie di San Francesco", Basilica Superiore di San Francesco, Assisi